"Absolutely Live" es uno de los mas fascinantes dobles en directo de los años setenta, que entre lo mas llamativo esta el que no incluye ninguno de sus hits en las listas de éxitos, lo que demuestra su carácter original y demoledor.
Aquí sobresalen algunas versiones de Bob Diddley y Willie Dixon, demostrando con ello, dónde estaban sus raíces.
Un directo que se inicia con el clásico de Bob Diddley "Who Do You Love", que la banda llevan a su campo, y continúa con un “Medley” compuesto por las canciones “Alabama Song”, “Black Door Man”, “Love Hides y “Five To One”, que culmina en uno de los momentos épicos del álbum con "When The Music Over".
Luego llega el turno del fantástico "Break On Through" y sorprenden con la soberbia "The Celebration Of The Lizard", poema épico musical de 14 minutos de duración, que rematan soberbiamente con una extendida versión de "Soul Kitchen".
Con este doble en directo, The Doors demostraron que fueron únicos incluso para grabar álbumes en vivo, todo una obra maestra absoluta de la música rock.
Formados a principios de los setenta, su formación estaba comprendida por el guitarrista y voz, Rainer Geuecke, el guitarra rítmico Hilmar Szameitat y la sección rítmica compuesta por el bajista Werner Hofmann y el batería Wolfgang Barak.
Influenciados por el hard rock blues británico de finales de los 60 y principios de los 70, con ciertos elementos progresivos, Chicken Bones mostraron una gran creatividad y un gran talento instrumental con un claro enfoque al jam guitarrístico, demostrado en la gran variedad de solos y riffs que durante todo el álbum se deja notar de manera predominante
El debut y al mismo tiempo único trabajo de esta banda podría describirse como un ejemplo del heavy y hard rock temprano, que sin embargo no tuvieron la continuidad ni el reconocimiento que se merecieron en su momento.
Este álbum fue grabado en los estudios Blackfield de Ostring en Bochum, en el estado de Renania del Norte, muy cerca de la frontera con Holanda y no grabado en directo como su extraño titulo deja entrever y en el destacan la boogie rock acelerada “Feeling”, la psicodélica “I´m Falling”, la progresiva “Water”, la hard rock “Factory Girl” o la melódica “Drive”.
Después de este lanzamiento la banda se reconvertiría en otra llamada Revanche, mas orientados al heavy metal y que tuvieron una carrera que duraría hasta mediados de la década de los ochenta.
Para este nuevo LP, Gabriel contaría con la colaboración de los guitarristas Nile Rodgers, David Rhodes, Bill Laswell y Daniel Lanois, los bajistas Tony Levin, Jerry Marotta y Larry Klein, los baterías Stewart Copeland y Manu Katché y las vocalistas Laurie Anderson y Kate Bush, además del cantante senegalés Youssou N´Dour, entre otros muchos mas.
La contagiosas “Sledgehammer” y “Big Time”, auparon al álbum hasta las primeras posiciones de las listas, alcanzando un segundo lugar en el Billboard 200 y el primer puesto en las listas británicas. Sin embargo “So” no solo vivía de estas irresistibles canciones con ese sonido pop rock accesible y pegadizo, en el también aparecían la apacible e hipnótica “Don´t Give Up” cantado a dúo junto a Kate Bush, la añeja “Red Rain” o la atmosférica “Mercy Street”.
“So” lograría unas ventas superiores a los siete millones de copias a nivel mundial, y supuso el trabajo mas exitoso de toda la carrera del músico británico.
Fue justo durante esa gira cuando se gestaría su siguiente movimiento discográfico, este "Wheels Of Fire", el cual esta considerado uno de los mas grandes dobles álbumes de la historia y el canto del cisne de la banda.
En esta magna obra dividida en un disco en estudio y otro en directo, Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce logran alcanzar su mayor creatividad y al mismo tiempo se convirtieron en los máximos abanderados en sus respectivos instrumentos.
Producido por Felix Pappalardi y con los arreglos de Robert Stigwood, las sesiones de estudio fueron grabadas entre Londres y New York durante varios meses de 1967 y 1968.
Entre los nuevos temas que aparecen en el primer disco titulado "In The Studio" destacan las blues "Politician", "Sitting On Top The World", las psicodélicas "Those Were The Days" y "Pressed Rat And Warthog", las clasicas e inmortales "Born Under A Bad Sign" y "White Room" y la acústica "As You Said".
