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viernes, 28 de mayo de 2010

Años 70: Thin Lizzy

Esta formidable banda irlandesa ha estado siempre a la sombra de otras coetáneas mucho mas populares, sin embargo Thin Lizzy son sin duda una de las formaciones más importantes y emblemáticas del hard-rock de la década de los años 70 y que fue liderada por el carismático cantante mestizo Phil Lynott, la banda formada en la ciudad irlandesa de Dublín pasaría del folk melódico y el blues de sus primeros discos a convertirse en uno de los pioneros del hard rock británico, con su peculiar estilo de dobles guitarras solistas.
Todo empezó cuando a finales de los años 60 Lynott fundo su primera banda The Black Eagles, y donde coincidió con el batería Brian Downey. Más tarde fue invitado por Bruce Shiels a unirse a Skid Row, y en su breve paso por este grupo dublinés aprendió a tocar el bajo y conoció al guitarrista Gary Moore, con el que tendría posteriormente una fructífera y agitada relación artística. Tiempo después Lynott abandono el grupo y junto a Downey formo el grupo Orphanage. Pero tras uno de sus conciertos en Dublín, ambos conocieron a dos reconocidos músicos de Belfast: el guitarrista Eric Bell, y el teclista Eric Wrixon, que había pertenecido al grupo Them , y deciden fundar una banda propia. Así nacería a finales de 1969 en la ciudad de Dublín el grupo Thin Lizzy, con Lynott como cantante, bajista y principal compositor. El grupo había tomado el nombre de un conocido personaje de cómic llamado Tin Lizzie, que finalmente fue modificado tras considerarlo poco apropiado para una banda de rock.
A principios de 1970, los recién nacidos Thin Lizzy comenzaron a tocar en los circuitos de rock de Dublín y consiguen un contrato discográfico con la filial irlandesa de Emi, que les edita el sencillo The Farmer, dado el escaso interés mostrado por este disco se le rescinde contrato y posteriormente consiguen un contrato con la discográfica londinense Decca Records. Así, a finales de 1970 Lynott, Bell y Downey se ya en Londres graban su primer álbum, el homónimo Thin Lizzy (1971) que pasaría totalmente desapercibido, pero en donde se mostraba un grupo bastante cohesionado con temas como las psicodélica The Friendly Ranger at clontar Castle, Ray-Gun, Eire o la psicotica Return of the Farmer´s. Sin embargo, ese año el grupo se dio a conocer ampliamente en Inglaterra, tocando en el prestigioso local Ronnie Scott´s y teloneando a los Status Quo, mientras el famoso locutor John Peel les daba una gran difusión radiofónica al convertirse en uno de sus mayores admiradores. Ante la creciente fama del grupo, Thin Lizzy publicaría ese mismo año el EP New Day, que salió a la venta en agosto de 1971, En estas primeras grabaciones de la banda irlandesa se mostraba ya el rico potencial como compositor de Lynott, bastante influenciado por Van Morrison y la literatura y tradiciones irlandesas, lo cual se refleja en unas letras muy poéticas y un sonido más intimista y folk, que marcará los primeros discos de Thin Lizzy. El álbum de debut de la banda irlandesa es musicalmente una obra de formación y búsqueda, pero los solos de guitarra de Bell en los temas más blues-rock apuntan ya el sonido que llegará más adelante. A principios de 1972, aparece el segundo álbum del grupo Shades of Blue Orphanage, con un título que homenajeaba a los antiguos grupos de los miembros de la banda, Shades of Blue y Orphanage. Para este segundo álbum el sonido se deriva hacia elementos mas funky arropado por las personales letras de Lynott, como el que abre el disco, The Rise & Dear Demise of the Funky Nomadic Tribes, o con claros guiños al rock and roll de los cincuenta con I Don´t want to forget how to jive o trallazos rock como Call the Police.
Pero Phil Lynott seguía insatisfecho con este segundo álbum que no definía un estilo propio. No obstante, en directo las ideas parecía estar más claras y el grupo empezaría a actuar con frecuencia en Europa, exhibiendo un sonido más enérgico. Por otro lado, algunos miembros del grupo participan junto a otros músicos en la grabación de un álbum de versiones de Deep Purple  Este homenaje se publicaría en enero de 1973 con el título de Funky Junction play a Tribute to Deep Purple. Poco antes había llegado por fin el primer éxito de ventas para Thin Lizzy con el sencillo Whiskey in the Jar, una versión eléctrica de la canción tradicional irlandesa que les llevaría a los primeros puestos de las listas británicas en 1972, aunque la intención de la banda era promocionar el rock más contundente de la que sería cara B del sencillo, Black Boys on the Corner, otro homenaje de Lynott a los supervivientes de las barriadas urbanas. Ya en 1973, salió a la venta un nuevo sencillo cuyo tema principal era Randolph´s Tango, un ritmo latino poco atractivo para el público rockero, que fracasó como era de esperar. Durante 1973, Thin Lizzy continuó girando por Europa y grabaría en Londres las canciones para su siguiente álbum, Vagabonds of the Western World (1973), que supondría un cambio sustancial en el sonido del grupo derivándose hacia terrenos mas hard rock blues bien demostrado en los temas Mama nature said, Gonna Creep up on you, la mencionada Whiskey in the Jar o la sensacional Broken dreams. Este tercer álbum también supondrá el último en el que participaría Eric Bell antes de abandonar la formación, en desacuerdo con el rumbo musical del grupo e incapaz de soportar los excesos de las giras, abusos alcohólicos y frecuentes conflictos con Lynott Pero sin duda este sería el mejor disco de la primera época de la banda irlandesa y Bell se despediría con actuaciones memorables tanto en los temas de blues eléctrico como la citada Mama Nature Said o Slow Blues o como en el auténtico himno rockero Rocker, que contiene uno de los solos de guitarra más largos y escalofriantes de la historia del rock. Ahora sí que parecía nacer la auténtica personalidad de Thin Lizzy. Lynott aportaría de nuevo para el repertorio de Vagabonds todo su universo lírico y épico en excelentes baladas como The Hero and the Madman, Little Girl in Bloom o A Song for While I´m Away.
Bell sería sustituido temporalmente por Gary Moore, que tocaría para la grabación del sencillo Little Darling y el tema Still in Love with You, hasta que a mediados de 1974 se incorporó el dúo de guitarras formado por el californiano Scott Gorham y el portentoso guitarrista escocés Brian Robertson. Ambos se convirtieron enseguida en miembros permanentes del grupo y estandartes del nuevo sonido de Thin Lizzy, que poco a poco irá dejando atrás el rock melódico para acercarse al hard-rock con su legendario y afilado ataque de dobles guitarras, que tanto influenciará a los grupos de heavy metal británicos (Iron Maiden, Judas Priest, Ufo, Def Leppard . Etc). A principios de 1974 vuelven a cambiar de sello discográfico y fichan por Mercury y Lynott asume a partir de entonces las labores de producción, y se publica en noviembre de 1974 Nightlife, un álbum de transición que contiene todavía una amalgama de estilos que van desde el rock hasta el funky pasando por elementos jazzisticos, temas como el exquisito medio tiempo Still in love with you o la jazzitica Dear heart conformaban un trabajo que suponía un paso atrás con respecto al anterior álbum.
Pero es en el siguiente álbum Fighting (1975), donde el rock poderoso y enérgico empieza a dominar los temas y el potente sonido de las “guitarras gemelas” de Gorham y Robertson, perfectamente respaldado por la portentosa batería de Downey, acabarán por conquistar al público tras cuatro discos de mediocre factura pero de innegable calidad Magníficas muestras en este sentido fueron los temas Suicide, Fighting my Way Back, Wild One y la aportación de Gorham que cierra el álbum, Ballad of a Hard Man. Una gran influencia en el nuevo rumbo de las canciones de Lynott fueron sus giras de ese año por Estados Unidos, donde acompañaron al grupo de Bob Seger
Pero el lanzamiento definitivo de la banda irlandesa como referencia del hard-rock de los 70 comenzaría con el álbum Jailbreak (1976), que contiene los míticos temas Jailbreak y The Boys are Back in Town. Además de estos éxitos musicales, el repertorio no decae en ningún momento, con otras descargas rockeras como Angel from the Coast, Warriors, Cowboy Song o Emerald y momentos melódicos brillantes como Romeo and the Lonely Girl.
Pero el éxito creciente de la banda aceleró los excesos con el alcohol y las drogas de los miembros de la banda, en especial de Lynott, que sufrió una hepatitis que le impidió completar la gira de promoción de Jailbreak por Estados Unidos. El tiempo de descanso obligado por la baja de su cantante permitió a Thin Lizzy preparar y publicar en octubre de 1976 Johnny The Fox, un nuevo triunfo para los irlandeses a uno y otro lado del Atlántico. Don´t Believe a Word fue la canción que llegó más alto en las listas de ventas, aunque el álbum contiene otras joyas como Johnny, Rocky o Massacre. En las grabaciones participaría en las percusiones el  bateria Phil Collins.  En esta época, sin embargo, el guitarrista Brian Robertson perdió el control de su comportamiento, lo que perjudicó su actuación y la estabilidad del grupo. En 1977 tuvo incluso que ser sustituido temporalmente por Gary Moore (entonces miembro de Colosseum II) durante la gira con Queen por Estados Unidos, al romperse la mano en un incidente nocturno, y apenas participó en la mitad de los temas del siguiente disco: Bad Reputation (1977), que contenia momentos memorables como el alarde guitarrero de Bad reputation, la disco-rock Dancing in the moonlight, o la hard rock Opium Trail.
Tras volver a cambiar de sello y recalar en Warner Brothers, a mediados de 1978 se publica, Live and Dangerous, que recogía actuaciones de las giras de Thin Lizzy en 1976 y 1977. toda una obra maestra del rock en directo. Posteriormente Lynott forma parte de un proyecto paralelo con miembros de Sex Pistols llamado de The Greedy Bastards, sin apenas repercusión, y algo después Robertson es invitado a salir del grupo siendo Gary Moore quien acude de nuevo a cubrir su puesto, participando en la grabación del siguiente trabajo de la banda Black Rose.(1979), que se convierte en un trabajo mucho mas hard rock con temas como Roisin Dubh, With Love o Do Anything you want to, pero las colaboraciones entre Lynott y Moore se extenderían además al disco en solitario del guitarrista, Back on the Streets (1979), en el que Moore versionea Don´t Believe a Word. Lynott y Downey participan posteriormente en varias de las canciones y Lynott firma con Moore los exitosos Fanatical Fascists y sobre todo Parisienne Walkways, que se convertirá en su mayor éxito hasta la llegada de Still Got The Blues (1990). En Black Rose, Lynott recupera toda su fuerza compositiva y canta mejor que nunca, mientras la potencia de las guitarras gemelas, ahora con Gorham y Moore, acerca a Thin Lizzy al heavy metal en la mayoría de los temas, aunque triunfarían otras canciones más digeribles como S&M o Waiting for an Alibi. Pero a pesar del éxito del álbum, Moore abandona el grupo por sus constantes conflictos con Lynott, que llegó proporcionarle un aparatoso corte en la cara con una botella rota, y rompería su amistad con el bajista durante bastante tiempo. Snowy White, seria el elegido para sustituir a Moore gracias a que había impresionado a Lynott tras su colaboración en las giras de Pink Floyd en el World Wall Tour y sus colaboraciones con la banda de Peter Green. Al mismo tiempo, Lynott se refugia en su primer y magnifico trabajo en solitario Solo in Soho (1980) en donde cuenta con la colaboración de Downey, el batería de Supertramp, Bob C.Benberg y el guitarrista de Dire Straits Mark Knopfler.
Ese mismo años se publica el siguiente trabajo de Thin Lizzy Chinatown, en el que participa el teclista Darren Dean Wharton, que pasa a ser un nuevo miembro de la banda. Este registro continuó manteniendo en la élite del rock a Thin Lizzy, y aunque presenta un sonido más contenido que discos anteriores, incluye temas rockeros memorables como Chinatown y Hey You y las aportaciones boogie del guitarrista Snowy White en las excelentes Sugar Blues y Killer on the Loose. Contradictorio como siempre, Lynott encontró en esta época la felicidad en su relación con Caroline Crowther y el nacimiento de sus dos hijas, pero al mismo tiempo las exigencias de la fama le abocaron al precipicio de la heroína, que provocaría su separación matrimonial y su trágico fin.
En noviembre de 1981, se publicó Renegade, repitiendo el éxito de ventas del disco anterior y ofreciendo cinco magníficos primeros temas Angel of Death, Renegade, The Pressure Will Blow, Leave this Town y Hollywood,. Al año siguiente saldría a la venta el segundo álbum en solitario de Lynott: The Philip Lynott Album, de nuevo con la colaboración de sus compañeros de Thin Lizzy y algunos musicos de prestigio.
Posterioremente Snowy White y le cede el puesto a John Sykes, que reconvertiria el sonido del grupo hacia terrenos del heavy-metal en el siguiente álbum: Thunder and Lighting (1983), que sería el último de estudio de la banda. y en destacarían los cortes Thunder and Lighting y Cold Sweat. Pero Lynott poco despues y despues de unos conciertos de despedida en la que serían invitados incluso los antiguos guitarristas de la banda Bell, Robertson y Moore, se anunció la disolución de Thin Lizzy.
En octubre de 1983 se publicó el directo Life, que recogía actuaciones de Thin Lizzy entre 1981 y 1983. y un año despues, Lynott forma la banda Grand Slam en busca de iniciar una nueva experiencia, pero no obtuvo el respaldo de las discográficas por su identificación con Thin Lizzy, y alternó en esta época con el grupo folk irlandés Clann Éadair, con los que grabó un sencillo en homenaje a la cantante inglesa Sandy Denny Tribute to Sandy Denny. En 1985, volvería a recuperar su amistad con Gary Moore, publicando un EP con el conocido tema Out in the Fields y otras dos colaboraciones de ambos: Military Man y Still in Love With You. Las dos primeras canciones aparecerían en el álbum en solitario de Moore Run for Cover (1985). Al mismo tiempo, consiguió un contrato con el sello Polydor para grabar un nuevo álbum en solitario, publicando el sencillo Nineteen. Pero a finales de ese año la salud de Lynott comenzó a resentirse gravemente como consecuencia de su adicción a la heroína y fue ingresado en el hospital de Salisbury, donde fallecería de neumonía y fallos cardíacos el 4 de enero de 1986. En 1991, Gorham, Downey y Wharton trabajaron en la maqueta del tema grabado por Lynott Dedication, publicándolo como homenaje en el quinto aniversario de su muerte. Además, en 1994 salieron a la luz las grabaciones de Thin Lizzy para el programa del famoso locutor John Peel (The Peel Sessions) y el registro del concierto de despedida de la banda en el festival de Reading en 1983, que fue retransmitido por la BBC (BBC Radio One Live in Concert).
A mediados de los 90 algunos antiguos miembros de Thin Lizzy deciden volver a reorganizar la banda, entre los que estaban John Sykes y Scott Gorham y Marco Mendoza como bajista, ofreciendo desde entonces continuas giras e incluso publicando un álbum en directo  One Night Only (2000),
La ciudad de Dublín rendiría homenaje a Phil Lynott, con la presencia de su madre y ex-miembros de Thin Lizzy en 2005, inaugurando una estatua de bronce de tamaño natural en la acera de Harry Street. Por último, el año 2007 saldría a la venta en DVD el documental The Rocker: A Portrait of Phil Lynott.

