Vinnie Moore-Mind´s Eye (1986)

Considerado uno de los grandes guitarristas del llamado heavy metal neoclásico, la carrera de Vinnie Moore tuvo su mayor auge y popularidad a mediados de la década de los ochenta, rivalizando con otros grandes guitarristas coetáneos del mismo estilo como Paul Gilbert, Jason Becker, Greg Howe, Marty Friedman o Yngwie Malmsteen.
Con una altísima técnica guitarrística de gran dificultad, basada en pasajes de vertiginosa velocidad y unas escalas influenciadas por el neoclasicismo, sus primeros trabajos estaban repletos de composiciones de un alto nivel de complejidad instrumental muy vanguardista como queda demostrado en su espectacular álbum debut “Mind´s Eye”, publicado en 1986 por el sello “Shrapnel Records, y producido por Mike Varney.
En este primer trabajo Vinnie Moore contaría con la colaboración de Tony MacAlpine a los teclados, Tommy Aldridge a la batería y Andy West al bajo.
Considerado uno de los mejores discos enfocados a la guitarra eléctrica de todos los tiempos, le valdría a Vinnie Moore ser considerado el mejor guitarrista del año 1986 por varias revistas especializadas como Guitar Player o Guitar World, además de conseguir un disco de oro por sus ventas en el mercado norteamericano.

W.A.S.P.-W.A.S.P. (1984)

Esta popular banda norteamericana de heavy metal fundada a principios de la década de los ochenta, alcanzo con su álbum debut el status de banda de culto dentro del genero del metal gracias a un trabajo provocativo, perverso y salvaje, el cual fue uno de los principales causantes de la famosa etiqueta impresa en las portadas de los discos, “Parental Advisory”, debido al lenguaje y el contenido ofensivo que en el se contiene y también a sus sangrientos y en parte desproporcionados shows en vivo.
Fundada por el cantante, guitarra y bajo Blackie Lawless en los Ángeles, durante sus años de historia, la cual abarca desde 1982 hasta la actualidad, ha contado con numerosos integrantes, siendo la primera compuesta además del mencionado Lawless por los guitarristas Chris Holmes y Randy Piper y el batería Tony Richards, con la cual grabarían este primer álbum lanzado a mediados de 1984.
Este primer y sorprendente debut contiene latigazos de visceral heavy metal como “I Wanna Be Somebody”, “School Daze”, “Hellion” o “Tormentor”, mientras que la genial medio tiempo “Sleeping (In The Fire)” pone el momento pausado a un frenético y vertiginoso álbum con el cual W.A.S.P. alcanzarían el Olimpo del heavy metal apenas habían comenzado su relevante y estruendosa carrera artística.

Wishbone Ash-Front Page News (1977)

En 1977 Wishbone Ash lanzaron su octavo álbum “Front Page News”, en el cual ya con un Laurie Wisefield firmemente instalado como segundo guitarrista y en ocasiones vocalista principal, continuaron desarrollando el sonido y el estilo mas “comercial” que había comenzado con el anterior “New England”. Para este nuevo álbum contaron con la producción de los hermanos Ron y Howard Albert, y fue lanzado por el sello discográfico MCA. El resto de la banda seguía compuesto por Andy Powell (guitarras y voces), Martin Turner (bajo y voz) y Steve Upton (batería). Temas como la inicial “Mother of Pearl”, muestra además de las deliciosas voces y un pausado ritmo, un excelente trabajo de guitarra integral, la cual complementa esta estupenda composición en lugar de dominarla. Esa atmósfera relajada se repite en cortes como “Midnight Dancer”, aunque con un ritmo brioso y efectivo, mientras temas como la esplendida “Goodbye Baby, Hello Friend” o “The Day I Found Your Love”, muestran las influencias del folk rock de Crosby Stills and Nash. La soberbia y poderosa “Right Or Wrong”, o la delicada instrumental “714”, siguen esa tónica de armonías brillantes y melodías agradables, erigiéndose este "Front Page News", como uno de los discos menos agresivo de Wishbone Ash, pero al mismo tiempo uno de sus mayores logros musicales.

