martes, 29 de junio de 2010

Climax Blues Band


En plena fiebre del llamado “white british blues”, nace esta banda inglesa que en un principio se denominarían Climax Chicago Blues Band y que durante finales de los sesenta y principios de los setenta compitió con otras coetáneas como Savoy Brown, Fleetwood Mac, Chicken Shack y otras muchas mas.
La formación original comprendía a Peter Haycock (guitarra y voz), Dereck Holt (bajo y voz), Colin Cooper (saxo, voz y guitarra), Richard Jones (teclado) y John Cuffley (batería), quienes consiguen un contrato con la subsidiaria de Emi, Parlophone y publican su primer álbum “Climax Chicago Blues Band” (69) que resulta un trabajo lleno de calidad y en donde el blues sofisticado que practicaban, pronto les hace destacar entre la prensa y el publico británico
Al año siguiente llega “Plays on” (69), su segundo álbum en donde el grupo se acerca al vanguardismo, derivando el blues hacia la investigación y la creación de nuevas cotas sonicas.
Después de este álbum entran a formar parte del grupo Arthur Wood (teclado) y George Newsome (batería) en lugar de Cuffley y Jones. Con esta formación el grupo graba dos  sensacionales LP’s, “A lot of bottle” (70) un álbum espectacular y que descubría al gran publico una banda formidable de inteligencia creativa en concepto de nuevas sonoridades dentro del blues y posteriormente “Tightly knit” (71), otro soberbio trabajo de blues creativo y experimental y que fueron publicados por el sello especializado en rock de vanguardia Harvest.
La tercera obra cumbre de esta etapa del grupo y en donde acortaron su nombre a Climax Blues Band supuso uno de los más asombrosos álbumes de rock and blues británico de su historia, el apoteósico “Rich man” (72), formando ahora el grupo Cooper, Haycock, Holt y John Cuffley, que regresaba.
Seguirán los álbumes “FM/Live” (74), “Sense of direction” (74) y “Stamp album” (75), para el cual regresaba Jones.
Poco después se publica el recopilatorio “1969-72” (75) y, aunque lejos de su poderío inicial, el grupo se estabiliza ahora con una notable línea de albumes de excelente factura como: “Gold plated” (76), “Shine on” (78), “Real too reel” (79) y “Flying the flag” (80).
En la década de los ochenta el grupo mostró una cara mas comercial, faceta que ya habían empezado con el pegadizo tema “Couldn´t get it Right” del Álbum “Gold Plated”, que llego a los primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
Y así fueron sucediendose los álbumes con ese tratamiento comercial pero nunca exentos de gran calidad como “Lucky for Some” (1981), “Sample and Hold” (1983), “Drastic Steps” (1988), “Blues from the Attic” (1993) o “Big Blues” (2004).
La banda ha seguido estas últimas décadas girando alrededor del mundo, especialmente en festivales de blues y continuamente se reeditan sus mejores trabajos así como recopilatorios y grandes éxitos de su etapa dorada.
Por ultimo Colin Cooper fallecería en el 2008 a la edad de 69 años victima de un cáncer.

lunes, 28 de junio de 2010

Yes-The Ladder (1999)

El décimo octavo álbum de Yes, “The Ladder”, publicado en 1999, es para muchos el mejor y mas solido trabajo que la banda lanzaría en los noventa.
Por primera vez en su historia, la banda deja de ser un quinteto para estar integrada por seis músicos, con la inclusión de Billy Sherwood, como segundo guitarrista junto a Steve Howe. Por otro lado aquí también aparece Igor Khoroshev como el nuevo teclista, sustituyendo a Rick Wakeman
“The Ladder”, es un magnífico intento por recuperar el sonido clásico de los 70 como se puede intuir en cortes como “New Language”, un claro guiño a emblemáticos temas como son las clásicas “Parallels”, “Siberian Khatru” o “Tempus Fugit”.
El brillante sonido del Hammond por parte de Khoroshev, que en parte nos recuerda al Patrick Moraz del álbum "Relayer", el ritmo frenético que tanto Howe como Squire imprimen y un Alan White que cambian su estilo hacia un sonido mas dinámico, usando más recursos y mucha mas velocidad que el resto del grupo y la magnífica voz de Jon Anderson, hacen de este álbum, un verdadero retroceso musical hacia la época gloriosa de la banda.