Web Oficial Thin Lizzy

lunes, 24 de mayo de 2010

Grandes Bandas años 70: Chicago

Chicago fue la respuesta evidente a una necesidad forjada por la evolución de la música de finales de los años 60, una necesidad nacida para marcar el camino por que el propio sonido pedía en aquellos años, la antiestructura.

Chicago ante todo fue una comunidad creativa (al menos en la década de los setenta), uno músicos que trabajaban para un mismo fin, entre ellos existía una reglamentación demócrata para compartir canciones y decidir proyectos, en el grupo no existían estrellas ni lideres y su idea era avanzar musicalmente y lógicamente esto les harían desarrollarse individualmente.
Su nombre original era el de Chicago Transit Authority (anteriormente fueron conocidos como The Missing Links y The Big Thing) y su primera formación estaba compuesta por el guitarra y vocalista Terry Kath, el teclista y cantante Robert Lamm, el batería Danny Seraphine, el saxofonista Walter Parazaider, el trompetista Lee Loughnane y el trombonista James Pankow.
Posteriormente se les unia el bajista y cantante Peter Cetera, antiguo componente de la banda The Exceptions.
En sus inicios el grupo mostraba un sonido perturbador que unía el rock a la gran orquestación jazz, alternando guitarras eléctricas y secciones de viento que sin duda habrían agradado al propio Duke Ellington.
Con el patrocinio de su productor y representante Jim Guercio, quien sería el encargado de bautizar definitivamente al grupo, trasladarían su residencia a la ciudad de Los Angeles. Su sonido, influenciado por bandas como Blood, Sweat & Tears, fusionaría el rock con el jazz, soul, música clásica o funk. Recortado el nombre a Chicago debido a problemas legales firman con la compañía Columbia y publican el disco debut "Chicago Transit Authority" (1969), esta primer trabajo trajo de cabeza a la compañía CBS, puesto que un grupo novel no podía debutar con un doble álbum, pero pronto se convierte en uno de sus mejores trabajos que resultó todo un éxito de ventas. Este doble Lp, dominado como sería usual en la primera época de la carrera del grupo por la composición de Robert Lamm, contenía éxitos como "Does anybody really want time it is?", "Questions 67 and 68" y "Beginnings".
Por otro parte el grupo no se escondía en lo referente a los problemas sociales, en un época en donde la guerra del Vietnam estaba en pleno apogeo, en el tema Prologue se incluía grabaciones de los enfrentamientos entre manifestantes y la policía durante la convención demócrata ocurrida precisamente en Chicago tiempo atrás.
La buena racha proseguiría con Chicago II (1970), otro estupendo doble álbum de jazz-rock que incluía temas como "Make me Smile" o "Color my world".
Sus siguientes trabajos con producción de Guercio en los años 70, de parecida sonoridad, y de una genial estructuras compositivas, fueron otro álbum doble titulado "Chicago III" (1971), el disco en vivo "Chicago IV" (1971), que incluía en su versión original cuatro vinilos, y que era la obra mas ambiciosa y gigantesca de la historia en aquellos días.
Pero a partir de "Chicago V" (1972), el sonido se deriva hacia terrenos mas rock mainstream y el grupo decae compositivamente aunque siguieron creando buenos álbumes como el directo "Live in Japan" (1972), "Chicago VI" (1973), el doble "Chicago VII" (1974), "Chicago VIII" (1975), "Chicago X" (1976), un Lp en el cual se encuentra la preciosa balada escrita por Peter Cetera "If you leave me now" y "Chicago XI" (1977). A pesar de la falta de consistencia general, Chicago vendió con profusión, tendiendo con el paso del tiempo y tras el gran éxito de "If you leave me now" a componer sentimentales canciones AOR, generalmente baladas y tonadas soft-rock de fácil asimilación.
Esa época les proporcionó muchos triunfos en formato sencillo, con temas como "Saturday in the park", "Just You 'N' Me", "Old days", "Baby, what a big surprise" o la bellísima "Wishing you were here". Además, sus conciertos en los años 70 resultaban un enorme acontecimiento en cada ciudad estadounidense que actuaban.
En 1978 se produjeron varias novedades en la banda que provocaron su decadencia comercial: la desconexión con su productor y mánager Jim Guercio y la muerte accidental a causa de un disparo de Terry Kath, que sería sustituido por Donnie Dacus.
Phil Ramone les produciría "Hot Streets" (1978), un disco que no entró en puestos altos en las listas de ventas por primera vez en su carrera. Ni el discotequero "Chicago 13" (1979), de nuevo producido por Ramone, ni el mediocre "Chicago XIV" (1980), disco que contó con la producción de Tom Dowd  consiguieron remontar el vuelo comercial del grupo de Illinois.
La balada "Hard To Say I'm Sorry" consiguió devolver a Chicago a los primeros puestos de las listas de todo el mundo, al igual que el Lp "Chicago 16" (1982), un disco producido por David Foster que presentaba al nuevo guitarrista Bill Champlin, reemplazo de Donnie Dacus.
Tras la publicación de "Chicago 17" (1984), que contenía el tema "You're the inspiration", Peter Cetera, que se había convertido en la fuerza principal del conjunto, abandonó el grupo para proseguir una carrera en solitario que se había iniciado con el disco "Peter Cetera" (1981). Anteriormente, Robert Lamm ya había publicado su primer disco propio "Skinny Boy" (1975).
Cetera fue sustituido por Jason Scheff, pero Chicago jamás retornaría a ser la triunfal banda que había sido en los años 70. Algunos directos, recopilatorios y trabajos en estudio meritorios y pero algo prescindibles fueron sucediendose "Chicago 18" (1986), "Chicago 19" (1988) "Twenty 1" (1991), Night & Day Big Band (1995), Chicago XXX (2006) o Stone of Sisyphus (2008) este ultimo un intento a las raices jazz-rock del principio de los 70.
Entre los recopilatorios merecen ser mencionados The Heart of Chicago (1997) o The Best of Chicago 40th Anniversary Edition (2007).
Hasta el año 2009 el grupo habia conseguido un total de 22 discos de oro y 18 de platino, con mas de 120 millones de discos vendidos a nivel mundial, siendo uno de los mayores vendedores de la historia del rock.

