domingo, 28 de febrero de 2010

Fairport Convention

Este singular grupo de folk-rock británico, comenzó su trayectoria en 1967 con músicos de un claro acento acústico, que desde el principio de su fundación propusieron derivarse hacia el estilo del folk eléctrico británico e irlandés en busca de una identidad propia y original. Todo empezó cuando el joven guitarrista Richard Thompson, el también guitarrista Simon Nicol y el bajista Ashley Hutchings abandonan el grupo al cual pertenecían llamado Ethnic Shuffle Orchestra y se unen a la cantante Judy Dyble y al batería Martin Lamble para formar una nueva banda a la que denominaría Fairport Convention.
A finales de ese mismo año consiguen un contrato con el sello independiente Cotillion que a su vez era un sub-sello de la Polydor, quien les publica varios singles “If I Had A Ribbon Bow” y “If ( Stomp )” y posteriormente el primer álbum “Fairport Convention” (1968).
Pero tras este primer álbum los resultados son poco satisfactorios por lo que surgen los primeros cambios en la formación, abandona Doyble y en su lugar entra Sandy Denny, que con el tiempo se convertiría en un referente de las voces inglesas.
Algún tiempo después también entra a formar parte de la banda otro pilar muy importante, Ian Matthews, que igualmente pronto se convertiría en un clásico de la escena folk inglesa.
La banda ya como sexteto graban y publican su segundo álbum “What we did on our holidays” (1969), que contenía un sonido homogéneo y coherente y que obtiene buenas criticas.
Pero el éxito de este álbum determina la fugaz aparición de Matthews que decide abandonar para fundar su propia banda la Matthew´s Southern Confort que pronto conseguirían un éxito rotundo con el tema de Joni Mitchell “Woodstock”.
A mediados de 1969 aparece su tercer álbum titulado “Unhalfbricking” el cual termina encumbrándoles en el Reino Unido.
Posteriormente participan en el mítico concierto de Hyde Park junto a The Rolling Stones y Blind Faith certificando una soberbia actuación.
A raíz de este nuevo álbum entran a formar parte de la banda el mandolinista y violinista Dave Swarbrick quien en adelante catalizara la conversión de la original mezcla de estilos con esencias tradicionales irlandesas bien fundidas con la excelente voz de Denny y Dave Mattacks, este ultimo un nuevo miembro que había entrado sustituyendo a Lamble que fallecería como consecuencia de un lamentable accidente.
“Liege & Lief” el cuarto álbum del grupo salió a la luz a finales del mismo año 1969 y fue la confirmación del auge del folk-rock con un Swarbrick inconmensurable y principal artífice del sonido del grupo, con este nuevo trabajo también llegaría el cenit artístico de la banda, con unas elegantes composiciones, basculando entre lo tradicional y la brillantez de la mezcla de estilos, pasando con el tiempo a convertirse una obra maestra del genero.
Pero este nuevo éxito seria el motivo del abandono de Sandy Denny que decide formar una banda de similitudes a Fairport Convention junto al guitarrista Trevor Lucas llamada Fotheringay de efímera existencia, pero con un portentoso álbum “Fotheringay” (1970).
Aún así con esta perdida, el grupo siguió manteniendo un alto nivel y buena muestra de ello fue el álbum “Full House” (1970) el cual contaba con un nuevo bajista Dave Pegg, en sustitución de Ashley Hutchings, quien había abandonado a sus compañeros para fundar otra banda legendaria como serian Steeleye Span.
En este álbum se muestra a un grupo mas tradicional que en las obras anteriores, con viejos temas reconvertidos modernamente en nuevas canciones con mucha brillantez.
Pero cuando parece que el grupo se va estructurando definitivamente es Richard Thompson el que decide abandonar la nave para igualmente comenzar una carrera en solitario, la cual junto a su mujer la cantante Linda Peters tendrá una exitosa andadura en buenos trabajos muy reconocidos por la crítica pero no así por el público.
Es entonces cuando Swarbrick coge las riendas de la banda que junto al único miembro original de la misma Simon Nicol, se convierten en los líderes de los nuevos Fairport Convention y publican un nuevo álbum “Angel Delight” (1971) que logra un éxito importante en las listas británicas.
Ese mismo año insólitamente la misma formación graba otro álbum, algo que no había ocurrido antes, que una misma alineacion publicaran dos discos seguidos.
El álbum en cuestión seria “Babbacombe Lee”, una especia de opera folk tradicionalista e ideado como un álbum concepto que resulto ser un trabajo sofisticadísimo.
Llegados a este punto la banda habia tocado techo y como ya era habitual hasta ese momento después de cada éxito llegaba una deserción, y esta vez era Simon Nicol quien anuncia su retirada del grupo.
En ese justo momento la banda entra una aguda crisis que desemboca en el abandono de casi todos los miembros y de sus cenizas surgirá otra legendaria banda; The Albion Country Band.
Pero es en 1973 cuando resurge el grupo con una nueva formación que comprende a Trevor Lucas, David Rea, Roger Hill, Tom Farnal y Jerry Donahue quienes graban los álbumes “Rosie” y “Nine”, ambos del mismo año y “Live Convention” (1974), este ultimo supuso la vuelta momentánea de Sandy Denny.
En adelante y con continuos cambios de formación se ira sucediendo los álbumes “Rising for the Moon” (1975), “Gottle O´Geer” (1976), “The Bonny Sunch of Roses” (1977), o “Tipplers Tales” (1978) trabajos que mantienen brillantez pero se resienten de la crisis del folk-rock que como movimiento global empieza a perder fuerza y seguidores.
Aún así el grupo sigue manteniéndose firme y realiza varias giras por Europa y los Estados Unidos de las cuales se extrajeron el material para álbum en directo “Farewell Farewell Live” (1979) y que contenía las emotivas canciones “Matty Groves” y “Meet on the Ledge” en memoria del malogrado Lamble.
Otro directo seria el primero de la nueva década “Moat on the ledge- Live at Broughton” al que siguieron “Gladys Leap” (1985), “Expletive Delighted” (1986), “Red and Gold” (1989) o “The Five Seasons” (1990), todos ellos unas antologías ideales del folk-rock pero sin caer en lo didáctico.
Los ultimo episodios discograficos han sido “Jewel in the Crown” (1995), el unplugged “Old New Borrowed Blue” (1996), “Who Knows Where the times Goes?” (1997) que conto con la participacion de Richard Thompson y Roy Wood, “The Word and the Wire” (2000), “XXXV” (2002), “Over the Next Hill” (2004), y “Sense of Ocassion” (2007), ademas de imnumerables directos y recopilatorios de los que destacan “Fairport Chronicles” (1976), “Shines Like Gold” (2003), “Cropedy Crea Off the Desk Live” (2006) o la box set “Cropredy Capers: 25 Years of Fairport Convention and Friends at Cropredy Festival 2004”.
Por otro lado en la actualidad Fairport Convention continua celebrando años tras año una reunión anual para el Festival Fairport´s Cropredy Convention que se celebra en el mes de agosto y que suele reunir a lo mas destacado del folk y el rock británico con bandas como The Strabws, Jools Holland, Wishbone Ash, Richard Thompson Band, Steeleye Span, Pentangle…etc.