Mientras el segundo disco titulado secundariamente "Live At Fillmore West", fue grabado durante el mes de marzo de 1968 entre el Fillmore West y el Winterland de San Francisco y contiene cuatro soberbias piezas ejecutadas magistralmente por el trío como la mítica versión "Crossroads" de Robert Johnson, en donde Eric Clapton muestra su fantástico talento con las seis cuerdas.
Otra versión, esta vez de Willie Dixon, es "Spoonful", en la cual presenta la faceta jam de la banda, repleta de improvisación y gran feeling por parte de los tres músicos. Mientras los dos últimos cortes son la frenética blues rural "Traintime" y la experimental "Toad" con un espectacular solo de batería del gran Ginger Baker.
"Wheels Of Fire" es un álbum primordial y básico dentro de la historia del rock y una clara muestra del por que Cream es considerado el primer super-grupo y al mismo tiempo una de las mas grandes bandas de la historia.
Este formación surgida en una de las bases áreas norteamericanas ubicadas en el Reino Unidos, tomaron el relevo musical de Crosby, Stills and Nash por sus excelentes melodías de folk rock.
Compuesto por el británico Dewey Bunnell, y los norteamericanos Dan Peek y Gerry Beckley, tuvieron ya desde sus primeras obras, el beneplácito de los fans entusiastas a los sonidos melódicos del folk rock heredero de los mencionados CSN y el sonido guitarrístico del country rock de The Eagles.
Desde su enorme álbum debut “America” (1971) hasta “Hearts” (1974) el quinto publicado, irían apareciendo una irresistible colección de canciones que lograrían alcanzar los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo y que gran parte de ellas aparecen en esta compilación, el cual contiene once de los hits mas importantes de la banda hasta ese año, como son "A Horse With No Name", "I Need You", "Ventura Highway", "Tim Man", "Lonely People", "Sister Golden Hair", “Daisy Jane”, “Muskrat Love”, “Sandman” o “Only In Your Heart”.
En este álbum la banda incorpora a su sonido el órgano y el saxo, instrumentos los cuales potencian el sonido característico de la Creedence, además de contener una serie de cortes mas complejos y con una producción mas refinada y compacta.
Temas como la brillante “Sailor´s Lament”, la angustiosa “Have You Ever Seen The Rain?”, la contundente “(Wish I Could) Hideway”, o la desenfadada “Born To Move”, contrastan con las mas previsibles del sonido característico de la Creedence, “Hey Tonight”, “Molina”, “It´s Just A Thought” y “Rude”.
En su recepción posterior “Pendulum”, lograría un quinto lugar en el US Billboard, consiguiendo un disco de platino por sus ventas, y a partir de aquí la banda seguirá como trío durante varios años mas, publicando el epilogo final en el año 1972 con el álbum “Mardi Gras”, el cual supuso su trabajo menos exitoso y el menos creativo de toda la obra de esta formidable agrupación, una de las mas grandes de la historia de la música rock.
Este único Lp titulado “Doing A Moonlight” (1976), esta repleto de preciosas melodías que combinan el soft rock con desarrollos instrumentales y los agradables sonidos del rock melódico.
Para la grabación de este único álbum, el grupo obtuvo la colaboración del saxofonista Jimmy Jewell, el teclista Clive John y el guitarra slide Ray Martinez.
Un disco que irradia un delicioso viaje por las soleadas costas de San Francisco y Los Ángeles, con una serie de temas irresistibles y ejecutados magistralmente como “Stay Out Of Town”, “Red Lights”, “Maybe Monday”, “Nito Bendito” o “Nobody Like You”, en donde la dualidad de las poderosas guitarras, el brillante sonido de los sintetizadores, la enérgica y sincronizada sección rítmica y las melodiosas voces, conforman un álbum que para muchos seguidores del genero, fue una de las mejores obras de aquella década, y que sin embargo pese a este enorme y prometedor debut, no tuvo la continuidad merecida.
Automatic Man, fueron una banda de corto recorrido originaria de San Francisco, la cual apenas publicaron dos interesantes álbumes en los años 1976 y 1977 y estaba formada por varios ex integrantes de la banda de Stomu Yamashta Go, ellos eran el ex batería de Santana, Michael Shrieve, el guitarrista Pat Thrall y el vocalista y bajo Doni Harvey, cerrando la formación el teclista Todd Cochrane.
