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martes, 28 de diciembre de 2010

Años 70: Banco del Mutuo Soccorso

Banco del Mutuo Soccorso, esta considerada una de las mejores bandas italianas del rock progresivo de toda su historia, fundada en 1971 como producto de la fusión de dos grupos, Fiori de Campo y Experience. El grupo inicial estába integrado por: Vittorio Nocenzi, teclados, flauta y voz; Gianni Nocenzi, teclados y voz; Marcello Todaro, guitarra; Renato d’Angelo, bajo; Pier-Luigi Calderoni, batería; y Francesco di Giacomo voz. Su primer álbum, Banco del Mutuo Soccorso (72), es n.º 1 en Italia y encumbra al sexteto; con unas composiciones bastante maduras contenía los elementos que caracterizaron al grupo en su posterior carrera.
Este primer álbum contenía memorables momentos como la suite Metamorfosi, la espectacular In Volo o la genial 'Il Giardino Del Mago'
El álbum pronto se convierte en un éxito en Italia y en media Europa y reafirmando al grupo entre los mejores grupos del rock sinfónico del año 1971.
Este mantiene su prestigio y calidad con los dos álbumes siguientes, el mítico Darwin (73) considerada una obra maestra del progresivo y el intenso y monumental Lo sono nato libero (73).
La lírica italiana tradicional, unida al tono de rock mediterráneo, con una gran amalgama de sonidos y una increíble riqueza instrumental les impulsa fuera de sus fronteras. Keith Emerson les descubre y les introduce en el sello Manticore, donde ya está la otra gran banda italiana, P. F. M.
Con el cambio de Rodolfo Maltese como guitarra en lugar de Todaro, y con el nombre abreviado Banco, el sexteto debuta en el nuevo sello con el lp, Banco 1975) y posteriormente Garofano rosso (76), al que seguirán una serie de buenos trabajos como Di tearo (77), Canto di primavera (78), Capolinea (79) y Urgentísimo (80 ) A pesar de los buenos auspicios, no habrá éxito masivo; y, perdida su oportunidad internacional, vuelven a circunscribir su trabajo a Italia con los álbumes Boune Notizie (81) y Banco (83).
Después de este ultimo la banda desperecería hasta mediados de los 90 cuando se reunirían y publicaban el discreto II13 (94) antes se habían publicado algunos trabajos como el recopilatorio Donna Plautilla (89).
En los sucesivo el grupo seguirá publicando nuevos trabajos de enorme calidad pero de una menos entidad comercial Banco d´Accusa (96) Nudo (97) o Seguendo le Tracce (2006).
Actualmente la banda sigue girando en conciertos por media Europa a la vez de ser una de las asiduas de los festivales de rock progresivo del viejo continente.


Web Oficial Banco

lunes, 20 de diciembre de 2010

Años 60: The Moody Blues

Uno de los hitos en la historia de la música rock es el protagonizado por The Moody Blues que con mas de cuarenta años de actividad es una de la carreras no solo mas largas si no también mas afortunadas con decenas de discos de oro y de platino y una popularidad sin fronteras y que sin duda comparten el olimpo del rock´n´roll junto a The Beatles, Rolling Stones o The Who.