jueves, 25 de febrero de 2010

Vangelis

Era finales de 1972 cuando una noticia sacudió a los circuitos musicales de media Europa; Aphrodite´s Child, la banda griega que llevaba varios años en la cresta de la ola con temas como “Rain and Tears” o “It´s five o´clock”, anunciaban el fin del grupo.
La banda de corte progresivo y psicodélico había tenido un gran éxito con varios álbumes publicados; End of the World (1968), It´s Five o´clock (1969) y "666" (1972), este ultimo considerado una de las obras cumbres del progresivo europeo.
Entre los tres componentes de la banda sobresalían un cantante llamado Demis Roussos y el teclista Vangelis Papathanassiou.
El primero conseguiría una exitosa carrera como cantante de canciones melódicas no exentas de épica y melodrama en las décadas de los 70 y 80 con numerosos hits muchos de ellos números uno en medio mundo.
Por su parte Vangelis se convertiría en uno de los mayores exponentes de la música electrónica en el futuro, consiguiendo una carrera llena de grandes obras.
Ya desde niño su talento era asombroso, tanto que a los seis años ya interpretaba en público sus propias composiciones.
Sus primeros álbumes son publicados aún estando en el seno de la banda, entre ellos la música para la película “Sex Power”, o discos como “Hipothesys” y “The Dragon” (1971), trabajos muy enfocados al estilo de su banda es decir un rock sinfónico con influencias de jazz electrónico. Ambos trabajos se editaron por los sellos Charly y Affinity sin el consentimiento del músico que manifestaba que era material experimental sin un denominador común y sin una producción aceptable.
Vangelis que conservaba en la retina la hermosa Grecia con sus impresionantes arquitecturas, sus mitos y la fascinante naturaleza de su país, residía en Paris cuando el productor de televisión Frederic Rossi le encarga la música de una serie la cual necesita de la importancia de esta para su visionado.
Así nacen las dos primera obras del músico “La fete Sauvage” y “Opera Sauvage”, ambas dedicada a los animales y encuadradas en el álbum “L´apocalypse des Animaux” (1973), alcanzando un éxito tan rotundo que se convirtió en una futura referencia a los sonidos que mas tarde experimentarían la new age.
Vangelis efectúa en el álbum una combinación de elementos acústicos y electrónicos de manera brillante con una amplia gama de sonidos utilizando instrumentos convencionales como las guitarras acústicas, órganos modificados y efectos electrónicos.
Posteriormente el álbum “Earth” (1974) se convierte en otra gran composición progresiva.
Pero el músico esta limitado en la bohemia ciudad francesa muy centrada en el sonido del jazz y la música popular y busca nuevos horizontes donde dar rienda suelta a su imaginación.
Ese mismo año Rick Wakeman decide abandonar el grupo Yes para continuar su carrera en solitario y se rumorea que Vangelis será su sustituto en la banda, por consejo de Jon Anderson, con quien tenia buena amistad, pero problemas con el sindicato de músicos británicos y el ego del propio músico rodeado de tantas estrellas como eran los integrantes de Yes se descarta su integración en favor de Patrick Moraz.
Vangelis posteriormente decide trasladase a Londres en donde se construye un estudio de grabación que mas parece un laboratorio de experimentación que una sala orientada a grabar música.
Durante un año Vangelis experimenta sonidos, notas y variaciones que va acoplando y mezclando en un titánico trabajo artesanal.
Producto de toda este audacia creativa nace “Heaven and Hell” (1975), un álbum concepto en donde el músico relata musicalmente múltiples piezas corales muy cercana a la música clásica,
Aquí ya hay una muestra de lo que en un futuro no muy lejano Vangelis explotaría junto a Jon Anderson, el tema cantado “So long Ago, so Clear”.
Efectivamente Anderson le invita a colaborar en su primer álbum como solita, el apabullante y atmosférico “Olias of Sunhillow” (1976), ese mismo año se publica “Ignacio” álbum mas orientado hacia el vanguardismo electrónico.
El proceso evolutivo le conduce al siguiente álbum “Albedo 0.39” (1976), musicalmente más electrónico y cósmico, consiguiendo este un éxito rotundo en los circuitos progresivos y electrónicos.
“Spiral” (1977) y “Beaubourg” (1978), continúan esa evolución, el primero mas abierto musicalmente e incluso comercial y el segundo mas experimental y minimalista.
Ese mismo años se publica “Odes” un trabajo junto a Irenes Papas en donde se recogen canciones populares griegas y bizantinas.
En abril de 1979 publica el álbum “China”, mucho más accesible pero de gran clase a la vez que innovador, que logra un moderado éxito.
En este último trabajo Vangelis introduce sonidos étnicos influenciados por las tradiciones mágicas milenarias del extremo Oriente.
Un año después publica “See Your Later”, un trabajo irónico sobre las costumbres de la sociedad de la época.
También en 1980 Vangelis se une a Anderson para colaborar asiduamente en álbumes empezando por “Short Stories”, ambos lograran trabajos muy meritorios en donde las voz etérea y asexuada del cantante es el contrapunto ideal a la electrónica de Vangelis.
Pero su primer trabajo en la nueva década será la banda sonora de la película “Chariots of Fire” (1981) con la cual gana un Oscar a la banda sonora original además de convertirse en todo un clásico contemporáneo.
Vangelis asombrosamente creo la música de la película mientras visionaba el montaje provisional en una técnica llamada creación-directa creando una obra opulenta que quedo registrada en la memoria colectiva del mundo entero.
A partir de aquí Vangelis realizara otras destacadísimas bandas sonoras como “Missing” (1982),”Antarctica” (1983) o “Mutiny on the Bounty” (1984), casi todas ellas nunca editadas como álbumes oficiales, aunque si aparecen extractos de todas ellas en sucesivos recopilatorios como “Portrait” (1996).
Pero fue “Bladerunner” y su banda sonora, para la película de Ridley Scott, la que le encumbro definitivamente, una obra grandilocuente con una amalgama de fusiones de estilos en clave electrónico que iban desde al jazz hasta elementos étnicos.
En cualquier caso no seria editada oficialmente hasta pasados diez años.
El resto de la década Vangelis publico discos en solitario como “Soil Festivities” (1984), “Mask” (1985), “Invisible Connections” (1985), “Rhapsodies” (1986), “Direct” (1988) o el recopilatorio “Themes” (1989), alternándolos con otros junto a Jon Anderson bajo el nombre de Jon & Vangelis “The Friends of Mr Cairo” (1981), “Private Collection” (1983) o “The Best of” (1984).
Ya en la década de los 90 publica el minimalista “The City” y posteriormente “1492 Conquest of Paradise” (1992) banda sonora monumental que obtuvo un éxito absoluto.
Antes había publicado otro álbum junto a Jon Anderson, “Page of Life” (1991).
En “Voices” publicado en 1995 Vangelis experimenta las posibilidades de la voz humana y en “Oceanic” vuelve a los sonidos etéreos de los primeros años.
“El Greco” (1998), fue un álbum con un cierto tono a tributo al genio del ambiente religioso y el manierismo, consiguiendo un trabajo realmente sobrio y muy aplaudido por la crítica y los aficionados.
“Mythodea” (2001) por su parte fue la culminación de un encargo por parte la NASA para la misión no tripulada a Marte y en el 2002 compone el tema oficial de la copa del mundo de fútbol de Corea y Japón.
“Alexander” (2004) banda sonora de la película de Oliver Stone, “Blade Runner Trilogy” (2007) y “Odyssey” (2006) son los últimos discos destacados del músico griego.


miércoles, 24 de febrero de 2010

Kansas

Kansas es una de las mejores bandas del rock progresivo norteamericano que consiguió durante la década de los setenta y ochenta una enorme popularidad a nivel mundial.
Su historia comienza en la ciudad de Topeka en el estado de Kansas donde residían tres jóvenes llamados Phil Ehart, Kerry Livgren y Dave Hope que forman una banda la cual llaman White Clover.
Pese al entusiasmo, el talento y la dedicación en multitud de conciertos en bares y clubes de la zona de Topeka, deciden ampliar la formación con el violinista y cantante Robby Steinhardt, el guitarrista Richard Williams y el cantante y teclista Steve Walsh.
Poco a poco fueron consolidándose y cambian el nombre del grupo por Kansas.
En uno de sus conciertos conocen al productor Don Kirshner, quien se queda impresionado por la calidad del grupo y les ofrece un contrato con su propia compañía Kirshner Records y les financia y les produce un primer álbum.
Así en abril de 1974 aparece el álbum “Kansas”, en donde la banda ya da muestras de su rock polvoriento en deuda con el rock sinfónico de bandas britanicas como Genesis, Yes o King Crimson, pero con una pizca de comercialidad y el rock americano inconfundible.
Canciones como las progresivas “Journey from Mariabronn” o “Apercu”, la blusera “Cant I Tell You” o la hard rock “Death of Mother Nature Suite” conforman un buen debut pese a la inmadurez del grupo.
El siguiente álbum fue publicado a principios de 1975, “Song for America” se convirtió en todo un éxito y en el primer disco imprescindible de la banda.
Menos agresivo que el anterior, el grupo busco formulas mas sinfónicas y logra un álbum considerado por muchos como una pequeña obra maestra, “Down The Road” el primer tema era un guiño al rock americano, “Song for America” en cambio se convirtió en uno de sus clásicos y las monumentales “Lamplight Symphony” y “Incomudro-Hymn to the Atman” junto a la bluesy “Lonely Street” eran las mejores muestras de una madurez compositiva evidente.
“Masque”, editado a finales del mismo año es un paso atrás en la evolución de la banda, obligada por la compañía en catapultarles a toda costa hacia el estrellato, aún así contiene momentos brillantes como la sinfónica “Icarus: Borne on Wings of Steel” o la blusera “It Takes a Woman's Love”, además contenía la tierna y emotiva balada “All the World”.
Viendo el pequeño traspiés que el álbum supone, después de la gira posterior se retiran durante casi un año para componer tranquilamente nuevo material sin presiones de ningún tipo.
Y así nace “Leftoverture” (1976), en donde sin abandonar el sintonismo, se meten de lleno en el AOR y buena muestra de ello era la potente “Carry On Wayward Son” que se convierte en un hit inmediato, además el álbum que también escala las listas de éxitos hasta el numero cinco y que contiene otros momentos gloriosos como la suite “Magnum Opus”, la épica “The Wall” o la puramente rock “What´s on my Mind”.
En poco tiempo el álbum certifica unas ventas globales de más de seis millones de copias vendidas.
En este punto Kansas viven una época gloriosa con multitudinarios conciertos por todos los Estados Unidos en estadios de mas de 80.000 personas.
Pero aún les quedaba un as en la manga, y es que a finales de 1977 se publica “Point of Know Return”, álbum que les consagra definitivamente en parte también por el tema “Dust in the Wind”, que es numero uno en prácticamente el mundo entero.
El álbum es una propuesta aún si cabe más progresiva que en anteriores ocasiones, algo insólito ya que cuando otras bandas de ese género estaban pasando por la crisis del punk, Kansas se aventuraba a seguir explorando ese terreno sin paliativos.
Temas como la AOR “Point of Know Return”, la épica “Closet Chronicles” o la sofisticadísima “The Spider”, reportan al álbum un éxito mayor que el anterior con unas ventas superiores a los 8 millones de copias.
Mención aparte merece “Dust in The Wind” que se convirtió en un clásico de la música contemporánea y una de las canciones más radiadas de la historia de la radio a nivel mundial y uno de los temas favoritos de todas las recopilaciones de música rock.
De la monstruosa gira mundial posterior se extrajeron los temas del doble álbum en directo “Two for The Show” (1978), un extraordinario documento del estado de forma de la banda en aquella época.
Llegados a este punto la banda decide prescindir de Don Kirshner en la producción y empezar a auto producirse ellos mismos y así firman su nuevo álbum “Monolith” (1979), un disco mas comercial que aunque mantenía el sonido típico de Kansas denotaba una falta de originalidad continuista, en cualquier caso la puramente AOR “People of the south Wind” o las épicas “On The Other Side” y “A Glimpse of Home” dejaron al álbum con buenas ventas y el fervor del publico.
El siguiente año llega el mas previsible “Audio Visions", que lo fue por el cambio brusco de estilo, mas enfocado hacia terrenos mas comerciales y en algunos momentos cercano al rock melódico, mostrando temas de calidad como las AOR “Hold On” o “Got to Rock on”.
Problemas posteriores sobre la dirección musical que deben seguir, terminan con el abandono de Steve Walsh el cual es sustituido por el cantante John Elefante.
Con esta nueva formación se publica “Vinyl Confessions” (1982), un álbum que sugiere diferencias en el sonido de la banda, para empezar se evangelizan en lo que a los textos se refiere (Hope y Livgren se convirtieron a esa religión) y se echan en falta los momentos épicos en favor de un rock mas clásico y directo.
Robbie Steinhardt viendo el poco protagonismo que aporta a este proyecto abandona la banda poco después de la gira posterior.
“Drastic Measures” (1983), fue el segundo álbum grabado con John Elefante como vocalista y sigue la misma tónica, quizás peor que el anterior, la falta de ideas y la orientación mas rockera fruto de las influencias de Elefante llevan a un álbum mediocre de hard rock melódico falto de motivación.
Viendo tales desbarajustes, Kansas se disuelve y Livgren y Hope deciden continuar por su cuenta y forman una nueva banda llamada AD.
Después del obligado “The Best of” (1984), los restantes miembros Williams y Ehart reorganizan de nuevo el grupo con la incorporación del guitarrista Steve Morse ex Dixie Dregs y el bajista Billy Greer, además se produce la vuelta de Walsh después de los malos resultados que dio su carrera en solitario con su álbum publicado en 1980 “Schemer-Dreamer” y con la efímera banda Streets.
El resultado de esta nueva aventura se transforma en el álbum “Power” (1986), que dista bastante del sintonismo de antaño y se convierte en un excelente disco de AOR sin contemplaciones en donde se echa en falta el sonido característico de Kansas y el violín y cobra mayor protagonismo el virtuosismo de las guitarras producto del talento de Morse.
“In the Spirit of Things” resulto ser un tímido acercamiento al álbum concepto tan popular en los 70, pero se quedo en una simple parodia, pese a todo facturaron un buen disco algo desigual, pero con algunos momentos memorables como la épica “Rainmaker” o la progresiva “Bells of Saint James”. Después del álbum la banda vuelve a disolverse.
Sin embargo en 1990 la formación original hizo una gira por Europa y USA con un moderado éxito de taquilla. No seria hasta 1995 cuando se volverian a reactivar para publicar un nuevo trabajo titulado “Freaks of Nature”, en esta ocasión se habían incorporado David Ragsdale al violín y Greg Robert a los teclados además de la vuelta de Livgren.
Y el resultado un álbum de rock actual con guiños al sonido de los 70, consiguiendo un álbum notable como en la épica “Cold Grey Morning” o la frenetica “I Can Fly”.
Tres años después se publica “Always Never The same”, álbum en directo junto a la London Symphony Orchestra y en el cual colabora de nuevo Steinhardt, y en donde se hace un repaso a los temas clásicos de la banda.
“Somewhere to Elsewhere” ha sido la ultima aportación discográfica del grupo un trabajo que tiene como novedad mas significativa la vuelta de la banda original después de muchos años y recuperando el sonido de antaño con maestría y profesionalidad y convirtiéndolo en lo mejor que han publicado en años.
Por lo demás en 1994 se edito un box- set con cuatro cd´s titulado “Sail On 30 Anniversary Collection” para coleccionistas, además de varios directos destacando entre ellos el titulado “Live at the Whisky” editado en 1992.

