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martes, 31 de agosto de 2010

Años 80: Sky

Formados a modo de súper grupo Sky fue una de las mas sólidas y perfectas formaciones de finales de los 70 y comienzos de los 80 que enraizaron una vertiente musical poco comercial pero muy rica compositivamente con un estilo cercano al rock progresivo por sus influencias jazzisticas, la música clásica y el rock.

Su líder el carismático guitarrista de música clásica y jazz John Williams quiso explorar otros terrenos alejados del refinamiento cerrado de la música clásica y de los estandartes del jazz y llamo al bajista Herbie Flowers, al teclista de música clásica Francis Monkman, al percusionista Tristan Fry y al también guitarrista Kevin Peek y denominan a este proyecto Sky.
El prestigio de John Williams, por entonces ya considerado el mejor guitarrista del mundo en su estilo clásico y el talento de los otros miembros del grupo crea una expectación inusitada en el Reino Unido y buena muestra de ello fue el éxito rotundo de su primera gira británica acontecida en el año 1979.
Williams quien ya había contado con la colaboración de todos estos músicos para sus grabaciones en solitario había publicado una serie de álbumes que fueron siempre bien recibidos en los circuitos de clásico y de jazz.
Esos albumes eran Changes (1971), Height Below (1973), Rhapsody (1974) o Spanish Guitar (1976).
El primer álbum de la banda se publica en 1979 bajo el titulo de Sky consigue ser un verdadero éxito en el Reino Unido y en Australia, país de origen de Williams, todo esto pese a recibir duras criticas por una parte de seguidores y prensa especializada, acostumbrados a escuchar el estilo culto de Williams.
Un año después se publica Sky 2 (1980), un trabajo que vuelve a mostrar a un conjunto en estado de gracia con unas composiciones realmente exquisitas, desde claros cortes de música de cámara hasta verdaderos temas rock.
Tras extenuantes giras por Europa, Australia y Japón, Monkman abandona el grupo para dedicarse a proyectos en solitario y es sustituido por el teclista de Back Door; Steve Gray.
Esta nueva aportación fue decisiva para el sonido del tercer álbum Sky 3 (1981) en donde las tendencias jazzisticas de Gray fruto de sus colaboraciones con músicos como Quincy Jones o Henry Mancini le dan el justo contrapunto a la música del grupo.
Sky 4 lanzado en 1982 supone el primero de los trabajos en donde el material no es original, si no versiones de clásicos de Wagner o Berlioz, arreglados convenientemente con estructuras rock.
En 1983 aparece Sky Five Live doble álbum grabado en vivo en Australia.
Ese mismo años aparecía el primer álbum que no llevaba el nombre del grupo Cadmiun y también el primero con composiciones de músicos que no pertenecían a la banda, e igualmente contenían por primera vez elementos ajenos a la música clásica.
Un año después Williams que había fundado la banda pensando en principio que solo serian dos o tres años de carrera, decide abandonar amistosamente el grupo para proseguir su carrera como guitarrista de clásica.
La banda posteriormente, decidió no reemplazar a Williams y siguieron como cuarteto y así músicos como Rick Wakeman o el guitarrista de sesión Lee Fothergill ayudaron al grupo en sus sucesivas giras.
En 1985 aparece The Great Ballon Race el primer álbum de la banda sin ningún contenido clásico y que contó con la participación de algunos músicos alternativos como Tony Hymas o Nicky Hopkins para la gira posterior.
Varios años después el grupo publica Mozart (1987) inspirado en el bicentenario de la muerte de Mozart con la completa totalidad de temas suyos arreglados para la ocasión por el grupo.
El álbum obtuvo duras críticas pero unas ventas muy favorables, sobre todo en los Estados Unidos convirtiéndose en su mejor álbum al otro lado del Atlántico.
Después de la gira posterior a este último disco, la banda deja de existir hasta varios años después, mas concretamente hasta principios de 1991, con motivo de la publicación del recopilatorio Classic Sky, cuando vuelven a reunirse para varios conciertos que fueron ocasionales durante la década de los noventa.
Posteriormente la carrera individual de los miembros de Sky se ha caracterizado por múltiples colaboraciones y proyectos diversos, así Herbie Flowers ha seguido trabajando como músico de sesión de alto nivel, Monkman ha seguido editando trabajos de música clásica y experimental, John Williams ha seguido con su carrera de guitarrista de clásica, y Steve Gray perteneció a varias big bands y componiendo para otros artistas de jazz hasta su fallecimiento en septiembre del 2008.
En el año 2002 el sello Sanctuary Records reedito toda la discografía del grupo añadiéndoles en algunos casos material extra en formatos remasterizados.

Web Sky.

miércoles, 25 de agosto de 2010

Años 70: Rare Bird

Para muchos esta excelente banda alcanzo el estrellato gracias al tema Sympathy que se convertiría en un hit mundial en 1970, pero Rare Bird fue mucho mas que un solo hit, por lo cual hoy en dia esta considerada una banda de culto entre los aficionados al genero del rock progresivo.

