BOLETIN SEMANAL ROCK´N´ROLL

Años 70: Van Der Graaf Generator

2012-01-27T00:02:00.000Z

Este mitico grupo británico vivió una breve pero intensa historia que daría lo mejor de sí entre 1969 y 1972, precisamente la mejor época del rock progresivo.
Considerada una de las bandas de este genero más destacadas de la era de los 70 y liderada por el incomparable e intenso compositor, vocalista, pianista y guitarrista, Peter Hammill, la agrupación supo crear un sutil rock sinfónico, en donde son características fundamentales las inflexiones y giros vocales, las letras existencialistas y las complejas composiciones instrumentales. Además, Peter Hammill tiene una brillante carrera como solista, que hasta nuestros días lo mantiene en constante actividad, convirtiéndose en una de las figuras de culto esenciales de la vanguardia de todos los tiempos.
Todo empezaría a mediados de 1967 en la ciudad de Manchester, cuando Chris Judge-Smith, se uniría a Peter Hammill y al teclista Nick Peame, para formar una banda la cual bautizaron con el nombre de Van Der Graaf Generator en honor a un físico nuclear norteamericano. De este primer núcleo saldría la primera formación oficial del grupo que además de los mencionados comprendían también a Hugh Banton al órgano, Guy Randolph Evans a la batería y Keith Ian Ellis al bajo.
En 1968 publican su primer elepé, The Aerosol Grey Machine (1969), un excéntrico trabajo que en un principio fue concebido como álbum solista de Peter Hammill, y que pasa totalmente desapercibido por la critica y él publico en general.
Seria justo después de este álbum cuando Tony Stratton Smith, un afamado periodista musical que acababa de crear el sello Charisma, se interesa por el grupo y les contrata y así al año siguiente, con el reemplazo de Ellis por Nic Potter y la incorporación del saxofonista David Jackson, editan su segundo álbum, The Least We Can Do Is Wave To Each Other, (1969) un trabajo sobrecogedor y sorprendente, aquí el grupo ya muestra una faceta barroca con unos textos excelentes de Hammill que hablan desde lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión, la astrología...etc.
El grupo mostraba tambien aquí su lado gótico y atmosférico, en el que recreaban su propia versión del Apocalípsis con referencias cruzadas al ocultismo y a la ciencia atómica nuclear, aparte de incluir el gran tema ‘Refugees’.
La música en si era intensa y furiosa por momentos, en donde dan cabida al jazz, a la psicodelia y al rhythm blues, el órgano electrónico de Benton, el sonido punzante del saxo de Jackson, el frenético ritmo de Evans y la inigualable voz de Hammill crean un impacto sonoro impresionante y arrollador.
Temas como la opresiva Darkness, la melódica Refugees o la sutil Out fo my book conforman un álbum que quedara como una obra maestra del rock progresivo.
El álbum consigue una grandes criticas tanto de publico como de la prensa especializada y logra entrar él los charts británicos alcanzando muy buenas ventas.
Un año después aparece otro de sus grandes discos,H To He Who Am The Only One, (1970), en donde continúan por la senda del anterior y donde confirman su sonido característico, en donde sobresale el sonido envolvente del órgano Hammond que involucra a la música en un estado mucho mas sepulcral y violenta, y en medio del tinglado electrónico aparece la guitarra de Robert Fripp, invitado de lujo en este álbum.
La siniestra Killer, la complejísima The Emperor in His War-Room o la melódica House with no Door, vuelven a poner al grupo entre la vanguardia del rock sinfonico de esa época.
Después de este ultimo álbum el bajista Nic Potter abandona el grupo y lejos de ser remplazado por un nuevo músico, el cometido de su instrumento fue sustituido por los pedales del órgano de Banton
Con la partida de Potter, la banda publica en 1971 un sofisticado álbum titulado Pawn Hearts, quizás la obra más ambiciosa del grupo, en la cual también contarían con la colaboración de Robert Fripp a las guitarras.
El grupo experimentaría aquí el modelo de Foxtrot de Genesis con una larguísima suite de 22 minutos titulada A Plague of lighthouse keepers, secundada por las baladas Lemmings y Man erg, dos ejercicios deslumbrantes de art-rock
Pero a partir de aquí la banda empieza a encontrar una serie de dificultades, entre ellas las del propio Hammill que desea un mayor protagonismo en solitario.
Tanto es así que Hammill disuelve la agrupación y comienza su carrera como solista, editando una serie de reconocidos trabajos como Fool’s Mate,1971, (nuevamente con la participación de Robert Fripp), Chameleon In The Shadow Of The Night (1973) y The Silent Corner And The Empty Stage, (1974) este ultimo junto a Randy California, entre otros.
Pero mientras Hammill explotaba su imaginación lírica en sus trabajos en solitario el resto del grupo no se esta quieto y forman una banda a la que denominan Long Hello y con la cual publicarían un disco homónimo en 1974 bajo el sello Charisma sin ninguna repercusión comercial.
Un año después Hammill reforma la banda con la misma formación (Banton, Evans, Jackson), volviendo con el excelente disco Godbluff (1975). Un trabajo más terrenal, lejos de las grandilocuencias suites de antaño y las sepulcrales atmosferas del inicio.
Este nuevo trabajo seria un notable regreso, Hammill más en el frente que nunca, el saxo y el órgano tomando un rol protagónico e incluso en pequeños detalles como el de la recreación del potente riff de ‘Killer’ en el tema ‘Arrow’.
Aun así el propio Hammill no renuncia a la idea de seguir una carrera en paralelo y publica los álbumes In Camera (1974) y Nadir´s big Chance (1975), un pletórico ejercicio sonoro electrónico en donde se inventa el personaje de Rikki Nadir, un personaje clave a la inspiración del movimiento punk que llegaría mas tarde.
Un año después llegarían los álbumes de Van Der Graaf; Still Life, con una temática muy similar al anterior y World Record en el cual Peter Hammill expande sus horizontes instrumentales dando más espacio a su guitarra eléctrica (A la que dedica una pieza completa llamada “Meurglys III”) y por vez primera a los sintetizadores. La experimentación resulta exitosa y permite al grupo no repetirse emulando los dos anteriores trabajos Godbluff y Still Life. Esto le da una personalidad propia a World Record. Además, este sería el último disco en el que participaría el saxofonista David Jacksony el organista Hugh Banton, por lo que el grupo acortaría su nombre simplmente a “Van Der Graaf” y cambiaría nuevamente de formato.
En cualquier caso son trabajos en los que exhibían un sonido más apretado y poderoso, y poco después se integra el violinista Graham Smith. Con el sonido de los vientos reemplazado por el violín y sólo bajo el nombre de Van Der Graaf, editan el disco The Quiet Zone/The Pleasure Dome en 1977 y al año siguiente el trabajo doble en directo, Vital, que fue su despedida, no precisamente notable por su calidad de grabación para lo que Van Der Graaf había hecho en años anteriores.
Ya empezada la nueva decada de los ochenta llegarian varios álbumes mas Rock Heavies (1980) y Now & Then aparecido en 1986.
La carrera de Peter Hammill en cambio seguía sin ningún problema publicando interesantes trabajos y convirtiéndose de paso en una figura de culto para los seguidores del rock progresivo.
Trabajos como Over (1977), The Future Now (1978), PH7 (1979), o Black Box (1980) eran caldo de cultivo para sus experimentaciones mas variadas, desde el rock convencional hasta casi un estilo minimalista, publicando en adelante numerosos trabajos todos ellos muy apreciados.
Volviendo al grupo, ya en los ‘90 se reuniron para algunas grabaciones en vivo, además de editarse variadas recopilaciones, entre las que destaca Maida Vale de 1994, un recopilatorio de sus registros para la BBC entre el ‘71 y el ’76, donde todavía asombra la capacidad de la banda para tocar complejas piezas como ‘Darkness’ y ‘Man-Erg’. En 1993 aparece “I Prophesy Disaster”, otra compilación que incluía el bonus tracks de un impresionante tema llamado ‘W’, claro ejemplo de una época intensamente bizarra.
Ya en el año 2005 el grupo vuelve a reunir la formación original para publicar el álbum Present, y después de este el grupo ya conformado como trío, sin Jackson han publicado los trabajos Trisector (2008) y A Grounding in Numbers (2011)
En definitiva Van Der Graaf Generator fue una de las pocas puntas de lanza del art rock británico en alcanzar reconocimiento, más que status de culto, en Estados Unidos. La banda esculpió sólidos cimientos de un sonido gótico gracias al sonido, del organo Hammond, de iglesia que desprendía el teclado de Hugh Banton, una vibra virtuosa en la compleja batería de Guy Evans y la lírica flagelante e intensamente existencialista de Peter Hammil. De hecho las oscuras y quejumbrosas visiones de este último fueron reconocidas por un personaje del punk rock de fines de los ‘70, el mismísimo Johnny Rotten de los Sex Pistols.

Años 70: Bronco

2011-12-26T17:27:00.000Z

Esta efímera banda seria uno de los grupos más interesantes de folk rock de principios de la decada de los 70 en Inglaterra, pero que sucumbirían pocos años después debido a la escasez de éxitos y al exceso de calidad, cuando todo parecía indicar que había ante todos una de las más sugestivas bandas con un gran futuro prometedor

Surgidos a mediados de 1969 su formación inicial la comprendían Jess Roden, (ex Alan Bown Set), guitarra y voz, Robbie Blunt, guitarra, Kevin Gammond, Guitarra, John Parternack bajo y Pete Robinson batería.

Es decir un grupo conformado por tres guitarristas los cuales alternaban tanto las guitarras acústicas como las eléctricas, dando un sonido lirico muy profundo a su musica.

Casi de inmediato consiguen un contrato con la Island Records la cual les publica el álbum Country Home (1970) un trabajo que ofrecía un estilo de folk sumamente fresco con un gran e intenso desarrollo bien refrendados en temas como la excelsa Well Anyhow, o las country-rock Civil of you stranger o Misfit on your stair y que evolucionaría en su segundo álbum Ace Of Sunlight (1971) trabajo este que recibiría grandes criticas por parte de la prensa especializada, pero al igual que el primero resultaría un fracaso comercial.

Smoking Mixture (1972) significaría el final de la banda pese a que fue promocionado en una gira por el Reino Unido junto al gran John Martyn y Claire Hamill.

Después de la separación algunos de sus miembros pasarían a engrosar las filas de otros grupos como Band of Joy (Gammond y Robinson) o su unirían al proyecto formado por los ex Doors; Robby Krieger y John Densmore denominado The Butts Band.

Mas recientemente la Island incluiría a Bronco en su álbum conmemoración de los 50 años de su fundación; Meet on the Ledge (2009) con el tema Time Slips away.

Años 70: Popol Vuh

2011-12-04T18:33:00.000Z

Si algo caracterizaba al krautrock, era que gran parte de los grupos alemanes que se encuadraron dentro de este genero perseguían objetivos musicales muy diferentes, contribuyendo así a definir un amplio abanico escénico bastante heterogéneo, en donde grupos tan dispares, hacían un fuerte común a la causa, ya sea por el robótico estilo de Kraftwerk, el sonido cósmico de Tangerine Dream, la agresividad de Faust, el progresismo de Eloy, el estilo hipnótico de Can o las dulces y estáticas composiciones de Popol Vuh.

Este ultimo grupo nacido en los suburbios de Munich, debe su original nombre a un libro sagrado Quiche, una tribu de indios descendientes directos de los Mayas.

Fundado por el teclista Florian Fricke, un virtuoso de moog y sintetizadores, el cual reclutaría a Frank Fiedler, teclados y a Holger Trulzsch en las percusiones y debutan con el álbum Affenstunde (1970) un trabajo en donde la unidad material e inmaterial de los sonidos y del microcosmos humano con mucho énfasis en la meditación mística e esotérica es la predominante del álbum y con una nula aparición de melodías o ritmos sostenidos.

Este misma formula se repetía mas si cabe en el segundo disco, In den Garten Pharaos (1971) en donde intentaban concebir un potente medio terapéutico capaz de obrar sobre el espíritu y restituir la armonía y el equilibrio, por lo tanto un álbum hipnótico a la vez que sofisticadísimo.

Este álbum supondría en cambio una mayor instrumentación acústica en detrimento de la electrónica y que se demuestra claramente en su siguiente obra Hosianna Mantra (1972) un trabajo cósmico lleno de encanto con mucha espiritualidad cristiana y mantra y las placenteras voces de la soprano coreana Djong Yun.

Pero además de todo esto y junto con el abandono de los sintetizadores a favor de guitarras y tambores el grupo tuvo por primera vez la ayuda externa de colaboradores que ayudaron a pacificar su música, músicos como el guitarrista Conny Veit, el oboe de Robert Eliscu, los violines de Fritz Sohnleiter o las percusiones de Klaus Weise.

Llegados a este punto las tradiciones del fundamentalismo budista y del hinduismo seguían alimentando las asombrosas ideas de Fricke que terminarían por el abandono de sus germinales compañeros.

Aun así sus colaboradores en el anterior álbum participaran en la siguiente obra Seligpreisung (1973) el cual Fricke nos acerca a la Biblia y se inspira en las

Bienaventuranzas (Mateo 5, 1.12 y en Lucas 6, 20.26) según el los retratos más fieles de Jesucristo y el modelo de vida más puro que el mismo nos propuso.

Einsjager & Siebenjager (1974) su siguiente álbum nos dejaba una música más simple y delicada e incluso mucho más conmovedora, llena de cálidos matices poéticos, convirtiéndose para Fricke en una plegaria.

En Das Hohelied Salomos (1975) Fricke continuaba con los textos sagrados iniciados en Seligpreisung, aquí era el Rey Salomón y sus salmos el aludido.

En estos dos últimos trabajos Fricke había constituido nuevamente un verdadero grupo, y sus viejos colaboradores como Yung o Fichelscher habían pasado de pleno derecho a formar como miembros de Popol Vuh, además se unirían los músicos Alois Gromer, sitar y Shana Kumar, tabla.

Un año después y junto a Fichelscher grabaría Letze Tage-Letze Nachte un disco que daría paso a Yoga grabado ese mismo año en donde el propio Fricke junto a un nutrido grupo de músicos indios hacia un tributo a todos los adeptos a esta disciplina oriental.

A partir de aquí y ya entrada la década de los ochenta Fricke seguirá publicando obras de mayor o menor entidad, algunos de ellos muy meritorios, como Die Nacht der seele junto al cantante de Amon Duul II; Renate Knaup (1979), Sei Still, Wise ICH Bin (1981) el cual tuvo la colaboración de Klaus Schulze, Ágape Ágape (1983 o Spirit of Peace este ultimo de hermosa factura.

Además intensificaría sus colaboraciones con el director de cine Werner Herzog y prestaría su talento para la composición de algunas de sus bandas sonoras, Nosferatu (1978), Fitzcarraldo (1982) o Cobra Verde (1988).

For You and Me (1981), City Raga (1995), Shepherd´s Symphony-Hirtensymphonie (1997) y Messa di Orfeo (1999) serian los últimos trabajos publicados por Fricke.

Desgraciadamente varios años después Florian Fricke fallecería en Munich (2001) dando terminada la historia del grupo definitivamente.

Años 60: Arthur Brown (Crazy World & Kingdom Come)

2011-11-17T19:17:00.002Z

Con solo un álbum publicado Arthur Brown y su banda The Crazy World pasarían a los anales del rock con letras mayúsculas, y es que este “chiflado” y exótico personaje se convertiría mas tarde en la principal influencia teatral de bandas como Kiss, Alice Cooper o King Diamond.

Nacido a mediados de 1944 en North Yorkshire, al norte de Gran Bretaña se licenciaría en filosofía en la Universidad de Reading y cursaría estudios superiores de derecho en Londres, allí Brown empezaría a interesarse por la música y además de fundar una pequeña banda de blues, llega a militar en numeroso grupos locales.

Ya en 1966 inicia un breve periplo en Paris en donde da rienda suelta a su pasión por el teatro, en esa época graba varios temas que son incluidos en la película de Roger Vadim; la Curee.

De vuelta a Londres forma su propia banda a la que denomina Crazy World of Arthur Brown reclutando para ello a algunas grandes promesas del pop-rock de la época.

Uno de esos músicos era el teclista Vincent Crane, además del batería Drachen Theaker.

Con esta formación el grupo publica el single Devil´s Grip (1967) el que cuenta además con la participación de Jon Hiseman.

Un año después saldría a la luz el tema Fire que se convierte en poco tiempo en un éxito arrollador, alcanzando los primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.

En este segundo single el grupo se había reforzado con el bajista Sean Nicholas, sustituido mas tarde por Nick Greenwood.

Casi al mismo tiempo se publicaría el único trabajo del grupo The Crazy World of Arthur Brown (1968), producido por el guitarrista de The Who, Pete Townshend, y que se convertiría en uno de los discos imprescindibles del rock psicodélico, llegando a trascender mas allá de su época.

El álbum llegaba en un momento crucial de la historia del pop, en aquellos años el flower power estaba en el cenit de explosión creativa y Brown lejos de seguir aquella corriente se lanza hacia casi lo absurdo con unos ingredientes dramáticos, procedentes sin duda de su pasado teatral con un estilo espontáneo e intenso, sonidos que hasta ese momento nunca se habían oído.

El álbum al igual que su tema más representativo Fire, llega hasta lo mas alto de las listas de éxitos y contribuye positivamente a las frenéticas giras que el grupo comienza hacer por Estados Unidos y media Europa.

Unos conciertos llenos de elementos teatrales, pinturas faciales, esquizofrénicos disfraces, y efectos pirotécnicos, como el casco con llamas del propio Brown, llegando incluso la aparición en el escenario completamente desnudo

Estos disparates escénicos les llegaron a costar mas de algún disgusto con pequeños incendios que estuvieron a punto de abrasar al propio Brown o incluso algunos de los propios escenarios, además de otras lindeces salir al escenario totalmente desnudo, le costaría ser expulsado de Italia o tener serios problemas con la justicia de otros países.

En la gira Norteamérica llegaron a telonear a Jimi Hendrix y incluso llegaron a contar con Carl Palmer que sustituirá brevemente a Drachen.

Pero a finales de 1968 el grupo se desintegra y Brown funda Kingdom Come, banda la cual estaba formada por Andy Daley a las guitarras, Michael Harris a los teclados, Phil Shutt al bajo y Martín Steer a la batería, con esta formación el grupo publicaría los álbumes Galatic Zoo Dossier (1971) y Arthur Brown´s Kingdom Come (1972), el primero de ellos enfocado hacia derroteros de space-rock y el segundo mucho mas psicodélico y experimental pero trabajos igualmente extravagantes.

En abril de 1973 aparecería la ultima obra de este proyecto titulado Journey, un trabajo más progresivo si cabe con pinceladas de blues rock que se convierte en uno de los grandes discos del genero.

En este ultimo trabajo Victor Peraino y Tony Uter habían sustituido a Harris y Steer.

Por esa época, Brown ademas participa activamente en el álbum de Alan Parsons Tales of Mystery and Imagination, ademas tendría un pequeño papel en la película de The Who Tommy y grabaria y posteriormente giraría con el teclista Klaus Schulze.

Después de la aventura de Kingdom Come se lanza en solitario con desigual fortuna publicando algunos buenos álbumes muy apreciados por los puristas del genero, así se fueron sucediendo Dance (1974), Chisolm in my Bosom (1978), Faster Than The Speed of Light (1980) trabajo este ultimo junto a Vincent Crane, Réquiem (1982) o Order From Chaos (1994).

En el año 1997 firmaría junto a la banda germana Die Kruup una versión de Fire y poco después participaría en el álbum del Iron Maiden , Bruce Dickinson Chemical Weeding.

En adelante Brown se sumerge en dispares proyectos y asociaciones como la banda de space rock Hawkwind, con quien ya había colaborado a principios de los setenta, o fundando grupos acústicos junto a Tim Rose y Rick Patten, reformando a los Kingdom Come o crear una banda denominada Giant Pocket Orchestra, en donde recreaba el estilo germinal de los Crazy World.

Arthur Brown Site

Años 70: McGuinness Flint

2011-10-11T13:13:00.001+01:00

Efimera banda britanica que a semejanza de otras coetaneas de la epoca baso su estilo en el folk rock con remalazos pop, tomando como influencia el sonido americano.
Todo comenzo cuando hacia mediados de 1969 el grupo Manfred Mann se separa temporalmente y uno de sus componentes, el bajista Tom McGuinness decide formar una nueva banda junto al bateria de John Mayall, Hughie Flint y bautizan el grupo como McGuinness-Flint.
Completarian la formacion dos musicos y compositores escoceses que trabajaban por aquella epoca para el sello Apple de The Beatles, Graham Lyle y Benny Gallagher, ademas del teclista Dennis Coulson.
Despues de firmar por Emi publican su primer album McGuinness Flint (1970)
que causa una buena sensacion y que contenia su mayor exito el tema When i´m dead and gone, que logra encaramarse hasta el numero uno del ranking britanico, el album seria producido por uno de los personajes importantes de los Rolling Stones como era Glyn Johns y propicia que el grupo sea una de las sensaciones en la segunda mitad del año 1970.
Un año despues llegaria Happy Birthday Ruthie Baby (1971), trabajo que pese a contener grandes temas como Malta and barley blues les aleja un poco del impacto mediatico del primer album.
Sin embargo este nuevo trabajo supuso para muchos un mejor logro que el anterior, con una solida produccion y con un estilo que sigue en el tono rustico que el antecesor pero con algunas introducciones jazzisticas.
Pero una serie de desastrosas actuaciones en directo precipitan el abandono de Gallagher y Lyle que deciden continuar por su cuenta como duo.
Sus sustitutos serian Dixie Dean al bajo, John Bailey a la guitarras y Neal Innes a los teclados, con esta nueva formacion se publicaria Lo & Behold (1972) un album tributo a Bob Dylan que pese a su gran calidad no obtiene el fervor del publico.
Despues de este fracaso abandonaria la banda Coulson reemplazado por Lou Stonebridge, teclista que procedia del grupo progresivo Paladin, ademas la formacion se ampliaria con otro nuevo guitarrista Jim Evans.
Con esta formacion el grupo firmaria dos nuevos albumes Rainbow (1973) y C'Est La Vie (1974) este ultimo el epitafio definitivo, ya que tras el, el grupo desapereceria definitivamente.
Una vez disuelto el grupo, se publicaria el album Malt & Barley Blues, BBC 1970-1974, con temas grabados para sesiones de la BBC.
En un intento de volver a la magia del primer album se forma poco despues el grupo Stonebridge-McGuinness,que llego a obtener un notable exito en 1979 con Oo-eh Baby perteneciente al album Corporate Madness para posteriormente ambos formar The Dance Band grabando varios albumes de escasa repercusion Dance Band (1979) y Fancy Footwork (1980), pero esta formacion duraria poco, y algun tiempo después, tanto McGuinness como Flint, se unierian a The Blues Band liderada por el ex Manfred Mann Paul Jones, grabando los albumes The Official Blues Band Bootleg Album (1980) Ready (1980) Itchy Feet (1981) y Brand Loyalty (1982)
Un año despues Graham Lyle y Tom McGuinness fundarian el grupo Lyle McGuinness Band publicando Acting on Impulse (1983)
Por su parte Gallagher and Lyle inician su carrera como dúo acústico vocal en 1972,debutando con el álbum Gallagher & Lyle, al que seguirán otros como Willie and the lap dog (73), Seeds (73), The last cowboy (74), Breakaway (76), Love on the airwaves (77), Showdown (78), Lonesome no more (79) y The best of Gallagher & Lyle (80). En 1976 obtuvieron varios hits, l wanna stay with you y Heart on my sleeve. Su canción Breakaway fue el tema principal del LP del mismo título de Art Garfunkel.
Ambos han escrito muchas canciones para otros artistas e incluso algunas de ellas fueron hits importantes, algunos de esos artistas fueron Joe Cocker, Michael Jackson, Stevie Wonder, Rod Stewart...y un largisimo etc.