Man-Maximum Darkness (1975)

Junto a Budgie, Man son una de las bandas mas icónicas de Gales, con una carrera larga y muy respetada en el mundo del rock, con grandes álbumes de estudio y numerosos discos en directo, fruto estos últimos de sus giras interminables alrededor de medio mundo.
Por todo ello Man son mayormente conocidos por sus espectaculares shows en vivo, por lo que no sorprende que hayan lanzando tantos discos en directo.
"Maximum Darkness" su segundo álbum en vivo, fue grabado el 26 de mayo de 1975 en el The Roundhouse de Londres durante la gira promocionando el noveno en estudio "Slow Motion" (1974), y seria el ultimo publicado por el sello United Artists, lanzado originalmente casi a finales de 1975.
La formación de Man esa noche estaba compuesta por Micky Jones (guitarra, voz), Deke Leonard (guitarra, piano, voz), Martin Ace (bajo, voz), Terry Williams (batería, voz) y como invitado el legendario ex componente de Quicksilver Messenger Service, John Cipollina, a la guitarra.
El aporte de Cipollina influye decisivamente para que este directo muestre un sonido heredero de la psicodélica de la costa oeste norteamericana, con abundantes excursiones con su guitarra solista en temas como "7171-551" o "Codeine", esta ultima con un claro sabor al acid rock & blues americano, que no hubiese desencajado en cualquiera de los trabajos de los Grateful Dead o los mencionados Quicksilver Messenger.
El blues rock contundente esta presente en "Babe I´m Gonna Leave You", mientras las jams guitarreras aparecen en la excelsa "Man Are Called, But Few Get Up", un sobresaliente tema con solos de guitarra por parte de los tres guitarristas de la banda, para acabar este brillante álbum con la estimulante hard rock "Bananas" en donde vuelven a destacar las seis cuerdas del trío compuesto por Jones, Leonard y Cipollina.

Guru Guru–Känguru (1972)

Guru Guru fueron una de las primeras bandas del llamado Krautrock que surgieron a finales de los 60 de la mano del experimentado baterista Mani Neumeier, el cual tenia una amplia experiencia colaborando con bandas de jazz europeas durante gran parte de los años 60.
Desde sus orígenes, esta banda formada en la ciudad alemana de Heidelberg, e inducidos por el consumo del LSD, derivaron su estilo hacia los sonidos ácidos y espaciales con un gran predominio en la improvisación.
A lo largo de sus cuatro décadas en activo (en el año 2017, la banda aún seguía activa) han tenido innumerables cambios de formación, lo que la ha convertido en una sucesión interminable de diferentes bandas y conceptos musicales.
Después de un primer álbum experimental y creativo como fue “UFO” (1970), lanzaron “Hinten” (1971) en donde mostraban su faceta de blues rock psicodélico e improvisado.
Sin embargo seria con su tercer álbum “Känguru” (1972), con el cual obtendrían un mayor reconocimiento por parte de la comunidad progresiva creando una obra indispensable en el genero Krautrock y del rock progresivo en general.
“Känguru” esta compuesto por cuatro largos temas bastante estructurados a diferencia del repertorio de los caóticos álbumes anteriores, con largos desarrollos de rock acido, psicodélico y espacial, mostrando grandes influencias de Jimi Hendrix y los primeros Pink Floyd como queda demostrado en cortes como la sorprendente “Oxymoron”, mientras “Immer Lusting” muestra el sonido pesado y contundente de su estilo space rock con grandes solos de guitarra.
En tanto las originales “Baby Cake Walk” y “Ooga Booga” con las que finaliza este disco, evidencian por el contrario la alegre faceta jam del grupo, temas muy alejados de los irritantes temas de sus dos primeras obras y que mostraban la versatilidad de esta enorme y esencial banda germana.