Ellos no tuvieron ningún problema en conseguir que una discográfica se interesa inmediatamente por su proyecto, a tenor del pasado profesional de sus miembros, y fue así como la Island Records les contrato para la publicación de varios álbumes.
En su primer y homónimo álbum, la banda sigue una estela parecida a Go, con sonidos progresivos, funk, jazz, rock espacial y un estilo comercial cercano al pop rock
Un álbum que de alguna manera esta definido como obra conceptual con referencias mitológicas y en donde sobresalen cortes como la intro a base de sintetizadores "Atlantis Rising Fanfare", la cual es la antesala a la espectacular jazz rock "Comin´Through", otros cortes igualmente destacados son la psicodélica "My Pearl", la atmosférica "Newspapers", la space rock "One and One", la hard rock "Newspapers" o las monumentales y progresivas "Intersteller Tracking Devices" y "Atlantis Rising Theme".
Posteriormente con la misma e hipnótica portada, esta vez con un color rojizo en lugar del azulado del álbum debut, fue publicado un segundo en el cual ya no aparecen Shrieve ni Harvey sustituidos por el batería Glen Symmonds y el bajista Jerome Rimson, que con un resultado mas previsible de sonidos funk y pop rock, con menos espacio al vanguardismo y a los sonido progresivos y jazzisticos, termina por abocar el fin de la banda.
Después de disolverse definitivamente, Pat Thrall tendría una fructífera carrera participando en múltiples proyectos y bandas como Pat Travers Band, Meat Loaf, Asia, Glenn Hughes o Joe Satriani entre otros, mientras Todd Cochrane participara en cientos de grabaciones de otros tantos artistas como Peter Gabriel, Brand X, Jim Capaldi o PM y en una onda parecida ocurriría con el batería Shrieve quien ha colaborado en docenas de grabaciones de otros tantos artistas.
Sin embargo durante todos esos años, su líder Jeff Lynne no estaría en absoluto alejado de la música, sus múltiples proyectos y colaboraciones le llevaron a participar en la banda Traveling Wilburys junto a Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty y Roy Orbison, con quienes lanzaran dos extraordinarios discos “Traveling Wilburys Vol.1” (1988) y Traveling Wilburys Vol.3” en 1990. Pero además de ello Lynne participo como co- productor en infinidad de trabajos, destacando entre otros “Mystery Girl” de Roy Orbison (1989), “Full Moon Fever” (1989) y “Into The Great Wide Open” (1991) de Tom Petty, “Cloud Nine” (1987) de George Harrison, o “Flaming Pie” (1997), de Paul McCartney.
En medio de todo ello, Lynne publico su primer álbum en solitario “Armchair Theatre” (1990) en donde recreaba de manera menos barroca los sonidos ampulosos de su banda madre.
Para la grabación de su duodécimo álbum; “Zoom”, Lynne recurriría a su antiguo compañero de banda, Richard Tandy en los teclados, los ex Beatle, George Harrison y Ringo Starr y a una serie de músicos de sesión, además de la producción del propio Lynne que al mismo tiempo canta, arregla y toca prácticamente todos los instrumentos por lo que muchos consideraron esta entrega como un álbum en solitario y no uno propiamente dicho de la ELO.
“Zoom" se caracteriza por el destacado protagonismo que tienen la guitarras y los teclados, con un sonido que se asemeja a su álbum debut o los que escuchamos en los álbumes de Tom Petty o George Harrison. Temas puramente rock como “Melting In The Sun”, “All She Wanted”, “Alright” o “Easy Money” contrastan con las elegantes “Ordinary Dream” o “Moment in Paradise” , mientras las mesuradas “A Long Time Gone” y “Stranger On A Quiet Street” nos acercan con sus arreglos orquestales a la mejor época de la Electric Light Orchestra.
A mediados de los 70 existían una larga lista de estas bandas afincadas en Londres, y una de ellas era UNO, que estaba formada por los hermanos Corrado y Danilo Rustici, ambos guitarristas que junto al saxofonista Elio D´Anna decidieron rebautizar la banda como Nova, reclutando para ello al bajista Luciano Milanese y al baterista Franco Lo Previte.