Web Oficial Chicago

viernes, 21 de mayo de 2010

Los Inicios del Hard Rock

Despues de habernos recuperado en parte de la perdida de Ronnie James Dio, debemos levantar cabeza y continuar y es que no hay otra, la vida sigue y que mejor manera que rendirle tributo con los inicios del hard rock el germinal estilo que posteriormente el haria grande con el heavy metal.
Podriamos decir que el hard-rock señaló, el final de los creativos años 60 confirmando asi una forma de afirmar una instancia militante menos "confrontacional". Musicalmente, el hard-rock era el punto final de una evolución del blues, hasta ahora se había visto a los músicos blancos de clase media reinventar la música de los músicos negros esclavizados como un entretenimiento para la juventud occidental. El hard- rock seguía basado en el blues, como el rock'n'roll lo había sido, pero era un tipo de música más rápida, más ruidosa y más fuerte, que enterraba el sufrimiento de la gente negra bajo miles de decibelios.

Entre los germinales grupos que “inventaron” el hard-rock estaban Cream, Blue Cheer y Guess Who, por citar a los mas fundamentales y que ya habían enfatizado la amplificación y centraban la canción alrededor del riff de guitarra y quienes eran ciertamente la mayor influencia de las bandas británicas que "inventaron" el hard-rock.
Sin embargo, Led Zeppelin, formado por el ex guitarrista de los Yardbirds Jimmy Page y el protegido de Alexis Korner, Robert Plant, fueron, antes que nada, hijos del blues. Sin embargo, las sesiones de Led Zeppelin I (1969) introducían un acercamiento histérico la música negra que aún los negros no habían soñado culminando en la cima epiléptica de Communication Breakdown. El sonido de Led Zeppelin en una extensión del blues eléctrico que se basaba en tres factores: un ritmo más rápido, casi frenético; un aullido fuerte y abrasador que casi parodiaba a los "gritones" negros y que tenía sobre-tonos sicóticos; y una guitarra poderosa tocando con gran imaginación con sobre-tonos místicos. El melodrama de canciones tales como Whole Lotta Love (1969) era roto continuamente por los riffs de la guitarra y vocales delirantes. Cream había tocado blues-rock como música cerebral: Led Zeppelin tocaba el blues-rock como una sublime música corporal. Desde Immigrant Song (1970) a In The Evening (1979), Led Zeppelin fueron principalmente una idea del rock'n'roll para una nueva clase de audiencia. Los elementos secundarios que se habían escapado en los primeros álbumes, emergieron vigorosamente en Led Zeppelin IV (1971): When The Levee Breaks fue su canción más original (casi psicodélica) inspirada por la tradición folk, y Stairway To Heaven fue la combinación de su alter ego "suave" y espiritual, convirtiéndola en genial y majestuosa.
A Cada nuevo album le sucedía un asombro general, parecía que dominaban todos los estilos o por lo menos que no se encasillaban en uno solo, bajo la base del blues y el hard rock poderoso experimentan con el folk Led Zeppelin III (1970), experimentos sonoros con acercamientos a la música étnica y al rock progresivo Physical Graffiti (1975) o tremendos zarpazos de blues-rock Led Zeppelin (1969) o Led Zeppelin II (1969).
El éxito de Led Zeppelin tuvo un impacto poderoso y abrumador en la industria discográfica: definió el álbum de larga duración como el medio del rock. Ellos nunca tuvieron un "éxito" mayor en las listas como singles, pero gobernaban en los álbumes, en las ondas de radio y los estadios. La industria se dio cuenta y siguió su pista y empezó a promocionar álbumes más que canciones.
Definitivamente Led Zeppelin habían revolucionado el mundo del rock literal y totalmente.
Otra fuente de vibraciones pesadas era Detroit. Detroit tenía los cuarteles de los elementos más extremos de la contracultura (por ejemplo, los White Panthers), pero, más en concreto, era la ciudad más industrial de los Estados Unidos. Así como los cantantes de folk habían sido la voz natural de los intelectuales de Greenwich Village, y la música surf había sido la voz natural de la diversión en California, el Mersey-beat había sido la voz central de "swinging London" y el acid-rock había sido la voz natural de los hippies de San Francisco, un tipo de rock'n'roll feroz y ruidoso se convirtió en la voz natural de los obreros de Detroit y de sus hijos. Había algunos precedentes para el muro de gritos y riffs de Detroit (Blue Cheer en California era el más notable). El grupo casi humilde Frost le dio a la ciudad su manifiesto definitivo en Rock And Roll Music (1969).
A partir de aquí llegaron los MC5, dirigidos por el líder de los White Panther, John Sinclair, y por el guitarrista Wayne Kramer, ellos representaban a la escena revolucionaria de los disturbios estudiantiles y usaban el rock and roll como un instrumento de protesta poderoso. Su sonido abarcaba la furia y el sarcasmo de los extremistas, sus letras desafiaban todos los estándar morales. Sus shows en vivo eran orgasmos salvajes y colectivos en los cuales la banda soltaba un una furia monstruosa y caótica en la audiencia. Kick Out The Jams (1969) permanece como uno de los álbumes más orgiásticos, aterradores y viscerales se hayan lanzado jamás, bacanal grotesco de habilidades musicales atroces y primitivas, un asalto formidable en la realidad, el equivalente en el rock'n'roll de una explosión nuclear, sonaba como si el free-jazz y el acid-rock hubieran sido azotados salvajemente dentro de un acelerador de partículas. El hecho de que el siguiente, Back In The USA (1970), fuera tan inferior es prueba que la obra maestra se debió a los espíritus de una época completa y no de un grupo particular de músicos.
No menos salvajes, The Stooges aparecieron con una proposición más musical. En su primer album Stooges (1969) tomaron ideas de Chuck Berry, Rolling Stones, Velvet Underground y The Doors (riffs pesados, cantos obscenos, vocales libidinosas, guitarras distorsionadas) y lo llevaron al límite. We Will Fall Venus In Furs. 1969, No Fun, I Wanna Be Your Dog , Sweet Little SixteenWaiting For My Man, sonaban a alguna de las anteriores bandas o tenian claras influencias suyas. El atractivo sexual de Mick Jagger, de guitarra erótica de Jimi Hendrix, la perdición chamánica de Jim Morrison, o los rituales degenerados de Lou Reed, encontraron en los Stooges un nuevo vehículo para una nueva generación, que ya no era idealista sino simplemente frustrada, abrazaron la imagen del punk degenerado, y le llevaron a un nuevo nivel de realismo, dejando atrás los sobre-tonos míticos de la era hippy, y regresando a sus dimensiones originales de desafío y vulgaridad. Así los Stooges alcanzaron una síntesis histórica de tanto estilos musicales y significados sociológicos. Fun House (1970), cuyo TV Eye virtualmente inventó el voodoobilly, y cuyo tema 1970 virtualmente inventó el punk-rock, y continuaban la saga, mientras que Raw Power (1973) derivaba hacia el glam-rock respetable y de paso se convertiría en la nueva carrera de su vocalista Iggy "Pop". Cada pedazo de la música de los Stooges era militante, aunque no hacían ninguna referencia a la política. Y cada pedazo de eso era pornográfico: cada nota, cada acorde, cada riff era un innuendo sexual. La mezcla de guitarras agresivas, vocales crudas y ritmos sólidos era un kamasutra sónico.
En definitiva MC5 y los Stooges habían creado una nueva clase de rock'n'roll, una fundada en la violencia musical extrema.
Pero volvamos a Gran Bretaña, en donde la forma "no política" del hard-rock generó la misma clase de reacción histérica que el Mersey-beat y el rock progresivo habían generado: docenas de bandas adoptaron el nuevo estilo con pocas o ninguna variación entre unas y otras. Entre las menos predecibles estaban: Free, con el vocalista Paul Rodgers, el excelente guitarrista Paul Kossoff y la extraordinaria sección rítmica de Andy Fraser y Simon Kirke, ellos fueron notables por el blues-rock visceral de temas como el himno All Right Now (1970) , o el majestuoso album Fire And Water (1970); otra imprescindible banda de la época eran los Status Quo, cuya experiencia en la psicodelia y el rock progresivo culminaban en álbumes como Picturesque Matchstickable (1968), Ma Kellys Greasy Spoon (1970) o Dog Two Heads (1971); de Irlanda despuntaba un grupo llamado Thin Lizzy, formación clásica de guitarra doble a lo Wishbone Ash, con un líder mestizo Phil Lynott, genial y controvertido que produjo discos de gran factura como Thin Lizzy (1971), Shades of a Blue Orphanage (1972) o posteriores obras maestras como Jailbreak (1976); también a inicios de los 70 aparecieron UFO quienes fueron pioneros en el Space-rock-metal como dejaron bien demostrado en trabajos como Flying (1971) o UFO1 (1972), derivando su estilo posteriormente a un hard-rock más convencional; Force It (1975), en 1969 un teclista con una fuerte educación clásica llamado Ken Hensley funda Uriah Heep junto al guitarrista Mick Box y al cantante David Byron, pronto son proveedores de atmósferas góticas y medievales; e incluso rozan el rock sinfónico, sin duda por la aportación de Hensley, firman álbumes espectaculares como Very´Umble Very éavy (1970), o geniales como Demons and Wizards (1972), en 1966 de uno de los barrios más marginales de Wolverhapton sale una banda llamada Slade, quienes unieron la imagen de holligans de la clase trabajadora con himnos pegajosos tales como Cum On Feel The Noise (1973) o álbumes de gran calibre como Slayed (1972),luego parte de la critica les coloco injustamente al movimiento glam-rock y no fueron muy bien considerados entre los asiduos al hard-rock aunque si entre los post-punks.
Una versión pop y glam del hard-rock fue preparada por los escritores Nicky Chinn y Mike Chapman y por el productor Mickie Most, primero para Sweet, para quien escribieron Blockbuster (1972) y Ballroom Blitz (1973), y después con el grupo de Detroit Suzi Quatro, quienes lanzaron Can The Can (1973) y Devil Gate Drive (1974).
Dos de las mejores bandas nacieron de las semillas de los Small Faces: por un lado Humble Pie, con Peter Frampton y Steve Marriott y dejándonos uno de los albumes de rock en directo más memorables de la historia el Perfomance: Rockin´at the Fillmore (1971) , y por otro The Faces, con el vocalista Rod Stewart y el guitarrista Ron Wood (ambos antiguos miembros de la Jeff Beck Group), cuyo album A Nod Is As Good As A Wink To A Blind Horse (1971) permanece como uno de los ejemplos más vivos del soul-rock blanco.