Su música cuya fortaleza residía en los sonidos ácidos de un órgano muy bien ejecutado que junto a los instrumentos de interpretación más comunes daban una originalidad bastante inusual dentro del panorama del rock progresivo de finales de los 60 y principios de los 70.
Su primera formación la comprendían Graham Field (teclados), David Kaffinetti (teclados), Steve Gould (bajo y voz y Mark Ashton (Bateria), por lo tanto era una de esas bandas que surgieron del movimiento underground progresivo que carecían de guitarras como Van Der Graaf Generator.
A mediados de 1969 Tony Stratton-Smith les contrata para el sello que poco tiempo atrás había fundado pensando en bandas progresivas, la Charisma Records que junto a Genesis y los mencionados Van Der Graaf serán las primeras abanderas del nuevo sello.
Algunos meses después se publica el primer álbum de la banda Rare Bird ( 69) un trabajo portentoso del uso del órgano y pianos eléctricos, y que extraña a al publico por la ausencia total de guitarras que sin embargo es una muestra fenomenal de fuerza, una demostración de que aun sin guitarra se puede hacer un rock primigenio y de altísima calidad.
Este primer álbum alcanza unas cotas comerciales que desbordan a la propia compañía, que había editado en un principio unas cuantas miles de copias y que resultan insuficientes observando la gran demanda que obtiene el álbum, llegando a venderse la friolera de más de un millón de copias.
Igualmente el single Sympathy consigue colarse hasta los primeros puestos en media Europa.
As your mind files by (1970) el segundo album confirman al grupo en el panorama del rock progresivo de la época y la continuidad estilística del grupo.
Aquí el grupo mostraba aun si cabe más eclecticismo con la medieval Down on the floor o la épica Flight un portentoso tema que nada tiene que envidiar a las grandes suites de grupos más punteros.
Ese mismo año la banda es elegida entre las diez mejores del rock progresivo por la revista Billboard
Pero a partir del tercer álbum Epic Forest (1972) el grupo entra en crisis debido en parte por el abandono de sus miembros Field y Ashton, que por motivos contractuales deciden seguir por su cuenta.
A partir de aquí diversos cambios y alternativas en el grupo sumirán al grupo en el anonimato, pese a que publicaron buenos álbumes como Somebody´s Watching (1973), Born Again (1974) y Rare Bird (1975).
Después de este último trabajo la banda se disuelve no sin antes publicar el recopilatorio Sympathy (1976) y posteriormente se publico Third Time Around; an Introduction To Rare Bird (2003).
Más recientemente el sello británico especializado en reediciones de los 60 y 70 Esoteric Recordings ha reeditado toda la discografía del grupo en cd´s remasterizados y con temas adicionales muchos de ellos inéditos.

Web Esoteric Recordings/Rare Bird

sábado, 21 de agosto de 2010

Años 70: Peter Frampton

Peter Frampton esta considerado como uno de los grandes guitarristas de soft-rock de la década de los setenta que obtuvo un éxito sin precedentes con su álbum Comes Alive en 1976.

Comenzó a tocar la guitarra a muy temprana edad y ya con solo diez años forma su primera banda escolar The Little Ravens.
Hacia finales de 1966 Bill Wyman el bajista de the Rolling Stones después de verlo en acción le convence para guiar su carrera y se presta a ser su manager personal.
Frampton debuto como guitarrista profesional en el grupo The Herd en 1966 con quienes publica algunos singles de éxito como So Much in Love o Paradise Lost.
Escogido como Face to 68 (Cara bonita del año) por su buen físico, Peter tuvo que luchar para demostrar que era un buen guitarra solista, aunque su aspecto frágil y su imagen agradable para el público femenino estuvo siempre en oposición con su técnica de buen rockero.
Terminada su etapa más pop con The Herd, forma Humble Pie junto a Steve Marriott, con quienes graba los álbumes As Safe as Yesterday is (1969), Town and Country (1969), Humble Pie (1970) y Rock On (1971) este ultimo justo el primer gran éxito del grupo, que se produce cuando Peter (que ya tenía planeada su propia carrera como solista) les abandona.
El primer álbum de Peter Frampton en solitario seria, Wind of change (72), donde colaboraban músicos diversos, como Ringo Starr, Klaus Voorman o Billy Preston. Al ser editado, Peter forma su propia banda, Camel, con Mike Kellie (ex-Spooky Tooth, batería) y Rick Wills (bajo). Kellie se irá antes de grabar el nuevo álbum, reemplazándole John Siomos, y entrará Mick Gallagher de teclista. El álbum, Frampton’s Camel (73), tampoco logra el éxito esperado y el grupo desaparece, limitándose Frampton a contar con una banda estable de acompañamiento, formada por Rick Wills y John Headley Down (batería). El álbum Somethin’s happening (74) es un trabajo de Peter en casi el cien por cien, con la ayuda de Wills, Headley-Down y el teclista Nicky Hopkins . Un nuevo planteamiento le llevaria a publicar el album Frampton (75), un disco con el cual se inicia la escalada que le llevará al éxito; en este último contaría con la participación de John Siomos y Andy Bown este ultimo antiguo compañero en The Herd.
Después de este álbum Frampton se embarca en una gira mundial con una nueva formación que la comprendían Stanley Sheldon, Bob Mayo y Siomos.
De dicha gira se extraerán el material que se editaría en el doble álbum de 1976 Comes Alive que será numero uno en los Estados Unidos durante semanas e igualmente ocuparía las primeras posiciones en medio mundo.
El disco se convierte en uno de los mas vendidos de la historia con mas de 16 millones de copias hasta la actualidad y es galardonado como mejor álbum del año y varios premios Grammy.
El impacto mundial que supuso este disco trajo consigo el estrellato de Frampton que le lleva a convertir todo lo que toca en oro.
Así en 1977 su siguiente álbum I´m in You se convierte en otro éxito, aunque sin los registros del Comes Alive.
Un año después Frampton protagoniza la película Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band basada en el álbum de The Beatles del mismo, titulo junto a The Bee Gees otros de los artistas de moda de aquellos años gracias a la película Saturday Night fever.
La película y el disco resulta otro éxito y posteriormente se publica el álbum Where I should be y mas tarde Breaking all the rules (1981) trabajos bastantes alejados del boom de 1976.
Antes en 1978 Frampton había sufrido un aparatoso accidente automovilístico el cual estuvo a punto de costarle la vida.
La rehabilitación que duraría meses le llevaría al consumo de drogas las cuales también estuvieron a punto de arruinarle su carrera.
Comenzaba así una nueva etapa y una nueva década para Peter Frampton que aparte de sus éxitos personales también había contribuido en la elaboración de otros álbumes de otros artistas como Nilsson en sus trabajos Son of Drácula y Son of Schmilsson (1971), Donovan y su Essence to Essence (1974) o Ringo Starr con su álbum Ringo´s rotogravure (1976).
En lo sucesivo Peter Frampton publicaría con relativa frecuencia nuevos álbumes, así irían sucediéndose Art of Control (1982), Premonition (1986), When all the Pieces Fit (1989), Peter Frampton (1994), Now (2003), Fingerprints (2007) y Thank You Mr. Churchill (2010), todos ellos lejos de su mejor época que sin embargo mantienen una calidad incuestionable.
En el año 2007 ganaría el premio grammy al mejor álbum de rock instrumental con Fingerprints.
En 1995 publicaría el directo Comes Alive II y varios años después se editaría una edición especial del Comes Alive original.