jueves, 24 de junio de 2010

Quintessence


Quintessence fueron un grupo inglés de influencias religiosas y orientales, con una amalgama fusión de jazz y rock dentro de una ambigua estructura sónica, más colorista que importante, que se convirtieron en uno de los grupos más exóticos de los surgidos en los años 60.
Quintessence surgieron del centro artístico de Oxford Gardens y formaban la banda: Raja Ram, a la flauta, voz y piano; Shiva Shankar, a la voz y teclados; Shambhu Babaji; al bajo; Jake Milton, a la batería; y Maha Dev y Allan Mostert, a las guitarras.
Todos ellos se unieron a raíz de unos curiosos incidentes ocasionados en el barrio artístico de Oxfords Gardens, donde poetas, músicos, pintores e incluso la parroquia del lugar habían colaborado para su expansión.
La parroquia tenia una parte fundamental en todo lo relacionado con ello ya que la base de la música de Quintessence era la religión y en ella su problemática universal, y no es que se dirigían a un solo dios o a una sola forma divina, sino a todas las existentes y ello era lo que confería a su música ese policromo entorno que les distinguió.
Todo eso se conseguía con una compleja mezcla de rock, jazz, gospel, blues, estilos cuales les aplicaban estructuras sonoras tan dispares como las raíces de la música oriental, tibetanas, judaicas, etc.
Todos sus álbumes eran partiendo de esta base, un descomunal templo sinfónico en donde casi todo cabía. Es decir podríamos decir que este era un estilo verdaderamente progresivo.
Con producción de John Abraham, que había colaborado con Ravi Shankar y Yehudi Menuhin y que era experto en materias orientales, el sexteto debuta con “In blissful company” (69), a las pocas semanas de constituirse el grupo.
Este trabajo maravillo a los críticos del jazz, blues, músicas del mundo, del pop, etc.
A este primer álbum le siguieron “Quintessence” (70) y “Dive Deep” (70) que formaban la parte más genuina de su obra.
En 1972, empiezan a haber las primeras deserciones y así Shiva deja el grupo para formar otro de estructura similar, y Maha Dev también se va.
Con “Self” (72) y “Indweller” (73), Quintessence pierde los valores originales y desaparece, dejando tras de si una breve pero intensa historia que indudablemente no destacarían por ser un grupo de impacto, ni de listas, ni siquiera de hits, pero que lograron su propósito de crear algo distinto, con muchísima personalidad y originalidad.

miércoles, 23 de junio de 2010

Saxon-Wheels Of Steel (1980)


Formados a mediados de los setenta, Saxon es una de las abanderadas del movimiento del heavy metal británico, comúnmente también llamado New Wave Of British Heavy Metal, junto a otras formaciones coetáneas como Iron Maiden, Diamond Head, Samson, Praying Mantis, Motorhead o Def Leppard entre otras muchas más. 
Su núcleo principal giraba en torno a los guitarristas Graham Oliver y Paul Quinn, que junto al cantante Peter Byford, el bajista Steve Dawson y el baterista Peter Gill, obtuvieron una gran repercusión con su primer álbum publicado en 1979. Pero seria con su segunda entrega cuando lograrían entrar en el olimpo del heavy metal mundial, con una de las obras maestras del genero, "Wheels Of Steel" (1980). Con este segundo disco, Saxon mostraban el sonido que los convertiría en una referencia del movimiento heavy, con piezas tan memorables como "Freeway Mad", "Motorcycle Man", "747 (Strangers in the Night", "Wheels of Steel" o "Machine Gun".
Un sorprendente quinto puesto en las listas británicas, con una certificación de disco de oro, avalaron este grandioso y enérgico álbum del mejor heavy metal.