Lo que empezaría como una banda de pop con algunos números uno en las listas se convertiría después en la banda percusora del pop sinfónico creando obras conceptuales de maravilloso fondo sonoro, con una creatividad coherente y una excepcional habilidad para conseguir hacer una música en muchos casos sublime.
Fundados en Birmingham a mediados de 1964 en la misma ciudad en donde otro grupo Move iniciaba por aquella época su andadura musical, con quienes tenían unas estrechas relaciones ya que algunos de sus miembros habían compartido bandas años antes.
Inicialmente la formación de The Moody Blues la comprendía el guitarrista Denny Laine, el teclista Mike Pinder, el vocalista, flauta y armónica Ray Thomas, el bajista Clint Warwick y el batería Graeme Edge.
Los comienzos del grupo estuvieron bajo el emblema de su común pasión por el R&B y tocaban sin cesar en locales de su ciudad hasta que el sello Decca les ficha observando en ellos un potencial en bruto, y no queriendo dejarles escapar como ya lo hiciesen años antes con los mismísimos The Beatles.
Lose your Money se convertiría poco después en su primer single sin que tenga el éxito esperado, pero si el segundo Go Now, una frenética versión del tema de Bessie Banks.
Este single publicado en enero de 1965 se convertiría inmediatamente en un éxito abrumador llegando a alcanzar el numero uno en la listas de éxitos.
El grupo cosecho tal éxito que los propios The Beatles le propusieron ser sus teloneros por la gira norteamericana.
Pero a pesar del éxito el grupo aun no había alcanzado la estabilidad y lo siguientes singles fueron bastante mal parados en las listas de éxitos.
Así en 1965 y de vuelta de la gira norteamericana graban su primer álbum The Magnificent Moodies, un vacilante trabajo que desemboca en el abandono de Warwick y Laine.
Pese a todo el álbum recibió buenas criticas y contenía varios singles de de éxito como Steal your heart away y Go now llegando al número uno este ultimo, convirtiéndose así en el primer gran éxito de la banda..
Los sustitutos de Laine y Warwick serian el bajista John Lodge y el guitarrista Justin Hayward, que pronto se revelaría como un músico fundamental en el devenir futuro del grupo.
Los nuevos Moody Blues sacarían al mercado un disco con un nuevo sonido pop-rock sinfónico Days of future passed un inconmensurable álbum conceptual grabado junto a la London Festival Orchestra que iniciaría de manera oficial un nuevo estilo, el rock sinfónico.
Soberbios temas como Tuesday Afternoon o la archiconocida Nights in white satin catapultaron al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico.
Un álbum que nacería de manera extraña en parte debido a varias coincidencias.
Una de esas coincidencias seria cuando un exitoso Tom Jones recibió la invitación para un gran concierto en el Olympia de Paris y este antes de rechazar tal oferta por aun no tener un nuevo repertorio el cual ofrecer invita precisamente a The Moody Blues con quienes compartían sello discográfico, para que de alguna manera llenaran el hueco de una hora de duración que Jones no podía realizar.
La actuación de los Moody Blues seria apoteósica y el público asistente quedo sorprendido por el talento y la calidad del grupo.
Después de esta calurosa acogida por el público, los responsables del sello discográfico les plantearon a los Moody Blues grabar una versión especial de la sinfonía del nuevo mundo de Dvorak.
Revelando unas grandes dotes de diplomacia el grupo logro beneficiarse de la situación y aprovechar la presencia de la orquesta para grabar sus propias canciones y realizar Days of future Passed.
Posteriormente otros muchos artistas emularon el proyecto de The Moody Blues de grabar acompañados de una orquesta sinfónica y así casos como Deep Purple y su Concerto for group and Orchestra, Procol Harum con su With the Edmonton Symphony Orchestra o otros muchos fueron sucediéndose en las décadas posteriores.
Este álbum vería la luz en 1968, y seria producido por Tony Clark y orquestado por Pete Knight .
In search of the lost chord (1968) seguiría otro rumbo al incorporar un nuevo instrumento, el Mellotrón y producido por Tony Clark. El álbum fue grabado durante las madrugadas de varios meses y está lleno de melodías de influencia oriental y psicodélica. En él se utilizan multitud de instrumentos tocados por ellos mismos, como por ejemplo el sitar.
El disco enseguida tendría gran éxito en Inglaterra y Estados Unidos, consigue un disco de oro, al igual que los dos singles extraídos del mismo: Voices in the Sky y Ride My See-Saw.
Al año siguiente editan un nuevo álbum titulado On the Threshold of a Dream, en el que continúan con la misma estructura e influencias psicodélicas del anterior Lp. Producido por T.Clark, el disco llega hasta el número 1 en las listas inglesas y a los primeros puestos de las americanas. Con él los Moodies consiguen su tercer disco de oro y el single Never Comes the Day extraído de éste álbum también tiene un gran éxito.
Después de este trabajo dejan Decca para fundar su propia compañía discográfica, a la que bautizan como Threshold, en un intento de invertir mejor el dinero obtenido, casi diez millones de dólares en apenas dos años. En ella editan en noviembre de ese mismo año un nuevo Lp, producido por T.Clark: To Our Children´s Children´s Children. Un álbum apropiado para ese año en el que el hombre pisó la luna por primera vez, puesto que la música incluida en él explora temas espaciales y de viajes astrales. Fue el proyecto más ambicioso de los Moodies hasta entonces. De nuevo la banda consigue un disco de oro por su trabajo, el cuarto hasta ese momento.
El grupo estaba por entonces en la cúspide de la popularidad y participan en el multitudinario Festival de la Isla de Wight.
A principios de 1970 el grupo publicaría el single Question como anticipo a su nuevo álbum,  una canción de protesta contra la Guerra de Vietnam, logró un éxito arrollador: se vendieron mas 15000 copias en 3 días en Inglaterra y 70000 copias en 5 días en Estados Unidos.
Ese mismo año, en agosto aparece su nuevo Lp A Question of Balance escrito y grabado en tres semanas. En él deciden no utilizar gran cantidad de instrumentos como en sus álbumes precedentes, sino emplear los que tocaban sobre el escenario en directo. El resultado fue satisfactorio y ese mismo mes conseguían el número 1 en las listas inglesas durante tres semanas. En Estados Unidos llegaron hasta el número 3 y son galardonados con su quinto disco de oro.
No seria hasta mediados de 1971 cuando el grupo se decidiera publicar un nuevo trabajo Every Good Boy Deserves Favour, que fue como una continuación de A Question of Balance. El álbum está influido por la erosión social de los antiguos idealismos de los sesenta. Su título es consecuencia de las notas musicales E-G-B-D-F (mi-sol-si-re-fa), cuya fórmula se repite varias veces a lo largo del disco. En él utilizan una gran variedad de extraños instrumentos electrónicos y primitivos sintetizadores. De nuevo los Moodies llegaron al número 1 en Inglaterra y al número 2 en Estados Unidos, y recibieron el sexto disco de oro en su, hasta entonces, corta carrera musical.
Finalizada la posterior gira mundial retoman la grabación de su séptimo álbum: Seventh Sojourn (1972) que será realizado en octubre. Fue grabado en varios estudios, incluso en el que Mike Pinder tenía en su garaje. La idea del álbum está tomada de los "Cuentos de Canterbury", en los que cada uno cuenta sus propias historias. Así, los Moodies relatan una historia en cada canción del álbum. Utilizan un nuevo instrumento de teclado llamado Chamberlain, parecido al mellotrón pero que consigue mejores sonidos. El éxito de Seventh Sojourn es arrollador tanto en Europa como en Estados Unidos, donde estuvo como número 1 durante cinco semanas consiguiendo un nuevo disco de oro.
Aprovechando la coyuntura se reedita el single Nights in White Satin que consigue incluso más éxito que la primera edición de 1967, llegando incluso a ser numero uno en medio mundo.
Después de este álbum se embarcan en una gira mundial de 9 meses que les lleva por toda Europa, Japón y los Estados Unidos.
El triunfo de su nueva sonoridad había sido saludado con un nuevo éxito en ventas con cada siguiente disco y con cada gira multitudinaria posterior, pero a principios de la década de los 70 todos los integrantes del grupo dejaron aparcado el proyecto para perseguir diferentes carreras en solitario.
Ese mismo año el grupo inauguran su propio estudio en West Hampstead, Londres. Se trataba del primer estudio cuadrafónico del mundo
Aprovechando el paron se publica This is The Moody Blues, doble álbum recopilatorio que consiguió un gran éxito y otorgándoles su octavo disco de oro.
Justin Hayward y John Lodge trabajan juntos en un nuevo proyecto. El resultado llega en marzo cuando lanzan en Estados Unidos su álbum Blue Jays, que continua con el legado melódico de los Moody Blues. Peter Knight, que colaboró con ellos en Days of Future Passed, orquesta tres cortes del disco. Su éxito es inminente en Estados Unidos e Inglaterra, lo que les lleva a realizar una gira mundial.
From Mighty Oaks, primer disco en solitario de Ray Thomas, tambien fue publicado en las mismas fechas. El álbum está construido a semejanza del estilo sinfónico de los Moody Blues y con el toque personal de Ray. El álbum consigue un éxito moderado. Poco tiempo después publicaría un segundo titulado Hopes, Wishes and Dreams, que cosecha un menor éxito que el anterior disco
Por su parte Graeme Edge graba su disco en solitario en colaboración con los hermanos Adrian y Paul Gurvitz. Bajo el nombre de The Graeme Edge Band editan el álbum titulado Kick of Your Muddy Boots, cuyo éxito fue escaso. El estilo del Lp es totalmente ajeno al de los Moody Blues.
Finalmente Mike Pinder realiza The Promise, un disco inspirado en temas espirituales. A pesar de su calidad, pasaría con más pena que gloria
El siguiente año 1977 también seria elegido para proyectos en solitario, así
John Lodge edita un disco en solitario titulado Natural Avenue, que sigue el camino musical de los Moodies. John consigue un notable éxito en Inglaterra con este encantador álbum.
Songwriter, el primero de los álbumes en solitario de Justin Hayward, ve la luz. El éxito del disco tanto en Inglaterra como en Estados Unidos es enorme.
Y Graeme Edge junto a su banda lanza su segundo disco: Paradise Ballroom, el cual tiene escasa repercusión en las listas.
Este mismo año se publicaría el doble álbum de The Moody Blues Caught Live + 5, que incluye una grabación de su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en diciembre de 1969 y cinco canciones de estudio de los años 1967 y 1968 no editadas hasta entonces. El doble Lp tiene una buena acogida en Estados Unidos.
Ya en 1978 Justin Hayward es llamado por Jeff Wayne para colaborar en su álbum The War of the Worlds, en el que también colaboran el actor Richard Burton y los cantantes David Essex, Phil Lynott, Julie Covington, etc... Justin canta en los dos singles extraídos de este doble álbum: The Eve of the War y Forever Autumn, este última canción sería de grandísimo éxito en medio mundo.
Para principios del mismo año se publica Octave (1978) el nuevo Lp tras esas aventuras y muy esperado por sus fans, que llegó fácilmente al número uno. En la gira posterior Pinder fue reemplazado por Patrick Moraz.
La década de los 80 empezaría cuando Justin Hayward realiza su Lp Night Flight. El disco es producido por Jeff Wayne, con quien ya había trabajado en The War of the Worlds. Hayward combina canciones propias con versiones de temas de otros autores. El disco consigue mayor éxito en Inglaterra, donde llega al Top 50. Las canciones Night Flight y Nearer to You son editadas como singles.
Ese mismo año The Moody Blues comienzan a trabajar en su nuevo disco, que verá la luz al año siguiente.
Ese nuevo álbum se titularía Long Distance Voyager, (1981) producido por Pip Williams. La música de este disco sigue llena de bellas melodías. Un trabajo con un sonido más moderno sin perder un ápice el sonido característico de los Moodies, para ello se utilizó sintetizadores y se reforzó la sección rítmica. El resultado fue satisfactorio y el álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas mundiales. En Estados Unidos son galardonados con un disco de platino después de ser el número 1 durante tres semanas
No seria hasta varios años después cuando se publicaría el siguiente trabajo The Present (1983), una lógica continuación del estilo de Long Distance Voyager, combinando de forma magistral baladas y canciones fuertes llenas de Rock & Roll. El disco tiene una gran aceptación aunque no llega al éxito del anterior.
Un año después se publicaría el recopilatorio Voices in the Sky (1984).
Justin Hayward editaría al año siguiente su nuevo álbum Moving Mountains, en el que trabaja con varios productores -Martin Wyatt, Tony Visconty, Jeff Wayne- y algunas de las canciones tienen arreglos de Peter Knight. Justin canta temas propios que había grabado desde 1980, además de una canción escrita junto con Jeff Wayne y otra de C.Ward. El disco tiene un buen éxito y de él se editan dos singles: Silverbird y The Best is Yet to Come.
Pero el grupo decide finiquitar definitivamente su propio sello fichando por Polydor al año siguiente y seria con esta discográfica con la que publicarían el álbum The Other Side of Life (1986), el cual será el comienzo de una nueva etapa. En el disco, producido por Tony Visconti, se sustituyen los sonidos orquestales por otros sonidos pre-programados y más modernos, lo cual da un toque pop a su música. Con este Lp los Moodies recogen para sí una nueva generación de fans en el mundo. El éxito del disco no se hace esperar tanto en Europa como en Estados Unidos, país en donde realizan una gigantesca gira de más de cuatro meses de duración.
Prelude un recopilatorio de temas menos conocidos de la banda seria la antesala del nuevo álbum publicado en 1988, Sur la Mer, producido al igual que el anterior por Tony Visconti. El disco sigue el camino trazado con The Other Side of Life. Sin embargo ni Graeme ni Ray aportan composiciones al álbum, incluso Ray no participa en la grabación del mismo. El Lp consigue un buen éxito mundial y sus conciertos son muy concurridos por jóvenes y viejos fans.
Un año después Justin Hayward edita el álbum Classic Blue con la colaboración de la London Philharmonic Orchestra dirigida por Mike Batt. Justin interpreta canciones de otros grupos y compositores como Led Zeppelin, The Beatles, The Beach Boys, Procol Harum, Simon & Gartfunkel, Don McLean, etc..., con las que consigue completar un bellísimo álbum que, sin embargo, no tendrá excesiva repercusión.
Otro recopilatorio Blue´ es seria precedido del nuevo álbum del grupo Keys of the Kingdom, en el cual trabajaron con tres productores: Alan Turney, Christopher Neil y Tony Visconty. En este nuevo trabajo The Moody Blues vuelve a su antigua fórmula de combinar canciones de todos los miembros de la banda, aunque en esta ocasión Graeme no firmaba ninguna y Patrick Moraz tan sólo participa como músico de estudio en algunos temas. El éxito de este disco es menor que el de otros anteriores, aún así consiguió estar dentro del Top 100 en Estados Unidos.
En 1992 en conmemoración del 25 aniversario de la realización de su primer álbum Days of Future Passed, los Moody Blues ofrecen dos conciertos en Red Rocks (Denver) junto con la Orquesta Sinfónica de Colorado. Estos conciertos tuvieron un éxito increíble en ese momento y en años posteriores.
En 1994 se edita Time Traveller, una caja con 4 discos compactos y un libreto interior que repasa toda la carrera de la banda. Incluye una selección remasterizada de canciones de sus discos, además de algunos singles y material no editado hasta entonces como la canción Highway grabada durante las sesiones del Keys of the Kingdom. También se realizo una edición limitada con un quinto cd que incluía una selección de canciones del concierto del 9 de septiembre de 1992 en Red Rocks.
Ese mismo año Justin Hayward graba junto con la Frankfurt Rock Orchestra el álbum The Moody Blues Classic Hits para el sello alemán M.M.S. En este disco, también llamado Justin Hayward & Friends, Justin canta 6 de sus canciones junto con la orquesta con arreglos y producción de Tommy Schmitt-Zijnen. El resto de canciones de los Moodies las cantan Michael Sadler (SAGA) y Shaun Williamsen
Ya en octubre de 1996 sale a la venta en Estados Unidos el nuevo álbum en solitario de Justin Hayward: The View from the Hill, producido por Phil Palmer, un bello álbum con canciones que firma él mismo, otras en colaboración con Dennis Lambert y Mickey Féat, y dos escritas por Paul Bliss y Phil Palmer. A pesar de ser un gran álbum, su éxito es moderado.
Se edita una nueva recopilación de éxitos de los Moodies titulada The Very Best of the Moody Blues, que consigue el número 13 en la semana de su salida a la venta. Poco después los Moody Blues recibiran su enésimo disco de oro por este álbum.
No seria hasta mediados 1999 cuando se publicaría el nuevo álbum del grupo Strange Times, que ellos mismos producen. Con él consiguen volver a sus clásicos discos de los años 60 y 70, pero con canciones más modernas. Buena prueba de ello es el cd-single extraído del mismo: English Sunset. El disco tiene una buena aceptación entre el público americano.
Hall of Fame (2000) un directo grabado en el Royal Albert Hall, December (2003) álbum de temas navideños tradicionales versionados y canciones nuevas y el recopilatorio Ballads (2003) son los últimos lanzamientos del grupo.
En estos últimos años toda la discografía del grupo ha sido reedita en formato remasterizado.
Hasta el año 2009 el grupo había cosechado 14 discos de oro y 5 de platino con unas ventas globales que superan los ochenta millones de discos vendidos en todo el mundo.
Después de tantos años The Moody Blues no han perdido el talento y la sobriedad de sus canciones y mientras sigan, todos tendremos el placer de escuchar una música única e inmejorable.


