martes, 19 de marzo de 2024

Peter Frampton-Frampton Comes Alive (1976)

“Frampton Comes Alive” es el disco en directo mas vendido de la historia del rock y uno de los mayores impactos discográficos de la industria en toda su historia, realizado por un artista que aún teniendo muy buenas credenciales y habiendo demostrado sobradamente una gran calidad como guitarrista y compositor como miembro de los míticos Humble Pie, nunca se llego a intuir semejante impacto mediático cuando comenzaría su carrera en solitario a principios de los 70, la cual casi se va al traste al estar a punto de ser expulsado de su discográfica la A&M ante su escasa rentabilidad comercial.
Peter Frampton, fue un antiguo miembro fundador en los 60 de The Herd, una banda británica de pop para adolescentes con quien lograría algunos éxitos como “From The Underworld” a mediados de 1967, para posteriormente fundar junto con el guitarrista Steve Marriott los mencionados Humble Pie, logrando un mayor éxito y reconocimiento gracias a unos soberbios álbumes de potente hard blues rock como son “As Safe as Yesterday Is”, (1969), “Rock On” (1971) o el antológico directo “Performance Rockin´The Fillmore” (1971). Una vez abandono a los Pie a finales de 1971, Peter Frampton iniciaría su aventura en solitario de la mano del que había sido manager de su ex banda, Dee Anthony, quien gestionaría los primeros años de su carrera. Frampton había grabado antes de este “Frampton Comes Alive!”, cuatro álbumes en estudio de mediocre factura, empezando por “Wind Of Change” (1972), al que seguirán “Frampton´s Camel” (1973), “Something´s Happening” (1974) y “Frampton” (1975), sin embargo seria con este ultimo con el cual obtiene unos mejores resultados en cuanto a ventas, logrando un meritorio numero 32 en las listas del Billboard y un disco de oro.
Este éxito le llevaría fundar una banda estable junto al teclista y guitarra Bob Mayo, al batería John Siomos y al bajista y voces Stanley Sheldon y a presentar el disco en una larga gira por los Estados Unidos en el verano de 1975, la cual tuvo que prolongarse durante muchos meses mas ante el tremendo éxito que cosecharía.
El repertorio de “Comes Alive” fue extraído de diferentes conciertos celebrados el 14 de junio de 1975 en el mítico Winterland de San Francisco (un famoso lugar donde Humble Pie habían sido siempre muy bien recibidos y donde habían cosechado grandes éxitos en el pasado), el 19 de junio en el Marin Civic Center de San Rafael, California, el 24 de agosto en el Long Island Arena y el 22 de noviembre en Pittsburgh, en donde contaron como ingenieros de sonido, a dos leyendas de las mesas de mezclas como eran Eddie Kramer y Chris Kimsey, logrando producir un doble álbum de hard rock adictivo con canciones irresistibles, sabiamente producidas para la radio y potenciales hits como las  archiconocidas "Show Me The Way" o "Baby I Love Your Way", además de otros temas de gran calidad como "It´s a Plain Shame", “Shine On”, “I Wanna Go to the Sun” o una excitante versión de "Jumping Jack Flash" de los Rolling Stones, con un extraordinario resultado final, el cual se convertiría en un caso inaudito e inédito en la historia de la música rock de los años 70.
Entre los años 1976 y 1977 se vendieron un total de seis millones de copias solo en Norteamérica, y un total de 16 millones en todo el mundo y estuvo en el Top 10 del Billboard durante la friolera de 99 semanas consecutivas.

domingo, 17 de marzo de 2024

Peter Gabriel-Peter Gabriel I (1977)

El primer álbum en solitario de Peter Gabriel, lanzado tres años después de su ultima grabación en estudio “The Lamb Lies Down On Broadway” junto a Genesis y dos años después de su salida definitiva de la banda, es sin duda uno de sus trabajos mas accesibles y versátiles.
Para este primer álbum Gabriel se apoyaría en una amplia legión de grandes músicos colaboradores empezando por los guitarristas Robert Fripp, Steve Hunter y Dick Wagner, el bajista Tony Levin, el batería Allan Schwartzberg, los teclistas Larry Fast y Jozef Chirowski, además de la Orquesta Sinfónica de Londres.
Grabado durante los meses finales de 1976 entre diferentes estudios de Canada y Londres, bajo la producción de Bob Ezrin, muestra a un Peter Gabriel alejado de todo lo que había hecho con Genesis en el pasado, a excepción del tema inicial “Moribund The Burgermeister”, el cual casi parece un descarte del mencionado “The Lamb Lies...”. El resto esta confeccionado eclécticamente, en donde cada corte tiene un estilo diferente.
Incursiones en el rock con la contundente “Slowburn”, el blues con “Waiting For The Big One”, el prog rock “Down The Dolce Vita”, la electrónica “Humdrum”, el pop rock “Solsbury Hill”, o la épica “Here Comes The Flood”.
Con todo ello, Peter Gabriel demuestro que podría fácilmente tener una vida sin su antigua banda. Incluso con la ayuda de algunos de los grandes músicos de los 70 como Robert Fripp (King Crimson) o el mago de los sintetizadores Larry Fast, Gabriel es la verdadera estrella del álbum. Con una poderosa y vibrante producción y unos exquisitos arreglos, es indudable que este prodigioso primer álbum es el testimonio de su grandeza como compositor, cantante y músico.

viernes, 15 de marzo de 2024

The Beatles-Rubber Soul (1965)

El sexto álbum de The Beatles, “Rubber Soul”, supuso el primer disco “convencional” y “sistemático” de la banda de Liverpool. Aquí ya no esta estructurado como una simple colección de singles de enorme éxito y magnificas canciones de “relleno”. La búsqueda incesante de nuevos sonidos les llevaría a tocar diferentes estilos como el folk, o los sonidos orientales, sin dejar de lado el irresistible pop.
De igual manera este nuevo trabajo marcaría una gran diferencia con respecto a todas sus anteriores obras, con una producción mas elaborada y unos arreglos mucho mas cuidados, complejos y precisos.
El ambiente folk incluyendo los sonidos del sitar aparecen en las hermosas “Norwegian Wood”, “Think for Yourself” y “If I Needed Someone”, estas dos ultimas escritas por George Harrison, mientras la rock “Drive My Car”, y las armoniosas “Nowhere Man” y “In My Life” son tres de los cortes mas brillantes. Siguiendo una estela parecida aparecen la preciosista “Michelle” y la elaborada “You Won´t See Me”, que son el contrapunto a las mas ordinarias y aceptables “Run For Your Life” y “Wait”.
Con “Rubber Soul”, The Beatles acallarían a un pequeño sector de la prensa que los acusaba de producir, después de cinco álbumes, simples cancioncillas pop (de incuestionable calidad, eso si) presentando una colección de canciones mas versátiles y eclécticas, logrando con ello otra de sus grandes obras maestras.

miércoles, 13 de marzo de 2024

T.Rex-Electric Warrior (1971)

A finales de 1971, T.Rex, la banda liderada por el carismático Marc Bolan, llevaban mas de dos años de arrolladores éxitos, canciones como “Debora”, “Ride a White Swan”, “Hot Love”, o álbumes como “Prophets, Seers & Sages...”, “Unicorn”, “A Beard of Stars“ o “T.Rex”, (los tres primeros bajo Tyrannosaurus Rex), le llevaría uno tras otro a ser aclamado por una parte de la prensa sensacionalista y el publico británico como los sucesores naturales de The Beatles. Esta exagerada y magnificada afirmación, fue debida a la fiebre “T-Rexmania”, que fulgurantemente había surgido en Inglaterra por esos años. En medio de esa vorágine de éxitos, T. Rex publicaban su sexto álbum “Electric Warrior”, el cual supondría otro éxito absoluto en las listas británicas y aumentaba así su popularidad hasta cotas inimaginables.
Publicado a finales de 1971, “Electric Warrior”, se convertiría en su trabajo mas lucido hasta esos momentos, que con un repertorio en donde aparecían once temas brillantes, Marc Bolan no solo lograría permanecer durante semanas en el numero uno en las listas de éxitos, si no también en crear uno de los grandes álbumes del glam rock, al mismo tiempo que una de las obras maestra de la historia de la música rock.
Muchas de las canciones de este álbum se convirtieron de inmediato en clásicos emblemáticos como la archiconocida “Get It On”, o las deslumbrantes “Cosmic Dancer”, “Planet Queen”, “Jeepster”, “Mambo Sun”, “Rip Off” o “Girl”, todas ellas repletas de grandes arreglos de cuerdas, riffs poderosos, ritmos adictivos, juguetonas percusiones y atractivos estribillos vocales.

lunes, 11 de marzo de 2024

David Bowie-Diamond Dogs (1974)