martes, 23 de febrero de 2010

The Eagles

Lo que comenzó siendo un pequeño grupo de acompañamiento de armonías country, en apenas ocho años mas tarde se convirtieron en el verdadero sueño americano y quienes llevaron el country rock a la máximo expresión. The Eagles llegaron a conseguir numerosos números uno en álbumes y singles, cinco premios Grammy y mas de 120 millones de discos vendidos.
Por lo tanto están entre los mejores 50 artistas de todos los tiempos certificado por el Rock and Roll Hall of Fame, además de otras muchísimas publicaciones y por la ASCAP, la American Society of Composers, Authors and Publisher, la mas grande e importante organización de los derechos de autores musicales del mundo.
Todo comenzó en 1971 cuando John Boylan por aquel entonces productor de Linda Ronstadt buscaba un grupo de acompañamiento para la cantante para la grabación de su nuevo álbum.
Así de la noche a la mañana forma una banda compuesta por Don Henley, Randy Meisner, Bernie Leadon y Glenn Frey todos ellos músicos de la escena country de la Costa Oeste de los Estados Unidos.
Glenn Frey había pertenecido a un banda llamada Longbranch Penywhistle junto a Jackson Browne y J.D.Souther quien posteriormente tendría un papel muy importante en los Eagles, Don Henley por su parte había pertenecido a una banda de jazz llamada Felicity, Bernie Leadon fue componente de varias de las bandas de country mas importantes de finales de los 60 como The Flying Burrito Bothers ,The Dillard and Clark con quienes grabo los álbumes “The Fantastic Expedition of Dillard and Clark” (1968) y “Through the Morning, Through The Night” (1969) o junto a Chris Hillman.
Randy Meisner por su parte perteneció a Poco con quienes grabo el primer y fantástico álbum “Picking up the Pieces”, además de tocar en la banda de Ricky Nelson con quien también grabo varios álbumes.
Una vez en los estudios de grabación para el que seria tercer álbum de Ronstadt, el productor Boylan empieza darse cuenta que estos cuatro músicos son tan buenos que pueden perfectamente iniciar una carrera conjuntamente bajo un mismo grupo independiente.
Y así por consejo del propio Boylan, David Geffen que había fundado el sello Asylum dedicado exclusivamente a artistas de country y folk les ofrece un contrato, y se graban su primer trabajo en los estudio Olympia de Londres, titulado “The Eagles” (1972), nombre al cual también llaman al grupo y que es producido por Glyn Johns, el cual también produciría el siguiente álbum.
La mezcla de estilos del álbum van desde las influencias soul al country mas puro pero con marcados acentos rock, una constante del grupo en los años venideros en todos los álbumes de la banda.
El álbum contiene el tema “Take it Easy” de Jackson Browne que será en adelante uno de los clásicos de la banda, además de la intensa “Take the Devil”, la puramente rock “Chug all night” o la elegante “Witchy Woman” con una clara influencia soul.
Y aunque el disco inicialmente no consigue escalar la lista de éxitos con el tiempo conseguiría vender un millón de copias y colarse en el puesto numero 22.
Un año después publican el disco “Desperado” (1973), trabajo a medio camino entre el álbum concepto y tributo dedicado a los viejos forajidos del salvaje oeste.
Aquí se muestra a una banda ya en claro ascenso hacia la madurez compositiva que con un sonido perfecto nos muestra su vena más country.
Melancólicos temas acústicos como “Tequila Sunrise” o “Saturday Night” son el contrapunto a temas mas rock como “Out of Control” o “Outlaw Man”.
Aunque el álbum resulta ser un estupendo trabajo de country-rock, pronto empiezan a ver los primeros problemas que terminan con el cambio de productor quien es sustituido por Bill Szymczyk, que antes había trabajo para James Gang o B.B. King entre otros.
Además entra otro nuevo guitarrista, Don Felder y así graban el álbum “On The Border” (1974), que pronto se convierte en disco de platino en los Estados Unidos.
Su sonido se endureció lo suficiente como para sacarlos del encasillamiento de banda de country- rock, principalmente por la labor de Szymczyk aunque no tanto como el hubiese querido ya que la banda tenia una raíces country muy acusadas.
“James Dean”, “Already Gone” o “On the Border” eran un claro síntoma del cambio realizado aunque se alternaban con las canciones típicas de los Eagles como la country “The Best of my Love” o “Midnight Flyer”.
Un año después se publica “One of These Nights” (1975), que se convierte en el primer numero uno absoluto de la banda con mas de cinco millones de discos vendidos.
Del álbum se extrajeron en single “One of These Nights”, “Lyin´ Eyes” y “Take it to the Limit”, todos ellos entre los cuatro primeros puestos en las listas de medio mundo.
En febrero de 1976 la Asylum edita el recopilatorio “Their Greatest Hits 1971-75”, que se convierte en poco tiempo en un fabuloso súper-ventas, y que llega a vender más de 29 millones de discos (hasta la actualidad).
Pero justo cuando la banda se encuentra en lo más alto, Bernie Leadon decide abandonar por considerar que la dirección musical del grupo se aleja de los principios folk y country que hacían en un principio
El sustituto recae en el famoso guitarrista de James Gang y The Barnstorm; Joe Walsh, que se caracterizaba por su vitalidad y agresividad, que será el perfecto contrapunto a la docilidad de los restantes integrantes del grupo.
Y llegamos a 1976 un año histórico para un álbum histórico, “Hotel California”, uno de los mas asombrosamente apoteósicos discos de rock, considerado una obra maestra y un clásico contemporáneo, un hito en el desarrollo de la música que mas de 30 años después de su lanzamiento sigue vendiéndose y la canción "Hotel California" radiada hasta la saciedad.
De este álbum se han llegado a vender más de 25 millones de copias hasta la actualidad.
Un álbum que fue sin duda el lógico producto de su proceso evolutivo y el cenit creativo de la banda.
Temas como “New Kind in Town”, “Life in The Fast Lane”, o “Wasted Time”, además de por supuesto la canción que da titulo al álbum, un irónica critica al aburguesamiento del rock californiano y sus excesos de lujos y despilfarros, nos dejan buena muestra de lo que es una obra maestra absoluta.
Pero ni el éxito de este disco convence a Randy Meisner que decide abandonar el grupo siendo sustituido por Timothy B. Schmidt que provenía de Poco, curiosamente ocupo el mismo puesto en esa banda sustituyendo al propio Meisner.
En 1979 se publica “The Long Run” que es tomado injustamente como una pálida imitación de su antecesor quizás por enfocar el sonido a experimentar con los teclados por parte de Don Henley en detrimento del sonido de raíces del country y el folk-rock
El álbum “solo” consigue vender ocho millones de copias y pese a las malas criticas resulta ser un soberbio disco, ni que decir tiene que lejos de su predecesor, pero aún asi temas como “Sad café”, “Can´t Tell You Why” o “Heartache Tonight” son realmente brillantes y muy dignas de tener en consideración.
La banda llegados hasta este punto deciden disolverse no sin antes haber publicado el doble álbum en directo “The Eagles Live” con el que obtienen otro masivo éxito.
Posteriormente se publica “Greatest Hits Vol.2” (1982), del que se llegan a vender cerca de los quince millones de copias, “The Best of Eagles” (1984), ocho millones y “The Very Best of Eagles” (1994), cuatro millones.
No seria hasta 1992 cuando al cantante de country Travis Tritt le encargan versionar el tema “Take it Easy” de los Eagles para el disco de tributo “Common Thread: The Song of The Eagles” y pide que sean los propios integrantes de la banda quien les acompañe en la grabación algo que gustosamente acceden.
Y así lo que iba a ser meramente un pasatiempo se convierte en una nueva gira del grupo y un nuevo disco en directo con algunos temas nuevos compuestos para la ocasión, “Hell Freezes Over” (1994), se convierte en otro éxito de ventas con más de ocho millones de copias vendidas.
En el año 2000 se edita la box-set “Selected Works 1972-1999”, una caja recopilatorio con cuatro cd´s.
Por ultimo en el 2008 retornan publicando “Long Road out of Eden”, trabajo en donde el grupo rememora viejos tiempos con un gran álbum lleno de vitalidad y de buenas vibraciones que hacen del disco otro éxito masivo y ganando un premio Grammy, el quinto en la carrera del grupo.
En cuanto al trabajo individual de todos los miembros del grupo, Don Henley y Glenn Frey serán quienes mejor mantengan sus carreras en solitario, el primero publicaría cuatro álbumes algunos de ellos meritorios como “I Can´t Stand Still” (1982) además de “Building The Perfect Beast” (1984), “The End of The Innocence” (1989) y “Inside Job” (2000) todos ellos incluían grandes canciones que lograron puestos muy altos en las listas como “Dirty Laundry”, “The Boys of Summer” o “New York Minute”.
En 1997 fue el primero en recibir la Nacional Humanities Medals de los Estados Unidos
Por su parte Glenn Frey también ha publicado cuatro discos aparte de algún directo y varias recopilaciones; “No Fun Aloud” (1982), “The Allnighter” (1984), “Soul Searchin´” (1988) y ”Strange Weather” (1992), algunos de ellos con hits como “The Heat is On”.
Los demás integrantes han editado muy esporádicamente entre ellos sobresale el álbum de Randy Meisner (1978) titulado homónimamente, además de los de Joe Walsh, “But Seriously Folks” (1978) o “There Goes the Neighborhood” (1981) o el álbum de Timothy B.Schmidt; “Playin it cool” en 1984.

