Este fue el álbum que influiría de manera decisiva en Mark Knopfler y sus Dire Straits (al menos en sus dos primeros álbumes), pero también el que contiene una de las canciones míticas de J.J.Cale, “Cocaine”, que posteriormente Eric Clapton popularizara a nivel mundial.Al mismo tiempo este trabajo es el que consolidaría el estilo “Tulsa Sound”, un subgénero basado en el folk, el blues, el country, el jazz y el rockabilly y que convirtió a J.J.Cale en una de las leyendas de la música norteamericana del siglo 20.
Pero hasta llegar aquí J.J.Cale ya llevaba tras de si mas de una década de carrera musical, la cual había empezado a principios de los sesenta junto al ilustre Leon Russell.
En 1965 una canción suya “After Midnight”, se convierte en un pequeño éxito y al año siguiente llegaría su primera publicación con el grupo The Leathercoated, que sin embargo no obtiene el éxito deseado.
Esta decepción le lleva a mudarse a Tulsa en Oklahoma, en donde después de firmar con el sello local Shelter grabaría su primera obra en solitario “Naturally” aparecido en 1971.
En este primer álbum J.J.Cale mostraba su enorme sensibilidad con un trabajo repleto de aires blues, jazz, folk y country, con una serie de canciones intensas y contenidas, y que contiene dos de sus clásicos “Call Me The Breeze” y la mencionada “After Midnight”.
En los siguientes años Cale publicaría el mas dinámico “Really” (1972), y mas tarde “Okie” (1974), en donde de manera progresiva incluye otros géneros musicales como el gospel pero sin perder un ápice su personalidad, continuando con sus exploraciones en las raíces de la música norteamericana.
Dos años después con “Troubadour”, culmina su madurez compositiva mostrando su álbum mas versátil y al mismo tiempo mas consolidado en su propuesta musical.
Repleto de canciones inspiradas y brillantes como la mencionada “Cocaine”, la juguetona “I´m A Gypsy Man”, la rítmica "Let Me Do It To You”, la planeadora “Hey Baby”, la atmosférica bluesy “Super Blue” o la ágil “Ride Me High”.
Su formación estaba compuesta por Ian Duck (voz, armónica), Dave Glover (bajo), Roger Pope (batería), y Caleb Quaye (guitarra). Algún tiempo después se les uniría el guitarrista Bob Kulick y el bajista Mick Grabham.
Todos estos músicos habian participado en la mayoría de las grabaciones del mencionado sello, entre los que se encontraban los primeros álbumes de Elton John como “Empty Sky” de 1969.
Después de firmar con la A&M Records, publicaron cinco LP´s, que solo fueron comercializados en los Estados Unidos, empezando por "A Pie Of Pye" (1969), al que seguirán "Turn The Radio" (1970), "Hookfoot" (1971), "Good Times A´Comin" (1972), "Communication" (1972) y "Roarin´", con el cual daban por finalizado su periplo musical.
Posteriormente la A&M Records publicaría el doble recopilatorio "Headlines" y algunos años mas tarde el álbum en directo grabado en 1972 "Live In Memphis".
Este directo es una brillante muestra del estilo de Hookfoot, con ese sabor sureño impregnado de rock and roll, blues eléctrico y acústico, con elementos funky.
Temas como la funk rock “Bluebird”, la épica sureña “Mystic Lady”, la polvorienta “Movies”, la country rock “Natures Changes”, la rítmica jazz rock “Wim-Wom” o la melódica "Crazy Fool”, junto a la brillante y lograda interpretación del tema de Neil Young “Don´t let it Bring You Down”, o el blues acústico “Coombe Gallows”, demuestran el talento que esta olvidada banda tenían tras de si, combinando una excelente musicalidad con unas letras comprometidas y un estilo ecléctico cautivador y sugestivo.
Un álbum que en un principio estaba destinado a ser la segunda opera rock de The Who, ya que su guitarrista y líder Pete Townshend quiso continuar con ese formato después del éxito del mencionado "Tommy”. Sin embargo este complejo y ambicioso proyecto el cual llevaría de nombre “Lifehouse", fue desechado y gran parte de los temas compuestos para esa ocasión fueron a parar a este “Who´s Next”.