Web Oficial The Moody Blues

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Años 70: Colosseum

Esta formidable banda de rock progresivo nació como consecuencia de la unión de varios músicos de la escena británica de rhythm and blues que habían pertenecido a las bandas de prestigiosos artistas como John Mayall o Graham Bond.

Así a finales de 1968 el batería Jon Hiseman y el saxo Dick Heckstall-Smith deciden abandonar los Bluesbreakers de Mayall para seguir por su cuenta creando una nueva siguiendo la escuela del propio Mayall.
Para este nuevo proyecto reclutan al guitarrista Jimmy Litherland, al bajista Tony Reeves y al teclista Dave Greenslade quienes son los encargados de grabar el álbum Those who were about to die we salute you, (1969) un portentoso trabajo de blues rock con ramalazos de jazz que fue publicado por el sello Fontana que contenía grandes temas como Walking in the park, compuesto por Graham Bond o la versión del tema de Leadbelly Backwater blues.
El álbum consigue un importante éxito de ventas lo que les lleva a grabar el segundo álbum Valentyne suite (1969) que se convertiría a la postre como la obra maestra del grupo, un álbum en donde conjugaban perfectamente el rock progresivo y el jazz-rock con unas composiciones majestuosas como The Kettle, un vibrante tema psicodélico, la jazzistica Elegí, la blusera Butty´s blues o la monumental suite que daba titulo al disco.
Pero pese al éxito de este nuevo álbum el grupo pierde a varios de sus componentes por discrepancias y así Reeves y Litherland son sustituidos por Mark Clarke y Dave Clempson respectivamente, el primero recabaría poco después en el grupo Greenslade junto a Dave y el segundo en el grupo Mogul Thrash, así mismo el grupo se ampliaría con el cantante Chris Farlow.
Con esta formación se grabaría el álbum Daughter of time (1970) trabajo que presentaba una variedad de ritmos intensos y complejos que estaban enfocados hacia la intensidad vocal de Farlowe, un trabajo un tanto desequilibrado pero ajustado en cierta media, logrando estabilizarse y ser considerado un gran álbum de Jazz Rock.
Un año después se publicaría el directo Colosseum Live una clara muestra del poderío del grupo en vivo y que seria la antesala de la desbandada total de los miembros de Colosseum que toman diferentes rumbos musicales, por un lado Dave Greenslade forma su propia banda de rock progresivo Greenslade, Dave Clempson se une a los Humble Pie, Chris Farlow hace lo mismo en Atomic Rooster y Jon Hiseman junto a Clarke funda el grupo de folk progresivo Tempest.
Por su parte Heckstall-Smith grabaría los álbumes A Store Ended (1972) y Manchild (1973) siguiendo posteriormente una carrera irregular, publicando su ultimo álbum en el año 2001 Blues and Beyond y falleciendo en el 2004.
Pero la historia de Colosseum se volvería a abrir en el año 1976 cuando Hiseman, después de cerrar definitivamente el grupo Tempest con dos soberbios trabajos Tempest (1973) y Living in fear (1974) en donde contaba con la colaboración del excelente guitarrista Allan Holdsworth, decide volver a reunificar la banda con nuevos bríos, denominándola Colosseum II, esta vez recluta al guitarrista Gary Moore, al teclista Don Airey, al bajista Neil Murray y al cantante Mike Starr para grabar el álbum Strange New Flash (1976).
Esta nueva etapa se abría con un álbum de sobrado despliegue instrumental, en muchos momentos fascinante de virtuosismo comandados por los teclados Airey y la guitarra de Moore y seguidos por una impecable batería de Hiseman, con un estilo mas enfocado hacia el rock pero impregnado de jazz bien patentes en la funky Gemini & Leo, la progresiva Winds o la instrumental Dark side of the Moog.
El álbum si bien no consigue el primitivo éxito de la banda si les mantiene en lo mas alto gracias en parte al prestigio de sus componentes.
Un año después saldría un nuevo álbum Electric Savage (1977) en el que contaba con un nuevo bajista Neil Mole que había sustituido a Murray que había dejado la banda para engrosar el nuevo grupo de David Coverdale Whitesnake.
En este nuevo álbum seguía la tónica estilística del anterior pero con mucho mas énfasis a la parte instrumental, de hecho solo un tema era cantando.
A finales de ese mismo año se publicaría War Dance que en un intento de buscar una mayor repercusión comercial se deriva claramente hacia derroteros hard rock, un claro síntoma de que Gary Moore cogia las riendas del grupo en detrimento de Airey.
Pero el álbum no deja satisfecho a sus integrantes y finiquitan el grupo a mediados de 1978, siguiendo sus componentes dispares carreras, Gary Moore por su parte publicaría una serie impresionante de buenos álbumes, algunos de ellos de enorme impacto comercial como Still got the Blues (1990) o After Hours (1992), Don Airey pasaría a engrosar las filas de Rainbow y colaboraría con Ozzy Osbourne, Black Sabbath, Whitesnake o Deep Purple.
Jon Hiseman por su parte reactivaría a Colosseum para varios álbumes Bread & Circuses (1997) y Tomorrow´s Blues (2003), además de otras colaboraciones y trabajos en solitario como About to Time (1991).