domingo, 21 de febrero de 2010

Supertramp


Una de las grandes celebridades de la musica rock, son sin duda la banda británica Supertramp, una agrupación que a diferencia de la gran mayoría de las formadas habitualmente, que solían tener unos duros comienzos, ellos tuvieron la suerte de nacer de pie en el mundo de la música y con el tiempo llegaron a convertirse en uno de los grupos mas famosos y admirados en todo el planeta.
Además de todo esto, los miembros de la banda lejos de imponer su imagen publicitaria, siempre me mantuvieron alejados de los baños de multitudes, algo que mantenía al grupo en una especie de anonimato continuo, eran estrellas pero perfectamente podían salir a la calle sin que nadie les reconociese.
La historia de Supertamp empezó cuando el teclista Rick Davies y su grupo Joint se encontraban de gira por Hamburgo con mas pena que gloria, allí milagrosamente conoce al multimillonario holandés Stanley Miesegaes un apasionado al rock, quien pronto y observando el talento desaprovechado de Davies le propone producir su carrera artística.
De regreso a Londres Davies se propone constituir una nueva banda que apoye la síntesis de su mecenas.
Junto a Roger Hodgson, un joven músico multi instrumentista, forma la base de la banda que al principio denominan Daddy.
Pronto el feeling que emanan ambos empieza a dar resultados, la clara combinación de estilos e influencias que los dos músicos desprenden, hacen un perfecto equilibrio entre pop de Hodgson y el blues de Davies.
Posteriormente reclutan a varios músicos mas para completar el núcleo básico de la banda, así entran en la formación el batería Bob Miller, el saxofonista Dave Winthrop y el guitarrista Richard Palmer y finalmente deciden cambiar el nombre del grupo tomándolo del libro de R.H. Davis “Authobiography of a Supertramp”, además de firmar un suculento contrato con la compañía A&M Records.
A principios de 1970 entran en los estudios de grabación para registrar su primer álbum titulado homónimamente como el grupo “Supertramp”, un trabajo que obtuvo buenas criticas por parte de la prensa, pero un pobre bagaje comercial.
El disco contenía un estilo propio con base en el jazz y en el blues y cierta originalidad con temas cortos alternados por largas instrumentaciones, pero con una sólida base rock donde sobresalían temas como “Surely” o “Shadow Song”.
Después del álbum Kevin Currie sustituye a Miller en la batería, además de contratar al bajista Frank Farrell.
“Indelibly Stamped” (1971), fue el siguiente paso del grupo que paso a ser un nuevo y frustrante fracaso pese a contener material mas abiertamente comercial y autocomplaciente como la canción “Rosie had everything planned”.
De esta manera y observando el fracaso continuo, Miesegaes deja de financiarles y se quedan a la deriva, además de la desintegración del grupo a excepción de los dos líderes.
Pero lejos de desanimarse, Davies y Hodgson siguen confiando en su propuesta y deciden seguir adelante con el grupo y para reorganizarlo reclutan al bajista Dougie Thompson y al saxofonista Anthony Helliwell, ambos provenientes del grupo Alan Bown Set.
Como batería fichan a Bob C. Benberg, quien había pertenecido a una banda llamada Bees Make Money.
Y así formado los nuevos Supertramp, se retiran a una fabrica del siglo XVII, la cual alquila la compañía A&M y allí permanecerán durante un año entero componiendo material para varios discos.
A mediados de 1974 entran en los estudios junto al productor Kent Scott para grabar el álbum “Crime of the Century”.
Dicho productor encauza el sonido de la banda, dándole un enfoque mucho mas simple pero otorgándoles también ese ornamento estructural que ya la banda poseía.
“Crime of the Century” supuso un éxito absoluto de una aparatosidad casi sin limites, con una retahíla de clásicos de la banda desde “School” hasta “Dreamer”, pasando por “Bloody well right” o la majestuosa “Crime of the century”.
Llegados a este punto el pop elegante de grupo heredado el sonido Beatle se funde con las estructuras progresivas e instrumentales muy copiosas que absorbían del Canterbury Sound.
La banda mantenía un estatus de conjunto que anteponía a los talentos individuales y este colectivo funcionaba como una perfecta estrategia.
El álbum pronto escala las listas de éxitos y llega a vender más de cuatro millones de copias en todo el mundo.
Incluso la era punk sucumbía al sonido Supertramp, superando su arrasamiento a todo lo que surgía en aquella época.
La gira mundial posterior fue un clamor unánime y el abundante material preparado antes de la edición del álbum les aseguraba un repertorio muy extenso y variado.
Así en 1976 y con parte de ese material se edita “Crisis, What? Crisis?”, titulo irónico para una época en donde el mundo se veía sumergido en una crisis mundial debido a la subida de forma drástica del precio del petróleo por parte de la OPEP, y como represalia contra Israel y los Estados Unidos por la guerra entre los primeros con Egipto y Siria.
El álbum que fue grabado en el sur de California, es un nuevo éxito mundial que continua la tónica del anterior trabajo, este quizás menos abierto comercialmente, pero que deja sentado este estilo al que pronto algunos calificarían como sophisto-rock, por lo sofisticado de las composiciones y el entramado sonora tan rico en matices que el grupo desplegaba.
“Crisis? What Crisis?” contenía grandes momentos como “Easy does it”, “A Soapbox Opera”, “Two of us” o “Another man´s Woman”, esta ultima por cierto muy famosa en España por ser la sintonía del programa de TVE, “Informe Semanal” durante muchísimos años, lo que hizo que disco tuviera mucho éxito posteriormente en nuestro país.
La banda huyendo de los altísimos impuestos ingleses se traslada definitivamente a California en 1976.
Allí graban el siguiente álbum “Even In The Quietest Moments…” (1977), auto producido por la propia banda y aunque recibieron las primeras criticas de la prensa especializada por insinuar que se estaban copiando a si mismos, lo cierto es que el publico volvió a acoger este nuevo trabajo con entusiasmo convirtiéndolo en otro álbum millonario de asombroso éxito.
El tema “Give a Liite Bit”, un medio tiempo pop-rock comercial, pero con un riff de guitarra reiterativo que enganchaba irremediablemente a la primera escucha era el single del álbum, aupándolos entre los mas altos de las listas de éxitos, además contenía una mini suite de claro corte sinfónico como es “Fool´s Overture”, que emanaba una intensa atmósfera emocional, e igualmente emotiva era “Even In the Quietest moments”.
Pero lo mas exitoso de su carrera y a la postre uno de lo momentos mas brillantes de la década de los setenta estaba por llegar. En efecto en marzo de 1979 aparece “Breakfast in America”, el siguiente álbum que pronto se convierte en un absoluto best-seller de la música rock.
De aquel disco se llegaron a vender mas de veinte millones de copias hasta hoy en día, con un sonido menos sinfónico y más pop pero de un refinamiento altísimo, el grupo alcanzo el cenit artístico demostrando la valía de sus dos principales compositores y los máximos artífices del éxito del grupo.
Del álbum se extrajeron los singles “The Logical Song”, “Breakfast In America”, “Take The Long Way Home” y “Goodbye Stranger”, que estuvieron todos en los puestos altos de las listas, al igual que el álbum que permaneció en el numero uno durante muchísimas semanas.
Un año después se publica el nuevamente exitoso y celebrado doble álbum en directo “Paris” que vendió más de 5 millones de copias en todo el mundo.
El álbum pese haber sido grabado en la gira del “Breakfast In America” contenía muchos momentos del “Crime of the Century” y el “Crisis? What Crisis?” dejando bien sentado la importancia histórica que el grupo le daba a aquellos álbumes.
El grupo entonces se toma unas largas vacaciones hasta el año 1982, cuando se reúnen para grabar el siguiente álbum “Famous Last Words”, publicado en octubre de ese mismo año.
Trabajo el cual ponía en evidencia las diferencias entre Hodgson y Davies y su ruptura compositiva.
De hecho, aunque el álbum paso a ser un éxito en las listas, el contenido musical había dado un vuelco sustancial con un sonido mas duro y mas hermético, aún así “It´s Raining Again”, “Crazy” o “My Kind of lady” eran soberbias canciones que seguían igualmente el fervor del publico.
Las malas relaciones en el seno de la banda llevan a Roger Hodgson a abandonar la nave y continuar su carrera en solitario una vez finalizada la gira mundial correspondiente a este último disco.
Hodgson publicaría el álbum “In the Eye of the Storm” en 1983 del cual se extrajeron los singles “Had a Dream” y “In Jeopardy”, y que tuvo una buena acogida entre la critica y el publico, aunque quedaba lejos de sus trabajos con su banda madre, en 1987 salió su segundo álbum “Hai Hai” un trabajo mas enfocado hacia el rock melódico con estructuras pop y que contenía el tema pegadizo “London” que escalo en las listas y “Land Ho”.
Justo después de la edición del álbum Hodgson sufre un grave accidente que le tendrá apartado de lo estudios de grabación y escenarios casi diez años, reapareciendo en 1994 y varios años después publicaría el directo “Rites of Passage” junto a Helliwell.
Los últimos episodios de Hodgson fueron “Open the Door” (2000) con una vuelta al sonido original de Supertramp de los 70 y constantes giras alrededor del mundo con conciertos propios o en colaboraciones con otros músicos como el grupo Yes o Ringo Starr y su All Star Band.
Supertramp por su parte siguieron como cuarteto y en 1985 aparece “Brother Where You Bound”, un trabajo atractivo y exquisito con acercamientos al jazz y el funk y con textos comprometidos como en el largo tema que da titulo al álbum con connotaciones políticas, además del single “Cannonball” en donde el piano se torna en un martillo pilón con un sonido contundente y machacante al mas puro estilo de “Child of Vision” del “Breakfast in America”, y el cual consigue entrar en el ranking americano.
En el álbum también aparecen Scott Gorham y David Gilmour que grabaron las partes de guitarra eléctrica en sustitución de Hodgson.
Poco a poco el disco consigue colarse entre los veinte primeros puestos de las listas y el grupo seguía sumando en popularidad y en discos vendidos.
En noviembre de 1986 A&M publica el primer recopilatorio propiamente dicho, en formato de doble lp contenía los mejor de la banda desde “Crime of the Century” y que llevaba por titulo; “The Autobiography of Supertramp”.
En 1986 llega “Free as a Bird” que pasa un tanto desapercibido y únicamente el tema “I´m Beggin´You” tiene un relativo éxito en ventas y popularidad.
Para este álbum la banda había contratado a Mark Hart en el rol de nuevo cantante algo que no gusto demasiado a Dougie Thompson que abandonaría la banda a finales de 1987.
La banda se disolvería finalmente a principios de los noventa.
Pero en 1997 Davies reorganiza el grupo y junto a otros músicos como el guitarrista de blues y jazz Carl Verheyen publica el álbum “Some Things Never Change” bajo el sello Emi, y en cierto modo recuperan la frescura perdida en el ultimo trabajo, sin llegar a sus mejores obras, este álbum representa el espíritu que el grupo siempre mantuvo y eso le da credibilidad en la posterior gira mundial en la que vuelven a llenar estadios y entusiasmar al publico.
Por ultimo en el 2002 salió el ultimo eslabón del grupo “Slow Motion” un trabajo que sigue la tónica del “Some Things…” con buenas melodías, ritmos pegadizos y una producción impecable aunque poco innovador.
Por lo demás estos últimos años se han publicado varias compilaciones de la banda aparte de la editada en 1986, “Very Best of Vol.1” (1990), “Very Best of Vol.2 (1992) y “Retrospectacle: The Supertramp Anthology” (2005), además de varios directos “Live 88” (1988), “It Was the best of Times” (1999) y por ultimo “Is Everybody Listening” (2001).