El estilo de la banda en este álbum es en parte diferente a lo hecho hasta esos momentos, con grandes dosis de experimentación, agregando los sonidos mas vanguardistas de la época como los sintetizadores, vigorosos sonidos de hard rock y sutiles arreglos progresivos, todo ello sumado a los grandes riffs de guitarra del propio Townshend, la tremenda voz de Roger Daltrey y la demoledora sección rítmica compuesta por Keith Moon y John Entwistle.
Un álbum que esta repleto de temas míticos como la inicial “Baba O´Riley” con esos ya conocidos sonidos de sintetizador, tema principal de la serie de TV “CSI Las Vegas”, a la que le siguen la poderosa y adictiva “Bargain”, la progresiva “My Wife”, la épica “The Song Is Over”, la sentida “Getting In Tune”, la preciosista “Going Mobile” o la excelsa rock con tintes progresivos “Won´t Get Fooled Again”.
“Who´s Next” tuvo una gran acogida por parte del publico, con unas ventas que les llevaron a obtener tres discos de platino y al mismo tiempo convertirse en la mejor obra de The Who y una de las obras maestras de la música rock.
Originarios de la ciudad de Chicago, esta banda solo publicaría un álbum en 1982, pero mucho antes de su lanzamiento, ofrecieron una serie de conciertos en el Aragon Ballromm de Chicago entre 1977 y 1978, que muchos años años después en el 2002, fueron rescatados y reeditados como "There and Back Again".
La formación de Winterhawk estaba compuesta por el guitarrista Jordan Macarus, el bajista Doug Brown, el guitarra Steve Brown y el batería Steve Tsokatos.
En esos años y gracias a sus incendiarios directos, son reclamados para telonear a bandas de primer nivel como Black Oak Arkansas, Steppenwolf o Budgie entre otras.
Parte de los temas interpretados en este directo fueron a parar al mencionado y único álbum publicado cuatro años después y que llevaría por titulo “Revival”.
En esta espectacular grabación en directo ya muestra el dominio del inconmensurable Jordan Macarus con las seis cuerdas, repartiendo toneladas de riffs y solos de guitarra por doquier, y con el resto de la banda mostrando una musculosa instrumentación de poderío y contundencia.
Potentes y enérgicos temas de hard rock como "Sanctuary", "In The Wake Of Things Yet to Come", "Hammer And The Axe", "Creatures Of The Sea" o "Off The Bat", conforman esta colosal grabación.
"There and Back Again", es en definitiva uno de los álbumes imprescindibles para todos los amantes del oscuro y olvidado hard rock clásico de los 70.
que sobresalieron por una excelente técnica instrumental y una gran imaginación y talento en sus logradas composiciones.
Con un estilo que estaba influenciado por una gran variedad de sonidos, entre los que estaban el folk, el pop y el jazz, en sus dos únicos álbumes se observan de manera bastante obvia la sombra de las grandes del genero británico como KC, Yes o Genesis, pero también la de sus compatriotas Kansas, con ese regusto por el rock norteamericano.
Fundada en Fort Wayne en Indiana en 1973, su formación estaba compuesta por Duncan Hammond; órgano, moog, Mellotron y demás teclados, el también teclista Michael Ponczek, el guitarrista y voz, Wils Sharpe, el bajo Brad Stephenson y el batería Mark Richards, además de Gerg Riker en otros instrumentos.
En 1974 tuvieron la suerte de fichar por una de las grandes discográficas como la Capitol Records y se trasladan a Nueva York donde graban su primer álbum, el cual esta compuesto por ocho cortes escritos en su totalidad por Sharpe.
Este primer lanzamiento titulado “Ardour”, es un ejemplo de una perfección instrumental muy equilibrada, en donde también se observa el talento de todos sus miembros con sus interpretaciones instrumentales.
Aunque su sonido sinfónico es evidente, la variedad de instrumentos utilizados y la alternancia de sonidos es bastante elocuente, con grandes sonidos de mellotron, flautas, órgano y guitarras, creando atmósferas en algunos casos caóticas por la gran cantidad de sonoridades. Las armonías vocales se asemejan a Yes o Gentle Giant, mientras que las partes de teclados tiene ese sabor a los Genesis mas añejos, sin dejar de mencionar los arabescos riffs de guitarras en clara sintonía con Steve Howe de Yes.
La inicial “Intrepid Traveler” es una buena muestra al sonido complejo heredado de los mencionados Yes, mientras otros cortes como las progresivas “Atlantes”, “The Spirit Of Music”, “Sapce Brothers” o la melódica “E´Mocean” completan un álbum que pese a su enorme calidad paso desapercibido para la comunidad progresiva de la época.