Ya en 1976 y bajo el sello Arista publicaron su primer álbum "Blink", un meritorio trabajo que sin estar totalmente definido mostraba un estilo jazz rock con largas improvisaciones y grandes interacciones de guitarra y un saxo suntuoso.
Casi a finales de ese mismo año "Vimana" se convertía en su segundo larga duración, un trabajo mas maduro, en donde la banda se enfocaba mas en las composiciones que en el trabajo instrumental de sus miembros.
A partir de aquí la banda sufre diferentes cambios de integrantes, entrando el teclista Renato Rosset, el batería Ric Parnell y el bajista Barry Johnson, en sustitución de Danilo Rustici, Lo Previte y Milanese respectivamente.
Con esta formación la banda graba y publica su trabajo mas exitoso y su obra cumbre "Wings Of Love", el cual se caracteriza por un cambio de dirección musical mas enfocado al jazz funk, debido en parte al estilo funky del bajista Johnson.
Un álbum que contiene una musicalidad exquisita cortesía de las impecables habilidades técnicas de todos los miembros del grupo, ofreciendo un repertorio cargado de jazz rock ágil y dinámico, al mismo tiempo que refinado.
Temas como la dinámica funk rock "You Are Light", se convierte en uno de sus momentos mas creativos, con unas armonías sedosas y un ritmo contagioso y pegadizo. La jazz fusión "Marshall Dillion" muestra la faceta enérgica de Nova, mientras que la soñadora "Blue Lake" es el momento mas intenso del álbum.
"Beauty Dream / Beauty Flame" contiene una suave melodía en donde se fusionan delicados toques acústicos y reflexivos sonidos exóticos.
El resto sigue una línea continuista con la funk vertiginosa "Golden Sky Boat", la trepidante jazz con ecos latinos "Inner Star" o la elegante "Last Silence".
"Sun City" su cuarta obra, publicada al año siguiente, volvería a presentar un estilo jazz funk pero derivado al jazz mas convencional y previsible.
Poco después de este ultimo lanzamiento la banda se disolvía definitivamente dejando tras de si cuatro álbumes repletos de tensión, energía y brillantez técnica, los cuales están considerados obras capitales dentro del genero del jazz rock europeo.
Seyffer era un cantante y batería alemán que había formado parte de diferentes bandas a lo largo de la década de los 60, y no seria hasta principios de 1970, cuando por fin lograría establecer una formación estable y definitiva, formando Nine Days´ Wonder. Ya a mediados de ese año completaría la formación del grupo, compuesta por músicos de distintas nacionalidades. A Seyffer lo acompañarían, el alemán Rolf Henning en piano y guitarra, el irlandés John Earle en saxo, flauta, guitarra y voz, el austriaco Karl Mutschlechner en el bajo, y el británico Martin Roscoe a la batería.
Todos estos músicos empezaron a trabajar creando un estilo experimental, con una base de fusión de diferentes elementos y distintas influencias convergentes esencialmente en el krautrock, con una marcada influencia de Frank Zappa y del rock progresivo británico de la época.
En 1971 entraron en los estudios Dierks y grabaron su álbum debut, un gran ejemplo del más extravagante y extraño rock progresivo alemán que se haya grabado jamás claramente inspirado en bandas como King Crimson, Frank Zappa, Soft Machine, Tráffic, Family o Deep Purple, entre otras muchas.
Semejante fusión de estilos esta reflejado en un disco que presenta unas largas y complejas composiciones de música progresiva, de jazz rock, sonidos frenéticos, música extravagante, riffs pesados de heavy blues rock y sonidos vanguardistas.
Todo ello fundamentado en una libertad creativa asombrosa, con voces alteradas, toques psicodélicos, efectos sonoros, ruidos y muchos momentos de total frenesí musical.
Este primer álbum se compone de cuatro extensos cortes que oscilan entre los 12 y 15 minutos de duración, empezando por "Fermillion", que a modo de los Monty Python muestra la locura, el dinamismo, la experimentación y la soberbia instrumentación progresiva de la banda.
A esta le sigue la intensa "Moss Had Come", la humorística "Apple Tree" y la vanguardista y espacial "Drag Dilemma", sin duda el corte mas destacado de un álbum sobresaliente y al mismo tiempo esquizofrénico.