viernes, 19 de febrero de 2010

Little Feat

Little Feat fueron una de las mas grandes bandas americanas de todos los tiempos que con un estilo innovador de gran vitalidad e inspiración sonora surrealista y con unos textos en sus canciones que rebozaban de ironismo y un sinsentido fuera de lo común y una particular visión del blues, el rock y el funk, esta considerada una de las mas famosas formaciones de culto hoy en día. Su fundador y líder era Lowell George quien había pertenecido a los Mothers of Invention de Frank Zappa y que había compuesto algunas canciones famosas para grupos y artistas de gran renombre como Linda Ronstadt, The Byrds, Comander Cody o Gene Parsons, además de haber colaborado con Frank Sinatra en diferentes grabaciones.
El resto de la banda la conformaban el también ex Mothers of Invention Roy Estrada, Richard Hayward ex Factory y Bill Payne.
Por sugerencia de Carl Black, batería de Frank Zappa, denominan a la nueva banda Little Feat. Gracias a la reputación de George actúan durante meses en los circuitos de rock y blues de los Ángeles o Houston y pronto llaman la atención del publico y la critica de manera unánime.
A principios de 1970 consiguen un contrato con Warner quien les produce su primer álbum “Little Feat”, un trabajo robusto de blues-rock con algunas versiones como “Forty tour blues” de Howlin´Wolf o baladas mágicas como “How many more years”.
La curiosa mezcla de elementos sonoros del grupo, nos lleva a una densa síntesis de blues, country, boggie, funk e incluso gospel, pero siempre bajo el punto de vista del sofisticado rock californiano, no exento de grandes dosis de humor, heredadas indiscutiblemente de Frank Zappa.
“Sailin´Shoes”, editado en mayo de 1972 consagra al grupo definitivamente, la sabia mezcla de estilos se ve reforzada en este nuevo álbum con una imaginería pop sin precedentes.
La prensa y el público alaban el álbum y se muestran entusiasmados con el grupo.
“Dixie Chicken” (1973), el siguiente trabajo, ya advierte nuevos sonidos mas adentrados en el blues profundo, este fue también considerado un soberbio álbum, además la banda ya no contaba con Roy Estrada quien fue sustituido por Sam Clayton, también el bajista Kenny Gradney entro a formar parte de la misma.
En este mismo periodo aparecieron dos bootlegs autorizados por el grupo aunque no oficiales, por un lado “Electric Lycanthrope” y por otro “Aurora Backseat”.
Mientras tanto George y el resto del grupo también colaboran en calidad de músicos de estudio o invitados en numerosos discos de otros artistas como Robert Palmer, Jackson Browne, Carly Simon o Bonnie Raitt.
A finales de 1974 se edita “Feats don´t fail me now” y un año después “The Last Record Album”, ambos de discreto éxito en las listas pero de buena aceptación por la critica y publico en general.
El abuso del alcohol y las drogas por parte de George merma su capacidad creativa y su salud física por lo que el grupo se resiente y durante un año prácticamente se quedan en stand-by.
En 1978 después de superar una hepatitis, George vuelve y editan el álbum “Time loves a hero”, que no obtiene ni el éxito deseado ni es bien acogido por la critica, pese a todo el grupo sigue manteniendo una cotización alta gracias a sus constantes giras y sus espectaculares conciertos.
Quizás la orientación hacia un sonido de jazz-rock inclina la balanza hacia un público menos amplio y más conservador.
El doble álbum en directo “Waiting for Columbus”, es toda una manifestación de la calidad de los directos del grupo y con el paso del tiempo se ha convertido en su mejor escaparate siendo hoy un fabuloso testimonio de su legado.
Por aquella poca George se mostraba mas prolífico que nunca produciendo el álbum de los Grateful Dead, “Shakedown Street” (1978) o editando en solitario “Thanks I´ll eat it Here” que apareció en 1979.
En este álbum George mostraba la diversificación de su talento con influencias que iban desde el blues de Nueva Orleáns o composiciones realmente brillantes y muy logradas.
Poco después anuncia la separación definitiva de Little Feat, seguramente por que preveía una carrera en solitario lejos de las ataduras del grupo.
Pero el 29 de junio de 1979 fallece repentinamente fulminado por un ataque al corazón.
Justo antes los restantes miembros del grupo habían finalizado la grabación de lo que seria la melancólica despedida “Down on the Farm” (1979).
Posteriormente se editarían varios álbumes, por un lado el semi-directo “Hoy! Hoy!” ( 1981) y por otro el recopilatorio “As Time Goes By” (1986).
En 1988 el grupo se reúne y graba el excelente “Let it Roll”, la baja de George es cubierta por Craig Fuller ex miembro de Pure Prairie, un estupendo guitarrista que aunque no cubre la ausencia compositiva ni vocal del malogrado George, es igualmente valido.
A partir de aquí el grupo ha seguido grabando discos con cierta asiduidad, poco a poco se fueron sucediendo los álbumes “Representing the Mambo” (1990), “Shake me Up” (1991), “Ain´t Had Enough Fun” (1995), “Under the Radar” (1996), “Chinese Work Song” (2000), “Kickin´it at the Barn” (2003) y “Join the Band” (2008).
El cantante de la escudería Motown, Shaun Murphy reemplazo a Craig Fuller en 1993, dotando desde entonces al grupo de un sonido mas soul y rhthym & blues como contrapunto al southern rock y country de Fuller
Finalmente la Warner edito en el 2006 un box set titulado “Barnstormin Live Vol One and Two”, que complementaba otro editado unos años antes “Hotcakes & Outtakes 30 Years of Little Feat”, además de otros recopilatorios y directos de la banda.




miércoles, 17 de febrero de 2010

Toto

La banda norteamericana Toto nació como consecuencia del encuentro de seis grandes músicos de sesión que trabajaban en distintos estudios de grabación en Los Ángeles.
Eran músicos que trabajaban para artistas como Boz Scaggs, Steely Dan, Elton John, The Jacksons, Eric Clapton…etc
Estos músicos eran David Paich, Jeff Porcaro, David Hungate, Steve Porcaro, Steve Lukather y Bobby Kimball, posteriormente sufrió algunas modificaciones entrando Michael Porcaro, Joseph Williams y Fergie Fredrickson.
Fue durante la grabación del álbum de Boz Scaggs, “Silk Degress” (1976) donde participaron Steve Lukather y Jeff Porcaro cuando ambos empezaron a madurar la idea de formar una banda.
Gracias a su credibilidad y sobre todo a sus contactos, el grupo no tuvo muchas dificultades para que algunas de sus maquetas fueran escuchadas por algunos productores discográficos.
Era mediados los setenta y el publico californiano estaba metido en una vorágine de grupos de experimentación entre el country y el folk como The Eagles o The Doobie Brothers, entre otras muchas mas y superado ya el periodo del flower power, muchos anhelaban nuevos estilos y nuevas ideas, mas alejadas de la pasión y el feeling de aquellas míticas bandas como fueron Jefferson Airplane o Grateful Dead, por poner solo dos ejemplos.
Al final consiguen un contrato con Columbia/CBS y editan su primer álbum “Toto” (1978), un trabajo de hard rock de alto nivel instrumental con colindantes arreglos de jazz y funk dándole una nueva dimensión al estilo, además contenía un tema “Hold The Line”, que pronto se convierte en un éxito absoluto en las listas de medio mundo.
De la noche a la mañana Toto se convirtieron en los máximos estandartes de un nuevo sonido al que pronto le denominarían como AOR (Adult Orient Rock) o lo que es lo mismo rock orientado hacia los adultos, un estilo que pese a ser frio y prefijado, contenía además de unas producciones perfectas, una instrumentación de lujo acompañados por una voces de ensueño.
El álbum consigue vender en poco tiempo más de dos millones de copias y en países como Japón se coloca en el número uno absoluto con ventas igualmente millonarias.
Pero lejos de considerarse estrellas en tan poco tiempo, los miembros alternan su trabajo en conjunto junto a la de músicos de estudio para otros artistas.
“Hydra” (1979), fue el siguiente trabajo que tuvo una menos acogida que el anterior, aunque manifestaba la progresión del grupo hacia cotas cada vez mas sofisticadas, el pop y el jazz se fusionaban en clave de rock evolutivo, no así el siguiente trabajo editado dos años después “Turn Back” (1981), un disco de menor intensidad pero que era mucho mas homogéneo con el rock que el anterior.
Pero el momento mas glorioso de la banda estaba aun por llegar, el siguiente álbum “Toto IV” (1982), se convierte en su trabajo mas versátil y elegante con variedad de estilos que iban desde el R&B hasta el Soul, pasando por sonidos Funk, Jazz, Pop, West coast y el Hard rock, estilos que el grupo sabe perfectamente combinar de manera brillante.
Del álbum se extraen los singles “Rosanne”, “Africa” y “Won´t Hold You Back”, conduciendo al disco a las primeras posiciones de las listas de medio mundo y llegando a vender en aquella época más de diez millones de copias.
Igualmente parte de la banda participa activamente en el álbum de Michael Jackson “Thriller”, poniendo casi toda la parte instrumental del mismo e incluso ceden uno de los temas, “Human Nature” al propio Jackson compuesto por Steve Porcaro.
En el siguiente álbum “Insolation” (1984) se incorporan Fergie Fredrickson y Mike Porcaro que remplazan a Bobby Kimball y David Hungate, el trabajo contenía los sencillos “Strange in Town” y “Holyanna”, pero sin embargo recibió malas criticas y les dio el primer traspié en las listas de éxitos.
Ese mismo año componen la banda sonora de “Dune”, película dirigida por David Lynch y también el tema central de los juegos olímpicos de los Ángeles 84.
El siguiente año Toto es la banda que pone la parte instrumental en el proyecto “Usa For Africa” que Lionel Ritchie y Michael Jackson entre otros fundan para ayudar a ese continente.
En 1986 aparece el álbum “Fahrenheit”, que saca al grupo del ostracismo y consiguiendo unas ventas moderadas, trabajo con un acercamiento mas pop y manistream, el éxito en parte es debido a tema “I´ll Be Over You”, que se coloca entre los mejores singles del año, además en las sesiones de grabación ya no participaría Fredrickson que fue sustituido por Joseph Williams.
“The Seventh One” (1988) fue la confirmación de la madurez del grupo con un álbum entusiasta y mucho mas comprometido musicalmente del que se extraen varios singles de enorme éxito como “Stop Living You”, “Pamela” o “Anna”.
Ese mismo año el grupo participa en la reunificación de la formación original de los míticos Jefferson Airplane, renovando el nostálgico sonido del grupo de rock acido californiano a los tiempos actuales con un estilo mas moderno y ganándose el fervor del publico norteamericano muy devotos a los Airplane ya que junto a los Grateful Dead son una de las máximas leyendas del rock americano de todos los tiempos.
1990 es el año elegido para que la CBS edite el recopilatorio “Past to Present 1977 to 1990”, álbum que contenía además de sus grandes éxitos cuatro nuevos temas.
En este álbum el rol de cantante recayó en Michel Byron que sustituye a Joseph Williams, realmente fue una imposición de la discográfica ya que querían relanzar la carrera de este joven músico, el cual solo grabaría este álbum.
En 1992 se publica el nuevo trabajo de la banda titulado “Kingdom of Desire”, con un sonido mas duro y sin un cantante oficial por lo que el resto de los componentes toman las riendas vocales.
Pero antes de comenzar la gira promocional del álbum, Jeff Porcaro sufre un accidente casero y fallece de un ataque al corazón, debido a una intoxicación a causa de un pesticida y sufriendo una reacción alérgica.
La banda posteriormente debate si seguir o disolverse definitivamente, finalmente y como recuerdo y homenaje a Porcaro deciden empezar el tour y será Simon Phillips su sustituto.
Al término de dicha gira la banda después de ver la cálida acogida de los fans de todo el mundo, deciden finalmente continuar.
“Absolutely Live” (1993) recogía momentos de la anterior gira y también el primer álbum en vivo de la banda.
“Tambu” (1995) fue el siguiente paso discográfico de Toto del cual se extrajo el single “I Will Remember” que fue numero uno en numerosos países.
Posteriormente y para celebrar los 20 años desde la fundación del grupo se edita el álbum “XX 1977-1997”, que contenía temas desechados de otros álbumes mas otros en directo.
No seria hasta 1999 cuando se publicaría el nuevo trabajo de Toto, “ Mindfields”, casi cinco años después de su último álbum con Bobby Kimball de nuevo en las voces.
El disco fue considerado uno de los mejores del año y llevando a la banda un exitoso tour mundial.
De esa gira se publica el álbum en directo “Livefields” (1999).
Toto a principios del nuevo siglo cambia de discográfica y fichan por la Capitol Records para Estados Unidos y Emi para el resto del mundo, la cual publica a mitad del 2002 “Through the Looking Glass”, un nuevo álbum de la banda pero que contenía material de otros artistas versionados por el grupo, entre otros “While my guitar gently weeps” de George Harrison o “Sunshine of your love” de Cream.
Este disco tuvo malas criticas por argumentar ciertos sectores que el recurrir a un álbum de versiones manifestaba la falta de ideas de una banda en declive.
Pero para resarcirse de esas acusaciones el grupo vuelve con un nuevo álbum “Falling in Between” ( 2006), que logra superar con creces esas criticas, además en este nuevo álbum el grupo muestra un compromiso mas social y musicalmente hacen un extenso y serio repaso a todos sus años en lo mas alto del rock mundial con sonidos muy variados.
Posteriormente se editaría el directo “Falling in Between Live”.
Por otra parte casi todos los integrantes del grupo han publicado numerosos materiales en solitario o han participado en centenares de colaboraciones destacando Steve Lukather quien ha editado “Lukather” (1989), “Candyman” (1994) o “Ever Changing Times” (2008).