domingo, 20 de junio de 2010

James Gang


Este grupo norteamericano de hard rock, originarios de la ciudad de Cleveland, Ohio, atesoran tras de si una rica pero poco valorada obra discográfica y que es primordial en la historia de la música rock de Estados Unidos. Por ella habrían de pasar excelentes músicos, algunos de ellos fundamentales en el devenir de bandas cruciales dentro del panorama rock mundial.
La formación inicial contaba con Glen Schwartz (guitarra), Tom Kriss (bajo) y el líder y fundador, el batería Jim Fox que a mediados de 1966 logran una reputada fama en el circuito de Cleveland y sus alrededores.
Pero esta alineación duraría poco ya que a principios del 69, Schwartz abandona para unirse al grupo Pacific Gas and Electric y es sustituido por el guitarrista Joe Walsh, quien pronto toma las riendas del grupo con su personalidad y su talento.
En esta época el grupo llego a telonear a Cream en la ciudad de Detroit, realizando una soberbia actuación que no hizo más que asentar la calidad e incrementar la popularidad del grupo a nivel nacional.
El primer LP, “Yer album” (69), les revela como gran banda. Tras él se va Kriss y entra Dale Peters (bajo y voz).
Con esta formación, el trío graba sus tres mejores obras: “Rides again” (70), “Thirds” (71) y el doble LP grabado en vivo “Live in concert” (72). Ya posteriormente y con el respaldo de Pete Townshend, James Gang se presentan en Europa con gran éxito teloneando a The Who.
Posteriormente la banda intervendría en la película "Zachariah", un musical western surrealista basado en la novela de Herman Hesse; “Siddartha”.
En noviembre de 1971, Joe Walsh decide abandonar la nave para seguir en solitario una carrera llena de éxitos.
Walsh junto a Joe Vitale y Kenny Passarelli formarían la banda Barnstorm y publicaron su primer álbum “Barnstorm” (1972) y un año después el excelente álbum “The Smoker You Drink, The Player You Get” (1973), que contenía el hit mundial “Rock Mountain Way” que se convertiría en uno de los clásicos del rock de todos los tiempos.
Poco después la desgracia de ceba con Walsh al perder a su hija pequeña en un atropello.
Destrozado por esta perdida Walsh decide disolver el grupo y se retira durante mas de un año, hasta que casi a finales de 1974 se anima a publicar su primer álbum en solitario “So What” (1974) al que seguirán los exitosos “You Can´t Argue with a Sick Mind” (1976), “But Seriously Folks” (1978) o “There Goes The Neighborhood”(1981).
Pero sin duda seria su entrada como guitarrista de The Eagles y su primordial contribución al apoteósico “Hotel California” (1976) y al magnifico “The Long Run” (1979), lo que le llevaría al estrellato mas absoluto a nivel mundial.
Pero siguiendo con James Gang, después del abandono de Joe Walsh la banda se amplia con varios músicos mas por un lado Domenic Troyano (guitarra y voz) y por otro Roy Kenner (voz) que junto a Fox y Peters, graban los álbumes “Straight Shooter” (72) y “Passin’ thru’” (73). En 1973, es Troyano quien abandona para unirse a The Guess Who, siendo reemplazado por el guitarrista Tommy Bolin, con el se publican los brillantes “Bang” (73) y “Miami” (74).
Pero el año siguiente Bolin acepta la llamada de Roger Glover para unirse a Deep Purple en sustitución de Ritchie Blackmore, siendo seguido de Kenner, que también deja la banda. En 1975, Fox y Peters reaparecen con Rick Shack (guitarra) y Buba Keith (guitarra y voz), con quienes graban los mediocres “Newborn” (75) y “Jesé come home” (76), que se convierten en los dos últimos trabajos oficiales del grupo y posteriormente se precipita la disolución definitiva de James Gang. Ya en 1972 se había editado el recopilatorio “The best of James Gang”, con lo mejor de la etapa estelar, en la que Joe Walsh era el hombre fundamental de una banda que ha pasado a la historia como una de las pioneras del hard rock norteamericano.

sábado, 19 de junio de 2010

National Health-National Health (1978)

National Health fue una de las ultimas grandes bandas del movimiento del sonido Canterbury, interpretando el mismo estilo progresivo de influencias de jazz, rock y música clásica de la extinta banda Hatfield and The North. 
Formada por antiguos miembros de la mencionada Hatfield and The North, Caravan, Egg, Khan o Colosseum, estaba formada por Phil Miller (guitarra), Dave Stewart (teclados), Pip Pyle (batería) y Neil Murray (bajo), además de los músicos colaboradores Alan Gowen (teclados), Jimmy Hastings (flauta, clarinete), Amanda Parsons (voz) y Joni Mitchell (percusión). En 1978 publicaron su debut homónimo en donde sobresalían la epopeya "Tenemos Road", una de las piedras angulares del sonido Canterbury, las jazz rock "Brujo" y "Borogoves (Excerpt from Part Two)", en ambas todos los miembros de la banda muestran sus destrezas musicales de manera deslumbrante, para acabar este primer album con  la edificante jazz "Elephants".





jueves, 17 de junio de 2010

Catherine Ribeiro & Alpes-Paix (1972)

