Wishbone Ash-Pilgrimage (1971)

Segundo álbum de Wishbone Ash y su primera gran obra maestra. "Pilgrimage" es un excelente trabajo de hard rock enfocado a las dobles guitarras, con acercamientos a los sonidos complejos que ya se verían masivamente en el siguiente "Argus", de un año después.
Con una producción deslumbrante gracias a Martin Birch, la banda mostraba aquí sus claras influencias provenientes del jazz y el progresivo como queda demostrado en la inicial "Vas Dis", una extraña e inusual mezcla de scat jazzistico y hard rock poderoso. Por otro lado el característico vuelo de guitarras gemelas a cargo de la dupla Andy Powell y Ted Turner aparecen en la sensacional "Pilgrim" y en la poderosa boogie rock "Jail Beat", mientras los indicios de los futuros derroteros musicales la encontramos en la sutil "Alone" y en la pastoral folky "Lubally".
Para finalizar con la melódica y compleja "Valediction" y la cruda blues rock "Where Were You Tomorrow", en donde el juego de las guitarras gemelas ejecutadas soberbiamente, es secundado por una de las mejores secciones rítmicas de la década de los 70, compuesta por el batería Steve Upton y el bajista Martin Turner.

Thunder-Laughing On Judgement Day (1992)

Formada a finales de los ochenta por dos ex-miembros de una banda llamada Terraplane; Luke Morley y Danny Bowes (guitarra y voz, respectivamente), quienes decidieron comenzar una nueva aventura con un nuevo proyecto al que llamaron Thunder, y que además contaba con el guitarrista Ben Matthews, el baterista Gary James y el bajista Mark Luckhurst, facturando un soberbio debut titulado "Backstreet Symphony" en 1990, logrando una gran difusión y consiguiendo el prestigio suficiente para actuar en el mítico "Monsters of Rock" de ese mismo año como cabezas de cartel.

En este álbum debut la banda mostraba un rudimentario hard rock de gran factura gracias a composiciones íntegras de gran calidad en donde sobresalían cortes tan magistrales como “She´s So Fine”, “Dirty Love” o “Love Walked In”.
Dos años más tarde publicarían "Laughing On Judgement Day", en donde sin alejarse de la propuesta inicial del hard rock, dotan su estilo hacia el sonido blues rock heredero de los 70, pero acoplado con la frescura y la desenvoltura de los noventa.
En esta segunda entrega sobresalían cortes como la enérgica "Empty City", o los medios tiempos "Low Life In High Places" y "Better Man" que junto a la frescura de la brillante "Everybody Wants Her", demostraron que la banda no era flor de un día.

Badfinger-No Dice (1970)

Apadrinados por los mismísimos The Beatles, la carrera de Badfinger fue de todo menos exitosa, desde la mala gestión y la estafa de su manager, hasta la bancarrota del sello Apple propiedad de The Beatles, pasando por el suicidio de dos de sus integrantes, su historia es tan trágica como aterradora.
Sin embargo musicalmente esta banda sobresalía por sus enormes composiciones de inclinación pop rock, con una gran sensibilidad melódica fuera de toda duda, que por los hechos antes mencionados, la suerte siempre les fue esquiva.
“No Dice” fue su segundo álbum, después de un meritorio debut, el cual ya contenía algunas joyas como “Come And Get It”, tema escrito por Paul McCartney, y en donde la banda empezaba a tener la total libertad para componer su propio material.
Aquí aparecen gemas como las rock and roll “I Can´Take It” y “Love Me Do”, emotivas baladas melódicas “Believe Me”, “We´re For The Dark” o “Without You”, o las enérgicas “Better Days o “No Matter What”.
Algún tiempo mas tarde el cantante Harry Nilsson versionaría “Without You”, quien la haría mundialmente famosa y por la que posteriormente se desataría la polémica, ya que por entonces el grupo no percibiría las correspondientes regalías que les pertenecían por ley al ser los autores oficiales de la canción.
Pese a la incuestionable calidad del álbum y por caprichos del destino “No Dice” no tuvo el éxito merecido, quedando relegado a un vigésimo octavo puesto en las listas de éxitos.