El octavo álbum de David Bowie, es sin duda el tercer trabajo clásico de su período glam, si consideramos el anterior “Pin-Ups”, como un disco transitorio. Por lo que podríamos estimar a este “Diamond Dogs”, como la conclusión natural del espectro emocional que va desde “Ziggy Stardust” hasta “Aladdin Sane”. Mientras que “Ziggy Stardust”, vino del espacio con un mensaje de esperanza y descendió a la degeneración del rock and roll, y “Aladdin Sane” se deleito en el colapso resultante, “Diamond Dogs” por su parte presentaba una visión post glam de un futuro post apocalíptico habitado por bandas punk de jóvenes hambrientos, en el que surge una horrible sociedad totalitaria, la última de las cuales a menudo se relaciona con el abortado proyecto del propio Bowie “1984”, debido a su canibalización y salvaje tratamiento de las canciones.
Para la grabación de este nuevo trabajo Bowie realizaría varios cambios entre los músicos habituales de su banda, reemplazando a los asiduos Mick Ronson y Trevor Bolder por Alan Parker (guitarra) y Herbie Flowers (bajo), respectivamente, además de contar con un segundo batería, Tony Newman, mientras volvería a contar con el teclista Mike Gerson y el percusionista Aynsley Dunbar, en tanto Bowie se encargaría de la guitarra solista, el Mellotron y los sintetizadores Moog.
“Diamond Dogs” muestra diferentes canciones de glam rock engañosamente convencionales, como la homónima “Diamond Dogs” o “Rebel Rebel”, las cuales se alternan con otras irresistiblemente atrayentes como la arrolladora y majestuosa trilogía compuesta por “Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise)” o el canto fúnebre de “We Are the Dead”. Por otro lado la inclusión de las influencias funky de “1984”, prefigura la transformación de Bowie en un robot del soul moderno y electrónico que ya veríamos en el siguiente álbum “Young Americans”.
En conclusión este “Diamond Dogs” capturaba a un Bowie liberándose del modelo camaleónico de glam rock que el mismo había liderado hasta esos momentos, para incorporar a su ecléctico estilo, una gama más amplia de influencias musicales.

sábado, 9 de marzo de 2024

Glenn Frey-No Fun Aloud (1982)

Dos años después del ultimo álbum de The Eagles, "Eagles Live" (1980), uno de sus miembros fundadores, el guitarrista Glenn Frey publicaba su primer trabajo en solitario en el que seguía una línea conservadora con lo que hacia junto a su banda madre.
Grabado en diferentes estudios entre Los Ángeles, Alabama y Miami, Frey contó con una amplia legión de músicos para las grabaciones del mismo, así como con los productores Allan Blazek y Jim Ed Norman ademas de la coproducción del propio Glenn Frey.
“Not Fun Aloud” esta repleto de sonidos cercanos a su ex banda como las elegantes “I Found Somebody”, “I Volunteer” o “That Girl”, todas ellas bañadas de sutiles guiños country, poderosos rock dinámicos “Partytown”, “Don´t Give Up” y “I´Ve Been Born Again”, medios tiempos introspectivos “All Those Lies”, así como acercamientos al sonido sureño con la fronteriza “She Can¨t Let” Go” o al jazz con “Sea Cruise”.
Sin embargo esta amalgama de cortes rebosantes de insinuosos teclados, guitarras cristalinas y poderosas, secundada por una ambiciosa y cuidada producción, no lograría el beneplácito del gran publico, el cual fue tibiamente recibido, quedando oculto entre la gran maraña de discos de aquel año, por lo que en lo sucesivo Frey reorientó su estilo hacia los sonidos alejados del country rock de The Eagles.

jueves, 7 de marzo de 2024

Bighorn-Bighorn (1978)

A finales de los setenta el pomp rock vivía su mejor época en los Estados Unidos, bandas como Styx, Kansas, Angel, Magnum o Reo Speedwagon entre otros, copaban las listas de éxitos y sus álbumes estaban entre los mas aclamados y vendidos.
Sin embargo también existían otras muchas bandas que se movían en la escena underground, bandas que no lograban el éxito o la notoriedad deseada debido al predominio de esas otras bandas mas famosas y mediáticas, las cuales les cerraban el paso involuntariamente hacia las listas de éxito.
Una de ellas eran Bighorn, una banda formada a principios de los setenta en Seattle, los cuales habían ya lanzado un single en 1974, “I Get High"/“Takin´Me Down”, que pasaría totalmente desapercibido.
Después de un constante ir y venir de componentes, casi a finales de la década, esta banda realizaría una extensa gira por el oeste de Estados Unidos y el sur de Canadá y tuvieron la suerte de firmar con un pequeño sello canadienses de Vancouver subsidiaria de la Columbia canadiense, quienes les financian y publicaron su primer y único álbum lanzado a finales de 1978.
En este debut, Bighorn mostraba su estilo AOR fusionado con sonidos de hard rock progresivo, destacando sus irresistibles arreglos vocales y unas pegadizas melodías muy adictivas y comerciales.
La formación que grabaría este álbum estaba compuesta por el vocalista Bon Marcy, el guitarrista Joe Shikany, el teclista Peter Davis, el bajista Michael Ipsen y el batería Steve Adams, con la particularidad de que todos ellos eran vocalistas, algo que contribuía enormemente en los estupendos arreglos vocales.
Producido por el británico Martin Shaer, el álbum es una brillante colección de cortes que van desde el hard rock "Triad Every Trick" o "Helen Betty", hasta el rock melódico "Stand Up" y "Mary-Anne", pasando por temas mas complejos como "Sparrow" o "Penny For Your Dreams", sin dejar de mencionar medios tiempos pegadizos como "( I Love You) I´m Not Afraid Anymore" o el hard progresivo "Star Rocker".
Después de este álbum algunos de sus miembros deciden abandonar para integrarse en otros proyectos, por lo que Bighorn sucumbiría definitivamente a finales de 1979 sin dejar rastro, pero dejando para la posteridad este brillante y olvidado disco de rock melódico.

martes, 5 de marzo de 2024

The Pretty Things-S.F. Sorrow (1968)

The Pretty Things fueron uno de los grupos pioneros en desarrollar el sonido psicodélico en Inglaterra a principios de la década de los sesenta.
En 1964 y debido a unos artículos de prensa destacando su lisérgica puesta en escena, tuvieron la oportunidad de entrar en los estudios y grabar su primera canción “Rosalyn”, obteniendo un meteórico triunfo en las listas británicas, lo que les colocaría en la cima de los grupos británicos en esos años de gran hegemonía beat.
The Pretty Things giraba en torno a la figura de su líder y vocalista Phil May, secundado por Dick Taylor (guitarra), Wally Waller (bajo), Twink (batería) y el teclista Jon Povey.
“Don´t Bring Me Down”, lanzada pocos meses después, lograría superar su disco debut, alcanzando un top ten en las listas y a partir de aquí sus discos se fueron sucediendo con buena presencia en los charts y con ellos su fama iría prosperando paulatinamente, aunque limitada al ámbito ingles, sin demasiada transcendencia fuera de las Islas Británicas.
Después de una serie de singles exitosos y varios álbumes de mediocre recibimiento, en 1968 publicarían su obra cumbre, “S.F. Sorrow”, uno de los pináculos de la psicodelia y para muchos la primera opera rock de la historia.
En “S.F. Sorrow”, The Pretty Things narran la vida de "Sebastian F. Sorrow", un personaje ficticio inventado por el guitarrista Phil May en donde estructurado en un ciclo de canciones, se va narrando su vida desde su nacimiento, hasta la vejez, pasando por el amor, las guerras, las tragedias y la locura.
El resultado final es una viaje lisérgico repleto de sonidos orientales, secciones de vientos, de mellotron y pop rock psicodélico a raudales, todo ello con gran creatividad compositiva e instrumental.
A partir de aquí otras bandas tomaron prestada esta idea y publicarían una serie de obras siguiendo un patrón similar, como por ejemplo The Who y su opera rock “Tommy” o The Kinks y su “Arthur Or The Decline and Fall of the British Empire” ambas de un año mas tarde, entre otras muchas lanzadas en la posterior década de los 70.
 

domingo, 3 de marzo de 2024

Shotgun Ltd-Shotgun Ltd (1971)