Magnum-Goodnight L.A. (1990)

A mediados de los ochenta, la banda británica Magnum abandonaba casi por completo su estilo progresivo para adentrarse en los sonidos mas melódicos muy cercano al AOR, pero sin dejar por completo de lado su esencia progresiva y sus composiciones complejas y pomposas.
Fundados a principios de los 70 en Birmingham, el núcleo principal ha estado siempre formado por el guitarrista Tony Clarkin, el vocalista Bob Catley y el teclista Mark Stanway, sus tres miembros mas longevos. No seria hasta casi a finales de esa década cuando lanzarían su primera obra “Kingdom of Madness” (1978), donde demostraban su clara inclinación progresiva como queda demostrado en cortes como “In The Beginning” o “All Come Together”.
A este debut le siguieron obras conservadoras como “Magnum II” (1979), “Chase The Dragon” (1982), “The Eleventh Hour” (1983) o “On a Storyteller´s Night” (1985), todos ellos con un claro dominador común, los fastuosos arreglos y el gusto por los temas complejos y progresivos, pero con un estilo bastante accesible para el gran publico.
Con su sexto álbum “Vigilante” (1986), la banda ya empezaría a alejarse sutilmente de los parámetros progresivos conformando un trabajo repleto de temas adictivos como “Lonely Nights”, “Need A Lot Of Love” o la pegadiza “Midnight (You Won´t Be Sleeping)”.
Después de otro destacado y exitoso lanzamiento en el cual repetían la misma formula “Wings Of Heaven” (1988), llegaría “Goodnight L.A.” en 1990, en el cual otorgan a su estilo un sonido aún mas comercial y americano, en parte gracias al productor Keith Olsen.
Sin embargo pese a ello no tuvieron el éxito esperado al otro lado del Atlántico, aunque si por el contrario lo seria en Europa, consiguiendo unas ventas abrumadoras y un éxito contundente gracias a cortes tan brillantes como las irresistibles AOR, “Reckless Man”, “Shoot” y “Rockin Chair”, las poderosas hard rock “Mama” y “What Kind Of Love Is”, o medios tiempos fascinantes como “Matter Of Survival” y “Heartbroke and Busted”, mientras los atisbos progresivos de antaño aparecen en las memorables “Only a Memory” y “Born To Be King”.

Peter Frampton-Frampton Comes Alive (1976)

“Frampton Comes Alive” es el disco en directo mas vendido de la historia del rock y uno de los mayores impactos discográficos de la industria en toda su historia, realizado por un artista que aún teniendo muy buenas credenciales y habiendo demostrado sobradamente una gran calidad como guitarrista y compositor como miembro de los míticos Humble Pie, nunca se llego a intuir semejante impacto mediático cuando comenzaría su carrera en solitario a principios de los 70, la cual casi se va al traste al estar a punto de ser expulsado de su discográfica la A&M ante su escasa rentabilidad comercial.
Peter Frampton, fue un antiguo miembro fundador en los 60 de The Herd, una banda británica de pop para adolescentes con quien lograría algunos éxitos como “From The Underworld” a mediados de 1967, para posteriormente fundar junto con el guitarrista Steve Marriott los mencionados Humble Pie, logrando un mayor éxito y reconocimiento gracias a unos soberbios álbumes de potente hard blues rock como son “As Safe as Yesterday Is”, (1969), “Rock On” (1971) o el antológico directo “Performance Rockin´The Fillmore” (1971). Una vez abandono a los Pie a finales de 1971, Peter Frampton iniciaría su aventura en solitario de la mano del que había sido manager de su ex banda, Dee Anthony, quien gestionaría los primeros años de su carrera. Frampton había grabado antes de este “Frampton Comes Alive!”, cuatro álbumes en estudio de mediocre factura, empezando por “Wind Of Change” (1972), al que seguirán “Frampton´s Camel” (1973), “Something´s Happening” (1974) y “Frampton” (1975), sin embargo seria con este ultimo con el cual obtiene unos mejores resultados en cuanto a ventas, logrando un meritorio numero 32 en las listas del Billboard y un disco de oro.
Este éxito le llevaría fundar una banda estable junto al teclista y guitarra Bob Mayo, al batería John Siomos y al bajista y voces Stanley Sheldon y a presentar el disco en una larga gira por los Estados Unidos en el verano de 1975, la cual tuvo que prolongarse durante muchos meses mas ante el tremendo éxito que cosecharía.
El repertorio de “Comes Alive” fue extraído de diferentes conciertos celebrados el 14 de junio de 1975 en el mítico Winterland de San Francisco (un famoso lugar donde Humble Pie habían sido siempre muy bien recibidos y donde habían cosechado grandes éxitos en el pasado), el 19 de junio en el Marin Civic Center de San Rafael, California, el 24 de agosto en el Long Island Arena y el 22 de noviembre en Pittsburgh, en donde contaron como ingenieros de sonido, a dos leyendas de las mesas de mezclas como eran Eddie Kramer y Chris Kimsey, logrando producir un doble álbum de hard rock adictivo con canciones irresistibles, sabiamente producidas para la radio y potenciales hits como las  archiconocidas "Show Me The Way" o "Baby I Love Your Way", además de otros temas de gran calidad como "It´s a Plain Shame", “Shine On”, “I Wanna Go to the Sun” o una excitante versión de "Jumping Jack Flash" de los Rolling Stones, con un extraordinario resultado final, el cual se convertiría en un caso inaudito e inédito en la historia de la música rock de los años 70.
Entre los años 1976 y 1977 se vendieron un total de seis millones de copias solo en Norteamérica, y un total de 16 millones en todo el mundo y estuvo en el Top 10 del Billboard durante la friolera de 99 semanas consecutivas.

