domingo, 24 de enero de 2021

Rainbow-Long Live Rock´n´Roll (1978)

En 1974 Ritchie Blackmore se harta de los continuos desacuerdos con sus compañeros de Deep Purple y opta por largarse y seguir por su cuenta, para algun tiempo mas tarde fundar su nuevo grupo, Rainbow, con quien publicaría ocho albumes, algunos de ellos de los más memorables en la historia del hard rock y el heavy metal.
Ritchie Blackmore es sin duda uno de los mas geniales guitarristas de la historia, pero igual de grande es su mal genio, y si ya las había tenido con Ian Gillan y Roger Glover después del album "Who Do We Think We Are" de 1973, esta ultima ocasion seria con David Coverdale y Glenn Hughes. Sin embargo en su nueva banda Rainbow ocurriría mas de lo mismo, contratando y despidiendo músicos a diestro y siniestro durante todos sus años al frente de la banda. "Long Live Rock´n´Roll" fue su tercer álbum, lanzado en 1978 y un solemne sucesor del anterior y fabuloso "Rising". Como norma ya habitual, en referencia a lo antes comentado, este sería el último album de Ronnie James Dio como vocalista, consecuencia de los diferentes criterios musicales con Ritchie Blackmore (como no podía ser de otra manera) fue despedido por el hombre de negro. Pero no seria el único, ya en este nuevo disco no estaban ni el teclista Tony Carey, ni el bajista Jimmy Bain despedidos tambien después del anterior “Rising” y sustituidos por el teclista David Stone y el bajista Bob Daisley, los cuales correrían la misma suerte algun tiempo después.
"Long Live Rock´n´Roll" es junto a la anterior obra "Rising" los mejores albumes de Rainbow, y con este nuevo disco la banda alcanzó el cenit total y al mismo tiempo convirtió a Ronnie James Dio en el mas grande cantante del heavy metal.
“Long Live Rock´n´Roll” es un grandísimo album de hard rock y heavy metal,  consiguiendo himnos generacionales, como el tema que da título al disco, o temas poderosos como "Kill The King", la compleja “Gates Of Babylon” con esas influencias orientales, baladas fantásticas como "Rainbow Eyes" o las meritorias “Lady Of The Lake”, “L.A. Connection” o “Sensitive Light”.

sábado, 23 de enero de 2021

Hoelderlin-Hölderlin's Traum (1972)

Esta banda que tomo prestado el nombre del poeta alemán del siglo XIX Friedrich Hölderlin, es una de las mas subestimadas de la historia del rock alemán y del rock progresivo en general. Fundados en 1970 en la ciudad de Wuppertal en el estado de Renania al oeste de Alemania, por los hermanos Christian y Joachim Grumbkov, unos musicos con mucha experiencia que provenian de la banda The Beatkids fundada en 1963. La primera formación de Hoelderlin estaba compuesta por la cantante Nanny DeRuig, el bateria Michael Bruchmann y el bajista, Peter Kaseberg, que junto a las guitarras y mellotrones de los hermanos Grumbkow pronto destacarían por su folk rock de influencias británicas mezclado con la música clásica. Cuando apenas tenian tres meses de existencia el sello Pilz les contrata y les produce su primer album “Hölderlin's Traum”, que fue publicado en 1972 y se convierte en uno de los mayores hitos del rock alemán de ese año. Un album que contiene nueve temas con la preciosa voz de DeRuig, grandes Mellotrones, violines y violonchelos, sitar y otros instrumentos, que en una inteligente mezcla de folk, rock, música progresiva, elementos jazz, sonidos medievales y cierto idealismo hippy convierten a este disco en una pequeña obra maestra.
Desde su apertura con el tema “Waren Wir” hasta el cierre del album con “Traum” la música es de una belleza deslumbrante. Tres años mas tarde llegaria su segundo trabajo “Hoelderling” con un estilo mas jazzistico y influencias crimsonianas. Para su tercer album “Clowns And Clouds”, la musica se torna mucho mas ambiciosa con desarrollos complejos, elementos teatrales y surrealistas. A partir de aqui una serie de albumes mas enfocados al rock melódico y mucho mas accesibles fueron lanzados hasta bien entrada la década de los ochenta.

viernes, 22 de enero de 2021

Mogul Thrash-Mogul Thrash (1971)

Otra de esas bandas de un visto y no visto y que pasaron sin pena ni gloria fueron Mogul Thrash, que con una gran calidad apenas tuvieron tiempo para grabar solo un album, para luego desaparecer sin dejar rastro. En 1970 James Litherland habia sido despedido fulminantemente de Colosseum por parte de Jon Hiseman y Dick Heckstall-Smith después del album “Valentine Suite”, aunque aparecería en los créditos del posterior album “The Grass Is Grenner” como vocalista en el tema “Elegy”, un tema descartado del album anterior, de ahí su participación.
Al poco tiempo se uniría al bajista John Wetton, al saxofonista Malcolm Duncan, al bateria Roger Harrison y a Roger Ball y Michael Rosen, ambos instrumentos de vientos y formaron Mogul Thrash. Ya en 1971 publican su primer y único album, producido por Brian Auger quien incluso colabora en uno de los temas. Este debut se caracteriza por unos sonidos muy cercanos a la antigua banda de Litherland pero con un enfoque mas duro y con una exuberante sección de vientos que derivan la música hacia los terrenos del jazz rock progresivo, con mucha participación del bajo y la voz de John Wetton, elementos estos que dan gran consistencia a esta obra. Desde las primeras notas de “Something Sad” hasta la ultima canción ”What´s This I Hear” muestran un estilo acelerado del jazz rock enérgico, pero sin embargo es la extensa “Going North” la pieza central del disco, donde destacan Litherland con unos riffs y solos abrasivos de guitarra, John Wetton con una gran linea de bajo y los sonidos de los metales. Una vez acabada esta aventura Wetton ingresaría en los Family junto a Roger Chapman y la sección de viento se unirían a la Average White Band.
 


jueves, 21 de enero de 2021

Fantasy-Paint A Picture (1973)

La historia de esta banda británica comenzaría en Kent, en una granja de Gravesend en donde tenían su local de ensayos en el año 1970. Formada originalmente por el cantante Paul Petley, el guitarra Geoff Whitehorn, el vocalista y guitarra acustica Paul Lawrence, el teclista Metcalfe, el bajista David Read y el bateria Brian Chatham. Después de varios cambios de formación grabarían una cinta con algunas demostraciones y se la presentaron al sello Decca y cambiaron su nombre por el de Firequeen. Posteriormente el sello Polydor se interesaría por dicho material y lograron que firmaran con ellos, por lo que vuelven a cambiar de nombre por Fantasy, el cual encajaba mejor con el estilo musical del grupo. Finalmente grabaron el album “Paint A Picture” publicado en 1973.
Este album es de una belleza absoluta con unas composiciones muy refinadas en donde las voces cálidas y las guitarras acústicas de 12 cuerdas, las guitarras eléctricas y los sonidos de Mellotron y organo Hammond son esplendorosas y en muchas partes del disco majestuosas.
El estilo se asemeja a lo que algun tiempo después The Alan Parsons Project hiciera mundialmente famoso, con un pop sofisticado y melódico y unas atmósferas relajadas con interludios y partes algo mas agresivas. Su estilo sinfónico basado en canciones menos complejas a lo habitual en el progresivo les otorgaron cierta popularidad en su epoca, con un acercamiento en ese sentido a la banda britanica Barclay James Harvest o el enfoque lírico de los norteamericanos Starcastle.
Posteriormente grabaron un segundo album “Beyond The Beyond” (1974) que nunca fue publicado “oficialmente” y que en los 90 fue rescatado por el sello Prog Temple.

miércoles, 20 de enero de 2021

Bröselmaschine-Bröselmaschine (1971)

Bröselmaschine fueron una banda germana que tomaría las influencias del folk norteamericano de Bob Dylan o Phil Ochs y que bajo la tutela de maestro de la guitarra acústica Peter Bursch se formaria en 1968 en Diusburg junto a la vocalista Jenni Schucker, al guitarrista y otros instrumentos de cuerda exóticos Willi Kismmer, al bajista Lutz Ringer, y al teclista Mike Hellbach. Este quinteto se disolvería después de su primer y mejor album en 1971, aunque posteriormente bajo el nombre de Peter Bursch Und Die Broselmaschine seguirá publicando discos de menor impacto y alejados de la propuesta musical de su album debut.
“Bröselmaschine” fue el titulo hononimo de esta banda que bajo el sello alemán Pilz fue publicado en 1971, y en donde contenía una propuesta delicada y sutil de sonidos repletos de música oriental india con instrumentos como el sitar, la tabla hindu o la flauta, mezclado con el folk tradicional británico e irlandés, con toques progresivos y psicodélicos y bañado en grandes armonías vocales producto de la irresistible voz susurrante de Jenni Schucker.

martes, 19 de enero de 2021

The Alan Parsons Project-Tales Of Mystery And Imagination (1976)