Shotgun Ltd fueron otra de esas oscuras y olvidas bandas de corto recorrido que dejaron su impronta con un soberbio y único álbum publicado a principios de la década de los 70 y que por los caprichos del destino quedaría olvidado en el oscuro túnel de la historia del rock and roll.
Formada en Los Ángeles, fue producto de las cenizas de otras bandas llamadas The Twilighters y The Ash, y estaba compuesta por el organista Dave Norup, el guitarrista Jack Schoolar, el cantante Joe Gutierrez, el bajista Ruben Dominguez y el batería Buzie Buchanan, todos ellos con edades que oscilaban entre los 17 y 21 años.
Durante sus conciertos en uno de los locales mas famosos de Los Ángeles, The Galaxy en Sunset Strip, son descubiertos por un cazatalentos llamado Delaney Bramlett quien les logra conseguir un contrato con un pequeño sello local llamado Prophesy Records.
Bajo este sello y producido por el conocido teclista de la banda Delaney and Bonnie, Jim Gordon, publican su primer y único trabajo titulado homónimamente como la banda.
Además en el proceso de grabación también participaron varios músicos de apoyo como el guitarrista Ben Benay y el saxofonista Jerry Jumonville e incluso el propio Jim Gordon tocando los teclados.
Este único álbum esta repleto de sonidos de blues hard rock con algunas influencias psicodélicas y sombríos sonidos progresivas, esto ultimo debido al uso de los sonidos del sintetizadores moog ejecutados por Jim Gordon.
Cortes como la inicial “Bard Road” dejan bien claro el sonido pesado de blues rock de la banda, mientras la intrincada “Number Two” es un corte con aires psicodélicos bastantes complejos.
Otros cortes como la brillante “I Don´t Mind” , la vigorosa “Mixed Nuts” y la rítmica “Trials” demuestran el enorme potencial de esta fenomenal banda. Sin embargo también demuestran sus grandes dotes vocales como queda demostrado en la exquisita “Feeling Bad” o en la irresistible “River of Hope”.
Pese a la enorme calidad del álbum, este pasa totalmente desapercibido como ocurriera con otros muchísimos publicados por la misma época, quedando relegados al mas puro olvido, provocando la disolución de Shotgun Ltd. algún tiempo mas tarde, debido a la falta de interés por el publico mas interesados en las centenares de bandas y los artistas mas mediáticos de aquellos años.

viernes, 1 de marzo de 2024

Weather Report-Heavy Weather (1977)

“Heavy Weather”, el séptimo álbum de la banda Weather Report, supuso un formidable ejemplo del equilibrio del mejor jazz rock, que mostraba todas las facetas de esta banda extraordinariamente talentosa, fusionando brillantemente no solo el jazz con el rock, sino también con sonidos de la world music, como la africana, la oriental o la brasileña.
Esta alternancia entre diferentes estilos y composiciones es lo que diferencia este soberbio álbum con todas las obras de sus coetáneos, considerado uno de los discos mas emblemáticos del jazz rock, al mismo tiempo que se convirtió en el momento cumbre de esta banda neoyorkina.
En este nueva entrega Joe Zawinul y Wayne Shorter reclutaron a uno de los mejores y más imaginativos bajistas de la historia como fue Jaco Pastorious, el cual ya había colaborado en el anterior “Black Market” como músico invitado.
El resto estaba formado por el batería Alex Acuña y el percusionista Manolo Badrena, este ultimo en sustitución de los anteriores componentes Don Alias, Chester Thompson y Narada Michael Walden, quienes habían participado en la grabación del mencionado “Black Market” de un año antes.
“Heavy Weather” es uno de los hitos en la música de jazz-fusión, el cual contiene música magistral y variada, que va desde lo virtuoso hasta lo plácido. El álbum se divide en ocho composiciones con una amplia gama de sonidos y estilos presentados a lo largo de sus 38 minutos en donde cada nota está impregnada de sentimientos comenzando por la sublime y gloriosa "Birdland", que con su tempo infeccioso, su inconfundible melodía y la notable instrumentación se ha convertido legítimamente en un estándar del jazz y el tema cumbre de este trabajo. En contrapunto a está, aparece la aterciopelada "A Remark You Made", mientras el lado funk la encontramos en “Teen Town”, en la cual Jaco Pastorious toma el total protagonismo de esta pieza escueta, la siguiente "Harlequin" mantiene el sonido de la pista anterior pero adoptando un ritmo más suave y dinámico,
Después de la descartable "Rumba Mama", una muestra del talento de Manolo Badrena, pero nada más reseñable, llega el turno de la vigorosa "Palladium", la vanguardista y compleja "The Juggler" y la vivaz "Havona", un fantástico colofón a tan sobresaliente trabajo.
Cuando Weather Report lanzó este exitoso "Heavy Weather" en 1977, la era del jazz fusión ya estaba comenzando a perder una cierta popularidad. Ellos fueron considerados una de las 5 bandas de fusión de jazz/rock más influyentes de la época y de la historia junto con la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, Return to Forever de Chick Corea, los proyectos de Miles Davis o The Headhunters de Herbie Hancock, pero sin embargo cada una de esas bandas ya había tenido sus picos de popularidad en los años anteriores (1970-1976) y estaban en la inevitable cuesta abajo. A diferencia de todas ellas, Weather Report todavía estaban en pleno ascenso y "Heavy Weather" terminaría siendo su álbum más popular, impulsado principalmente por temas como el mencionado "Birdland", además del sonido memorable pero complejo, al mismo tiempo accesible al gran publico, que acapararía la atención de los amantes del jazz, del pop y del rock en general.

miércoles, 28 de febrero de 2024

Taj Mahal-Giant Step/De Ole Folks at Home (1969)

Taj Mahal es uno de los grandes pilares del blues, sin embargo nunca ha tenido la fama ni el mismo reconocimiento que otros bluesman mas mediáticos como B.B.King, John Lee Hooker o Muddy Waters.
Nacido a mediados de la década de los 40, sus inicios artísticos fueron bastantes dubitativos practicando un estilo de blues que no tenia demasiado relación con el estilo habitual, impregnado de sonidos gospel, jazz, swamp o zydeco, siendo por lo tanto los mas puristas los primeros en minimizar su estilo al comienzo de su carrera.
Sin embargo todas esas opiniones quedaron desfasadas cuando los propios The Rolling Stones le invitaron a participar en su show “Rolling Stones Rock and Roll Circus” en 1968. Este transcendental hecho fue el principio de la reconsideración de su particular estilo, lo que contribuiría a la difusión masiva de su obra y el reconocimiento de los primeros discos de Taj Mahal de finales de los 60.
Ya con su segundo álbum “The Natch´t Blues”, adquirió la suficiente fama para arriesgarse a lanzar un doble disco que acabaría encumbrando definitivamente su carrera entre los grandes bluesman de la época.
Titulado genéricamente “Giant Step/De Ole Folks at Home” (1969), este doble álbum contaba con dos discos bien diferenciados, en el primero “The Gian Step”, Taj Mahal (voz, armónica, banjo y steel-guitar), acompañado del potente trío compuesto por Jesse Ed Davis a la guitarra eléctrica y acústica y el órgano, Gary Gilmore al bajo y Chuck Blackwell a la batería, muestra su ecléctica esencia blues en cortes como la rock and roll “Keep Your Hands Off Her”, los clásicos blues “Give Your Woman What She Want”, “Good Morning Little Schoolgirl” o “Bacon Fat”, la sureña “Six Days On The Road” o la fronteriza “Further On Down The Road”.
Mientras el segundo disco es un tour de forcé de Taj Mahal en solitario con su guitarra, su armónica y su voz, reviviendo el primitivo blues de principios de siglo con varias influencias como el gospel o diferentes sonidos tribales.
Con este doble álbum considerado uno de los mejores de la historia del blues,
Taj Mahal entraría en la leyenda del genero y de paso su carrera se revalorizaría, convirtiéndose en uno de los iconos del genero en las siguientes tres décadas.

lunes, 26 de febrero de 2024

The Doors-An American Prayer (1978)