viernes, 26 de noviembre de 2010

Años 70: Hot Tuna

Hot Tuna fue una banda paralela de algunos de los miembros de Jefferson Airplane, en la cual tenían una especie de escape en sus ansias de ofrecer nuevas formulas al gran caudal sonico que albergaba su banda madre.

De esta manera y sin que ello indicase el fin de los propios Jefferson Airplane, nacería este grupo con Jorma Kaukonen a las guitarras y voz, Jack Casidy al bajo, Will Scarlett a la armónica, Joel Convington a la batería y Paul Ziegler a las guitarras.
Lejos de la lisergia psicodélica y el acid rock de los Airplane, Hot Tuna se derivo hacia sonidos muchos mas folk-blues que en un principio solo tenían la intención de actuar en directo sin ninguna pretensión discográfica.
En una de esas actuaciones y cuando aun eran un trío ( Kaukonen, Casidy y Scarlett) se grabaría su primer álbum titulado Hot Tuna (1970), el primero de una larga serie de grabaciones que entremezclarían durante mucho tiempo las carreras de ambos grupos sin que interfieran en los estilos de cada uno.
El material de este primer álbum eran viejos blues adaptados hacia sonidos folk blues por Kaukonen y Casidy como How Long Blues, Uncle Sam Blues o Don´t you leave me here, llevando al álbum hasta puestos altos en las listas y que pronto alcanza un gran éxito y en visto de ello el grupo se estabiliza y reclutan al violinista John Creach y a los mencionados Convington y Ziegler y con esta formación a finales de 1971 se publica el segundo álbum First Pull Up, Then Pull Down que sin llegar a obtener el éxito del primero se coloca en las listas intermedias de blues.
En los años sucesivos se irían publicando buenos e interesantes trabajos que confirman al grupo en la escena de blues de la costa oeste norteamericana, aunque ciertamente nunca se les considero un autentico grupo de blues ya que los ramalazos psicodélicos, impregnaban en cierta medida al grupo.
Burgers (72), seria el último en el cual el grupo adoptaría el sonido acústico, el cual electrificarían con el siguiente trabajo The Phosphorescent Rat (74).
Después de este último álbum Creach abandonaría definitivamente Hot Tuna para seguir con los Jefferson y Kaukonen y Casidy harían todo lo contrario para centrarse en los Tuna.
Los álbumes America´s Choice (75), Yellow Fever (75), Hoppkorv (76) o el magnifico directo Double Dose (78), fueron sucediéndose todos ellos con excelentes temas como el esplendido ejercicio blues-rock instrumental John´s Other, el swamp rock de 99 Year Blues, el blues psicodélico de Easy Now o la hard rock Hit single “1.
Por aquellos años la banda había adquirido fama por las interminables jam sessions que solían ofrecer durante sus actuaciones.
A mediados de 1979 el grupo se disuelve con la publicación del recopilatorio Final Vinyl, que dará por finiquitada la historia del grupo.
A mediados de los 80 ambos músicos retornarían a sus raíces blues: Casady se unió a su compañero Marty Balin y Paul Kantner en la K.B.C. Band y Kaukonen volvió al blues acústico de sus años iniciales. A partir de 1986 hicieron alguna sesión de reunificación de los Tuna tocando juntos en varias ocasiones, reforzándose en 1990 con el multiinstrumentista y cantante Michael Falzarano. Publicaron una recopilación de material de estudio inédito de la última década así como un directo titulado Live at Sweetheart en 1992.
En 1997 publicarían Splashdown Two y en 1999 And Furthurmore. En los años venideros Hot Tuna continuó tocando varios shows en directo con diversas formaciones. Un recopilatorio de los años en RCA vería la luz en el 2006: Keep on Truckin'. En ese mismo año también aparecerían en el festival de Merlefest, el mayor festival acústico de EE.UU.
Más recientemente se ha reeditado material de Jorma Kaukonen como el álbum Rockplast o Barbeque King publicados originalmente en 1980 o Magic (1985), además del único álbum de la KBC Band publicado en 1987.

Web Oficial Hot Tuna

domingo, 21 de noviembre de 2010

Años 70: Fotheringay

Fotheringay fue un efímero proyecto ideado por la mítica cantante de Fairport Convention, Sandy Denny y que supuso el paso transitorio de su separación de dicha banda y su posterior carrera en solitario, que quizás solo fuera una pequeña pagina en la historia del rock, pero en ella se escribió una parte de la esencial de la música folk que ha pasado a los anales como una de las mejores formaciones del genero.