Años 60: The Velvet Underground

2011-09-29T11:35:00.001+01:00

Velvet Underground nunca fueron una banda de publico mayoritario, ni de fama desmesurada, ni siquiera de un moderado éxito comercial, pero su legado a servido a muchos que tras ellos vieron encaminar sus pasos en la senda del vanguardismo gracias a su influencia que aun hoy en dia es imprescindible.Considerados como una de las bandas de culto por excelencia sus descubrimientos sonoros y tanto la técnica como su vital e importante dimensión fueron fundamentales en lo que luego se denominaría como música underground o progresiva gracias a una serie de sonidos muy avanzados y unas sonoridades asombrosas para su época.Con una música que en muchos casos podríamos definir como cruel o terrorífica y aderezados con unos textos muy profundos y ásperos, llegaban al clímax sonico con un desenfreno que pocas veces se han visto en la historia del rock.La aventura de Velvet Underground nacería en el año 1964 en la ciudad de Nueva York cuando dos incipientes y jóvenes músicos de fuerte personalidad se encontraron por una lado John Cale y por otro Lou Reed.
Reed pese a su juventud ya estaba curtido en el mundo de la música, había pertenecido a varias bandas locales e incluso trabajo en un programa radiofónico, su pasión en sus primeros años era el free jazz y tenia a Ornette Coleman como su ídolo.Tiempo después y con la licenciatura de arte dramático, conseguiría un empleo como compositor para el sello Pickwick y escribía para algunas revistas de ámbito local.John Cale por su parte emigrado a America desde Londres donde había estudiado música clásica y debido a una beca aprobada para estudiar en los Estados Unidos, sin embargo como consequencia de sus extremismos musicales, decide abandonar para participar en varios proyectos que resultarían unos fracasos estrepitosos.Cuando ambos decidieron fundar una banda tomaron el nombre de un polémico libro de contenido erótico y para ello reclutaron a Stearling Morrison bajo y a Angus MaClise batería que junto a Reed que se encargaba de la voz y las guitarras y Cale que hacia lo mismo con los teclados y la viola eléctrica.Con apenas tiempo para integrarse Maclise seria sustituido por Maureen Tucker una joven de escasa preparación musical.Sus primeros conciertos llaman la atención de la comunidad artística de New York y sobre todo de su figura más llamativa Andy Warhol que pronto les pide componer algunas bandas sonoras para sus películas underground y otros proyectos audiovisuales.Pero Warhol pronto empieza a decidir de alguna manera en la banda y decide sustituir a Tucker por la actriz y cantante Nico que algún tiempo antes le fue presentada por el propio Bob Dylan.Nico alemana de nacimiento tenia sobre sus espaldas una fascinante carrera como modelo y una cosmopolita educación con medio centenar de lenguas habladas y una refinada presencia escénica.En un principio y convertidos en quinteto (finalmente Tucker seguirá en el grupo) el grupo realiza una gira a través de los Estados Unidos presentando el show de Warhol Exploding Plastic Inevitable antes de que saliera a la luz su primer álbum publicado por el sello Verve y titulado The Velvet Underground and Nico (1967).En este primer álbum el grupo abarcaba temas poco mencionados en aquella época, como las drogas o el sexo, con temas crudos y nada lineales como Venus in Furs, Femmale Fatale o Heroin.El disco se publica en plena fiebre psicodélica y del flower power y su estilo perverso de desesperación, muerte, distorsión y ruido desgarrador contribuye notablemente a que pase totalmente desapercibido para el gran publico y de paso a la deserción de Nico descontenta por el resultado.Ese mismo año el grupo graba el tenebroso y en cierto modo experimental White Light / White Heat, quizás un trabajo más sólido debido al olvido por parte de sus dos principales lideres de consideraciones de carácter comercial y grabado en una sola sesión.El álbum se convierte igualmente en el menos accesible y demuestra el alejamiento de los pensamientos hippies de la época, sus textos son caóticos y la indiferencia hacia las reglas preestablecidas es bastante elocuente.Temas como las ásperas y desordenadas Lady Godiva´s o Sister Ray o la historia horrenda de The Gift son una buena muestra de ello.Después de este álbum, que volvería a fracasar estrepitosamente en el ámbito comercial, Cale abandona la nave para seguir una carrera en solitario y su puesto es ocupado por Doug Yule con quien graban The Velvet Underground (1969) un trabajo más lógico en donde el grupo evoluciona hacia un sonido mas relajado y con una instrumentación muchísimo mas esmerada.Con este álbum la critica por fin les empieza a valorar y temas como la delicada Pale blue eyes, la optimista Beginning to see the light o las hermosas y simples What goes on?, Candy Says, o la jazzistica y grotesca Afterhours acercan al grupo a un mayor publico de oyentes en detrimento de sus fans más hardcore, que les dan la espalda al grupo viendo el cariz que este va tomando desde la marcha de Cale.Loaded (1970) fue considerado por muchos como su álbum más decepcionante, debido en parte a su falta de distintivos afines al grupo como la originalidad y riesgo que sin embargo resultaría su trabajo más limpio y profesional, el cual contenía dos joyas como Sweet Jane y Rock and Roll.A mediados de ese mismo año y después de una serie de actuaciones en el Max´s Kansas City Reed abandona el grupo y en los sucesivos meses todos sus integrantes harán lo mismo, siendo Doug Yule quien lleva las riendas del grupo hasta su total desaparición en 1973.Antes se publicaría el álbum Squeeze, disco que se alejaba totalmente del estilo caótico del grupo hacia terrenos mas mainstream muy cercanos al country rock.Pero la historia del grupo no acaba ahí, un año antes de su separación definitiva la Atlantic Records publicaba el horrendo por la calidad sonora, disco en directo Live at Max´ Kansas City y unos años después también se publicaría el directo 1969 The Velvet Underground Live, que era un formidable documento sonoro del grupo.A mediados de los ochenta se publicaría el interesantísimo VU, compuesto por grabaciones rechazadas del periodo 68-69 y que nunca fueron publicadas y varios años después otro documento de parecido contenido seria el álbum Another View (1987).Un año después fallecerían Nico (1988) y algunos años antes Stearling (1995) y MacLise (1979).En 1992 el grupo volvería a reunirse para una serie de conciertos, por entonces la banda la formaban Lou Reed, John Cale y Maureen Tucker, y años después volverían a hacerlo (2009) conmemorando los cuarenta años de su fundación.

Años 60: The Small Faces

2011-09-22T16:02:00.000+01:00

Uno de los grupos mods por excelencia fueron Small Faces, que con cuatro extraordinarios álbumes dejaron bien sentada su cátedra y de paso ser el único grupo que les planto cara a los reyes del genero como eran The Who.Nacidos a mediados de los años 60 todo comenzaría cuando el guitarrista Steve Marriott, que ya tenia la experiencia de haber publicado el tema Give her my regards de escaso éxito comercial, conocería al bajista Ronnie Lane en un encuentro casual en una tienda de instrumentos musicales.Los gustos musicales de ambos pronto les anima a formar una banda y reclutan para ello al batería Kenny Jones y al teclista Jimmy Winston.Aprovechando la influencia que este ultimo tenia, sus padres eran dueños de un Púb.,ensayan y tocan sus primeros bolos en dicho local.Poco después en el verano de 1965, Decca les produce el single Whatcha gonna do about it, que resulta ser un importante éxito en las listas británicas, sin embargo seria el siguiente single Sha la la la lee, el que les haría llegar a lo mas alto de las listas de éxitos.Antes Winston abandonaría el grupo siendo sustituido por Ian McLagan, teclista de mayor calidad técnica.Con una serie de buenos temas mas que entrarían en las listas, el grupo se sumerge a principios de 1966 en la grabación de su primer álbum, titulado homónimamente Small Faces, el cual contiene los hits antes mencionados, además de otros como la blusera You need loving, o la versión de Sam Cooke Shake.Llegados a este punto el grupo había logrado el equilibrio justo, sobre todo en la pareja Marriott-Lane y los resultados se veían reflejados en sus numerosos conciertos por toda Gran Bretaña, una epoca en plena fiebre mod, por lo que no era de extrañar que el grupo colgara el cartel de sold out en cualquier lugar.
Una seria de grandes canciones All or Nothing, My mind´s eye o I Can´t make it serian la antesala de su segundo album From the Beginning (1967).Ese mismo año el tema Itchycoo Park se convierte en la respuesta inglesa a las utopías hippies de la música americana que llega a Europa.Otro nuevo álbum llamado igualmente Small Faces (1967) precede a su obra maestra Ogdens Nut Gon Flake (1968), un trabajo bastante influenciado por el Sgt Peppers de The Beatles, pero mucho más psicodélico con experimentaciones y en un tono más conceptual.Pero es precisamente este ultimo álbum la antesala del ultimo viaje mod de los Small Faces, que se terminan separando algunos meses después, no antes sin publicar algunos buenos temas como The Universal, The Journey o Afterglow (of your love).Poco después Jones y Lane reclutan a Rod Stewart y Ron Wood y forman The Faces, banda de desigual fortuna debido en parte al poco interés de Stewart que había empezado su carrera en solitario y que sin embargo logran un numero uno con el álbum Ooh La la (1973).Marriott por su parte se lanza a la aventura con su nueva banda Humble Pie, la cual lograría grandes hazañas en los años sucesivos.Años después, a mediados de los setenta, Small Faces reflotaban gracias a Jones, McLagan y Marriott, los cuales junto al bajista Ricky Willis, que provenía del grupo de Peter Frampton , graban dos álbumes de escasa repercusión Playmates (1977) y 78 In the shade (1978).

Años 70: Henry Cow

2011-08-30T15:06:00.000+01:00

Henry Cow esta considera una de las bandas de culto por excelencia, pioneros de art-rock y encuadrados en el rock progresivo, se caracterizaban por sus claras ideologías políticas.

Su nacimiento coincidiría con las revueltas estudiantiles que se produjeron en medio mundo en 1968.

Sus principales fundadores serian precisamente dos estudiantes de la Universidad de Cambridge, por un lado Fred Frith y por otro Tim Hodgkins, ambos ya habían tenido una breve experiencia como dúo de música experimental, un estilo que fue definido en esa época como neo-Hiroshima.

Después de esta primera y breve experiencia, se les unen Andy Powell, Rod Brooks y David Atwood, formando asi la primera formación de Henry Cow.

Pero el grupo pronto se vuelve una formación inestable y muy cambiante ya que en el transcurso de los siguientes años el grupo sufre un continuo ir y venir de músicos hasta que una maqueta del grupo llega a la radio estatal británica y logra ser premiada en el famoso programa de John Peel, Top Gear.

A partir de aquí la formación se reduce y se consolida con Frith (guitarra, violin, teclados y voz), John Greaves (bajo, teclados y voz), Chris Cluter (batería) y Hodgkins (teclados y instrumentos de viento).

Ya a mediados de 1973 se les uniría Geoff Leigh un multiinstrumentista con cierta fama en los circuitos de rock underground británicos y con esta formación el grupo pública el álbum Legend.

Antes de este debut el grupo se había labrado cierta reputación entre la crítica y el público en general, gracias a sus apariciones en pequeñas campañas políticas por lo que el disco seria acogido con cierto entusiasmo.

Después de la publicación de este disco el grupo intensifica notablemente las apariciones públicas con una serie de conciertos y sobre todo, la oportunidad de telonear al grupo alemán Faust que hacían un tour por las islas británicas en esa época.

El grupo además participa con notable éxito en el concierto ofrecido en el Ding Wall´s de Londres llamado Greasy Truckers Party y del que posteriormente se extraeria el material para su doble álbum en vivo Greasy Truckers: Live at Dingwall´s Dance Hall (1973).

Llegados a este punto, el grupo vislumbraba claramente su estilo, desde las influencias de la esquizofrenia de Fran Zappa, hasta la subversiva música de los mencionados Faust, pasando por clara connotaciones de compositores clásicos como Varese o Stranvisnky.

El grupo habría logrado fusionar todos estos estilos sugestivos, filtrándolos con un gusto y unos criterios bastante personales, con la improvisación como parte central de su música, bastante mas acuciada en directo, siguiendo la tradición de las mejores freeband.

En aquella época la crítica hablaba de su música como la más estructurada, mas que la de cualquier otra banda de rock de esos momentos.

El grupo posteriormente y aprovechando el moderado éxito de su debut obtiene ventajoso contratos para actuar por media Europa, de las que sobresale una exitosa gira junto a Captain Beefheart.

Posteriormente sufre una nueva deserción ya que Lindsay Cooper (oboe, contrabajo y flauta) sustituye a Leigh y enseguida publican su segundo álbum en estudio Unrest (1974), un trabajo mucho más homogéneo que el primero en parte debido por las exploraciones cada vez más brillantes del grupo.

Una vez publicado este nuevo disco, Cooper abandona la banda dejando una fugaz pero interesante aportación al grupo, además Frith se lanza en solitario con el álbum personal Guitar Solos (1974).

Poco después el grupo decide unir fuerzas junto al la foermacion de la misma escudería Virgin, Slapp Happy y juntos publican el álbum Desperates Straights (1975) que pese a contar con la enérgica y poderosa voz del cantante de los Happy obtiene unos discretos resultados.

Mientras tanto el grupo se sumerge en una actividad artística bastante frenética, con multitud de conciertos de los que sobresale el ofrecido en Paris a mediados de 1975 junto al gran Robert Wyatt.

A finales de ese mismo año el grupo vuelve a entrar en los estudios para grabar In Praise of Learning, álbum que vuelve a contar con la extravagancia de los Slapp Happy.

Este nuevo trabajo dista en parte de los anteriores discos, que aunque denotan una mayor cohesión instrumental, también les aleja del virtuosismo individual de cada miembro a favor de un sonido más compacto e incisivo.

Por otro lado las letras de tornan mas violentas y el mensaje político es aun mas pronunciado con un claro acento radical, entrando claramente en el estatement del rock in oppsition, con unas claras letras muy comprometidas y bastante complejas que son un claro reflejo de las estructuras musicales de las composiciones del grupo.

Este compromiso político les vuelve a poner en el candelero de la actualidad de la epoca.

Un año después el grupo aparece en el álbum en directo del grupo español Suck Elektronic, Concerts.

Ese mismo año seria Greaves quien abandona la banda y es sustituido por el violonchelista George Born.

Poco después el grupo rescinde su contrato con Virgin y sus miembros aprovechan para dar rienda suelta a sus inquietudes personales con una seria de trabajos en solitario.

Fred Frith seria el más activo publicando su Guitar Solos 2 (1976) y colaborando en proyectos de artistas como Brian Eno, Residents o Robert Wyatt.

Lindsay Cooper por su parte se integraría temporalmente en grupos coetáneos como Egg, Hatfield and the North, National Health o Mike Oldfield.

Como consecuencia de estos escarceos por territorios bastante alejados del estilo habitual del grupo, todos estos músicos pierden a su regreso al seno del grupo, el espíritu inicial y su status emocional.

A partir de aquí las continuas diferencias entre los miembros de Henry Cow desembocan en la ruptura definitiva de la banda no antes sin haber publicado a modo de epitafio el álbum Western Culture (1978) un sobresaliente ejercicio de rock instrumental que apenas tiene mayor repercusión, que la de los fans mas acérrimos del grupo.

Poco después la banda anuncia oficialmente la separación de la banda con una escueta declaración en la que subrayan que no descartaban posibles colaboraciones en el futuro, pero nunca como Henry Cow, por varios motivos entre los que destacaban su imposibilidad de poder hacer más progresos musicales en el futuro.

Mas adelante tanto Frith, Cutler y Krause segurian actuando juntos, bajo el epígrafe de Art Bears con los que publicarían los poco comercialmente afortunados Hopes and Fears (1978), Winters Songs (1979) y World as it as Today de 1981, trabajos que sin embargo resultarian bastante interesantes musicalmente.

En los últimos años se han publicado varias Box-Sex en conmemoración de los 40 años de la fundación del grupo, así en el 2006 se lanzaría Henry Cow Box donde contenía todos los álbumes publicados por el grupo así como singles y un directo, varios años después llegaría The 40Th Anniversary Henry Cow Box Set con temas inéditos y un DVD con la única grabación que se conoce del grupo, grabada en Suiza en 1976.

Henry Cow Web

Años 70: Bad Company

2011-07-29T00:42:00.000+01:00

Esta superbanda surgida de las cenizas de los míticos Free, constituiría una de las más formidables formaciones de hard rock de los años 70, con algunos trabajos que son considerados entre los mejores del género.

Una vez disuelto Free, tanto Paul Rodgers como Simon Kirke decidieron fundar una nueva banda en donde dar rienda suelta a sus inquietudes hard rock alejados del rhthym & blues de su banda germinal, por lo que contrataron al ex bajista de King Crimson Boz Burrell y al guitarrista ex Mott the Hoople Mick Ralphs, y dieron el nombre de Bad Company a este nuevo proyecto.
Además seria Peter Grant (manager y mano derecha de Led Zeppelin) quien los dirigiera y firmaron un contrato con el sello Swang Song, compañía propiedad de los propios Led Zeppelin.
Así en mayo de 1974 se publicaría el single Can´t get enough, que seria el adelanto al primer lp del grupo Bad Company, editado un mes mas tarde, y que se convertiría en su mayor éxito, además de una de las canciones mas emblemáticas de la historia del hard rock.
El álbum pese a no tener sorpresas desde el punto de vista técnico y musical se encarama hasta el primer puesto en las listas americanas y al numero 3 en las listas británicas, debido en parte al sabor indomable de su salvaje hard blues rock, sus pinceladas de heavy metal y unos textos muy simples pero igualmente contundentes.
De este disco sobresalían, además de Can´t get enough, la envolvente Bad Company, la blues-rock Rock Steady o la ritmica Movin´on.
Un año después llegaría Straight Shooter, álbum que mantenía el mismo esquema que el anterior aprovechando el dicho “si algo funciona, no lo toques”, y en donde sobresalían los temas de rock potente Good Lovin´Gone Bad, Feel like making love o Deal with the preacher.
El disco obtiene grandes ventas a ambos lados del Atlántico y logra colocar al grupo entre los grandes de la época. Run with the pack (1976) el siguiente álbum conseguiría un disco de platino, (el tercero consecutivo), permaneciendo en las listas casi un año y aunque seguían manteniendo la misma formula poco a poco iban introduciendo ritmos mas funky y cierta dosis country sobre todo a sus medio tiempos.
Llegados a este punto el grupo había conseguido vender más de 5 millones de álbumes de sus tres primeros trabajos y además arrasaban en sus multitudinarios conciertos en prácticamente todo el mundo.
Sin embargo su álbum Burnin´Sky (1977) resulta un paso atrás y no logra el éxito de sus anteriores trabajos.
Con Desolation Angels (1979) el grupo comenzaba cierto declive debido a la explosión punk y al sonido del nuevo heavy metal y sobre todo por la inclusión de elementos electrónicos como sintetizadores, en cualquier caso obtiene mejores resultados que al anterior y logra un disco de platino.
Con Rough Diamonds (1982) el grupo se sumerge en una profunda crisis, por un lado Peter Grant pierde el interés por el grupo y los conflictos internos crean un ambiente hostil dentro del seno de la banda.
Un año después el grupo se disuelve; cada miembro se sumerge en proyectos solitarios, colaboraciones o entran a formar parte de nuevos grupos, Kirke pasa a liderar a los Wildlife, Paul Rodgers publica su primer álbum en solitario Cut Loose, Boz Burrell entra en la súper formación Nightfly junto a Micky Moody y poco después Jimmy Page llama al propio Rodgers para su nueva formación The Firm.
Unos años después la noticia de que Bad Company volvía a publicar un nuevo álbum dejaría sorprendidos a todo el mundo, en efecto Kirke, Ralphs y Burrell reflotaban al grupo con un nuevo vocalista Brian Howe, además de ampliar la formación con el teclista Greg Dechert. Ese nuevo álbum se titularía Fame and Fortune (1986), trabajo producido por el Keith Olsen, que pese a notar la ausencia de la voz de Rodgers el grupo mantendría el status bastante alto gracias a una inteligente dosis de hard rock con muchas connotaciones AOR debido sin duda a la sabia mano de Olsen. Pese a ser un buen álbum no logra el éxito apetecido por lo que el siguiente álbum Dangerous Age (1988) prescinden del teclista Dechert y de Olsen, el nuevo productor Terry Thomas sera quien se encargue de los teclados y la propia producción.
Este nuevo trabajo obtuvo mejores resultados y una buena aceptación por parte del publico con un disco de oro y varios éxitos como Shake it Up, One Night o No Smoke without a fire.
Holy Water (1990) seria un enorme éxito en cuanto a ventas y criticas del público, con un sonido más AOR, los sencillos If you Needed Somebody y Holy Water auparon al álbum hasta el primer puesto de las listas de éxitos.
Here comes trouble (1992), el siguiente disco obtendría un moderado éxito, al que seguiría el directo What you hear is what you get (1993)
Con este ultimo álbum vendría el abandono de Howe sustituido por el vocalista Robert Hart con quien grabarían los aceptables Company of Strangers (1995) y Stories Told & Untold (1996).
Unos años después la formación original publicaba el recopilatorio The Original Bad Company Anthology que contenía cuatro nuevas canciones.
Una gira posterior seria la antesala del fin definitivo de la banda original a priori, pero en el 2001 el grupo realizaría una exitosa gira por USA e Inglaterra de la que se extraería el material para un nuevo disco en directo Merchants of Cool. Posteriormente el grupo volvería a pasar a la inactividad regresando Rodgers a su carrera en solitario.

Bad Company Web

Años 70: Faust

2011-07-23T00:04:00.001+01:00

Uno de las bandas más egocéntricas y subversivas del llamado krautrock alemán, serian Faust, que con una música en muchos de los casos demasiado cruda, muy agresiva, extremadamente experimental y rematadamente demente, constituyo una de las avanzadillas del movimiento alemán y posiblemente una de las más influyentes e importantes del género.

Además Faust eran curiosamente los más cultos de dicho movimiento, bastante politizados y por lo tanto los más cultivados, que estaban al tanto de las vanguardias artísticas: el absurdo, el dadá, la música concreta, el minimalismo, la anarquía, pero también las novedades del rock inglés y norteamericano.
El grupo mostró durante casi toda su carrera un hermetismo sobre sus identidades reales y en las portadas de sus álbumes solo se mencionaba sus nombres artísticos sin dar a conocer cuales eran los diferentes papeles de cada miembro dentro del grupo.
Estos miembros eran Werner Diermaier Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff.
A principios de 1971 el grupo tuvo su clamoroso debut con el álbum lapidariamente titulado Faust.
En este primer álbum en donde solo habían tres temas, el nivel es sobresaliente por la gran creatividad ofrecida, con mucha experimentación y muchas variedades, un trabajo único, lleno de sonidos yuxtapuestos, pausas muy inesperadas, tanto vocal como instrumentalmente, y con dosis de space rock, con sonidos de sintetizador que le da un cierto sonido ambiental. Al igual que bandas como Amon Düül II, Faust también sabe perfectamente como plasmar lo acústico y lo electrónico al mismo tiempo, dando entrada a inteligentes sonoridades dinámicas pero con fuertes bases rítmicas.
Desde este primer álbum el grupo demostraba ser provocativo por devoción, infringiendo las reglas de cualquier estructura melódica y escogiendo el alucinante camino de un rock basado en ritmos eléctricos irregulares y convulsivos, aprovechándose de la electrónica con el objeto de una pura destrucción sonora.
Ya en 1972 llegaría So far, su segundo álbum que no contaba con la participación de Meifert.
En este segundo álbum encontramos al grupo sumergido en una onda sonora muy cercana a los Pink Floyd de esa época (Atom Heart Mother) o a los Velvet Underground con un sentido mas minimalista en algunas fases del disco, pero a la vez igual de hostil y oscuro como el primero.
Con el tiempo este álbum se convertiría en una de las piezas de culto por excelencia, además de ser considerada una de las obras maestras del genero krautrock.
Poco después el grupo grabaría un álbum extraño, casi con un estilo Trance, junto al violonchelista norteamericano Tony Conrad titulado Outside the dream syndicate.
Posteriormente el grupo lograría un ventajoso contrato con Virgin con quien publicaría el extravagante The Faust Tapes (1973) y el convencional Faust IV (1974).
Después de este último trabajo el grupo cesa oficialmente, aunque han seguido manteniendo cierta actividad que se ha visto sumergida en un continuo misterio
Con esporádicas apariciones en giras y conciertos dispares el grupo realizo una gira por USA a mediados de los noventa y posteriormente por el Reino Unido, y desde entonces siguen girando ocasionalmente.
En todos estos últimos años se ha publicado diverso material del grupo, tanto composiciones que fueron desechadas para sus álbumes originales así como nuevo material.
Con el paso de todos estos años Faust se convirtió en un verdadero grupo de culto tanto por parte del publico como de los músicos vanguardistas, que ven al grupo como el sinónimo europeo de Frank Zappa.
A mediados de los 80 la compañía discográfica Recommended publicaba la interesante antología Return of a legend/Munich & Elsewhere, en donde se recuperaba temas nunca antes publicados.

The Faust Pages

Años 70: Slade

2011-07-15T02:38:00.000+01:00

Una de las bandas mas curiosas a la vez que mas sinceras musicalmente, fueron Slade, dominadores de la escena Glam, que junto a la violencia escénica de Sweet, al glamour de Marc Bolan y al sentido del humor de Gary Glitter fueron los reyes absolutos de un genero que tuvo su época dorada en la primera mitad de los años 70.