Varios años antes un estudioso de la música clásica y teclista llamado Jon Lord funda Deep Purple junto al excéntrico guitarrista Ritchie Blackmore y el formidable batería Ian Paice, quienes empezaron como imitadores tardíos del rock progresivo y rock neoclásico, cuyo mejor ejemplo es Concerto for Group and Orchestra (1970) y el melodrama psicológico Child In Time (1970), pero pronto se unieron a las filas del hard-rock con los ataques de rock supersónico con las obras maestras  In Rock (1970), Machine Head (1972) y el legendario directo Made in Japan (1973) Pronto debido a la técnica de guitarra altamente simplificada de Ritchie Blackmore y los excesos orgánicos de sus ejecuciones extensas se convirtieron en los estereotipos del hard-rock, convirtiendose junto a Led Zeppelin como los grandes abanderados del estilo.
Pero fueron quizás Black Sabbath, la banda más influyente y fundamental de todas para el devenir de lo que luego seria el heavy-metal y esto era de por sí solo ya es muy difícil o casi imposible, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Gezzer Butler´s y Bill Ward tenían las habilidades requeridas para tocar el hard-rock en su máxima expresión, pero sus riffs distorsionados y florecientes, sus monstruosos grooves, sus ritmos marciales, su canto monótono y sus temas de horror, evocaban la visión de un universo futurista medieval, y pusieron los cimientos para el heavy metal y del que posteriormente surgieron el black metal y el doom-metal. Las proezas melódicas e instrumentales eran componentes despreciables de sus trabajos más típicos, Black Sabbath (1970) Paranoid (1971) Master Of Reality (1971) Vol.4 (1972) o Sabbath Bloody Sabbath (1973) Ellos no fueron los inventores de la música gótica, pero si fueron los primeros en transformarla en un nuevo género. Ellos fueron el ataque final a los roqueros, hippies, cantautores y cualquier otro que valorara el contenido sobre la forma.
En 1971 se formaba Queen quienes fueron los bufones del movimiento hard-rock, y muy al principio catalogados como banda de glam-rock. Con un glamoroso front-man como Freddie Mercury y un técnicamente innovador guitarrista llamado Bryan May,  tomaron ideas del rock progresivo, del music-hall muy bien reflejados en la escenificación de Killer Queen, (1974) y del gospel; Somebody to Love, (1976); Aplicaron técnicas de producción fantásticas en A Night At The Opera (1975), con temas como Bohemian Rhapsody dignas de una opereta de Frank Zappa,  y se convertirían en la quintaesencia del rock "ostentoso" con himnos como We Are The Champions o We Will Rock You (1977), para luego convertirse en superestrellas del hard-soft con álbumes como Works ( 1984) o Kind of Magic (1986)
De las cenizas de Free surgio Bad Company, de ese grupo provenían el vocalista Paul Rodgers y el batería Simon Kirke, Boz Burrell procedía de King Crimson y Mick Ralphs de unos extintos Moot The Hoople, en definitiva una súper formación que tomaron prestado la esencia del boogie sureño y le agregaron un tono lascivo, como dejaron bien sentado en álbumes como Bad Company (1974), Straight Shooter (1975) o Run with The Pack (1976), para luego ir por caminos muchos mas melódicos y en donde rozaban el A.O.R. Dangerous Age (1988) o Holy Water (1990).
En Estados Unidos muy pocas bandas abrazaron el sonido violento de las bandas de Detroit. Básicamente, el hard-rock estadounidense era el contrapunto americano del hard-rock británico. Y el componente de blues era, generalmente, más fuerte. Los líderes de ese movimiento eran: Mountain, el equivalente estadounidense de Cream, y en donde sobresalían dos excelentes músicos como Leslie West y Felix Pappalardi, su trabajo consistió en unir blues, hard-rock y rock psicodélico bien demostrado con el épico Nantucket Sleighride (1971) y con la colección barroca Flowers Of Evil (1971); James Gang, un poderoso trío liderado por Joe Walsh cuyo Rides Again (1970) traiciona la influencia del rock progresivo; Grand Funk Railroad, formación también en formato trío y con un líder salvaje y visceral, pero también genial como era Mark Farmer, ellos fueron unos vulgares iletrados pero maestros del "groove", y expertos en altísimos decibelios y aún militantes del rock primitivo en discos como E Pluribus Funk , Survival ( 1971 ) o el genial We´re an American Band (1973); Montrose, banda formada por Sammy Hagar y Ronnie Montrose, cuyo primer album es considerado un clásico del rock americano Montrose (1973); el que fuera líder de los Guess Who; Randy Bachman abandono dicha formación para formar Bachman-Turner Overdrive, y guiados por él e influenciados por The Who y por el boogie sureño convirtieron álbumes como Not Fragile (1974) y Four Wheel Drive (1975) referencias obligadas del genero; y por ultimo Heart, un tardío grupo mixto de dos excelentes vocalistas féminas como Ann y Nancy Wilson, intentaron una fusión de folk-rock y hard-rock Dreamboat Annie (1976) antes de reconvertirse al AOR con Heart (1985).
Muy pronto el sonido de la revolución que llegó fue “domado” muy rápidamente por las grandes masas, y el hard-rock se convirtió en un estilo con varias decenas de millones de seguidores por los cinco continentes.
Los estados sureños de los Estados Unidos desarrollaron su propia marca de vibraciones "pesadas", con raíces en las tradiciones del boogie y el honky-tonk de los salones, y capaces de mezclar el country, el blues y el soul con el rock'n'roll. "El rock sureño", lanzado a lo largo de la nación estadounidense por ZZ Top y los Allman Brothers Band en 1970, se convirtió en casi un generó por sí mismo. Jacksonville (Florida) fue su epicentro, su escena comenzó con el éxito Spooky (1967) de la primer banda de James Cobb, Classic IV.
Había un enlace con la escuela psicodélica de los 60s, particularmente visible en Take Me To The Mountain (1970) por Headband, Perpetuum Mobile de Mariani (1970), y Dead Man de Josefus (1970) germinales grupos que les faltaba pulir y desarrollar el estilo.
Allman Brothers Band eran Jacksonville, con dos guitarristas principales (Duane Allman y Dickey Betts), fue el primer mayor impacto americano desde Grateful Dead para quienes la ejecución improvisada en vivo era más relevante que el álbum de estudio con arreglos y bien compuesto. No es de sorprender, que se convirtieran en la única banda que pronto paso a competir con los Grateful Dead en términos de multitudes. Su álbum debut, The Allman Brothers Band (1969), introdujo una forma de balada blues-rock, suelta, con mucha guitarra, una versión sureña del rock de cosecha propia, pero fueron los álbumes en vivo, Live At Fillmore East (1971) y Eat A Peach (1972), los que transformaron esas baladas en excursiones sónicas épicas y asombrosamente interpretadas.
Agregando dos baterías al formato de guitarras gemelas de los Allman Brothers Band, y mezclando esta alineación extensa con un espíritu rural más genuino, nació la banda de un violinista de bluegrass de Nashivlle, la Charlie Daniels Band, apareció para representar la clase media del medio oeste, empezando con Fire On The Mountain (1974).
Ritmos sólidos y guitarras que quemaban con su sonido fueron también las armas principales en el arsenal de la Atlanta Rhythm Section de James Cobb, que ya había encontrado el sonido que buscaba años atrás, un sonido sobre todo pulcro y producciones soberbias como en Third Annual Pipe Dream (1974) o Rock´n´Roll Alternative (1976), otra laureada banda como la The Marshall Tucker Band nacieron en South Carolina, ellos se emparentaban musicalmente con todos los anteriores, pero la presencia de la música country era mucho mas pronunciada que entre sus rivales, como es bien demostrado en Searchin' For A Rainbow (1975), 38 Special también eran de Jacksonville y a diferencia de los Allman Brothers su música tenia mucho boggie-rock alternándolo con ritmos mas cercanos al rock comercial enfocados a las radios FM Wild Eyed Southern Boys (1981), una banda mucho menos conocida pero no por eso menos interesante eran Wet Willie originarios de Alabama, con álbumes muy interesantes como por ejemplo el Dixie Rock (1975); en cualquier caso hubo muchos otros, y en definitiva todos ellos básicamente mezclaban hard-rock, boogie, country, soul y gospel, aunque cada banda tenía su propia receta y usaban diferentes porcentajes de cada ingrediente.
El álbum más original de esa era vino del oscuro grupo Hampton Grease Band , Music To Eat (1971), elevado a la categoría de clasico, una mezcla poco probable pero efervescente de Frank Zappa (Absolutely Free), Captain Beefheart (Trout Mask Replica) y los Allman Brothers Band (Eat A Peach).
Los proveedores finales y definitivos del boogie sureño fueron ZZ Top, cuyo mejor álbum, Tres Hombres (1973), fue una verdadera enciclopedia de estilos sureños, realzados por la guitarra de Billy Gibbons, pero también otros discos como Deguello (1979) conservaban esa esencia polvorienta, más adelante en su carrera, ZZ Top viró hacia el hard-boogie en algunos casos con ritmos casi discotequeros y adoptaron sonidos electrónicos devastadores, por ejemplo en Eliminator (1983), entregándose así al mismo viejo concepto brutal que reindivicaba la generación punk.
Otras bandas tales como Black Oak Arkansas, fue quizás la banda más original de boogie de tres guitarras, mejor representados en Keep The Faith (1972) y sobre todo en High on The Hog (1973); los Outlaws que practicaban un southern-rock con excitantes melodías vocales muy en la onda de America o The Eagles cuya sesión de 1975 Green Grass And High Tides bien podría ser lo más excitante del género incrementaron la dosis de riffs de guitarras y ritmos pesados y dejandos buenos albumes como el Bring it Back Alive (1978).
Otro grupo leyenda fue Lynyrd Skynyrd, en el no había protagonistas en el sonido del propio grupo (también basado en tres guitarras) originario de Florida, fueron los líderes de la segunda generación del southern, liderados por Ronnie VanZant, sus objetivos eran prácticos: riffs durísimos y ritmos estremecedores para cantar el estilo de vida rudo (y autodestructor) del hombre sureño reaccionario, Second Helping (1974), el cual contiene su himno Sweet Home Alabama, fue su mejor demostración de fuerza, pero su terrible filosofía llegó al máximo con Street Survivors (1977), lanzado cuando VanZant moría en un accidente de avión y siguiendo así con la maldición del estilo, ya que todos los grandes del genero habían perdido en accidentes a algunos de sus miembros originales (Allman Brothers, Marshall Tucker, Grateful Dead) y ahora Lynyrd Skynyrd. (P.Scaruffi)