Cuando a finales de 1969 Fairport Convention publicaba su cuarto álbum y obra cumbre Liege and Lief, su vocalista Sandy Denny alcanzaba la madurez total con una talento increíble que era básicamente el preámbulo de una calidad que en 1970 la haría ser proclamada “mejor cantante inglesa del año”.
Pero este álbum fue igualmente la encrucijada que situó a Sandy en el máximo de su fama y su ego permitió que les dijera adiós a sus compañeros para formar rápidamente un grupo a la imagen y semejanza de los Fairport, el cual llamo Fotheringay.
Fotheringay estaba integrado por cuatro magníficos instrumentistas, por un lado Trevor Lucas, voz y guitarrista y líder junto a Sandy, Jerry Donahue, guitarra solista, Gerry Conway a la batería y Pat Donaldson al bajo y voces.
Esta formidable formación solo publicaría un álbum, una obra equiparable sobradamente al Liege and Lief de los Fairport Convention y que se titulaba homónimamente como el grupo Fotheringay (1970), álbum que impregnaba una música deliciosa sensible y purista, con mucho tradicionalismo, este hecho heredado sin duda de los Fairport, y sobre todo mucho de investigación o experimental, pero con el sello de lo que en aquellos años triunfaba en el mundo, la calidad acústica-vocal de unos Crosby, Stills and Nash o The Hollies.
Fue un álbum perfecto, brillante e insólito, que sin embargo no serviría para cimentar el grupo, ya que Sandy Denny tras el, volvió a decidir su futuro lejos de estos nuevos compañeros.
Como contrapunto a las composiciones de Sandy Denny y Trevor Lucas el álbum presentaba dos maravillosas versiones que fueron ejecutadas magistralmente, The Way I Feel de Gordon Lighfoot y Too Much of Nothing de Bob Dylan.
El abandono de Sandy se produjo mientras el grupo preparaba su segundo álbum que no seria editado hasta casi cuarenta años después cuando el sello Fledg´ling Records lo rescataba y publicaba a finales del 2008, Fotheringay 2.
A mediados de 1971 Sandy inicia su carrera en solitario y en septiembre publica el álbum The North Star Grassman and the Ravens en el que colaboraban algunos de sus ex compañeros como Jerry Donahue, Richard Thompson, Trevor Lucas, Pat Donaldson o Gerry Conway.
Ese mismo año Robert Plant la invita a participar en el celebre Led Zeppelín IV e interpreta el tema The Battle of Evermore junto al propio Plant.
Su carrera en adelante tendrá altibajos con meritorios trabajos alternados con otros de mediocre factura hasta su vuelta a Fairport Convention con quien publicaría varios álbumes más, hasta que a principios de 1978 sufre un accidente casero y fallece a causa de una hemorragia cerebral.
Trevor Lucas por su parte colaboraría en adelante en multitud de proyectos y formo parte de bandas tales como los propios Fairport Convention o The Bushwackers hasta que en 1989 fallecería victima de una ataque al corazón.
Jerry Donahue igualmente ha pertenecido a los Fairport y ha publicado una interesante serie de buenos álbumes orientados al folk y a la música celta.
Pat Donaldson seguiría una carrera como músico de sesión y Gerry Conway pasaría a formar ocasionalmente bandas como Jethro Tull, Pentangle, Fairport Convention y seria uno de los músicos de confianza de Cat Stevens participando en los álbumes Teaser and the Firecat (71), Catch Bull at Four (72), Foreginer (73) o Buddah and the chocolate box (74).

Web Sandy Denny

domingo, 14 de noviembre de 2010

Años 60: The Electric Flag

Este fundamental grupo norteamericano seria la concertación y la sedimentación de la música rock de los años sesenta, todo el caudal de ideas, de sonidos y de originales composiciones que Mike Bloomfield, el niño prodigio de la música americana y el mejor guitarra de blues blanco de la segunda mitad de los sesenta, había atesorado en los años de aprendizaje junto a Paul Butterfield.

Bloomfield un nómada por naturaleza creo Electric Flag en un momento decisivo tanto de su música como de la propia Norteamérica, en los meses en que el blues resurgía con fuerza cuando el poder del sonido de la costa oeste había ya cristalizado y el camino a seguir era tan solo el de la confirmación.
Seria a principios de 1967 cuando una vez abandono a la The Paul Butterfield Blues Band, Mike Bloomfield decide formar su propia banda reclutando para ella a Nick Gravenites (guitarra), Buddy Miles (bateria y percusión ), Peter Strazza (vientos), Herbie Rich (guitarra y vientos), Barry Goldberg (teclados), Harvey Brooks (bajo) y a Marcus Doubleday (trompeta y percusión ), todos ellos procedian de grupos reputados y habían colaborado con otros grandes interpretes y estaban considerados entre los mejores en sus instrumentos y denominan al grupo como Electric Flag.
Durante el año y medio que el grupo permanecería unido grabaría varios álbumes básicos, dos verdaderas joyas que el paso del tiempo se ha encargado de colocar entre los clásicos del rock.
En 1967 aparecería The Trip banda sonora que contenía las primeras grabaciones en estudio de Electric Flag, con una explosiva mezcla de soul/jazz/rock de frutos de la imaginación compositiva de Michael Bloomfield y en donde sobresalían las salvajes Fine Jug Thing y Peter Gets Off y la funky Gettin´Hard.
El segundo de ellos de ellos saldría publicado a mediados de 1968 A long Time Comin´, un fantástico ejercicio de blues, rock, soul con ramalazos de jazz e impregnación de psicodelia, que contenía momentos memorables como los blues Goin' Down Show o Texas, la soul You Don't Realise, la jazzistica Another Country o las excepcionales Killing Floor y Groovin' Is Easy.
Curiosamente por aquella época también saldría publicado el primer álbum de Blood Sweat & Tears con un planteamiento muy parecido a la Electric Flag, secciones de viento y mucho blues y jazz, aunque con “ligeras” diferencias, por un lado Bloomfield imprimía mucho mas soul a su música que Al Kooper, quien profundizaba en un estilo mucho mas progresivo y experimental.
Y varios años después otra banda “copiaria" los estandartes de la Electric Flag como fueron Chicago Transit Authority.
Pero Blommfield presa de las drogas y otros problemas personales deja la banda y vuelve a sus sessions y fabulosas jams junto a Al Kooper y otros grandes de la costa oeste norteamericana y deja en manos de Buddy Miles el liderato del grupo y quien contrata al guitarrista Hostal Wright para suplir a Bloomfield.
En diciembre de ese mismo año llegaría el álbum An American Music Band que no pierde un ápice de la frescura del anterior disco con grandes temas como With Time there is change o Hey little Girl.
Después de este nuevo álbum la banda seguiría funcionando aun unos meses mas hasta su separación, por un lado Gravenites se uniría a Big Brother & The Holding Company de Janis Joplin, y Buddy Miles formaría la Buddy Miles Express.
Pero seria a finales de 1973 cuando Bloomfield, Miles, Goldberg y el bajista Roger Troy reflotan al grupo y publican The Band Kept Playing (1974) que resulta un meritorio trabajo pero escaso de fuerza y originalidad que terminaría por acabar finiquitando definitivamente la banda.
En adelante las carreras artísticas de los miembros del grupo tendrían dispares resultados, Buddy Miles colaboraría con Carlos Santana durante algunos años y firmaría el excelente Carlos Santana & Buddy Miles Live (1972), antes había pertenecido a los Band of Gypsys de Jimi Hendrix y habia lanzado una docena de álbumes hasta su fallecimiento en el 2008.
Por su parte Gravenities ha seguido colaborando con los más importantes artistas de blues y rock y fue inducido en el Hall of Fame of Rock´n´Roll en el 2008.
En cuanto a Mike Bloomfield su historia seguirá una carrera llena de altibajos hasta su muerte en 1981.

lunes, 8 de noviembre de 2010

Años 70: Ted Nugent

Ted Nugent es uno de los grandes héroes de la guitarra que casi roza el status de figura mitológica por su salvaje rock, su cavernícola puesta en escena, sus argumentos políticos y sus extravagantes gustos.