Jeff Beck-Flash (1985)

“Flash” supuso el noveno álbum de Jeff Beck, y sin duda el mas extraño y comercial de toda su carrera, con un claro sonido repleto de texturas de art pop moderno y new wave, debido a los estruendosos patrones rítmicos de los teclados, y que curiosamente le otorgaron un éxito notable en las listas de medio mundo.
Este radical cambio de estilo fue debido a los productores del álbum, Nile Rodgers y Arthur Blaker quienes reemplazaron su habitual genero de blues y jazz rock complejo, por un plus de comercialidad pegadiza y adictiva, muy propia del sonido ochentero, pero sin llegar nunca a la mediocridad.
Para la grabación de este album Jeff Beck contaría con las voces de Jimmy Hall, Karen Lawrence, Curtis King o David Spinner, además de Rod Stewart, quien puso la voz en el espléndido “People Get Ready”, el único sencillo numero uno del guitarrista y con un impresionante solo de guitarra.
Los omnipresentes teclados interpretados por Jan Hammer, Tony Hymas, Duane Hitchings y Jimmy Bralower estan presentes en todo el álbum, que aunque sin quitarle totalmente el protagonismo a la guitarra de Beck, son quienes llevan gran parte del sonido como queda demostrado en los cortes “Ambitious”, “Escape”, “Get Workin´” o “Night After Night”, como contrapunto en “Back On The Streets” y “Gets Us All In The End”, el conocido sonido de los riffs afilados y los solos arabescos de Jeff Beck están presentes en los que son sin duda, los momentos mas memorables del álbum.

Van Halen-Van Halen (1978)

En 1978 un joven guitarrista llamado Eddie Van Halen, puso al mundo a sus pies con su destreza, talento e imaginativa manera de tocar la guitarra eléctrica. Junto a su hermano el batería Alex Van Halen, al bajista Michael Anthony y al vocalista David Lee Roth, formaron una de las bandas por excelencia del hard rock de toda la historia.
Ese año de 1978 vio nacer al que muchos consideran uno de los mejores guitarristas de la historia, que junto a la voz explosiva de Roth y la contundente sección rítmica, nos dejaron uno de los discos debut mas exitosos y sorprendentes de la música rock.
La vibrante y enérgica “Runnin´With the Devil” inicia una formidable colección de cortes del mejor hard rock, que tiene continuación con la instrumental “Eruption” en donde Eddie usa de manera celestial su mítico “tapping” con las seis cuerdas, por su parte la brillante “You Really Got Me”, es una de esas versiones que superan con creces a la original de The Kinks.
La oscura “Ain´t Talkin´Bout Love”, la acelerada “I´m The One”, o las comerciales y pegadizas “Jamie´s Cryin” y “Feel Your Love”, son junto a otra versión, esta vez del viejo bluesman John Brim, “Ice Cream Man”, el resto de un repertorio extraordinario que lograría vender la friolera de 10 millones de copias a nivel mundial y que puso en órbita a Van Halen como una de las bandas punteras en el panorama del rock mundial e iniciando así una carrera tan relevante como magistral.

Wings-Wings Over America (1976)

