This Oneness-Surprize (1975)

This Oneness son otra de esas miles de bandas de breve recorrido que solo lanzaron un oscuro y desconocido álbum de estimable art rock. Su historia es tan sencilla y "simple" como que fueron “básicamente” la banda de acompañamiento de la cantante Olvia Newton John en una gira por tierras norteamericanas a mediados de los setenta. Al finalizar dicha gira todos los músicos implicados decidieron probar fortuna componiendo y grabando el álbum "Surprize", un disco en el cual hay multitud de influencias que van desde el jazz rock hasta el rock progresivo, pasando por las melodías más accesibles del rock americano. La formación de The Oneness estaba compuesta por Dale Strength (Voz y guitarras), Robyn Lee (teclados y voces), Bernard Pershey (Batería), Douglas Nelson (bajo) y Greg Inhofer (teclados y guitarras). En su único registro muestran un eclético estilo que se mueven entre piezas complejas y espaciales "You Ca´t Do That/Surprize", hasta atractivas melodías accesibles "Please Let The Sunshine", pasando por trepidantes jazz rock de la vieja escuela Canterbury "In Out In Out" o progresivas jazz rock como "Surprize (Reprise/Go In Peace".

The Mahavishnu Orchestra-Between Nothingness & Eternity (1973)

"Between Nothingness & Eternity" fue el único álbum en directo lanzado de manera oficial por la Mahavishnu Orchestra, y publicado en medio de unas tensas relaciones entre el seno de la banda, un hecho que precipitaría que John McLaughlin la reformara poco después del lanzamiento de este disco en vivo. Compuesto por tres extensas piezas inéditas en los álbumes de estudio, fue grabado durante el verano de 1973 en el Central Park de Nueva York y en el participa la primera formación de la Mahavishnu, compuesta por John Mclaughlin (guitarra), Jan Hammer (sintetizadores y teclados), Billy Cobham (batería), Rick Laird (bajo), Jerry Goodman (violin) y Sri Chinmoy (voces). Repleto de sonidos intensos de jazz fusión/rock, muestra el asombroso dominio instrumental de todos y cada uno de los músicos de la banda, desde el virtuosismo con las seis cuerdas de McLaughlin, hasta la soberbia desenvoltura de Cobham con las baquetas, las intensas notas del sintetizador Moog de Hammer y el tremendo talento de Jerry Goodman con el violín eléctrico. Un directo que comienza con la trepidante "Trilogy Medley", una pieza en donde la química instrumental entre todos los músicos demuestran que están a un nivel superior dentro del jazz rock de aquellos años, a esta la sigue "Sister Andrea", la cual mantiene un estilo similar pero bajando una marcha el ritmo frenético de la anterior pieza, derivándose hacia jazz rock progresivo. El final queda reservado para "Dream", un tour de force de mas de veinte minutos divididos entre unos sonidos ambientales y atmosféricos iniciales y una ardiente jam session de su parte final. Como decíamos al principio este fue el ultimo registro oficial de la banda original, un hecho que no cogería por sorpresa a nadie debido al talento y al ego individual de cada uno de ellos, por lo que un año mas tarde la Mahavishnu regresaría con una formación totalmente diferente a excepción de su líder John McLaughlin.