Ted Nugent antes de comenzar su exitosa carrera en solitario ya había saboreado las mieles del éxito en su banda germinal The Amboy Dukes con quienes grabaría una serie interesantes de álbumes de hard rock psicodelicos, algunos de ellos considerados verdaderas obras maestras del genero como Journey To The Center Of The Mind (1968).
La discografia de Amboy Dukes se completaba con The Amboy Dukes (1967), Migration (1968), Marriage on the Rocks/Rock Bottom (1970), Survival of the Fittest Live (1971), Call of the Wild (1973) y Tooth Fang & Claw (1974).
En todos estos trabajos el grupo mostraba su estilo lisérgico con incursiones al progresivo y un potente hard rock y blues rock con guitarras distorsionadas y fenomenales melodías.
Pero a mediados de 1975 Nugent da por terminada esta aventura y dedica todos sus esfuerzos a una nueva carrera en solitaria y así en 1976 y después de fichar por el sello Epic publica su primer álbum en solitario Ted Nugent en donde no contaba con su mano derecha y esplendido compositor y guitarrista en los Amboy Dukes Steve Farmer y reclutaba a Rob Grange (bajo), al guitarrista y cantante Derek St.Holmes y al batería Cliff Davies.
Este primer álbum resultaba un brillante trabajo de rock dinámico y contundente con grandes temas como la hard rock progresiva y extensa Stranglehold, la dinámica Stormtroopin´, la rítmica Hey baby o la jazzistica You make me feel right at home que catapultan al disco entre los mejores del año y que logar vender mas de dos millones de copias solo en los Estados Unidos.
Ted Nugent empezaba así su leyenda, con un debut casi legendario y no fácilmente superable y aun más cuando Derek St Holmes decide abandonar por discrepancias con el propio Nugent.
Así y todo el segundo álbum Free-For-All (1976) superaría en ventas y popularidad al primero, Nugent contaría para esta ocasión con un desconocido aun, Meat Loaf en las partes vocales y ciertamente que suplió adecuadamente a Holmes, y el resultado fue un inmenso trabajo de hard rock pesado y poderoso como el tema que daba titulo al lp o la frenética Turn it up.
Resueltas las discrepancias Holmes decide seguir junto a Nugent y vuelve para el siguiente trabajo Cat Scratch Fever (1977) que se convertiría en su mejor álbum y que llegaría a ser multiplatino en medio mundo, y que para muchos es considerado una obra maestra del hard rock.
Trallazos espectaculares como Wang Dang Sweet poontang, la fantástica Cat Scratch Fever o la heavy Street Rats conformaban un trabajo impecable y antológico.
A principios de 1978 Epic publicaría el majestuoso doble álbum en vivo Double Live Gonzo, uno de los imprescindibles directos de la historia del rock con una impresionante retahíla de potentísimos temas que plasmaban en un registro, los sencillamente impactantes conciertos que Ted Nugent era capaz de ofrecer.
Ni que decir tiene que esta álbum supero todas las expectativas convirtiéndose en uno de los directos mas vendidos del rock.
Poco después de la edición de este álbum Holmes volvió a abandonar la nave siendo sustituido por el cantante Charlie Hunn, así mismo el bajista Grange seria sustituido por David Hull.
Poco después salía al mercado el cuarto álbum en estudio de Ted Nugent, Weekend Warriors que cerraba brillantemente una época con un trabajo mas evolutivo que los anteriores en donde la elaboración de los temas junto a una impecable producción volvian a catapultar al musico y en donde sobresalían temas del calibre de Need You Band o el rock pesado de Smockscreen.
State of Shock (1979) el siguiente eslabón contaría con un nuevo bajista, Walter Monahan que sustituiría a Hull y resultaría un trabajo mas pulcro y ligero con un mayor énfasis al virtuosismo de Nugent bien demostrado en temas como Paralyzed o Take it or leave it.
La misma formación grabaría Scream Dream (1980) que deriva un sonido más versátil con temas más distorsionados y un estilo más mainstream.
Aquí destacaban canciones que hacían disfrutar al oyente más ecléctico como Wang Tango o la propia Scream Dream.
Un año después llegaría otro apoteósico directo Intensities in 10 Cities que seria el preámbulo del recopilatorio Great Gonzos. The Best of Ted Nugent (1981).
Llegados hasta este punto Ted Nugent estaba ya consagrado mundialmente y no solo por su espectacular técnica como guitarrista o por sus impresionantes e incendiarios directos, si no por que con su carisma podía hacerse con las riendas de una gran masa de seguidores sobre un escenario, su espectacularidad, su extroversión y su personalidad, lo convirtieron en una auténtica bestia del directo, una leyenda del rock a la hora de presentarse ante una audiencia en un concierto que además dejaba brillantísimos trabajos en estudio.
Pero las nuevas tendencias de la década de los ochenta mermaron los sonidos del hard rock de los setenta y la carrera del guitarrista empezaría a sufrir un cierto declive, aun manteniendo una largisima legión de seguidores alrededor del mundo que nunca le darían la espalda.
Así a mediado de 1982 se publicaría el discreto Nugent , al que seguirían Penetrator (1984), Little Miss Dangerous (1986) y If You Can´t Lick ´Em…Lick´Em (1988), trabajos menores en la carrera del músico.
Observando el fracaso de estos ultimo trabajos a finales de 1989 forma junto a Jack Blades de Night Ranger, Tommy Shaw, de Styx y Michael Cartellone el supergrupo Damn Yankees y graban el álbum Damn Yankees (1990) que resulta un tremendo bombazo comercial, con mas de cinco millones de copias vendidas, además de un magnífico trabajo de hard rock melódico, muy influenciado por el AOR.
Varios años después llegaría el segundo y último álbum del grupo Don´t Tread que pese a tener una gran calidad no obtiene los mismos resultados que su anterior álbum.
Pero el proyecto no funcionaria más allá y la banda se separó, volviendo Ted Nugent a retomar su carrera en solitario, que afrontaría con renovadas energías y le permitiría grabar un gran álbum como fue Spirit of the wild (1995), un trabajo fresco y espontáneo y en el que volvía a contar con Holmes a la voces, con un rock que si bien no superaba viejos laureles si regresaba a aquella época gloriosa con un disco sobresaliente.
A partir de aquí volvería a entrar de nuevo en una curva descendente en lo que a creatividad musical se refiere con trabajos menores como Craveman (2002) y Love Grenade (2007)
Estos últimos años el guitarrista se ha visto inmerso en varios proyectos alternativos junto a músicos como Joe Bonamassa o Jason Bonham entre otros muchos, además de ser nominado para el Rock and Roll Legends Hall of Fame, y ser un importante activista en contra de las drogas y el alcohol, a favor de las armas en EEUU para la defensa personal pero con respeto a la ley federal, su firme oposición al presidente Obama y su política y otras reindivicaciones sociales.


Web Oficial Ted Nugent

lunes, 1 de noviembre de 2010

Años 70: Rare Earth

Rare Earth fue el primer grupo formado por músicos blancos que grabo para el sello Motown. Los dos primeros éxitos de la banda, Get Ready y (I Know) I´m losing you, habían sido éxito a principios de los 60 en la propia Motown por The Temptations.

Ello no impediría que el conjunto consiguiera una línea propia después de estos arrolladores éxitos de sus comienzos, basado en un ritmo constante de soul & blues y jazz-rock con bastante predominio de los pasajes instrumentales y con un publico mixto de blancos y negros.
Fundados a partir de un grupo de soul llamado Sunliners que actuaban en la zona de Detroit sus componentes eran Gil Bridges (voz, saxo, flauta y percusión), Rod Richards (guitarra y voz), John Persh (bajo), Kenny James (organo) y Peter Rivera (batería y voz)
En 1969 gracias a la mediación del guitarrista Dennos Coffey consiguen un contrato con el sello especializado en música negra Motown y pasan a engrosar el subsello que curiosamente se llamaba Rare Earth.
El éxito que cosecharían en los años sucesivos demostraba que Berry Gordy Jr, no se equivocaba cuando contrataba a algún artista para su sello, el grupo consiguió colocar seis éxitos entre los primeros puestos de las listas norteamericanas.
Ese mismo año 1969 saldría publicado su primer elepé Get Ready con material compuesto en su mayor parte por la propia banda y que seria producido por Norman Whitfield.
Este álbum contenía una versión demoledora e hipnótica del tema de los Temptations de más de veinte minutos, cuya edición en single, que solo duraba cuatro minutos accedió hasta los primeros puestos de las listas.
Un año después aparecería el segundo álbum de la banda Ecology, que contenía el tema (otra versión de los Temptations), (I Know) I´m losing you.
Para este nuevo álbum la banda se había ampliado con el percusionista Ed Guzman.
Poco después de la salida de Ecology James y Richard abandonan la nave y son sustituidos por Ray Monette y Mark Olson y con esta formación se publica One World (1971) que contenía el hit I Just want to celebrate.
In Concert (1972), doble álbum grabado en vivo, supone el momento cumbre del grupo refrendado por el single Hey Big Brother.
Mike Urso y Peter Hoorelbeke sustituirían a Persh y Rivera para los álbumes Willie Remember (1973) y un año despues el extraordinario Ma, producido por Norman Whitfield y con el tema del mismo titulo ocupando una cara del álbum.
Este seria el último disco significativo de Rare Earth que a finales de 1974 desaparece casi por completo
En 1975 vuelven con una nueva formación y el álbum Back to Earth, al que seguirán con escaso impacto los álbumes Midnight Lady (1976), Rare Earth (1977), Band Together (1978) y Grand Slam (1979).
Estos dos últimos con prácticamente la formación original que volvían a reunirse en un claro intento de resucitar los viejos laureles, pero el momento de Rare Earth parece un pasado difícil de volver y ya no darían más que hablar desapareciendo de la primera línea del rock a principios de los ochenta.
En los sucesivos años el grupo ha seguido actuando en eventos corporativos y festivales oldies con numerosas formaciones y publicando varios álbumes de escasa repercusión Tight and Hot (1982), Different World (1993) o A Brand New World (2008)
Rare Earth por otra parte tiene una extensa discográfica de recopilatorios entre los que destacan Motown Superstar Series Vol.6 (1981) o Anthology (1995).
Por ultimo Mark Olson fallecería en 1991 por una enfermedad en el hígado y Eddie Guzman en 1993 por una complicación debido a su diabetes.