Peter Gabriel-Peter Gabriel I (1977)

El primer álbum en solitario de Peter Gabriel, lanzado tres años después de su ultima grabación en estudio “The Lamb Lies Down On Broadway” junto a Genesis y dos años después de su salida definitiva de la banda, es sin duda uno de sus trabajos mas accesibles y versátiles.
Para este primer álbum Gabriel se apoyaría en una amplia legión de grandes músicos colaboradores empezando por los guitarristas Robert Fripp, Steve Hunter y Dick Wagner, el bajista Tony Levin, el batería Allan Schwartzberg, los teclistas Larry Fast y Jozef Chirowski, además de la Orquesta Sinfónica de Londres.
Grabado durante los meses finales de 1976 entre diferentes estudios de Canada y Londres, bajo la producción de Bob Ezrin, muestra a un Peter Gabriel alejado de todo lo que había hecho con Genesis en el pasado, a excepción del tema inicial “Moribund The Burgermeister”, el cual casi parece un descarte del mencionado “The Lamb Lies...”. El resto esta confeccionado eclécticamente, en donde cada corte tiene un estilo diferente.
Incursiones en el rock con la contundente “Slowburn”, el blues con “Waiting For The Big One”, el prog rock “Down The Dolce Vita”, la electrónica “Humdrum”, el pop rock “Solsbury Hill”, o la épica “Here Comes The Flood”.
Con todo ello, Peter Gabriel demostraría que podría fácilmente tener una vida sin su antigua banda. Incluso con la ayuda de algunos de los grandes músicos de los 70 como Robert Fripp (King Crimson) o el mago de los sintetizadores Larry Fast, Gabriel es la verdadera estrella del álbum. Con una poderosa y vibrante producción y unos exquisitos arreglos, es indudable que este prodigioso primer álbum es el testimonio de su grandeza como compositor, cantante y músico.

The Beatles-Rubber Soul (1965)

El sexto álbum de The Beatles, “Rubber Soul”, supuso el primer disco “convencional” y “sistemático” de la banda de Liverpool. Aquí ya no esta estructurado como una simple colección de singles de enorme éxito y magnificas canciones de “relleno”. La búsqueda incesante de nuevos sonidos les llevaría a tocar diferentes estilos como el folk, o los sonidos orientales, sin dejar de lado el irresistible pop.
De igual manera este nuevo trabajo marcaría una gran diferencia con respecto a todas sus anteriores obras, con una producción mas elaborada y unos arreglos mucho mas cuidados, complejos y precisos.
El ambiente folk incluyendo los sonidos del sitar aparecen en las hermosas “Norwegian Wood”, “Think for Yourself” y “If I Needed Someone”, estas dos ultimas escritas por George Harrison, mientras la rock “Drive My Car”, y las armoniosas “Nowhere Man” y “In My Life” son tres de los cortes mas brillantes. Siguiendo una estela parecida aparecen la preciosista “Michelle” y la elaborada “You Won´t See Me”, que son el contrapunto a las mas ordinarias y aceptables “Run For Your Life” y “Wait”.
Con “Rubber Soul”, The Beatles acallarían a un pequeño sector de la prensa que los acusaba de producir, después de cinco álbumes, simples cancioncillas pop (de incuestionable calidad, eso si) presentando una colección de canciones mas versátiles y eclécticas, logrando con ello otra de sus grandes obras maestras.