Ellos a diferencia de todos los anteriores, no contaban con una imagen tan llamativa, no eran la típica imagen Glam; transgresora, sino mas bien pintoresca, sus pintas de campesinos con pantalones a rayas, con sombreros y tirantes, les daban un look desenfadado y humorístico, su estilo “tranquilo” y rural les llevo a atraer a un publico mas heterogéneo y proletariado, que sin embargo en sus multitudinarios conciertos eran presas de una excitación pocas veces vistas en la escena rock.
Todo empezaría cuando varias bandas locales de Birmingham llamadas Rockin´Phantoms, (liderada por el guitarrista Noddy Holder) y IN´Betweens, en la que estaban el también guitarrista Dave Hill y el batería Don Powell, cruzan sus caminos y terminan con el resultado de una reorganización de esta ultima con la incorporación de Holder y el bajista Jimmy Lea.
IN´Betweens ya habían publicado varios singles de escaso éxito antes de la nueva formación como fueron Take a Heart, Can Your Monkey do the dog, Oop Oop I do y Little Nightngale (1965).
Después de una actuación del grupo, el productor norteamericano Kim Fowley se queda fascinado por el talento y potencial de aquellos chicos y les propone producir su siguiente single.
Ese single se publicaría a finales de 1966, You Better Run, una versión de un éxito de The Young Rascals, que aunque tuvo una buena aceptación, no lograría entrar en las listas de éxitos.
Poco después y ante el abandono de Fowley el grupo vuelve a sus actuaciones terminando en las Bahamas, en una gira la cual les tomaría varios meses y que solo realizan unas pocas semanas, al quebrar el club que los contrata.
Ante tal contratiempo, el grupo decide buscar ellos mismos unas actuaciones para poder conseguir el dinero necesario para regresar a Inglaterra y durante algún tiempo permanecen en las islas, el cual también aprovechan para escuchar canciones y sonidos que aun no habían llegado a Europa.
Así el grupo empezaría a incluir en sus repertorios, algunas versiones de Steppenwolf, los Amboy Dukes y Nazz (Born to be wild, Journey to the center of your mind y Open my eyes respectivamente).
Una vez regresaron a su país, firman un contrato con el sello Fontana y cambian el nombre por el de Ambrose Slade y publican su primer álbum titulado Beginnings (1969), un trabajo básicamente de versiones de artistas como Frank Zappa, The Beatles o The Moody Blues y las antes mencionadas de Steppenwolf o Amboy Dukes.
Este trabajo deja bastante indiferente al gran publico pero que sin embargo no así a Chas Chandler, el ex -bajista de The Animals que decide promocionarlos acortando su nombre por el de simplemente Slade.
Bajo este epígrafe el grupo publica varios singles mas que resultan transitorios Wild Wings are blowing, Shape of things to come o Know who you are (1970), hasta que a principios del siguiente año, el tema Get down and get with it, otra versión, esta vez del cantante Bobby Marchan, entra en las listas de éxitos.
Ese mismo año se publica el álbum Play it Loud, un tímido anticipo, que seria la antesala de lo que estaba por llegar.
A partir de aquí el rock salvaje y cadencioso de Slade comienza una escalada frenética,
A finales de 1971 Coz I luv you les lleva hasta el número 1, una canción de ritmo enloquecedor y con un sonido de violín que seria la formula en los siguientes éxitos del grupo.
Otro éxito arrollador, Look wot you dun, seria la antesala del nuevo álbum Slade Alive! (1972) que lograría subir hasta el segundo puesto en las listas de éxitos, estallando así la Slademania por toda Gran Bretaña.
Casi a finales de este mismo año el grupo lanza un nuevo álbum Slayed? , que se convierte el numero uno al instante, trabajo este que contenía las memorables Take me back´ome o Mama weer all crazee now.
Llegados a este punto el grupo había llegado a crear un identidad propia y muy personal con un estilo desenfadado y campechano, que lejos de lo transcendental y con un rock popular y festivo, fueron labrándose una gran reputación por toda Gran Bretaña y parte de Europa.
Sladest (1973) confirmaría el momento de gloria del grupo con otro numero uno, puesto que también alcanzaría el siguiente Lp Old New Borrowed and Blue (1974).
Despues de algunos nuevos éxitos como Merry Xmas Everybody o Far far away, llegaría Slade in Flame (1974), banda sonora que resulta un paso atrás en sus expectativas comerciales y Nobody´s tools (1976) trabajo este, con el que intentaron entrar en el mercado norteamericano sin suerte, comienza el declive del grupo junto con la decadencia del genero.
Whatever Happened to Slade? (1977) seria prácticamente el epitafio del grupo, en un momento en donde el punk lo arrollaba todo con su furia iconoclasta.
A partir de aquí el grupo seguirá manteniéndose en constantes giras por clubs y publicando discos esporádicamente, hasta que 1980 son invitados a participar en el festival de Reading, consiguiendo un éxito moderado entre un publico joven que apenas les conocían y que venían predispuestos a escuchar heavy metal, tan de moda en esos momentos.
En lo sucesivo el grupo publicaría numerosos trabajos algunos de ellos incluso entraron en las listas de éxitos, pero por norma general pasaban con mas pena que gloria.
Muchos de los grupos posteriores reconocerían que han sido Slade su principal influencia, entre otros Kiss o Cheap Trick, y otros muchísimos artistas han versionado muchas de sus canciones a lo largo de estas últimas décadas.
Slade entre 1971 y 1976 lograron entrar 17 veces en el "Top 20", con seis números uno -tres de ellos entrando directamente en ese puesto-, y otros tres y dos éxitos en los puestos segundo y tercero, respectivamente. Vendieron, además, más singles que ningún otro grupo en los años 70. Una presencia semejante en las listas sólo es comparable, de hecho, con la de los Beatles y sus 22 canciones entre las 10 más vendidas en una sola década (años 60). Hoy día el grupo es considerado como un precursor del punk británico de la segunda mitad de la década y uno de los grupos más importantes e influyentes del rock británico de todos los tiempos.

Web Slade

Años 70: Stealer´s Wheel

2011-07-09T01:23:00.001+01:00

Una de las bandas de culto por excelencia, que con solo tres álbumes se merecieron el respeto y la admiración del público a principios de la década de los años 70 fueron Stealer´s Wheel.

Herederos de la esencia Beatle y las estructuras musicales de Crosby, Stills and Nash, con un preciosista pop y con unas melodías precisas y unas estupendas armonías vocales.
Sin embargo la historia de Stealer´s Wheels es a la misma vez parte de la historia de su líder (o uno de sus lideres) Gerry Rafferty, que mucho antes de que fundara el grupo junto a otro de los grandes y mas decisivos compositores británicos como fue Joe Egan, ya había tenido cierto éxito en la banda The Humblebums con la que compartió protagonismo con los músicos Tam Harvey y el posterior actor Billy Connolly.
Con esta germinal banda grabaría los álbumes Humblebums (1969) y Open up the door (1970) dos trabajos enfocados hacia el folk con suaves melodías y cierta sonoridad orquestada los cuales apenas tuvieron repercusión alguna.
Una vez disuelto el grupo Rafferty decidió continuar su propia carrera en solitario y aprovechando el sello con quien había grabado con su anterior grupo decide publicar su primer álbum Can I Have my Money Back (1971) disco en donde mostraba las influencias de The Beatles y su amor por el folk de su Escocia natal, el cual contenía meritorios temas como New Street Blues, Mary Skeffington o la canción que daba titulo al álbum.
En las sesiones de grabación de este primer álbum de Rafferty ya participaría su amigo de la infancia Joe Egan poniendo las voces en casi todos los temas, sin embargo ambos ya habían firmado un single de escasa repercusión en 1966.
Finalmente el álbum recibe buenas críticas por parte de la prensa, pero apenas logra el beneplácito del gran publico y se diluye sin apenas hacer ruido. Pero tal fracaso resultaría la antesala de lo que estaba por venir ya que Rafferty y Egan ven un vínculo muy fuerte el cual quieren explotar y deciden fundar juntos una banda a la que bautizan como Stealer´s Wheels.
Durante algunos meses el dúo se recluye para componer y ensayar junto a otros músicos los cuales terminarían formando parte del grupo como el guitarrista Paul Pilnick, el bajista Tony Williams y el batería Rod Coombes.
Después de firmar por la incipiente compañía A&M records, creada poco antes por Herb Alpert, entran en el estudio y son producidos por los famosos productores norteamericanos Leiber & Stoller.
El resultado es el disco Stealer´s Wheel (1973) un excelente trabajo de folk rock con tintes psicodélicos y con un claro acento beatle.
Temas como la Beatle Stuck in the middle with you, la hermosa Late Again o el art rock de You Put something Better Inside, conforman un trabajo que es considerado por muchos como una pequeña obra maestra del genero.
Esta formidable colección de grandes temas, aupa al álbum a entrar en las listas, (nº50), e igualmente el tema Stuck in the middle with you, que resulta ser un bombazo a ambos lados del Atlántico, y se encarama en las primeras posiciones de los Charts.
Pero poco después de la publicación del álbum, Refferty decide abandonar la banda sin argumentar claramente su decisión y no participa en la gira posterior la cual hace en su lugar Luther Grosvenor que provenía de los Spooky Tooth, igualmente el bajista Delisle Harper haría lo mismo con Williams.
Sin embargo casi a finales de 1973 Refferty retorna al grupo y junto a Egan reforman la formación con nuevos miembros, reclutando a los músicos Chris Mercer saxo, Andrew Steele batería, Bernie Holland guitarra y al harmonicista Chris Neill.
Con esta nueva formación el grupo volvería a entrar en los estudios para grabar su segundo álbum Ferguslie Park (1973), otro excelente trabajo que contenía entre otras grandes canciones la conocida Everything will turn out fine.
En Right or Wrong (1975) su siguiente album, el grupo ya se había reducido a el dúo Refferty-Egan y aunque resulta un trabajo con una alta calidad compositiva, temas clásicos de folk and pop y atemporales, comercialmente su aportación resultaría completamente nula.
Poco después Raffery y Egan comienzan a estar en desacuerdo en el rumbo a seguir, que junto a la falta de éxito empeora su relación y deciden dar por terminada la historia del grupo y reanudar uno y comenzar el otro sus propias carreras en solitario.
Rafferty por su parte se vería obligado a un retiro forzoso ya que por problemas contractuales con su antigua compañía no puede grabar durante ese periodo, hasta que en 1977 logra un contrato con United Artists y publica su segundo álbum City to City.
Este disco significaría su best seller, un trabajo lleno de folk rock con reminiscencias Dylanianas y ecos Beatles, y que contenía el hit Baker Street que marcaría la carrera posterior de Rafferty. Con un inconfundible sólo de saxo (compuesto por él mismo e interpretado por Raphael Ravenscroft), una canción que inspirada en una calle londinense, se convirtió en una marca registrada en la carrera del autor, además, en el disco se encontraban otros memorables momentos como la fantástica Right Down the Line o las meritorias Island o Stealin Time.
El disco consigue varios momentos históricos, por un lado llegar hasta el numero uno en las listas norteamericanas, colocar al unísono el tema Baker Street en los primeros puestos en medio mundo y ser el álbum en desbancar la banda sonora Saturday Night fever después de muchos meses de estar en lo mas alto de los charts.
Joe Egan por su parte publicaría los álbumes Out of Nowhere (1979) y Map (1981) ambos injustamente infravalorados por la crítica antes de perderse en el olvido más absoluto.
Un año después de City to City, Rafferty volvería a repetir éxito con un nuevo álbum Night Owl (1979) en donde volvía a repetir la formula del anterior disco con una amalgama colección de piezas de soft rock de las que sobresalían las estupendas Get it right next time o Days Gone Down.
Con Snakes and Ladders (1980) completaría una trilogía de álbumes todos ellos de una grandísima calidad y muy afortunados comercialmente, pero que igualmente suponen el principio del fin de Gerry Refferty, que seguiría publicando trabajos asiduamente Sleepwalking (1982), North and South (1988), On a Wing and a Prayer (1992), Over my Head (1994) o Another World (2000) que serán ignorados en parte debidos a su negativa a realizar giras y conciertos de presentación de los álbumes mencionados, así como por su constantes desordenes personales causados por su excesivo consumo de alcohol que paulatinamente minarían su salud.
En 1988 Mark Knopfler le invitaría a colaborar en su álbum Local Hero, además de colaborar asiduamente con Richard Thompson y los Fairport Convention en algunos de sus trabajos como productor.
Llegado el nuevo siglo Rafferty se volvería a reunir con su viejo amigo Joe Egan para regrabar viejos éxitos, volvería a colaborar con el ex lider de Dire Straits, publicaba canciones las cuales promocionaba en su web o produciría el debut del grupo The Proclaimers.
Sumergido cada vez más en el mundo del alcohol y después de pasar varias veces ingresado en los hospitales Rafferty fallecería el 4 de enero del 2011 cuando se encontraba trabajando en una nueva colección de canciones que dejo por terminar y que pronto aparecerán de manera póstuma.

Años 60: The Groundhogs

2011-07-03T02:11:00.001+01:00

Esta banda desconocida por el gran público, llego a rivalizar con bandas punteras del blues rock de la parte final de los años 60 como fueron Ten Years After, Cream, los Bluesbreakers de John Mayall e incluso los germinales Fleetwood Mac, aunque también es cierto que en una medida mucho menor.

Formados originalmente en 1963 en Londres por el guitarrista Tony McPhee formó el grupo, tomando el nombre de un tema del legendario bluesman John Lee Hooker. Tal fue ese hecho que, incluso la banda llego brevemente a llamarse John Lee’s Groundhogs. De esta manera incluso llegaron a telonear al propio John Lee Hooker en algunos de sus conciertos en las Islas británicas por aquella época.
The Groundhogs no llegarían nunca a ser considerados uno de los grupos mas fundamentales del llamado blues británico ni tampoco llamaron la atención por su creatividad, pero en cambio si fueron muy bien considerados dentro del circuito de blues rock de la época con algunos memorables trabajos que aun hoy en día son muy apreciados.
Con un estilo en donde la improvisación era uno de sus signos de identidad con grandes dosis de riffs básicos pero muy bien ejecutados, esta banda nunca llegarian a dar el salto a los Estados Unidos, como las mencionadas anteriormente, pero sí lograrían algunos de los mejores momentos de la historia del british blues.
Quizás la falta de una mejor presencia vocal y sus complicadas y en algunos casos sofisticadas y compremetedoras letras, mermarían su posible impacto en aquella época. Por otro lado, en ocasiones lograrón desviar la forma del blues por caminos insospechados, gracias a la fuerza creativa de su líder, T.S. McPhee.
Sin embargo The Groundhogs fueron muy populares en Gran Bretaña, estableciendo tres de sus álbumes en el Top Ten de principios de la decada de los 70.
La primera formación además de McPhee, la conformaban John Cruikshank a la voces, Tom Parker pianista, el batería David Boorman y el bajista Pete Cruikshank, hermano del mencionado vocalista.
Con este plantel lograrían grabar el tema Shake It a principios de 1965 bajo el sello local Interphon que pasa totalmente desapercibido.
Ya a mediados de 1966 y gracias al pequeño sello Planet se publica bajo la denominación John Lee´s Groundhogs el single I´ll Never Fall in Love again, que apenas tiene repercusión y que contaba con la participación del propio John Lee Hooker y Terry Slade.
Después de este fracaso el grupo se disuelve y el propio McPhee crea el grupo Herbal Mixture, una banda, que evolucionaba hacia terrenos mas sicodélicos en detrimento del blues, bien refrendado en el single Someone to love me (1966). Después de este experimento, McPhee paso a pertenecer a The John Dummer Blues Band, hasta que a finales de 1967 reactiva nuevamente a The Groundhogs, reclutando al vocalista Steve Rye y al bateria Ken Pustelnik, siendo Pete Cruikshank el único de la formación original que McPhee mantuvo en esta nueva singladura.
Con esta nueva formación se publicaría el directo Scratching The Surface (1968) un buen trabajo que contenía meritorios temas como la folkie Rockin´ Chair, o la rítmica Waking Blues, un año después le seguiría el álbum Blues Obituary (1969), este ultimo con el grupo convertido en un trío, debido a la marcha de Rye.
En este último álbum McPhee ya comenzaba a mostrar su cara mas sarcástica, confeccionando una portada casi de humor negro, en donde se observaban a los integrantes del grupo en una ceremonia fúnebre, metiendo el ataud en el cual se encuentra “el cuerpo” de la guitarra en un coche funerario. Un guiño sin duda en plan humorístico, para plasmar el ocaso del Blues Británico, que iba perdiendo terreno ante los nuevos estilos musicales que venían pisando fuerte en esa época
Llegados a este punto el grupo logra consolidarse entre las bandas punteras y hay quienes les llegan a comparar con Cream, en pleno auge en aquellos momentos, pero aunque compartían varias similitudes, ambos eran un trío, ambos su lideres eran grandes guitarristas muy técnicos e incluso el propio McPhee llegaba a tener cierto parecido vocal a Jack Bruce, sus composiciones eran totalmente opuestas y muy diferenciadas, mientras Cream creaban grandes temas de potente y vigoroso blues rock abierto al gran publico, The Groundhogs mostraba unas composiciones un tanto oscuras e irónicas y demasiado encriptadas para entender lo que realmente querían expresar. Una muestra de ese sarcasmo que tenía McPhee lo deja en claro con su tercer álbum titulado Thank Christ For The Bomb (1970) un título que expresaba con gran ironía una parte negra de la historia de la humanidad.
Este álbum mostraba una enorme crudeza, pereciendo un disco temático antimilitarista, con largos temas improvisados sobre estructuras sencillas y ala vez muy duras, sobresaliendo temas como el hard rock Darkness is no Friend, la enigmática Status People o el crudo blues rock de Strange Town.
Pero pese a lo inaccesible del disco el álbum logra colarse en las listas, logrando llegar hasta la novena posición en los Charts Británicos.
Split (1971) seria el siguiente eslabón del grupo, un trabajo que aunque menos sofisticado que el anterior, seguía conteniendo un mensaje turbio y tosco, con claras alusiones al orden establecido y que suponía otro complicado guión, el cual era difícil descifrar.
En esta ocasión el disco se parecía mas a un álbum concepto que a un álbum convencional en si, el cual narraba los efectos producidos en la mente del ser humano después de haber consumido diversas drogas, dividido en cuatro largas partes, McPhee experimentaba sonidos muy cercanos al hard rock con toques lisérgicos y psicodélicos con una amalgama de sonidos y efectos muy variados e interesantes.
Para muchos el grupo consigue con este álbum llegar a su cota más alta, considerándolo como una pequeña obra maestra, mostrando el grupo todo su talento y creatividad.
La crítica y el público recibirían con entusiasmo este nuevo trabajo, logrando superar al anterior hasta llegar al quinto puesto de las listas de éxitos británicas, manteniéndose durante meses en esa posición.
Tal éxito, les catapulta hasta el punto de que son los elegidos para telonear a los mismísimos Rolling Stones, en la gira Europea de 1971.
Un año después apareceria Who Will Save The World? The Mighty Goundhogs, un álbum con claros alejamientos de la esencia blues de los anteriores trabajos y con elementos muy cercanos al rock sinfónico con la introducción del mellotron y las típicas estructuras progresivas predominantes en muchos grupos británicos de principios de los 70.
Hogwash (1972) continuaría una senda muy parecida al anterior disco y seria igualmente un trabajo de punto y aparte por parte de la banda, que se toma un largo respiro de varios años, los cuales aprovecha McPhee para publicar su disco en solitario The Two Sides of Tony McPhee (1973)
A partir de aquí McPhee manejaría a su antojo al grupo disolviéndolo y reactivándolo continuamente y publicando trabajos de forma asidua, la gran mayoría de menor calidad, destacando algunos muy meritorios como Solid (1974), Crosscut Saw (1976) o Black Diamond (1976), alternandolos con los mediocres Razor´s edge (1985), Back Against The Wall (1987), Hogs on the Road (1988), No Surrender (1989) o Foolish Pride (1993), además de media docena de álbumes en solitario.
Hoy en día el grupo sigue en activo ofreciendo conciertos y giras esporádicamente por Gran Bretaña y Europa además de ser uno de los grupos más asiduos de festivales de rock y blues del viejo continente.
En definitiva una de las bandas mas olvidadas que actualmente goza de una pequeña segunda juventud pero que durante algunos años fue bastante infravalorada y olvidada a pesar de su efímera fama que obtuvo a finales de los sesenta y principios de los 70 y que fueron sin duda uno de los grandes alicientes que dieron vida al british blues y al blues rock en su época dorada.

Web The Groundhogs

Años 60: Lovin´ Spoonful

2011-06-25T02:22:00.001+01:00

Lovin´Spoonful fueron uno de los grupos mas decisivos de la música americana cuando esta prácticamente, no existía en el mercado de la música pop mundial, tan solo les bastaron dos años de plena actividad, para convertirse en una leyenda de la historia de la música pop, dos años justos y precisos para que un grupo tan innovador sentara cátedra y que fue parte fundamental de la fuerza inicial que esa misma música americana habría de sentir en adelante.

Sus cuatro miembros eran originarios del Greenwich Village neoyorquino, iniciando sus actividades en locales de la zona con bastantes incidentes ya que serian expulsados de algunos de ellos por la extraña y compleja música que realizaban.

Esos cuatro miembros eran buenos músicos, pero sobre todo su líder el guitarrista John B. Sebastian, guitarra rítmica y sin duda uno de los mas grandes compositores que haya dado los Estados Unidos, el resto eran el guitarra solista Zal Yanovsky, Steven Boone como bajista y Joe Butler como batería.

Poco a poco su fama de extraños les supone un pesado lastre que apenas superan y deciden mudarse hacia otros horizontes, donde los nuevos movimientos musicales están empezando a despuntar, seria ese lugar la costa oeste, durante el largo camino en su propia furgoneta el grupo va puliendo y experimentando sonidos de allí por donde pasan, así fusionan su música con folk, country y blues.

Toda esta amalgama de estilos es lo que allí en California será apreciada, aceptando al grupo, un grupo que para muchos resultaba verdaderamente insólito y revolucionario, sobre todo emigrando de un lugar como el Este el paraíso del sonido británico de The Beatles y sus estructuras sonoras.

Ya desde meses antes el grupo presentaba como su principal himno el tema Do you believe in magic, que era repudiado hasta la saciedad en su New York natal, pero en California pronto se convierte en un hit, estamos a finales de 1965, y el grupo consigue otro impacto con el tema You didn´t have to be so nice.

Ambos temas se encaraman hasta las primeras posiciones de las listas de éxitos y el sello independiente Kama Sutra, el cual aposto por su publicación les financia su primer larga duración que se edita a principios de 1966 con el titulo de su primer single Do you believe in magic, que obtiene una gran acogida tanto por la prensa como por el publico.

Pero seria poco después de la publicación del álbum cuando el grupo se inventa uno de los temas fundamentales de la música pop Daydream, que alcanzo lo mas alto a ambos lados del Atlántico, con una ventas que superaban con creces el millón de copias vendidas en apenas unas semanas.

Un mes después se publicaría el álbum Daydream que igualmente cosecharía un notable éxito, pero insólitamente varios meses después el grupo publicaba otro de sus grandes temas Summer in the city que alcanzaría de inmediato el numero uno en las listas americanas.

En esos momentos todo el mundo se preguntaba, pero como estos chicos tienen tanta facilidad de componer hits en apenas unos meses?, la respuesta era el talento innato de su líder John B.Sebastian que casi todo lo que componía se convertía de la noche a la mañana en un éxito sin precedentes.

El periodo de finales de 1966 y 1967 seria el año de la glorificación del grupo y con ellos la cúspide de su fama, y a partir de aquí su carrera empieza a ser diferente, participan en la composición de bandas sonoras, What´s up, tiger Lily (1966) y You´re a big Now (1967), realizan buenos álbumes Hums of the Lovin´spoonful (1966), The Best of Vol.1 (1966) y componen buenos temas Rain on the roof o Nashville Cats, pero la energía inicial pierde un poco de fuerza y con ella la primera deserción, Zal Yanovsky abandona el grupo para seguir una carrera en solitario que pasaría con mas pena que gloria.

Su sustituto recaería en el ex guitarrista de los Modern Folk Quartet; Jerry Yester que no aportaría nada nuevo a la banda.

Posteriormente se publicarían los aceptables pero menospreciados álbumes Everything Playing (1968) y el epitafio Revelation: revolution´69 (1969)

Finalmente el grupo terminaría por desmembrarse definitivamente a principios de la década de los 70.

Poco antes y observando el descalabro de la banda se publicaba el recopilatorio The Best of Vol.2

Pero con el fin de Lovin´Spoonful llegaría el nacimiento de un grandísimo folk fingers como seria John B.Sebastian, un genio vital que poco después relanzaba su carrera en una línea bien diferenciada de su ex banda.

Su estreno seria nada más y nada menos que el festival de Woodstock, donde seria recibido como un héroe, convirtiéndose en un símbolo de los principios fundamentales del pop americano.

Pero su historia es tan apasionante que merece su propio capitulo…

Web Oficial Lovin´Spoonful

Años 70: Chase

2011-06-22T01:47:00.005+01:00

Considerados uno de los grupos mas innovadores pero a la vez mas olvidados Chase se presentaron al mundo como una propuesta a medio camino entre el jazz de Blood Sweat & Tears y el rock de Chicago con un parecido escénico y musical patente, numerosos componentes y sección de viento muy acuciada.