Web Oficial Peter Frampton

miércoles, 18 de agosto de 2010

Movimientos Historicos: El movimiento psicodélico y la generación hippie (I)

A mediados de los 60 el rock tomó varias corrientes decisivas que fueron fundamentales en la historia del rock´n´roll, por un lado Bob Dylan introdujo el mensaje socio-político explícito; por otro las bandas británicas tales como los Rolling Stones y los Who que reflejaban la imagen de delincuentes juveniles de la decada anterior, se promovieron el caos vocal e instrumental; y por otro grupos como The Beach Boys, The Beatles o The Byrds se dedicaron a experimentar en los estudios con arreglos excéntricos. Todos ellos encarnaron tres diferentes formas de usar la música como un vehículo: el poeta profundo, el punk callejero y los escultores de sonido. Los Rolling Stones y los Who personificaban el atributo eterno y universal de la juventud como era la rebelión. Los Beach Boys y los Beatles vivian tan apartados como era posible de su tiempo (la guerra de Vietnam, el movimiento de derechos civiles, el miedo al holocausto nuclear…etc). Bob Dylan era todo acerca de su tiempo y el mundo de su alrededor y usaba la música como un arma, contra todo lo que aparentemente era injusticia, los Rolling Stones y los Who lo usaban como un insulto, mientras que los Beach Boys y los Beatles estaban en gran parte indiferentes a la turbulencia ideológica.

La convergencia de estos tres hilos profundamente diferentes produciría el gran movimiento de la psicodélica, un estilo que reflejaba el espíritu de los tiempos, experimentaba con el sonido de estudio y que personificaba la frustración de la juventud.
La síntesis de 1966 fue alimentada por alucinógenos, como si las drogas fueran el punto de encuentro natural del poeta, el punk y el escultor de sonido. Lo más probable, es que fuera una mera coincidencia: resulta que las drogas representaban el llamado de las armas unificado para esa generación. Podría haber sido cualquier otra cosa. Las drogas estaban convenientemente disponibles y simbolizaban lo opuesto a lo que las instituciones representaban (guerra, vida burguesa, disciplina, avaricia, religión organizada, valores morales anticuados).
Si uno tuviera que señalar un evento que materializara esta síntesis histórica tendría que ser mayo de 1966, cuando Blonde on Blonde de Dylan apareció, un álbum doble (de por sí un alejamiento significativo del viejo formato) que irónicamente había sido grabado en Nashville (entre octubre de 1965 y marzo de 1966). Hasta entonces, todos los artistas de rock se habían ajustado dentro de las fronteras de la canción melódica de tres minutos de la música pop. Después de ese lanzamiento, sólo la música comercial convencional permanecería anclada al formato de la canción tradicional del Tin Pan Alley. Álbumes con "canciones" extensas y de formato libre empezaron a fluir desde Londres, Nueva York y Los Angeles: entre otros aparecerían el segundo álbum de los Fugs Virgin Forest (grabado en enero y lanzado en marzo, así de hecho ganándole a Dylan), el doble álbum Freak Out de Frank Zappa (también grabado en enero y lanzada en julio), Aftermath de los Rolling Stones (grabado en Los Angeles en marzo), The Velvet Underground & Nico de los Velvet Underground (grabado principalmente en abril y mayo), A Quick One de los Who (grabado en el otoño), el primer álbum de The Doors (grabado en el invierno), Da Capo de Love (lo mismo), etc. Muchos ellos habían sido grabados al mismo tiempo que la obra maestra de Dylan, señalando un cambio colectivo lejos de la canción pop.
Este cambio en la música rock (insertado en la síntesis histórica del poeta, el punk y el escultor de sonido) coincidía con el auge del "free jazz". El rock'n'roll había nacido de la confluencia del blues y la música country, pero después de 1966 el blues y el country/folk se volvieron meros ingredientes (dos de los muchos) de una receta mucho más compleja. Las sesiones extensas "ácidas" de los Velvet Underground, de los Jefferson Airplane, de los Grateful Dead y de Pink Floyd, descansaban en una infraestructura musical suelta que ya no estaba relacionada al rhythm'n'blues o a la música country. Era, de otra forma, muy similar al formato de la música jazz tocada en los desvanes y en los clubes en los que asistían muchos músicos de rock psicodélico, y que rápidamente se habían convertido en el segundo gran pilar de la contracultura (el primero había sido el movimiento por los hechos civiles y el pacifismo). Básicamente, la influencia indirecta del free jazz se volvió prominente en la música rock durante la era psicodélica, alimentando su revolución musical y emancipando la música rock de sus base blues. Antes de 1966, la música rock había sido fundamentalmente parte de la tradición del blues aunque muchos roqueros no quisieran admitirlo. Después de 1966, la música rock se volvió más parte de la tradición del jazz aunque igualmente esos mismos roqueros no quisieran admitirlo.