“Tales Of Mystery And Imagination” es uno de los discos imprescindibles del siglo XX y una de las mejores muestras del talento de dos genios como Alan Parsons y Eric Woolfson.
En 1976 Alan Parsons iniciaría un proyecto paralelo a su trabajo como ingeniero de producción con este primer álbum, basado en la vida y obra del poeta romántico Edgar Allan Poe. Para este trabajo Alan Parsons se rodeado de la flor y nata de los musicos de sesion de los estudios de Londres, todos ellos reconocidos músicos como Arthur Brown, Ian Bairnson, Andrew Powell, Stuart Elliot, Mel Collins, John Miles o Chris Rainbow entre otros, además de Eric Woolfson, vocalista, compositor y a partir de aquí la mano derecha de Alan Parsons en prácticamente toda su carrera posterior. Concebido a modo conceptual la temática se centra en el mencionado Edgar Allan Poe y recrea con éxito el mundo oscuro del poeta con una banda que se filtra en todas las partes del album pero sin quitar el valor de la naturaleza progresiva de la obra. Eric Woolfson tiene por su parte momentos de gran brillantez ofreciendo algunas de las voces mas hermosas jamas grabadas. Es album es hipnótico por momentos, sofisticado, muy orquestal y progresivo, con la dosis comercial justa que mantiene al oyente pegado a su desarrollo. Desde la apertura de la obra con "A Dream Within a Dream" la cual comienza con una narración de Orson Welles de un pasaje de Edgar Allan Poe y que crea el perfecto ambiente no solo para esta canción sino también para el resto del álbum, le dan una credibilidad emocional a esta obra imponente. La canción, como dice el tema, es onírica, comenzando con un solo de sintetizador que va in crescendo hasta que la batería y el bajo se unen en una explosión de poder que nuevamente comienza a desvanecerse para terminar la canción, una hermosa e inquietante apertura. La siguiente y orquestada “The Raven” con esos pomposos arreglos de Andrew Powell son la antesala de una lectura que va en subiendo de tono con “The Tell-Tale Heart” y la voz angustiosa de Arthur Brown que interpreta magníficamente los pensamientos atormentados del poeta, mientras “The Cask Of Amontillado” esta vez con John Miles a las voces es el perfecto ejemplo de lo que Alan Parsons haría en adelante mezclando secciones orquestales repletas de instrumentos de vientos y coros de voces. La oscura y siniestra “(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether” es una especie de caos en donde confluyen diferentes estilos de manera muy inventiva.
La cara B de vinilo original estaba compuesta por la suite “The Fall of the House of Usher” una epopeya instrumental de 20 minutos dividida en cinco partes, con la introducción “Prelude”, siete minutos de sonidos de orquesta y un destacado bajo que van creando una atmósfera oscura y de misterio, seguida de “Arrival” con un inquietante órgano barroco y la banda al pleno con un desarrollo instrumental rapido y preciso, “Intermezzo” nos deja sonidos mas inquietantes que dejan momentos de suspenso, mientras la siguiente “Pavane” bajan los tonos con una melodía suave funcionando como el alivio perfecto para un final apoteósico y épico “Fall” en donde las orquestaciones crean una cacofonía musical, acabando esta obra con “To One For The Paradise” con las voces de Woolfson, Terry Sylvester y el propio Alan Parsons creando complejas secciones vocales con los coros de The Westmisnter City School Boys Choir y Jane Powell, y unas guitarras acústicas que suavizan el tono oscuro del album. Este fue un lanzamiento absolutamente esencial dentro del pop sinfónico de los 70, considerada una obra maestra que tuvo continuación en los siguientes disco de igual manera conceptuales “I Robot” (1977), “Pyramid” (1978), “Eve” (1979 y “The Turn Of A Friendly Card” (1980).

lunes, 18 de enero de 2021

The Michael Schenker Group-The Michael Schenker Group (1980)

Michael Schenker es uno de los mejores guitarristas de la historia de la música rock, con una cualidades tecnicas fabulosas y un gusto exquisito. Antiguo componente de formaciones tan míticas del heavy metal como Scorpions y UFO en distintas etapas, con las que llegó a grabar discos fantásticos como “Lonesome Crow” (1972), “Lovedrive” (1979) ambos de la banda germana y “Phenomenon” (1974), “Force It” (1975), “No Heavy Petting” (1976), “Lights Out” (1977), y “Obsession” (1978) todos ellos pertenecientes a la banda británica.
Después de abandonar UFO a finales de los 70, comenzaría una irregular carrera en solitario, alternando grandes álbumes con otros de menor impacto.
Su primera banda estaba formada por el vocalista Gary Barden, el teclista Don Airey, (Colosseum, Black Sabbath y Rainbow), el bateria Simon Phillips, quien ya por entonces había estado en multitud de bandas y proyectos, y el bajista Mo Foster.
En 1980 publicaría su primer album “The Michael Schenker Group” el cual es el que mejor define a este guitarrista y músico, combinando sus grandes momentos que hizo con UFO y los sonidos de los 80, demostrando con ello que la grandeza de esa banda era en parte gracias a el.
Un album en donde los nueve temas que aquí se recogen son pura dinamita y todos ellos gozan con luz propia desde la soberbia “Armed to Ready”, que fusiona la rabia y la crudeza del mejor heavy, con la melodía y la comercialidad justa, la enérgica y poderosa “Cry For The Nations”, sin olvidar la rítmica “Victim of illusion”, la instrumental “Bijou Pleasurette”, o la brutal “Into The Arena”. A partir de aquí su carrera es muy extensa con algunos discos sobresalientes, otros de menor envergadura, diferentes proyectos, algunos de dudoso futuro o colaboraciones esporádicas con su ex-banda UFO.

domingo, 17 de enero de 2021

Bad Company-Dangerous Age (1988)

En 1982 Paul Rodgers decidió abandonar Bad Company para tomarse un largo descanso y dedicarse a su familia, en una decisión mas o menos parecida los demás integrantes optaron por hacer una pausa en la carrera del grupo. Ese mismo año se había publicado el album “Rough Diamonds” que no colmaría las expectativas ni de la discográfica ni de la propia banda, hecho este que desencadenaría esa determinación. Cuatro años mas tarde en 1986 el guitarrista Mick Ralphs y el bateria Simon Kirke, dos de los miembros fundadores, deciden continuar y retomar la carrera del grupo, y para ello acudieron a Paul Rodgers, este sin embargo declina la oferta al estar desinteresado en la labor, mas comprometido con otros proyectos junto a Jimmy Page y la banda The Firm.
Finalmente consiguen reclutar a Brain Howe y al bajista Steve Price. La aportación de Howe seria vital para el nuevo sonido de la banda, orientando la música hacia caminos enfocados al rock melódico, a diferencia del blues rock de los discos de los 70. A finales de ese mismo año se publicaba “Fame And Fortune”, el cual obtiene buenas criticas y la aprobación del publico. De este album sobresalían las pegadizas hard rock “Burning Up”, “Tell It Like It Is”, “Valerie” y “If I´m Sleeping” o las melodicas “This Love”, “Long Walk”, “Hold On My Heart” o “When We Made Love”.
Varios años mas tarde se publicaba “Dangerous Age”, con el que consiguen recuperar la popularidad perdida tiempo atrás. En este nuevo disco las composiciones están mejor estructuradas con una mayor producción y una notable calidad. La incorporación de un teclista como Terry Thomas influye decisivamente en la mayor cohesión musical del estilo melódico que la banda imprime en este album. Aquí destacan las melódicas “Shake It Up”, “The Way That It Goes”, las potentes hard rock “Love Attack”, “No Smoke Without A Fire”, “Rock of America” o “Dangerous Age”, mientras la vena AOR esta presente en “Dirty Boy” y “Bad Man”, ademas de la inevitable balada como la preciosista “Something About You”. Con este album la banda entraba por la puerta grande en el genero AOR, alcanzando mucha notoriedad gracias a algunas de sus canciones que entraron en el top ten de las listas de rock de Billboard.

sábado, 16 de enero de 2021

Ten Years After-About Time (1989)

Quince años después del ultimo album publicado por Ten Years After, “Positive Vibrations” (1974), Alvin Lee reuniría la banda para un nuevo disco “About Time”, publicado en agosto de 1989. Cronológicamente este fue el noveno disco en estudio y el ultimo junto a su líder. Durante todos esos años que la banda estuvo disuelta, fue el propio Alvin Lee quien estuviera mas activo discograficamente con siete albumes publicados, ademas de algunos directos. Por su parte el resto apenas tuvieron una carrera relevante con esporádicas colaboraciones y algunos discos de escasa repercusión. Con un sonido adaptado a los nuevos tiempos pero conservando ese espíritu de blues rock de los setenta, “About Time” fue un soplo de aire fresco que vino a demostrar que esta banda aun tenia la suficiente energía y experiencia para dejar un disco de poderoso y memorable de gran rock. Sin embargo en “About Time” predominan los temas con un acercamiento al hard rock en detrimento del sonido blues tan característico de Ten Years After. “Highway Of Love” inicia de manera sobresaliente este album, un tema rítmico y pegadizo a la vez que potente, “Let´s Shake it up” sigue por una linea similar pero con un sonido mas vigoroso, mientras la solemne “Bad Blood” es un excitante y cadencioso tema con unos riffs siniestros y un desarrollo soberbio, “Working In A Parking Lot” por su parte es un poderoso rock and roll, para terminar con la preciosa e intimista “Outside My Window” y la acelerada “Waiting For The Jugdement Day”. “About Time” fue en cierta medida “flor de un día”, pero dejo constancia del enorme potencial de una de las bandas mas legendarias de la historia del rock.

viernes, 15 de enero de 2021

Gerry Rafferty-City To City (1978)