Web Oficial Rare Earth

miércoles, 27 de octubre de 2010

Años 60: Van Morrison

Van Morrison es sin duda uno de los músicos más influyentes e importantes de la historia de la música rock que tras dejar su grupo germinal Them inicio una brillante carrera en solitario en la cual mostró su pasión por el blues y el jazz estilos primordiales en el devenir de su ya larga historia.

Morrison siempre ha sido capaz de transmitir en su música las emociones, el feeling y el sentimiento con su tormentosa voz y su genial talento para crear atmósferas que difícilmente dejan indiferente a nadie.
Morrison, con canciones llenas de letras profundas, ha sabido adaptarse, todos estos años, y ha sobrepasado a las nuevas generaciones y a los diferentes géneros que desde los sesenta han surgido, dotando a su música desde influencias rock y blues mezclado por la música que oía de pequeño ( sus padres eran unos apasionados del jazz) y gracias a sus enseñanzas empieza de joven a tocar el saxo en la banda de rythm and blues, The Monarchs. Unos años más tarde se integra el grupo Them como cantante.
Su primer concierto con esta típica banda pop de Belfast seria el 17 de abril del 1964 en el Meritime Hotel y Morrison contaba por entonces con 19 años iniciando así una carrera que le depararía muchos éxitos como Gloria, pieza clave durante décadas a través de las versiones de muchísimos intérpretes.
Igualmente fueron famosas otras grandes canciones del grupo, algunas de ellas compuestas por el propio Morrison como Call my Name, Baby Please don´t go, Mistic Eyes o Hello Josephine.
Hacia mediados e 1967 su publica bajo el sello Label Bang el single Brown-eyed girl y posteriormente el álbum Blowin´Your Mind.
Hacia finales de ese mismo año Morrison firma con Warner Bros y empieza su verdadera carrera en solitario.
A partir de aquí Morrison se aleja en parte del enérgico Rhythm & blues de Them para mostrar su faceta mas intimista, espiritual y reflexiva con diferentes texturas sonicas que se acercaban al gospel, al folk e incluso al soul, pero con ese sabor irlandes que nunca dejo de lado.
En todos sus discos, Van Morrison componía la música y unas letras con pretensiones poéticas, canta y toca varios instrumentos con predilección por la armónica.
Astral Weeks (1968) fue su primer trabajo para la Warner y se convertiría en toda una obra maestra de diversidad de estilos y con una sorprendente actitud poética.
Moondance (1970), seguiría en una tónica similar antes de trasladar su residencia en los Estados Unidos, allí grabaría una serie de grandes álbumes como His Band and the Street Choir (70), Tupelo Honey (71) o Saint Dominic´s Preview (72).
Cada álbum tenia su propia su personalidad y color, aunque siempre estaban presentes sus raíces irlandesas y sus influencias negras. En Saint Dominic’s Preview mostraba su gustos por la música soul. En Hard Nose the Highway (73) y en Veedon Fleece (74), Morrison se acerca más a la música folk, antes se habia publicado el directo It´s too late to stop now (73).
Después de un largo paréntesis alejado de los estudios de grabación publicaría A Period of Transition (77) una vuelta a sus origenes rythm and blues. Un año más tarde, se publica su trabajo más comercial y exitoso hasta ese momento Wavelenght, poco después en 1979 llegaría otro álbum de éxito Into the Music.
A partir de aquí se sucederían regularmente los trabajos de Morrison siguiendo una pautas muy parecidas a lo acontecido hasta esa fecha, trabajos como Common One (80), Beautiful Vision (82), Inarticulate Speech of the heart (83), A sense of Wonder (84) o Irish Heartbeat junto a the Chieftains (88) entre otros.
En los noventa llegarian grandisimos trabajos como Enlightenmen (90), Too long in Exile (93) o The Healing Game (97).
Down on the road (2002), What´s wrong with this picture (2003) Magic Time (2005), Pay the Devil (2006) y Keep it Simple (2008) han sido sus ultimos trabajos.
Igualmente estos ultimos años han sido publicados los directos Live at the Grand Opera House (84) A night in San Francisco (94) o The Skiffle Sessions - Live in Belfast (2000) asi como muchos recopilatorios como The Best of Van Morrison Volume One y Two (90-93) entre otros muchos.
Morrison ademas ha atesorado multitud de premios y reconocimientos a lo largo de su carrera como los premios Grammy a los albumes Astral Weeks y Moondance o a las canciones Gloria y Brown Eyed Girl.
Igualmente fue inducido en el Hall of Fame of Rock´n´Roll en 1993 y obtuvo la Orden del Imperio Britanico en 1996.
Web Oficial Van Morrison

jueves, 21 de octubre de 2010

Años 60: MC5

Motor City Five (MC5) fue uno de los grupos fundamentales de finales de los años 60 con un estilo musical orientado al hard rock enormemente violento y pesado y que junto a The Stooges fue la máxima expresión de lo que se denominaría High Energy de Detroit