En 1965 San Francisco, cuya escena se habían grandemente languidecido en los años de la música surf y del movimiento Greenwich, de repente se convirtió en una de las ciudades seguro, con mas síntesis en la nación. Los poetas de la generación "Beat" se fueron para allá. Los "Diggers" transformaron del distrito de Haight Ashbury en un "teatro viviente". Mario Savio fundó el "Free Speech Movement" en la Universidad de California en Berkeley, donde plantones y marchas fueron secundados por gente como Country Joe McDonald. Había agitación en el aire. En el verano de 1965 una banda de San Francisco, los Charlatans, y sus admiradores hippies tomaron posesión del "Red Dog Saloon" en Virginia City (Nevada), y comenzaron la idea de tocar una nueva clase de música para una nueva clase de audiencia. Los Warlocks (después se convertirian en Grateful Dead) fueron contratados por Ken Kesey para tocar en sus "pruebas ácidas" (fiestas LSD), donde la banda empezó a interpretarse sesiones mentales largas, meramente basadas en country, blues y jazz. En octubre de ese año, la Family Dog Production organizó la primer fiesta hippy en el "Long Shoreman's Hall". Siguiendo el éxito de ese "festival", se abrieron las puertas para las nuevas bandas de San Francisco que brotaron por todas partes. 1966 fue el "verano del amor". Ellos abrazaron los ideales pacifistas que habían sido promovidos por Bob Dylan, pero con la menor posición política. Su filosofía de la vida (" paz y amor" y drogas) que era en muchas formas consecuencia directa de lo que Dylan había predicado, pero también estaba mucho más cerca a la filosofía budista. Los hippies se reunían no para marchar, sino para celebrar, no para protestar sino para regocijo. La experiencia espiritual era prominente sobre la experiencia política. Esto representaba un cambio dramático desde los tiempos del rock'n'roll, cuando la música era un (al final violento) acto de rebelión.
Los festivales de rock fueron inventados con el "Human Be-in" celebrado en enero de 1967 en el Golden Gate Park (la "reunión de las tribus"). El fenómeno hippy era interesante porque se convirtió en un movimiento de masas que se difundió rápidamente por todos los estados (y el mundo) pero que no tenía líder. Era un movimiento mesiánico sin un mesías.
Básicamente, la música de los hippies era una evolución del folk-rock, renombrado "acid-rock" porque la idea original era que se proveía de una banda sonora para las fiestas LSD, una banda sonora que reflejaría tan cercanamente como fuera posible los efectos de un "viaje" LSD. Esta música era, de muchas maneras, el equivalente del rock de una pintura abstracta (Jackson Pollock), free-jazz (Ornette Coleman) y poesía beat (Allen Ginsberg). Estos fenómenos tenían en común una vaga estructura en cuál la forma "era" el contenido y una actitud de desdén por los antiguos valores estéticos. En lo musical esto significaba que la improvisación era tan importante, y aún más importante, que la composición. El principal invento del acid-rock fue el "jam" (sesión improvisada), la cual, está claro, había sido practicada por los músicos de jazz y blues. Los músicos de acid-rock sesionaban en un contexto algo diferente: ellos ponían más énfasis en la melodía y menos énfasis en la ejecución virtuosa. La diferencia más visible (además de la raza de los músicos) era el rol líder de la guitarra eléctrica. Una diferencia más sutil era que el espíritu apasionado y dolido del blues fue reemplazado por un espíritu trascendental como zen. El arquetipo para el acid-rock fue de hecho grabado en Chicago, por el músico de blues blanco Paul Butterfield: el mitico album y obra maestra East-West (1966), una pieza extensa que fusionaba la improvisación afroamericana e India. Desde el punto de vista instrumental, el acid-rock seguía siendo por mucho un descendiente del rhythm'n'blues, pero desde el punto de vista vocal era por mucho un descendiente de la música folk y country. Las melodías y las armonías eran inspiradas principalmente por la tradición blanca. 1966 fue el año de las sesiones: Virgin Forest por los Fugs, East-West de Paul Butterfield, Up In Her Room por los Seeds, Going Home por los Rolling Stones, Sad Eyed Lady Of The Lowlands por Bob Dylan, etc. En los años siguientes los músicos de rock grabarían muchas más piezas complejas y extensas.
Jefferson Airplane fueron una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos. Ellos no sólo abrazaron el espíritu y el sonido de la era hippy más que cualquier otro sino que además contaban con un grupo de talentos formidables, que redefinieron el canto (Grace Slick), la armonización (Paul Kantner, Marty Balin), la forma de tocar el bajo (Jack Casady), el contrapunto de guitarra (Jorma Kaukonen) y la batería (Spencer Dryden) en la música rock. Sus primeros sencillos, Somebody To Love y White Rabbit (1967) ayudaron establecer el rock psicodélico como un género musical. La música de Jefferson Airplane era grandemente auto referencial, y su carrera es el perfecto documental de su generación. Surrealistic Pillow (1967) era un manifiesto de la generación hippy. After Bathing At Baxter's (1967), uno de los más grandes logros artísticos de la era psicodélica, fue el álbum que rompió con los convencionalismos del formato de la canción y de los arreglos pop. Volunteers (1969), su obra maestra suprema, fusionó la tendencia del retorno a las raíces (tanto musical como moral) y la tendencia hacia la política de línea dura. Blows Against The Empire (1970) fue una mirada nostálgica a los ideales de las comunas y un tributo utópico a la edad espacial. Sunfighter (1971) es un regreso adulto y solemne al formato de la canción y la naturaleza. Su "atractivo mercado-técnico" era precisamente que ellos representaban (y practicaban) una nueva forma de vida. Desafortunadamente, pocos de sus álbumes figuran entre las obras maestras del rock porque fueron limitadas fundamentalmente por un formato orientado hacia la canción que ellos raramente desafiaron (distinto a, digamos, the Grateful Dead). Jefferson Airplane fueron parcialmente aceptados por las instituciones porque ellos seguían viviendo en el mundo de la música pop, porque las raíces folk y blues seguían visibles, porque la melodía seguía en el centro de la masa.
Otros estaban reaccionando en contra de todo lo mencionados anteriormente. The Grateful Dead, considerado por muchos como "la" mas grande banda de rock de todos los tiempos ( sobre todo los norteamericanos, los cuales les adoran) fue un a monumento a la civilización hippy de San Francisco, y, en general, un monumento a la civilización psicodélica de los 60. Su más grande invento fue la sesión de grupo extenso y de forma libre, el equivalente en el rock de la improvisación en el jazz, en el cual la sesión canalizaba la angustia de las personas afroamericanas, las sesiones del Grateful Dead era la banda sonora de los "viajes" LSD. Pero pronto vinieron a representar una ideología entera de evasión de las instituciones, de libertad artística, de un estilo de vida alternativo. Contrario a su imagen de drogadictos e inadaptados, los Grateful Dead fueron uno de los grupos más eruditos de todos los tiempos, conscientes de las composiciones atonales de la vanguardia europea y de la improvisación modal del free-jazz así como los ritmos de otras culturas. Se las ingeniaron para transformar el feedback de guitarra y medidas extrañas, en el equivalente del rock de instrumentos de cámara. Las escalas infinitas ascendentes y descendentes de Jerry Garcia están entre las empresas más titánicas que se hayan intentado en la música rock. Los Grateful Dead nunca vendieron muchos discos. Su formato preferido fue el concierto en vivo, no el disco. Ellos literalmente redefinieron lo que es la "música popular ": el concierto en vivo, el día a dia y sus manifestaciones en directo contra el capitalismo, removiendo el plan de negocios del