El noveno álbum de The Doors, publicado seis años después de la disolución de la banda y ocho desde la muerte de su cantante, es una colección póstuma de las obras poéticas del propio Jim Morrison, mientras que el resto de la banda contribuyó en la composición musical. Fue lanzado a finales de 1978 y esta considerado como el canto del cisne de la mítica banda californiana.
En el momento de la publicación de este álbum, para muchos críticos y fans fue bastante discutible, alegando entre otras cuestiones, hasta qué punto este lanzamiento era de interés para el publico en general. En el caso de este álbum, la música está más en segundo plano que en un primero, por razones obvias. Sin embargo, hay algunas notables excepciones, y por lo general son bastante brillantes.
Para otros, este registro es un buen ejemplo de la posible evolución de la banda y su sonido, si hubieran logrado seguir en activo algunos años mas, ya que la música se distancia de la psicodelia de la costa oeste de finales de los sesenta y se mueve hacia un sonido más moderno, mezclando el rock con los sutiles sonidos latinos, ("Black Polished Chrome/Latino Chrome"), el funk (“Newborn Awakening”), el jazz (“Curses, Invocations”), el blues (“Stoned Immaculate”), los sonidos vanguardistas (“An American Prayer” o “Hour For Magic”), la música clásica (“A Feast of Friends”), e incluso rastros de los sonidos de la imperante música disco de finales de la década de los 70, (“The Ghost Song”). El sonido y la producción son realmente exquisitos, especialmente considerando el hecho de que la banda estaba usando cintas grabadas con la voz de Jim Morrison de 1970.
Además de todo ello Ray Manzarek reemplazó su órgano Vox por un órgano Hammond y los sintetizadores modernos también están muy presentes, además ya no hay un piano bajo Fender, (hay un bajo real tocado por varios músicos de sesión; Jerry Scheff y Bob Glaub), y la guitarra de Krieger ya no es tan psicodélica y difusa como antaño, sonando en todo momento mas jazzistica y melódica.
El énfasis principal del álbum es la poesía de Jim Morrison, y eso es realmente, de lo que se trata este álbum. Sin entrar en los detalles sobre los textos poéticos, lo cierto es que encajan muy bien con la música (en realidad, mejor seria decir a la viceversa), creando atmósferas diferentes y efectivas a lo largo de todo el álbum. Ciertamente, esta es una obra de arte sin paliativos.
Ninguna de las pistas aquí está cantada a diferencia de la música habitual de The Doors, excepto una curiosa versión en vivo de “Roadhouse Blues”, en donde Morrison canta improvisando con alusiones poéticas ya que se había olvidado de la letra debido a su estado de embriaguez durante ese concierto.
Uno de los puntos principales de este álbum, es subrayar y resaltar algunas de las poesías más llamativas de Morrison, y se usaron algunos de sus pasajes más impactantes, principalmente cuando expresaba su odio por el puesto de almirante de la marina norteamericana de su padre. Otros pasajes contienen algunos pensamientos inquietantes sobre la muerte y su vínculo con el sexo, mientras que una larga búsqueda del alma parece ser el hilo conductor del álbum.
Pese a lo inusual de este álbum, “American Prayer” lograría alcanzar un disco de oro, una nominación a los premios Grammy y años después obtendría un disco de platino por sus millonarias ventas en el mercado norteamericano.

 

sábado, 24 de febrero de 2024

Return To Forever-Where Have I Known You Before (1974)

1974 seria el año en el cual la banda liderada por el teclista Chick Corea, Return To Forever, publicaban su cuarto álbum “Where Have I Known You Before”, en el que dejaban atrás sus influencias de jazz latino para adentrase en los sonidos mas complejos del jazz rock y fusión que otros grupos como The Mashavishnu Orchestra hacían por entonces.
Además ya aquí aparecía la formación mas clásica de RTF, comandada por el mencionado Chick Corea y secundada por el batería Lenny White, el bajista Stanley Clarke y el guitarrista Al Di Meola, este ultimo sustituyendo a Bill Connors, que abandonaría la nave justo al inicio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa.
“Where Have I Known You Before” es un trabajo que ofrece un jazz rock de primer nivel, en donde los cuatro músicos aportan su propia singularidad en términos de estilo y sonido.
Cortes como la dinámica “Vulcan Words” ya demuestra la perfecta sincronización entre todos los integrantes del grupo, mientras “Shadow Of Lo” es la contrapartida a la anterior, con grandes texturas de teclados atmosféricos y un ritmo pausado que a medida que pasan los minutos cobra una gran intensidad.
La entusiasta “Beyond The Seventh Galaxy” vuelve a contrastar con la melodía de “Earth Juice”, mostrando la accesibilidad de la música del grupo, mientras que la excelsa “Song to the Pharoah Kings”, es el momento mas elaborado del álbum, con grandes secuencias de sintetizadores, sonidos exóticos inclinados a los sonidos latinos y en donde sobresale la enérgica guitarra de Di Meola.
Con “Where Have I Known You Before”, Return To Forever iniciaría su antológica trilogía de imprescindible discos del jazz rock, junto al deslumbrante “No Mystery” (1975) y al apoteósico “Romantic Warrior” (1976).

jueves, 22 de febrero de 2024

Kraan-Live´75 (1975)

Kraan fueron junto a Embryo una de las bandas germanas que incluyeron los elementos psicodélicos y un innovador jazz rock con influencias étnicas a su estilo distintivo de krautrock.
Formados en la pequeña ciudad del sur de Alemania, Baden-Württemberg, a finales de los sesenta, su primera y mas longeva formación estaba comprendida por el batería Jan Fride, el bajista Hellmut Hattler, el saxofonista Johannes Papper y el guitarrista y voz Peter Wolbrandt.
En 1970 logran firmar con la subsidiaria alemana de EMI Electrola, con quienes lanzaron su primer álbum “Kraan” en 1972.
Después de tres álbumes mas publicados, “Wintrup” (1972), “Andy Nogger” (1974) y “Let It Out” (1975), el grupo lanzaría el directo “Live´75”, en donde mostraban su ecléctico enfoque de la música progresiva, que difería bastante a lo habitual en el genero.
Su estilo basado en las jam sessions, muestra ese sonido psicodélico impregnado de funk, fusión y rock progresivo, con interacciones entre todos sus componentes, con una total desenvoltura instrumental muy cercana al free jazz.
Grabado íntegramente en Berlín en el año 1974, este directo muestra el excelente trabajo instrumental de la banda con una gran base rítmica que son el sostén perfecto para las melodías de guitarra y saxo.
El álbum presenta algunas versiones ampliadas y extendidas de sus tres primeros trabajos de estudio publicados hasta ese año de 1974.
Rebosante de memorables momentos, todo el repertorio es muy destacable, empezando por la improvisada “Holiday Am Maryerhorn”, en donde Wolbrant se supera a si mismo con la guitarra.
La faceta jazz rock esta presente en las funk “Jerk Of Life” y en la agresiva "Sarah's Ritt durch den Schwarzwald", mientras la tour de force “Nam Nam” pone la nota culminante de este directo.
Aquí aparecen también dos temas nunca antes publicados "Hallo Ja Ja, I Don't Know" y "Lonesome Liftboy", ambas piezas melódicas de extraordinaria belleza.
Acabando con la extensa “Kraan Arabia”, en donde muestran su sello exótico y oriental, en otra pieza en donde hay bastante improvisación con solos de saxo y guitarras, secundada por una sección rítmica demoledora.

martes, 20 de febrero de 2024

Procol Harum-Shine On Brightly (1968)

Percusores del rock progresivo, Procol Harum fueron una de las sensaciones mas importantes dentro de la música rock en la década de los sesenta.
Sus orígenes estaban en una banda de finales de los cincuenta llamada Paramounts liderada por el organista Gary Brooker, quien junto al letrista Keith Reid y al extraordinario guitarrista Robin Trower, serian el núcleo principal de la banda, secundados por el bajista David Knights, el batería Barrie James Wilson y el teclista Matthew Fisher.
Junto a The Nice y The Moody Blues, Procol Harum fueron de las primeras bandas en fusionar la música clásica con el rock, además de crear algunas de las canciones mas emblemáticas de la historia de la música pop como la inolvidable y extraordinaria “A Whiter Shade Of Pale”.
Ellos fueron la primera banda en construir una suite de varios movimientos a principios de 1968 con su segundo álbum “Shine On Brightly”, el cual se convertiría en una fundamental influencia para todos los grupos progresivos que vendrían en los años sucesivos.
Para muchos críticos y estudiosos, la suite “In Held Twas In I”, es la primera gran epopeya progresiva de la historia, 17 minutos de música esplendorosa y vibrante que inspiraría años mas tarde a Genesis con su enorme suite “Supper´s Ready”.
El resto del álbum sin llegar a la brillantez de tan tamaña obra maestra, sigue estando a gran altura como la blues “Wish Me Well” o la épica “Skip Softly”, mientras en “Rambling On” y “Quite Rightly So”, intentar emular sin el mismo éxito sus apoteósicos hits anteriores “A Whiter Shade Of Pale” y "Homburg” de 1967.

domingo, 18 de febrero de 2024

Alexis Korner´s Blues Incorporated-R&B From The Marquee (1962)