Catherine Ribeiro & Alpes fueron una de las bandas mas originales del underground francés de la década de los 70. 
Su estilo siempre fue difícil de definir, ellos utilizaban elementos del folk, la experimentación, la psicodélica y los sonidos progresivos. Liderada por el guitarrista Patrice Moullet y la cantante Catherine Ribeiro, tenían en el organista Patrice Lemoine, el bajista Jean-Sebastian Lemoine y el percusionista Michel Santangelli, el resto de esta particular banda gala. En 1972 lanzaron su cuarto trabajo bajo el sello Philips titulado "Paix", que con sus dos largas suites, es considerado su trabajo más progresivo y su obra cumbre. Estas dos suites son “Paix”, en donde muestran el típico sonido del krautrock alemán debido a los teclados espaciales, los sonidos ácidos, hipnóticos y oscuros y el ambiente inquietante de toda la pieza.
Por otro lado "Un Jour...la Mort", muestra un sonido mas intenso, con grandes capas de teclados y pasajes sonoros de guitarra y una percusión palpitante.
Durante los siguientes años, esta banda francesa seguiría publicado regularmente trabajos hasta 1980, cuando lanzaron su última obra, para poco después desintegrarse definitivamente.




martes, 15 de junio de 2010

The Allman Brothers Band-Shades Of Two Worlds (1991)

Uno año después de su reunificación lanzando el álbum "Seven Turns", The Allman Brothers Band volverían a publicar un nuevo trabajo, el cual se constituyo uno de sus mejores logros, casi a la misma altura de sus grandes obras de los setenta. 
En esta nueva entrega titulada "Shades Of The Two Worlds", la banda originaria de Jacksonville vuelven a mostrar su imponente estilo con un álbum repleto de country, rock, jazz y blues, todo ello bajo el envoltorio del rock sureño. Grabado en los estudios Ardent Recording de Memphis, fue producido por Tom Dowd y los propios Allman, que por aquellos años estaba formada por Gregg Allman, Dickey Betts, Butch Trucks, Warren Haynes, Marc Quiñones, Allen Woody y Jai Johanny. Piezas tan magnificas como los poderosos blues rock "Get On With Your Life" o "Desert Blues", conviven con los acercamientos a los sonidos jazzisticos "Kind Of Bird" y "Bad Rain", o con los polvorientos rock sureños "End Of The Line" y "Midnight Man", sin olvidarnos de sus raíces country y folk con "Come on in My Kitchen" o sus típicas jams extendidas con la soberbia "Nobody Knows". En definitiva, con este nuevo trabajo The Allman Brothers volvieron a reivindicar su esplendoroso pasado, dejándonos para la posteridad uno de los mejores álbumes de la música de raíces norteamericana.