entretenimiento. Sus obras maestras grabadas, Anthem Of The Sun (1968), Aoxomoxoa (1969) y Live Dead (1969), son meras aproximaciones de su arte. Anthem Of The Sun fue refinado en el estudio usando toda clase de efectos y técnicas. La banda miraba a Karlheinz Stockhausen, John Cage y Morton Subotnick (y no a Chuck Berry) para inspiración. Los blues de los Dead y las raíces country fueron horriblemente desfiguradas por despliegues hallucinógenos, así desintegrando la estructura de la canción y su desarrollo. Cada canción era de un sonido apabullante. Los obsesivos tiempos del ritmo de la batería reproducen las pulsaciones de un viaje LSD; la electrónica pintaba panoramas de pesadilla y alucinaciones; los teclados gemían tenebrosos y misteriosos, como fantasmas prisioneros en catacumbas; las guitarras perforaban las mentes y liberaban sus sueños en el cielo; las voces flotaban serenas sobre la vorágine. Los arreglos sobrevolaban con bocaditos de clavecín, trompetas, celeste, etc. pero sobre todo el sentimiento era de angustia, realzado por la selva de disonancias y percusiones. Sus improvisaciónes eran extensas y sonaban como música de cámara para los drogadictos ebrios. (El crédito es para el productor Dave Hassinger por sobreponer diferentes ejecuciones y crear un sentido "multi-dimensional", una versión extrema del "muro de sonido" de Phil Spector). El ritmo y la melodía se habían convertido en puros accesorios. Aoxomoxoa (1969) reparó parte del daño, al retroceder al formato tradicional de la canción. Live Dead alcanzó su dimensión propia con canciones tales como Feedback, un "viaje" monolítico extenso por la guitarra de Garcia, y Dark Star, la sesión terminal de los Dead y el canto del cisne del acid-rock. Al mismo tiempo, sin embargo, su sesiones en formato de libre nación con una filosofía que seguía siendo profundamente estadounidenses. Nacieron en la frontera entre la cultura individualista y libertaria del colonizador y la cultura comunal y espiritual de los cuáqueros. A pesar de haber sido excluidos por la industria, the Grateful Dead expresaba, mejor cualquier otro músico de esa época, la quintaesencia de la nación estadounidense, y quizás esa era precisamente la razón de que su musical resonara también en el alma de la juventud estadounidense. No es una coincidencia que los Grateful Dead, junto con los Byrds y Bob Dylan, llevaran el movimiento hacia el country-rock, via Workingman's Dead (1970) y el álbum solo Garcia de Jerry Garcia (1972). La banda pasó sus años adultos tratando de transformar el idioma cultural de los hippies en un lenguaje universal que pudiera alcanzar cualquier rincón del planeta (no solamente las comunas hippy). Ellos lograron un gran éxito con una forma de muzak intelectual la cual interpretaba el viaje lisérgico como un escape catártico de la realidad cotidiana y la liberación de la neurosis urbana: Weather Report Suite (1975), Blues For Allah (1975), Shakedown Street (1978), Althea (1979). En la práctica, su arte era una investigación psicológica en la relación entre los estados alterados de la mente (alucinaciones psicodélicas) y los estados alterados de la psique (neurosis industrial).
Las primeras bandas de San Francisco tenían que vérselas con una industria discografica que completamente los malinterpretaban. Las grandes compañías morían por explotar el fenómeno hippy, pero se resistían a la música extraña que esos hippies estaban tocando. A los productores se les pagaba específicamente para destruir el sonido original y "normalizar" las sesiones (en otras palabras, para "Beatle-izar" el acid-rock).
Mientras las anteriores escenas de música, alrededor del mundo habían girado alrededor de un estilo específico (tales como el Mersey-beat o el rhythm'n'blues o la música surf), la bahía de San Francisco se convirtió en el lugar en donde todo era permitido. De hecho, por mucho la única cosa que no se permitía, era copiar el sonido de alguien más. La originalidad era obligatoria, el talento era opcional.
Y asi surgieron bandas tan originales como extrañas, al menos al principio, para el habitual sonido pop de aquello años.
El álbum grabado en 1967 por los Charlatans, The Charlatans , no fue lanzado sino hasta diez años después (1977), pero las canciones salieron como una serie de sencillos de edición limitada a finales de 1966 y principios de 1967.
Kaleidoscope estaban entre los más arriesgados con la fusión de la música country, jazz, cajun, Medio Oriente, India, flamenca, gitana y sudamericana propuesta en Side Trips (1967) y A Beacon From Mars (1968), la última incluía Taxim (posiblemente la obra maestra de raga-rock de todos los tiempos).
Electric Flag de Mike Bloomfield debutó con Trip (1967), una mezcla bizarra de electrónica, ruido, psicodelia, country, ragtime y blues.
Moby Grape abrazó el espíritu casual y mágico de la sesiones ácidas en Grape Jam (1968), destacando Mike Bloomfield y Al Kooper (ambos colaboradores de Dylan), y en el álbum solo de Alexander Spence Oar (1969).
Quicksilver Messenger Service, una de las bandas más grandes de sesión en la escena del acid-rock, enlazaron el acid-rock de San Francisco, el sonido garage del noroeste y el rhythm’n’blues de Chicago, particularmente en Happy Trails (1969), del cual las canciones más extensas, son audaces cabalgatas pan-estilísticas que toman el blues como el punto de inicio pero buscan el interiorismo humano.
Mad River fueron también influenciados por el blues en Mad River (1968) y Paradise Bar And Grill (1968).
Blue Cheer, por el otro lado, tocaban el blues-rock con inusitada violencia: Vincebus Eruptum (1968) introdujo un sonido terrorífico (guitarra ensordecedora y amplificación del bajo), que desafiaba a toda la ideología "hippy" y precedía al stoner-rock 25 años antes.
Steppenwolf desencadenó dos de los himnos más importantes de este fuerte y rápido acid-rock: Born To Be Wild (1968), que contenía la expresión "heavy metal" que identificaría un nuevo género, y Magic Carpet Ride (1968).
Al otro lado del espectro, Fifty Foot Hose, una de las más experimentales bandas de los 60, y una de las primeras en emplear electrónica para enlazar la música rock y la de vanguardia, grabaron Cauldron (1968), desafiando la atmósfera plácida del acid-rock con los sonidos cacofónicos y caóticos de su sesiones apocalípticas y "enloquecedoras" (Fantasy).
Cuando esas bandas alcanzaron los estudios de grabación, la era dorada del acid-rock había terminado gracias a dos eventos altamente publicitados en el verano de 1967: el festival de Monterrey (que legitimó el formato) y el album Sgt Peppers de los Beatles (que legitimó el sonido). Durante ese verano lo "alternativo" se convirtió en "convencional". El espíritu anticomercial del acid-rock se convirtió en una contradicción de términos. El año siguiente, las bandas hippies abrazaron el country-rock y regresaron al formato tradicional de la canción.
Había una razón sociopolítica para el fallecimiento súbito del movimiento hippy. Los hippies nunca habían representado verdaderamente a la clase intelectual. Ellos habían representado al joven promedio de la clase media, quien era temeroso de ser llamado al servicio militar para la guerra de Vietnam y soñaba con un mundo sin armas nucleares. Los intelectuales de izquierda tenían diferentes prioridades, y estaban suscritos a la noción de que algún grado de guerrilla urbana era necesario para poder cambiar las instituciones. Los hippies eran sólo una de las facetas de la contracultura. En 1968 la marea se alzaba, y las protestas violentas se hicieron más populares que las pacíficas. El movimiento de paz fue secuestrado por revolucionarios de un orden distinto, y su banda sonora (acid-rock) se volvió anacrónica (P.Scaruffi).
Pero no solo San Francisco y sus alrededores coparon el movimiento psicodelico...New York, Los Angeles y Londres fueron caldo de cultivo para otras muchas bandas que abordaremos mas adelante.