Gerry Rafferty fue uno de los mejores compositores escoceses con su folk rock emotivo que lleno millones de corazones y autor de algunas de las mas celebres canciones de la historia del rock. Sus inicios se remontan a finales de los sesenta en la banda Humblebums y luego con Stealers Wheel junto a otro grande como Joe Egan, con quien publicaría tres de los mas grandes discos del folk rock británico de la década de los 70 “Stelears Wheel” 1972), “Fergusile Park” (1973) y “Right Or Wrong” (1975).
Steelers Wheel fue la respuesta europea a los Crosby, Stills, Nash & Young, pero múltiples factores terminarían por alinearse en su contra, como el ego de ambos músicos, los excesos con el alcohol y algunos problemas de salud.
En 1975 disuelven la banda, pero sin embargo a partir de aquí la discográfica A&M Records con quien tenían un contrato les demanda por incumplimiento contractual. Este hecho conlleva que durante tres años ni Gerry Rafferty ni Joe Egan puedan grabar ningún album con ninguna otra compañía hasta 1978 cuando volvería a grabar "City to City", su primer disco en solitario, que fue editado no sin serios problemas contractuales, como negociar la rescisión de su contrato con la A&M.
Para cuando fue publicado este album la crítica no sería muy benévola con el, de hecho fue bastante vapuleado, todo lo contrario ocurriría con el recibimiento del público que lo acogieron con mucha ilusión, alcanzando un asombroso puesto número uno en Estados Unidos, desbancando de ese privilegiado lugar a la banda sonora “Saturday Night Fever” que llevaba seis meses consecutivos en el puesto mas alto. Esto fue debido en parte gracias a los singles "Baker Street", con unos de los solos de saxo mas famosos de todos los tiempos a cargo de Raphael Ravenscroft, la balada "Whatever's Written in Your Heart" y el medio tiempo exquisito "Right Down the line".
En este album Rafferty fusionaba perfectamente el folk británico, con sonidos mas americanos y un elegante y sofisticado pop de gran clase.

jueves, 14 de enero de 2021

Ted Nugent-Double Live Gonzo! (1978)

Considerado entre los mejores 25 albumes en directo de la historia, “Double Live Gonzo” no solo muestra el poderío de este bestial guitarrista encima de un escenario sino también de su espectacular y visceral repertorio que ofrecía en la mitad de los setenta.
Grabado durante la gira posterior de su album “Cat Scratch Fever”, este monumental directo muestra a un Nugent hiperactivo, una verdadera bestia, una fiera indomable y un salvaje guitarrista como pocos han existido. Su técnica con las seis cuerdas es primitiva pero también virtuosa, Ted, desde su epoca con los Amboy Dukes tomo nota del sonido de los Hendrix, Gallagher o Lee y así perfecciono su inconfundible estilo. Durante los casi 90 minutos que dura este doble album Nugent va desgranando su arsenal de potentes y viscerales clásicos a punta de guitarra escupiendo balazos sin cesar. Junto a el su banda mas clasica, la que grabaria sus albumes mas emblematicos; Derek St Holmes, Rob Grange y Cliff Davies, unos musicos que muestran la cohesion perfecta al pistolero Nugent, y juntos van interpretando rock´n´roll electrizantes como “Just What The Doctor Ordered”, “Yank Me, Crank Me” o “Gonzo”, blues rock incendiarios “Great White Buffalo”, jam guitarristicos como “Hibernation”, extasis sonoros y extensos “Stormtroopin”, agresividad sin limites “Motor city Madhouse” o blues rock hipnóticos como la grandiosa “Stranglehold”,  para terminar con la despiadada “Wang Dang Sweet Poontang”. Un directo memorable, unico y que poco o nada tiene que envidiar a legendarios registros como “Made In Japan”, “Strangers In The Night” o “Live And Dangerous”.

miércoles, 13 de enero de 2021

Kerrs Pink-Art Of Complex Simplicity (1997)

Esta sensacional banda noruega de rock progresivo y folk escandinavo es una de las grandes sensaciones del estilo que durante dos décadas han dejado su huella en una serie de albumes de elegante musica refinada.
Formados en 1972 no seria hasta los años 90 cuando vieron publicado su primer y enorme debut discográfico “A Journey On The Inside” (1992), al que le sucederían media docena de obras de enorme calidad hasta su ultimo trabajo “Mystic Spirit" en el 2013.
Kerrs Pink basa su música en un estilo muy ameno que fusiona los sonidos de bandas británicas como Camel con una base muy pronunciada del folk escandinavo.
Herederos de las agradables melodías de la música tradicional noruega, son sabiamente conjugadas con los sonidos rock presentando una gran variedad tonal, con unas adictivas melodías y la armonía bien hecha de todos los integrantes de la banda con mezclas inteligentes y sutiles, una gran belleza melódica e instrumental con precisos y hermosos solos de guitarra y unos teclados sublimes .
En 1997 publicarían “Art Of Complex Simplicity”, inspirado profundamente en el folk nórdico, en donde las elaboradas y deliciosas melodías crean ambientes bucólicos con momentos y pasajes enérgicos. Con la incorporación de instrumentos tradicionales como el violonchelo o flautas su música se torna brillante, con unos teclados progresivos, guitarras y baterías que proporcionan unos sonidos muy armónicos en una especie de folk progresivo de gran nivel. “Art Of Complex Simplicity” es uno de sus mejores obras, un tanto alejado del sonido nostálgico y melancólico escandinavo, pero de igual manera repleto de sentimientos y una música realmente fantástica.

martes, 12 de enero de 2021

The Allman Brothers Band-Eat A Peach (1972)

En el mejor momento de la carrera de The Allman Brothers Band, moría su carismático líder Duane Allman en un fatídico accidente con su Harley Davidson, era el 29 de octubre de 1971, por aquel entonces su mítico album “At The Fillmore East” publicado cuatro meses atrás alcanzaba el disco de oro. Este lamentable hecho ocurriría en medio de la grabación de un nuevo album y su muerte fue un tremendo shock para el resto de la banda. Muchos temieron que este hecho acabaría con The Allman Brothers Band, sin embargo algun tiempo después decidieron continuar sin su líder y maestro. Finalmente finalizaron el disco y cinco meses después en febrero de 1972 salía a la luz “Eat A Peach” el cuarto album del grupo marcado por esa trágica muerte. No obstante Duane aparece en casi todas las composiciones del disco menos en tres de ellas. Publicado como doble album y dividido en tres partes, primero las que fueron grabadas sin Duane, segunda las que si se pudo terminar con el malogrado guitarrista y un tercer grupo de canciones extraídas de las sesiones del Fillmore East de un año antes. Un album que se iniciaba con “Ain´t Wastin No More” aqui Gregg Allman recuerda afrontando la muerte de su hermano, los viejos tiempos musicales con un Dickey Betts enorme con la slide guitar, a la que le siguen la jam de largo desarrollo “Les Brers in a Minor” y la country rock “Melissa” (esta ultima fue interpretada en el funeral de Duane). Los 34 minutos de “Mountain Jam” son un puro ejercicio de éxtasis musical sin precedentes, mientras “Little Martha” demuestra la capacidad de Duane con las seis cuerdas de su guitarra acústica Dobro, virtuosismo que repetiría con la emocionante versión del tema de Muddy Waters “Trouble No More” pero esta vez con su incendiaria y abrasiva guitarra eléctrica Gibson Les Paul.
“Eat A Peach” fue la conclusión final para uno de los mas grandes guitarristas que hayan existido jamas, que con su corta pero intensa carrera aportaría un legado vital y esencial en la historia de la guitarra eléctrica.

lunes, 11 de enero de 2021

Jethro Tull-Minstrell In The Gallery (1975)

En 1975 Jethro Tull publicaba “Minstrell in The Gallery”, el octavo album de la banda y el mas acústico hasta aquellos momentos de su carrera. Para muchos este es el album que marcaba el punto de inflexión con ciertos sonidos del pasado y al mismo tiempo presagiaba los sonidos que experimentarían en el futuro.
El anterior album de la banda “Warchild” fue en cierto modo un album desigual y un trabajo “menor” en donde el uso excesivo de arreglos orquestales y instrumentos bastantes sorprendentes como gaitas y acordeones, restaría la esencia del sonido de la banda liderada por Ian Anderson. Aun así sin llegar a ser un mal disco, obtuvo criticas desfavorables y una ventas menores lo que llevaría al propio Anderson a replantearse su siguiente movimiento en su tabla de ajedrez musical.
Para empezar se disminuye considerablemente la prominencia de los teclados, a excepción del piano de John Evans y dando un mayor y mejor protagonismo a las cuerdas de David Palmer, creando así una atmósfera intima y orgánica, Martin Barre por su parte cobra un diferente protagonismo aunque sigue ofreciendo sus ardientes solos de guitarra característicos. Temas como “Cold Wind To Valhalla” o “Black Satin Dancer” son elegantes pero discretas piezas con muy buenos pasajes de cuerda. “Requiem” es un tema acústico que parece sacado del album “Aqualung” y la mini suite “Baker Street Muse” es una interesante canción melódica y muy atractiva, que sin embargo adolece en ciertos pasajes de una coherencia como pieza unificada. “Minstrell in The Gallery” es en cierto modo y de manera bastante sutil, la continuación lógica de un album como “Aqualung”, alejados de la pomposidad de ”Thick As A Brick” o del folk experimental y fallido de “Warchild”.

domingo, 10 de enero de 2021

Supertramp-Crime Of The Century (1974)