domingo, 14 de febrero de 2010

Rory Gallagher

Rory Gallagher esta considerado un mito, sobre todo en Irlanda su país natal, ya desde muy joven fue un niño prodigio tocando con increíble maestría el ukelele y luego la guitarra.
Nacido en Cork en 1948 y siendo un adolescente y dado el poco publico amante en su país, (mas sujeto a las orquestas de baile y la música celta) que al blues y al rock, se ve obligado a engrosar una de esas orquestas llamada Fontana Showband y practicar ese tipo de música durante algún tiempo.
Pero pronto decide continuar por su cuenta y forma una banda junto a Eric Kitteringham y Norman Damery, así nace Taste, trío de potente blues-rock que inicialmente tiene unos duros comienzos en Irlanda, por lo que deciden probar fortuna fuera de su país, corría el año 1965 y parecía que todo empezaba a funcionar aunque realmente Gallagher lo que busca es una consolidación personal y sus dos compañeros de viajes son meramente simples acompañantes los cuales y a pesar de su calidad no le reprochan en absoluto decisión alguna.
El primer lugar donde lo harán fue en Hamburgo y tras un corto periodo de rodaje vuelven a su país sin encontrar fortuna, por lo que Gallagher decide cambiar de compañeros y reforma la banda con Charlie McCraken y John Wilson, y esta vez toman rumbo a Londres, allí se empiezan a mover en el circuito de blues-rock con el inconveniente de que grupos ya consolidados como John Mayall, Ten Years After, Fleetwood Mac, Cream o la Jimi Hendrix Experience entre otros muchos, les cierran el paso continuamente.
Pero poco a poco el grupo gracias a su enorme calidad y su inclinación heavy, va ganando adeptos y su reputación les empieza a ponerles en la primera fila de los grupos del white blues de la época.
A finales de 1968 publican el single “Blister on the moon”, de escaso éxito y un año después firman su primer álbum titulado homónimamente como la banda “Taste” (1969), un sobrio y demoledor trabajo de blues rock en donde Gallagher hace gala de un exquisito alarde del manejo de la guitarra, sin embargo el álbum pasa desapercibido.
Gallagher pronto empieza a llamar la atención en el gran publico, su aspecto campechano, destartalado, su honestidad y su vieja Stratoscaster de 1962, serán en adelante su seña de identidad y eso aparte de su técnica y su música hacen que paulatinamente el publico se fije en el.
Posteriormente realizan una gira como teloneros de Blind Faith por los Estados Unidos y de John Mayall and The Bluesbrakers por Europa, giras que no harán más que reafirmar al grupo entre los aficionados al blues y al rock en general.
La experiencia ganada en ambas giras junto a esos dos míticos grupos, pronto se vera reflejadas en ”On the Boards” (1970), el segundo álbum de la banda, un soberbio y magistral disco que sigue el sendero comenzado en el anterior trabajo y que contiene temas básicos como el propio “On the Boards” o “It´s happened befote, it´ll happen again”.
Pese a que el álbum alcanzo entrar en las listas y el grupo comenzó a escalar posiciones en el ámbito rockero, Gallagher empezaba a tener diferencias con los otros dos miembros de la banda que culminaría por disolverse a finales de 1970.
Antes la banda había protagonizado una soberbia actuación en el festival de la isla de Wight ante mas de 300.000 personas y que posteriormente fue editada por Polydor en el disco “Live of the Isle of Wight” (1972), meses antes se había editado a modo de despedida el álbum también en directo “Live Taste “(1971).
Comenzaba así el trayectoria en solitario de Rory Gallagher, ya por aquellos tiempos era uno de los mas completos músicos de la época, dominaba la armónica, el saxo, además de las guitarras, en especial la eléctrica, quizás solo como cantante no destacaba particularmente, pero el, como instrumentista, usaba su voz para dotar su propia música, algo que otros guitarristas ya explotaban de la misma manera como eran los casos de Eric Clapton o Robin Trower.
A mitad de 1971 publica su primer álbum “Rory Gallagher”, para el cual contó con la participación de Gerry McCoy y Wilgar Campbell.
Aquí Gallagher muestra mucho mas su deuda musical con los grandes bluesman como Muddy Waters o Albert King y el disco contenía grandes momentos como “Just  the Smile” o “For the last time”.
Casi al final del mismo año se edita su segundo trabajo “Deuce” un magnifico trabajo que nos muestra a un Gallagher espontáneo y sobrado en el manejo de la guitarra con una innovadora técnica personal.
El directo “Live in Europa” (1972) sitúa al guitarrista en lo mas alto de su popularidad y sus continuos recitales son signo de figura indiscutible dentro del panorama musical de esa época.
El siguiente año edita dos álbumes, los estupendos “Blueprint” y “Tattoo”, ambos aclamados trabajos de impresionante blues-rock.
También participa en el legendario álbum de Jerry Lee Lewis, “London Sessions” junto a Peter Frampton, Alvin Lee o Kenny Jones entre otros grandes músicos.
“Irish tour´74”, editado un años después supone en registro, los apabullantes directos que solía estar bien arropados por su banda, la cual tenia un nuevo miembro Rod De´Ath que había sustituido a Campbell, este doble álbum pronto se convierte en un clásico de los directos.
En octubre de 1975 se publica “Against the Grain” y posteriormente “Calling Card”, producido por Roger Glover, el celebre bajista de Deep Purple.
En este último vemos un ligero acercamiento hacia el hard rock en detrimento del sonido puramente blues.
Ambos álbumes fueron editados bajo el sello Chrysalis que le había ofrecido una suculenta oferta por diez años y un mínimo de 7 álbumes por publicar.
Anecdóticamente justo antes de este álbum Rory Gallagher, estuvo a punto de ingresar en los Rolling Stones en sustitución de Mick Taylor e incluso estuvo varios días ensayando con sus Satánicas Majestades, pero finalmente declina la oferta.
Llegados a este punto Rory Gallagher esta en lo más alto de la cima, le llueven ofertas desde cualquier parte del mundo para conciertos y colaboraciones en trabajos de otros músicos de dispares estilos.
Corre el año 1976 y se publica “Photo Finish”, un trabajo mucho más crudo y lleno de garra en donde el hard rock predomina totalmente el álbum, además es el primero de Ted Mckenna a la batería en sustitución de De´Ath.
El álbum contenía soberbios temas como “Shin Kicker”, “Brute force and Ignorance” o “Shadow Play”.
“Top Priority” (1979) seguía la misma línea que el anterior con incendiarias canciones como “Follow Me”, “Philby”, “Wayward Child” o la fantástica “Public Enemy No.1”.
“Stage struck” (1980), un explosivo y potente directo fue editado para demostrar el potencial que Gallagher era capaz de efectuar en los conciertos.
A partir de aquí el distanciamiento entre los nuevos álbumes se iban esparciendo cada vez mas, y no será hasta 1982 que vea la luz su nuevo trabajo titulado “Jinx”, álbum mucho mas orientado a sus orígenes bluseros pero conservando la esencia hard-rock.
También las ventas de sus álbumes habían bajado notablemente algo que al propio Gallagher no parecía importarle demasiado, solo se sentía a gusto en los conciertos.
No seria hasta 1987 cuando publicaría su nuevo álbum “Defender”, trabajo el cual revindicaba su pasión por el blues, pero todo ese tiempo transcurrido lo paso entre conciertos y colaboraciones.
En 1990 edita su ultimo trabajo “Fresh evidence”, una especie de revival a todo lo que amaba desde el blues hasta el jazz incluso la música cajun se dieron cita en este estupendo álbum.
Pero el cada vez peor estado de salud de Gallagher a causa de su adicción al alcohol le lleva a un deterioro físico alarmante, el cual desemboca en un trasplante de hígado en 1995, el cual al principio parece exitoso, pero después de varias semanas se complica conduciéndole a la muerte el 14 de junio de ese mismo año.
El mundo entero quedo conmocionado con su perdida, a partir de ahí su nombre fue puesto a colegios, calles e incluso bibliotecas por toda Irlanda, su memoria quedo intacta y su legado perdurara siempre en los corazones de millones de personas que supieron agradecerle el que durante toda su carrera fuera fiel a sus ideas y a su honestidad fuera de lo común y que llego a los corazones de gentes de todos los rincones del mundo donde actuó y que aun muchos mantienen viva su memoria escuchando su música y que músicos de todo el planeta siguen reconociendo sus méritos e influencia en muchas obras posteriores, como por ejemplo nuestro querido Rosendo.
Tras su desaparición se han editado nuevas canciones y versiones en directo no publicadas como las sesiones de la BBC un doble cd, uno en directo y otro en estudio, un cuádruple CD en vivo titulado “Let´s go to work”, que recoge sus vinilos oficiales en vivo más uno que aún no había visto la luz, además de un álbum acústico, “Wheels Within Wheels”.