Hay que reseñar que a diferencia del progresivo convencional, aquí no hay órganos ni mellotrones, ni siquiera sintetizadores, es decir tres de los instrumentos esenciales del progresivo, que son sustituidos por la formidable interacción entre los instrumentos de vientos y las guitarras.
En definitiva un álbum con una de las músicas mas perturbadoras de principios de los 70, que conjunta los sonidos trastornados de Frank Zappa y Captain Beefheart, la música medieval y de cámara y las sensaciones contundentes del hard rock.
Raw Material se fundaría en Londres en 1969 y su formación estaba comprendida por el guitarrista Dave Green, el batería Paul Young, el vocalista además de instrumentos de viento Michael Fletcher, el bajista Phil Gunn y el teclista Colin Catt.
Bajo el sello progresivo de la RCA, Neon Records, publicaron su primer y homónimo álbum en 1970, en donde la banda británica mostraba un conjunto fascinante de diversidad sonora con elementos de jazz, blues y música psicodélica, todo ello bañado con un trasfondo oscuro y atmosférico, que le otorgan un sonido vanguardista.
Un año después llegaría su segundo y ultimo álbum "Time Is", en donde refuerzan su propuesta progresiva, con un estilo cercano a lo que por entonces hacían bandas como Van Der Graaf Generator o los primeros King Crimson, fusionado con elementos de poderoso rock emparentado con sus coetáneos Uriah Heep o los germinales Deep Purple.
Este "Time Is" destaca por su enorme diversidad sonora que iban desde pasajes pesados con poderosas guitarras, sonidos de órganos y sintetizadores e instrumentos de viento como el saxo y la flauta, hasta desarrollos mas atmosféricos y sinfónicos.
Temas como "Insolent Day", "Empty House", "Ice Queen" o “Awakening", completaron un álbum que sin llegar a ser un clásico contemporáneo, contiene una solida colección de temas enfocados al progresivo temprano, pero que desgraciadamente no tuvieron mucha mas continuidad por su escasa repercusión comercial, por lo que Raw Material desaparecerían poco después de la publicación de este interesante álbum.
Uno de esas bandas eran la Barclay James Harvest, quienes en 1977 lanzarían uno de los álbumes mas bellos de la ultima parte de esa década.
Sin embargo en este “Gone To Earth”, el que hacia su séptimo álbum en estudio, se intuía ya, aunque de manera sutil, un cambio estilístico hacia derroteros mas comerciales, pero sin perder un ápice de su esencia progresiva, añadiéndoles incluso sonidos cercanos al folk.
Desde su icónica portada, una de las mas hermosas de esa década, la banda reflejaba perfectamente la música atmosférica que con progresiones rutilantes, se intuía en su interior.
Un álbum que contiene uno de los temas mas emblemáticos de BJH como es “Hymn”, una bellísima canción contra los peligros del consumo de drogas, interpretado sublimemente por toda la banda, pero sobresaliendo la guitarra de doce cuerdas de John Lees y unas voces irresistibles. En un tono melódico parecido esta la atmosférica "Taking Me Higher", mientras "Friend Of Mine" nos deja un regusto de country rock con un sonido cercano a The Eagles. La hermosa melodía etérea de "Love Is Like A Violin" da paso la serena y cósmica "Sea Of Tranquility", la solida y melódica rock "Hard Hearted Woman", la encantadora melodía de "Spirit On The Water" o la rock progresiva "Leper´s Song".
Mientras "Poor´s Moody Blues", inspirada en la famosa canción "Nights in White Satín" de los Moody Blues, fue la respuesta contundente a los continuos comentarios por parte de la critica británica comparándolos como una versión pobre de los Moody, en ella John Lees desnudaría la canción original hasta sus acordes básicos, y manteniendo la estructura, reconstruiría una versión diferente, la cual se convirtió en uno de sus mayores éxitos.
"Gone To Earth" lograría unas ventas superiores al millón de copias a nivel mundial y al mismo tiempo ocupa uno de los primeros puestos en la listas de álbumes que mas tiempo han estado en las listas de éxitos de Alemania, 197 semanas consecutivas, además de estar considerado una de las pequeñas joyas del pop rock-progresivo y venerado por los prog heads europeos.