sábado, 12 de junio de 2010

Nitty Gritty Dirt Band


Este es uno de los grandes grupos del country rock norteamericano más característico y en el que, junto a los miembros originales, han actuado otros grandes del género como Jackson Browne y otros coetáneos legendarios del folk y el country.
Originalmente la Nitty Gritty Dirt Band se forma en 1966 en California cuando de las cenizas de la germinal formación The Jug Band formada por el cantante Bruce Kunkel y el guitarrista Jeff Hanna se unen a Jimmie Fadden voz y armónica, Ralph Taylor Barr guitarra y Leslie Steven Thompson, bajo.
Posteriormente se les unirían John McEuen banjo, Chris Darrow guitarrista y Jim Ibbotson guitarra y teclados.
A finales de 1966 el grupo consigue un contrato con el sello Liberty quien les asegura un mínimo de ocho álbumes.
A principios de 1967 llegaría el primer álbum titulado “Nitty Gritty Dirt Band” que cosecha un discreto éxito gracias al tema “Buy me for the rain”.
Los siguientes álbumes obtienen meritorios resultados en las listas del country; “Ricochet” (1967), “Rare Junk” (1967), “Pure Dirt” (1968) y “Dead and Alive” (1969).
Pero fue su sexta grabación, “Uncle Charlie and His Dog Teddy” (1970), el que les convertiría en el grupo revelación del country and folk rock de aquel año, incluyendo tres éxitos pop, entre ellos la versión de Jerry Jeff Walker: “Mr. Bojangles”. De los muchos temas sobresalientes en “Uncle Charlie”, hubo también una versión de Earl Scruggs: “Randy Lynn Rag”. Esto puso en marcha lo que se convertiría posteriormente el álbum “Will The Circle be Unbroken”, una verdadera suma de talentos la cual incluía a grandes figuras del country como Scruggs, Doc Watson, Merel Travis, Roy Acuff and Mother Maybelle Carter...etc, este álbum triple grabado en un estudio de Nashville durante mas de seis días de 1971, se convirtió en un evento antológico y memorable y un hit multi-platino. “With the Circle...” permanece como un importante trabajo; a 30 años de su lanzamiento y es una de las 50 grabaciones honoradas y preservadas por la biblioteca del Congreso de los Estados Unidos como parte fundamental en la historia de la música norteamericana.
Un año después llegaría otra gran obra “All the good times” y participan en la película “Paint your Wagon”, hecho este que les hace aún mas populares.
Ambos trabajos fueron publicados por el sello United Artists una vez había finalizado el contrato que la banda tenia con Liberty.
Después de este ultimo trabajo Darrow y Thompson abandonan la banda, quedando esta conformada como cuarteto y así graban “Stars and Stripes forever” (1974) y “Dream” (1975).
A finales del año siguiente Hanna también decide abandonar la banda y el resto deciden continuar como “The Dirt Band” y empiezan esta nueva era con el triple álbum “Dirt, Silver and Gold” (1976), disco de versiones de clásicos del country and western.
Posteriormente llegarían “The Dirt band” (1978), “An American Dream” (1979) y “Make a little magic” (1980) que pasan bastantes desapercibidos fuera del circuito folk.
Tras algunos éxitos en la primera década de los 80’s, la banda regresó a Nashville una vez más y comenzó lo que se convertiría en una carrera bastante exitosa en la música country con tintes comerciales. Entre los exitos estaban “Dance Little Jean”, “Workin’ Man”, “Long Hard Road”, “Baby’s Got A Hold On Me” o “Fishin’ in the Dark”, que elevaron al grupo en la cima de las listas de country en las siguientes décadas y que pertenecían a álbumes como “Jealousy” (1981), “Twenty Years of Dirt” (1986), “Will the Circle be Unbroken Vol,Two” (1989) “The Rest of Dream” (1990) o “Not Fade Away” (1992).
Finalmente “Welcome to Woody Creek” (2004) y “Speed of Life” (2009) son los dos últimos registros de la banda.
Así mismo la banda ganaría en 1989 el premio Grammy al mejor álbum de country con “Will the Circle be Unbroken Volumen Two” y en 1992 haría lo mismo con el álbum “Acoustic”.


martes, 8 de junio de 2010

The Pentangle


Esta fundamental banda de folk británico, surgió a mediados de 1967 y pronto se convertiría en todo un clásico gracias a una refinada calidad y una elegancia instrumental basada tanto en la voz de Jacqui MsShee, como en la de sus dos guitarras solistas, los prestigiosos y reputados John Renbourn y Bert Jansch y de la sección rítmica compuesta por el batería Terry Cox y el bajista Danny Thompson que creaban el perfecto contrapunto rock a la sonoridad folk del quinteto.