Un año mas tarde llegaría su segundo y ultimo trabajo “Open Up” el cual sigue por una senda continuista ofreciendo temas de gran calibre como la crimsoniana “Pimp City”, la soberbia “Star Anew”, la espesa “Memories” o la compleja “The Players (Of The Game)”.
Del “The Dark Side Of The Moon” se ha hablado y comentado hasta la saciedad, quien no conoce o no ha oído hablar de esta obra maestra absoluta de la música contemporánea?.
Su legado ha traspasado las fronteras de estilos y modas, logrando con ello ser una de las diez mayores obras maestras musicales del siglo 20.
Para ello la banda se encomendaría a los astros galácticos y mas concretamente a la luna y su lado oscuro, un álbum que muestra una célula sideral fecundada de arte por los cuatro costados, donde hay cabida para la experimentación y la vanguardia, una obra maestra de la creación, capaz de transmitir un universo de sensaciones y vivencias, la cual logra manipular los estados de animo de los que descubren su música.
Musicalmente esta repleto de texturas, pasajes sorprendentes de pasmosa intensidad y una cristalina delicadez, que lograría al mismo tiempo, crear una nueva concepción del sonido.
Un álbum que batió todos los récords posibles, los cuales muchos aún no han sido superados, además de sus asombrosas ventas, lo cual lo coloca como uno de los mas vendidos de la historia (mas de 50 millones), numerosos números unos alrededor del mundo, con muchos años en las listas de éxitos, una gira posterior apoteósica, con mas de 14 meses consecutivos por medio centenar de países presentando el álbum, infinidad de premios entre los que están el que fuera premiado como el mejor disco del año, la mejor producción, la mejor portada o el mejor single ("Money"), y sus cuatro miembros los mejores en sus respectivos instrumentos.
Además fue el primer álbum en la historia en ser grabado totalmente en formato cuadrafónico.
Estructurado a modo conceptual, esta repleto de efectos de sonido, desde la inicial “Eclipse” hasta el epilogo “Speak To Me”, pasando por la apabullante y rítmica “Money”, la soberbia “Time”, la hermosa “Us and Them” o la sugerente “Breathe". En definitiva un fascinante recorrido por una trama de un hombre condenado a la locura. Detrás de los controles de grabación estuvieron algunos de los mas grandes ingenieros de la historia como Alan Parsons o Chris Thomas, además de los estudios Hipgnosis, quienes fueron los encargados del diseño futurista de su icónica portada.
Si “Blow by Blow” había supuesto una combinación de sus dos facetas en las que fusionaba el poderoso rock con el blues aderezado con elementos de jazz y funk, en este “Wired”, Beck sigue en esa tónica pero cediendo el protagonismo a la hora de componer el nuevo material a otros músicos, como en este caso al teclista Max Middleton y al baterista Narada Michael Walden, que junto a Jan Hammer en los sintetizadores y al bajista Wilbur Bascomb cerraban la formación con la que grabaría este álbum.
Un disco que cuenta con temas del calibre de “Led Boots”, intenso y poderoso, o la jazz rock “Blue Wind”, la lograda versión de Charles Mingus “Goodbye Pork Pie Hat”, la sentida “Love Is Green”, o las jazz funk “Come Dancing” y “Head For Backstage Pass”, todas ellas con prodigiosas intervenciones de Jan Hammer, Narada Walden y la técnica virtuosa con las seis cuerdas del propio Jeff Beck.
Como ocurriría con el anterior “Blow By Blow”, alcanzaría el disco de platino por sus ventas, aunque no lograría superarlo en las listas del Billboard.
Aquí los integrantes de la formación le dejaron a su lider Pye Hastings, el camino libre para volvieran a la senda del rock, con un sonido mas melódico y coherente en donde había cabida para los sonidos folk y ritmos mas dinámicos.
En esta ocasión la banda estaba formada por Pye Hastings, David Sinclair, John G. Perry, Richard Coughlan y Geoffrey Richardson, este ultimo un destacadísimo instrumentista de la Viola, el cual dio mucha mas profundidad al estilo musical del grupo.
Las magnificas guitarras y los grandes teclados, impregnan todo el álbum en donde sobresalen la melódica “Memory Lain, Hugh”, la simple pero efectiva “The Dog, The Dog, He´s at it Again”, la epopeya “L´Auberg Du Sanglier”, o la densa y antológica “C´Thlu Thlu”.