Si en el anterior post hablamos de Graham Bond, un alumno aventajado de Alexis Korner, que mejor manera el dedicarle unas letras al músico que esta considerado el impulsor del resurgimiento del blues británico.
Alexis Korner es uno de los músicos que mas han influido en las generaciones de los bluesman ingleses de la primera mitad de la década de los sesenta. Su obra por desgracia no ha sido difundida tan ampliamente fuera del Reino Unido y Norteamérica, todo lo contrario que ha ocurrido con toda la serie de músicos que estuvieron bajo su influencia directa como Jack Bruce y Ginger Baker (Cream), Charlie Watts (Rolling Stones), Long John Baldry, un cantante de un talento impresionante, Dick Heckstall-Smith (Colosseum) o el mencionado Graham Bond, o repercutir indirectamente en músicos como John Mayall o Al Kooper, entre otros muchos mas.
Sin embargo la carrera de Korner había empezado una década antes cuando junto a Cyril Davies formaría un dúo de blues y jazz, comenzando actuar con mucha frecuencia en el circuito de clubs de Londres.
Posteriormente ambos músicos abrirían su propio club, el “London Blues and Barrelhousem”, en donde solían invitar a tocar a jóvenes músicos británicos y norteamericanos de jazz y blues.
Fue entonces cuando conocerían a Jack Bruce, Charlie Watts y Long John Bladry, lo que les animaría a fundar su propia banda llamada Blues Incorporated (1961), la cual se convirtió en la primera banda banda amplificada de blues de Inglaterra.
Con la incorporación del saxofonista Dick Heckstall-Smith, la banda se labraría una gran reputación en toda Inglaterra gracias a sus famosos conciertos y era frecuente ver entre su publico a prometedores músicos como Mick Jagger, Brian Jones y Keith Richards (Rolling Stones), Jimmy Page y Paul Jones (Led Zeppelin), Rod Stewart, Eric Clapton o John Mayall, entre otros muchos mas.
Blues Incorporated se concentró principalmente en actuar en vivo en lugar de grabar discos y el grupo solo lanzó dos sencillos en Parlophone, "I Need Your Loving"  (1964) y "Little Baby" (1965).
Ese mismo año Graham Bond decide abandonar y fundar su propia banda para lo cual recluta a todos sus compañeros de la Blues Incorporated.
En 1964, Alexis Korner con una nueva versión de sus Blues Incorporated, publicaría los álbumes “At The Cavern” y “Red Hot From Alex”, con el estadounidense Herbie Goins como cantante principal y Danny Thompson, más tarde miembro del grupo de folk Pentangle al bajo. Después del tercer y ultimo trabajo para el grupo, “Sky High” lanzado en 1965,  con un nuevo cantante, Duffy Power, Alexis Korner disolvería definitivamente el grupo un año mas tarde en 1966.
En 1967 Korner fundaría la banda de corto recorrido Free At Last junto al ex batería de los Bluesbreakers, Hughie Flint y el bajista Binky McKenzie, sin apenas repercusión mediática.
No seria hasta 1971 cuando Alexis Korner volviera a estar de actualidad al pasar a engrosar la numerosa banda de jazz, rock y blues, C.C.S, formada a semejanza de las bandas de jazz rock norteamericanas, Chicago Transit Authority y Blood Sweat and Tears.
Con esta banda Korner lograría algunos éxitos notables en las listas británicas basados principalmente en versiones en clave de jazz rock, como “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin o “Walking” de Donovan.
En 1973 una vez disuelta C.C.S., Korner fundaría otra superbanda junto a Mel Collins, Boz Burrell y Ian Wallace, todos ellos ex King Crimson, con la cual lanzaría dos álbumes, además de comenzar su propia carrera en solitario y dedicarse a la radio fusión en la BBC, dirigiendo programas de blues, soul y jazz con una gran aceptación de audiencia.
En 1978 se celebraría un multitudinario concierto para festejar su 50 aniversario con un plantel de grandes estrellas como Eric Clapton, Chris Farlowe, Zoot Money o Paul Jones entre otros.
En 1981 Korner se uniría al grupo liderado por Ian Stewart, Rocket 88, en donde se encontraría con viejos compañeros como Jack Bruce o Colin Hodgkinson. Tres años mas tarde Korner fallecería a la edad de 55 años en Londres, dejando tras de si una de las mas intensas e influyentes carreras dentro de la historia de la música rock.

viernes, 16 de febrero de 2024

Graham Bond-Grahame Bond Love Is The Law (1969)

Cuando Alexis Korner disolvió su fabulosa banda los Blues Incorporated, casi a mediados de los sesenta, quedaron libres los músicos que le acompañaban, ellos eran Jack Bruce, Dick Heckstall-Smith, Ginger Baker y Graham Bond y fue este ultimo quien precisamente tomaría las riendas musicales de Korner y decidió seguir sus pasos y el camino trazado por el músico británico.
De esta manera en 1963 nacía la Graham Bond Organisation, un año en el que se registro la mayor demanda del rhythm and blues de la historia, y al mismo tiempo seria el arranque de los Bluesbrakers de John Mayall y los inicios de The Rolling Stones entre otros muchos mas.
The Graham Bond Org comenzaría actuando en los mas prestigiosos clubs de Londres y pronto alcanzaron el reconocimiento del publico y la critica de la época.
Sin embargo el éxito masivo les llegaría un poco mas tarde al girar por toda Inglaterra junto a Chuck Berry.
La historia de esta fundamental banda podríamos resumirla en tres discos correspondientes a tres años decisivos de su carrera, empezando por “The Sound of´65”, el cual contenía el hit “Long Tall Shorty” en 1964, en plena fiebre del beat, “There´s a Bond Between Us” y su hit “Tammy” al año siguiente y su mayor éxito en las listas, “You´ve Gotta Have Love Babe” en 1967, el gran año de The Beatles y el año en el que la banda se disolvería definitivamente tras una corta pero intensa carrera.
Tras la separación Graham Bond se retirara durante algún tiempo de la música en activo y se mudaría a vivir a los Estados Unidos, creando su propio sello discográfico, Pulsar Records.
Mientras tanto Jack Bruce y Ginger Baker se unirían a los Bluesbreakers y Dick Heckstall-Smith acabaría fundando la banda de jazz rock progresivo Colosseum.
En 1969 Bond regresaría lanzando el álbum “Love Is The Law”, (bajo el sobrenombre de Grahame Bond), un exquisito trabajo de funk jazz rock y rhythm and blues en donde volvía a revivir su sonido de antaño.
En este nuevo álbum, Bond contaría con la ayuda de los percusionistas Hal Blaine y Dave Sheehan y la vocalista Diane Stewart, mientras Bond se encargaría del resto de instrumentos y las voces.
Sus retorcidas letras sobre el amor libre, el terror y el ocultismo, es junto al sonido de blues, jazz y rock que Bond obtiene con el órgano y el mellotrón, lo que hacen que el álbum logre el reconocimiento merecido.
Brillantes cortes como “Love Is The Law”, “The World Will Soon Be Free” o “Our Love Will Come Shining Through”, están entre lo mejor de toda su carrera.
Después de varios álbumes mas; “Mighty Graheme Bond” (1969), “Solid Bond” (1970), “Holy Magick” (1970) o “We Put Our Magick On You” (1971), y como consecuencia de sus problemas financieros y sus continuas depresiones nerviosas, se suicidaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park en Londres el 8 de mayo de 1974, acabando así con la vida de uno de los mas grandes músicos del blues británico y uno de los que mas han influido en las generaciones posteriores de los bluesmans ingleses.

miércoles, 14 de febrero de 2024

KGB-KGB (1976)

Estamos a mediados de la década de los setenta y el trasiego de bandas formadas a modo de súper grupos era constante, una de ellas surge cuando cinco de los mas grandes músicos de la escena del blues y el rock norteamericano y británico, se unen en los Ángeles para formar una banda a la cual denominan KGB (las siglas de la antigua agencia de inteligencia soviética).
Estos músicos eran el guitarrista Mike Bloomfield, el batería Carmine Appice, el bajista Ric Grech, el teclista Barry Goldberg y el vocalista Ray Kennedy.
La carrera de estos cinco músicos estuvo marcada por las míticas bandas Electric Prunes, Blind Faith, Family o Vanilla Fudge.
Este legendario proyecto apenas publicaron dos álbumes, el primero de ellos lanzado bajo el sello MCA y titulado homónimamente como la banda.
En este primer álbum los cinco músicos nos dejaron un trabajo con una gran variedad de sonidos, demostrando con ello la versatilidad de todos sus integrantes.
Temas como la funk “It´s Gonna Be A Hard Night” contrastan con exótica “Workin´For The Children” con esos aires reggae, mientras la vena melancólica están presentes en “Midnight Traveler” y “Baby Should I Stay Or Go”.
La vena bluesy la encontramos en la inicial “Let Me love You” en donde Bloomfield demuestra su virtuosismo con las seis cuerdas o en la soul “I´ve Got a Feeling”, sin olvidarnos de cortes brillantes como la pausada “High Roller” o la rhythm and blues “Sail On Sailor”.
Posteriormente ya sin Mike Blommfield ni Ric Grech, sustituidos por el guitarrista Ben Schultz y el bajista Gregg Sutton, publicaron el mediocre “Motion” (1976), con el cual dieron por acabada la efímera carrera de esta formidable reunión de talentos.

lunes, 12 de febrero de 2024

The Flying Burrito Brothers-The Gilded Palace Of Sin (1969)