domingo, 15 de agosto de 2010

Años 60: Spirit

Fundamental y mítica banda norteamericana que con un estilo de Hard Rock combinado con el acid-rock y la psicodelia de finales de los 60 y sazonado con elementos jazz, blues y una pizca de folk se convirtieron en una de las bandas de culto en el mundo del rock´n´roll.

Por esta combinación el grupo obtuvo grandes elogios en la segunda mitad de la década de los '60, siendo Twelve Dreams of Dr. Sardonicus el álbum de mayor ambiente progresivo y el clásico del grupo.
Formados originalmente en 1967 por el bateria Ed Cassidy, el guitarrista Randy California, el bajista Mark Andes, el teclista John Locke y el cantante Jay Ferguson.
Descubiertos por el productor Lou Adler, este los ficha para su sello Ode y les consigue contrato de distribución discográfica con Epic, a mediados de 1968 publican su primer álbum Spirit que les revela como uno de los grupos de la segunda generación de la West Coast que a diferencia de los discos posteriores,  mostraba un predominio casi absoluto de Jay Ferguson como compositor y cantante. Esto cambiará en las sesiones de grabación del siguiente álbum, el sensacional The Family That Plays Together (1968), en el que las canciones compuestas y cantadas por Randy son casi tan numerosas como las de Ferguson y en el que destacaban los temas I Got A Line On You con uno sonido cercano al jazz y al rock más duro de la época y el riff característico de Randy California y The Smiles un tema de corte psicodelico.
Clear (1969) confirma la calidad del grupo que mantiene muy alto el pabellón compositivo de la banda.
Pero será Twelve Dreams of Dr. Sardonicus (1970) el album que les encumbra a nivel internacional.
Una obra maestra del rock en donde las armonías vocales perfectas, las guitarras vibrantes, la producción imaginativa y los arreglos de viento hacen del disco incapaz de envejecer con el paso de los años.
Desde la folk de Nature´s Way hasta la atmosférica Space Child, pasando por la conceptual Prelude-Nothin´to hide o la glamurosa Morning Hill Come conformaban un álbum apabullante.
Pero el éxito de este álbum trae igualmente problemas internos lo que precipita la disolución del grupo y así Andes y Ferguson abandonan para formar la banda Jo Jo Gunne publicando los álbumes Jo Jo Gunne (1972), Bite down hard (1973) Jumpin´the Gunne (1973) y finalmente So…where´s the show (1974).
Por su parte Randy California después de sufrir un accidente publica el disco Kaptain Kopter and the Twirlybirds (1973)
Mas tarde Locke y Cassidy reforma a Spirit con Al y Christian Staehely con los que publican el mediocre Feedback (1971) que precipita la ruptura definitiva.
Algunos años después California y Cassidy vuelven a reflotar al grupo junto a Larry Knight y graban los álbumes The Spirit of´76 y Son of Spirit ambos de 1975.
Un año después la formación original vuelven a unirse para iniciar la segunda etapa de la carrera del grupo que se inicia con el álbum Farther Along (1976) que será continuado con Future Games (1977) que pasan bastante desapercibidos por el gran público.
Randy California abandonaría esta aventura publicando junto a Cassidy los trabajos Live (1977) y Potatoland (1981).
Un año después la formación original volvería a los ruedos con el álbum The Thirteenth Dream que fue publicado en los Estados Unidos como Spirit of´84.
Rapture in the Chambers (1988), Tent of Miracles (1990) y California Blues (1996) fueron mediocres parodies de una era ya pasada que sin embargo mostraba a un Randy California en plena forma.
Pero en 1997 mientras practicaba surf y después de salvarle la vida a su hijo Randy California muere ahogado en un desgraciado accidente.
A partir de ahí los directos y recopilatorios se han publicado por doquier, entre los que destacan Live at the Rainbow 1978 (2000) o Chronicles 1967-1992 (1992).
En el año 2007 se publicaría la box-set The Euro-American Years 1979-1973 con cuatro cd´s con material de Randy California en solitario.