viernes, 12 de febrero de 2010

Brian Eno

Muchos conocen a Brian Eno por haber sido uno de los fundadores de Roxy Music sin saber que realmente este genio de la música moderna ha sido y es mucho más que eso.
Ya desde muy joven ingreso en la escuela de arte de Ispwich para posteriormente hacer lo mismo en la de Winchester, en ambas Eno revelo unas innatas dotes creativas en la pintura y en la escultura.
Pero Eno que tenía un noción clara de la música por sus continuas audiciones de radio con programas de jazz y pop, empezó a interesarse por los cada vez más sofisticados y tecnológicos adelantos de los medios de grabación.
A casi finales de los sesenta su inquietud le llevo a presentar sus primeras obras, entre ellas “Mercant Taylor´s simultaneous cabinet”, un perspicaz composición particular de la obra de Christian Wolff y George Brecht o “The Maxwell Demon” su obra de iniciación en el mundo del rock.
Una vez obtenido el titulo de bellas artes, fabrico su propio estudio de grabación, además de entrar a formar parte de la Scratch Orchestra, una poca ortodoxa orquesta que se componían de profesionales y amateurs sin experiencia.
Esto hizo que Eno creara un manual de instrucción del planteamiento musical, mas allá del conocimiento de las técnicas de interpretación con la creación de la música ideal pero realizada por terceros músicos (Music for non-musicians).
Esta filosófica e irónica mezcla de elementos le hace fundar la Pertsmouth Sinfonia la cual ofrecieron dos trabajos de irónica relectura a partir de composiciones del pasado “Plays The Popular Classics” (1969) y “Hallelujah” (1970).
A principios de 1971 Eno conoce en una de sus audiciones al saxofonista Andy Mackay quien le convence para unir sus fuerzas y constituir una banda de pop-rock.
El resto de la banda la conforman Bryan Ferry, Phil Manzanera, Graham Simpson y Paul Thompson y debutan con el álbum “Roxy Music” (1972) nombre el cual también llamarían al grupo.
En este álbum la banda explora terrenos vanguardistas con tímidos acercamientos al glam-rock con interesantes sonidos y hermosos juegos vocales en un claro ejemplo de verdadero art-rock
El disco alcanza los primeros puestos de las lista británicas al igual que el segundo trabajo titulado “For Your Pleasure” (1973), que se caracteriza por las atmósferas y efectos que Eno imprime con los teclados bien conjuntados con la guitarra simple pero efectiva de Manzanera y la voz inconfundible y característica de Ferry, y que a la postre fue la confrontación artística de los dos líderes de la banda, la que terminaría por un lado el conseguir tan magnifica obra, pero a la vez desencadenar lo que se preveía en un futuro no muy lejano.
Y así ocurrió, Eno se da cuenta de lo limitado artísticamente que es estar sujeto a un reducido ámbito como es un grupo y al ego de Ferry, por lo que decide abandonar la nave y proseguir su carrera en solitario.
Ese mismo año Eno publica “No Pussyfooting” junto a Robert Fripp, un trabajo hermético y cerebral y totalmente anticomercial.
El siguiente trabajo “Here Come The warm Jets” (1974), sigue las atmósferas creadas en Roxy Music, con un sonido cercano al synth-rock pero con claros contrapuntos de rock postmoderno, donde la guitarra toma un protagonismo insólito en la trayectoria de Eno, y en el cual participa parte de su ex grupo como Manzanera o Mackay además de Chris Spedding y Robert Fripp.
Ese mismo año Eno además participa en otras interesantes propuestas como en el trabajo de Matching Mole, “Little red record”, en el álbum de John Cale “Fear”, o en el disco de Nico “The End”.
Y antes de finalizar el año edita su siguiente trabajo titulado “Taking tiger mountain by strategy”, un claro alejamiento del pop hacia terrenos mas electrónicos y vanguardistas con intensos momentos de creatividad.
“Another Green World” (1975), fue el siguiente trabajo en solitario de Brian Eno, un álbum que ideo mientras estaba convaleciente de un accidente de automóvil.
Los sonidos ambientales, la atmósfera minimalista y la sofisticación es el denominador común del álbum que roza momentos emotivos de enorme trascendencia.
Ese mismo años salía a la luz un nuevo esfuerzo por inculcar su música “Discreet Music”
Un trabajo titánico de arquitecturas sonicas construidas en el aire y en el vació, privados de fundamentos estructurales.
Pero antes Eno había participado en un mítico concierto junto a Kevin Ayers, Nico y John Cale el uno de junio de 1974 que fue grabado y posteriormente editado con el nombre de “June 1, 1974” y que se convirtió en un disco de culto en el ámbito underground.
A finales de 1975 presenta “Obscure Records” una hipotética enciclopedia que examina las obras cultas de la escena contemporánea y que cuenta con la ayuda entre otros de Harold Budd, Robert Wyatt, John Cage o Carla Bley
Un nuevo trabajo junto a Robert Fripp, el sutil y bello “Evening Star”, fue el siguiente paso entre colaboraciones diversas como el álbum de Robert Wyatt, “Ruth is strange than Richard” o los trabajos de John Cale “Show dazzle” y “Hellen of Troy”, todos durante 1975.
Posteriormente se embarca en un proyecto el cual llama 801 junto a Phil Manzanera o Simon Phillips entre otros, con los que graba varios álbumes como “Live” o “Listen Now” (1977).
En los años siguientes participa en los álbumes de David Bowie, “Low”, “Heroes” (1977) y “Lodger” (1979), trabajos los cuales son claros exponentes de vanguardismo musical.
Además interviene masivamente en los trabajos de los alemanes Cluster (Roedelius y Moebius ) “Cluster & Eno” (1977) y “After The Heat” (1978), y es el culto que Cluster tiene a la electrónica pura, la que pronto influye decisivamente en el propio Eno.
“Before and after Science” (1978) constituyo un trabajo de perfeccionismo sin precedentes en donde los sonidos ambient y el minimalismo constituye el final de una forma de hacer música y el comienzo de otras muchas.
No fue lo mismo con el siguiente album “No New York” (1978), un esperpento ansiolítico del cerebro de Eno.
La carrera de Eno, cada vez mas sumergida en el sonido vanguardista, dan paso a creaciones evocadoras basados en situaciones de la vida cotidiana y así nace una obra maestra como “Music for Films” (1978), álbum aleatorio en donde las imágenes ofuscadas por un hipotético documental se precipitan sobre texturas sonoras sin resistencia.
“Music for Airport” (1979) resulta ser un trabajo astuto de tonalidades superfluas en una obra para no ser oída pero si para notarla y destinada a los ambientes estériles.
Otro álbum junto a Robert Fripp; “Exposure” (1979) y otro con David Byrne “My Life in the Bush of Ghost” (1980) dan por finalizado una década de exploraciones e investigación musical tan inverosímiles como sorprendentes.
A partir de aquí las colaboraciones se hicieron mas frecuentes en uniones concertadas con John Hasell, “Fourth World Vol.1” (1980), con Harold Budd; “Ambient 2 The Plateux of Mirror” (1980), con Roger Eno; “Voices” (1985) o con John Cale en “Wrong Way Up” (1990), colaboraciones que alternaban con trabajos en solitario como “Ambient on Land” (1982), “Thursday Afternoon” (1985), “Never net” (1992), “The Shutov Assembly” (1992), “Neroli” (1993), “Headcandy” (1994), “Extracts from Music for White Cube” (1997) o “The Drop” (1997) hasta llegar a “Another Day on Heart” (2005) su ultimo trabajo.
En el año 2008 colaboro con David Byrne en “Everything that happens will happen today”.
Brian Eno ha sido sin duda una de las figuras mas influyentes de las ultimas cuatro décadas en donde el rock, el vanguardismo y el ambient sound han derivado en las corrientes musicales tal y como hoy en dia todos conocemos, desde la new age, hasta el pop, la new wave o la música electrónica actual, sin duda un genio, para muchos a la misma altura que un Bach o un Mozart pero este, del siglo XX.