Los orígenes de la banda se remontan varios años atrás cuando Renbourn publica su primer disco “John Renbourn” (1965) en el cual colaboraba Bert Jansch.
Ambos músicos ya eran sobradamente conocidos en el mundo del rock y el folk a nivel internacional, de hecho Donovan aprendía trucos de guitarra de Bert Jansch y le dedicaba la cancion “Bert Blues”. Ademas Neil Young se inspiro en su “Neddle Of Death” para su “Ambulance Blues” y Jimmy Page casi plagio su “Black Mountain Side” del “Black Water Side”.
Por su parte John Renbourn, era un virtuoso con la guitarra con claras influencias por el blues y la música antigua inglesa.
Este primer disco funciono tan bien en los circuitos de folk que un año después ambos músicos firman conjuntamente el álbum “Bert and John” (1966) y posteriormente “Another Monday” (1967) en donde además también intervenía McShee.
Paralelamente Bert había iniciado su carrera como solista con el álbum “Bert Jansch” (1965) al que siguieron “It Don´t Bother me” y “Jack Orion”, ambos de 1966 y “Nicola” (1967).
Y es ese mismo año cuando Jansch, Renbourn y McShee deciden juntar sus fuerzas y fundar una banda e incorporan a la mejor sección rítmica del momento dentro del panorama folk-rock, Danny Thompson y Terry Cox.
La unión de todos estos magníficos músicos originara una banda singular que enseguida adquiere fama y popularidad.
Definidos como folk rock barroco, su estilo se derivaba mas allá de esta relación; sus músicos reflejaban un fondo inequívocamente jazz. Y aunque sin haber mucho rock si influenciaron a este estilo mucho mas de lo que ellos fueron influenciados por el.
Pentangle reinvento canciones tradicionales anglosajonas de folk, blues y jazz mezcladas con composiciones de Bert. Sonidos mecidos por un sólido e imaginativo contrabajo, batería casi susurrada, dos guitarras enzarzándose en una melodía principal de idas y venidas y una cristalina voz de McShee acompañada por la que sentaría las bases por las que se medirían después todas las voces femeninas del folk británico como por ejemplo Sandy Denny.
Sus primeros años serán de una creatividad formidable con excelentes álbumes muy considerados tanto por la critica como por el publico en general y así se van sucediendo uno tras otro “The Pentangle” (1968), “Sweet Child” (1968), “Basket of Light” (1969), “Crouel Sister” (1970), “Reflection” (1971) y “Solomon´s Seal” (1972), que mantienen al grupo en lo mas alto del folk-rock británico.
Pero tanto talento difícilmente tiene una longevidad larga y a mediados de 1973 el grupo se disuelve.
A partir de aquí todos los músicos siguen unas carreras en solitario, siendo Bert Jansch y John Renbourn quienes se muestren mas activos publicando asiduamente nuevos y numerosos trabajos, si bien paralelamente al grupo habían publicado “Sir John Alot Merre Englandes musik thynge and ye grene knyghte” (1968) o “The Lady and the unicorn” (1970) por parte de Renbourn y “Birthday Blues” (1969) y “Rosemary Lane” (1971) de Jansch. 
Después de la disolución de la banda el primero grabaría “So Clear” (1973), al que seguirán “Heads and tails” (1974) y “Black Balloon” (1978) entre otros muchísimos mas y el segundo “Moonshine” (1973) o “Santa Barbara honeymoon” (1975).
En los años siguientes se publicarían numerosos recopilatorios de Pentangle como “History Book” (1972) o “Anthology” (1978).
En 1980 la banda se reuniría para una serie de conciertos por toda Europa que apenas duraría unos meses por el abandono de algunos de sus miembros.
A partir de aquí la banda se ha venido reuniendo ocasionalmente con diferentes formaciones quedando solo McShee y Jansch como únicos miembros originales y publicando algunos nuevos registros como “Think of Tomorrow” (1991) o “One More Road” (1993).

sábado, 5 de junio de 2010

This Is Rock

Este mes tenemos entre otras muchismas entrevistas y articulos los siguientes contenidos:
Los guitarristas de blues rock son un ejemplo de músicos de técnica sobresaliente, actitud ejemplar y popularidad difusa. Y quizás algunos de los más fieros exponentes del género sean de lo más grande dentro de él. Entre ellos tenemos a Rory Gallagher, Paul Kossoff, Roy Buchanan y Stevie Ray Vaughan. No puedo pronunciar los cuatro nombres sin sudar. Estos tíos representan mejor que nadie la llamada de la naturaleza, el concepto original de la música como transmisora de emociones.
Rory Gallagher era un héroe a regañadientes, el irlandés tranquilo que ha sido reconocido durante mucho tiempo como uno de los mejores proveedores de blues eléctrico que hayan cogido nunca un instrumento. Esta conversación tuvo lugar en 1974. Rory estaba en América, de gira, y nada le gustaba más que hablar de su música.
En cambio a lo largo de su carrera, Paul Kossoff se vio obstaculizado por su mala salud y su adicción a las drogas y pasó mucho tiempo ingresado en hospitales. En agosto de 1975 sufrió un fuerte ataque al corazón. Una recaída le causó la muerte el 19 de marzo de 1976, mientras dormía durante un vuelo desde Los Angeles a Nueva York. Esta entrevista se llevó a cabo unos meses antes de morir y supone un recorrido por su forma de tocar, las bandas de las que formó parte y su relación con la escena rock inglesa.
Todo el mundo, desde músicos como Jeff Beck y Eric Clapton a bandas como los Rolling Stones le aclaman a Roy Buchanan como uno de los grandes, y sin embargo, cuando este pionero de la Telecaster, nacido en Arkansas y trasladado a California con dos años, se suicidó en la cárcel apenas era conocido fuera del círculo de sus acérrimos seguidores.
Stevie Ray Vaughan encendió un cigarrillo, trató de relajar su respiración y empezamos a hablar. Esto ocurría el 29 de octubre de 1985, solo cinco años antes de su muerte, acaecida el 27 de agosto de 1990.
Son muchos los elogios que pueden venirnos a la mente cuando pensamos en un guitarrista como Steve Howe, pero si tuviésemos que elegir palabras que se acercaran a una definición corta y acertada de su figura como guitarrista, algunas de ellas serían: originalidad, personalidad y virtuosismo.
Músicos como Steve Hackett deben hacernos sentir orgullosos de amar el rock en particular, y la música en general. Su guitarra ha dejado impronta en álbumes que han servido para ayudar a cimentar y engrandecer el rock progresivo. Sólo por su trabajo en Genesis, puede considerarse a la altura de otros grandes del género como Howe o Robert Fripp.
Cuando se habla de los mejores bajistas de finales de los 60 surgen nombres como Jack Bruce, John Paul Jones, John Entwistle o Paul McCartney. Puede que el que fuera bajista de Free, Andy Fraser, no esté en esa lista, pero debería. Fraser tomó elementos de Bruce y McCartney y creó un estilo rítmico, sincopado y al mismo tiempo melódico.
En las secciones habituales de la revista:
The Essential: Pink Floyd, Record: Caravan,  Nuestro Rock Banzai,  Backline : El Guitarrista Leproso, High Voltage Festival, The Bones, Khy, Todd Rundgren, Virginia Wolf, Deadline, Kings Of Nuthin', Magnum, Zach Williams, Libro, Hifi, Rockstore,
Novedades UFO, Journey, Jimi Hendrix, Foghat, Meat Loaf, Iggy Pop and The Stooges, Molly Hatchet, Kissin' Dynamite, China, Angelus Apatrida, Legen Beltza...
On Stage: Kiss, Finisterrae Festival, Treat, Robert Fripp.