“Wings Over America” es un extraordinario documento histórico de uno de los shows de rock más deslumbrantes de la década de los 70, protagonizado por una de las bandas mas exitosas de los primeros años de esa década como eran los Wings de Paul McCartney.
Este triple álbum, grabado durante la exitosa gira norteamericana promocionando al quinto álbum "Wings at the Speed of Sound", fue producto en parte para paliar los discos piratas en directo que circulaban por aquella época de los Wings, por lo que Paul McCartney incluso prepararía un spot comercial para la tv coincidiendo con la publicación del álbum.
Las tomas finales de este triple álbum fueron seleccionadas de entre mas de 31 conciertos por todos los Estados Unidos, en el del Forum de los Angeles, el del Madison Square Garden de Nueva York y en el de The Kingdom de Seattle durante los meses centrales de 1976, en todos los cuales tuvieron una afluencia de mas de 600.000 personas.
El repertorio de “Wings Over America" recorre lo mejor de toda la carrera de ex Beatle en solitario, temas de los Wings y algunas versiones de su banda madre The Beatles.
Entre las primeras estan la majestuosa "Let Me Roll", la rock "Medicine Jar", la frenética "Maybe I´m Amazing" o las inmortales "Venus and Mars", "Rock Show", "Jet", “Live And Let Die” o la pletórica "Call me Back Again", mientras el pasado Beatle esta representado por las eternas "Yesterday", "Lady Madonna", "The Long and Winding Road" o "Blackbird".
El álbum supuso un nuevo éxito comercial para McCartney, convirtiéndose en el quinto álbum del grupo en entrar directamente en el primer puesto en las listas estadounidenses, mientras en el Reino Unido alcanzó el puesto octavo, logrando varios discos de platino por sus multimillonarias ventas, demostrando con todo ello que Paul McCartney era el más rockero de los cuatro Beatle, el más entusiasta y sobre todo el que cosechaba y cosecharía el mayor éxito en el futuro.

The Clash-London Calling (1980)

A diferencia de los limitados Sex Pistols, The Clash fueron la primera banda con una ideología política manifiesta dentro del punk rock, además de que musicalmente eran infinitamente mas complejos, versátiles y por supuesto mejores instrumentistas que aquella panda de nihilistas sin sentido.
Después de dos primeros álbumes de punk rock clásico como fueron “The Clash” (1977) y “Give ´Em Enough Rope” (1978), Joe Strummer y Mick Jones, sus dos líderes, empezarían a influenciarse de otros géneros como el ska, el pop mas comercial, el reggae, o el rock and roll, todo ello fusionado con su poderosa base de punk.
Con una simbólica y famosa portada, este “The London Calling” esta fundamentado en 19 cortes en donde la banda mostraba la madurez necesaria para ser seriamente considerados por la critica y el publico de finales de los setenta y principios de los ochenta.
Desde ecos a los sonidos jamaicanos con las brillantes “Jimmy Jazz” o “Guns Of Brixton”, hasta tremendos temas rockabilly como “Brand New Cadillac”, pasando por cortes con claro acento new wave como “Lost In Supermarket” o la funky pop “Lover´s Rock”, son argumentos mas que suficientes para considerar este memorable álbum, en uno de los mas importantes de la historia de la música popular.

Little River Band-Little River Band (1975)

A finales de 1975 la banda australiana Little River Band lanzaba su primer álbum titulado homónimamente y con el cual pronto serian comparados con The Eagles, Poco o America, gracias a sus armonías vocales y a unas versátiles composiciones repletas de sonidos adictivos de country rock e irresistibles riffs rockeros combinados con pegadizas melodías pop.
En esta primera entrega la banda estaba formada por Beeb Birtles en la voz principal y guitarra, Ric Formosa como guitarrista solista, Graham Goble en la guitarra rítmica y voces, Roger McLachlan al bajo, Derek Pellici a la batería y Glenn Shorrock como cantante y harmónica.
De entre todos los temas de este primer trabajo sobresalen notablemente el medio tiempo “Emma”, y las melódicas y comerciales “It´s A Long Way There” y “Curiosity (Killed The Cat)”, este ultimo su hit mas importante en el mercado australiano.
La country rock “Lady and Me”, la contundente “Statue Of Liberty” y la tierna “I Know It” completan un sobresaliente debut que les permitiría conseguir su primera gira mundial, en un principio como teloneros de Queen y posteriormente de la Average White Band, logrando un gran reconocimiento en tierras norteamericanas, un éxito que pronto se vería reflejado en sus tres siguientes trabajos “Diamantina Cocktail” (1977), “Sleeper Catcher” (1978) y “First Under The Wire” (1979), logrando con todos ellos varios discos de oro y tres discos de platino por sus enormes ventas solo en el mercado norteamericano.