Web Oficial Spirit & Randy California

martes, 10 de agosto de 2010

Años 70: Skin Alley

Desconocida para el gran público Skin Alley fue una banda de rock progresivo que permanece aun en los oídos de unos pocos afortunados que conocieron de su música en el periodo que duro su carrera comprendida desde 1968 hasta 1974.

Formados originalmente en Londres el grupo se componía de Bob James a las guitarras, saxo y flautas, Krzysztof-Henryk a los teclados, Thomas Crimble al bajo, y Alvin Pope a la batería y su estilo venia cargado de jazz, folk, blues y rock.
Hacia mediados de 1968 el grupo consigue un contrato con la CBS quien les produce y publica su primer álbum Skin Alley (1969) trabajo que contenía nueve buenos temas como Marsha o All Alone y que fueron producidos por el guitarrista de los Pretty Things Dick Taylor.
El álbum era una brillante combinación de arreglos de teclados y la sección rítmica con unas memorables apariciones de la guitarra y un sonido de flauta en muchos casos excitante.
Los siguientes meses el grupo se embarca en una gira por Gran Bretaña participando en multitud de festivales en donde dan rienda suelta a sus interminables jams con solos de guitarra, saxos y mellotrones, proporcionando a su música un sonido lleno de matices y diversidad sonora.
Un año después llegaría su segundo trabajo To Pagham and Beyond en donde continúan brillantemente con el rock progresivo-jazz fusión de su primer trabajo con largas y complejas composiciones en donde todos los temas del álbum sobrepasan los seis minutos de duración, de los cuales sobresalían Take Me To Your Leader’s Daughter o The Queen Of Bad Intentions.
A finales de ese mismo año Crimble abandona la nave para unirse al grupo Hawkwind y es remplazado por Nick Graham que provenía de los Atomic Rooster y poco después Pope haría lo mismo y su lugar lo ocuparía Tony Knight.
Estas deserciones mermarían considerablemente la brillante continuidad del grupo y así en 1972 se publicaría el discreto Two Quid Deal bajo el sello Trasantlantic y un año después el complejo por su abuso de arreglos orquestales y comercialidad Skintight.
Estos últimos álbumes fueron publicados por el prestigioso sello Stax para el mercado norteamericano.
Pero el grupo a pesar se su enorme calidad y talento terminaran sucumbiendo y desapareciendo a principios de 1974 dando así por finalizado su corta pero interesante carrera.
Estos últimos años el sello Eclectic Records ha reeditado toda la discografía del grupo, añadiendo temas extras a las versiones originales haciendo así un poco de justicia a esta desconocida banda que no defraudara a los buenos aficionados al progresivo.

Web Skin Alley

viernes, 6 de agosto de 2010

Años 70: Foghat

Este grupo de origen inglés pero de éxito y radicación estadounidense, se forma en 1970 partiendo de una de las ramificaciones del grupo de blues-rock Savoy Brown, con tres de sus miembros: Lonesome Dave Peverett (guitarra y voz), Roger Earl (batería) y Tony Stevens (bajo), a ellos se sumaria el guitarrista Rod Price.
Foghat, lejos de estancarse a lo instaurado por la conocida como “British Blues Invasion” que practicaban Savoy Brown, se americanizaron con su sonido, endurecen su estilo y consiguen crear una compacta propuesta que de inmediato da sus frutos.
Después de conseguir un contrato con el sello Bearsville y bajo la producción de Dave Edmunds entran en el estudio para grabar su primer álbum que se publica en mayo de 1972 con el titulo de Foghat, que les convierten en una banda de excelente reputación de hard rock y boggie rock y que gracias a unos incendiarios directos consiguen un asentamiento triunfal en los Estados Unidos, en este primer trabajo la banda homenajea a su pasado blues con una excelente versión del tema de Willie Dixon I Just want to make love to you y otra mas otra de Chuck Berry Maybellene, comenzando de esta manera la costumbre de incluir versiones en todos sus álbumes, o por lo menos en sus primeros años.
Continúan su línea de calidad con el esplendido Foghat: Rock and roll (73) y al que sigue  Energized (74) uno de sus mejores álbumes y su primer disco de oro en USA. Rock and roll outlaws (75) se edita posteriormente y coincidiendo con la marcha de Stevens, sustituido por Nick Jameson, con el que se graba Fool for the city (76). A Jameson le reemplaza Craig MacGregor (bajo y voz).
El grupo, en la segunda mitad de los 70 continuaria editando buenos albumes con Night shift (77), Live (77), Stone blue (78), Boogie motel (79) y Tight shoes (80).
La década de los ochenta empezaría con una serie de mediocres trabajos lejos de los enérgicos y excelentes álbumes de los 70.
Asi se publicarian Girls to Chat & Boys to Bounce (81), In the mood for something rude (82) o Zig-Zag Walk (83).
Después de este ultimo trabajo la banda se disuelve y cada uno de sus miembros toman rumbos diferentes, por un lado Roger Earl forma The Kneetremblers y Dave Peverett se retira de la música.
Hasta que en Earl reactiva el grupo y emprende una gira mundial que obtiene un éxito masivo gracias al auge del hard rock de finales de los ochenta.
Observando este hecho Peverett igualmente hace lo mismo y en un momento dado se dio la curiosa situación de que existían dos bandas paralelas llamadas Foghat.
Esta estrambótica situación termino cuando ambas formaciones se unieron y a mediados de los 90 la formación original publica el álbum Return of the Boggie que obtiene un meritoria aceptación por parte del publico y la critica.
Después de unos años de estabilidad con constantes y exitosas giras Lonesome Peverett fallece en el año 2000 victima de un cáncer diagnosticado tiempo atrás.
Los restantes miembros deciden continuar en memoria de uno de los fundadores del grupo y reeditan el directo Road Cases grabado unos años antes.
Family Joules (2003) y Last Train Home (2010) han sido los dos últimos trabajos del grupo.
Pero antes en el 2005 Price fallecería después de un accidente en su domicilio y sufrir posteriormente un ataque al corazón.
Price había publicado varios trabajos en solitario en donde demostraba su pasión por el blues Open (202) y West tour (2003).
A mediados del 2007 se publica Live II, una especie de continuación al exitoso y fantástico directo grabado en 1977, que obtiene un éxito absoluto en los Estados Unidos con unas ventas multi-platino.
Foghat además presume de ser uno de los grupos en activo que mas directos tiene publicados con más de una docena de discos de los que sobresalen Rock and Road Outlaws (2009) o Live in Chicago de 1981,
Actualmente la banda sigue girando preferentemente por Estados Unidos, Reino Unido y Japón y recientemente publicaron el directo Not Live at the BBC.