Después de dos primeros discos que fracasaron estrepitosamente, Supertramp se encontraban en un punto muerto en 1972, habían perdido la confianza de su mentor, el millonario Miesegaes, quien les había financiado hasta entonces, habían tenido dos desbandadas de integrantes y su futuro era incierto. Sin embargo sus dos líderes Rick Davies y Roger Hodgson decidieron continuar contra viento y marea, reclutaron nuevos miembros y se dispusieron volver a entrar en los estudios y intentar tocar la diosa fortuna con un nuevo album. Para ello llegaron el bajista Dougie Thomson, el bateria Bob Siebenberg y el saxofonista y teclista John Helliwell y se retiraron a una granja del siglo XVII al sur de Inglaterra donde estuvieron meses componiendo y ensayando nuevo material. El resultado final fue el album “Crime Of The Century” que fue publicado a finales de 1974 y supuso el primer gran éxito de la banda y su mejor album musicalmente. Aqui a diferencia de sus dos primeros albumes en donde los sonidos estaban basados en el jazz y el blues con largas instrumentaciones y una solida base rock, la banda muestra una faceta mas simple con un pop elegante y sofisticado heredado del sonido Beatle, que mezclado con grandes arreglos y estructuras progresivas e instrumentales muy copiosas que absorben parte de la esencia del sonido Canterbury. Todo ello se ve traducido en monumentales composiciones como el tema que da titulo album, un ejercicio progresivo en donde confluyen todas las características del grupo, mientras “School” fusiona la comercialidad con un punto sinfónico genialmente realizado, la hipnótica “Dreamer”, la funky sutil “Bloody Well Right”, o las mini operas con retazos al pop sinfónico “Hide in Your Shell” y “Asylum”. Con este album Supertramp conseguiría su obra maestra, un trabajo en donde los sonidos depurados muy avanzados para su epoca y de precisión transparente lograrían auparlos a la cúspide del rock mundial a mediados de los 70.

sábado, 9 de enero de 2021

Albert Collins, Robert Cray, Johnny Copeland-Showdown! (1985)

"Showdown” es uno de los mejores albumes de blues de la década de los 80, grabado por tres de los mas grandes bluesman de la ultima parte del siglo 20, como son Robert Cray, Albert Collins y Johnny Copeland. Esta colaboración fue gracias al empeño del sello independiente de blues Alligator que durante años impulso el genero y que desde su fundación en el año 1971 ha publicado varios centenares de discos de artistas tan importantes como Lonnie Mack, Koko Taylor, Charlie Musselwhite, Buddy Guy, Albert Collins, Roy Buchanan, Clarence “Gatemouth” Brown, Elvis Bishop o Joe Louis Walker entre otros muchos.
Para esta grabación el sello reunió a tres de los artistas mas iconicos de su catalogo, cada uno con un estilo diferente, por un lado el tono suave y soul de Robert Cray con su técnica lírica y melódica con su Fender Stratocaster, en el medio esta Johnny Copeland, con su voz grave y poderosa y con una técnica con la guitarra mas rudimentaria y ruda y por ultimo Albert Collins con un estilo frío en donde su tecnica con la guitarra son pesados y contundentes y con una voz aguda lo que le valió el sobrenombre de “Iceman”. Estos tres monstruos van desgranando un album que no da concesiones al aburrimiento y que cualquiera de sus temas son destacados, como la lujuriosa country blues  “Your Fine Self Home”, el elegante blues “The Dream”, la juguetona “The Moon Is Full” o la soul “She´s Into Something”, todas estas junto con el resto dan como resultado un album de blues fantástico, hecho por tres guitarristas únicos, tres apasionadas voces negras y tres maneras de tocar blues diferente. Un album que ganaria sin paliativos el premio Grammy al mejor album de blues tradicional en 1986.

viernes, 8 de enero de 2021

T2-It´ll All Work Out In Boomland (1970)

Otra banda de corto recorrido fueron T2, con solo dos años de carrera, desaparecerían  sin dejar rastro después de publicar un único album “It´ll All Work Out In Boomland”.
Doce años después la banda volvería a reunificarse para grabar una serie de canciones que quedaron en el olvido y que estaba destinadas al segundo album y que nunca fueron publicadas.
Formada en Londres en 1970, esta banda estaba integrada por el bateria Peter Dunton, el bajista Bernard Jinks y el guitarrista Keith Cross, este ultimo un prodigio con las seis cuerdas de tan solo 17 años. Cross a pesar de su corta edad ya tenia una gran experiencia tras de si por haber participado en varias bandas de rock psicodélico como Please, Gun o Bulldog Breed. El único album de T2 fue grabado por el sello Decca, quienes les adelantaron diez mil libras esterlinas en concepto de los royalties, previniendo que la carrera del grupo seria exitosa. Sin embargo una mala planificación y una deficiente promocion termino en que este album pasara algo desapercibido para el gran publico.
“It´ll All Worlk Out In Boomland” es un trabajo que se basa en un sonido de hard rock influenciado por el blues y jazz con improvisaciones en contraste con la voz melodiosa de Dunton. Temas como la heavy blues “No More White Horses”, la nebulosa psicodélica de ”In Circles” o la progresiva y extensa “Morning” conforman un trabajo que es una especie de puzzle por las diferentes ideas musicales que predominaban en Inglaterra en aquellos años. A partir de aquí T2 se ganaron una gran reputacion como banda de directo, tocando incluso en el Festival de la Isla de Wight junto a Jimi Hendrix. Pero las tensiones internas condujeron al abandono de Keith Cross, dejando un segundo album con bastante material compuesto y grabado pero sin terminar. La banda continuaría por un tiempo con el nuevo guitarrista Mike Foster, desapareciendo definitivamente en 1972.
Seria a finales de los 80 y principios de los noventa cuando el resurgir del rock progresivo llevaría a muchísimas bandas olvidadas de los 60 y 70 lanzar albumes “desaparecidos” y “olvidados” para las nuevas generaciones deseosos por conocer material de esos años, y de esta manera la banda grabaría “Second Blue” (1992), “Waiting For The Band” (1993) y “On The Front Line” (1994) compuestos en su mayor parte por material desechado para su primer album y las demos destinadas al segundo, composiciones bien elaboradas pero que sin embargo no están a la altura de su fantástico debut.

jueves, 7 de enero de 2021

Santana-Abraxas (1970)

Uno de los albumes mas extraños de Santana, al mismo tiempo que uno de los mas experimentales, inspirados y ricos musicalmente es “Abraxas”. Carlos Santana venia precedido de su formidable actuación en el festival de Woodstock, y su album debut había tenido un éxito arrollador con el tema “Evil Ways” que lo catapultaría a los mas alto de las listas de éxitos americanas. Con el nuevo y esperado album que se titulo “Abraxas”, Santana lograría su máxima creatividad con un disco vibrante y emocionante impulsado por su fluida y emocional guitarra, el poderoso organo Hammond de Gregg Rolie y las percusiones de claro acento latino. Claros ejemplos de este album mayormente instrumental están en la ya mítica “Oye Como Va” de ritmo bailable con un gran trabajo de guitarra y órgano, la atmosférica “Incident At Neshabur” con cierto sonido jazzistico, la fugaz “El Nicoya” con un enfoque hacía la percusiones, o la energica rock “Hope You´re Feeling Better”. Pero son “Black Magic Woman/Gypsy Queen” con aires blues pero con un enfoque latino de melodía irresistible y un final arrollador y la latina blues rock instrumental “Samba Pa Ti” con esos exuberantes sonidos Hammond y una conmovedora guitarra, los momentos cumbres de un album medio conceptual inspirado en la cosmogónica de lo femenino, que lo convierten en una de las obras maestras fundamentales del rock y jazz progresivo de los años 70.

Nazareth-Loud´N´Proud (1973)

"Loud´N´Proud” fue el cuarto album de la banda escocesa Nazareth, publicado en 1973, el cual supuso la confirmación a su sonido característico y angular ya mostrado en su anterior obra “Razamanaz”. Al igual que el anterior album la producción correría a cargo del bajista de Deep Purple Roger Glover, y fue grabado en los estudios The Ganghut en Escocia. Sin embargo el tono general de este nuevo disco fue algo mas frenético y vibrante como se demuestra en las vigorosas y rítmicas “Free Wheeler” y “This Right Tonight”, mientras que temas como la potente “Not Faking It” muestran a unos Nazareth tremendamente rockeros, como también ocurre con “Turn On Your Receiver” con un gran arsenal de solos y riffs incendiarios. Por otro lado “Teenage Nervous Breakdown”, un rockabilly original de los sureños Little Feat, es reconvertida en una poderosa y contundente canción muy adictiva, aunque es otra versión, esta vez de Bob Dylan “The Ballad Of Hollis Brown” la joya de este album junto a la mencionada “Free Wheeler”, aquí la canción de Dylan se torna oscura y desafiante con un bajo distorsionado a un volumen brutal que seguido con una tenebrosa melodía de guitarra van envolviendo a la canción en una extravagante y épica progresión sonora de cerca de diez minutos de absoluto clímax de brutal hard rock.

miércoles, 6 de enero de 2021

Ash Ra Tempel-Join Inn (1973)

Ash Ra Tempel son la quintaesencia del krautrock, su estilo musical no era basado en composiciones estructuradas ni pensadas de antemano, lo de esta banda era lo totalmente opuesto, pura improvisación, y lo que podria sonar como un desbarajuste de cada instrumentos por su lado, en Ash Ra Tempel funcionaba como una maquina perfectamente engrasada. Formados en Belin en 1970 Ash Ra Tempel son uno de los grupos mas formidables que han existido, una fuerza descomunal y poderosa y de alguna manera fuera de lo común casi sobrehumana, con tres virtuosos músicos, liderados por el guitarrista Manuel Gottsching, que incluía ademas al ex bateria y sintetizadores de Tangerine Dream Klaus Schulze y al bajista Harmut Enke. Todos sus albumes están considerados unos clásicos del krautrock y el progresivo. Pero son “Ash Ra Tempel” y “Join Inn” sus mejores obras. Generalmente el termino de banda de improvisación es sinónimo de las improvisaciones stoner tipo Grateful Dead, pero Ash Ra Tempel es sin duda la banda quien mejor han sabido moverse en este campo, ellos nunca se preocupaban demasiado por los ensayos, por lo que por naturaleza sus composiciones no eran premeditadas. Su primer album “Ash Ra Tempel (1971) contiene dos extensos temas en donde el ambiente cósmico y atmosférico tiene un marcado acento psicodélico, en la cara A se encuentra “Amboss” enérgica y dramática y en la cara B “Traummaschine” mucho mas atmosférica.
“Join Inn” (1973) tiene una estructura idéntica pero es definitivamente mucho mas accesible, aquí el sonido es mas asimilable también y a diferencia del primero es Schulze quien cobra un mayor protagonismo dotando las piezas con un estilo mas ambiental.
“Join Inn” de alguna manera es muy parecido al álbum debut, con uno de los lados del disco interpretado como un poderoso power trío en una jam de 19 minutos “Freak´n´Roll” en donde esta larga suite se va desarrollando con interludios suaves hasta llegar a un clímax con guitarras abrasadoras y una poderosa sección rítmica con una bateria de una técnica asombrosa, milimetrica y poderosa y un bajo predominante y enérgico, y una segunda cara con un experimento ambiental de 25 minutos “Jenseits” con sonidos espaciales y grandes tonalidades muy bien logradas por los sintetizadores de Schulze y las voces tenebrosas pero de gran belleza de Rosi Muller. “Ash Ra Tempel” y “Join Inn” son sin ninguna duda dos de las grabaciones mas devastadoras de todos los tiempos.