Little Feat-Little Feat (1971)

Little Feat fueron una de las bandas icónicas del rock norteamericano, que guiados sabiamente por su líder Lowell George, supieron hacerse un hueco entre las mejores bandas estadounidenses de la historia, gracias a su atrayente combinación de blues, jazz, country y rock.
Formada a finales de los 60 en los Ángeles, su primera formación estaba compuesta por el mencionado Lowell George (guitarra, voz y harmónica), Bill Payne (teclados y voces), Roy Estrada (bajo y voces) y Richie Hayward (batería y voces).
Todos ellos eran músicos contrastados que habían pertenecido a bandas como los Mothers of Invention de Frank Zappa o afamados instrumentistas de sesión para otros artistas. 
Gracias al productor Russ Titelman, en 1970 lograron un contrato con el sello Warner, y un año después vería la luz el primer álbum titulado homónimamente y compuesto por un total de once temas, la mayoría escritas por Payne y George, el cual sentaría las bases de lo que la banda haría en los años sucesivos.
Pese a no tener un estilo aún muy definido, “Little Feat”, es uno de los debuts mas interesantes del rock norteamericano de principios de los 70, con una gran variedad de estilos e influencias.
Temas puramente rock como “Snakes On Everything”, “Hamburger Midnight" o “Strawberry Flats”, contrastan con las country rock “Truck Stop Girl” o “I´Ve Been The One”, las brillantes “Brides Of Jesus” y “Willin´”, este ultimo uno de los temas estandarte de Little Feat o temas blues como la versión del mítico Howlin´Wolf, “Forty-Four Blues/How Many More Years”, en donde sobresale la inconfundible voz de George y la slide guitar de Ry Cooder.


 

The Enid-In The Region Of The Summer Stars (1976)

Si hay un grupo que llevaría la definición de rock progresivo hasta sus últimas consecuencias, sin duda fueron The Enid, ellos sabían crear obras con la estructura y el sonido clásico sin entrar en la fusión clásica y el rock.
The Enid compuso una música que tenía la estructura y la ambición de la música clásica y que sonaba clásica pero magistralmente ejecutada con un conjunto de rock.
“In the Region in the Summer Stars” fue su álbum debut publicado en 1976, el cual se convertiría en un símbolo del rock progresivo hasta catalogarse como banda de culto dentro del género.
Este primer álbum de The Enid, se parece más a la música de Ennio Morricone que al rock progresivo "típico" de los años 70. ¿La música clásica reinventada? Posiblemente. De hecho, al escuchar sus 39 minutos, vienen a la mente escenas y extractos de películas, a través de una orquestación pomposa, frases deslizantes de guitarra, piano de ensueño y partes de flauta. El estado de ánimo cambia bastante a menudo de lo épico/grandioso/aterrador a la tranquilidad y sosiego total y viceversa para completar la danza de las emociones.
El sentimiento de calidez se retrata en "The Lovers" y "The Sun", la aventura y la épica en "Fool/The Falling Tower" y "The Devil" con esas atmósferas inquietantes, y el clímax de miedo están evocadas en "The Last Judgement" y "Death", revelando todas ellas la calidad y la inspiración detrás de este disco.
Si hubiera sido lanzado unos años antes, The Enid y su autor intelectual, Robert John Godfrey, no hubieran tenido una carrera tan turbulenta, y encima para rematar la faena si no se hubieran visto obligados a volver a grabar el álbum para una reedición en CD por razones legales ridículas, si alguno de estos factores hubiera sido diferente, sin duda consideraríamos a The Enid como una de las bandas progresivas de primer nivel de la década de 1970. Es posible que hubiesen tenido una segunda oportunidad, ya que forman parte de un grupo selecto de bandas, como Genesis, Yes, King Crimson o Gentle Giant, que podrían decir que forjaron un estilo único en esa década, que fue exclusivamente de ellos y podría ser reconocido instantáneamente como tal.
Sencillamente, ninguna otra banda logró reunir una combinación de técnicas y estilos de música clásica, la competencia técnica y musical de alta calidad, con esa amplitud y profundidad emocional como hicieron The Enid.