Formada por una idea inicial de Bill Chase que después de muchos años de haber colaborado con otros tantos artistas decidió plasmar sus propias ideas las cuales fusionaría con las influencias de las cuales había participado ( Maynard Ferguson, Stan Kenton Orchestra o los Thundering Herd junto a Woody Herman, con los que grabaría una veintena de álbumes).

La primera formación de Chase la comprendían el propio Bill Chase que junto a Alan Ware, Ted Piecerfield y Jerry Van Blair conformaban la sección de viento, John Palmer (guitarra), Phil Porter (teclados), Dennis Johnson (bajo), Jay Burrid (batería) y Terry Richards (vocalista).

El tema Get it on (1970) les catapulta y logra un enorme impacto entre la critica especializada y el publico, ansiosos por descubrir nuevos sonidos un poco cansados de la sicodelia y el flower power de aquellos años, el grupo ya empezaba a mostrar un estilo contundente con la fuerza de su sección de viento, a la que Chase hacía trabajar en tesituras agudas y comenzando desde un fortíssimo para ya no bajar de ahí en todo el tema. Este single se mantendría durante semanas en los primeros puestos de las listas americanas.

Observando el tremendo éxito obtenido Epic se decide producirles su primer álbum, Chase (1971) el cual al igual que el single de adelanto, tendría una aceptación abrumadora. En este primer álbum el grupo mostraba una cara musculosa con unas estructuras jazzisticas llenas de vitalidad bien diferenciadas en los seis temas que componían el álbum con una mini sinfonía final de un cuarto de hora sublime, Invitation to a river.

Ese mismo año el grupo seria denominado como segundo mejor grupo rock del año, curiosamente tras Frank Zappa, y obtendrían las mejores calificaciones en revistas como Down Beat, una de la más importante sobre jazz en EE. UU. Premios al mejor músico que recaería en Bill Chase que fue nombrado "mejor trompetista y a mejor álbum de jazz-rock del año.

Posteriormente el grupo se embarcaría en una monumental gira mundial.

Después de esta extenuante gira el grupo tuvo sus primeros cambios así, Burrid, Richards y Palmer son sustituidos por Gary Smith, G.Shinn y Angel South respectivamente.

Con esta nueva formación el grupo publica el trabajo Ennea (1972)

Un trabajo que mostraba a una banda mucho mas confiada en sus habilidades técnicas con momentos de improvisación y múltiples capas de sonidos de trompeta que aun hoy en dia suenan muy frescas y en donde Chase volvía a hacer un guiño a las suites con el tema Ennea que ocupaba toda la cara b del álbum.

Pero pese a todo, la crítica desprecia totalmente al álbum, y aunque algunos de sus temas entraron en las listas como Swanee River o Zeus, Definitivamente la magia inicial del primer álbum se había perdido y el jazz-rock de gran banda comenzaba a quedar desfasado en los gustos del público, acostumbrado a experimentar nuevos sonidos y estilos prácticamente cada año.

Después de este enorme varapalo, Chase despide totalmente a sus miembros originales, los cuales sustituye por Jim Peterik como vocalista, al batería Tim Gordon, John Emma guitarrista, Wally Yohna a los teclados, Dartanyan Brown como bajista y Jim Oatts, Joe Morrisey y Jay Sollenberger como sección de vientos acompañando al propio Chase.

Con la nueva formación, se publica el álbum Pure Music (1973), trabajo que, sorprendentemente, vuelve a tener el beneplácito de la crítica y les catapulta a estar entre los grandes grupos de la época, y consecuentemente a llenar estadios en constantes giras.

Pero la desgracia se cebaría con el grupo un 9 de agosto de 1974, en medio de una gira, durante una fuerte tormenta, el avión que los traslada se estrella provocando la muerte del propio Bill y tres de los miembros de su nueva banda: el guitarrista, John Emma; el teclista, Wally Yohn y el bajista, Walter Clark, además de los dos pilotos.

La muerte de Bill Chase seria también, el fin definitivo de la banda.

Unos años después de su muerte, se editó un álbum-homenaje, Watch closely now (1977), con la participación de todos los miembros de la formación original y los supervivientes al accidente, tomando el trompetista Walt Johnson el papel del propio Chase.

Bill Chase Web

Años 60: Crow

2011-06-17T09:24:00.001+01:00

Esta desconocida banda para el gran publico surgiría hacia finales del 67 producto de la unión de dos bandas locales de la zona de Minneapolis por un lado The Raveons y por otro The Jockers Wild, para en un principio denominarse South 40.

Con esta denominación el grupo publicaría el álbum en directo Live at SomePlace Else (1968).

Crow tuvo su punto más álgido a finales de la década colocando todos sus temas en el top 100 norteamericano.
Con un estilo de blues rock con cierta dosis de agresividad, el grupo mantuvo durante algunos años una gran reputación de prestigio mundial gracias a temas como Slow down, Cottage cheese, Evil woman [ que posteriormente popularizó Black Sabbath] o King of rock & roll.
El grupo lo formarían Dave Middlemist, guitarrista y teclados, Dave Wagner, voz, Larry Wiegan bajo, Dick Wiégan guitarra [hermano del anterior] y Danny Craswell batería.

Después de fichar con la Columbia se publica su primer álbum Crow Music (1969), al que seguirán Crow by Crow (1970) y Mosaic (1971).

Pero poco después de este ultimo trabajo Dave Wagner abandona la banda para seguir en solitario, publicando un año después el álbum d/b/a Crow (1972).

Su puesto seria ocupado por el cantante Mick Stanhope que no lograría la estabilidad necesaria para el grupo ya que poco después se disolverían con un legado de solo tres álbumes interesantes.

Ese mismo año se publicaría el recopilatorio Best of Crow.

Pero a principios de la década de los 80, el propio David Wagner reflotaría al grupo con una nueva formación la cual grabaría el álbum Crow on the Run (1982) y se mantendrían con apariciones esporádicas hasta incluso hoy en dia, ofreciendo conciertos por prácticamente toda Norteamérica.

Durante todo este tiempo el grupo a publicado numerosos trabajos, la gran mayoría para el mercado local, de los que sobresale el publicado en el 2005 Before the Storm.

Igualmente el grupo ha recibido varios premios y menciones estos últimos años al reconocimiento de su carrera entre los que destaca las inclusiones en los Hall of Fame de Minnesota y de Iowa.

Web Oficial Crow

Años 60: The Guess Who

2011-06-04T00:36:00.001+01:00

Guess Who fueron sin duda la banda canadiense por excelencia en el periodo vanguardista que supuso el tramo final de la década de los sesenta.

Seria sin embargo una desastrosa gira emprendida por el grupo a mediados de 1967 por los Estados Unidos, el máximo determinante de su posterior éxito varios años después.

Sus orígenes en la ciudad canadiense de Winnipeg, se remontan a principios de ese misma década cuando de las cenizas de varios grupos llamados Al and The Silverstones y Chad Allen and The Expressions surgiría The Guess Who?, nombre que denominarían a la nueva banda hacia mediados de los sesenta.

La primera formación la comprenderían Chad Allen, vocalista y guitarra, Bob Ashley, piano, Randy Bachman, guitarrista, Jim Kale, bajo y Gary Peterson a la batería.

Con esta formación el grupo grabaría el single Shakin´all over, ( un cover del grupo Johnny Kid and the Pirates) tema que pasaria con mas pena que gloria, en los Estados Unidos, aunque si alcanzaría un éxito rotundo en su país, poco después discrepancias entre los miembros del grupo precipitaría la salida de Ashley siendo sustituido por el teclista Burton Cummings.

Con una serie de singles, algunos de ellos incluso llegaron a entrar en las listas norteamericanas, His Girl, 1966, She´s all mine (1966), This Time Lon Ago (1967) o Miss Felicity Grey (1967), el grupo consigue una buena reputacion hasta que a finales de 1968 consiguen un contrato con la R.C.A quien les financia su primer álbum titulado Wheatfield soul (1969) trabajo que se encarama hasta el puesto numero 46 en el ranking americano, consiguiendo unas muy buenas ventas y buena critica por parte de la prensa especializada.

Por esta época ya Cummings era el vocalista principal de la banda en detrimento de Allen que había abandonado la formación justo después del tema His Girl .

En este primer álbum el grupo se decantaba por los sonidos duros y crudos experimentando hacia terrenos del jazz y el blues con un estilo que en parte recordaban a The Doors.

Además contenía momentos memorables como la bella These Eyes o las excelentes Maple Fudge o Pink wine sparkles in the glass.

Casi a finales de ese mismo año se publica Canned Wheat Packed by the Guess Who que contenía varios temas muy meritorios como Laughing o Undun.

Pero seria su tercer álbum el que les llevaría al estrellato mas absoluto; American Woman (1970) el cual contenía la canción del mismo titulo que consigue colocarse en el numero uno a ambos lados del Atlántico y que encumbra al grupo para la posteridad.

El álbum, sin embargo, no llega a alcanzar el nivel de sus predecesores, pero nadie parecía tenerlo en cuenta dada la absoluta brillantez del tema principal, y como suele suceder, los estadounidenses adoptaron la canción a pesar de que consistía en un tremendo misil contra su forma de vida, personificada en la típica "mujer americana".

El disco contaba con temas que lejos de la brillantez de su hit American Woman suponían un paso hacia adelante en su carrera, No Sugar Tonight/New Mother Nature o Time.

Pero como casi siempre suele suceder en estos casos, el éxito conlleva a disputas y deserciones en post de nuevas aventuras y así pensó Randy Bachman, que decide dejar la formación para convertirse a la religión mormona en un principio y tiempo después emprender una nueva carrera lejos de sus compañeros de viaje formando la exitosa banda Bachman-Turner-Overdrive.

Su lugar lo ocuparían dos nuevos guitarristas, los canadienses Kurt Winter y Greg Leskiw, ambos provenientes de la ciudad origen del grupo Winnipeg y que habían pertenecido a las bandas Brother y Wild Race respectivamente.

Con esta nueva formación el grupo publicaría el álbum Share The Land (1970) un trabajo con un enfoque mas hard rock que se ve reflejado en unas buenas ventas logrando encaramarse hasta los primeros puestos de las lista americanas.

Pero la inestabilidad del grupo se ve reflejada en la continua entrada y salida de nuevos miembros y poco a poco se van editando álbumes que marcan un lento pero inexorable declinar del grupo, trabajos menores (aunque no exentos de cierta calidad ) como So Long Bannatyne (1971), Rockin´(1972), Live at the Paramount (1972), Artificial paradise (1973) #10 (1973), Road Food (1974) Flavours (1975) y finalmente Power in the Music (1975).

Llegados a este punto el grupo desaparece definitivamente hasta varios años después cuando uno de los fundadores Chad Allen reflota al grupo con nuevos miembros y publica los varios álbumes de escasa repercusión All This A Song (1979) y el directo Together Again (1984).

En los años sucesivos se fueron publicando diversos recopilatorios todos ellos remakes del exitoso The Best of The Guess Who publicado en 1971. Actualmente y como viene siendo norma habitual entre muchos grupos de los años 60 y 70, existen dos versiones del grupo, por un lado The Guess Who liderado por el bajista Jim Kale y por otro Bachman-Cummings, sin duda los dos miembros mas significativos de la banda, que incluso han publicado un álbum titulado Jukebox.

Web Oficial The Guess Who

Años 60: El Renacer del Folk (Los Pioneros Olvidados I )

2011-05-17T21:57:00.004+01:00

El evento más significativo en la escena musical norteamericana a principios de los 60 seria sin duda el resurgimiento del folk. Iniciado en 1958 por el componente de los Kingstone Trio, Tom Dooley y celebrado publicamente en 1959 en el primer Newport Folk Festival. Un resurgimiento que introdujo el sentir de que el propósito de la música era algo más que un puro entretenimiento.

En los siguientes años, este movimiento se expandiría dramáticamente. Artistas como Joan Baez, que transformó la música folk en una forma austera, bien refrendado en su album Joan Baez 2 (1961), o Bob Gibson que seria uno de los primeros cantantes de folk en renovar el arte de la música folk. Su mejor álbum, The Gate Of Horn At (1961), fue una presentación en vivo junto a Bob Camp, y se anticipa al estilo íntimo del folk-rock en casi una década, otros como Ian Tyson o Sylvia Fricker fueron quizás más sentimentales, adelantándose al folk-rock con álbumes como Four Strong Winds (1963) y You Were On My Mind (1964, con el hit the We Five). A partir de aqui la música folk evolucionaría rápidamente en algo más profundo y más complejo, cómo se demostró con los álbumes conceptos de Lee Hazlewood, Trouble Is A Lonesome Town (1963) y The N.S.V.I.P.'s (1965), que consistian en historias solitarias de inadaptados y perdedores.
Pero fueron Woody Guthrie y Pete Seeger quienes habían inventado la simbiosis entre los cantantes de folk y la izquierda política y fue sin duda su influencia la que provoco que durante algunos años (entre abril de 1962 y 1965) ese invento se convertiría en la principal regla para los cantantes de folk en todo el país. Y esos mismos cantantes de folk se convirtieron en la voz de tanto el movimiento de derechos humanos como el movimiento de paz. Se esperaba que una canción fuera una concentración política en miniatura, su título un eslogan político, sus letras un discurso político. El epicentro de éste fenómeno fue la Greenwich Village en Nueva York. Y seria 1962 el año el cual un joven músico llamado Bob Dylan publicaba Blowing in the wind
El así llamado "movimiento Greenwich" ayudó a los cantantes de folk a transformarse en cantautores: unos artistas que políticamente conscientes estaban escribiendo sus propias letras y música, y estaban poniendo mas énfasis en las historias, y no tanto en la melodías, musicos como Bob Dylan, Joan Baez o Phil Ochs, o con canciones protesta como fueron Ain't Marching Anymore (1965) y The Ringing For Revolution (1966), de Tom Paxton, y extraídas de su primer álbum Ramblin' Boy (1965) que recordaba al estilo de Woody Guthrie, o Buffy Saint-Marie, con el himno pacifista Universal Soldier (1964), donde "marchaban" y "se planteaban" junto con miles estudiantes grandes manifestaciones protesta y que ellos enfocaban en sus canciones. Honestos a sus ideales pero pacifistas, no abogaban por la resistencia violenta. Sus canciones eran rebeldes en una forma melancólica y desolada. El Movimiento Greenwich fue también importante porque les dio a los jóvenes una "voz", y esa voz fue musical. La música se convirtió en el vehículo para los jóvenes para ventilar sus inquietudes políticas. Era un tipo de musical diferente, y en un tipo de frustración diferente, pero las similitudes con el rock'n'roll eran obvias. Era sólo cuestión de tiempo que la música mas desenfrenada y oída (rock'n'roll) y la mas obrera ( y en parte intelectual )y minoritaria (canción de protesta) encontraran puntos de acuerdo y se unieran.
La lógica era que la música hecha por los cantantes de protesta no fuera innovadora, pero curiosamente otros músicos de folk se enfocaron en eso: innovación. La mayoría de ellos vinieron de fuera de los Estados Unidos (en principio), como el britanico Davy Graham quien publicaba la balada folk She Moves Through the Fair (1963) con claro acento de raga o Folk Blues and Beyond (1965) donde jugueteaba con el jazz y la World music, otros como John Fahey en la costa oeste, y Sandy Bull en la costa este, interpretaban y componían piezas que fusionaban folk, blues, jazz y raga indio, mientras Joseph Spence en las Bahamas inventó un estilo de guitarra intrincado, polifónico y politécnico.
La extensa Blend de Sandy Bull, perteneciente a su obra maestra Fantasy´s For Guitar & Banjo (1963), estaba adelantada a su tiempo años-luz, como lo estaba Inventions For Guitar And Banjo (1965), y más adelante trabajos como Electric Blend, del album E Pluribus Unum (1970), que confirmaría su status como uno de los genios más olvidados de su era.
Su amigo Djalma "Bola Sete" DeAndrade, un guitarrista brasileño quien se había mudado a San Francisco en 1959, mezcló samba, jazz, música folk norteamericana y la vieja música clásica europea en las improvisaciones sin esfuerzo de The Solo Guitar (1965), Ocean (1972) y Shambhala Moon (1982).
Fue por estas fechas cuando John Fahey, siguiendo la intuición de Goofing Off Suite (1955) de Pete Seeger, inventó "el primitivismo estadounidense", una nueva forma de explotar la tradición folk y country.
John Fahey fue el musico que introdujo la corriente de conciencia en la música folk, la transformó en música clásica, y la hizo atravesar las fronteras de la música occidental y oriental. El padre espiritual de la "guitarra primitiva estadounidense", Fahey cambió el solo de guitarra en un ejercicio metafísico. Great San Bernardino Party (1966) y Requia (1967) introdujeron su mundo surrealista de visiones trágicas y solemnes; imágenes construidas por la guitarra, más que por la voz. Su "raga occidental", como se define por sus tres obras maestras instrumentales, A Raga Called Pat Part 3 & 4, de Voice Of The Turtle (1968), The Voice Of The Turtle, de America (1971), y la canción que da tituló al album Fare Forward Voyagers (1973) tejen un flujo lento, hipnótico de quinquenios, una majestuosa marea de fragmentos melódicos en formato libre. Esas largas meditaciones trabajan en dos niveles: primero evocan amplios paisajes y naturaleza imponente, y hacen que surjan los fantasmas de toda la gente los escuchaba. Los sueños de los exploradores, la ansiedad de los aventureros, las esperanzas de los pioneros juntadas, pero Fahey se retrae del modo épico y prefiere una forma de impresionismo doméstico, el cual es tierno y cálido. Su arte es acerca de los mitos colectivos de la humanidad. Su peregrinación musical representa la odisea de todos los "Ulises" que viajaron (caminando, explotando, navegando) hacia lo desconocido.
El misterioso Daniel Robinson, mejor conocido como Robbie Basho, utilizó la música para guitarra sola de John Fahey, la mezcló con el misticismo oriental (mucho antes que la música new-age fuera inventada), mezclada en elementos de música de medio oriente, india, latinoamericana y japonesa ( también mucho antes que la "world-music" fuera inventada), y agregó experimentación derivada de las improvisaciones del jazz ( del mismo modo mucho antes que la fusión fuera inventada) en sus albumes Seal Of The Blue Lotus (1965), The Grail And the Lotus (1966) Falconer's Arm (1967), Venus In Cancer (1969) y Song Of The Stallion (1971) todas ellas obras maestras.
El virtuoso del oud y del tar, el pubiano de Egipto Hamza El Din preparó un sonido hipnótico en Al Oud (1965) y Escalay (1971), que despliega la interacción embrujadora de las cuerdas gentiles del oud, el rango percusivo extendido y sobre tonos del tar y sus vocales sometidas, fue otro de esos pioneros olvidados. P Scaruffi.

Años 70: Frijid Pink

2011-04-28T23:52:00.001+01:00

Nacidos en plena explosión del Sonido Detroit en donde bandas como MC5, Ted Nugent and the Amboy Dukes o The Stooges forjaban un estilo que pronto pasaría a los anales del rock, Frijid Pink se darían a conocer curiosamente con un extraordinario primer álbum y una no menos extraordinaria versión del clásico tema The house of the rising sun que les catapultaría a la cima en 1970, año este el de su irrupción en el mundo del rock´n´roll y aunque su carrera nunca fue trascendente no es menos cierto que se ganaron el respeto y la admiración del publico en general y de la prensa especializada de la época.

Formados por los guitarristas Gary Thompson y Satch Harris, el bateria Rick Stevers y su líder el vocalista Kelly Green tuvieron una larga andadura con muchos altibajos hasta encontrar un sello que les financiara su primer álbum.
Este sello seria la discográfica independiente Parrot quien les publica el álbum homónimo (con una sorprendente portada en color rosa) que contenía una gran variedad de estilos muy personalizados que iban desde el blues rock de Drivin´Blues, hasta sonidos pre-punk como I'm On My Way, pasando por clásicos rock como I Want To Be Your Lover.
Además contenía la mencionada The House of the rising sun, que encarama al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico.
El álbum consigue en poco tiempo la cifra de un millón de copias vendidas lo que supone un enorme bombazo comercial.
Casi a finales de ese mismo año se publica Defrosted (1970) un trabajo algo alejado de las sonoridades del primer disco, más enfocado hacia el hard rock, abandonando las aventuras bluseras y acidas de su debut.
Aun así contenía buenos temas como el blues-rock Black lace o la pseudo progresiva I´ll Never be lonely.
Pero el grupo pierde el encanto que les encumbraría y el disco tiene unos resultados mediocres, aunque logran sostener el prestigio ganado meses antes.
Este pequeño traspiés supone los primeros cambios y así Green y Thompson son sustituidos por Craig Webb guitarrista y John Wearing, que toma el rol como el nuevo vocalista.
Con esta formación publican su tercer álbum Earth Omen (1972) con un nuevo rumbo musical, esta vez hacia derroteros mas psicodélicos que si bien mantienen al grupo en el candelero de cabeza, supone otro paso atras en la carrera del grupo.
All Pink inside (1975) supondría el cuarto y ultimo álbum de la banda y seguía la misma tónica que su predecesor, con una hard rock psicodélico de mediocre factura.
En este álbum la banda contaba con nuevos miembros por una lado el vocalista Jo Baker y por otro el bajista Larry Popolizio.
Ya a principios de los 80 el grupo entraría en el estudio para grabar un nuevo álbum, pero por problemas de compañía discográfica no seria publicado y el grupo daría así por finiquitada la carrera de Frijid Pink, hasta años después, mas concretamente el 2002 cuando el sello Dynasty publica bajo el nombre Inner Heat parte del material de esas grabaciones junto a otras nunca publicadas.
Al año siguiente se publicaría Hibernated una caja con sus tres primeros discos remasterizados.
Hacia mediados del 2006 el batería original Stevers refloto la banda la cual sigue actualmente ofreciendo actuaciones en locales y salas del estado de Michigan.

Años 70: Juicy Lucy

2011-04-03T19:07:00.002+01:00

Esta poderosa banda de rock-blues, tuvo una gran hegemonía a principios de los años 70, con un sonido un tanto demencial, pero muy estructurado, bien refrendado en su primer y gran éxito, la versión de un tema de Bo Diddley titulado Who do you love.

Formados a finales de 1969 en el Reino Unido su primera alineación comprendía a Ray Owen a la voz, Glenn Campbell a las guitarras, Chris Mercer al saxo, Neil Hubbard guitarra rítmica, Keith Ellis al bajo y Pete Dobson a la batería.
Algunos de estos músicos provenían de otras bandas más punteras como los Bluesbreakers de John Mayall, o la Graham Bond Band Organisation.
Su primer álbum Juicy Lucy (1969), publicado por el sello Vertigo, dejo claro los derroteros por los cuales la banda se movería los años siguientes, potente rock aderezado con blues y algunas dosis de jazz.
En este primer álbum además del tema ya mencionado Who do you love, sobresalían los potentes Mississippi Woman, Train y sobre todo la hipnótica Just one time.
Después de este disco el grupo sufriría los primeros cambios de formación y así Micky Moody sustituiría a Neil Hubbard y Rod Coombes haría lo mismo con Dobson.
Un año después y con esta formación llegaría su segundo trabajo Lie Back and joy it que contenía el tema Pretty Woman, tema compuesto por Paul Williams que se sumaria al resto del grupo poco antes de estos entrar en el estudio y pasando a ser el nuevo vocalista en detrimento de Owen.
Aquí el grupo seguiría en la misma tónica que su debut, incluyendo algunos ramalazos de country pero con esa intensidad característica de su rock vibrante y ritmo sostenido, destacando temas como la versión de Frank Zappa Willie the pimp, la acústica Whisky in my jar o las eléctricas Thinking of my life y Hello L.A. bye bye Birmingham (esta ultima en referencia a su traslado desde la fria ciudad británica hasta la soleada California).
Quizás fruto de un cambio tan radical como son ambos lugares, el grupo muestra un estilo mas comedido en su siguiente trabajo Get a whiff a this (1971) que americaniza en parte su sonido y se alejan de la agresividad de sus dos primeros trabajos.
A partir de aquí los constantes cambios de formación destabilizan la banda que publicaría el álbum Pieces (1972) y que seria la antesala de su separación definitiva.
En estos dos últimos trabajos participarían músicos como los bajistas Jim Leverton o Andy Pyle, el batería Ron Berg o el teclista Jean Roussel.
El recopilatorio The best of seria el epitafio definitivo al carpetazo del grupo que sin embargo y gracias al primer vocalista Ray Owen reaparecerían años después con nuevos bríos y una formación totalmente remodelada entre los que ese encontraban músicos como el guitarrista Mike Jarvis, el bajista Andy Dougthy y el batería Spencer Blackledge.
Con esta formación el grupo grabaría los meritorios Blue Thunder (1998) y Here she comes again (1999).
Ya entrado el nuevo milenio el grupo vuelve a sufrir nuevos cambios y participan entre otros en una gira junto a Nazareth, la cual les devuelve al primer plano de la actualidad y posteriormente son invitados a intervenir en el festival Cambridge Rock cosechando una gran actuación.
Do that and you´ll lose it publicado en el 2006 les aporta una gran reputación de banda en vivo con asiduas giras por media Europa y Gran Bretaña con gran acogida entre los nuevos aficionados y sus fans de antaño.