“Chicago Transit Authority” como así se titula este trabajo, para mas inri en doble álbum y que homónimamente se llamaba igual que la banda en sus comienzos, es una ecléctica mezcla de jazz y rock and roll poderoso y enérgico que ofrecía unos arreglos jazzisticos bajo el embrujo de las guitarras rock, enfatizando los dos estilos de manera tan profunda como singularmente notable.
Por un lado estaba el típico grupo de rock compuesto por el guitarrista y voces Terry Kath, el teclista y voz, Robert Lamm, el bajista y voz Peter Cetera y el baterista Danny Seraphine y por otro el contundente trío de metales compuesto por Lee Loughnane, James Pankow y Walter Parazaider. Esta fusión de rock y jazz también lograría memorables momentos con temas pegadizos muy cercanos al pop, que fueron las favoritas de los fans mas entusiastas.
Cortes como “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, “Beginnings”, “Question 67 And 68”, o la clásica versión de Steve Winwood, “I´m A Man”, mostraban unos arreglos muy ajustados y contagiosos que contrastaban con las rock vertiginosas con un fondo de blues “Introduction” y “South California Purples”, así como la extendida jam improvisada “Liberation” de pura liberación instrumental por parte de todos los miembros de la banda.
Mientras la faceta vanguardista esta presente en las experimentales y complejas “Free From Guitar”, “Prologue, August 29, 1968” y “Someday” , todas ellas con un claro mensaje político muy emotivo.
Este primer álbum lograría encaramarse hasta el numero 17 en las listas norteamericanas y un noveno puesto en las británicas, consiguiendo varios discos de platino por sus abultadas ventas a nivel mundial.
Sin embargo aquí aparecen varios temas inéditos que fueron grabados en estudio, como la calypso pegadiza “Brown Street”.
En este doble Lp aparece la formación mas heterogénea de la banda, la cual crearía algunas de sus mejores obras y que estaba compuesta por Joe Zawinul (teclados), Wayne Shorter (saxo), Jaco Pastorius (bajo), Peter Erskine (batería), además de Erich Zawinul (percusión) como músico invitado.
Considerado uno de los mejores documentos históricos en vivo del jazz rock, su repertorio esta repleto de sublimes composiciones como sus clásicos “Birland”, “Black Market”, la soberbia versión de Miles Davis, “In A Silent Way”, la sutil “A Remake You Made”, la enorme “Scarlet Woman” o el antológico “Medley: Badia/Boogie Woogie Waltz”.
“8.30”, titulo tomado de su acostumbrada hora de comenzar sus shows, obtuvo el premio Grammy al mejor álbum de jazz y una sorprendente tercera posición en las listas del Billboard Jazz Álbum y varios discos de oro por sus ventas a nivel mundial
Hasta la llegada de este lanzamiento, Whitesnake se habían caracterizado por los sonidos influenciados del hard rock blues con elementos del boogie rock, con ciertas similitudes a bandas como Deep Purple o Led Zeppelin.
Sin embargo la banda que grabaría este nuevo álbum seria totalmente opuesta a la que firmara esa época de blues rock anterior. Aquí ya no estaban Jon Lord, Ian Paice, Micky Moody, Bernie Marsden o Mel Galley, es decir sus integrantes mas icónicos, los cuales encumbraron a Whitesnake como una de las mejores formaciones de la historia del hard rock.
En este nueva entrega la banda estaba formada por su líder, el carismático David Coverdale a las voces, que junto a Neil Murray eran los dos únicos supervivientes de esa época, cerrando la formación el guitarrista John Sykes y el baterista Aynsley Dunbar.
Además en el proceso de grabación también participarían Don Airey y Bill Cuomo a los teclados, los guitarristas Adrian Vanderberg, Vivian Campbell y Dan Huff y el batería Denny Carmassi, mientras los ingenieros de sonidos Mike Stone y Keith Olson fueron los productores del álbum.
“1987” contiene una sabia mezcla del hard rock setentero combinados con los sonidos mas modernos de la década de los ochenta, en donde los sintetizadores y teclados cobran un gran protagonismo, todo ello con poderosos y contundentes riffs de guitarras como queda demostrado en la zeppeliana “Still Of The Night”, las melódicas "Give Me All Your Love" y "Crying In The Rain", la soberbia “Is This Love” o la añeja “Here I Go Again”.
La recepción posterior del álbum lograría unas ventas superiores a los diez millones de copias a nivel mundial.