jueves, 3 de junio de 2010

Greenslade


Cuando a finales de 1971 se confirma la ruptura del grupo de jazz progresivo Colosseum, cada uno de sus miembros, todos ellos de excelente prestigio, toman rumbos diversos y así Dave Greenslade, el teclista del grupo forma su propia banda llamada Greenslade a principios de 1972, junto con otro ex-miembro de Colosseum, el bajista Tony Reeves, completando la formación Andrew McCulloch (batería, que había sido músico de Arthur Brown y temporalmente de King Crimson) y Dave Lawson (cantante, teclista e instrumentos de viento, otro veterano que había militado en grupos como Episode Six y el Alan Bown Set).
Greenslade iniciarían así su rutilante historia, con un estilo basado en la aplicación de dos teclados e inspirado en los márgenes más vanguardistas de lo hecho por Colosseum, El grupo graba dos primeros álbumes excelentes que les colocan en un buen lugar dentro de las nuevas bandas de rock progresivo en los primeros años 70 y que contó con la estimable colaboración de Roger Dean con sus espectaculares portadas. Estos LP’s eran “Greenslade” (72), un trabajo muy orientado al jazz con reminiscencias blues en donde la ausencia de guitarras es el denominador común del álbum, y en donde el mellotrón cobra un protagonismo vital conformando un trabajo lleno de matices con largos paisajes de sosegados sonidos, rotos por momentos con enérgica línea de bajos y la tonalidad pastoral de la voz de Lawson y el siguiente “Bedside manners are extra” (73) publicado un año después, un trabajo mas pulcro y solidó, con una notable incorporación de sintetizadores y una sección rítmica mas participativa, dotando al sonido elementos de poderoso blues-jazz-rock progresivo.
En 1974, el guitarra Dave Clempson, que acaba de dejar Humble Pie, se une a ellos como quinto miembro oficial, ampliando el potencial del grupo, aunque apenas colabora en el tercer LP, “Spyglass guest” (74), que continua con la línea estilística del anterior disco.
El abandono después de este último trabajo por parte de Tony Reeves es cubierto por el bajista Martín Briley, mientras que Dave Clempson sigue su camino itinerante de igual forma. En 1975, se publica “Time and time”, que supone un ligero paso atrás y que precipita la disolución de la banda a principios de 1976
Posteriormente Dave Greenslade graba su primer álbum en solitario “Cactus choir” (1976) un portentoso ejercicio de rock progresivo que contó con un lujoso plantel de invitados; Rupert Hine, Simon Phillips o Mick Grabham.
Varios años después en 1979 reaparece con su segundo álbum, el ambicioso y espectacular “Pentateuch of the cosmogony”, un álbum doble conceptual sobre relatos y cuentos del prestigioso ilustrador Patrick Woodrofe que contenía ilustraciones y dibujos en una edición lujosísima que fue durante muchísimo tiempo una pieza de coleccionista tanto para los melómanos como los aficionados a la ilustración y que contaba con la participación de Phil Collins.
En lo sucesivo Dave Greenslade publicaría dos trabajos más “From the Discworld” (1994) y “Going South” (1999).
Por su parte la historia del grupo se mantendría viva ya que en 1997 se publicaría el grandes éxitos “Shades of Green” y varios años después el directo “Live” con temas grabados en conciertos de las épocas entre 1973 y 1975.
Sin duda Greenslade fueron uno de los pilares fundamentales del rock progresivo de la década de los 70.