The Flying Burrito Brothers fue una de las mas grandes bandas del country rock de la historia, compuesta por dos de los creadores del género como fueron los ex The Byrds, Gram Parsons y Chris Hillman y que en la primera parte de la década de los 70, lanzaron algunas de las obras maestras del genero.
Fundada en 1968 por Hillman y Parsons quienes junto al bajista Chris Ethridge, el guitarrista Pete Kleinow y el batería Eddie Hoh, completarían la primera formación de la banda.
Con ellos la banda publicaría su antológico primer álbum “The Gilded Palace of Sin”, toda una obra maestra del country rock y uno de los mejores debuts de la historia de la música rock.
Aquí aparecen joyas como la gospel “Sin City”, la melancólica “Hot Burrito#1”, la psicodélica “Christine´s Tune”, la fronteriza “Do Right Woman”, la folk “My Uncle” o la irresistible “Wheels”, esta ultima un claro adelanto a lo que algún tiempo después harían bandas como The Eagles o Poco, con unas melodías vocales excelentes.
Un año después publicarían el brillante “Burrito deluxe”, en donde aparece Bernie Leadon, futuro miembro fundador de The Eagles, y en el cual ya se intuye el alejamiento de Parsons, desinteresado casi totalmente en la banda, (una acción que ya había realizado con The Byrds), a la que abandonaría después de la publicación del disco.
En los sucesivos años, The Flying Burrito Brothers seguirá publicando una serie de grandes trabajos, muy considerados en el ámbito del country rock como “The Flying Burrito Bros” (1971), “Flying Again” (1975) o “Airborne” (1976).
Sin embargo durante las dos siguientes décadas y debido al continuo trasiego de componentes siguen publicando trabajos, que pese a la incuestionable calidad, pasan desapercibidos para el gran publico, con álbumes mas previsibles de country pop, con menos impacto comercial y mediático.

sábado, 10 de febrero de 2024

Rory Gallagher-Photo-Finish (1978)

Para su quinto álbum “Calling Card” (1976), el irlandés Rory Gallagher dejaría las labores de producción por primera vez en su carrera y se la encomendaría al ex-bajista de Deep Purple, Roger Glover, el cual influye decisivamente en el endurecimiento de su estilo.
En ese álbum las guitarras suenan mas poderosas y agresivas y las líneas de teclados cobran mucho mas protagonismo en muchos momentos del álbum.
Ese endurecimiento se vería aún mas reflejado en el siguiente “Photo-Finish” de varios años después, en el cual Rory vuelve al formato de power trío junto al bajista Gerry McAvoy y al batería Ted McKenna.
En esta nueva entrega Rory Gallagher muestra un repertorio de temas de enérgico y rudo hard blues rock que pasaron a ser muy habituales en sus conciertos como “Brute Force & Ignorance”, “Shadow Play”, “The Last Of Independents” y “Shin Kicker”, o otras igualmente fulgurantes como la frenética “Cruise On Out”, la blues “Cloak & Dagger”, la folky rock “Overnight Bag” o la cadenciosa hard blues rock “The Mississippi Sheiks”, sin olvidarnos de la soberbia blues “Fuel To The Fire”.
 

jueves, 8 de febrero de 2024

Mike and The Mechanics-Beggar On A Beach Of Gold (1995)

En 1994 Mike Rutherford reuniría a su banda Mike and The Mechanics para grabar su cuarto álbum, "Beggar On A Beach Of Gold".
En este nuevo trabajo, tanto Paul Carrack como Paul Young tomarían más protagonismo a la hora de componer dentro del grupo, dando así la imagen de una auténtica banda y no la de un proyecto en solitario de Mike Rutherford, como había sucedido en los anteriores álbumes.
Además Mike Rutherford volvía contar con el batería original Peter Van Hooke y con el teclista Adrian Lee, completando el set de grabación otros músicos invitados como el ex guitarrista de Humble Pie y Colosseum, Clem Clempson, el teclista Paul Wickens, o los experimentados percusionistas de sesión Gary Willis y Andy Newmark.
Concebido en base al materialismo que caracterizó los años noventa, el disco fue publicado en 1995 bajo el sello Atlantic Records y fue producido por el propio Mike Rutherford junto a Christopher Neil, obteniendo un notable éxito y reafirmando el status de banda de primer nivel con un sofisticado e irresistible pop rock.
Además de las brillantes versiones de Smokey Robinson "You´ve Really Got a Hold on Me" y la de Stevie Wonder "I Believe (When I Fall In Love it Will Be Forever)", destacan el hit "Over My Shoulder", la hipnótica y hechizante "Mea Culpa", o la tremendamente adictiva  y pegadiza "Another Cup Of Coffee".

martes, 6 de febrero de 2024

Joni Mitchell-Shadows and Light (1980)

Esta famosísima cantautora canadiense comenzaría su carrera artística a mediados de los sesenta en su país natal, logrando un gran prestigio en los circuito del folk de Ontario y los alrededores. Casi a finales de la década decide probar fortuna en los Estados Unidos. Una noche mientras actuaba en un club de Nueva York, conoce a David Crosby, el cual queda sorprendido por el talento de Mitchell y decide ser su mentor durante algún tiempo en tierras americanas.
Sus primeros álbumes la llevaron a ser considerada la “Bob Dylan femenina”, además de obtener un éxito rotundo en las listas norteamericanas.
Álbumes como “Clouds” (1969), “Ladies of the Canyon” (1970), “Blue” (1971), “For The Roses” (1972) o “Court and Sparks” (1974), la auparon hasta conseguir el prestigio y la fama mundial.
Aunque realmente conseguiría pasar a los anales de la música rock cuando compuso el tema “Woodstock”, con motivo del mítico festival y que en voces de Crosby, Stills, Nash and Young, cobraría una dimensión apoteósica y épica.
Casi a mitad de los setenta, Joni Mitchell, hasta entonces vinculada al folk rock, la canción de autor y el country, comienza a realizar sus primeras incursiones en el mundo del jazz. En 1979 decide grabar un álbum con el contrabajista Charles Mingus, el cual no llegaría a verlo terminado al fallecer durante el proceso de grabación. Mitchell lo concluye sola y lo publicaría con el titulo de “Mingus” (1979), y poco después saldría de gira para la presentación del álbum.
Durante dicha gira se realizara una película promocional llamada “Shadows and Light” y uno de los conciertos fue publicado como álbum doble que lleva el mismo titulo y seria lanzado comercialmente un año después.
Mitchell para esa gira contaría con un plantel de músicos del mas alto nivel, empezando por el guitarrista Pat Metheny, el bajista Jaco Pastorius, el teclista Lyle Mays, el batería Don Alias y el saxofonista Michael Brecker.
El repertorio del álbum consiste en canciones extraídas de sus últimos trabajos, además de algún clásico o el himno generacional “Woodstock”, tocado en clave jazz. El folk-jazz eléctrico y de sonido austero se ve reflejado en todo el directo como en las melodías cromáticas de “The Dirty Cleaner from Des Moines”, o en la arreglada “Furry Sings the Blues”, mientras la áspera “Black Crow”, la melódica “Amelia” con un Pat Metheny deslumbrante, o las brillantísimas “Edith and the Kingpin” y “Shadows and Light”, conforman un extraordinario documento digno de los mejores álbumes de rock en vivo. “Shadows and Light” es una obra maestra translucida del jazz y el folk, que encarna tanto la libertad personal de la cantante como la majestuosidad instrumental de toda una banda descomunal.

domingo, 4 de febrero de 2024

Sam Cooke-Live at the Harlem Square Club, 1963 (1985)

Para muchos, este es el mejor disco en directo de todos los tiempos, perteneciente a una de las mejores voces de todos los tiempos; Sam Cooke.
Sam Cooke fue una figura primordial en el establecimiento del soul como música popular, su carrera repleta de canciones y álbumes básicos del genero, demostraron el enorme talento de este cantante mítico e inolvidable.
Cooke manejaba como nadie el soul, el rhythm and blues, el gospel y el rock and roll y junto a Otis Redding y James Brown, están considerados los reyes absolutos del soul, logrando la friolera de medio centenar de hits en apenas ocho años (1957-1965).
Su muerte en extrañas circunstancias acontecido el 11 de diciembre de 1964, es una de las fechas fatídicas en la historia de la música popular.
Un año antes Sam Cooke había actuado en un show en el mítico Club de Harlem Square en Miami, un 12 de junio, el cual fue grabado íntegramente y que seria publicado muchos años después de su muerte.
Esa noche Cooke estaba rodeado de su habitual banda compuesta por los guitarristas Clifton White y Cornell Dupree, el bajista Jimmy Lewis, el batería Albert Gardner, el pianista George Stubbs y la sección de vientos formada por King Curtis y Tate Houston.
En este directo Cooke deja atrás su elegante compostura para convertirse por una noche en un sudoroso “soul man”, cantando y bailando con pasión rítmica y salvaje y con una audiencia entregada al cien por cien.
Desde la inicial “Intro (Don´t Fight it) Feel It”, hasta el cierre del disco, “Having a Party”, Cooke demuestra su increíble intensidad sobre el escenario, totalmente enérgico, potente y desbocado, haciendo un repaso a algunos de sus mayores éxitos como “Cupid”, “Chaing Gang”, "Somebody Have Marcy”, “Bring It On Home to Me" o “Twistin´The Night Away”.
“Live at the Harlem Square Club, 1963”, esta considerado uno de los mejores 500 álbumes de la historia y todo un documento fabuloso del mejor soul que se haya escuchado jamás.