T.Rex-Electric Warrior (1971)

A finales de 1971, T.Rex, la banda liderada por el carismático Marc Bolan, llevaban mas de dos años de arrolladores éxitos, canciones como “Debora”, “Ride a White Swan”, “Hot Love”, o álbumes como “Prophets, Seers & Sages...”, “Unicorn”, “A Beard of Stars“ o “T.Rex”, (los tres primeros bajo Tyrannosaurus Rex), le llevaría uno tras otro a ser aclamado por una parte de la prensa sensacionalista y el publico británico como los sucesores naturales de The Beatles. Esta exagerada y magnificada afirmación, fue debida a la fiebre “T-Rexmania”, que fulgurantemente había surgido en Inglaterra por esos años. En medio de esa vorágine de éxitos, T. Rex publicaban su sexto álbum “Electric Warrior”, el cual supondría otro éxito absoluto en las listas británicas y aumentaba así su popularidad hasta cotas inimaginables.
Publicado a finales de 1971, “Electric Warrior”, se convertiría en su trabajo mas lucido hasta esos momentos, que con un repertorio en donde aparecían once temas brillantes, Marc Bolan no solo lograría permanecer durante semanas en el numero uno en las listas de éxitos, si no también en crear uno de los grandes álbumes del glam rock, al mismo tiempo que una de las obras maestra de la historia de la música rock.
Muchas de las canciones de este álbum se convirtieron de inmediato en clásicos emblemáticos como la archiconocida “Get It On”, o las deslumbrantes “Cosmic Dancer”, “Planet Queen”, “Jeepster”, “Mambo Sun”, “Rip Off” o “Girl”, todas ellas repletas de grandes arreglos de cuerdas, riffs poderosos, ritmos adictivos, juguetonas percusiones y atractivos estribillos vocales.

David Bowie-Diamond Dogs (1974)

El octavo álbum de David Bowie, es sin duda el tercer trabajo clásico de su período glam, si consideramos el anterior “Pin-Ups”, como un disco transitorio. Por lo que podríamos estimar a este “Diamond Dogs”, como la conclusión natural del espectro emocional que va desde “Ziggy Stardust” hasta “Aladdin Sane”. Mientras que “Ziggy Stardust”, vino del espacio con un mensaje de esperanza y descendió a la degeneración del rock and roll, y “Aladdin Sane” se deleito en el colapso resultante, “Diamond Dogs” por su parte presentaba una visión post glam de un futuro post apocalíptico habitado por bandas punk de jóvenes hambrientos, en el que surge una horrible sociedad totalitaria, la última de las cuales a menudo se relaciona con el abortado proyecto del propio Bowie “1984”, debido a su canibalización y salvaje tratamiento de las canciones.
Para la grabación de este nuevo trabajo Bowie realizaría varios cambios entre los músicos habituales de su banda, reemplazando a los asiduos Mick Ronson y Trevor Bolder por Alan Parker (guitarra) y Herbie Flowers (bajo), respectivamente, además de contar con un segundo batería, Tony Newman, mientras volvería a contar con el teclista Mike Gerson y el percusionista Aynsley Dunbar, en tanto Bowie se encargaría de la guitarra solista, el Mellotron y los sintetizadores Moog.
“Diamond Dogs” muestra diferentes canciones de glam rock engañosamente convencionales, como la homónima “Diamond Dogs” o “Rebel Rebel”, las cuales se alternan con otras irresistiblemente atrayentes como la arrolladora y majestuosa trilogía compuesta por “Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise)” o el canto fúnebre de “We Are the Dead”. Por otro lado la inclusión de las influencias funky de “1984”, prefigura la transformación de Bowie en un robot del soul moderno y electrónico que ya veríamos en el siguiente álbum “Young Americans”.
En conclusión este “Diamond Dogs” capturaba a un Bowie liberándose del modelo camaleónico de glam rock que el mismo había liderado hasta esos momentos, para incorporar a su ecléctico estilo, una gama más amplia de influencias musicales.