Budgie-Budgie (1971)

Si a principios de los 70 Black Sabbath eran la banda mas pesada que existía, Budgie no le iban a la zaga. Su debut homónimo lanzado el mismo año que “Master Of Reality” de los mencionados Sabbath, siguió sus mismas tendencias de rock pesado y oscuro a caballo entre los riffs aplastantes de Tony Iommi y las construcciones compositivas de Led Zeppelin.
Esas partes inspiradas en Black Sabbath se encuentras en “Guts” con el cual se inicia un álbum con una sucesión de temas pesados de blues rock y heavy rock con algun contrapunto folk como la delicada “Everything In My Heart”.
La ortodoxa heavy rock “The Author” muestra el ritmo frenético del estilo de Budgie y la compleja y arreglada “Nude Disintegrating Parachutist Woman” ya nos ofrece la primera muestra real de lo que la banda harían en los próximos años.
El resto del álbum esta compuesto por dos excelentes piezas de blues rock como son “Rape Of The Locks” y “All Night Petrol”, la breve y acústica “You And I” y la infecciosa con reminiscencias a los Black Sabbath, “Homicidal Suicidal”.

Blackfoot-Strikes (1979)

Blackfoot son una de esas bandas que han tenido un largo y tortuoso camino hasta llegar al éxito y el reconocimiento merecido. Después de dos meritorios trabajos como son su álbum debut “No Reservations” (1975) y el posterior “Flyin´High” (1976), no logran la notoriedad deseada producto de la mala planificación comercial por parte de las discográficas Island y Epic.
Después de otro cambio de compañía discográfica, este vez bajo la ATCO, publican su tercer larga duración, “Strikes” con el cual logran las mieles del triunfo gracias en parte a la adecuada promoción del álbum por parte del nuevo sello y a una irresistible colección de grandes temas de rock sureño como “Highway Song” y “Train Train” que lo aúpan en el top 40 norteamericano, logrando vender un millón de copias en los siguientes dos años.
Pero sin embargo este álbum no solo vivía de las rentas de esos excelentes dos temas, aquí también aparecían adictivas versiones como “Whising Well” de Free, “Pay My Dudes” de Blues Image o “I Got A Line On You” de Spirit, con las cuales la banda aprovechaba esa antigua estratagema de recurrir a temas exitosos ya conocidos, pero dotándolos con su sello personal e inconfundible.
El gran recibimiento del álbum les abriría el camino comercial y una gran popularidad, y en los siguientes dos años la banda no dejaría de girar triunfalmente por todos los Estados Unidos junto a bandas consagradas como Foreigner, Journey, AC/DC o Blue Oyster Cult.

Accept-Restless And Wild (1982)

Con “Restless And Wild”, Accept dieron el espaldarazo definitivo hacia el olimpo del rock, y si bien aún tenían por delante obras tan emblemáticas como “Balls To The Wall” de un año después, con este álbum la banda germana se consolidaba como una de las grandes formaciones del heavy metal de los ochenta.
“Restless And Wild” sorprendió gratamente a la critica y a los fans por su impecable producción y por una serie de temas que siguen tan vigentes hoy en día, considerados como parte esencial de la historia del genero como la arrolladora “Fast As A Shark”, la elegante “Neon Nights”, las meritorias “Ahead Of The Pack”, “Shake Your Heads” y “Princess Of The Dawn” o el brillante tema que da titulo al álbum.
En definitiva, “Restless And Wild” contiene una soberbia retahíla de canciones repletas de enormes riffs metaleros a cargo de la dupla de guitarristas Wolf Hoffmann y Herman Frank con esa furia controlada, una base rítmica demoledora a cargo del batería Stefan Kaufmann y el bajista Peter Baltes, todo ello envuelto en la voz poderosa y cruda de Udo, una de las voces mas carismáticas del heavy metal mundial.