viernes, 2 de febrero de 2024

The Doobie Brothers-Takin´It to the Streets (1976)

En 1975, The Doobie Brothers estaban en la cima de la popularidad tras haber facturado algunos de los mejores registros del rock americano, como “Toulouse Street” (1972), “Captain and Me” (1973) o “What Were Once Vices Are Now Habits” (1974), con los cuales habían cosechado cinco discos de platino y varios millones de álbumes vendidos.
Tras este ultimo trabajo obtienen su primer traspiés con el álbum “Stampede”(1975), en el que la banda deriva su country y folk rock con elementos de rhythm blues hacia derroteros mas soul.
Después de este ultimo, entra a formar parte de la banda el ex Steely Dan, Michael McDonald, que junto a los guitarristas Tom Johnstone, Patrick Simmons y Jeff “Skunk” Baxter, el bajista Tiran Porter y los baterías Keith Knudsen y John Hartman, graban el sexto álbum titulado “Takin´It to the Streets”, el cual los devuelve por la senda del éxito.
En esta nueva entrega la banda sigue evolucionando hacia los derroteros soul, funk y jazz, pero manteniendo sutilmente ese rock inundado de country y blues de sus primeras obras, con un estilo que los emparentaba con los Steely Dan.
Temas como la irresistible “It Keeps You Runnin´”, las funk “Wheels of Fortune” y “8th Avenue Shuffle”, la soul “Takin´It To The Streets”, la jazzistica “For Someone Special” o “Turn It Loose”, esta ultima con ese sonido tan característico del rock americano de sus álbumes anteriores, conforman un disco que seria el punto de partida al sonido que los terminaría engrandeciendo aún mas en los años sucesivos.

miércoles, 31 de enero de 2024

Stealers Wheel-Stealers Wheel (1972)

Stealers Wheel son una de las bandas fundamentales del folk rock británico, ellos se ganaron el fervor del publico y de la prensa con algunos de los mejores álbumes del genero en la década de los 70.
Con un estilo emparentado con las líneas vocales de Crosby, Stills and Nash y la esencia Beatle, esta banda fue producto de la reunión de dos de los mas grandes compositores británicos, por un lado Gerry Rafferty, un afamado guitarrista y compositor que ya tenia tras de si una larga carrera con el grupo The Humblebums y en solitario y por otro Joe Egan quien también fue miembro de la misma banda con la cual lanzaron varios discos de folk rock de suaves melodías y grandes arreglos.
Una vez acabada esa aventura cada uno tomara rumbos diferentes, Rafferty publicaría el meritorio álbum “Can I Have My Money Back” en 1971, en el cual también participara Joe Egan como músico invitado.
Sin embargo un año después ambos músicos vuelven a reunirse y deciden fundar la banda Stealers Wheel para lo cual reclutan al guitarrista Paul Pilnick, al bajista Tony Williams y al batería Rod Coombes.
Después de muchos meses de ensayos y con bastante material compuesto, logran firmar un contrato con el sello A&M Records con quienes graban su primer álbum “Stealers Wheel” bajo la producción de los norteamericanos Leiber & Stoller.
El resultado fue un excelente trabajo de folk rock con ramalazos psicodélicos y claras connotaciones beatle.
En el sobresalían las beatle “Star” y “Stuck In The Middle With You”, la preciosista “Late Agian”, la artística “You Put Something Better Inside” la folk “Another Meaning”, la rock “I Get By”, la enérgica "Jose" o la psicodélica “Outside Looking In”.
Un año después y con algunos cambios de formación se publica el segundo trabajo “Ferguslie Park”, otro álbum de excelente folk rock el cual contenía el hit “Everything Will Turn Out Time”.
En “Right or Wrong” el siguiente paso discográfico lanzado dos años después, la banda se había reducido al dúo Rafferty-Egan, que pese a la enorme calidad que atesora no tuvo demasiado repercusión mediática.
Poco después Raffery y Egan comienzan a estar en desacuerdo en el rumbo a seguir, que junto a la falta de éxito empeora su relación y deciden dar por terminada la historia del grupo y reanudar uno y comenzar el otro sus propias carreras en solitario.

lunes, 29 de enero de 2024

Danny Joe Brown-And The Danny Joe Brown Band (1981)

Danny Joe Brown es popularmente conocido por su pertenencia a la mítica banda de rock sureño Molly Hatchet con quienes grabaría seis sobresalientes álbumes como son "Molly Hatchet" (1978), "Flirtin´with Disaster" (1979), "No Guts…No Glory" (1983), "The Deed is Done" (1984), "Lightning Striker Twice" (1989) y "Devil´s Canyon" (1996), antes de abandonar la banda por problemas de salud y justo después de este ultimo trabajo.
Sin embargo ya había abandonado momentáneamente la banda después del álbum "Flirtin´with Disaster", (el mejor logro comercial de Molly Hatchet con varios discos de platino), para fundar la suya propia, The Danny Joe Brown Band, con quien publicaría el disco homónimo “Danny Joe Brown and The Danny Joe Brown Band” en 1981, el cual se convirtió en una de las joyas de culto del southern rock con un repertorio cargado de pequeños himnos del hard rock americano como “Sundance”, “Nobody Walks on Me”, “The Alamo”, “Run for Your Life” y, en particular, “Edge of Sundown”, una soberbia epopeya guitarrera que surge directamente de las entrañas de clásicas del rock sureño como “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd y “Green Grass & High Tides” de los Outlaws, confeccionando con todas ellas un enorme álbum que nada tenía que envidiar a los de su banda madre.
En el 2005, Danny Joe Brown fallecería debido a sus problemas derivados de la diabetes y la insuficiencia renal que padecía desde finales de los 70.

sábado, 27 de enero de 2024

James Taylor-Mud Slide Slim and the Blue Horizon (1971)

James Taylor es uno de los grandes cantautores de la historia, sus canciones en formato acústico de gran sensibilidad le han valido para ser uno de los mas influyentes artistas de todos los tiempos.
Sus inicios fueron bastante tormentosos, problemas mentales derivados del abusivo consumo de drogas y una vida bastante azarosa le marcaron para el resto de su vida.
En los estrictamente musical sus comienzos no le iría mucho mejor que digamos, sus primeros dos álbumes de finales de los sesenta apenas tuvieron ninguna repercusión y no seria hasta principios de la década de los 70 cuando gracias a su segundo álbum “Sweet Baby James” lograría el reconocimiento del publico y la critica del momento.
Con un estilo emparentado claramente con el folk en donde prácticamente no empleaba instrumentos electrónicos, Taylor le daba mucha mas importancia a su voz, a sus poéticas y desgarradoras letras, a su guitarra en un primer plano y a una mínima pero efectiva percusión. Temas como la sobria “Oh Susannah” (una versión del clásico de Stepehn Foster de 1848), o la brillante “Fire and Rain” auparon al álbum hasta una sorprendente tercera posición en las listas norteamericanas.
Pero sin embargo este éxito se ensombrecería al año siguiente cuando publico su siguiente trabajo “Mud Slide and the Blue Horizon” en el cual contó con la participación de un escueto plantel de músicos entre los que se encontraban Carole King (la cual incluso aportaría el hit “You´ve got a Friend”), Danny Kortchmar, Joni Mitchell o Leland Sklar.
Siguiendo el mismo patrón musical que su anterior álbum, Taylor mostraba una serie de canciones acústicas con apenas acompañamiento que alcanzaría un segundo puesto en el Billboard y un numero uno en singles con la mencionada “You´ve got a Friend”, además de dos millones de copias vendidas en el mercado norteamericano.

jueves, 25 de enero de 2024

Leslie´s Motel-Dirty Sheets (1972)

Otra de esas oscuras y desconocidas bandas de la década de los 70 fueron los impresionantes Leslie´s Motel, los cuales practicaban un rock sureño con ramalazos de blues y hard rock, que solo tuvieron la oportunidad de grabar un olvidado álbum que fue rescatado varias décadas después.
Originarios de Kentucky, su formación original estaba comprendida por el vocalista y guitarra Bill Tullis, el guitarrista y voces Mike Seibold, el teclista Richard Bush, el bajista Ray Barrickman y el batería Roy Blumenfeld, este ultimo ex componente de la Blues Project de Al Kooper.
En 1972 grabaron una serie de canciones que pasarían a engrosar su álbum debut “Dirty Sheets”, en el que destacaban cortes como la jazzistica “Step Down Baby”, la frenética blues rock “My Sweet Woman”, la psicodélica hard rock “Blister”, las polvorientas “Reason Why” y “Windmills”, o “Latino Motel”, esta ultima una jam tour de force con claras connotaciones a los sonidos latinos de Santana.
En los siguientes años, la banda giraría sin parar por toda Norteamérica con artistas de gran renombre como Harvey Brooks, Charlie Daniels Band o Mike Bloomfield entre otros, desapareciendo definitivamente algún tiempo después sin apenas repercusión mediática ni comercial.