Glenn Frey-No Fun Aloud (1982)

Dos años después del ultimo álbum de The Eagles, "Eagles Live" (1980), uno de sus miembros fundadores, el guitarrista Glenn Frey publicaba su primer trabajo en solitario en el que seguía una línea conservadora con lo que hacia junto a su banda madre.
Grabado en diferentes estudios entre Los Ángeles, Alabama y Miami, Frey contó con una amplia legión de músicos para las grabaciones del mismo, así como con los productores Allan Blazek y Jim Ed Norman ademas de la coproducción del propio Glenn Frey.
“Not Fun Aloud” esta repleto de sonidos cercanos a su ex banda como las elegantes “I Found Somebody”, “I Volunteer” o “That Girl”, todas ellas bañadas de sutiles guiños country, poderosos rock dinámicos “Partytown”, “Don´t Give Up” y “I´Ve Been Born Again”, medios tiempos introspectivos “All Those Lies”, así como acercamientos al sonido sureño con la fronteriza “She Can¨t Let” Go” o al jazz con “Sea Cruise”.
Sin embargo esta amalgama de cortes rebosantes de insinuosos teclados, guitarras cristalinas y poderosas, secundada por una ambiciosa y cuidada producción, no lograría el beneplácito del gran publico, el cual fue tibiamente recibido, quedando oculto entre la gran maraña de discos de aquel año, por lo que en lo sucesivo Frey reorientó su estilo hacia los sonidos alejados del country rock de The Eagles.

Bighorn-Bighorn (1978)

A finales de los setenta el pomp rock vivía su mejor época en los Estados Unidos, bandas como Styx, Kansas, Angel, Magnum o Reo Speedwagon entre otros, copaban las listas de éxitos y sus álbumes estaban entre los mas aclamados y vendidos.
Sin embargo también existían otras muchas bandas que se movían en la escena underground, bandas que no lograban el éxito o la notoriedad deseada debido al predominio de esas otras bandas mas famosas y mediáticas, las cuales les cerraban el paso involuntariamente hacia las listas de éxito.
Una de ellas eran Bighorn, una banda formada a principios de los setenta en Seattle, los cuales habían ya lanzado un single en 1974, “I Get High"/“Takin´Me Down”, que pasaría totalmente desapercibido.
Después de un constante ir y venir de componentes, casi a finales de la década, esta banda realizaría una extensa gira por el oeste de Estados Unidos y el sur de Canadá y tuvieron la suerte de firmar con un pequeño sello canadienses de Vancouver subsidiaria de la Columbia canadiense, quienes les financian y publicaron su primer y único álbum lanzado a finales de 1978.
En este debut, Bighorn mostraba su estilo AOR fusionado con sonidos de hard rock progresivo, destacando sus irresistibles arreglos vocales y unas pegadizas melodías muy adictivas y comerciales.
La formación que grabaría este álbum estaba compuesta por el vocalista Bon Marcy, el guitarrista Joe Shikany, el teclista Peter Davis, el bajista Michael Ipsen y el batería Steve Adams, con la particularidad de que todos ellos eran vocalistas, algo que contribuía enormemente en los estupendos arreglos vocales.
Producido por el británico Martin Shaer, el álbum es una brillante colección de cortes que van desde el hard rock "Triad Every Trick" o "Helen Betty", hasta el rock melódico "Stand Up" y "Mary-Anne", pasando por temas mas complejos como "Sparrow" o "Penny For Your Dreams", sin dejar de mencionar medios tiempos pegadizos como "( I Love You) I´m Not Afraid Anymore" o el hard progresivo "Star Rocker".
Después de este álbum algunos de sus miembros deciden abandonar para integrarse en otros proyectos, por lo que Bighorn sucumbiría definitivamente a finales de 1979 sin dejar rastro, pero dejando para la posteridad este brillante y olvidado disco de rock melódico.