Años 70: Johnny Winter

2011-03-14T16:55:00.001Z

Johnny Winter es el clasico prototipo de guitar heroe, estrella del blues-rock pero, también, estilista original e incomparable en la línea de los grandes guitarristas de hard rock, con un sonido definitivamente negro.
Algunos detalles de su niñez le presentan con un cariz determinante y revelador. Nacido un 23 de febrero de 1944 en la localidad tejana de Beaumont, el pequeño albino viene al mundo en el seno de una familia
predispuesta hacia la música y en una zona, limítrofe con el norte de Luisiana, especialmente fecunda en la tradición afroamericana. Así, a los cinco años, Johnny aprende a tocar el clarinete; a los ocho se inicia en el banjo y el ukelele; dos años mas tarde empieza a tocar la guitarra e interviene en concursos y programas de televisión locales, hasta que, en 1958, organiza su primer grupo, Johnny and the Jammers.
A través de las emisoras de radio negras y de las actuaciones en los clubes de la zona, Winter asimila con precocidad los sonidos del blues y el rhythm and blues y, más significativamente, establece fructíferos contactos con intérpretes como Clarence Garlow y Lazy Lester.
Cuando su nombre saltó, súbita y espectacularmente, Johnny Winter llevaba 10 años actuando en locales modestos, y había grabado más de 15 singles (y un álbum, The progressive blues experiment, que no vería la luz hasta después del éxito).
Un artículo publicado en 1968 en la revista Rolling Stone lo descubre, y Winter se encuentra de la noche a la mañana, gracias de las habilidades mercantiles de su representante, convertido en superestrella del blues. Con su trío (Uncle John Turner, a la batería, y Tommy Shannon, al bajo), se embarca en constantes giras y actuaciones en grandes escenarios, y graba sus dos primeros álbumes para CBS, Johnny Winnter (1969) y Second Winter (1970). La popularidad llegaría en el ámbito del hard rock, con una nueva banda compuesta por antiguos miembros de los McCoys, interpretando piezas de Bob Dylan y los Rolling Stones junto a temas propios y composiciones del segundo guitarra, Rick Derringer publica los siguientes albumes Johnny Winter And y Johnny Winter And Live). El albino paga de inmediato el precio del éxito y sus excesos desembocan en nueve meses de desintoxicación en un hospital de Nueva Orleans (1972).
Después en medio de su curacion a la adiccion a las drogas publica mediocres trabajos enfocados al rock que sin embargo le mantiene en una privilegiada posición dentro del circuito rock mundial, discos como Still alive and Well (1973), Saints & Sinners (1974), Thunderhead (1975) o el fabuloso directo Captured Live (1976)
El retorno al blues ocurre en 1977. La amistad con Muddy Waters (a quien produce cuatro elepés donde también interviene como guitarrista) no solamente proporciona memorables grabaciones (los tres primeros reciben premios Grammy), sino que también devuelve al tejano al terreno que le pertenece.
Esos trabajos eran Nothin´but the Blues (1977), White Hot and Blue (1978) y Raisin Cain (1980)
En 1984, Winter encuentra su lugar en un sello independiente de Chicago que trabajaba hasta entonces exclusivamente con artistas negros: Alligator. Sus nuevas grabaciones no desmerecen de anteriores trabajos y asi poco a poco va publicando buenos trabajos como Guitar Slinger (1984), Third Degree (1986), The Winter of 88 (1988) o Let me In (1991).
A mediado de 1992 publicaría el excelente Hey, Where your Brother y a finales de ese mismo año Scorchin´Blues.
Ya a finales de los noventa se editaba el directo Live in NYC´97, álbum que recogía una selección de temas interpretados en los últimos cinco años de gira.
No seria hasta el año 2004 cuando volvería a grabar un nuevo álbum titulado I´am a Bluesman que recibiria grandes elogios por la prensa y una gran aceptación por el público.
A finales del 2009 se publicarian dos estupendos recopilatorios titulados The Johnny Winter Anthology y The Woodstock Experience.
Estos ultimos años Winter aquejado de la enfermedad llamada Síndrome Túnel Carpiano se ha visto obligado a actuar sentado por problemas en su cadera, pero que no la ha impedido seguir tocando por medio mundo, dejando constancia de su gran talento y su enorme don con las seis cuerdas.

Web Johnny Winter

Años 70: King Crimson

2011-03-02T00:41:00.001Z

Con casi cuarenta años de carrera, King Crimson es una de las bandas más longevas e influyentes de la historia de la música y uno de los más importantes representantes del rock progresivo, además de que entre sus filas han pasado algunos de los mejores músicos del mundo del rock.

Los orígenes de King Crimson data de mediados de 1967 cuando el excéntrico guitarrista Robert Fripp se unio a Mike y Peter Giles formando el trio Giles, Giles and Fripp que tras haber grabado sin éxito el álbum The Cheerful insanity of Giles, Giles and Fripp, decidió fundar su propia banda en la cual tomaría las riendas y liderazgo para plasmar sus ideas musicales sin oposición ni intromisión alguna por parte de sus compañeros.

Y así nació King Crimson, sin duda un caso insólito dentro de la historia del rock progresivo europeo y lo es debido a su música, tormentosa e inclasificable, que incluso hoy en dia, goza de una credibilidad y una aceptación fuera de toda duda, y a su leyenda errática, cúmulo de aventuras y desventuras casi épicas, marcada por la conflictiva y carismática personalidad de su líder, pero también por la rara unanimidad del público y la crítica a la hora de enjuiciar el movimiento sinfónico, apartando a King Crimson del resto de sus congéneres (E. L. & P., Genesis, Procol Harum, o Yes), ellos fueron prácticamente defenestrados, y entronizándolos como a un verdadero rey. Sólo que, en realidad, el Rey Carmesí era una máscara detrás de la cual se escondía el genio visionario de uno de los músicos más inquietos y excéntricos de los últimos 20 años, un chamán autocrático de nombre Robert Fripp.

Guitarrista excepcional, Robert Fripp no había tenido éxito en sus primeras experiencias artísticas, ni cuando a los 17 años formó The League of Gentlemen, ni con The Creamation, ni acompañando a los discretísimos Salena Jones y Norman Vaugham, aparte del mencionado experimento junto a los hermanos Giles.

Aunque el nacimiento oficial de King Crimson como grupo -con Fripp, Mike

Giles, Greg Lake y Ian McDonald- está fechado el 13 de enero de 1969, no fue hasta su aparición en el célebre concierto-homenaje de los Rolling Stones a su ex compañero Brian Jones (Londres, Hyde Park, 5 de julio de 1969) cuando se dio a conocer publicamente, dejando boquiabiertos a propios y extraños con su sonido denso y técnicamente brillante.

El primer album del grupo, In the court of the Crimson King (1969), supuso una

auténtica revolución en el mundo del rock; “una extraña obra maestra” (como llego a decir Peter Townsend), con una calidad fuera de lugar, intensa, dramática y poética. Los textos de las canciones, escritos por Peter Sinfield, oscuros y barrocos, creaban, en unión perfecta con una música violenta y extrañamente frágil, un mundo lleno de dolor, pero armonioso e incluso romántico. Y con el éxito, inesperado, llegaron los primeros cambios en el seno del grupo, convirtiéndolo en el dúo Fripp-Sinfield, un tándem creativo insuperable. Arropados por una serie de músicos de indiscutible valía; Mel Collins, Keith Tippett, Gordon Haskell, o Andy McCullogh, Fripp y Sinfield lograron profundizar aún más si cabe las ideas expuestas en el extraordinario primer álbum del grupo, publicando posteriormente In the wake of Poseidon (1970) una pálida imitación del disco anterior que se acerca ligeramente hacia terrenos jazzisticos, sin embargo a pesar del montón de repeticiones en los esquemas musicales, tenia el merito de descubrir dos nuevos talentos, por un lado un a Mel Collins pletorico y por otro a un impresionante Keith Tippett.

Ese mismo año el grupo se descolgaría con otro nuevo trabajo Lizard, un trabajo en donde la influencia jazz se hace mas patente, estas dos obras consideradas como menores en su momento, con el paso de los años han ido adquiriendo una importancia singular dentro del rock progresivo (sobre todo, Lizard, uno de los momentos cumbres de la fusión del rock y el jazz de vanguardia).

La culminación del estilo Crimson llegó con Islands (1971), su obra más homogénea y cuidada, que sin embargo sorprendería por su la variedad de influencias que lo caracterizaban, ya que tales contrastes solo podían perjudicar las ventas del álbum, trabajo por otra parte que marcaría el final de una época brillante, pero dubitativa, y también de la asociación Fripp-Sinfield. Dado el agudo egocentrismo de Fripp y la progresiva osadía de sus conceptos musicales, esa ruptura era algo inevitable, por cuanto suponía una liberación total de la música que ya nunca más llegaría a estar hermanada con la poesía, convirtiéndose ésta (o mejor dicho, la voz humana) en un instrumento musical más al servicio de las ideas de Robert Fripp.

Fripp terminaría por despedir a Sinfield por que sus textos y su comportamiento eran cada vez más incompatibles con la imagen del grupo, que había tomado un camino mucho más duro y enérgico.

El nuevo King Crimson, formado en mayo de 1972 con Robert Fripp, el bajista

John Wetton (ex Family) y el batería Bill Brufford (ex Yes) como formacion basica, sería al mismo tiempo la única formación que podía ser considerada como un grupo verdadero, tanto por la afinidad de ideas de los tres músicos como por su compenetración natural. El nuevo álbum del grupo, Lark´s Tongues in Aspic (antes, en 1972, se había publicado Earthbound, grabado en directo en el transcurso de la gira americana de la formación precedente), contenía una música mucho más estirada y cáustica que la de los discos anteriores, sin la más mínima concesión a la galería, con un Fripp memorable y que tendría su continuación en Starless and Bible black (1974), trabajo que consolido al grupo con una atmósfera casi mágica y unos textos casi surrealistas, Red (1974) conseguía estar al mismo nivel los álbumes anteriores y USA (1975), seria el documento final de la reciente gira americana.

Estos últimos tres álbumes eran excepcionales, bastante duros, donde la leyenda paranoica del grupo cobraría las dimensiones de una realidad manifiesta, Después de la ruptura del grupo (finales de 1974) se abriría un largísimo compás de espera, de más de seis años de sequía discográfica.

Como colofón al anunciado fin de la banda se publico el doble álbum recopilatorio The young person´s guide to King Crimson, una antología diseñada expresamente por el propio Robert Fripp.

A partir de aquí cada uno de sus miembros se embarcó en proyectos personales o se incorporarían a otras formaciones como es el caso de Wetton que recabaría en Roxy Music antes de pasar por Uriah Heep, Wishbone Ash U.K. o Asia.

Fripp, por su parte un personaje conflictivo y diríase lunático, siempre estuvo por delante de su tiempo y época y de los estilo concretos e igualmente era un personaje inquieto.

Sus primeras experiencias fuera del seno de Crimson, arrancando en Centipede,

de Keith Tippett, y continuando con sus trabajos en solitario No pussyfooting (1973) y Evening star (1975), este ultimo con con Brian Eno, y que no fueron sino un clarificador preámbulo de lo que años más tarde sería una ambiciosa cúa trilogía de marcado carácter personal formada por Exposure (1978), God save the Queen / Under heavy manners (1979), The league of gentlemen (1980) -con Sara Lee al bajo, Barry Andrews a los teclados y

Johnny Toobad a la batería- y Let the powerfall (1981), que no sólo supo resumir los puntos más significativos de la era King Crimson, sino que recogió también las diversas influencias foráneas (producto de las colaboraciones de Fripp, como músico y como productor, con gente tan dispar como Blondie, David Bowie, Peter Gabriel, Daryl Hall, Andy Summers, Talking Heads, Van der Graaf Generator o XTC), que de una manera u otra marcaron toda la música pop de los años ochenta.

Seria en 1981 cuando surgiría la una nueva reaparición del rey Carmesi -con Robert Fripp a las guitarras y otros instrumentos, Adrian Belew a la guitarra y como voz solista, Tony Levin al bajo y Bill Brufford a la batería-, que se vería coronada con tres álbumes muy interesantes; Discipline (1981), mostraba un sonido mas fresco y dinamico, Beat (1982) supuso un experimento más complejo con una amalgama de sonidos polirritmicos con varia referencias a los primeros Crimson. y Three of a perfect pair (1984) quizás el trabajo del grupo mas esquizofrénico con varias partes bien diferenciadas, una crudamente hermética y otra mas accesible.

Estos tres últimos trabajos si bien no suponían ningún paso hacia adelante en la trayectoria profética del Rey Carmesí, sí constituían un complemento a la prolífera carrera en solitario de Robert Fripp, cuya influencia sobre los músicos de los últimos 15 años ha sido reconocida ampliamente, tanto por héroes del punk como por creadores vanguardistas del rock.

Después de algunos años de silencio Fripp reuniría a una nueva banda a mediados de los 90, esta vez además de Belew, Bruford y Levin llama a el bajista Trey Gunn y al batería Pat Mastelotto formación que graba el álbum Vroom (1994) y un año después el poderoso Thrak.

Este mismo año se publicaría el directo B´Boom y un año después llegaría el complejo Thrakattak.

A partir de aquí los álbumes en vivo y de experimentación se van sucediendo Epitaph (1998) un directo de la primera época del grupo, The Night Watch (1999)..etc

Ya en 1999, los seis integrantes actuales de la formación que desde 1997 se estaban reuniendo en cuatro subgrupos, todos ellos bastante experimentales, denominados Projekcts, grupos que básicamente se formaron para actuar en vivo, presentándose en tríos o cuartetos (por ejemplo: Projekct One: Robert Fripp, Trey Gunn, Tony Levin y Bill Bruford, Projekct Two: Robert Fripp, Trey Gunn, Adrian Belew), posteriormente se concretó con la edición de The Projekcts: The Deception Of The Thrush, r esumen de estas presentaciones y The Projekcts Box, que consiste en una caja con 4 cds, cada uno con uno los cuatro distintos proyectos. Ese año, volviendo a las composiciones con formato de canción, King Crimson se reencarna, esta vez con Fripp, Belew, Gunn y Mastelotto para editar el gran álbum The Construkction Of Light, que además de las destacadas canciones cantadas, perpetúa su tradición histórica con la cuarta versión de Lark´s Tongues In Aspic y la segunda de Frakctured. Hasta el día de hoy King Crimson esta rodeado de aura artística en la que Fripp tiene cierto control para poder conseguir cuando quiere a importantes socios que suceden ser los mejores músicos del circuito, que como hippies sólo piden espacio para practicar su arte y vivir decentemente.

Durante el 2001 la banda se ha mantenido en constantes giras, destacando las efectuada en agosto con la agrupación de metal alternativo Tool y en diciembre, con el bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones. Además a fines de ese año editaron el disco en vivo Vrooom Vrooom.
Tras de algunos problemas económicos, el sello Discipline Global Mobile es el que actualmente administra exclusivamente todo el material de King Crimson, editando numerosos álbumes en vivo y colecciones de su discografía. Para el 2002 apareció el EP Happy With What You Have to Be Happy With que antecedió al lanzamiento en 2003 de The Power to Believe, el último álbum de estudio hasta el momento de King Crimson.
En noviembre del 2003 Trey Gunn anunció su salida del grupo. Por su parte, tanto Tony Levin como Robert Fripp han anunciado la reintegración de Levin como bajista de King Crimson. La actual alineación de King Crimson ha quedado constituida por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Pat Mastelotto.

Web Oficial King Crimson

Años 50: Bill Haley

2011-02-25T21:02:00.005Z

Bill Haley fue uno de las más fascinantes artistas del Rock and Roll con mayusculas. A diferencia de la mayor parte de los pioneros, no venía del Sur (nació, en 1927, cerca de Detroit), carecía de atractivo fisico tipico de un rock star, pero ya era un profesional con mucha experiencia cuando el rock´n´roll empezo a rodar Su primer amor fue el country, que tocó con grupos como The Four Aces, Johnny Clifton & His String Band y The Saddlemen, con los que grabó a partir de 1948 sin mucha fortuna algunos temas como Too Many Parties o Candy Kisses. Fue en Filadelfia con estos ultimos en 1951 cuando, influido por los sonidos negros que tanto gustaban en la ciudad, grabó una excitante versión de Rocket 88, pieza del saxofonista Jackie Brenston ademas de otros singles que apenas tuvieron repercusión.

Su grupo, que en 1952 se rebautizaría como The Comets, debutando con el single Stop Beatin´Round The Mulburry Bush en donde acentuaba los ritmos, aprovechaba el tono metálico de las guitarras y exploraba las posibilidades percusivas del contrabajo. Haley cantaba canciones del gueto y usaba alegremente la jerga negra, pero tenía una voz blanca: se le entendía todo (y bien se cuidaba Haley de obviar las letras de contenido escabroso). Posteriormente, el cantante explicó que no había ningún plan de mezclar diferentes estilos, que todo fue una concatenación de casualidades.

Aunque los Comets seguían presentándose en público con atuendos vaqueros,

iban incluyendo en su repertorio temas negroides, comprobando que funcionaban perfectamente a caballo de un show animado y altamente visual.

Canciones como Rock the joint y Crazy man crazy, construidos con gran sentido

dramático, les abrieron las puertas de una grabadora fuerte, Decca Records.

Ya en 1954 publican una revisión dinámica de un viejo blues- llamado (We’re gonna) rock around the clock. Fue un éxito moderado, eclipsado rápidamente por una potente interpretación de Shake, rattle and roll, grabada anteriormente por Joe Turner.

Haley ya era un hombre popular entre los jóvenes cuando su grabación de Rock

around the clock apareció en el comienzo de Semilla de maldad (Blackboard jungle, 1955), película de Richard Brooks sobre la violencia de los nuevos adolescentes; en una escena clave, los alumnos de un esforzado profesor (Glenn Ford) demuestran su desprecio destrozando su colección de valiosas vinilos de jazz.

Despreciando la moraleja de la película los adolescentes se abalanzaron sobre Rock around the clock. El disco estuvo dos meses en el número uno de las listas norteamericanas, y dicen que sus ventas mundiales han llegado hoy a los 20 millones de copias. Haley, rechoncho y maduro, con su eterno ricito sobre la frente, se encontró encabezando giras y películas, e inspirando escenas de delirio.

Con esta nueva versión de los Comets, Haley se contorsionaba discretamente mientras su saxofonista, Rudy Pompolli, se tiraba por los suelos en pleno

éxtasis, al igual que hacía el contrabajista Al Rex con su instrumento. Posteriormente siguieron los éxitos discográficos, temas que hablaban de la inocente alegría de los nuevos ritmos: Mambo rock (1955), Rock-a-beatin ‘boogie y See you later alligator, (1956), The saints rock’n’roll y Don’t knock the rock: Skinny Minnie (1958).

Ya en 1956 se publicaria su primer larga duracion Rock Around The Clock, al que seguria poco después Rock´n´roll Stage Now, ambos una especie de recopilatorios de todos los singles publicados.

En 1957 el tema Don´t Knock the Rock volveria colocarse entre los primeros puestos de las listas de exitos.

Pero la llegada de Elvis, fue decisiva en el posterior futuro de Haley, los jóvenes pudieron ver al rock and roll mas crudo y salvaje, sin pajaritas ni chaquetas a cuadros, sin esa compostura y esos refinamientos; Haley no resistíria esa comparación.

El inventor del rock and roll vivió un exilio dorado,emigrando al viejo continente. En Europa se le recibió como a un monarca, provocando alteraciones del orden público en el Reino Unido -donde Semilla de maldad llegó a estar prohibida en algunas ciudades de la República Federal de Alemania.

Pero siguió publicando temas y albumes como Bill Haley´s Chicks o Strictly Instrumental (1959-60)

Terminó grabando para el sello mexicano Orfeón y posteriormente con la compañía sueca Sonet y su ultimo album seria Live in London (1974) publicado por el sello Atlantic.

En todos esos años nunca le faltaron actuaciones: tanto en los sesenta y en los setenta, nuevas generaciones descubrían el frenesí del rock and roll y allí estaba Haley dispuesto a demostrar que todavía era capaz de enardecer a un auditorio.

Bill Haley fue el instrumento inconsciente de una revolución cultural

cuyo alcance nunca pudo imaginar: comprendía la forma, la necesidad de crear

ritmos que dieran movimiento al cuerpo, pero estaba demasiado alejado de los jóvenes como para entender el fondo del rock and roll. En su descargo, recordemos que su grupo -con excelentes músicos, como Pompilli o el guitarrista Frank Beecher- desarrolló notables fórmulas instrumentales; Haley nunca abandonó la música que le hizo famoso, aunque se dedicara temporalmente a venderla como twist. Su final fue triste: abrumado por desgracias familiares y problemas contractuales, se retiró a Harlingen (Tejas), desde donde llamaba a viejos conocidos para soltarles monólogos que oscilaban entre fantasías nostálgicas y pesadillas paranoicas. Arruinado, alcohólico y enfermo murió en la casa donde vivía en soledad a principios de 1981.

Bill Haley Web Page

Años 70: Jeff Beck

2011-02-20T15:39:00.001Z

Jeff Beck, ha conseguido el respeto, la admiración y la fidelidad entre los medios de comunicación, los músicos y los amantes del rock como muy pocas estrellas puedan atribuirse. ¿El método? Ser él mismo, mantener la magia a su alrededor y tocar la guitarra de una manera sublime, pese a su indisciplina discografica, ser muy reacio a las entrevistas y a las masas, su incapacidad de soportar el trajín profesional de las giras y rebosante de mil inquietudes guitarrísticas que le llevan cada vez por un camino distinto..

Beck nació el 24 de junio de 1944 en Surrey (Inglaterra). Mientras estudiaba en el Wimbledon Art College, escuchó con fruición a Gene Vincent, Buddy Holly, Eddie Cochran... Sus primeras experiencias semiprofesionales, en 1964, fueron junto a Cyril Davies y en un par de oscuros grupos llamados Deltones y Tridents. Beck se había decantado visceralmente en su forma de tocar hacia el blues; se pensó en él para sustituir al purista Eric Clapton en el seno de los Yardbirds (marzo 1965). Pero Beck no era un purista, sino un obseso de los pedales, el eco y los efectos de distorsión. Fue él quien catapultó a los Yardbirds con su imagen de gentleman apacible pero iracundo como instrumentista. La célebre escena de Beck destrozando guitarra y amplificadores en la película de Antonioni Blow up es la mejor muestra de ello.
En noviembre de 1966 deja a los Yardbirds e inicia su zigzagueante carrera solista. Primero se descuelga con dos singles atípicos, High ho silver l1ning (cuya cara B, el apabullante Beck’s bolero, estaba firmada por Jimmy Page) y una versión de Love is blue, de Paul Mauriat. En febrero de 1967 nace el Jeff Beck Group, con Rod Stewart (voz), Ron Wood (bajo), Nicky Hopkins (teclado) y muchos problemas para encontrar un batería fijo. Dos históricos elepés, Truth (con Mickey Waller en los tambores) y Beckola (esta vez con Tony Newman). Temperamentales versiones de clásicos y temas escritos por todo el grupo hacen de dos estos discos una lección de obligada escucha en la historia del blues-rock. Jimmy Page siguió al grupo de cerca y es seguro que Led Zeppelin nació como una proprolongación de lo que podía haber sido el grupo de no haber surgido tremendos choques entre sus miembros.
En 1969 se separan. Stewart y Wood se van a Faces; Beck sufre un violentísimo accidente automovilístico, fracturándose el cráneo. Dieciocho meses de baja.
Gajes del oficio: Beck es un fanático de los coches y las carreras, posee una cuidada colección de modelos Ford y él mismo ejerce de mecánico, alterando la cilindrada de sus vehículos. En abril de 1971 vuelve con un remozado Jeff Beck Group, esta vez integrado por Max Middleton (teclados), Cozy Powell (batería),
Clive Chaman (bajo) y Bob Tecn. (voz). Gente desconocida con la que Beck se zambulle a gusto en el rhythm & blues y graba otros dos álbumes, Rough & ready y Jeff Beck Group. El hallazgo es Middleton, un pianista ágil e imaginativo que excita la inventiva de Beck. Manteniendo su regla de oro (sólo dos elepés en la misma cuerda), deshace la banda en julio de 1972 y... i sorpresa!, cumple un antiguo proyecto: forma un power-trío con Tim Bogert (bajo) y Carmine Appice (batería), duros obreros del rock, anteriormente en Vanilla Fudge y Cactus. Beck, Bogert & Appice vivieron como grupo desde septiembre de 1972 hasta abril de 1974, dejando una herencia de dos elepés, Beck, Bogert & Appice y Live in Japan, confirmando la inviabilidad de los supergrupos y el error de hacer música para cumplir las demandas del mercado.
Del sonido mastodóntico de BB & A Jeff Beck salta en arriesgada pirueta al jazz-rock. Así graba Blow by blow (1975), su único disco de oro en ventas, todavía con Middleton en las teclas y producción de George Martin. Después le siguieron Wired (1976), primera colaboración con los veloces Narada Michael Walden (batería) y Jan Hammer (sintetizador); Live (1977), y There & back (1980). Nada de cantantes, nada de grupos estables y sí mucho sonido evolucionado, mucha fantasía para multiplicar las posibilidades de la guitarra como elemento electrónico. Seis años tardó Beck en publicar un nuevo trabajo: Flash, un álbum mas pop en el que vuelven los cantantes (Rod Stewart, Jimmy Hall) y aparecen productores influyentes (Nile Rodgers, Arthur Baker). Beck canta, no compone nada y toca la guitarra en todos los colores estilísticos que domina.
Durante bastante tiempo Beck pone su talento al servicio de algunos de los grandes del rock como Mick Jagger en su primer album Primitive Cool (1987) o Roger Waters con su Amused to Death (1992).
Guitar Shop (1989) fue una experimentación completa con el sonido tanto de la guitarra como del teclado, en Crazy Legs (1993) demostraba su pasion por el rock´n´roll y Gene Vincent.
El album Who Else! (1999) daria paso a You Had it Coming (2001) trabajo con el que consiguiria su tercer Grammy (antes lo habia hecho con Flash y Guitar Shop).
En Jeff (2003) el guitarrista mostraba su faceta electronica fusionandola con el blues y el jazz y por ultimo en el 2010 publicaba Perfoming this Week, ambos trabajos igualmente galardonados con los premios Grammy´s y a finales del mismo año publicaba su ultimo eslabon discografico Emotion & Commotion.