domingo, 16 de mayo de 2010

Fallece el mítico vocalista de Heavy Metal RONNIE JAMES DIO

Este domingo 16 de Mayo de 2010 será recordado como un día triste en la historia del Rock y el Metal. El mítico frontman de bandas como ELF, RAINBOW, DIO o BLACK SABBATH -con los que estaba de vuelta desde 2006 bajo el nombre HEAVEN AND HELL- ha fallecido a los 67 años, tras meses de lucha contra un cáncer de estómago que le fue diagnosticado a finales de 2009.
Wendy Dio, mujer y manager de Ronnie James Dio, ha hecho público el siguiente comunicado, que ha enviado a BLABBERMOUTH.NET:

"Hoy tengo el corazón roto. Ronnie ha fallecido a las 7:45 de la mañana del 16 de Mayo. Muchos, muchos amigos y familiares han podido despedirse de él en privado antes de que falleciera en paz.
Ronnie sabía lo mucho que todos lo querían.
Nosotros también apreciamos el amor y el apoyo que todos nos habéis dado.
Por favor, dadnos unos pocos días de privacidad para poder asimilar esta terrible pérdida.
Por favor, sabed que él os quería mucho a todos y que su música vivirá para siempre".

Hace solamente un mes, Dio señalaba lo siguiente acerca de su lucha contra el cáncer en un acto en Downtown Los Angeles, en el CLUB NOKIA: "Bueno, me siento bien y mal a ratos. Es un proceso largo. La quimioterapia es algo... nunca imaginé hasta qué punto es algo difícil cuando tienes que pasar por ello. El efecto es muy acumulador - cuanto más te sometes a ella, más se acumula y más tiempo te lleva superar sus efectos. Me cuesta mucho comer, pero como comer no me gusta, supongo que no hay problema con eso. Pero sé que tengo que comer. Pero esto hace que comer sea muy difícil. Pero si estás decidido a vencer en esta lucha, tienes que ir hacia delante con aquello con lo que consideras que vas a vencer, y en este caso estamos en ello. Voy a un magnífico hospital en Houston, que se llama M.D Anderson, que creo que es el mejor hospital del mundo. Tengo el mejor doctor del mundo, Dr. Ajani, en quien realmente creo y confío, así que creo que he hecho todo lo correcto en este sentido. Ello me hace sentirme positivo sobre mi vida y sobre el hecho de que me queda mucho por vivir".
A comienzos de este mes de Mayo, HEAVEN & HELL anunciaban la cancelación de su gira de verano por Europa debido al tratamiento de Ronnie James Dio para superar el cáncer de estómago. La banda dijo en un comunicado que el vocalista no estaba "suficientemente bien para salir de gira este verano. Esperamos que todo el mundo lo comprenda y queremos dar las gracias a los fans y a los colegas de la industria musical por su constante apoyo en estos momentos".

Ronnie James Dio ha sido uno de los vocalistas más aclamados y legendarios de la historia del Hard Rock y el Heavy Metal. Su trayectoria al frente de ELF, RAINBOW, BLACK SABBATH y su propia banda, DIO, ha recibido siempre merecidas alabanzas de crítica y público. Siempre ha sido reconocido como uno de los mejores vocalistas de todos los tiempos. En los últimos cuatro años había regresado junto a sus compañeros de BLACK SABBATH Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Vinnie Appice (batería) para resucitar esta versión de la mítica formación, aunque esta vez bajo el nombre de HEAVEN AND HELL. Con ellos, tras la edición de un espectacular álbum en directo en 2008, publicó un álbum de estudio, The Devil You Know, que llegó a las tiendas el 28 de abril de 2009.

D.E.P.
"Te echaremos de menos, pero tu musica perdurara para siempre"

Movimientos Historicos: Los inicios del rock sinfonico

Técnicamente hablando, muchos podrían argumentar que el rock progresivo empezó en 1967 con Cream y The Nice, es decir los grupos que reaccionaron en contra del pop simple, melódico de tres minutos de los The Beatles, Hollies, Kinks…etc etc. Pero una definición más estricta y exacta, una que considere la ambición y la pretensión, llevaría esa fecha de nacimiento hasta la opera rock fue S.F. Sorrow (1968) de los Pretty Things y la aun mas conocida Tommy de los The Who (1969), la primera y la más famosa de las óperas rock. Los inicios del rock progresivo estaban también visibles en Odyssey & Oracle (1968) de los Zombies, y Ogden's Nut Gone Flake de los Small Faces (1968), los cuales eran álbumes conceptuales lanzados por miembros de la vieja guardia.


Muchas de estas bandas tenían sus raíces en la música blues. Pero, al igual que paso con el rock psicodélico, el rock progresivo era otro caso de la música rock siendo redefinida por el espíritu de la música jazz. La improvisación jugaba un rol menor en el rock progresivo (y así era, después de todo, esa era la línea divisoria entre el rock psicodélico y el rock progresivo) pero la construcción de canciones y especialmente "suites" reflejaban los experimentos elaborados y adornados, y sobre todo orientados a hacerlo virtuoso y de forma relativamente libre de la música jazz post-bop. El rock progresivo tenía demasiada "estructura" relacionada con el free jazz, pero tenía suficiente "libertad" para ser relacionada con el jazz progresivo inventado por Miles Davis y Charles Mingus, y, incluso mucho antes, por Duke Ellington. El rock progresivo era el encuentro de dos mentes: La tradición europea de música clásica imponiendo orden en la tradición estadounidense de la música jazz.
Entre las bandas que nutrieron al rock progresivo de consistencia a través de las primeras etapas estaban Pink Floyd , Jeff Beck, Family, Jethro Tull, o Genesis; mientras que otras como King Crimson, Yes  o Van Der Graaf Generator representaron al género en su ápice.