The Pretty Things-S.F. Sorrow (1968)

The Pretty Things fueron uno de los grupos pioneros en desarrollar el sonido psicodélico en Inglaterra a principios de la década de los sesenta.
En 1964 y debido a unos artículos de prensa destacando su lisérgica puesta en escena, tuvieron la oportunidad de entrar en los estudios y grabar su primera canción “Rosalyn”, obteniendo un meteórico triunfo en las listas británicas, lo que les colocaría en la cima de los grupos británicos en esos años de gran hegemonía beat.
The Pretty Things giraba en torno a la figura de su líder y vocalista Phil May, secundado por Dick Taylor (guitarra), Wally Waller (bajo), Twink (batería) y el teclista Jon Povey.
“Don´t Bring Me Down”, lanzada pocos meses después, lograría superar su disco debut, alcanzando un top ten en las listas y a partir de aquí sus discos se fueron sucediendo con buena presencia en los charts y con ellos su fama iría prosperando paulatinamente, aunque limitada al ámbito ingles, sin demasiada transcendencia fuera de las Islas Británicas.
Después de una serie de singles exitosos y varios álbumes de mediocre recibimiento, en 1968 publicarían su obra cumbre, “S.F. Sorrow”, uno de los pináculos de la psicodelia y para muchos la primera opera rock de la historia.
En “S.F. Sorrow”, The Pretty Things narran la vida de "Sebastian F. Sorrow", un personaje ficticio inventado por el guitarrista Phil May en donde estructurado en un ciclo de canciones, se va narrando su vida desde su nacimiento, hasta la vejez, pasando por el amor, las guerras, las tragedias y la locura.
El resultado final es una viaje lisérgico repleto de sonidos orientales, secciones de vientos, de mellotron y pop rock psicodélico a raudales, todo ello con gran creatividad compositiva e instrumental.
A partir de aquí otras bandas tomaron prestada esta idea y publicarían una serie de obras siguiendo un patrón similar, como por ejemplo The Who y su opera rock “Tommy” o The Kinks y su “Arthur Or The Decline and Fall of the British Empire” ambas de un año mas tarde, entre otras muchas lanzadas en la posterior década de los 70.
 

Shotgun Ltd-Shotgun Ltd (1971)

Shotgun Ltd fueron otra de esas oscuras y olvidas bandas de corto recorrido que dejaron su impronta con un soberbio y único álbum publicado a principios de la década de los 70 y que por los caprichos del destino quedaría olvidado en el oscuro túnel de la historia del rock and roll.
Formada en Los Ángeles, fue producto de las cenizas de otras bandas llamadas The Twilighters y The Ash, y estaba compuesta por el organista Dave Norup, el guitarrista Jack Schoolar, el cantante Joe Gutierrez, el bajista Ruben Dominguez y el batería Buzie Buchanan, todos ellos con edades que oscilaban entre los 17 y 21 años.
Durante sus conciertos en uno de los locales mas famosos de Los Ángeles, The Galaxy en Sunset Strip, son descubiertos por un cazatalentos llamado Delaney Bramlett quien les logra conseguir un contrato con un pequeño sello local llamado Prophesy Records.
Bajo este sello y producido por el conocido teclista de la banda Delaney and Bonnie, Jim Gordon, publican su primer y único trabajo titulado homónimamente como la banda.
Además en el proceso de grabación también participaron varios músicos de apoyo como el guitarrista Ben Benay y el saxofonista Jerry Jumonville e incluso el propio Jim Gordon tocando los teclados.
Este único álbum esta repleto de sonidos de blues hard rock con algunas influencias psicodélicas y sombríos sonidos progresivas, esto ultimo debido al uso de los sonidos del sintetizadores moog ejecutados por Jim Gordon.
Cortes como la inicial “Bard Road” dejan bien claro el sonido pesado de blues rock de la banda, mientras la intrincada “Number Two” es un corte con aires psicodélicos bastantes complejos.
Otros cortes como la brillante “I Don´t Mind” , la vigorosa “Mixed Nuts” y la rítmica “Trials” demuestran el enorme potencial de esta fenomenal banda. Sin embargo también demuestran sus grandes dotes vocales como queda demostrado en la exquisita “Feeling Bad” o en la irresistible “River of Hope”.
Pese a la enorme calidad del álbum, este pasa totalmente desapercibido como ocurriera con otros muchísimos publicados por la misma época, quedando relegados al mas puro olvido, provocando la disolución de Shotgun Ltd. algún tiempo mas tarde, debido a la falta de interés por el publico mas interesados en las centenares de bandas y los artistas mas mediáticos de aquellos años.