martes, 1 de junio de 2010

Al Stewart


Al Stewart es uno de los grandes cantautores británicos surgidos de la primera corriente del folk ingles que protagonizaría muchos momentos memorables durante la década de los setenta.
Este escocés de nacimiento, inicio su periplo musical cuando a mediados de los sesenta abandona Glasgow en donde era miembro de una banda local de pop llamada The Sabres y se traslada a Londres para iniciar una carrera en solitario y comienza a actuar en el circuito de clubs de folk de la capital británica.
Junto a Donovan se convierte en uno de los grandes trovadores del estilo y le aportan la fama suficiente para que el sello londinense Decca le proponga un contrato, el cual consistía en grabar varios singles que pasaron totalmente desapercibidos.
Este es el motivo por el cual dicho sello le rescinde el contrato y Stewart lejos de desanimarse logra conseguir que la discográfica CBS se interese en el y le publique una serie de canciones que el músico tenia compuestas y pasarían a pertenecer a su primer álbum “Bedsitter Images” (1967), en donde Stewart mostraba su faceta folk muy cercana al flower power, con orquestales arreglos barrocos que obtiene un discreto éxito en las listas.
No seria hasta principios de 1969 cuando llegaría su segundo trabajo “Love Chronicles”, en el cual Stewart se despoja en parte de las florituras amorosas y orquestales del primer album para seguir la corriente vanguardista de la época y cuya principal novedad es la inclusión del tema homónimo de 18 minutos de duración, en el cual el músico realiza una sucinta memoria autobiográfica y en donde sobresalía la guitarra sublime de un genial Jimmy Page.
En “Zero she Flies” (1970), su siguiente álbum, Stewart reiteraba los gustos por el folk-rock y las buenas melodías dejando claro su habitual lado intimista.
Los siguientes cinco años publicaría el meritorio “Orange” (1972), en donde contó con la participación de Rick Wakeman, el ambicioso y conceptual “Past, Present and Future” (1973), un disco que narraba las predicciones del famoso boticario francés en el corte ”Nostradamus” o el magnifico “Modern Times” trabajo bajo las influencias de Alan Parsons, que tomo las riendas de la producción, evidenciando aquí el sonido pop sofisticado que emanaba en todo el álbum.
Este último fue curiosamente su álbum más exitoso hasta ese momento, pero también el último con la CBS.
Un año después llegaría su obra maestra “Year of the Cat” (1976), el primero con el nuevo sello RCA y producido nuevamente por Alan Parsons, que consigue un éxito apoteósico a ambos lados del atlántico, gracias en parte al tema que daba titulo al álbum o otras de igual belleza como “On the Border” o “Lord Grenville”.
Llegados a este punto Al Stewart estaba en el cenit de su carrera y sus trabajos en adelante entrarían en una etapa de continuidad musical con un estilo lleno de sencillez, colorismo y canciones deliciosas de un gran impacto comercial.
Así se fueron sucediéndose los álbumes como el magnifico “Time Passages” (1978), el aceptable “24 carrots” (1980) el doble álbum en directo Indian “Summer Al Stewart Live” (1981), o los interesantes y meritorios “Russians and Americans” (1984), “Last days of the Century” ( 1988), “Rhymes in Rooms” (1992) o “Famous last Words” (1993).
En 1995 Stewart volvió a publicar un nuevo álbum concepto, “Between The Wars” en el cual relataba acontecimientos históricos y culturales de principios del siglo 20.
Los últimos trabajos publicados por Stewart han sido “A Beach full of Shells” (2005),  “Sparks of Ancient Light” (2008) y el directo “Uncorked” (2009).