Un joven prodigio llamado Steve Winwood, quien ya había compuesto Gimme Some Loving para la Spencer Davis Group en1966, todo un himno gospel febril, formó Traffic, el cual debutó con un álbum, quintaesencia de la psicodelia mas absoluta, Mr Fantasy (1967), pero pronto se convertiría en la fuerza principal en el estilo fusión que unía el folk, blues, soul y el jazz. Y aunque sus sesiones nunca fueron demasiado emocionantes (reminiscencias de la música lounge aunque en una forma inteligente), si definieron un tipo de contrapunto en base al timbre que básicamente cambió todo el concepto de la "sesión" (impresionista en vez de emocional) y se transformó en el equivalente en el rock de la música de cámara. Dear Mr. Fantasy (1967) y John Barleycorn Must Die (1970) fueron sus "frescos" más exitosos, pero fue la colaboración de Winwood con Eric Clapton en Blind Faith (1969), fue quizás lo mejor que el ex Traffic que haya hecho jamas.
Posiblemente uno de los guitarristas más influyentes en la historia de la música rock, haya sido Jeff Beck , el era el hombre quien como miembro de los Yardbirds divulgó la ciencia de la distorsión y el feedback. El grupo que había formado junto con el pianista Nicky Hopkins, el bajista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart grabaron Truth (1968), el cual virtualmente inventó el hard-rock un año antes que Led Zeppelin. Sin embargo, su obra maestra es probablemente la fusión jazz instrumental tour de force de Blow By Blow (1975).
Jethro Tull hizo una revisión a las tradiciones blues y folk tradicionales britanicas enfocadas en la voz y la flauta de Ian Anderson, quien era inspirado por juglares medievales y por el grande del jazz Roland Kirk crearon Stand Up (1969) el álbum que definió su folk-rock elegante, ecléctico y con toque de jazz. Aqualung (1971), por otro lado, era indulgente en los riffs del hard-rock y ritmos ponderados, reinventando la banda en los mejores tiempos de Led Zeppelin.
Family probablemente produjo la mejor amalgama de blues-rock, rock psicodélico y rock progresivo, de la epoca, abarcando tres eras fundamentales de la música británica. Con la jactancia de la voz grito ronca de Roger Chapman, uno de los mas grandes vocalistas de rock de todos los tiempos, y una sofisticada dinámica de guitarra, saxofon y violín, los Family tomaron del rhythm'n'blues, el music-hall, la música clásica y acid-rock de San Francisco para el arreglo de su obra maestra, Music In A Doll's House (1968). La confluencia de disonancias, pasos raga, metales de soul, pasajes musicales a lo Jimi Hendrix y florecimientos orquestales crearon un carrusel de experimentos sonoros. Las canciones en Family Entertainment (1969) eran más cohesivas y mas hard rock. El modo, que había sido surrealista y pastoral, se convirtió en tenso y angustioso. Su sonido alcanzó el éxtasis barroco de Fearless (1971), ya con un nuevo bajista John Wetton, Bandstand (1972) y It's Only A Movie (1973), fueron álbumes en cambio que, se consolidaron sólidamente en el rock'n'roll y el rhythm'n'blues y apenas ya se relacionaba al rock progresivo.
Genesis era una banda que se embarco en los arreglos cerebrales y dinámicos, sin duda la más teatral de las bandas del rock progresivo, ajustaban sus melodramas musicales con una coreografía centrada en el vocalista y mimo Peter Gabriel. Trespass (1970) y Nursery Crime (1971) fueron los álbumes que codificaron su arte: música barroca intelectual que recordaba al repertorio de hadas madrinas y mitos, pero estirado en narrativas no-lineales y arreglados con la gracia y timbre de la música de cámara. Su punto de referencia era el poema sinfónico, el cual de hecho es el objetivo de suites colosales y epicas como, Supper  Ready (1972) y Firth Of Fifth (1973). Genesis después se convirtió hacia la melodía con la ópera rock monumental The Lamb Lies Down On Broadway (1974), el cual permanece como lo más representativo de su carrera. Pero tambien la marcha de su lider Peter Gabriel , es entonces cuando el bateria Phil Collins llevaría a la banda a la senda de exitos comerciales con una musica mucho mas pop pero igualmente sofisticada. Para ese entonces, Gabriel ya se había lanzado en su carrera solista con unos trabajos formidables.
Fue el lanzamiento de In The Court Of The Crimson King (1969), el álbum debut de King Crimson, quien quizas proclamó la época dorada del rock progresivo. El sonido magnilocuente y sinfónico del mellotron de Ian McDonald los colocó en el movimiento neo-clásico de Nice, Moody Blues y Procol Harum, pero las armonías psicodélicas, las visiones medievales, la atmósfera gótica y el patetismo romántico de la canción que da nombre al álbum y Epitaph que definitivamente los pusieron aparte. Lo que el guitarrista Robert Fripp y el bajista Greg Lake escribieron fueron baladas majestuosas, no transcripciones de música clásica. Moonchild era un poema abstracto y futurista en el cual la melodía era menos importante que el panorama sonoro, y la sesión violenta, sincopada y distorsionada de 21st Century Schizoid Man inventaron una nueva forma de colocar la neurosis en la música. In The Wake Of Poseydon (1970) exploró más adelante las mismas ideas, aumentando el grado de melodrama y la cantidad de efectos de sonido, y Islands (1971) fue el definitivo tour de force de la banda. King Crimson había volteado de cabeza al rock'n'roll, repudiando la forma salvaje y manteniendo el contenido emocional al mismo tiempo. Cuando el bateria de Yes, Bill Bruford, y el bajista de Family, John Wetton, se unieron a Fripp para una nueva y más orientada versión jazz de la banda, el sonido viró hacia composiciones ásperas, estridentes y enrolladas tales como Lark's Tongues In Aspic (1973) y álbumes cerebrales, crípticos y virtuosos tales como Red (1974). La tercera epoca de King Crimson, con el guitarrista Adrian Belew y el bajista Tony Levin, el grupo adoptó una estancia aún más intelectual en albumes como Discipline (1981). Robert Fripp nunca dejó de grabar música estimulante. Entre ellas destacan dos colaboraciones con Brian Eno, los muy notables No Pussyfooting (1973) y Evening Star (1976), muchos álbumes solistas, genial su Exposure (1979), el manifiesto de su "frippertronics", ademas de otras colaboraciones muy destacadas como con el guitarrista de The Police, Andy Summers, en el IAdvance Masked (1982), o una colaboración con David Sylvian, The First Day (1993), y eso eran solo la punta del iceberg de sus muchas grabaciones.
Van Der Graaf Generator eran en muchas formas la banda más original del primer rock progresivo. Su sonido (ya de por sí único por ser conducidos por saxofones y teclados y no guitarras) no podía ser fácilmente relacionado con los arquetipos del folk, blues, rock o jazz, a pesar del hecho que contenía elementos de todos ellos. Su énfasis en composiciones extensas era sobre el patetismo y el melodrama, como en el caso de King Crimson, pero también en miedo y la vulnerabilidad. El grado de angustia era aumentado aun más por el pesimismo y claustrofobia de las letras de Peter Hammill, y por sus voces agonizantes. Las torturas psicológicas de The Least We Can Do Is Wave To Each Other (1970), los poemas conmovedores y litúrgicos de H To He Who Am The Only One (1970), y las visiones catastroficas, terribles y delirantes de Pawn Hearts (1971) combinaba el vacío existencial y la pesadilla gótica. Hammill y sus secuaces habían inventado una nueva forma de expresar la angustia adolescente que había sido el combustible emocional del rock'n'roll desde el inicio.
Yes fueron posiblemente los músicos más consumados de la generación del rock progresivo, fueron también lo último en grandilocuencia y exhibicionismo. Su sonido nació de la fusión del pop, rock, folk, jazz y música clásica. Ellos tomaron ideas de los Nice, de la música del renacimiento y barroca, de las armonías vocales de Crosby Stills & Nash, del funk-jazz después de Davis, de las sesiones psicodélicas y de melodías antiguas. Si la fusión no era única, la compostura glacial si lo era: Los álbumes de Yes sonaban más como experimentos científicos que como música de disfrute. The Yes Album (1971) introdujo su esquizofrenia con temas como: Yours Is No Disgrace y Starship Trooper buscaron la bravura instrumental laboriosa, mientras que I've Seen All Good People giraba alrededor de un estribillo pegajoso. Sus componentes, intérpretes virtuosos (particularmente el bateria Bill Bruford, el teclista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe) alcanzaron un grado de equilibrio sublime en Fragile (1971), del cual Roundabout, South Side Of The Sky y Heart Of The Sunrise fluían como mecanismos de relojería. El ápice de la contradicción aparente de Yes (un estilo que era frígido y romántico a la vez) se alcanzó en Close To The Edge (1972), del cual el tema que da titulo al album y And I And You eran fantasias complejas y densamente cromáticas, y con ello aparecio la definición "art-rock". Por el otro lado, las cuatro suites monumentales de Tales From Topographic Oceans (1973) probaron que las composiciones extensas requieren mucho más que mero virtuosismo.