Web Oficial Jeff Beck

Años 70: Jackson Browne

2011-02-16T00:01:00.002Z

La historia de Jackson Browne parece marcada por una burlona fatalidad. ¿Qué pensar si no de un cantante-compositor cuya mejor canción la llevan a la gloria otros artistas (Take it easy, Eagles) y cuyo su mayor éxito Stay, es un tema no escrito y casi no cantado por él. Jackson Browne encaja las bromas del destino con relajada complacencia, y como en alguna de sus canciones ha escrito, “nada sobrevive, sino el modo / en que vivimos nuestra vida”. Jackson Browne ha huido siempre del alboroto que exige la maquinaria del pop. Tímido, atractivo, excelente compositor, limitado músico, visto como figura de culto por críticos y colegas, vivió sus mejores momentos de popularidad entre los años 1974 y 1979 años en los cuales vendio mas de 15 millones de copias de sus discos, solo en los Estados Unidos.
Jackson Browne nació un 6 de octubre de 1949 en Heidelberg, Alemania, su padre servia alli en el ejercito norteamericano. A los tres años, la familia vuelve a Los Ángeles. Las primeras ganas de música se las contagió (casi se las impuso) su propio padre, apasionado del jazz y de la trompeta, que quería ver a su hijo convertido en un Louis Armstrong redivivo. La presión paterna no prosperó, y el boom del folk en los años sesenta da a Browne sus primeras señas de identidad. Pasa seis meses con la Nitty Gritty Dirt Band, consigue un contrato de compositor para la editorial de Elektra e incluso graba una maqueta con 30 canciones. Jackson Browne se había trasladado a Nueva York a principios de 1967, y tuvo la suerte de compartir con la cantante Nico el escenario del club Dom, regentado por Andy Warhol. Tres de sus temas figuran en Chelsea girl, primer elepé de la hierática alemana occidental. Después de unos serios problemas por posesión de marihuana y vuelve a Los Ángeles. Participa en un frustrado experimento junto a la comuna Paxton Lodge, algo así como una consciente reclusión paradisiaca de cantautores para concepción de repertorio infalible, que había ideado un ejecutivo de Elektra, y conoce al emprendedor David Geffen, que planeaba la creación del sello Asylum y que se apresta a ficharle. Su primer álbum, Jackson Browne
(1971), contiene material ya grabado por otros artistas y cuenta con un buenísimo elenco de músicos de estudio. Por entonces entabla amistad con algunos integrantes de The Eagles. Mientras tanto paradojicamente Glenn Frey retoca un tema -Take it easy- que Browne no terminaba de redondear consiguiendo ser numero uno con The Eagles. La colaboración se mantendría en posteriores álbumes, y aunque la reputación de Jackson Browne crecía espectacularmente, no atinaba con igual densidad popular en sus trabajos como artista solista. For everyman (1973) cuenta ya con la participación de David Lindley, ex Kaleidoscope, efectivo guitarrista y violinista, así como con una estrella invitada bajo seudónimo, Elton John Late for the sky (1974) se ampara en un concepto más unitario de banda. The pretender (1976), editado poco después del suicidio de su esposa, lo produce Jon Landau (representante de Bruce Springsteen). Son álbumes de brillante decorado, en los que la música va comiendo terreno a los textos y en los que Browne desarrolla sus continuas interrogantes: amor como elemento de prisión o salvación, esperanza de un mundo mejor o temores apocalípticos, estrés de la ciudad o paz del campo...
Como resultado de una ambiciosa gira mundial se publicó en 1978 Running on empty, conteniendo temas ajenos y propios y consiguiendo el éxito de ventas gracias a una versión de Stay, una composición de 1960 llevada al éxito por The Zodiacs.
A partir de aquí los álbumes que desde entonces han jalonado el discurrir de Jackson Browne por el rock Hold Out (1980), Lawyers in Love (1983), World in Motion (1989), I´m Alive (1993), Looking East (1996), The Nacked Ride Home (2002) y Time the Conqueror (2008), le han resituan en su papel de talentoso compositor, algo maldito y bien adiestrado en el arte senequista de la calma existencial.

Web Oficial Jackson Browne

Años 70: Can

2011-02-12T00:37:00.000Z

Mucho antes de que se oficializara el término art-rock, Can ya lo servía en una primera edición, mucho mas germinal y rudimentaria, pero a la postre igualmente interesante. Surgidos en los revueltos tiempos del mayo francés de 1968, prácticamente al lado de Colonia en la todavia Alemania Occidental, su particular lectura de los fenómenos sociomusicales de la época y la ingestión devota del floreciente underground (que bandas como Pink Floyd o, Soft Machine desarrollaban y en plena efervescencia de las ácidas correrías californianas) los llevarán al estreno de un nuevo capítulo del llamado rock alemán.

En un país donde el brote hippy prendió con fuerza, la distancia fisica respecto del modelo anglosajón produjo una visión intelectualizada que la música de Can ilustra con su carácter cerebral. Ese rostro autóctono de su sonido y un sugestivo concepto de hipnosis rítmica y rotación minimal los acreditan como el grupo continental por excelencia y uno de los más influyentes de la década. Respetados por las nuevas generaciones, son además pioneros en estilos y movimientos posteriores: como la integración de elementos étnicos sobre tramas futuristas, percusiones tribales y preindustriales, sellos independientes propios y cirugía electrónica de instrumentos, precursora del tecno. Su música es pura alquimia. Resiste el embate del tiempo. Arquitecturas móviles surcadas de laberintos teclísticos. Eclecticismo polarizado entre la rienda suelta de Tago Mago, 1972 y la sutilidad melódica de Ege Bamyasi, 1973.
Libertad experimental bajo control, dispensada entre densas exploraciones, cancioncillas leves…etc. Unos tipos realmente curiosos, perturbados por la fiebre del momento, sacrificaron un estable futuro por la incierta senda del rock. No les fue mal. Aunque tuvieron mejores críticas que ventas. Cuando los hippies llegaron, ellos eran ya gente mayor. Su teclista, Irmin Schmidt, pasaba de los 30 años. Discípulo de músicos contemporáneos como Stockhausen y Berio, alternaba su puesto en una orquesta con la dirección y los conciertos de piano. Holger Czukay era el bajista y manejador de los ruiruidos. Jaki Liebezeit hacía free jazz en la Manfred Schoof Quintet. Y Michael Karoli , el más joven, pasó de consumado violinista a ser un guitarra exuberante.
La primera formación se completaba con dos norteamericanos: un profesor de arte, Malcolm Mooney, que ponía su voz negra, y David Johnson, flautista de fugaz permanencia en el grupo. Se sirvieron del rock para inocular sus revolucionarias tesis de ruptura estética.
La suerte les acompañó. Editado en su propio sello, su primer álbum, Monster movie (1969), les proporcionó una cierta popularidad. Les llovieron ofertas para bandas sonoras (Deep end, de Skolimovski, entre otras), que el grupo reúne en Soundtracks (1973). En Zúrich realizan una actuación de vanguardia, Prometheus, y en 1970, Damo Suzuki, un estrafalario japonés que encuentran cantando en las calles de Múnich, sustituye a Mooney. Será su período más efervescente. Future days (1974) los descubre definitivamente en el Reino Unido. Mientras tanto, aparece Limited edition, colección de supuestos anuncios televisivos, miniaturas, y las exóticas series de falsificaciones etnológicas realizadas, como todo su material, en sus estudios, con Inner Space incluso disfrutaron de un par de singles en las listas: I want more y su perversión del villancico Silent night.
A partir de aquí la decadencia del grupo es notable Damo se une a testigos de Jehová. Siguen como cuarteto hasta Saw delight (1977), en que reclutan a Rosco Gee y Reebop Kwaku Baah, ex- Traffic. La música se aplaca con albumes mucho mas convencionales Out of Reach (1978), pero poco a poco su estela se desvanece. Sus miembros se desperdigan, y para 1982, Can desaparecen definitivamente, hasta años después cuando la formación original publica el epitafio Rite Time (1989)

Web Oficial Can

Años 60: The Yardbirds

2011-02-08T15:25:00.000Z

Ya el solo hecho de que en los Yardbirds se dieran a conocer Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, tres de mejores guitarristas de la historia del rock, eclipsa otros aspectos, que sin embargo no son menos cruciales, por lo cual esta considerado uno de los grupos mas fundamentales del pop-rock. Pioneros en casi todo, fueron psicodélicos, inauguraron el pop exótico de infusiones orientales y la idolatría de los guitarristas. Su originalidad, diluida en la dialéctica sonora de su tiempo, propició buena parte del futuro, del sonido garaje al heavy rock. Sus cinco años son el más vivo escaparate de remolinos y contradicciones que sacudieron la evolución del pop en un momento crucial para el devenir de su evolucion.
Grupo de culto, mantuvo, sin embargo, un apretado romance con los flashes del éxito. Canciones pop de lujosa inspiración, gancho hipnótico y sonidos fantasiosos: humo indio, cantos gregorianos y ramalazos psicodélicos. Premoniciones de futuros trances hippies. Sin olvidar las raíces: sólidas influencias de fogoso rhythm and blues. Pese a la exuberancia de sus hallazgos, sus singles se hacían en una sola toma. Su segundo
elepé, con insólitas burbujas y revolucionaria producción, se realizó en cinco días y cuatro pistas. Precariedades que les acompañarán hasta el final. Hasta 1965 fueron una estricta banda de blues, típico caso de estudiantes de arte seguidores de sellos como Chess y Vee Jay. Antes de Jeff Beck, Keith Relf y su imponente flequillo robaban las miradas. Éste sufría de asma, pero tocaba decentemente la armónica y esgrimía una voz cortante. Paul Samwell Smith era el cerebro, un envidiado bajista. De batería, Jim McCarty. Ellos, junto a dos guitarristas (Chris Dreja y Anthony Topham), sustituyeron a los Stones en el club Crawdaddy de Richmond, regentado por Giorgio Gomelsky, que se convirtió en su manager. En octubre de 1965, el guitarrista Tophan vuelve a la universidad. Un jovencisimo Eric Clapton con pinta de monaguillo le reemplaza. Sus gustos más modernos renuevan el repertorio de versiones mientras se gana el apodo Slowhand en las célebres improvisaciones que solian hacer sin límite con que el grupo castiga a su feligresía creciente. Se estrenan acompañando a Sonny Boy Williamson, con el album de este Sonny Boy Williamson and The Yardbirds, soberbio debut que pasara a los anales del rock.
El clima parece idóneo: firman con Columbia, pero sus dos singles iniciales pasan desapercibidos I Wish You World y A Certain Girl.
A finales de 1964 aparece Five live Yardbirds, primer elepé y modesto documento de época. Necesitan un éxito. Gomelsky les tienta con las sirenas del pop: una canción del desconocido Graham Gouldman For your love, el cual llevaria el mismo titulo que su siguiente album. Con clavicordio de Brian Auger, llega al número tres. Poco después Clapton abandona la nave para unirse a los Bluesbreakers de John Mayall para luego fundar a los grandiosos Cream.
Su sustituto en un principio recae en Jimmy Page pero este declina la sustitución, el propio Page les recomienda a Jeff Beck, que pasa a engrosar el grupo. Mientras tanto en Estados Unidos se venden bien sus discos. En los estudios de Chess graban Shapes of things. Pero Paul se despide. Su futuro como productor incluirá a Cat Stevens y Carly Simon. Por fin, Page ingresa en el grupo y se olvida de sus lucrativas sesiones y entra de bajista, compartiendo luego brevemente las seis cuerdas junto a Beck. Hasta noviembre, en que éste les deja tirados tras realizar la última maravilla del grupo Happenings 10 years ago y una explosiva escena en el filme Blow-up, de Antonioni.
Ya en 1967, el toque mágico del productor Mickie Most (The Animals, Donovan) no impide su desorientado declive. Sus singles se hunden en la naciente era del álbum Little Games, Ha Ha Said The Clown o Ten Little Indians.
Finalmente se disuelven en 1968. Relf junto a Jim fundaria posteriormente el grupo de folk progresivo Renaissance y morirá electrocutado en 1977, McCarty pasará por Shoot, Illusion y otros grupos hasta la reunión de 1983 con Chris y Paul, primero como Yardbirds y luego como Box of Frogs. Jimmy Page correria mejor suerte. Tras reunir unos New Yardbirds y cumplir una gira nórdica, entra en la historia con los formidables Led Zeppelín
Jeff Beck por su parte fundaria The Jeff Beck Group.

Web Oficial The Yardbirds

Adios a Gary Moore

2011-02-07T10:10:00.005Z

El cada vez más reducido mundo del blues está de luto. La muerte de Gary Moore, fallecido este domingo a los 58 años en un hotel de la localidad malagueña de Estepona por causas que se desconocen, supone el adiós de uno de los más famosos embajadores de un género esencial en la música popular. Guitarrista de amplias dotes, Moore formó parte de esa generación de músicos europeos que en los sesenta, en plena eclosión del rock, admiraron desde jóvenes las esencias del blues americano que cruzó el Atlántico y experimentaron sobre su base rítmica, ampliando sus horizontes estilísticos aunque desvirtuando en muchas ocasiones el espíritu de los pioneros negros.
Moore escogia siempre con un refinado gusto sus versiones de clasicos del blues y el rock y evitaba los solos superfluos.
Nacido en Belfast (Irlanda del Norte), Moore era el guitarrista irlandés junto al tambien fallecido Rory Gallagher, más conocido del mundo gracias a sus numerosas colaboraciones con grandes del blues como B. B. King o Albert Collins, dos de sus maestros, y a su pertenencia fugaz pero recordada en Thin Lizzy, la banda de raíces blues más fascinante de la escena irlandesa. Su carrera en solitario, llena de altibajos y experimentos varios, fue reconocida sobre todo por sus aplaudidos directos y discos más que notables, como Victims of the future, Still Got Blues o After hours.
De la escuela británica de guitarristas amantes del blues, como Eric Clapton o John Mayall, Moore siempre tuvo de referencia a los padres afroamericanos del género, pero su influencia más directa y reconocible fue Peter Green, guitarrista de Fleetwood Mac. Como Green, no destacaba tanto por su fraseo rápido como por su expresividad, donde no había problemas para las recreaciones sin perder el sentido del ritmo.
Con la cabeza llena de discos de blues, Moore, que se aficionó a la guitarra con no más de siete años, mientras acudía al salón de baile que regentaba su padre, no era mayor de edad cuando comenzó su carrera profesional al entrar a formar parte de Skid Row, grupo en el que el guitarrista conoció a Phil Lynott, futuro líder y hacedor de Thin Lizzy.

La salida de Eric Bell de Thin Lizzy permitió que Lynott llamara a filas a Moore, que pudo dejar su huella en las cuerdas en el tema Still in Love with you, una de las baladas más emotivas de la banda.
Su paso por el grupo de jazz-progresivo Colosseum nos dejo con soberbios trabajos como Strange New Flesh, Electric Savage y War Dance (1976-1977).
Ya en los ochenta su sonido se deriva hacia derroteros melodicos con un estilo cercano al Hard rock y A.O.R. con albumes como Wild Frontiers o After the War.
En los noventa su aproximacion al blues nos dejaria maravillosos albumes como Still got the Blues o After Hours. trabajos que lo confirmaban como uno de los grandes interpretes britanicos de blues.
Pero Moore, siempre inquieto y deseoso de manejar su futuro profesional, estaba llamado a hacer carrera en solitario, aunque fue reseñable su intento de tocar dentro de una banda cuando se unió al grupo BBM junto a Jack Bruce y Ginger Baker, base rítmica de Cream,
En sus ultimos albumes Close As you Get (2007) y Bad for you Baby (2008) Moore seguia con ese acercamiento a las raices blues, versionenado temas de bluesman legendarios como John Mayall o Sonny Boy Williamson.

Gary Moore Website

Años 60. Tim Buckley

2011-02-03T23:27:00.001Z

Para muchos rockeros de los años 60 y de los 70, los cantautores post-Dylan solian constituir una aberración: su laccidez expresiva, sus problemas de niños bien, su tendencia lacrimógena, les hacian merecedores de un desprecio rotundo. De esta condenación apenas se salvaban dos o tres heterodoxos.

De esos pocos que se salvaban de dicha quema estaba Tim Buckley . Contaba con todas las credenciales para ello: alta sensibilidad, inquietud creativa, escasa fortuna y, la guinda, un final sórdido. Por no hablar de una voz singular y algunos discos pletóricos. No es casualidad que sea uno de los nombres de mención obligada para exquisitos artistas británicos: la versión de Song to a siren, de This Mortal Coil, forma parte de esos homenajes a distancia.
Nacido en Washington en 1947, creció entre Nueva York y California. Su habilidad con el banjo y la guitarra le ganó puestos en bandas de country y folk, recorriendo el circuito con una de nombre inolvidable: Princess Ramona and the Cherokee Riders. Fue precisamente este grupo el que lo encaminó hacia los folk clubs de Los Ángeles, donde coincidió con otros talentosos y jóvenes musicos, muy ambiciosos como Jackson Browne y Steve Noonan; y pronto serían bautizados como los Tres del Condado de Orange. Tim fue el primero en conseguir un contrato de grabación con un sello prestigioso (Elektra). Parecía destinado al éxito: rizos dylanianos, rasgos atractivos, tiernas canciones, garganta pura y poderosa.
Tuvo impacto inmediato. El romanticismo de Tim Buckley (1966), la aureola contracultural de Goodbye and hello (1967) y el soñador ambiente de Happy sad (1969) atrajo la atencion de una amplia legion de fans y lo mas importante aun, el respeto de la crítica. No era uno más entre la marabunta de trovadores rudimentarios: entre los músicos que le acompañaban aparecían nombres como Lee Underwood, Billy Mundi, Van Dyke Parks, Jim Fielder, David Friedman, Car ler C. C. Collins, o Don Randi.
Paulatinamente, Buckley incorporaba el jazz de vanguardia en su búsqueda de una expresión propia.
Investigaba el folclore de los pigmeos, quería convertir su voz en un instrumento más, se arriesgaba a improvisar y era un espíritu en efervescencia: Blue afternoon (1969), Lorca (1970) y la mayor parte de Starsailor (1971) se grabaron en un mes febril. Esa trilogía tormentosa tuvo efectos negativos y catastróficos: Buckley se quedó algo descolocado musicalmente en esa epoca y de camino sin oyentes. Una cosa eran los cócteles amables de jazz-rock, tan del gusto de aquel momento, y otra, mucho más intimidante, aquella expedición al fondo de sus posibilidades vocales.
Una dura lección. Frustrado, dejó el negocio. Condujo un taxi y fue chofer particular de Sly Stone hasta que consiguió un puesto como profesor de etnomusicología en la universidad de California. Se casó y estuvo durante largo tiempo pensando su nueva jugada. Nada de vibráfonos sinuosos, exhibiciones de cuerdas vocales o torrenciales delirios. Tim Buckley volvió convertido en paladín de un rock carnal, iluminado por un erotismo de inaudita intensidad. Greetings from L. A. (1972), Sefronia (1973) y Look at the fool (1974) contenían surcos calientes: rock, blues y soul en una combinación no muy lejana de la de otros artistas californianos como Little Feat. Había en ellos un cierto aire de compromiso, un deseo evidente de conectar con los compradores de discos. Lo esencial, sin embargo, era la inmensa presencia de Buckley. Una voz en celo, más dominante que implorante, que intentaba conciliar las exigencias del sexo y el amor en declaraciones a corazón abierto: "Hacer el amor contigo / es como la marea arañando la orilla, / y cuando sueño contigo,/ ¡Señor!, ansío ser la arena".
Esa sensualidad, a la vez profunda y epidérmica, no logró conmover a sus fans y sus discos pasaban inadvertidos comercialmente, pero no tuvo tiempo de desesperarse: planeaba recapitular su trayectoria musical en un disco en directo, tenía ofertas teatrales (solia interpretar a Sartre y Albee), maduraba guiones cinematográficos y la adaptación musical de una novela de Joseph Conrad. No pudo ser. Un domingo de 1975 apareció muerto en su apartamento de Santa Mónica. El forense explicó que había tomado heroína pensando que era cocaína. Tim Buckley entraba involuntariamente en el panteón de los malditos y de camino pasaba a engrosar la larga lista de genios fallecidos prematuramente de la historia del rock.

Web Oficial Tim Buckley

Bob Dylan-La vuelta despues de su gran letargo (1974)

2011-01-30T15:04:00.001Z

1974 fue el año de la vuelta más espectacular, esperada y comentada de la moderna historia de la música: la de Bob Dylan. Si es difícil estudiar y analizar los motivos que pueden impulsar a un gran artista a estar ocho años apartado del público (salvo esporádicas apariciones), más puede serlo dilucidar los motivos de su regreso. ¿Añoranza? ¿Deseo de recobrar un liderazgo? ¿El sentimiento de egolatría propio de los grandes divos?... ¿Dinero?...
El apartamiento de Dylan a raíz de su accidente de mediados de 1966 ha sido estudiado en años precedentes. El carisma de Bob, nunca propenso a explicar o razonar sus pasos, es proclive a todo tipo de consideración; por ello la gira de 1974 levantó ríos de tinta que él dejó correr sin ofrecer explicaciones. Los estudiosos dylanianos llegaron a conclusiones complejas pero lógicas. Bob Dylan había estado enviando dinero a Israel bajo el nombre de su padre Abraham Zimmerman. Su sentimiento semita, su raíz judía, parecían razones sobradas para justificar un hecho como éste. Cuando en octubre de 1973 estalló la guerra árabe-israelí, una vez más el pueblo judío se apiñaba en torno a «su» causa. La necesidad de dinero para costear una guerra, por corta y triunfal que fuera, como en este caso, era urgente. Cuando el 12 de diciembre Bob Dylan anunciaba su vuelta a los caminos, con una gira por veintiuna ciudades de Estados Unidos, la conmoción del hecho se aunaba al entorno político del momento. Los 350 millones de beneficios eran una suma importante, tanto para Dylan como para cualquier causa.
Dejando a un lado el factor político, Bob generaría una corriente de noticias entre fines de 1973 y comienzos de 1974. Dylan abandonaba su compañía, la CBS, y David Geffen (declarado «ejecutivo del año») conseguía su firma y lo incorporaba a su editora, Asylum Records. La «venganza» de CBS consistió en editar rápidamente un álbum titulado Dylan, con canciones de desecho procedentes de otros álbumes. A pesar de todo, el LP conquistó un disco de oro por sus ventas. Mientras, Dylan grababa con The Band su nuevo álbum, Planet waves, aparecido tres años después que el disco anterior, New morning, y grabado en estudio como obra uniforme (Dylan había publicado un LP de éxitos Greatest Hits y la banda sonora de un film Pat Garrett and Billy the Kid, durante ese intervalo). Todavía en 1974 aparecía otro LP, doble y grabado en vivo durante la gira Before The Flood. Sin embargo, en agosto de 1974 Bob afirmó haberse equivocado al firmar por Asylum, ante lo que CBS se apresuró a formularle una oferta que él aceptó. Bob volvía «a casa» con otro contrato y más millones. Las negociaciones de 1972 y 1973, que habían dado la imagen de un Dylan demasiado interesado por el dinero, y los dos cambios súbitos, de CBS a Asylum y de Asylum a CBS, volvían a poner sobre el tapete el probable interés de Dylan por el dinero. A lo largo de la gira iniciada en enero de 1974 se especuló sobre si el dinero que pagaban los americanos por verle no servía para comprar balas con las que morían árabes a manos de judíos en Extremo Oriente. Puntos nunca confirmados. Y en la historia, una única realidad: la del éxito de Bob en esta gira.