Web Oficial Foghat

lunes, 2 de agosto de 2010

Años 70: Mountain

Cuando a finales de 1968 el grupo Cream se disuelve, su productor Felix Pappalardi regresa a los Estados Unidos para trabajar para la Atlantic Records como jefe de producción de los estudios de New York.
Y es en esa ciudad, en donde descubre a una banda llamada The Vangrants en la que destacaba un guitarrista llamado Leslie West, que era tan brillante por su técnica como espectacular por su peso y dimensiones.
Sin dudarlo Pappalardi se convierte en su productor y en 1969 aparece el álbum en solitario del guitarrista Leslie West Mountain.
El álbum consigue acaparar las expectativas puestas en el y el propio West y Pappalardi deciden unir fuerzas y formar el grupo Mountain.
La primera formación comprendía además de Pappalardi que se encargaba del bajo y a West de las guitarras a Steve Knight a los teclados y Norman Smart a la batería.
La identificación de Pappalardi con Cream hará que la banda surja como unos dignos sucesores y herederos del sonido de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce.
La participación del grupo en el festival de Woodstock en 1969 les consagra definitivamente arrastrando tras de si una amplia legión de seguidores y todo esto sin haber publicado ningún álbum hasta esa fecha.
Después de dicho festival el batería Smart abandona el grupo siendo sustituido por Corky Laing quien se convertiría en colaborador inseparable de West hasta nuestros días.
En 1969 aparece el primer album de Mountain titulado Mountain Cimbling, al que seguiran Nantucket Sleighride (1971), Flowers of Evil (1971), Live : The Road goes ever on (1972), y Best of Mountain (1973).
Entre estos trabajos se encontraban los hits Mississippi Queen, For Yasgur´s Farm, (tema de dedicado a Max Yougur, el hombre que cedió los terrenos de Woodstock para que se celebrara el festival) o The Animal trainer and the toad.
Pero la aventura de Mountain se acaba a finales de 1972 y Pappalardi opta por volver a su trabajo como productor en New York.
Por su parte Leslie West y Corky Laing forman junto a Jack Bruce el grupo West, Bruce and Laing el cual intenta reverdecer la leyenda de la mítica banda.
Pero este power trío no termina de cuajar y después de varios álbumes Why Dontcha (1972) y Whatever turns you on (1973) se separan justo cuando su compañía discográfica publicaba el directo Live ´n´Kickin (1973).
Después de esta desafortunada aventura Leslie West reforma a los Mountain y publica el álbum Avalanche (1974) que obtiene malas críticas y peores ventas por lo cual decide continuar en solitario.
Y así en 1975 se publica su segundo álbum en solitario The Great Fatsby y un año después funda su propia banda Leslie West Band con Corky Laing y Ken Ascher y otros músicos alternativos.
El primer trabajo de esta nueva banda The Leslie West Band (1976) tampoco rememora los éxitos de Mountain y se retira temporalmente de la escena rock.
Un año después se publico el doble álbum en directo de Mountain Twin Peaks grabado años atrás en Japon.
Algunos años después, en 1983, Felix Pappalardi seria asesinado por disparos de su propia esposa Gail Collins Pappalardi, quien había compuesto algunos temas de Cream y de los propios Mountain años atrás.
No seria hasta 1985 cuando Leslie West decide volver a reactivar a los Mountain publicando el álbum Go for Your Life.
Varios años después West continúo con su carrera en solitario con el álbum Theme (1988) album de versiones en donde contaba con Jack Bruce al bajo.
En los años siguientes la carrera de West se vio favorecida por una seria de trabajos muy meritorios, muchos de ellos enfocados al blues-rock Alligátor (1989), Night of the guitar-Live (1989) o Dodgin´The Dirt (1994).
En 1996, diez años después de su ultimo trabajo al frente de Mountain, el grupo publica Man´s a World, al que seguirán Mystic Fire (2002) y Master of War (2007) este ultimo un disco tributo a Bob Dylan, trabajos todos ellos que alternaban con publicaciones en solitario como As Phat as it Gets (1999), Blues to Die For (2003), Guitarded (2005) o Blue Me (2006).

Web Oficial Mountain