Pink Floyd desarrollaron un punto intermedio entre la sesión tonal de forma libre, el enloquecimiento ruidoso y cacofónico, y la cancioncita melódica excéntrica. Ésta amalgama de ingredientes y su balance es esperado y nutrido por la locura gentil de Syd Barrett en sus primeros dos álbumes, los cuales permanecen como dos de sus obras maestras: The Piper At The Gates Of Dawn (1967), incluyen los viajes pulsantes y visionarios de Astronomy Domine y Interstellar Overdrive (el puente entre el space-rock y la música cósmica); y A Saucerful Of Secrets (1968), con que contiene el crescendo majestuoso e himno sin palabras de A Saucerful Of Secrets y la raga subliminal de Set The Controls For The Heart Of The Sun. El ambicioso Ummagumma (1969), un intento algo fallido en establecer sus credenciales como compositores vanguardias, y la suites epónima de Atom Heart Mother (1970), otro intento de unir una banda de rock y una orquesta sinfónica, marcaron el final de una fase épica (Barrett ya se había retirado). Para bien o para mal, Pink Floyd entendió los límites y las implicaciones del género, y siguieron reinventándose asimismo, lentamente transformando el rock psicodélico (unamos que originalmente nacida por los hippies que habían sido excluidos por las instituciones) en una música ligera para relajación y meditación (con la mirada en los yuppies quienes están totalmente integrados en las instituciones). La otra mitad de Atom Heart Mother ya hacía alusión a las preferencias de la banda por los temas lánguidos, melosos e hipnóticos, si bien saboteada por una orgía de efectos de sonidos. Echoes, la suite que ocupa la mitad de Meddle (1971), esteriliza y anestesia el space-rock de Interstellar Overdrive, y hace énfasis no a los efectos sonido sino una meticulosa producción de estudio. Los Pink Floyd no dudaron en alterar la letra y el espíritu de la música psicodélica. Los sonidos delirantes y cacofónicos de sus inicios lentamente se transformaron en un sonido suave y lozano. Más que sólo endosar los estereotipos del easy-listening, los Pink Floyd inventaron una nueva clase de easy-listening con Dark Side Of The Moon (1973), Wish You Were Here (1975) y Animals (1977) sus siguientes obras maestras, donde el fondo y la forma era la condicion humana llevada al teatro de la musica como una especie de historia relatada. Un movimiento táctico que pronto se convirtió en un movimiento estratégico. Al final, los Pink Floyd reformaron la música psicodélica en un lenguaje universal, un lenguaje que ajustará tanto al punk como el soft-rock, en parte por los riff´s de su guitarra David Gilmour, justo como, casi al mismo tiempo, el jazz-rock estaba "vendiendo" la angustia de las personas afroamericanas a los conformistas blancos. El pesimismo existencial y la ansiedad histórica de Roger Waters se convirtieron en pilares para los melodramas de los últimos días de la banda, tales como The Wall (1979). Esos monolitos de sonidos electrónicos y acústicos, creados por el inmenso teclista Richard Wright junto con letras psicoanalíticas de Waters, se dan en una ceremonia funeral que acerca las formas del réquiem y el oratorio.
Nadie podría competir con los Pink Floyd, en términos tanto de logros artísticos como de influencia. Sin embargo, Tomorrow, protagonizando el bateria John "Twink" Alder y el futuro guitarrista de Yes, Steve Howe grabaron un de los más excéntricos álbumes del estilo, Tomorrow (1968), y Hapshash & The Coloured Coat lo hicieron aun mejor con Featuring The Human Host And The Heavy Metal Kids (1967).
Algunos de los musicos que trabajaron para John Mayall, como Dick Heckstall-Smith, generaron dos de las bandas más creativas del rock progresivo inicial. Una de ellas fue Colosseum que grabó Valentyne Suite (1969), cuyo tema que le da titulo al álbum era una fantasmagoría canción de unas influencias de jazz, blues, música clásica y sonidos de hard-rock, brillantemente cromática y llena de lujo, una de las obras maestras del rock progresivo británico. Por otro Mark-Almond dúo formado por los músicos, Jon Mark (guitarra) y Johnny Almond (vocales), se especializaron en suites de un tipo diferente, muy melodiosas y relajadas, centradas en melodías folk-jazz, abarcando lounge-music y easy-listening, tales como The City (1971), de su primer álbum, y Sausalito Bay Suite (1972), de su segundo álbum.
Un número determinado de bandas progresivas introdujeron música oriental en sus sonidos psicodélicos y progresivos. Por ejemplo, East Of Eden, con Mercator Projected (1969), y Ian "Lemmy Kilmister" Willis' Sam Gopal, con Escalator (1969).
Sin embargo, ninguna banda alcanzó el grado de fusión étnica como los Third Ear Band lo alcanzaron en Alchemy (1969), uno de los álbumes que inventaron la "world-music". Un ensamble de cámara acústico de (esencialmente) tablas, oboe, viola y violonchelo ejecutaban música india, medieval, estadounidense nativa, gitana, del Medio Oriente, minimalista, jazz, clásica y folk, todo dentro de la misma canción. Las cuatro suites en su segundo álbum, Third Ear Band (1970), llevaron la idea aún más lejos: las fuentes étnicas ya no podían ser reconocidas, y la música fluye a como una corriente de conciencia, una experiencia espiritual, un soñar despierto. Fuera de contexto, la música "third ear" está más cercana a la meditación budista que a la composición occidental. La banda fue igualmente exitosa en Macbeth (1972), que agregaba sonidos eléctricos y electrónicos a su guiso étnico.
Alrededor de 1970, siguiendo el éxito de Black Sabbath, un número de bandas introdujeron temas y atmósferas góticas dentro de estructuras innovadoras: como High Tide con su segundo album High Tide II (1970, un clásico del rock gótico, una colección de bailes macabros llevados por el violín que enlazaban el acid-rock y el hard-rock; Black Widow con tambien su segundo trabajo Sacrifice (1970), los cuales unían la suite jazz y clásica de Colosseum con, otra vez, armonías góticas; Atomic Rooster y su Death Walks Behind You (1970) donde el poder espiritual gótico sobresalia de manera sublime, Spooky Tooth con Ceremony (1970), una especie de misa rock arreglada por el compositor de vanguardia Pierre Henry, un concepto audaz que mezclaba la estética del art-rock con las vibraciones del hard-rock; o Quicksand Dream (1973) del grupo Necromandus, un formación mucho mas oscura y siniestra que la anteriores.
El espíritu "progresivo" afectaba el renacimiento folk también. Después de todo, Pentangle ya había combinado el jazz y el folk, y la Incredible String Band ya habían fusionado el folk y el acid-rock. Otras bandas procedieron a preparar fusiones basadas en el folk. Mientras que ninguna banda tuvo la importancia que los anteriores, si algunos de sus álbumes sobresalen de manera muy interesante como Fantasia Lindum (1971) de Amazing Blondel, inspirado por baladas medievales y madrigales del renacimiento; Dando Shaft (1971) de Dando Shaft, el cual ofrecía quizás la fusión más competente folk-jazz; St Radigunds (1971) por Spirogyra, ( no confundir con la banda norteamericana de fusión ) también inspirado por el folk y el jazz; First Utterance (1971) de la quizas primera banda folk y psicodélica, Comus y, el quizas el mejor de todos, Grave New World (1972) por los Strawbs, una misa psicodélica que mezclan la liturgia occidental y el raga indio, Thir Na Nog en cambio introducian elementos folk y exotismo oriental con la reindivicacion hippie y lisergica A Tear and a Smile (1972) y Gryphon comulgaban con los aspectos medievales de la Inglaterra del siglo XV con un barroquismo impregnado de folk Gryphon (1973)
Otras llegaron desde el movimiento Canterbury como Soft Machine, una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como Volume Two (1969) que estaban inspirados por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido); pero, después de haber perdido a Daevid Allen y a Kevin  Ayers, ellos viraron hacia una interpretación personal del jazz-rock de Miles Davis en Three (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz, rock y clásica de los 70 o Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como Can't Be Long Now, del album If I Could Do It All Over Again (1969), o Nine Feet Underground (su obra maestra), que abarca medio album de In The Land Of Grey And Pink, por otra parte Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como La Symphony No.2, del album Egg (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock Long Piece No.3 de su The Polite Force (1971), y las últimas sesiones en The Civil Surface (1974), tales como Germ Patrol y Enneagram, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aun desconocidos, en cambio otro musico de la escuela como Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. Joy Of A Toy (1969), una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseia le llevo a su trabajo álbum más excéntrico, Shooting At The Moon (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos en cuatro partes The Confessions of Doctor Dream (1974) fue su trabajo más ambicioso y una completa pesadilla.
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, Hatfield And The North (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componian su album National Health (1978) y en su obra maestra Of Queues And Cures (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó Tubular Bells (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por Hergest Ridge (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que Ommadawn (1975) e Incantations (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con Moonlight Shadow en 1982.
Otros como Robert Wyatt expandió en las intuiciones de su The Moon In June en su primer álbum como solista, The End Of An Ear (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, Matching Mole (1972) y Little Red Record (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en Rock Bottom (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue Animals Film (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un baterista dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia.
Las bandas progresivas se habían multiplicado en la Gran Bretaña durante principios de los 70, pero sus álbumes tenian tendencia de reciclar las ideas una y otra vez, y frecuentemente con ostentación injustificada. Sin embargo, se podían encontrar verdaderas joyas: como el sonido barroco Quatermass (1970) de Quatermass ; Galactic Zoo Dossier (1971) de Kingdom Come, ( tampoco confundir con la banda de los ochenta de hard-rock) una mezcla extraña de teclados electrónicos, rhythm’n’blues y payasadas en el escenario de su lider Arthur Brown; Phantasmagoria (1972) de Curved Air , cuyos arreglos barrocos eran agraciados por el violín de Darryl Way, y los sintetizadores de Francis Monkman adornados con voces femeninas sensuales; Argus (1972) de Wishbone Ash , cuyas sesiones energéticas eran propulsadas por un ataque doble de guitarras a medio camino entre el blues y rock progresivo con aires místicos y de ciencia ficción.
El trío de bajo, batería y saxofón Back Door, dirigidos por el bajista Colin Hodgkinson, fue uno de las más originales formaciones de jazz-rock instrumental. Su album Back Door (1972) fue indulgente en sesiones breves, agitadas e instrumentales en el borde entre el jazz, funk, soul, blues y hard-rock.
También originales eran: las suites en cuatro movimientos de Jody Grind con One Step On (1969); el concepto de su excepción de Julian's Treatment con A Time Before This (1970); Titus Groan con su album Titus Groan (1970), la suite Hall Of Bright Carvings perteneciente al album Ben (1971) del grupo Ben, conteniendo cuatro sesiones jazz-rock; el místico Three Parts To My Soul de Dr Z (1971); Speech (1972) de Steamhammer, con la suite Penumbra; la ópera electrónica jazz-rock improvisada Journey To The Center Of The Eye de Nektar (1972) o su suite melódica Remember the Future (1974)...etc