miércoles, 10 de febrero de 2010

Wishbone Ash

Un anuncio en el Melody Maker a principios de los años setenta fue decisivo para el posterior alumbramiento de Wishbone Ash.
En efecto, cuando Steve Upton y Martin Turner bajista y batería respectivamente buscaban un guitarrista para formar una banda de rock, decidieron buscarlo a través de un anuncio en la revista Melody Maker, entre muchos candidatos estaban Ted Turner y Andy Powell, ambos encandilaron a Upton y Turner por lo que al final reclutaron a los dos.
Miles Copeland les ayudo al principio a concertarles diferentes conciertos, entre otros como teloneros de Deep Purple, su guitarrista Ritchie Blackmore quedo tan sorprendido por la calidad del grupo que pronto les recomendó al productor Derek Lawrence, quien junto al propio Copeland, después de proporcionarles un contrato con la MCA, les produce su primer álbum “Wishbone Ash” (1970), trabajo que demostró un predominante trabajo de doble guitarras y una inusual intensidad instrumental para una típica banda de rock, y el cual contenía los clásicos “Phoenix”, “Blind eye” o “Lady Whiskey”.
El álbum consigue colarse en las listas inglesas y la prensa especializada les otorga como la mejor promesa del año 1971.
Ese mismo años Ted Turner participa en las sesiones de grabación del disco de John Lennon, Imagine. Durante una buena parte de ese año la banda no para de dar conciertos por todo el Reino Unido. Aún así tienen tiempo de entrar en los estudios para grabar su segundo trabajo Pilgrimage (1971), disco en donde el blues-rock toma más protagonismo e incluso esencias jazzisticas en los temas instrumentales, el álbum vuelve a escalar las listas de éxitos situándose entre los 15 primeros.
Pero fue “Argus” (1972), el álbum que desbordo las previsiones mas optimistas, el publico acogió el disco de manera apabullante, la mezcla producida por grupo al usar dos guitarristas de diferentes estilos sonaba tan diferente como innovador, aparte de los largos fragmentos instrumentales que solían contener cada trabajo.
Del álbum se extrajeron varios singles como “Blowin´Free” y “The King Will Come”, además la épica es otro de sus elementos característicos, explotando al máximo sus temas relacionados con historias místicas.
Pero como casi siempre ocurre después de una obra maestra, el listón queda tan alto que difícilmente es superado y el siguiente trabajo “Wishbone Four” (1973) resulta se un paso atrás, pese a que se trataba de un buen disco, las sensaciones producidas por “Argus”, quizás fueran un lastre demasiado grande, pero y pese a todo nos encontramos grandes temas como la melódica “Ballad of the Beacon” o rítmica “So many things to say”.
Para resarcirse de este traspiés el grupo edita el doble álbum en directo “Live Dates”, y vuelven a tener el éxito deseado, en efecto el álbum se convierte en un éxito absoluto sobre todo en América y de paso convirtiéndose en uno de los mas fascinantes álbumes en directo de la historia del rock, catalogado como una obra maestra.
Una vez ganado el fervor del publico y la critica con este álbum, el grupo parecía volver a las senda del éxito hasta que ocurre lo inesperado, Ted Turner decide abandonar el grupo para ingresar en una secta religiosa de los Ángeles.
Todo hacia prever que la banda desaparecería o se resentiría de una perdida tan vital, pero lejos de eso reclutan a un nuevo guitarrista, Laurie Wisefield que había pertenecido a una banda llamada The Home.
Con la banda reformada entran a grabar el siguiente álbum “There´s The Rub” (1974) producido por Bill Szymczyk, uno de los mas famosos productores norteamericanos quien ya había trabajado entre otros con The Eagles.
El álbum pronto se coloca en las listas de éxitos, además Wisefield resulto ser un guitarrista polivalente que perpetuaba la magia de la dobles guitarras casi a la perfección, aunque lejos de las atmósferas intensas que sobre todo en directo ofrecía el grupo.
“Locked In” (1976), resulto ser un trabajo poco brillante, aunque interesante, pero muy poco personal y cada vez la diferencia con el sonido de directos era mayor y eso el público y la crítica lo hacían notar con las ventas de sus álbumes.
En noviembre de 1976 se publica “New England” y la sombra del “Argus” sobrevuela el álbum, un trabajo de una calidad incuestionable y de renovadas energías, volviendo a ese sendero del rock de guitarras gemelas y pasajes instrumentales sublimes.
Pero comercialmente el disco no despeja las dudas existentes y queda relegado a un segundo plano, también injustamente es infravalorado por la crítica.
Llegado a este punto la banda seguía agotando las entradas en los conciertos, Japón, Estados Unidos y Europa les seguía teniendo un gran fervor.
Posteriormente el magnifico “Front Page News” (1977), el notable “No Smoke Without Fire” (1978) y el interesante “Just Testing” (1980) fueron los siguientes trabajos con una tónica muy similar a los últimos trabajos.
1980 supone el abandono del fundador Martin Turner que a partir de aquí se dedica a la producción y a ejercer como músico de sesión, el sustituto recae en John Wetton, experimentado músico que ya había pertenecido a grandes bandas como Uriah Heep, King Crimson, Family o UK, quien junto a Claire Hamill, quien también fue reclutado para las partes vocales, participaron en el siguiente álbum “Number the Brave” (1981) trabajo con claras tendencias AOR, quizás fruto de la influencia del propio Wetton.
Trevol Bolder (ex Uriah Heep y David Bowie) sustituye a Wetton para el álbum “Twin Barrels Burning” (1982), además volvían a ser un cuarteto abandonando la idea de un vocalista, aparte el disco ofrecía una cara renovada y un sonido decididamente más hard rock.
A partir de aquí los constantes cambios de formación fue la nota predominante de la carrera del grupo y los discos cada vez menos innovadores y muchos menos continuistas que siguieron derroteros muy variados, aunque y todo hay que decirlo de buenas facturas todos ellos, pero cada vez mas alejados del gran publico y solo al alcance de unos cientos de miles de fans incondicionales y devotos.
Así se fueron sucediendo álbumes como “Raw to the Bone” (1985), un tímido acercamiento a su mejor epoca, “Noveau Calls”, (1988), trabajo que conto con la participación de la banda original gracias a Miles Copeland que logro reunirlos para este álbum, “Here to Hear” (1989), “Strange affair” (1991), “Illuminations” ( 1996 ), “Trance Visionary” (1997), “Psychic Terrorism” (1998), “Bare Bones” (1999), “Bona Fide” (2002), “Lost Pearls” (2004), “Clan Destiny” (2006) y por ultimo “Power of Eternity” (2007).
Por lo demás Wishbone Ash presume de tener una de las discografías en directo mas amplia desde el “Live fom Memphis” (1973) hasta el “Live on XM Satéllite Radio” (2007), pasando por el “Live Dates vol.2” (1980) o “The Ah Live in Chicago” (1992), entre otros muchos mas, sin mencionar una innumerable cantidad de compilaciones y recopilatorios.
Actualmente existen dos formaciones de Wishbone Ash, por un lado la del guitarrista Andy Powell y por otra la de Martin Turner.
En definitiva Wishbone Ash han pasado a la historia como una de las mejores y mas influyentes bandas y pieza fundamental en la historia del rock.

lunes, 8 de febrero de 2010

Twenty Sixty Six and Then-Reflections On The Future (1972)

Twenty Sixty Six and Then fue una excelente banda alemana encuadrada en los sonidos del krautrock, que lanzaron un solo álbum en 1972, el cual esta considerado una de los obras mas apreciadas del genero germano.
Formados a principios de los setenta en Mannheim, su formación estaba compuesta por Geff Harrison (voz), Gagey Mrozeck (guitarra), Dieter Bauer (bajo), Konstatin Bommarius (batería) y Steve Robinson y Veit Marvos (órgano Hammond, mellotrón, sintetizadores y voces).
Su estilo estaba inundado de pesados sonidos de órgano Hammond y guitarras, con una fuerte inclinación hacia las improvisaciones progresivas y sinfónicas, todo ello mezclado con elementos psicodélicos.
Su único lanzamiento "Reflections On The Future", fue producido por el sello United Artists y lanzado en 1972. Un álbum que comienza de manera apabullante con la hard rock progresiva "At my Home", a la que sigue la sinfónica "Autumn", un corte pesado repleto de sonidos mordientes de guitarra y pasajes oscuros de teclados. Sin embargo es la suite "Reflections On The Future", el momento cumbre de este álbum, una pieza repleta de exploraciones sonoras improvisadas, empapadas de ásperos sonidos de Mellotron, histéricos aullidos de guitarras y una instrumentación majestuosa.
Después de este lanzamiento, la banda dejaría grabado material para un segundo álbum que nunca fue publicado, pero que sin embargo fueron rescatados por el sello independiente Second Battle y publicados en 1991 con el titulo de "Reflections on The Past".

domingo, 7 de febrero de 2010

Vinnie Moore

Junto a otros guitarristas coetáneos como Michael Lee Firkins, Jason Becker, Greg Howe o Marty Friedman, todos ellos descubiertos por el cazatalentos Mike Varney y su escudería la Sharpnel Records, es Vinnie Moore quien mejor ha sabido conjugar sus habilidades y destreza con las seis cuerdas con un innato sentido de la composición neo clásica y el sonido de la guitarra eléctrica mas vanguardista dentro del heavy metal.
Ya desde su época como guitarrista del grupo Vicious Rumours, demostró grandes dotes técnicas y su participación en el álbum “Soldiers of the Night” (1986), quedo patente que pronto terminaría por iniciar una exitosa carrera en solitario.
Y así fue, un año después publico su primer trabajo titulado “Mind´s Eye” (1986), un trabajo limpio y catatónico y el cual tuvo el inestimable apoyo de Tommy Aldridge y Tony Macalpine.
El álbum dejo bien sentado que de toda esa legión de nuevos guitarristas surgidos a mitad de los ochenta seria Vinnie Moore quien era el máximo estandarte.
Moore demuestra en sus trabajos los medidos paseos a base de escalas pentatónicas, grandes acordes y alardes técnicos fuera de lo común.
No seria hasta dos años después que publicaría su segundo álbum “Time Odyssey” (1988), considerado por sus fans y la crítica como su mejor trabajo y que contaba con la participación de Jordan Rudess a los teclados.
En el álbum el guitarrista alternaba temas propios con algunas versiones como el tema de The Beatles “While My Guitar Gentil Weeps” o “April Sky”, una relectura guitarrística de la composición de Bach.
Seria en 1991 cuando colabora con Alice Cooper en la grabación y posterior gira del álbum “Dirty Dreams” y ese mismo año también publicaría su tercer trabajo titulado “Meltdown”.
Cinco años tardaría en publicar material nuevo, centrándose durante todo ese tiempo en colaboraciones y proyectos muy variados.
“Out of Nowhere” publicado en 1996 y “The Maze” varios años después, este ultimo con Macalpine de nuevo a los teclados, supuso un tímido acercamiento a sus orígenes.
Posteriormente y después del álbum en directo “Live” (2000) el guitarrista se embarco en un nuevo trabajo el cual se titulaba “Defying Gravity” (2001).
En el 2004 pasa a engrosar las filas de los míticos UFO sustituyendo a Michael Schenker y graba su primer álbum con el grupo “You are Here”, además también colabora en el disco de Jordan Rudess “Rhythm of Time” junto a Steve Morse, Joe Satriani o Kip Winger entre otros.
En el 2006 llego un nuevo álbum con UFO, “The Monkey Puzzle” en donde la banda parecía retornar a los viejos y prolíficos tiempos.
Ese mismo año la Shrapnel edita un recopilatorio de Moore titulado “The Shrapnel Years Vinne Moore Collection”, donde se hace un repaso a toda su discografía.
En el 2009 publica su ultimo trabajo “To The Core”, un interesantísimo trabajo que sigue su línea ascendente de los últimos años y en donde demuestra que sus trabajos no son solo un lucimiento personal, demostrando su enorme creatividad al crear grandes composiciones.
Ese mismo año también se edita “The Visitor”, un nuevo trabajo de UFO, el tercero con Vinne Moore a las guitarras, donde vuelve a predominar los sonidos añejos de las décadas de los 70 y 80.