Los MC5 sin duda marcaron una época y un estilo eterno de hacer música pasando a los anales del rock como una tremenda banda pionera y legendaria.
Encuadrados en el sonido Detroit rivalizaban con sus coetáneos de la costa oeste y su estilo de flower power, negándose con su música al reblandecimiento del sonido americano.
Durante una corta pero intensa etapa la capital de Michigan fue el último baluarte ante el avance de la psicodelia y del rock progresivo.
Con el respaldo de Nueva York y sus bandas punk y underground, Detroit poseía una rica gama de durísimas propuestas musicales.
Los MC5 fueron quizás los pioneros de posterior género llamado heavy metal, politizándolo como pocas corrientes musicales habían hecho hasta esa época.
Formado originalmente en 1966 por el guitarrista Wyane Kramer junto al también guitarrista Fred “SonicSmith, el cantante Rob Tyner, Michael Davis bajo y el batería Dennis Thompson.
Convertidos en un principio como una banda de rhythm and blues mediocre, en una de sus actuaciones conocen al manager John Sinclair quien les consigue un contrato para actuar en el famoso local Grand Ballroom, además de convencerles para modificar su música hacia un sonido de rock´n´roll súper-amplificado.
Además de todo esto el propio Sinclair era una pieza importante del movimiento político White Panthers, una organización radical odiada por la burguesía local de Michigan, y el grupo fue influenciado hacia terrenos políticos de extrema izquierda.
En 1967 aparecerían sus dos primeros singles One of the Guys y Looking at you en donde expresaban la ruda agresividad de la banda, garantizándoles una buena dosis de pases radiofónicos y cierta popularidad.
Un año después el grupo fue el telonero de Cream en su última gira por los Estados Unidos.
En uno de esos conciertos Tyner preso del frenesí rompió en pedazos una bandera americana, desencadenando el entusiasmo de los presentes, pero al mismo tiempo ganándose el repudio y el desprecio por una parte de muy importante de la sociedad norteamericana.
Este gesto llamo la atención notablemente hasta el punto de crecer el interés y las expectativas por el primer álbum de los MC5 Kick out the Jams publicado en 1969 que con el tiempo se convertiría en un mítico álbum de punk-heavy rock.
Uno de los mejores directos de la historia del rock fiel reflejo de una de las bandas mas poderosas en directo que ha habido en el planeta.
El disco aprovechaba la enorme fama de la banda en directo, ofreciendo la grabación de un concierto del año anterior.
Las sufridas interpretaciones vocales de Tyner, además del doble y violento ataque de las guitarras al unísono de Smith y Kramer hacían del álbum una especie de martillo neumático a base de rock´n´roll con connotaciones políticas que comenzaba un incendiario discurso y ante una audiencia reunida en Detroit, en 1968, los MC5 iniciaban asi uno de los discos que sin duda más energía provoca a cualquiera quien lo escuche, aquel polemico y politico discurso decia:
“Hermanos y hermanas, ha llegado el momento de que cada uno de ustedes decida si es parte del problema o si es parte de la solución…..deben decidir hermanos!, deben decidir!, toma cinco segundos de pensar y darse cuanta que ustedes tiene un propósito en este planeta; toma cinco segundos darse cuenta de que es tiempo de moverse y voltearlo todo…”.
La campaña de prensa posterior contra el grupo también traería polémica, en especial la frase que abría el álbum “Kick out the jams, motherfuckers” obligando a la compañía Elektra, quien les había publicado el disco, a cambiar en las siguientes ediciones por Kick out the jams, brothers and sisters, para evitar males mayores.
Aun así las tiendas se negaban a comercializar el álbum por lo que esto hacia aun mas atractivo el disco y de paso le otorgaba publicidad gratuita.
En los directos Tyner no respetaba este cambio con los consiguientes problemas policiales que esto acarreaba; muchos de sus conciertos eran suspendidos por orden policial. Incluso Sinclair alguna vez quiso aparecer con un arma de fuego en la mano sobre el escenario.
Los escándalos seguían sucediéndose y poco después John Sinclair seria condenado a diez años de prisión por posesión de drogas y los White Panthers a verse cada vez mas acosados y poco a poco perder sus ideales políticos y convertirse en una organización decadente.
Posteriormente la discográfica Elektra rompería el contrato con el grupo y estos firmarían con Atlantic optando por suavizar sus instintos políticos, adaptándose a las necesidades de las nuevas generaciones de adolescentes.
Así nacería el segundo álbum Back in the USA, publicado en 1970 que producido por el critico musical John Landau mostraba al grupo con un tono mas comedido y gran parte de la carga demoledora de su música se había perdido y lo que quedaba era demasiado cuidada para sus viejos fans, pero todavía demasiado duro para las grandes masas.
Este nuevo trabajo sin defraudar totalmente si mostraba una auto limitación de los objetivos primarios de los MC5 sin la tutela interesada y atenta de Sinclair.
En esos momentos el grupo mostraba una clara falta de orientación y una buena muestra de ello seria el siguiente álbum High Time (71) su tercer y definitivo álbum en donde una sección de vientos en algunos de los temas del disco, resquebrajaba aun más su credibilidad.
La gira posterior seria un completo desastre y el grupo terminaría disolviéndose y posteriormente todos sus miembros terminarían literalmente en el destierro.
De hecho tanto Kramer como Davis terminarían en la cárcel por posesión de estupefacientes, Tyner se lanzaría a unos proyectos en donde reconstruir la época gloriosa del grupo pero con continuos fracasos y fallecería en 1991 después de publicar el álbum Blood Brother y Smith fundaría los mediocres Sonic Rendezvous Band una vaga pero vital herencia de los MC5.
Años después se casaría con Patti Smith y se retiraría definitivamente de la música, falleciendo en 1994 de un ataque al corazón.
Por su parte Kramer después de abandonar la cárcel volvería a la música a mediados de los 90 y publicaría algunos trabajos Death Tongue (91),  The Hard Stuff  (95),  Dangerous Madness (96) o Citizen Wayne (97) y colaboraria en albumes de otros grupos como Mudhoney, Rage Against the Machine o Coheed and Cambria´s  entre otros, hasta que en el 2003 reactivaría los MC5 para una serie de conciertos junto a Davis y Thompson y con la colaboración de otros músicos como Ian Astbury o Lemmy.
Kramer publicaria More Dangerous Madness en el 2004 su ultimo trabajo publicado hasta la fecha.
Web MC5

sábado, 16 de octubre de 2010

Años 70: Grobschnitt

Una de las mejores bandas del rock progresivo alemán surgidas en los años 70 fue GROBSCHNITT que gracias a su eclecticismo y su sentido del humor se ganaron el respeto y la admiración de una amplia legión de seguidores entre los amantes del rock sinfónico de la época.

Nacida a partir de la disolución del grupo psicodélico y underground Crew, la primera formación la comprendían Stefan Daneliak vocalista y guitarra, Joachim Ehrig batería, percusiones y efectos electrónicos  y Gerd Otto Kuhn guitarra, voces todos miembros de la mencionada banda, a ellos se les uniría Axel Harlos batería, Hermann Quetting teclista y Bernhard Uhlemann bajo y flauta.
El grupo derivo su estilo en estos primero años hacia el space rock con claras connotaciones lisérgicas y electrónicas y sus directos eran realmente espectaculares con una magnifica puesta en escena teatral y unos light´s shows antológicos que mantendrían toda su carrera.
Poco después el grupo logra llegar a un acuerdo con el sello alemán de krautrock Brain Records que en aquellos años promovía intensamente el rock alemán a nivel internacional.
Así en 1972 se publica el primer trabajo titulado homónimamente como el grupo Grobschnitt en donde una variada mezcla de estilos y sonidos confunden a propios y extraños por su ecléctico estilo que sin embrago contiene momentos de pasajes atmosféricos muy progresivos.
Pero es sin duda la entrada del teclista de formación clásica Volker Kahrs quien contribuye decisivamente al sonido del siguiente álbum Ballerman (1974) en donde la capacidad sinfónica de Kahrs unida al estilo space y al sonido salvaje y rock de la banda convierten al álbum en toda una joya del rock progresivo, el cual contenía la sobresaliente pieza Solar music.
Jumbo el siguiente trabajo (1975) seria el alejamiento de los sonidos electitos anteriores para centrarse aun mas en un estilo mas limpio y clásico dentro de las estructuras progresivas con pautas barrocas cercanas a la escena progresiva británica de la época con claros guiños a bandas como Yes, Genesis o Camel.
En este ultimo trabajo la banda había sufrido varios cambios por un lado el bajista Wolfgang Jäger había sustituido a Uhlemann y por otro Harlos había dejado la formación quedando esta como quinteto.
Sin embargo seria el siguiente trabajo Rockpommel´s land (1977) el que les repercutiría su mayor éxito comercial, un álbum conceptual en donde la madurez compositiva del grupo llega a su cenit con un sonido lleno de arreglos preciosistas y memorables, en los que el mellotron y sintetizadores son la base de la estructura del disco.
En el directo Solar Music Live publicado en 1978 la banda demostraba todo el potencial que era capaz de desplegar en vivo y se convirtió de paso en su obra mas conocida internacionalmente con un repertorio basado en la suite del álbum Ballermann y nuevo material en donde básicamente eran extensas improvisaciones ácidas, obscuras y psicodélicas, caracterizadas por extensos pasajes instrumentales y por un evidente protagonismo de la guitarra eléctrica y sus solos.
A partir de aquí comenzaría una etapa alejada del sintonismo clásico de los anteriores trabajos con un sonido mas enfocado hacia terrenos comerciales, aunque con una calidad que seria incuestionable.
En adelante se irían sucediendo los trabajos Merry-Go-Round (1979), Volle Molle (1980), Illegal (1981) o Fantaseen (1987) que seria el ultimo álbum de la banda antes de su definitiva ruptura a finales de 1989.
Sin embargo a mediados del 2007 la banda original se reuniría para una serie de conciertos que se verían reflejados en el álbum en directo Grobschnitt Live 2008, conciertos que fueron promovidos para promocionar el álbum recopilatorio publicado en el 2006 The Internacional Story
Joachim Ehrig había fundado una banda paralela en 1974 llamada Eroc con la cual publico algunos interesantes trabajos de un estilo similar a Pink Floyd y Tangerine Dream pero bastante mas incoherentes e irregulares Eroc (1974), Zwei (1975) o 3 (1979).
Por ultimo Volker Kahrs fallecería en julio del 2008 a la edad de 57 años.

Web Oficial Grobschnitt