Nucleus-We´ll Talk About It Later (1971)

“We´ll Talk About It Later” esta considerado uno de los mejores albumes del jazz fusion, a la misma altura que cualquiera de los albumes legendarios de Miles Davis, Mahavishnu o Return To Forever y al mismo tiempo el mejor disco de Nucleus, aunque a poca distancia de su primer album. Esta banda británica fundada a finales de los 60 por el trompetista Ian Carr, quien junto a Brian Smith vientos, Karl Jenkins teclados, Chris Spedding guitarras, Jeff Clyne bajo y John Marshall bateria se mantendría durante bastante tiempo sin cambios lo que les ayudo a encontrar la confianza necesaria con una fluidez de interacción entre sus miembros que empequeñecería a sus competidores coetáneos
Una banda que desde sus inicios obtendrían muchísima notoriedad obteniendo el primer premio en el prestigioso Festival de Montreux en 1970 ademas de ser una de las grandes sensaciones en el Festivales de Jazz de Newport y en el famosísimo club de Jazz Village Gate.
En 1970 Nucleus publicaba su album debut “Elastic Rock” y ese mismo año llegaría este “We´ll Talk About It Later” (ambos con portadas de Roger Dean) el cual recibe grandes elogios por parte de la prensa especializada que lo denominan como una de las cúspides del jazz rock.
Después de su primer y impresionante album, hicieron este increíble trabajo con una amalgama colección de grandes temas con sonidos oscuros de oboe, trompeta o guitarras con paisajes hipnóticos interpretados por estos músicos virtuosos, de hecho la mayoría de los integrantes fueron posteriormente afamados músicos de otras bandas de primer nivel. La calidad de las composiciones son muy altas, con una soberbia musicalidad que no solo se trata de una ejecución virtuosa llamativa, sino de moderación, fluidez, espacio, respiración, sentimiento e interacción. Esto permite a la banda abrir sus melodiosas composiciones con intrincadas partes improvisadas con el resultado de un album brillante con una atractiva música de jazz, que combina a la perfección la energía del rock con las fuertes melodías y la cautivadora musicalidad del jazz. Un album que es imprescindible dentro de cualquier colección de música que se precie.

martes, 5 de enero de 2021

Rory Gallagher-Stage Struck (1980)

Para cuando Rory Gallagher publico su directo “Stage Struck” (1980), ya llevaba publicados los fantásticos directos “Live In Europe” (1972) y “Irish Tour” (1974) sin contar su directo con su banda germinal Taste (“Live At The Isle of Wight” de 1972). Estos dos albumes en vivo en solitario difieren bastante entre si, mientras que el primero mezclaba su ardoroso rock con temas mas acústicos y sonidos irlandeses, en el segundo daba rienda suelta a su blues rock mas eléctrico. Por otro lado “Stage Struck (1980) estaba precedido de los albumes mas viscerales y de potente hard rock de toda la carrera del guitarrista irlandés, “Photo-Finish” (1978) y “Top Priority” (1979), por lo que este es su directo mas heavy de los tres. Grabado en diferentes localizaciones de Irlanda a finales de 1979, la banda de apoyo fueron los mismos músicos que participaron en esos dos últimos discos, Gerry McAvoy al bajo y Ted McKenna a la bateria. En “Stage Struck” podemos escuchar un Gallagher hiperactivo e hiper-revolucionado con cerca de 40 minutos de poderoso y brutal hard rock y blues rock, en donde el guitarrista va desgranando una serie de temas incendiarios a cual mas visceral y enérgico; “Shin Kicker”, “Wayward Child”, “Brute Force And Ignorance”, “Follow Me”, “The Last Of the Independents” o “Shadow Play”, todo ellos genuinos rock llenos de sentimientos, volumen y fuerza, y todo ello frente a un público irlandés entregado como nunca a un artista que jamas les abandonaría ni abandonó a su Irlanda natal, cuando este país vivía por momentos muy dramáticos y convulsivos con gran violencia y terrorismo. Por ello Gallagher nunca será olvidado por los irlandeses en donde es una leyenda. En definitiva estamos antes uno de los directos mas incendiarios que se puedan escuchar de uno de los mejores guitarristas que ha dado la historia de la musica rock.

Marsupilami-Arena (1971)

Pioneros de los sonidos que bandas como King Crimson o Yes alcanzarían años después, Marsupilami fueron uno de los grupos germinales del progresivo. Tuvieron su momento de gloria cuando sustituyeron a King Crimson en la inauguración del Festival de la Isla de Wight en 1970. Formados a finales de los sesenta esta banda publico dos albumes entre 1970 y 1971, “Marsupilami” y “Arena”, en ellos mostraban una gran complejidad musical con retazos de blues, jazz experimental y influencias del folk británico. Su centro neurálgico estuvo en Holanda desde 1970 y allí grabaron y publicaron sus albumes. Su formación estaba compuesta por Fred Hasson como vocalista y percusión, Dave Laverock guitarra, Leary Hasson teclados, Jessica Stanley-Clarke flauta y voces, Richard Hicks bajo y Mike Fouracre bateria. Su segundo album “Arena” es una obra conceptual basada en la antigua cultura romana, y habla de las escenas que en el Coliseo Romano se daban, la vida y la muerte sobre la arena de este lugar emblemático. Producido por Pete Bardens  ademas de varios músicos que colaboraron en la grabación de este disco, la banda mostraba unas melodías y armonías extrañas, con muchos teclados, sonidos densos y guitarras eléctricas que junto a la flauta y una poderosa bateria se traducían en un rock progresivo oscuro y intrincado. Un album en donde las composiciones son bastante complejas con sonidos influenciados por el jazz, la música oriental y ciertos aires al movimiento Canterbury.

lunes, 4 de enero de 2021

Uriah Heep-Abominog (1982)

Durante los años 70 Uriah Heep habían lanzado obras tan descomunales de hard rock progresivo como “Look At Yourself”, “The Magician´s Birthday”, “Return To Fantasy” o “Demons and Wizard” su obra cumbre. Sin embargo desde el album “High And Mighty” (1976) había comenzado un cierto declive tanto musical como comercialmente, también cierta inestabilidad debido a sus continuos cambios de formación y por otro lado víctimas del cambiante panorama musical y los gustos del publico. Aun así la banda seguía teniendo una fiel y grandísima legión de seguidores y gracias a ellos se mantuvieron en primera linea. En 1982 la banda publicaba su décimo cuarto album en estudio “Abominog” en donde dieron un giro de 90 grados a su estilo derivandose hacia derroteros mas heavy con sonidos mas comerciales y melódicos. En "Abominog" la banda habia sido renovada, sin embargo Mick Box, Lee Kerslake y Ken Hensley permanecían como miembros fijos, siendo el resto compuesto por Peter Goalby a las voces, John Sinclair a los teclados, Bob Daisley al bajo, que habían sustituido a John Sloman, Chris Slade y Trevor Bolder respectivamente. “Abominog” seria la respuesta a las criticas vertidas sobre la banda en los últimos años con un album arrollador y pletórico de riffs incendiarios, un sonido americano, grandes melodías vocales, un ritmo frenético y una producción exquisita. “Too Scared To Run” se convertiría en uno de los temas emblemáticos del heavy metal y canciones como las soberbias “That´s The Way That It Is”, “Running All Night”, “Chasing Shadows” o “On The Rebound” redondearon un album considerado una de las joyas del heavy metal de los 80.