Weather Report-Heavy Weather (1977)

“Heavy Weather”, el séptimo álbum de la banda Weather Report, supuso un formidable ejemplo del equilibrio del mejor jazz rock, que mostraba todas las facetas de esta banda extraordinariamente talentosa, fusionando brillantemente no solo el jazz con el rock, sino también con sonidos de la world music, como la africana, la oriental o la brasileña.
Esta alternancia entre diferentes estilos y composiciones es lo que diferencia este soberbio álbum con todas las obras de sus coetáneos, considerado uno de los discos mas emblemáticos del jazz rock, al mismo tiempo que se convirtió en el momento cumbre de esta banda neoyorkina.
En este nueva entrega Joe Zawinul y Wayne Shorter reclutaron a uno de los mejores y más imaginativos bajistas de la historia como fue Jaco Pastorious, el cual ya había colaborado en el anterior “Black Market” como músico invitado.
El resto estaba formado por el batería Alex Acuña y el percusionista Manolo Badrena, este ultimo en sustitución de los anteriores componentes Don Alias, Chester Thompson y Narada Michael Walden, quienes habían participado en la grabación del mencionado “Black Market” de un año antes.
“Heavy Weather” es uno de los hitos en la música de jazz-fusión, el cual contiene música magistral y variada, que va desde lo virtuoso hasta lo plácido. El álbum se divide en ocho composiciones con una amplia gama de sonidos y estilos presentados a lo largo de sus 38 minutos en donde cada nota está impregnada de sentimientos comenzando por la sublime y gloriosa "Birdland", que con su tempo infeccioso, su inconfundible melodía y la notable instrumentación se ha convertido legítimamente en un estándar del jazz y el tema cumbre de este trabajo. En contrapunto a está, aparece la aterciopelada "A Remark You Made", mientras el lado funk la encontramos en “Teen Town”, en la cual Jaco Pastorious toma el total protagonismo de esta pieza escueta, la siguiente "Harlequin" mantiene el sonido de la pista anterior pero adoptando un ritmo más suave y dinámico,
Después de la descartable "Rumba Mama", una muestra del talento de Manolo Badrena, pero nada más reseñable, llega el turno de la vigorosa "Palladium", la vanguardista y compleja "The Juggler" y la vivaz "Havona", un fantástico colofón a tan sobresaliente trabajo.
Cuando Weather Report lanzó este exitoso "Heavy Weather" en 1977, la era del jazz fusión ya estaba comenzando a perder una cierta popularidad. Ellos fueron considerados una de las 5 bandas de fusión de jazz/rock más influyentes de la época y de la historia junto con la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, Return to Forever de Chick Corea, los proyectos de Miles Davis o The Headhunters de Herbie Hancock, pero sin embargo cada una de esas bandas ya había tenido sus picos de popularidad en los años anteriores (1970-1976) y estaban en la inevitable cuesta abajo. A diferencia de todas ellas, Weather Report todavía estaban en pleno ascenso y "Heavy Weather" terminaría siendo su álbum más popular, impulsado principalmente por temas como el mencionado "Birdland", además del sonido memorable pero complejo, al mismo tiempo accesible al gran publico, que acapararía la atención de los amantes del jazz, del pop y del rock en general.