martes, 23 de enero de 2024

Traffic-Mr.Fantasy (1967)

1967 seria el año en el que nacería una de las bandas mas importantes y fundamentales que haya dado el mundo del rock, Traffic, formada por cuatro formidables músicos de una dilatada carrera como eran Jim Capaldi batería, Chris Wood teclados y saxofones, Steve Winwood  guitarras, teclados y voz y Dave Mason bajista, guitarra y voz.
Ese mismo año se publicaría su primer y grandioso álbum titulado “Mr.Fantasy”, que grabado durante gran parte de 1967 en los estudios Olympic de Londres bajo la supervisión del productor Jimmy Miller, se convirtió en uno de los mas sorprendentes debut de la historia de la música contemporánea.
En este primer álbum Traffic mostró un estilo innovador, con toques de pop muy elaborado y un estilo psicodélico, todo ello fusionado con el music hall, ecos de música hindú, blues rock y ecos del soul y el jazz como se demuestra en temas tan fantásticos como "Heaven Is In Your Mind", "House For Everyone", "Dear Mr. Fantasy" o "Dealer".
Sin embargo, y a pesar del monumental éxito de este álbum, pronto llegan las discrepancias entre Dave Mason y Steve Winwood, entre otros motivos, los celos y el ego de ambos músicos, lo que llevaría al abandono momentáneo de Mason, quien regresaría para la grabación del segundo disco de la banda.
Un año más tarde publicaron el segundo álbum "Traffic" que contenía varios de sus temas más celebres como "You Can All Join in", "Pearly Queen", "Forty Thousand Headman", o la clásica "Feelin Alright", que junto a otras de naturaleza psicodélica e influencias de claro acento folk, marcaron una progresión donde se destacó la habilidad instrumental y el talento compositivo de toda la banda.

domingo, 21 de enero de 2024

Foreigner-Agent Provocateur (1984)

Tres años después de la publicación del multi-platino “4”, Foreigner regresaban con un nuevo álbum titulado “Agent Provocateur”, el quinto cronológicamente en la carrera del grupo, el cual sin llegar a las excelencias del anterior, seguían mostrando a una banda en plena forma creando canciones tan icónicas como la extraordinaria “I Want To Know With Love Is”, que pronto se convertiría en una de sus canciones mas emblemáticas junto a las clásicas “Feels Like The Firts Time”, “Cold as Ice”, “Hot Blooded” o “Urgent”.
Sin embargo este álbum no solo vivía de las rentas de tan tamaña balada, en el encontramos cortes tan interesantes como “That Was Yesterday”, otro medio tiempo soberbio o las poderosas rock “Tooth And Nail” y “She´s Too Tough”, sin dejar de mencionar la contundente “Strange in my Own House” y las melódicas “A Love In Vain” y “Two Different Worlds”, configurando con todas ellas un trabajo equilibrado que funcionaria perfectamente en las listas de medio mundo, logrando cinco discos de platino por sus abultadas ventas a nivel mundial y manteniéndolos en primera línea del rock orientado hacia adultos.

viernes, 19 de enero de 2024

Firefall-Firefall (1976)

Otra legendaria banda de country rock y rock sureño fueron Firefall, los cuales lanzaron una serie de soberbios álbumes en la década de los 70 que los colocarían en la cima del genero casi al mismo nivel que sus coetáneas mas prestigiosas como Lynyrd Skynyrd, The Eagles o The Marshall Tucker Band.
Fundados en Colorado a mediados de los setenta, su núcleo principal giraba en torno a los guitarristas y fundadores Jock Bartley y Rick Roberts, quienes venían precedidos de las bandas The Flying Burrito Brothers y Zephyr.
Ambos músicos junto al bajista Mark Andes, el batería Michael Clarke y el guitarrista Larry Burnett, grabaron su primer álbum homónimo en 1976 en el cual muestran pegadizas melodías muy cercanas al country pop como “It Doesn´t Matter”, “Love Isn´t All”, “Dolphin´s Lullaby” o “Sad Ol´Love Song”, que en contraste con las country rock “Mexico”, “Livin´Ain´t Livin´” y “No Way Out” mostraban una gran diversidad en su atractivo estilo, el cual los emparentaba con las líneas melódicas y vocales de America o The Eagles.
Este primer álbum logra un meritorio puesto numero 26 en las listas americanas, en parte gracias a hits como la encantadora “You Are The Woman” que logra un top ten en el Billboard.
Un año después la banda se amplia con el teclista David Muse con quien graban el siguiente “Luna Sea”, en el cual siguen por una línea parecida pero con unos arreglos mas sofisticados debido al aporte de los sintetizadores y teclados electrónicos de David Muse.
En esta segunda entrega sobresalían la adictiva country rock “So Long”, la enérgica “Sold On You”, la sureña “Just Think”, la pegadiza rock “Getaway”, la rítmica country “Head On Home” y la contundente “Even Steven”, mientras la característica vena melódica estaba presente en las deliciosas “Just Remember I love You” y “Only A Fool”.
“Luna Sea” lograría superar al álbum debut en las listas alcanzando un sorprendente onceavo puesto puesto en el Billboard.
El tremendo éxito de este segundo álbum ser vería calcado en el tercer trabajo titulado “Elan”, publicado en 1978 el cual contenía un repertorio de exquisitos temas de country rock como “Strange Way”, “Wrong Side Of Town”, “Count Your Blessing”, “Anymore” o “New Man”.
Pero a partir de aquí la banda entraría en una crisis creativa como queda demostrado en el irregular “Undertown”, el ultimo trabajo grabado con la formación original y que apenas tuvo repercusión mas allá de los circuitos americanos del country rock.
En adelante un continuo ir y venir de nuevos miembros llevaría a Firefall por un periplo repleto de buenos álbumes como “Cloud Across The Sun” (1980), “Break Of Dawn (1982), o “Mirror of The World” (1983), pero muy alejados del esplendor de sus tres primeras obras.

miércoles, 17 de enero de 2024

Traffic-On The Road (1973)

En 1973 Traffic lanzaba su segundo álbum en directo (anteriormente ya habían publicado "Welcome to the Canteen” en 1971), aunque esta vez en formato de doble Lp que fue grabado en la gira posterior al trabajo de estudio "Shoot Out at the Fantasy Factory".
Grabado íntegramente en la gira por Alemania Occidental, la banda formada por Steve Winwood, Jim Capaldi, Chris Wood y Reebop Kwaku Baah tuvieron el apoyo del batería Roger Hawkins, el bajista David Hood y el teclista Barry Beckett.
En este doble álbum se recogen parte de lo mejor de la banda hasta ese año, en donde destaca la improvisación libre ejecutada por todos los músicos, mezclando diversas influencias como la psicodelia, el folk, el jazz, el soul y el rock' n´roll, como bien queda demostrado en los cuatro temas que superan los diez minutos de duración, manifestando con ello la plenitud instrumental de estos grandes músicos.
El álbum contiene seis temas en total, la más larga, una mezcla extendida de dos de las obras maestras indiscutibles de Traffic, la magnífica instrumental "Glad" y la apasionada "Freedom Rider", con una duración de más de 20 minutos en total. De hecho, todas las pistas aquí están repletas de improvisaciones y vanguardismo instrumental. El inconfundible sabor exótico aportado por el trabajo de percusión de Reebop Kwaku Baah, se combina de manera efectiva con los dos bateristas Jim Capaldi y Roger Hawkins. Mientras el propio Jim Capaldi también proporciona la voz principal (presentando a los miembros de la banda en la sección central), en la dinámica y optimista "Light Up or Leave Me Alone". Sin embargo, Traffic podía presumir de uno de los mejores vocalistas de la historia del rock, la atrayente voz de soul blanco del incomparable Steve Winwood, cuya actuación en la sublime "The Low Spark of High-Heeled Boys" es melancólica y seductora. Winwood también interpreta brillantemente la guitarra solista en este álbum, particularmente en la conmovedora "(Sometimes I Feel So) Uninspired", dejando el rol de los teclados Hammond al excelente Barry Beckett. El impresionante tour-de-forces de saxo y flauta de Chris Wood en "Glad" y la auto-escrita "Tragic Magic", también son uno de los puntos culminantes indiscutibles de un directo apasionante, repleto de pasión y destreza musical deslumbrante y otra de las obras maestras en vivo de los setenta.