Gracious-This Is...Gracious (1971)

Banda del germinal movimiento progresivo británico que fue fundada en 1967 en los suburbios de Londres y en sus principios hacían una música pop, que derivaron hacia terrenos mas complejos y ambiciosos cuando descubrieron el potencial del sonido del Mellotron. Después de varios cambios de formación, su primera alineación estable estaba compuesta por Alan Cowderoy (guitarra), Paul Davis (voz y guitarra de 12 cuerdas), Martin Kitcat (teclados), Robert Lipson (batería) y Tim Wheatley (bajo). Ya desde su primer album “Gracious” (1970) la banda mostraba el interés por dotar su estilo con composiciones arriesgadas y complejas, pero con poca coherencia musical. En 1971 llegaría “This Is...Gracious” con una producción mas seria y con la banda mas integrada y comprometida. Aquí Gracious muestra un impresionante progreso comparado con su disco debut, con el Mellotron tomando el total protagonismo de la música complementado con interacciones de la guitarra como se demuestra en la suite “Super Nova” que ocupa toda una de las caras del album, el resto son temas mas cortos con un estilo mas ecléctico con sonidos agradables en donde se dan cabida el pop junto a influencias de blues, rock y entramados sinfónicos.

domingo, 3 de enero de 2021

The Eagles-One Of These Nights (1975)

El cuarto album de The Eagles significaría el punto transcendental del cambio final de la banda hacia sonidos definitivamente mas rock. Publicado en 1975 este seria el primero en llegar al numero uno en las listas del Billboard, el primero también en conseguir un premio Grammy y cuatro discos de platino solo en los Estados Unidos por sus ventas.
Grabado en los Mac Emmerman´s Criteria Studios de Miami, tuvo como productor a Bill Szymczyk, y para este nuevo disco contarian con un nuevo miembro en la formación; el guitarrista Don Felder. En "One These Of Nights" la banda ya muestra la combinación perfecta entre el country, el folk y el rock y consolida al mismo tiempo el duo Frey-Henley como eje principal en el plano compositivo. Un disco en donde ya por otra parte empezaban a aparecer los arreglos orquestales, utilizados con buen gusto y acierto, complementados con el sonido habitual de la banda, el country rock con una inspiración acústica, el folk, y la emotividad que dan las complejas y precisas armonías vocales con los temas de rock. Desde la inicial y elegante canción que da titulo al album The Eagles muestra una inspiración fascinante, ademas de la country rock "Too Many Hands", la orquestada e instrumental y hasta cierto punto con cierto desarrollo progresivo "Journey Of The Sorcerer", la monumental country rock "Livin´Eyes", la soñadora "Take It To The Limit" o la acústica “Hollywood Waltz" esta ultima sobresale el sonido de la pedal steel de Bernie Leadon, demostrando con todo ello, el perfecto muestrario de lo que The Eagles eran capaces de hacer.  

Neuschwanstein-Battlement (1978)

Esta es una de las gemas del rock progresivo de los 70, un album esencial considerado una obra maestra del genero. Neuschwanstein fueron una banda alemana de rock sinfónico que se formaron a principios de 1971. Sus fundadores fueron los teclistas Thomas Neuroth y Klaus Mayer en Colonia. Ya en 1974 empezarían a cobrar una notoria importancia cuando empezaron a girar con bandas como Novalis o Lucifer´s Friend. Bajo la dirección del productor de los Scorpions Dieter Dierks grabaron el album “Battlement” en 1978 el cual fue lanzado sin ningún contrato discográfico, mientras el sello Musea fue quien se encargaría de distribuirlo a nivel europeo, obteniendo un éxito abrumador. "Battlement" es un álbum bastante conocido entre los fans del progresivo europeo debido a sus sorprendentes similitudes con los primeros Genesis. El cantante Frederic Joos tiene un timbre de voz asombrosamente parecido a la de Peter Gabriel. De hecho, la mayor parte del disco suena como la música que Genesis podría haber lanzado entre 1975-1980 si Gabriel y Steve Hackett se hubieran quedado en la banda. En comparación con los primeros Genesis, las capacidades de instrumentación y grabación de Neuschwanstein eran considerablemente más altas, sin embargo, esta banda alemana sin ser unos meros imitadores, realizo una soberbio trabajo en las composiciones que era tan buenas como los primeros clásicos de Genesis. Los sonidos son profundos y ricos en texturas con una excelente musicalidad y unas grandes habilidades para escribir letras que combinado con una energía algo oscura, una magia especial y con soberbios sonidos de sintetizador, guitarras y los toques exquisitos de flauta, hacen de este album una joya del progresivo europeo .

sábado, 2 de enero de 2021

Keats-Keats (1984)

Keats fue una rama del proyecto de The Alan Parsons Project que lanzaron un album en 1984 y que paso un tanto desapercibido por diferentes motivos. Pongamonos en situación: ese año de 1984 en el seno de The Alan Parsons Project ocurriría un hecho cuanto menos insólito, mientras estos grababan el album "Ammonia Avenue", parte de los músicos que intervenían en dicha grabación formaron una banda paralela y prácticamente al mismo tiempo grabarían dos albumes en los Estudios Abbey Road de Londres. Por un lado el mencionado "Ammonia Avenue", el séptimo album de The Alan Parsons Project y por otro el primer y a la postre único disco de Keats, la banda que habían formado esos músicos.
Estos músicos eran Ian Bairnson, Colin Blunstone, David Patton y Stuart Elliot que junto a las colaboraciones de Pete Bardens y Richard Cottle grabaron un album que incluso produciría el propio Alan Parsons y obtendría la inestimable ayuda de Eric Woolfson, es decir participaron The Alan Parsons Project al completo, pero publicado como Keats. Sin embargo la idea original de crear una banda separada o paralela como queramos llamarlo, fueron del propio Alan Parsons y Eric Woolfson quienes quisieron darle mas protagonismo y un mayor reconocimiento a los miembros habituales de sus grabaciones con el proyecto de Alan Parsons. Incluso el nombre de Keats fue idea de Woolfson quien la tomo del poeta ingles John Keats.
El resultado final de este album como es obvio es sinónimo a The Alan Parsons Project, con una serie de piezas que perfectamente podrían pertenecer a cualquiera de sus albumes. Un disco que tiene un sonido típico de los ochenta con esa atemporalidad que Alan Parsons sabe darle a sus creaciones ademas de una enorme y exquisita calidad.
Temas como "Heaven Knows" con la introducción del saxofonista Richard Cottle y la melódica voz de Blunstone nos transporta a albumes tan magicos como “I Robot" o “Pyramid”, de parecida manera ocurre en temas como "Tragedy" o "How Can You Walk Away", mientras los sonidos AOR en una onda a los Toto mas melódicos están presentes en "Walking On Ice" o "Turn Your Heart Around", en cambio "Night Full Of Voices" es un soberbio medio tiempo muy cercano a "Eye Of The Sky" y en "Hollywood Heart" la voz de Blunstone y la melodía instrumental nos recuerda a temas tan emblemáticos como "Old and Wise".

Wishbone Ash-Number The Brave (1981)

En 1981 Wishbone Ash publicaba su onceavo album en estudio "Number The Brave"  cuya principal novedad fue la incorporación de John Wetton al bajo.
Y pese a que su contribucion se nota en las melodias vocales y en su poderoso bajo, apenas acabada su grabacion abandonaria la banda para incorporarse a la banda Asia junto a Steve Howe, Carl Palmer y Geoff Downes. El resto de la banda estaba formada por Andy Powell (guitarrista y voz principal), Laurie Wisefield ( Guitarra) y Steve Upton (bateria) y los músicos adicionales Claire Hammill en las voces y el percusionista Gasper Lawal. En “Number The Brave” la banda optaría por ofrecer un disco frenético con poderosos riffs de guitarra en donde destacaban la versión de Rare Earth "Get Ready", la melódica "Number The Brave", la ritmica "Where Is The The Love", la acelerada "That´s That" o las meritorias "Rainstorm", "Underground" o "Kicks On The Street". Sin embargo las malas criticas y la poca repercusión comercial termina por la rescisión de su contrato con la MCA. Aun así la discográfica a modo de despedida publicaría ese mismo año el directo "Hot Ash" con un repertorio basado en algunos clásicos de la banda como "Blowin´Free" o "Goodbye Baby Hello Friend", pero son "Way Of The World", "No Easy Road" o "Bad Weather Blues" el atractivo de este album a ser piezas que no solían estar en el set lits de sus directos habituales.

viernes, 1 de enero de 2021

The Cars-Heartbeat City (1984)

The Cars fue una banda estadounidense fundada en Boston que irrumpió en plena fiebre del punk rock británico y la new wave. Fundada por Rick Ocasek junto a Benjamin Orr en 1976 en Ohio. Durante algun tiempo actuaron como duo, trasladando su residencia algunos meses mas tarde a Boston en donde no pararon de actuar en salas y clubs de la capital de Massachussetts. Luego cambiaron su nombre por el de Captain Swing y ampliaron la banda con Ellot Easton como guitarrista, Greg Hawkes teclista y el bateria David Robinson. Ya a finales de 1977 y ya con el nombre definitivo de The Cars, fichan por el sello Elektra quienes les producen su primer album “The Cars”, que tiene un gran impacto tanto de critica como un gran éxito comercial. Ya en 1978 lanzan “Candy O” un album con una portada sugerente de una típica pin-ups de los años cincuenta. Este disco fue producido por Roy Thomas Baker quien venia de producir el disco de Queen "Jazz". En "Candy-O" hay una gran variedad de temas de power pop, arreglos sofisticados y canciones poderosas, destacando "Since I Held You", "Double Life "o " Let's Go ".
“Panorama” (1980) y “Shake It Up” (1981) fueron sus siguientes movimientos discográficos los cuales se mantienen muy por debajo de sus dos primeras obras. Finalmente en 1984 llega su obra cumbre “Hearbeat City” (1984) con el cual logran un éxito sin precedentes en su carrera. Para este album la banda había contratado al productor Robert Mutt Lange, famoso por haber producido algunos de los mejores albumes del hard rock y el heavy metal y un especialista en los sonidos poderosos y enérgicos en un intento de reactivar la carrera del grupo después de dos albumes mediocres.
“Heartbeat City” resultaría un album que combinaba el pop tradicional de las típicas canciones de O´Casek con las guitarras poderosas y afiladas y los enormes sonidos de la bateria de una típica banda del heavy metal. Temas como la poderosa “Hello Again”, la metal pop “Magic” la imponente balada “Drive” o las imprescindibles “You Might Think” y “Heartbeat City” elevaron este album hasta ser considerado una de las mejores obras de la década de los ochenta con un éxito comercial abrumador.