Elonkorjuu-Harvest Time (1972)

Este quinteto finlandés fundado a finales de los 60, tuvo una efímero y discreto éxito con su primer trabajo publicado en 1972, que lanzado bajo el sello Emi fue titulado “Harvest Time”.
En los años 70 editaron dos álbumes, de los cuales, ''Harvest Time'', es considerado un objeto de colección entre los melómanos, alcanzando cifras que oscilan entre 500 y 1000 euros por un ejemplar del vinilo original. Su segundo álbum, ''Flying High, Running Fast'' (1978), fue lanzado bajo el nombre inglés de HARVEST, ello tal vez con la esperanza de buscar una mejor promoción en mercado internacional. Durante esos años, Elonkorjuu giraron por el norte de Europa y a menudo, participaron en los principales eventos de rock finlandeses y escandinavos, como los festivales Pori Jazz y Ruisrock.
Aunque se disolvió en 1978, la banda hizo su reaparición en 2003 y al año siguiente lanzó un nuevo álbum, ''Scumbag''. Este supuso un cambio en la dirección de su música, orientado en una vena de rock-blues pesado.
En 2010 la banda lanzo el doble en vivo ''Scumbag Goes To Theatre'' y en 2012 la compilación de 4 CD ''Seasons'', que incluye casi todo lo grabado por la banda.
Pero centrándonos en su álbum debut, Elonkorjuu ofrecen un ambicioso trabajo de hard rock con una atractiva fusión de diferentes géneros como el blues, el jazz, algunos toques de folk y ligeros sonidos progresivos, que pese a su poca cohesión final, es un álbum bastante meritorio y muy arraigado en el sonido típico de finales de los sesenta.
Cortes como la galopante “Unfeeling” o la musculosa “Swords” demuestran el poderío del órgano hammond y los penetrantes riffs de guitarra, mientras la psicodelia está impregnada en los temas “Captain” y "Praise To Our Basement”, o en sonidos sinuosos de guitarras jazzisticas y unas percusiones frenéticas como queda demostrado en el magnifico corte instrumental “Future”.
La acelerada rock “Hey Hunter” o la esquizofrénica “Old Man´s Dream” son junto a la arrebatadora “Me and My Fiend” otros de los momentos cumbres de este magnifico álbum ecléctico, enérgico y muy interesante para los amantes del hard rock germinal de finales de los sesenta.

Dio-The Last In Line (1984)

El segundo álbum de Ronnie James Dio supuso la perfecta continuación a su extraordinario debut “Holy Diver” lanzando un año antes y en el cual el pequeño elfo repetiría los mismos patrones musicales e incluso los mismos músicos que participaron en aquella mítica grabación.
Así pues aquí volvían a repetir Vinny Appice, Vivian Campbell y Jimmy Bain, con el añadido del teclista Claude Schnell y fue grabado en los estudio Caribou Ranch en el estado de norteamericano de Colorado durante los primeros meses de 1984.
“The Last In Line” contiene un repertorio repleto de trallazos como “We Rock”, la machacona y demoledora “The Last in Line”, la contundente “Breathless”, la frenetica “I Speed At Night”, la rítmica y melódica “Evil Eyes” o la pegadiza “Mystery”, todas ellas con ese acento continuista a los esquemas musicales de su álbum debut.
Sin embargo esta formula comenzaba a mostrar de manera sutil cierto agotamiento compositivo, síntomas que por otro lado no desmerecen en absoluto una de las obras mas emblemáticas de uno de los grandes vocalistas de la historia del heavy metal.