Otra interesante banda fueron Jade Warrior que empezó siendo como una copia de King Crimson de segunda fila, distinguiéndose a sí mismos solo con el énfasis místico y étnico de Last Autumn's Dream (1972), pero posteriormente desarrollaron un sonido que no era narrativa sino pictórico en naturaleza, mientras que adoptaron los teclados electrónicos y enfocándose en el jazz-rock como su principal inspiración. Mas adelante en trabajos como Waves (1975) y Kites (1976), las suites continuas donde empleaban muchos instrumentos y muchos estilos, llevaron al rock progresivo a su cúspide formal. En Way Of The Sun (1978) su estilo era de hecho un nuevo género: música new-age hiper-arreglada. Más adelante la banda se convertiría a la música cósmica con la fría imaginería sonora de Images Of Dune (1984) y las Three Suites Celestial 1985 editadas en At Peace.
Quizás la banda más audaz (o, por lo menos, la más cerebral) de fusión del jazz, el rock y la música clásica fue intentado por Gentle Giant, particularmente en Three Friends (1972) y In A Glass House (1973).
Por otro lado Emerson Lake & Palmer, fue la primera superbanda de rock progresivo, formados por el teclista original de Nice, Keith Emerson, el bajista original de King Crimson, Greg Lake, y el bateria original de Atomic Rooster, Carl Palmer, los cuales llevaron al rock progresivo hacia excesos técnicos que, básicamente, desintegraron cualquier mérito que la fusión jazz-clásica tenía. Este arte ofuscador funcionó muy bien con el album conceptual futurista y mitológico Tarkus (1971), aunque su pico tecnológico era quizás Brain Salad Surgery (1973). Su música, aún más pretenciosa y grandilocuente, estaba fundada en un malentendido fundamental de lo que significaba ser "virtuoso"
Posteriormente el ego de sus miembros les llevo a crear el ambicioso Works para sus satisfacciones personales.
Otras bandas nunca fueron apreciadas mayoritariamente por el publico del rock progresivo una de esas historias fueron los primeros tres álbumes grabados por Roxy Music que revolucionaron el rock progresivo y prepararon el camino para el new wave y el synth-pop. Con influencias de Pink Floyd con su panorama sonoro surrealista, de Soft Machine y su jazz-rock, de Traffic y sus sesiones armoniosas, de unos Cream virtuosos, de Led Zeppelin por la fuerza y el frenesí, de King Crimson donde copiaron su énfasis y patetismo y la vanguardia minimalista y cacofoníca de su propia cosecha se unieron en los bacanales inventivos de su álbum debut, Roxy Music (1972), el cual incluye el himno futurista Virginia Plain y muchas piezas de avant-rock alimentadas sobre todo por la electrónica y genialidad de Brian Eno. El canturreo vigoroso de Bryan Ferry se elevaba sin restricciones en For Your Pleasure (1973), que contiene la hipnótica bailable Bogus Man; y alcanzaba una calidad efusivamente emocional en Stranded (1973), cuyas baladas Mother Of Pearl y A Song For Europe mezclaban los temas del decadencia y el existencialismo europeo con arreglos lujosos y producción de primer nivel en Love Is The Drug (1975) y álbumes sucesivos simplemente venderían la idea de discos mas pop.
El contagio del rock progresivo se extendió a la Europa continental: el rock progresivo claramente apelaba más a la audiencia "intelectual" de Europa más que el rock'n'roll lo hizo. El primer grupo de rock progresivo de Suecia fue Samla Mammas Manna , el cual debutó con Samla Mammas Manna (1971). Algarnas Tradgard preparó las enigmáticas y extrañas suites orquestradas de Framtiden Ar Ett Svavande Skepp Forankrat I Forntiden (1972), una mezcla de sesiones de rock progresivo, enloquecimiento psicodélico y música de cámara exótica.
La banda de psicodelia y rock progresivo más famosa de Holanda era Focus, cuyo Moving Waves (1972) contiene la vertiginosa Hocus Pocus y la sesión colosal Eruption, su equivalente de Valentyne Suite de Colosseum. Pero la canción más excitante que emergiera de la escena próspera de Holanda fue Venus de Shocking Blue (1969), lejos del progresismo fue una canción delirante y sexy que sonaba a los ritmos febriles de los Creedence Clearwater Revival.
Pero fue Italia la que incubó una de las escuelas más prolíficas del rock progresivo. Italia no tenía alguna tradición principal del rock. La escuela progresiva fue una consecuencia inesperada de dos fenómenos: el auge de los músicos educados clásicamente y los disturbios estudiantiles del 1968. En 1969, Italia estaba inundada de jóvenes eruditos musicales que querían cambiar el mundo. Ellos se identificaban con la ideología de los hippies, pero retenían el lenguaje de Vivaldi. El rock progresivo nació de esta contradicción. Existen álbumes y grupos notables como: la sinfonía Concerto Grosso #1 de New Trolls (1971), Storia di un Minuto de Premiata Forneria Marconi (1972), el concepto apocalíptico Ys de Il Balletto di Bronzo (1972), básicamente el producto intelectual del teclista Gianni Leone, Passio Secundum Mattheum de Latte E Miele (1972), Darwin de Banco del Mutuo Soccorso (1972), el psicodrama Concerto Delle Menti de Pholas Dactylus' (1973), Un subgénero del rock progresivo italiano era el jazz-rock italiano, bien representado por álbumes tales como la pesadilla jazz-rock Palepoli de Osanna (1973), el ejercicio de jazz-rock de cámara Tilt de Arti & Mestieri (1974), y Genealogia de Perigeo (1974). Por otro lado Aktuala de Walter Maioli (1973) agregó sabores étnicos a las improvisaciones del jazz .
Pero la más grande banda del jazz-rock era Area , lidereada por el vocalista Demetrio Stratos, uno de los cantantes más originales de su época, cuyo Arbeit Macht Frei (1973) unió letras de protesta, sesiones de jazz-rock, electrónica cruda, escalas del medio oriente, el gorjeo psicópata de Stratos.
El panorama francés del rock sinfónico al mas puro estilo británico era menos vital que el italiano, pero un manojo de grupos desarrollaron nuevos subgéneros.
Magma de Christian Vander debutó con su concepto de ciencia ficción en el ambicioso e ingenuo Magma (1970), tomando ideas del free-jazz y perfeccionándolo en su primer obra maestra, Mekanik Destruktiw Kommandoh (1973), una ópera rock ecléctica e idiosincrásica que abarca una sorprendente variedad de estilos, desde Verdi hasta Frank Zappa. Kohntarkosz (1974) fue su mayor trabajo musical, inspirado principalmente por el jazz-rock de la Mahavishnu Orchestra; y Udu Wudu (1976) fue más un desliz electrónico.
Red Noise escribió Sarcelles-Locheres (1971), destacando la suite instrumental de 19 minutos Sarcelles C'est L'Avenir, una ridícula combinación de demencia de los Fugs, el pop ruidos y satírico de Frank Zappa y jazz-rock de Soft Machine.
Vangelis dirigía Aphrodite's Child, un grupo de músicos griegos residiendo en Francia, cuyo póstumo 666 (1970) es una colección única de enfrentamientos mágicos, invocaciones satánicas y sesiones psicodélicas. Vangelis persiguió una carrera de suites instrumentales, majestuosas, melodramáticas (y cada vez más electrónicas), cuyo arquetipo fue L'Apocalypse Des Animaux (1973) y Heaven And Hell (1975). Especializándose en apoteosis orquestales, Vangelis sería celebre mas tarde gracias a sus bandas sonoras para películas. Uno de los pioneros y estrellas de la música new-age, regresaría con piezas más ambiciosas con Invisible Connections (1985) y The Mask (1985).
En los Estados Unidos, un ímpetu tremendo al rock progresivo vino con Bitches Brew de Miles Davis (1969), un álbum que combinaba ritmos de soul e instrumentos rock electrónicamente amplificados. Uncle Meat de Frank Zappa (1969) fue la respuesta más competente (e irreverente) del rock a Miles Davis. El arreglista de jazz Quincy Jones fue otro pionero del soft rock, combinando una sección de metales de jazz y ritmos de funk-rock en Walking In Space (1969).
Chicago fusionaron de forma explosiva los metales de jazz y la guitarra del rock'n'roll en Chicago Transit Authority (1969), Chicago II (1970) y Chicago III (1971), cada uno de ellos doble albumes, caracterizado por una creatividad salvaje y a veces brutal, pero con melodías sofisticadas, emocionales y reindivicativas como a la Convención demócrata de 1968, para mas adelante ir por derroteros mas soft-rock
El gran rival de los anteriores eran Blood Sweat & Tears, banda que fusionaba la base del blues con los tipicos arreglos de jazz, considerada una superbanda, entre sus miembros se encontraban Al Kooper, Steve Katz o Randy Brecker.
Facturaron grandes albumes como Child is Father to the Man (1968) o Blood Sweat & Tears (1969) sin duda su opera prima donde el sonido Motown se fusionaba con el rock.
Ten Wheel Drive, formado por el vocalista Genya Ravan (una voz parecida a la de  Janis Joplin), el teclista Mike Zager y el guitarrista Aram Schefrin, fueron uno de los primeros grupos de fusión jazz-rock con una sección de metales, debutando con Construction #1 (1969).
Insect Trust intentaron una super-fusión de jazz, blues, country y acid-rock y las baladas sofisticadas de Blues Project con las sesiones demenciales de Captain Beefheart en Insect Trust (1968), y viró hacia el free-jazz en su segundo álbum, Hoboken Saturday Night (1970).
Gil Scott-Heron, un poeta y novelista quien transformó la música y precedió a la música rap con sus piezas habladas, buscó una fusión de jazz inspirada en Miles Davis, funk y rock (encima de sus letras de protesta inspiradas en Phil Ochs) en, por ejemplo, Pieces Of A Man (1971) y The Bottle (1973).
Dos bandas que conducidas por violinistas eran notables: fueron por un lado Flock , cuyo primer album Flock (1969) fue una de la sesiones más completas de la época, dirigidos por Jerry Goodman (quien después se uniría a la Mahavishnu Orchestra); y por otro It's A Beautiful Day , cuyo It's A Beautiful Day (1969) esparcía e impregnaba su acid-rock con perfumes exóticos.
Joy Of Cooking, una de las primeras bandas dirigidas por mujeres (cantautoras Terry Garthwaite y Toni Brown) y una de las primeras en manejar los asuntos feministas dentro de la música popular, lanzaron tres álbumes deleitosos, Joy Of Cooking (1971), Closer to the Ground (1971) y Castles (1972), que experimentaban con estructuras elásticas de la canción sobre una infraestructura de fusión de folk-jazz-blues relajado.
Y así el llamado "rock progresivo" (básicamente, toda la música rock que no era principalmente melódica) llamó a incorporar los estilos inventados por el jazz y la vanguardia clásica en el formato de los ensambles rítmicos eléctricos y electrónicos (la banda de rock), un programa que inconscientemente llevaba hacia la música interdisciplinaria y total, una ambición claramente visible en los estilísticos pastiches de Frank Zappa. P.Scaruffi