Pink Floyd-The Division Bell (1994)

“The Division Bell” sería el último trabajo de Pink Floyd en estudio y posiblemente el mejor disco de la era post-Waters, con un trabajo de guitarras enormes y muy complejo e intentando emular el estilo de sus albumes de los '70, pero sin los aires de psicodélica y los conceptos de sentimientos opresivos de esa época y mucho menos sus facetas experimentales. Aún así, este es un disco muy atmosférico, con más instrumentación de lo habitual, donde el nombre de Rick Wright se convierte en parte integral de la banda y su figura cobra el protagonismo perdido, que si tuvo en The Wall.
Este seria el décimo cuarto album de la banda y el segundo sin Roger Waters y aqui debemos pararnos y ponernos en antecedentes antes de continuar. Después de “The Final Cut” Roger Waters dio por terminada de manera unilateral la aventura de Pink Floyd en una rueda de prensa multitudinaria, sin embargo los tres restantes componentes no estuvieron de acuerdo y siguieron adelante y algun tiempo después regresaron con el album “A Momentary Lapse Of Reason” (1987), un album dirigido sarcásticamente e implícitamente a Waters. A partir de aquí Waters rompe con la EMI y la CBS (sus discográficas para Europa y los Estados Unidos) y iniciaría acciones legales ante la justicia para que sus ex compañeros no pudieran utilizar el nombre y la marca “Pink Floyd”. Después de casi un año con cruces de declaraciones por ambas partes, Waters cede y se desliga de sus obligaciones contractuales, mientras Gilmour y Mason pueden continuar con la banda y su nombre original. Para cuando se publico este album aun existían fuertes tensiones entre Waters, Gilmour, Mason y Wright por lo que en cierto modo este album gira entre otras historias en ese sentido.
El argumento principal aquí esta enfocado en la comunicación y este es el eje protagonista, pregonando la importancia de comunicarse con los demás, y en una especie de guiño, dirigido especialmente a la imposible comunicación de Roger Waters con los miembros de la banda. Según David Gilmour, y dicho diplomáticamente, el título del álbum hace referencia a la campana utilizada en el Parlamento británico en el momento de los votos para llamar por divididas a las dos facciones parlamentarias. El álbum pone los nombres de esas dos facciones en Waters y los miembros restantes de Pink Floyd.
El concepto gira tristemente (de manera ironica) en un "Roger, debes contactarnos en el momento preciso y debes hacerlo ahora", contradiciendo declaraciones hechas por el ex-líder del grupo, quien siempre manifesto el rechazo de los demas integrantes a llegar a un acuerdo amistoso. En muchos sentidos, el álbum suena como un tributo a Waters y a la guerra dialectica y judicial de proporciones casi bíblicas que este estableció.
Musicalmente el álbum en general fue realmente magnífico, con un sonido apabullante y una producción exquisita como no podía ser de otra manera viniendo de una banda de la magnitud de Pink Floyd, y en donde sobresalen la añeja “Cluster One” con una atmósfera magistral, la jazzistica e inmensa “Wearing the Inside Out”, el blues medio progresivo “Coming Back to Life”, la ritmica “Keep Talking” o la enorme y compleja “High Hopes”.

jueves, 31 de diciembre de 2020

The Electric Prunes-Mass In F Minor (1968)

En el campo de la experimentación, Electric Prunes jugó un papel decisivo en la segunda mitad de la década de los 60. Sus discos llenos de enérgica intensidad sonora, fueron probablemente uno de los preludios del underground o el progresivo, abriendo nuevas líneas musicales a los grupos que más tarde dieron el salto definitivo a los sonidos de vanguardia.
Formada en los Angeles en 1965, dejaron tras de si, una interesante y ambiciosa colección de grandes discos dignos de estudio, como "The Electric Prunes" (1967), su primer disco, que sirvió de base para el siguiente "Underground", su segundo LP, que ya mostraba en su nombre cuáles eran los caminos musicales del grupo.
En este “Underground” (1967) se observó la creciente visión psicodélica y experimental del grupo, que a pesar de todo pasaría desapercibida para el gran público.
"Mass In F Minor" su tercer trabajo es aún más experimental, un álbum conceptual más cercano a una misa de rock que a un álbum de rock convencional, que para hacerlo aún más complicado fue cantado en latín. Este trabajo inédito, incomprendido e inusual casi termina con la desintegración de la banda. Sin embargo, en 1968 se publicaría el álbum "Release Of An Oath", siguiendo el tono del anterior, no tiene mucha repercusión comercial, pero curiosamente quedó inmortalizado en la famosa película "Easy Rider" gracias al tema " Kyrie Eleison".
"Just Old Good Rock and Roll" fue el epitafio de Electric Prunes, que a pesar de volver a los sonidos de sus orígenes fue otro completo desastre comercial.
Años más tarde la banda se reencontraría para algunos conciertos y se publicaron varios recopilatorios y grabaciones en vivo de su época de esplendor, como el magnífico "Stockholm 67" grabado en 1967 durante una gira europea, publicado más de 30 años después, en un histórica grabación considerada uno de los mejores shows en vivo de la era psicodélica.

 

Alfonso XII-Charles Darwin (2012)

Alfonso XII es una banda francesa de rock inclasificable, fundada en 1988 ha lanzado una docena de discos, la mayoría de ellos de carácter conceptual. Durante los 22 años de su existencia, XII Alfonso ha creado un estilo que esta compuesta por multitud de géneros sin que ninguno de ellos sea predominante. Este grupo se ha caracterizado desde el principio por su imaginativo enfoque musical (progresivo sinfónico como una de sus mejores referencias). Su estilo musical es muy variado y ecléctico gracias a la intervención de diferentes músicos y cantantes en cada canción y cada tema, pero sobre todo gracias a una instrumentación complementaria que se desvía de lo habitual. A las guitarras acústicas y eléctricas se le añaden mandolinas, bouzouki e instrumentos vietnamitas como koto o dar bao (laúd de cuerda), instrumentos de Madagascar como vali (cítara-gaita) o kraar Etiopía, balafón, xilófono, arpa de Burkina Faso paja, batería, ptithécophone (mono cráneo) y delfinófono, (huesos de delfín), theremin, E-Bow, palo de lluvias, etc.
Ya bien entrado el siglo 21 y durante dos años, el proyecto musical Alfonso XII
estuvo componiendo, arreglando, grabando y mezclando un nuevo disco. Compuesto por tres albumes de una hora de duración cada uno, dedicados a la vida y obra del biólogo e investigador Charles Darwin, el eterno genio curioso, que amaba la vida en todas sus formas y que intentó, hasta el día de su muerte, descifrar los misterios de la misma. Estos tres discos relatan, en orden cronológico, los hechos más importantes de su vida. Con 22 canciones y 30 piezas instrumentales, XII Alfonso intenta ilustrar su biografía con diferentes notas y estilos, tonos, sonidos, ritmos, atmósferas y palabras. Todos los temas hablan de sus inicios, juventud, hogar, sueños y dudas. Las piezas instrumentales son un intento de reflejar los conceptos más importantes de su pensamiento. En este álbum, colaboraron muchos musicos al margen de la banda como John Helliwell, saxofonista de Supertramp, Maggie Reilly, cantante de Mike Oldfield, Tim Renwick, guitarrista de directos de Pink Floyd, Mickey Simmonds (teclados), Terry Oldfield y John Hackett (flauta), Raphael Ravenscroft (saxo), Robin Boult Fish guitarrista, los musicos de The Alan Parsons Project Ian Bairnson y David Paton, Francis Dunnery, guitarrista de It Bites, Elliott Murphy (voz), Huong Thanh (voz)...entre otros muchos.
Mientras XII Alfonso esta formado por los hermanos Philippe (bajo, guitarras) François Claerhout (teclados), Thierry Moreno (batería) y Stéphane Ducasse (flautas), logrando entre ellos y las colaboraciones, este ambicioso álbum. Para esta compleja obra se utilizaron mas de 70 instrumentos creando con ello una música muy variada y rica en matices, llena de emoción. Su espectro cubre prácticamente todos los géneros con los que se emparentó el rock progresivo. Los puntos de referencia podrían ser Most Autumn, Pink Floyd, Andreas Vollenweider, el progresivo romántico de Camel o losmencionados The Alan Parsons Project más sofisticados en algunas de las canciones vocales. Hay sonidos acústicos y clásicos, solos de guitarra épicos, muchos sintetizadores y teclados, mellotrones, voces masculinas y femeninas e influencias folclóricas, con frecuentes elementos de la world music.

miércoles, 30 de diciembre de 2020

Finch-Glory Of The Inner Force (1975)

Este grupo holandés fundado bajo el núcleo del bajista Peter Vink y el bateria Beer Klaasse basaría su música en un estilo instrumental melódico de progresivo sinfónico con grandes desarrollos orquestales. Establecido como Finch en 1974 a la falta de un cantante que satisfaciera las necesidades de la banda, optaron por seguir un repertorio de música instrumental, para ello reclutaron al guitarrista Joop Van Nimwegen, y al teclista Cleem Determeijer y graban su primer album "Glory Of The Inner Force" en 1975 bajo el sello holandés Negram y distribuido internacionalmente por Atlantic Records. Un album que consta de cuatro extensas piezas, todas ellas de gran complejidad y con una instrumentación enérgica, con un alarde de virtuosismo por parte de su teclista y su arsenal de sintetizadores, órganos hammond y Moogs. El tema de apertura "Register Magister" es una composición muy inspirada con grandes riffs guitarreros de mucha intensidad, mientras "Paradoxical Moods" nos traen a la mente los Pink Floyd mas prog, "Pisces" y "Bridge To Alice" sin llegar a la plenitud de los dos primeros temas mantienen un altísimo nivel que en parte recordaban a los desarrollos de su banda compatriota Focus.