Web Oficial Bob Dylan

Años 70: Average White Band

2011-01-27T17:06:00.001Z

Corría el año 1973 cuando un antiguo componente de Oblivion Express, la banda de Brian Auger decide unirse a otros músicos, todos ellos unos apasionados al soul y al funk, para formar un sexteto que denominarían Average White Band, un nombre un tanto humorístico por ser todos blancos y practicar una música eminentemente negra.

Este músico era el batería Robbie Mcintosh, que junto al guitarrista Hamish Stuart, al bajista Onnie McIntyre, y a los saxofonistas Roger Ball y Malcom Molly Duncan inician así una carrera que pronto les depararía grandes éxitos a ambos lados del Atlantico.
Este grupo escocés escogería para su presentación, la vuelta a los escenarios de Eric Clapton después de sus tumultuosos desvanes de este ultimo con las drogas, actuando como teloneros del mítico guitarrista.
Y poco después se publicaría bajo el sello MCA su primer álbum Show Your Hand (1973) que pese a no entrar en las listas confirman el auge del grupo con un estilo que fusionaba el rhythm & blues británico con el soul.
Un año después el grupo consigue un contrato con la Atlantic Records, en parte debido a la mediación de Bruce McCaskill, manager de Eric Clapton por entonces, quien igualmente les dirige en adelante.
Average White Band (1974), producido por Arif Mardin (responsable del éxito de los grandes artistas de soul de la Atlantic) el segundo álbum del grupo, seria el espaldarazo definitivo y un boom comercial de grandes dimensiones, consiguiendo encaramarse hasta el primer puesto en USA y al nº 6 en UK.
En este álbum el grupo mostraba una sólida base de rock fusionado con elementos soul, blues e incluso pop, un estilo que empezaba a tener miles de adeptos en todo el mundo gracias a grupos de moda como Sly Family Stone, Temptations o Kool and the Gang entre otros coetáneos.
El album contenía grandes hits como Pick up the pieces, Nothing You can do o You got it.
Pero la desgracia se cebaría con el grupo poco después, ya que ese mismo año McInstosh fallecería a causa de una sobredosis de heroína.
Pero el grupo seguirá adelante y reclutan a otro ex -Oblivion Express, Steve Ferrone con el cual publican Cut the Cake (1974) que sin llegar al éxito del anterior disco consiguen mantenerse en lo mas alto del ranking con varios hits como School boy Crush o If I Ever Lose This Heaven.
Soul Searchin´ (1976) seria el ultimo gran álbum de la banda, el cual contenía el hit Queen of my Soul y que iniciaría el declive del grupo, publicando trabajos de un menor impacto comercial, algunos de ellos de buena factura pero lejos de sus primeros álbumes.
Así su fueron sucediendo los discos Person to Person, un doble álbum en directo, donde mostraba la faceta enérgica del grupo sobre los escenarios, Benny and US (1977) álbum firmado junto al gran Ben E. King, Warmer Communications (1978), Feel no Fret (1979), Shine (1980) trabajo que junto al anterior recobraba la entidad perdida y que lograba devolverles a las primeras posiciones de los ranking mundiales, gracias en parte al hit mundial Let´s go Around Again y finalmente el álbum Cupid´s In Fashion (1982), dando terminada con este ultimo, el primer periplo del grupo, el cual desaparece hasta años después con una reunión en la cual solo estaban Gorrie, McIntyre y Ball, conformando el resto de la banda el guitarrista Alex Ligertwood y el batería Tiger McNeil, los cuales graban el decepcionante Aftershock (1989).
Después de este último trabajo el grupo volvería a desintegrarse hasta 1997, cuando volverían a reunirse para la publicación del álbum Soul Tattoo, al que seguirá Face to Face (1999) y por ultimo Living Colour (2003).
Actualmente la banda sigue actuando por medio mundo, con solo Gorrie y McIntyre como miembros originales.
Greatest and Latest (2005) y los directos Soul & City y Times Squared (2006-2009) son lo ultimo publicado por la banda.

Web Oficial Average White Band

Grandes Festivales: Isle of Wight (1969-1970)

2011-01-24T19:14:00.002Z

Los dos festivales celebrados en la isla de Wight a finales de los sesenta y principios de los setenta tuvieron un doble valor: el primero de ellos, porque contó con Bob Dylan, cuyo solo nombre sirvió ya para mitificar el acontecimiento; el segundo, porque en su gigantismo se labró la tumba de los grandes festivales, al menos bajo las premisas y con los conceptos desarrollados en los últimos años 60. La referencia a Dylan basta para escribir a grandes rasgos el primero, celebrado los días 29, 30 y 31 de agosto de 1969. Sus datos y cifras permiten entender el festival de la isla de Wight en sí, su importancia y su significado.

Wight es una isla de unos 40 km de longitud por unos 23 de anchuras, situada en la costa sur de Inglaterra; tenia en aquella epoca un censo de 94.000 habitantes, que, hasta el verano de 1969, vivían en una perfecta paz idílica. Ambos festivales se desarrollaron en los terrenos de East Afton Farm, de 4 millones y medio de metros cuadrados, cerca del pequeño pueblo de Freshwater. La organización de Wight corrió a cargo de los hermanos Foulk y de Ricky
Farr, que actuaron bajo la denominación de Fiery Creations. Después de 1970 pasaron a la historia como los promotores del más importante evento británico.
El primer festival de Wight duró tres días: contó con un concierto libre el día 29, con la participación de los Who, Moody Blues, Fat Mattres, Joe Cocker, Family, The Bonzo Dog Band, Pretty Things, Blodwyn Pig, Edgar Boughton Band, King Crimson, Free, Marsha Hunt and White Trash, Blonde on Blonde y Aynsley Dumbar entre otros el día 30, y con Bob Dylan and The Band, Richie Havens, Tom Paxton, Pentangle, Julie Felix, Gary Farr, etc. el 31.
Bob Dylan, que llegó en helicóptero y se fue diciendo que había ido a cantar y nada más, sin otros comentarios, no dejó muy convencidos a los miles de espectadores, entre ellos varios miembros de los Beatles y de los Rolling Stones. Farr y los hermanos Foulk le pagaron 75.000 dólares, la cifra mas alta del festival. Cantó 17 canciones en un par de horas y se fue. Pero para los doscientos mil espectadores, Wight era ya un hito. Dylan había cantado esporádicamente desde su accidente en 1966, y no iba a reaparecer en gira hasta 1974. Así que Wight fue su gran efemérides en los 8 años que mediaron entre 1966 y 1974.
Al año siguiente, sin Dylan, el festival quiso convertirse en la más gigantesca epopeya de la
historia del rock, superando a Woodstock y superándose a sí mismo. La Fiery Creations se gastó en pagar a los artistas unas 250.000 libras (cerca de 300.000€), de las cuales cada una de las figuras percibía 15.000. La organización fue modélica hasta el inicio del festival; sin
embargo, se vio desbordada por las causas extra-musicales que lo torpedearon en su espíritu, ya que musicalmente fue todo un éxito.
Para llegar a Wight se dispusieron servicios de trenes especiales desde las principales ciudades inglesas, completados con ferrys desde los puertos cercanos a la isla, Portsmouth y Southampton. En Wight se concentraron 5.000 policías para cuidar el orden público y otros cientos vestidos de paisano para vigilar el eterno gran peligro de todos los festivales: las drogas y su mundo. Sólo para esto, a Wight incluso se desplazó un laboratorio completo de drogas, un tribunal y un hospital especializado, con 80 camas para auxilios inmediatos. Trescientos acres de tierra fueron destinados a «ciudad», para que no sucediera lo de Woodstock y para que quienes lo desearon pudiesen instalar su tienda de campaña y dormir en las pocas horas que el festival lo permitía. La prensa de todo el mundo disponía de una emisora de radio, salas de prensa, 2.500 servicios repartidos por el recinto vallado (con doble valla de seguridad). En la parte alimentaria, Wight tiene una valoración, en cifras, espectacular. El total de comida y bebida almacenada el primer día era de 1.368.800 litros de agua, 113.650 litros de leche e igual cantidad de cerveza, 24 toneladas de bebidas calientes, 8 millones de vasos de papel y 100 toneladas de patatas. Grandes tiendas, restaurantes y un sinfín de apuestos de hot–dogs, fish and chips y curry houses sirvieron comida a lo largo de los cinco días del festival, el más largo jamás planificado. A pesar del número de tiendas, las colas fueron otra constante para conseguir beber, comer o hacer una necesidad.
Los problemas que Wight trajo consigo podrían resumirse en unas líneas: daños a la propiedad privada en cuanto a los habitantes de la isla, para lo cual las compañías de seguros establecieron un seguro especial durante los días del festival; la creación de una legislación
que regulase las grandes concentraciones de público; y, finalmente, los propios acontecimientos internos del festival, originados por los Hell Angels y los White Panthers.
La aparición de los Panteras Blancas fue originada por las vallas del festival y por algo que podríamos denominar «política de Wight». Durante algo más de medio año, la organización pregonó que el segundo festival de Wight sería un modelo y algo más que un fenómeno pop.
Wight era la reencarnación del paraíso. En cierto modo, la organización fue víctima de su propio sueño. El público, llegado de todo el mundo, se encontró con una extensión de terreno yermo, con entradas de 10 libras para los VIPs que quisieran estar cerca del escenario y pudieran pagar, y de algo más de una libra para el resto. Los Panteras se autodefinieron
como defensores de la masa e iniciaron una lucha para lograr un festival gratuito, sin VIPs. El resultado fue el derribo de las vallas, una pequeña claudicación por parte de los organizadores, ante el riesgo del descalabro, y 70.000 libras perdidas en las primeras horas al tener que dejar entrar gratis a los rebeldes. El Wight-70 comenzó con la sonrisa de Ricky Farr, presentando, vestido de negro, el magno acontecimiento, y terminó con él mismo gritando desde el escenario: «Para la buena gente... ¡adiós! Para los demás... ¡iros al infierno!», unos minutos después de que el vicario de Monteston fuese abucheado al tratar de dirigir unas palabras a un agotado público tras cinco días alucinantes.
Pero a pesar de todo... Wight no fue, ni mucho menos, un festival violento, pese a los Panteras y a los Ángeles del Infierno. La frase all right («todo está bien») fue una consigna de las cinco jornadas para los 300.000 espectadores que se reunieron en los momentos clave. El último
día, tras la actuación de Joan Baez, cuando se produjo la gran vuelta a casa, todavía la Fiery Creations ayudó a los miles de jóvenes sin dinero, proporcionándoles ayuda para llegar a sus puntos de destino.
El primer día del festival, el 26 de agosto, actuaron grupos desconocidos entonces, como Judas Jump, Kathy Smith, Rosalle Sorrels, Kris Tossoson y Redbone. El día 27 lo hicieron Supertramp, Groundhogs, Tony Joe White, Cactus, Black Widow, Terry Reid y Andy Roberts and Everyone. El viernes 28 se inauguró oficialmente Wight 70 y comenzaron a desfilar las figuras hasta el domingo 30 de agosto. Las principales fueron Taste, Melanie, Voices of East Halem, Fairfield Parlour, Chicago, Family, Procol Harum, Arrival, Joni Mitchell, Who, Free, Ten Years After, John B. Sebastian, Jimi Hendrix, Leonard Cohen, Joan Baez, Donovan, Jethro Tull, Mungo Jerry, The Doors, Moody Blues, Sly and The Family Stone, David Bromberg, Kris Kristofferson, Miles Davis, Pentangle, Richie Havens, Emerson, Lake and Palmer, Cat Mother, Everly Brothers, Tiny Tim, Good News, Ralph McTell y otros más. No había un Dylan, pero el reparto fue tan impresionante como el de Woodstock y pronto pasaria a los anales de la historia del rock como uno de los acontecimientos mas fantasticos e impactantes.

Años 70: Steve Hackett

2011-01-18T11:37:00.001Z

Steve Hackett comienza su carrera a finales de los sesenta en bandas de corte progresivo como Canterbury Glass, Steel Pier y Sarabande, bandas aun con un sonido muy experimental, pero ya muy cercano al rock sinfónico que luego despuntaría en la década posterior.
En 1970 graba su primer álbum junto al grupo Quiet World en un lp titulado The Road
Justo ese año lee un anuncio publicado en el Melody Marker el cual se busca un guitarrista para una banda llamada Genesis, Peter Gabriel y compañía luego de una sesiones quedan muy satisfechos con su calidad y le fichan para el grupo.
Empieza así lo que luego se denominara la formación clásica del grupo, Hackett participa en ocho álbumes de la banda y sin duda serán los mejores en la época dorada del grupo.
Su primera grabación con Genesis es Nursery Cryme, editado en noviembre de 1971. La presencia de Hackett llama la atención en temas como "The Musical Box" y "The Return of the Giant Hogweed", en los que experimenta con la técnica del tapping.
Nursery Cryme aun tiene un resultado comercial discreto, pero en el siguiente disco, Foxtrot (1972) este alcanza un gran éxito. En él se incluye el instrumental "Horizons", interpretado por Hackett en solitario, que se convierte en una de sus piezas características.
Con el siguiente disco, Selling England by the Pound (1973), Genesis alcanza el cenit de su carrera. Destacando el trabajo de Hackett en temas como "Dancing with the Moonlit Knight" y "Firth of Fifth", que incluye uno de los solos más notables y conmovedores de Hackett.
En 1974 el álbum The lamb Lies Down ob Broadway es el final es de una búsqueda y expansión creativa impresionante, que puso a Genesis a la altura de todas las maravillas que se sucedían por esas épocas en el plano musical, pero que a la vez supuso el principio del fin para dos de sus miembros, Gabriel y Hackett, el primero abandonaría la nave poco después de la edición del álbum.
Pronto Hackett comienza a verse desencantado con la orientación musical que va teniendo la banda, ya que no puede desarrollar con libertad sus ideas y observa impotente cómo algunas de sus composiciones son rechazadas y no publicadas en los discos, y observando la desviación hacia terrenos algo mas comerciales de la banda. Tras la publicación de Wind & Wuthering (1977) harto de el desprecio obtenido decide abandonar el grupo.
Ese mismo años se edita el doble album Seconds Out, album en vivo considerado por muchos uno de los mejores directos de la historia y en donde la guitarra de Hackett todavía seguia sonando quizas aun mejor que nunca, ya que este doble fue grabado en la gira del año anterior.
Aunque ya antes en 1975 había grabado Voyage of the Acolyte, su primer disco en solitario,

A este album se le sumarian otros como Please don´t Touch de 1978, Spectral Morning de 1979, Defector de 1980 o Cured de 1981, todos ellos de una innegable calidad.
En todos estos trabajos se aprecian varias etapas: una primera de rock sinfonico e incluso experimental, seguida por otra en la que desarrolla temas más pop incluso cercanos a la world music. Posteriormente, Hackett exploraria su interés por el repertorio de guitarra clásica y el blues. En los últimos años, alterno discos de influencia clásica con otros mas rockeros,
Su disco más vendido es Highly Strung de 1982, del que se extrae el single Cell 151. Por esos años comienza a colaborar con antiguos miembros de King Crimson y en 1982 se reúne con su ex-banda para un concierto benéfico de WOMAD, por iniciativa de Peter Gabriel.
En 1986, forma junto a Steve Howe, guitarrista de Yes, una banda llamada GTR. De él surge un único trabajo homónimo, muy celebrado por los fans aunque el resultado es un album muy en la linea del pop sinfonico que ya hacian bandas como Asia en esa epoca.

Pero Hackett sigue pronto en solitario editando nuevos discos y explorando nuevos estilos.
En general su música está impresa de una energía inigualable, de un sentimiento profundo y recto, de una sensibilidad añorable y exquisita. Sus piezas y canciones son bastante audibles, y pocas son las veces que se le puede incurrir en algún error. Por la forma tan limpia que tiene al hacer sonar sus instrumentos, se le suman participaciones en distintos proyectos en los que destacan Gordian Knot, Gandalf o David Palmer ex-Jethro Tull, ambos realizaron un memorable álbum "Objects of Fantasy".

Su estilo acústico y el manejo de las cuerdas, son sólo dos maneras de estar, como pocos lo están, en ámbitos sonoros que van desde el hard rock, que pasan por el blues, que se soporta en elementos jazz y que progresa constantemente.
Aunque Steve Hackett ha gozado de reconocimiento a lo largo de su carrera como solista, sus fans siempre han recordado con especial afecto su etapa con Genesis. Steve Hackett ha mostrado su apego por la música de su antiguo grupo en el proyecto Genesis Revisited, emprendido en 1996, en el que cual versionea piezas célebres del grupo, ofreciendo además algunos temas propios fieles al espíritu de la banda.
Hackett sigue actualmente editando discos en forma asidua, viajando por el mundo en giras y colaborando con otros músicos en sus trabajos cómo por ejemplo con su hermano John Hackett, en Sketches of Satie (2000), que ofrece una versión depurada, para flauta y guitarra clásica, de una de las piezas más conocidas de Erik Satie.
Su ultimo album fue el Wild Orchids (2006) en donde retoma la vieja formula del rock progresivo pero dotandole de otras muchas influencias y estilos.
Luego edito un album de versiones titulado Tribute en donde quiso homenajear a la guitarra clasica con temas de Andres Segovia, Granados o Bach.
En el 2009 volvio a la carretera con su Electric Band Tour 2009 donde además de interpretar temas de sus discos en solitario rememora tiempos pasados con temas de su mítica ex –banda Genesis.

Web Oficial Steve Hackett

Años 70: Styx

2011-01-08T22:23:00.002Z

Esta importantísima banda norteamericana ofreció a mediados de los setenta una nuevas formas de entender el rock, revistiéndolo con pomposos arreglos y unas espectaculares escenografias teatrales.

Todo esto se tradujo en una larga serie de discos de oro y platino por sus ventas sobre todo en el mercado americano, pero el grupo igualmente nunca funcionaria de la misma manera en el resto del mundo, excepto en Japón, ya que su popularidad no se difundiría como hubiesen merecido.
Originarios de Chicago sus inicios se remontan al año 1963 cuando los hermanos Chuck y John Panozzo (bajista y batería respectivamente) empezaron a tocar por diversión, con el teclista Dennis De Young.
No seria hasta finales de los 60 cuando se les unirían los guitarristas James Young y John Curulewski y el grupo bajo el nombre de Tradewinds comenzaría a actuar de manera profesional en el circuito de clubes de Chicago.
Ya en 1970 y bajo el nombre definitivo de Styx firmaron un contrato con una pequeña discográfica llamada Wooden níkel y publicarían varios años después su primer trabajo Styx (1972) al que seguirán Styx II (1973), The Serpent in Rising (1974) y Man of Miracles (1975), todos ellos buenos trabajos de rock americano con claras influencias del rock progresivo britanico, pero que apenas tuvieron repercusión a excepción del tema Lady que pertenecía al álbum Styx II y que escalo las listas de éxitos y se convertiría en todo un hit en las radios de todos los Estados Unidos.
En este punto, la banda decide hacer un cambio casi radical a su estilo y lo primero que hacen es cambiar de compañía discográfica, firmando con la A&M Records y publican el álbum Equinox, trabajo que representaba un giro sonoro y artístico de gran calidad, gracias en parte a la presencia de algunas de las canciones fundamentales en la historia posterior del grupo.
Este álbum contenía las memorables Midnight ride, Born for adventure y la magnifica e épica mini suite Suit madame.
Después de este álbum Curulewski abandonaría la banda siendo sustituido por el guitarrista Tommy Shaw, quien les brinda un sonido mucho más rico y polivalente.
Además desarrollaron una característica que se convirtió en uno de sus puntos fuertes, la capacidad de cantar a varias voces, alcanzando momentos de arrolladora espectacularidad.
Por lo tanto Styx empieza a contribuir notablemente en el estilo del rock maduro y comercial que la década de los ochenta vería como fenómeno de gran relevancia.
The Grand Ilusion publicado en 1977 seria el despeje definitivo del grupo, llegando hasta las primeras posiciones en el ranking americano.
Aquí el grupo mostraba su cara más bucólica con temas como Fooling Yourself, de claras influencias de bandas como Yes o Genesis, la AOR Come Sail Away o la sofisticada Castle Walls.
Posteriormente la banda se sumerge en una impresionante gira por los Estados Unidos colgando el cartel de no hay billetes en grandes estadios.
Y así poco a poco Styx conquistaron al publico de la América rural y concierto tras concierto acabaron por convertirse en los mayores protagonistas del rock americano de finales de los setenta.
Igualmente a partir de aquí el grupo se adueña del mercado, obteniendo ventas millonarias a cada disco publicado.
Pieces of Eight (1978) seria el siguiente eslabón, álbum caracterizado por tener una mayor atención a las suaves armonías vocales, un disco en donde casi todos los temas eran hits en potencia con un sofisticado rock progresivo comercial y en donde sobresalían temas como Blue Collar man, Renegade o Lords of the ring.
El inspirado y rockero Conerstone (1979) seguirá el mismo camino, catapultado por el tema Babe que alcanzaría el primer puesto en las listas de éxitos.
La década de los 80 comenzaría para Styx con el disco Paradise Theatre, un
álbum concepto sobre la historia metafórica del teatro Paradise de Chicago y los ideales americanos de los años setenta
Este álbum consigue colarse hasta el primer puesto en las listas norteamericanas y contenía grandes canciones como The Best of times o la polémica (sobre la adicción a las drogas) Snowblind.
Kilroy Was Here aparecido en 1983 seguirá la misma tónica del álbum concepto, esta vez creado sobre la "historia" de un último rockero superviviente de una nación, los Estados Unidos del futuro, que ha declarado ilegal el rock y encarcelado a todos los músicos.
Este ultimo álbum basado en la opera rock obtuvo otro éxito y con el, el tema Mr Roboto.
Caught in The Act (1984) un doble álbum en vivo, cerraría el primer periplo del grupo que no volvería a grabar hasta bastantes años después, concretamente hasta 1990.
Pero antes casi todos sus integrantes se embarcarían en proyectos individuales, Tommy Shaw publicaría los trabajos Girls with Guns (1984), What if (1985) y Ambition (1987), fundando posteriormente el súper grupo Damn Yankees junto a Ted Nugent y Jack Blades de Night Ranger.
Con ellos publicaría dos álbumes, el multimillonario Damn Yankees (1990) y Don´t Tread (1992).
Por su parte Styx retomaría su carrera con el álbum Edge of the Century que contenía el éxito Show me the Way.
Pero esta reunión no duraría mucho, y el grupo se volvería a separar poco después; no seria hasta la publicación de su disco Greatest Hits cuando se volvió a reunir a los miembros de la banda; incluyendo a Shaw, de forma definitiva en 1996. Pero al poco de esta reunión, John Panozzo presentó complicaciones en su salud a raíz de su problema de alcoholismo, falleciendo en julio de ese año.
Con Todd Sucherman en el lugar de Panozzo, Styx realizó una serie de conciertos para anunciar su reciente reunión y; para sorpresa de todos, la gira resultó ser un rotundo éxito.
En 1997 se lanzó el álbum Return to Paradise que obtuvo el éxito de antaño, en parte por la aparición de la música de Styx en anuncios publicitarios, así como en programas de televisión como South Park, Freaks & Geeks o The Simpsons, de un público predominantemente juvenil.
En 1999, salió el nuevo álbum de Styx Brave New World, inspirado en el libro de Aldous Huxley, Un Mundo Feliz. Pero las tensiones en la banda volvieron a surgir, y DeYoung dejó Styx definitivamente.
El grupo publicaría en el 2003 un nuevo álbum: Cyclorama que incluía apariciones de invitados del calibre de John Waite, Brian Wilson, y el actor Billy Bob Thornton.
Todos estos años la discografía del grupo se ha visto incrementada con recopilatorios y directos como Styx World Live (2001) o el multi-platino Greatest Hits (1995) entre otros.
Styx parece haber desarrollado una fórmula infalible para seguir vigente, y después de más de 30 años de carrera musical encuentra formas variadas para volver, como la version de I Am The Walrus de The Beatles llegó al puesto 2 en las listas de popularidad en Estados Unidos en el 2004. Y la aparición de su tema Renegade en un anuncio con Bradd Pitt, lanzado durante el Super Bowl del 2005 que desató otra oleada de programación radial para la banda.