Dream Theater-Images And Words (1992)

Dream Theater es una de las bandas mas prestigiosas del metal progresivo en la actualidad, que fue creada por antiguos estudiantes de la prestigiosa escuela de Berklee en Massachusetts. Ellos eran Mike Portnoy bateria, John Myung bajo y John Petrucci guitarra a los que se les unieron James Labrie vocalista y Jordan Rudess teclados. Con esta formación grabarian su primer album publicado en 1989 "When Dream and Day Unite". Dos años después llegaría este "Images And Words", en el cual ya no aparecería el teclista Jordan Rudess que seria sustituido por Kevin Moore. Este segundo trabajo fue el salto definitivo de la banda a los altares del Hard Progresivo, un disco de asombroso metal complejo, con unos riffs de guitarras agresivos, unos teclados espectaculares y unas estructuras musicales perfectas. Desde la suave y melódica "Another Day" hasta la progresiva "Metropolis" la banda consigue un trabajo extenso con un impresionante despliegue de poderío, melodía, virtuosismo y gran precisión, en los cuales cada integrante de la banda demuestra el por que son la vanguardia del genero del metal progresivo.

martes, 29 de diciembre de 2020

Dixie Dregs-What If (1978)

Bajo la influencias de bandas como Return To Forever o la Mahavishnu Orchestra, Dixie Dregs fue una de las mas interesantes bandas que combinaron el jazz rock con sonidos progresivos y el country con elementos de la música clásica mas vanguardista.
Formados en 1970 en Georgia por el guitarrista Steve Morse y el bajista Andy West, no seria hasta la mitad de esta década cuando publicaron su primer album “The Great Spectacular” (1976) en donde ya demostraban su sabia mezcla de estilos.
“What If” el tercer album, saldría en 1978 y aquí la banda incluso se adentra en terrenos mas duros con acercamientos al hard rock pero conservando su estilo original con rock progresivo y el jazz fusión y influencias de la música tradicional americana.
Para este album ademas de Morse y West, la banda la conformaban Allen Sloan al violin, Rod Morgenstein a la bateria y Mark Parrish a los teclados. Temas como las enormes “Take It Off The Top”, “Ice Cakes” o “Night Meets Light” colocaron a Dixie Dregs a la vanguardia del jazz rock progresivo de finales de los años 70.

Dead Can Dance-The Serpent´s Egg (1988)

Para cuando fue publicado el cuarto album de la banda australiana Dead Can Dance su estilo había evolucionado radicalmente del sonido oscuro y gótico de sus principios hasta un estilo mucho mas ambient con tonalidades étnicas y medievales.
Formados en los albores de los 80 en Melbourne, esta banda estaba formada por básicamente dos músicos como Lisa Gerrard y Brendan Perry los cuales ya habian explorado con diferentes albumes como su debut hononimo, “Spleen And Ideal” (1985) y “Whitin The Realm of a Dying Sun” (1987) los sonidos del post punk tenebroso con un estilo enfocado hacia el rock gótico.
Con “The Serpent´s Egg” (1988) la banda abandona por completo las instrumentaciones clásicas del pop y el rock por las procedentes de otras culturas musicales, mayormente étnicas, pero sin abandonar los sintetizadores y los teclados. Sin embargo a pesar de que también desaparecen los sonidos de vientos, la banda consigue lograr una dimension colosal con este trabajo repleto de dramatismo y en cierta medida la amargura con resonancias tenebrosas como queda plasmado en cortes como la fúnebre “Severance”, la hipnótica “Chant of the Paladin” o la compleja “Ullyses”.

lunes, 28 de diciembre de 2020

Bruce Cockburn-Sunwheel Dance (1973)

Bruce Cockburn es otro gran músico desconocido en Europa que realizaría su larga carrera principalmente en Canada obteniendo una gran reputacion como compositor y cantante en el mundo de los cantautores con diferentes inquietudes musicales.
Nacido en 1945 en Ottawa, desde muy joven asistió a clases de guitarra y piano y se interesaría por el jazz e incluso cuando se gradúo dio una serie de conciertos en Paris.
De vuelta a su Canada natal en 1967 se unió a un grupo llamado The Esquires y mas tarde formaría su primera banda The Flying Circus con los que grabaría algunas canciones que nunca fueron publicadas. Ya en 1967 y 1969 participo en el festival de folk Mariposa y su primer tema “Goung to the Country” tuvo cierta notoriedad en las listas de su país. Por aquella epoca Cockburn mostraba en sus composiciones sus inquietudes religiosas con referencias al cristianismo así como imágenes rurales y metáforas bíblicas. A partir de su segundo album “High Winds, White Sky” su popularidad le llevaría a ser nominado el mejor cantante folk canadiense durante varios años seguidos, algo que conseguiría en 1972 y 1973. Sin embargo a diferencia de otros grandes músicos canadienses como Joni Mitchell y Neil Young, que cruzaron la frontera hacia los Estados Unidos para hacerse famosos, Bruce Cockburn se convirtió en una estrella al permanecer en su tierra natal, aprovechando una ley canadiense que le beneficiaba de los royalties de sus discos transmitidos por las radios de todo el Canada. Así, pudieron difundirse sus canciones que fascinaban al público tanto por su letra como por su música, en un claro paso adelante del folk rock de finales de los sesenta.
En 1973 llegaría la verdadera característica musical del artista con su tercer album "Sunwheel Dance", un trabajo donde logra una sabia fusión entre la música acústica y el rock eléctrico en un trabajo en donde conviven elementos del jazz, el rock y sonidos acústicos definiendo un estilo muy original. Su carrera posterior ha sido bastante prolífica, publicando alrededor de treinta álbumes de los cuales 22 han sido discos de oro o platino en Canadá.

Roy Buchanan-Second Album (1973)

Roy Buchanan es uno de los grandes bluesman blancos de la historia, y como decia una celebre frase emitida en una televisión norteamericana “El mejor guitarrista desconocido del mundo". Nacido en 1939 en Ozark, Arkansas, este guitarrista haría su debut discográfico en 1957 en un disco de Dale Hawkins, algunos años mas tarde se mudaria a Canada donde formaría parte de la banda de Ronnie Hawkins, entre otras bandas hasta finales de los sesenta. Ya en 1971 debuta con el disco auto producido “Buch And The Snakestretchers” al que le seguirá su debut en solitario “Roy Buchanan” (1972). Un año después llegaría “Second Album", el segundo que haría bajo el sello Polydor y con el cual llegaría a conseguir un disco de oro. Utilizando una técnica llamada “picking” Buchanan consigue un sonido desgarrador, solos de guitarra muy brillantes, grandes melodías y unos pirotécnicos sonidos de una gran creatividad.
Temas como la country blues “Filty Teddy”, el blues melancólico “After Hours”, “Five String Blues” otro gran blues, la blues rock “Threat Her Right”, la jazzistica “I Won´t Tell  You No Lies” o la R&B “Tribute To Elmore James” conforman un gran disco de unos de los genios indiscutibles de las seis cuerdas del genero del blues.

domingo, 27 de diciembre de 2020

Asia-Asia (1982)

Entre finales de los setenta y principios de los ochenta bandas punteras del progresivo como Yes o EL&P daban sus últimos coletazos, al menos por unos años, esto llevaría a que varios de sus miembros quedaran a expensas de un futuro si no incierto si de expectación, por lo que el bateria Carl Palmer, el guitarrista Steve Howe y el teclista del ultimo album de Yes Geoff Downes decidieron unir fuerzas junto a otro grande del progresivo como era John Wetton para fundar la super banda Asia. Parte importantísima de esta reunión la tendrían el dueño de la Geffen Record David Geffen y John Kalonder un manager y ejecutivo de la propia compañía, que trabajaron concienzudamente para que esta se llevara a cabo.
En 1982 llegaría el debut de Asia que se convertiría en uno de los discos referentes de la música de los años 80, creando un sonido exuberante y apoteósico de rock progresivo con elementos del rock melódico. Estos cuatro talentosos músicos lograron asombrar al mundo del rock con un trabajo repleto de sonidos épicos de teclados, de punzantes riffs de guitarras, una poderosa sección rítmica con una bateria portentosa y la voz melódica de Wetton. Desde la monumental “Heat Of The Moment” hasta la deliciosa “One Step Closer” mostraba el sonido grandilocuente de este formidable album, el resto de temas son todos ellos tan adictivos como portentosos, como las tremendas “Only Time Will Tell” o “Soul Survivor”, la energica “Wildest Dreams”, la epica “Without You” o la progresiva “Here Comes The Feeling”. Esta monumental obra obtuvo grandes criticas y un enorme éxito a nivel mundial y lograría unas ventas superiores a los 10 millones de copias.

Commander Cody And His Planet Airmon-Lost In The Ozone (1971)

Commander Cody And His Planet Airmon fueron una banda de country y folk con múltiples influencias entre las que estaban el rock and roll, R&B, el boogie y el bluegrass y que durante los años 70 publicaron gran parte de su discográfia. Formados en 1967 por el vocalista y teclista George Frayne en Michigan, durante todos esos años la banda sufriría innumerables cambios de formación, siendo Frayne junto a vocalista Billy C. Farlow y Bill Kirchen guitarrista, el núcleo principal de la banda.
En 1971 llegaría su primer album “Lost In The Ozone”, el cual es el que mejor resume el estilo de esta banda y a la postre se convertiría en su mejor obra. Combinando versiones con temas propios es un delicioso album de country, folk y rock´n´roll donde destacan la espléndida “20 Flight Rock” de Eddie Cochran y “Family Bible" de Willie Nelson, ademas de canciones de calidad firmados por la banda como la western “Back To Tennessee” o la melódica country “Seeds and Stems Again Blues”. Sin embargo seria la versión de Charlie Ryan “Hot Rod Lincoln” el hit de este album, un tema que es un homenaje sobre las carreras de coches y se había convertido en un éxito tremendamente popular a principios de los 60.