Web Oficial Styx

Años 80: Moon Martin

2011-01-02T15:04:00.003Z

Moon Martin es un carismático personaje del movimiento norteamericano de new wave y power pop-rock, este cantante, guitarrista y compositor logro publicar algunos trabajos que aunque fueron muy ignorados comercialmente, fueron aclamados por buena parte de la crítica de la época que comprendió desde finales de los años 70 y la década de los 80, desapareciendo por completo de la escena musical hasta reaparecer a mediados de los años 90 con algunas apariciones esporádicas de menor entidad. Nacido como John Martin en Oklahoma en 1950, Martin había participado en algunas bandas locales, entre ellos la banda de rockabilly, The Disciples

Ya a finales de los 60 Martin se trasladó a Los Ángeles y allí lograría un trabajo como músico de sesión y participaría en algunos discos de artistas del calibre de Del Shannon y Jackie DeShannon.
Además compone algunas canciones que terminarían en el álbum de rocker francés Johnny Hallyday, Essential des Albums Studio.
Poco después el propio Martin reactivaría su viejo grupo denominándolo The Southwind junto a algunos de sus compañeros en The Disciples.
Esta formación publicaría tres álbumes de escaso éxito y repercusión The Southwind, Ready to Ride, y What a Place to Land.
Pero ante el fracaso de estos álbumes, unos aceptables y meritorios trabajos enfocados al country rock, Martin decide volver a trabajar como músico de estudio y colabora activamente el trabajos de Linda Ronstadt, Mink de Ville o Gram Parsons, labrándose un reputado nombre dentro del circuito de estudios de los Angeles.
En esa misma época Martin también comenzó a centrarse en su carrera en solitario, adoptando el sobrenombre de Moon una sugerencia de algunos de sus amigos por la inclinación del compositor por mencionar esta palabra en muchas de sus composiciones.
Los planes iniciales para grabar un álbum en solitario comenzaron en 1974 junto con el productor Jack Nitzsche y varias de las composiciones originales que Martin tenia previstas para este primer álbum, serian utilizadas por otros artistas que usaban los mismos estudios y que el propio Nitzsche producía, como por ejemplo Mink DeVille que utilizaría el tema Cadillac Walk para incluirlo en su primer álbum y que posteriormente se convirtió en un éxito moderado, y así otros como Michelle Phillips y Burns Lisa que tambien utilizarían temas suyos para algunos de sus álbumes.
En 1976 participaría como del ingeniero de sonido en el álbum del vocalista de Yes, Jon Anderson, Olias of Sunhillow.
En estos años Martin colabora activamente en álbumes de otros artistas como B.B.King, Contraband o Jim Pulte.
Por fin a mediados de 1978 aparece su primer álbum Shots From A Cold Nightmare, publicado por la Capitol records el cual contenía claras influencias de Chuck Berry, Buddy Holly o The Beatles.
De este primer álbum sobresalían la rítmica Hot Nite in Dallas, la rockabilly Cadillac walk y sobre todo el pegadizo rock Bad Case of lovin´You.
El disco llego a entrar en las listas de Billboard y la crítica le compara con sus coetáneos Nick Lowe o Elvis Costello.
Curiosamente años después Robert Palmer conseguiría un éxito abrumador con una versión suya del Bad case of lovin´you.
Pero lejos de dedicarse exclusivamente a su carrera Martin seguiría colaborando y participando en álbumes de otros artistas como Robert Palmer, Bad News o The Searchers.
Un año después Martin publicaría su segundo álbum Escape from Domination (1979), trabajo que seguirá la misma tónica que el anterior y el cual contenía buenos momentos como la pop-rock I´ve Got a reason o la ritmica Rolene.
Street Fever publicado en 1980 seria la tercera entrega de Martin, un trabajo algo mas rock que los anteriores, de cual sobresalía la hipnótica Bad news o la new wave Pushed Around
Varios años después llegaría Mystery Ticket (1982) un trabajo mucho mas pop en donde los teclados tomaban tanto protagonismo como las guitarras bien demostrado en temas como Don´t you Double o Aces with you.
Pero el poco entusiasmo comercial de sus discos hizo que Martin volviera a sus trabajos en estudio dejando aparcada su carrera en solitario y así en adelante se dedicaría a seguir participando activamente en otros proyectos,
Entre otros Martin estuvo presente en trabajos de artistas como Koko Taylor, Robert Palmer o Bette Midler.
En 1994 retomaría su carrera con el álbum Cement Monkey al que seguirán Lunar Simples (1995) y Lousiana Jukebox (2002).
Todos estos últimos álbumes de escasa repercusión comercial.
Aun así Martin ha seguido estando en la cúspide de solicitudes para colaborar con multitud de artistas, entre otros muchos Dave Edmunds, Giant, Sean Hogan o Ben Wasson.
A finales de los 90 se traslado a Nashville donde tiene su propio estudio y esporádicamente realiza giras por los Estados Unidos y Europa con una aceptable acogida.
Por ultimo en 1999 la capitol publicaría el recopilatorio The Very best of, un disco enfocado principalmente a sus cuatro primeros trabajos y anteriormente en 1993 también se había publicado el directo Bad News Live.

Web Oficial Moon Martin

Años 70: Banco del Mutuo Soccorso

2010-12-28T21:42:00.001Z

Banco del Mutuo Soccorso, esta considerada una de las mejores bandas italianas del rock progresivo de toda su historia, fundada en 1971 como producto de la fusión de dos grupos, Fiori de Campo y Experience. El grupo inicial estába integrado por: Vittorio Nocenzi, teclados, flauta y voz; Gianni Nocenzi, teclados y voz; Marcello Todaro, guitarra; Renato d’Angelo, bajo; Pier-Luigi Calderoni, batería; y Francesco di Giacomo voz. Su primer álbum, Banco del Mutuo Soccorso (72), es n.º 1 en Italia y encumbra al sexteto; con unas composiciones bastante maduras contenía los elementos que caracterizaron al grupo en su posterior carrera.
Este primer álbum contenía memorables momentos como la suite Metamorfosi, la espectacular In Volo o la genial 'Il Giardino Del Mago'
El álbum pronto se convierte en un éxito en Italia y en media Europa y reafirmando al grupo entre los mejores grupos del rock sinfónico del año 1971.
Este mantiene su prestigio y calidad con los dos álbumes siguientes, el mítico Darwin (73) considerada una obra maestra del progresivo y el intenso y monumental Lo sono nato libero (73).
La lírica italiana tradicional, unida al tono de rock mediterráneo, con una gran amalgama de sonidos y una increíble riqueza instrumental les impulsa fuera de sus fronteras. Keith Emerson les descubre y les introduce en el sello Manticore, donde ya está la otra gran banda italiana, P. F. M.
Con el cambio de Rodolfo Maltese como guitarra en lugar de Todaro, y con el nombre abreviado Banco, el sexteto debuta en el nuevo sello con el lp, Banco 1975) y posteriormente Garofano rosso (76), al que seguirán una serie de buenos trabajos como Di tearo (77), Canto di primavera (78), Capolinea (79) y Urgentísimo (80 ) A pesar de los buenos auspicios, no habrá éxito masivo; y, perdida su oportunidad internacional, vuelven a circunscribir su trabajo a Italia con los álbumes Boune Notizie (81) y Banco (83).
Después de este ultimo la banda desperecería hasta mediados de los 90 cuando se reunirían y publicaban el discreto II13 (94) antes se habían publicado algunos trabajos como el recopilatorio Donna Plautilla (89).
En los sucesivo el grupo seguirá publicando nuevos trabajos de enorme calidad pero de una menos entidad comercial Banco d´Accusa (96) Nudo (97) o Seguendo le Tracce (2006).
Actualmente la banda sigue girando en conciertos por media Europa a la vez de ser una de las asiduas de los festivales de rock progresivo del viejo continente.

Web Oficial Banco

Años 60: The Moody Blues

2010-12-20T00:09:00.005Z

Uno de los hitos en la historia de la música rock es el protagonizado por The Moody Blues que con mas de cuarenta años de actividad es una de la carreras no solo mas largas si no también mas afortunadas con decenas de discos de oro y de platino y una popularidad sin fronteras y que sin duda comparten el olimpo del rock´n´roll junto a The Beatles, Rolling Stones o The Who.

Lo que empezaría como una banda de pop con algunos números uno en las listas se convertiría después en la banda percusora del pop sinfónico creando obras conceptuales de maravilloso fondo sonoro, con una creatividad coherente y una excepcional habilidad para conseguir hacer una música en muchos casos sublime.
Fundados en Birmingham a mediados de 1964 en la misma ciudad en donde otro grupo Move iniciaba por aquella época su andadura musical, con quienes tenían unas estrechas relaciones ya que algunos de sus miembros habían compartido bandas años antes.
Inicialmente la formación de The Moody Blues la comprendía el guitarrista Denny Laine, el teclista Mike Pinder, el vocalista, flauta y armónica Ray Thomas, el bajista Clint Warwick y el batería Graeme Edge.
Los comienzos del grupo estuvieron bajo el emblema de su común pasión por el R&B y tocaban sin cesar en locales de su ciudad hasta que el sello Decca les ficha observando en ellos un potencial en bruto, y no queriendo dejarles escapar como ya lo hiciesen años antes con los mismísimos The Beatles.
Lose your Money se convertiría poco después en su primer single sin que tenga el éxito esperado, pero si el segundo Go Now, una frenética versión del tema de Bessie Banks.
Este single publicado en enero de 1965 se convertiría inmediatamente en un éxito abrumador llegando a alcanzar el numero uno en la listas de éxitos.
El grupo cosecho tal éxito que los propios The Beatles le propusieron ser sus teloneros por la gira norteamericana.
Pero a pesar del éxito el grupo aun no había alcanzado la estabilidad y lo siguientes singles fueron bastante mal parados en las listas de éxitos.
Así en 1965 y de vuelta de la gira norteamericana graban su primer álbum The Magnificent Moodies, un vacilante trabajo que desemboca en el abandono de Warwick y Laine.
Pese a todo el álbum recibió buenas criticas y contenía varios singles de de éxito como Steal your heart away y Go now llegando al número uno este ultimo, convirtiéndose así en el primer gran éxito de la banda..
Los sustitutos de Laine y Warwick serian el bajista John Lodge y el guitarrista Justin Hayward, que pronto se revelaría como un músico fundamental en el devenir futuro del grupo.
Los nuevos Moody Blues sacarían al mercado un disco con un nuevo sonido pop-rock sinfónico Days of future passed un inconmensurable álbum conceptual grabado junto a la London Festival Orchestra que iniciaría de manera oficial un nuevo estilo, el rock sinfónico.
Soberbios temas como Tuesday Afternoon o la archiconocida Nights in white satin catapultaron al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico.
Un álbum que nacería de manera extraña en parte debido a varias coincidencias.
Una de esas coincidencias seria cuando un exitoso Tom Jones recibió la invitación para un gran concierto en el Olympia de Paris y este antes de rechazar tal oferta por aun no tener un nuevo repertorio el cual ofrecer invita precisamente a The Moody Blues con quienes compartían sello discográfico, para que de alguna manera llenaran el hueco de una hora de duración que Jones no podía realizar.
La actuación de los Moody Blues seria apoteósica y el público asistente quedo sorprendido por el talento y la calidad del grupo.
Después de esta calurosa acogida por el público, los responsables del sello discográfico les plantearon a los Moody Blues grabar una versión especial de la sinfonía del nuevo mundo de Dvorak.
Revelando unas grandes dotes de diplomacia el grupo logro beneficiarse de la situación y aprovechar la presencia de la orquesta para grabar sus propias canciones y realizar Days of future Passed.
Posteriormente otros muchos artistas emularon el proyecto de The Moody Blues de grabar acompañados de una orquesta sinfónica y así casos como Deep Purple y su Concerto for group and Orchestra, Procol Harum con su With the Edmonton Symphony Orchestra o otros muchos fueron sucediéndose en las décadas posteriores.
Este álbum vería la luz en 1968, y seria producido por Tony Clark y orquestado por Pete Knight .
In search of the lost chord (1968) seguiría otro rumbo al incorporar un nuevo instrumento, el Mellotrón y producido por Tony Clark. El álbum fue grabado durante las madrugadas de varios meses y está lleno de melodías de influencia oriental y psicodélica. En él se utilizan multitud de instrumentos tocados por ellos mismos, como por ejemplo el sitar.
El disco enseguida tendría gran éxito en Inglaterra y Estados Unidos, consigue un disco de oro, al igual que los dos singles extraídos del mismo: Voices in the Sky y Ride My See-Saw.
Al año siguiente editan un nuevo álbum titulado On the Threshold of a Dream, en el que continúan con la misma estructura e influencias psicodélicas del anterior Lp. Producido por T.Clark, el disco llega hasta el número 1 en las listas inglesas y a los primeros puestos de las americanas. Con él los Moodies consiguen su tercer disco de oro y el single Never Comes the Day extraído de éste álbum también tiene un gran éxito.
Después de este trabajo dejan Decca para fundar su propia compañía discográfica, a la que bautizan como Threshold, en un intento de invertir mejor el dinero obtenido, casi diez millones de dólares en apenas dos años. En ella editan en noviembre de ese mismo año un nuevo Lp, producido por T.Clark: To Our Children´s Children´s Children. Un álbum apropiado para ese año en el que el hombre pisó la luna por primera vez, puesto que la música incluida en él explora temas espaciales y de viajes astrales. Fue el proyecto más ambicioso de los Moodies hasta entonces. De nuevo la banda consigue un disco de oro por su trabajo, el cuarto hasta ese momento.
El grupo estaba por entonces en la cúspide de la popularidad y participan en el multitudinario Festival de la Isla de Wight.
A principios de 1970 el grupo publicaría el single Question como anticipo a su nuevo álbum, una canción de protesta contra la Guerra de Vietnam, logró un éxito arrollador: se vendieron mas 15000 copias en 3 días en Inglaterra y 70000 copias en 5 días en Estados Unidos.
Ese mismo año, en agosto aparece su nuevo Lp A Question of Balance escrito y grabado en tres semanas. En él deciden no utilizar gran cantidad de instrumentos como en sus álbumes precedentes, sino emplear los que tocaban sobre el escenario en directo. El resultado fue satisfactorio y ese mismo mes conseguían el número 1 en las listas inglesas durante tres semanas. En Estados Unidos llegaron hasta el número 3 y son galardonados con su quinto disco de oro.
No seria hasta mediados de 1971 cuando el grupo se decidiera publicar un nuevo trabajo Every Good Boy Deserves Favour, que fue como una continuación de A Question of Balance. El álbum está influido por la erosión social de los antiguos idealismos de los sesenta. Su título es consecuencia de las notas musicales E-G-B-D-F (mi-sol-si-re-fa), cuya fórmula se repite varias veces a lo largo del disco. En él utilizan una gran variedad de extraños instrumentos electrónicos y primitivos sintetizadores. De nuevo los Moodies llegaron al número 1 en Inglaterra y al número 2 en Estados Unidos, y recibieron el sexto disco de oro en su, hasta entonces, corta carrera musical.
Finalizada la posterior gira mundial retoman la grabación de su séptimo álbum: Seventh Sojourn (1972) que será realizado en octubre. Fue grabado en varios estudios, incluso en el que Mike Pinder tenía en su garaje. La idea del álbum está tomada de los "Cuentos de Canterbury", en los que cada uno cuenta sus propias historias. Así, los Moodies relatan una historia en cada canción del álbum. Utilizan un nuevo instrumento de teclado llamado Chamberlain, parecido al mellotrón pero que consigue mejores sonidos. El éxito de Seventh Sojourn es arrollador tanto en Europa como en Estados Unidos, donde estuvo como número 1 durante cinco semanas consiguiendo un nuevo disco de oro.
Aprovechando la coyuntura se reedita el single Nights in White Satin que consigue incluso más éxito que la primera edición de 1967, llegando incluso a ser numero uno en medio mundo.
Después de este álbum se embarcan en una gira mundial de 9 meses que les lleva por toda Europa, Japón y los Estados Unidos.
El triunfo de su nueva sonoridad había sido saludado con un nuevo éxito en ventas con cada siguiente disco y con cada gira multitudinaria posterior, pero a principios de la década de los 70 todos los integrantes del grupo dejaron aparcado el proyecto para perseguir diferentes carreras en solitario.
Ese mismo año el grupo inauguran su propio estudio en West Hampstead, Londres. Se trataba del primer estudio cuadrafónico del mundo
Aprovechando el paron se publica This is The Moody Blues, doble álbum recopilatorio que consiguió un gran éxito y otorgándoles su octavo disco de oro.
Justin Hayward y John Lodge trabajan juntos en un nuevo proyecto. El resultado llega en marzo cuando lanzan en Estados Unidos su álbum Blue Jays, que continua con el legado melódico de los Moody Blues. Peter Knight, que colaboró con ellos en Days of Future Passed, orquesta tres cortes del disco. Su éxito es inminente en Estados Unidos e Inglaterra, lo que les lleva a realizar una gira mundial.
From Mighty Oaks, primer disco en solitario de Ray Thomas, tambien fue publicado en las mismas fechas. El álbum está construido a semejanza del estilo sinfónico de los Moody Blues y con el toque personal de Ray. El álbum consigue un éxito moderado. Poco tiempo después publicaría un segundo titulado Hopes, Wishes and Dreams, que cosecha un menor éxito que el anterior disco
Por su parte Graeme Edge graba su disco en solitario en colaboración con los hermanos Adrian y Paul Gurvitz. Bajo el nombre de The Graeme Edge Band editan el álbum titulado Kick of Your Muddy Boots, cuyo éxito fue escaso. El estilo del Lp es totalmente ajeno al de los Moody Blues.
Finalmente Mike Pinder realiza The Promise, un disco inspirado en temas espirituales. A pesar de su calidad, pasaría con más pena que gloria
El siguiente año 1977 también seria elegido para proyectos en solitario, así
John Lodge edita un disco en solitario titulado Natural Avenue, que sigue el camino musical de los Moodies. John consigue un notable éxito en Inglaterra con este encantador álbum.
Songwriter, el primero de los álbumes en solitario de Justin Hayward, ve la luz. El éxito del disco tanto en Inglaterra como en Estados Unidos es enorme.
Y Graeme Edge junto a su banda lanza su segundo disco: Paradise Ballroom, el cual tiene escasa repercusión en las listas.
Este mismo año se publicaría el doble álbum de The Moody Blues Caught Live + 5, que incluye una grabación de su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en diciembre de 1969 y cinco canciones de estudio de los años 1967 y 1968 no editadas hasta entonces. El doble Lp tiene una buena acogida en Estados Unidos.
Ya en 1978 Justin Hayward es llamado por Jeff Wayne para colaborar en su álbum The War of the Worlds, en el que también colaboran el actor Richard Burton y los cantantes David Essex, Phil Lynott, Julie Covington, etc... Justin canta en los dos singles extraídos de este doble álbum: The Eve of the War y Forever Autumn, este última canción sería de grandísimo éxito en medio mundo.
Para principios del mismo año se publica Octave (1978) el nuevo Lp tras esas aventuras y muy esperado por sus fans, que llegó fácilmente al número uno. En la gira posterior Pinder fue reemplazado por Patrick Moraz.
La década de los 80 empezaría cuando Justin Hayward realiza su Lp Night Flight. El disco es producido por Jeff Wayne, con quien ya había trabajado en The War of the Worlds. Hayward combina canciones propias con versiones de temas de otros autores. El disco consigue mayor éxito en Inglaterra, donde llega al Top 50. Las canciones Night Flight y Nearer to You son editadas como singles.
Ese mismo año The Moody Blues comienzan a trabajar en su nuevo disco, que verá la luz al año siguiente.
Ese nuevo álbum se titularía Long Distance Voyager, (1981) producido por Pip Williams. La música de este disco sigue llena de bellas melodías. Un trabajo con un sonido más moderno sin perder un ápice el sonido característico de los Moodies, para ello se utilizó sintetizadores y se reforzó la sección rítmica. El resultado fue satisfactorio y el álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas mundiales. En Estados Unidos son galardonados con un disco de platino después de ser el número 1 durante tres semanas
No seria hasta varios años después cuando se publicaría el siguiente trabajo The Present (1983), una lógica continuación del estilo de Long Distance Voyager, combinando de forma magistral baladas y canciones fuertes llenas de Rock & Roll. El disco tiene una gran aceptación aunque no llega al éxito del anterior.
Un año después se publicaría el recopilatorio Voices in the Sky (1984).
Justin Hayward editaría al año siguiente su nuevo álbum Moving Mountains, en el que trabaja con varios productores -Martin Wyatt, Tony Visconty, Jeff Wayne- y algunas de las canciones tienen arreglos de Peter Knight. Justin canta temas propios que había grabado desde 1980, además de una canción escrita junto con Jeff Wayne y otra de C.Ward. El disco tiene un buen éxito y de él se editan dos singles: Silverbird y The Best is Yet to Come.
Pero el grupo decide finiquitar definitivamente su propio sello fichando por Polydor al año siguiente y seria con esta discográfica con la que publicarían el álbum The Other Side of Life (1986), el cual será el comienzo de una nueva etapa. En el disco, producido por Tony Visconti, se sustituyen los sonidos orquestales por otros sonidos pre-programados y más modernos, lo cual da un toque pop a su música. Con este Lp los Moodies recogen para sí una nueva generación de fans en el mundo. El éxito del disco no se hace esperar tanto en Europa como en Estados Unidos, país en donde realizan una gigantesca gira de más de cuatro meses de duración.
Prelude un recopilatorio de temas menos conocidos de la banda seria la antesala del nuevo álbum publicado en 1988, Sur la Mer, producido al igual que el anterior por Tony Visconti. El disco sigue el camino trazado con The Other Side of Life. Sin embargo ni Graeme ni Ray aportan composiciones al álbum, incluso Ray no participa en la grabación del mismo. El Lp consigue un buen éxito mundial y sus conciertos son muy concurridos por jóvenes y viejos fans.
Un año después Justin Hayward edita el álbum Classic Blue con la colaboración de la London Philharmonic Orchestra dirigida por Mike Batt. Justin interpreta canciones de otros grupos y compositores como Led Zeppelin, The Beatles, The Beach Boys, Procol Harum, Simon & Gartfunkel, Don McLean, etc..., con las que consigue completar un bellísimo álbum que, sin embargo, no tendrá excesiva repercusión.
Otro recopilatorio Blue´ es seria precedido del nuevo álbum del grupo Keys of the Kingdom, en el cual trabajaron con tres productores: Alan Turney, Christopher Neil y Tony Visconty. En este nuevo trabajo The Moody Blues vuelve a su antigua fórmula de combinar canciones de todos los miembros de la banda, aunque en esta ocasión Graeme no firmaba ninguna y Patrick Moraz tan sólo participa como músico de estudio en algunos temas. El éxito de este disco es menor que el de otros anteriores, aún así consiguió estar dentro del Top 100 en Estados Unidos.
En 1992 en conmemoración del 25 aniversario de la realización de su primer álbum Days of Future Passed, los Moody Blues ofrecen dos conciertos en Red Rocks (Denver) junto con la Orquesta Sinfónica de Colorado. Estos conciertos tuvieron un éxito increíble en ese momento y en años posteriores.
En 1994 se edita Time Traveller, una caja con 4 discos compactos y un libreto interior que repasa toda la carrera de la banda. Incluye una selección remasterizada de canciones de sus discos, además de algunos singles y material no editado hasta entonces como la canción Highway grabada durante las sesiones del Keys of the Kingdom. También se realizo una edición limitada con un quinto cd que incluía una selección de canciones del concierto del 9 de septiembre de 1992 en Red Rocks.
Ese mismo año Justin Hayward graba junto con la Frankfurt Rock Orchestra el álbum The Moody Blues Classic Hits para el sello alemán M.M.S. En este disco, también llamado Justin Hayward & Friends, Justin canta 6 de sus canciones junto con la orquesta con arreglos y producción de Tommy Schmitt-Zijnen. El resto de canciones de los Moodies las cantan Michael Sadler (SAGA) y Shaun Williamsen
Ya en octubre de 1996 sale a la venta en Estados Unidos el nuevo álbum en solitario de Justin Hayward: The View from the Hill, producido por Phil Palmer, un bello álbum con canciones que firma él mismo, otras en colaboración con Dennis Lambert y Mickey Féat, y dos escritas por Paul Bliss y Phil Palmer. A pesar de ser un gran álbum, su éxito es moderado.
Se edita una nueva recopilación de éxitos de los Moodies titulada The Very Best of the Moody Blues, que consigue el número 13 en la semana de su salida a la venta. Poco después los Moody Blues recibiran su enésimo disco de oro por este álbum.
No seria hasta mediados 1999 cuando se publicaría el nuevo álbum del grupo Strange Times, que ellos mismos producen. Con él consiguen volver a sus clásicos discos de los años 60 y 70, pero con canciones más modernas. Buena prueba de ello es el cd-single extraído del mismo: English Sunset. El disco tiene una buena aceptación entre el público americano.
Hall of Fame (2000) un directo grabado en el Royal Albert Hall, December (2003) álbum de temas navideños tradicionales versionados y canciones nuevas y el recopilatorio Ballads (2003) son los últimos lanzamientos del grupo.
En estos últimos años toda la discografía del grupo ha sido reedita en formato remasterizado.
Hasta el año 2009 el grupo había cosechado 14 discos de oro y 5 de platino con unas ventas globales que superan los ochenta millones de discos vendidos en todo el mundo.
Después de tantos años The Moody Blues no han perdido el talento y la sobriedad de sus canciones y mientras sigan, todos tendremos el placer de escuchar una música única e inmejorable.

Web Oficial The Moody Blues