Canterbury Sound

La escuela británica del rock progresivo de Canterbury fue uno de los movimientos más significativos en la historia de la música rock, la cual nació a principios de los 60 cuando Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Richard Sinclair y otros músicos formaron los Wilde Flowers. Wyatt, Ayers, Hopper y sus nuevos amigos Daevid Allen y Mike Ratledge formaron posteriormente Soft Machine, mientras que Sinclair y los demás formarían Caravan.
Soft Machine, se convertiría en una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como “Volume Two” (1969), que estaba inspirado por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido), pero después de haber perdido a Allen y a Ayers, se reinventaron hacia una interpretación particular del jazz-rock de Miles Davis en “Three” (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz rock de los 70. Teclados minimalistas a lo Terry Riley y metales de jazz realzan tres de las cuatro sesiones (particularmente, “Facelift” de Hopper). La restante, “The Moon In June”, es el primer logro monumental de Wyatt, mezclando una melodía delicada, una atmósfera melancólica y una profunda humanidad. “The Moon In June”, permanecerá en el canon esencial de la música mucho después de que la música rock haya desaparecido. Una alineación vastamente revisada, altamente influenciada por los ensambles de jazz de Ian Carr y Keith Tippett, que en octubre de 1969 agregó una sección de metales de cuatro piezas con un notable trabajo de Elton Dean, continuaron el experimento en un tono frío, cerebral, austero, por ejemplo con la suite de cuatro movimientos “Virtually” del álbum “Fourth” (1971), o con el futurista disco “Six” (1972).
Los otros co-fundadores de la escuela de Canterbury, fueron Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como “Can't Be Long Now”, del álbum “If I Could Do It All Over Again” (1969), o “Nine Feet Underground” (su obra maestra), que abarca medio álbum de “In The Land Of Grey And Pink” (1971), e incluso con temas como “Nothing At All” y “The Love In Your Eye”, del “Waterloo Lily” (1972).
Nucleus de Ian Carr, fueron uno de los grupos más hábiles en la época y protagonistas de la escena británica de jazz-rock por muchos años. La soñadora y romántica “Song For The Bearded Lady”, del álbum “We'll Talk About It Later” (1970), es una buena muestra de ello, el sonido "orquestal" y electrónico de “Torso”, que abarca la mitad de “Solar Plexus” (1971), la síntesis elegante, barroca de su álbum más impecable, “Belladonna” (1972), que se basaba en arreglos de metales y teclados, así como en ritmos que eran resbalosos y sólidos a la vez.
Keith Tippett, quien había ensamblado un formidable grupo de talentos, entregó trabajos tales como “Dedicated To You But You Weren't Listening” (1971) y el colosal “Septober Energy” (1971), ejecutado por la orquesta de 50 miembros, o “Centipede”, que era más apropiadamente jazz.
Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como “La Symphony No.2”, del álbum “Egg” (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock “Long Piece No.3” de su “The Polite Force” (1971), y las últimas sesiones en “The Civil Surface” (1974), tales como “Germ Patrol” y “Enneagram”, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aún desconocidos.
Como hemos visto muchas de las obras maestras de Canterbury fueron grabadas a principios de los 70 por miembros originales de Soft Machine. Daevid Allen era uno de ellos y estaba solo vagamente relacionado a las principales direcciones estilísticas de la escuela: Allen era, antes que nada, un hippie/raro que mezclaba la estética paradójica de Frank Zappa y la cultura comunal de San Francisco. Fundo la banda Gong, con el guitarrista Steve Hillage, el saxofonista Didier Malherbe y el teclista Tim Blake, y preparó una versión "cósmica" del acid-rock. Sus obras maestras, las cuales incluyen por lo menos “Camembert Electrique” (1971), el grandioso “Flying Teapot” (1973) y “Angel's Egg” (1973), son collages demenciales de melodías infantiles, trompetas de circo, ritmos de jazz, teclados galácticos, lamentos sensuales/celestiales, mantras sardónicos, electrónica burlona e himnos de caricatura. Todo el conjunto exuda una sensación de cacofonía estática. Esta es una psicodelia que alucina pero no está cataléptica. “Flying Teapot” (1973), en particular, permanece como uno de los vuelos más salvajes de la imaginación de la música rock.
Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. “Joy Of A Toy” (1969), es una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseía, le llevo a su trabajo álbum más excéntrico, “Shooting At The Moon” (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos dividida en cuatro partes “The Confessions of Doctor Dream” (1974) fue su trabajo más ambicioso y una completa pesadilla.

Robert Wyatt  expandió en las intuiciones de su “The Moon In June”, en su primer álbum como solista, “The End Of An Ear” (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, “Matching Mole” (1972) y “Little Red Record” (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en “Rock Bottom” (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue “Animals Film” (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un batería dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia.
“1984” (1973) por Hugh Hopper y Elton Dean de “Elton Dean” (1971) también figuraron entre los trabajos más originales y eruditos del rock progresivo de la Gran Bretaña. Sobre todo, los alumnos de Soft Machine constituían un buen trozo del canon del rock progresivo en la Gran Bretaña.
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, “Hatfield And The North” (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componían su album “National Health” (1978) y en su obra maestra “Of Queues And Cures” (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó “Tubular Bells” (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por “Hergest Ridge” (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que “Ommadawn” (1975) e “Incantations” (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con “Moonlight Shadow” en 1982.

Sin embargo, la segunda generación de Canterbury estaba mejor representada por Henry Cow, fundadores del movimiento político y musical "Rock In Opposition". Con virtuosos tales como el guitarrista Fred Frith, el bajista John Greaves, el percusionista Chris Cutler, el teclista Tim Hodgkinson, y, más adelante, el tocador de oboe Lindsay Cooper, aumentaron el cociente de la inteligencia del rock progresivo. “Leg End” (1973), inspirado por el jazz-rock de Soft Machine y las suites orquestales de Frank Zappa pero también por el free-jazz y por la vanguardia disonante (“Nine Funerals Of The Citizen King”), fue simplemente el aperitivo para “Unrest” (1974) para sus sesiones/suites cerebrales, enrolladas, arduas pero también extravagantes, maravillosas y surrealistas. Los Henry Cow habían fundado un equilibrio mágico entre la composición y la improvisación. En su siguiente paso dieron buena muestra de ello con “Desperate Straights” (1974), el primer fruto de la fusión con el grupo multinacional Slapp Happy, con el teclista británico Anthony Moore, el vocalista alemán Dagmar Krause y el guitarrista estadounidense Peter Blegvad, del cual “Acnalbasac Noom” (1973) había sido un experimento intrigante de cabaret expresionista y música rock. Su segundo, y mejor, álbum en conjunto, “In Praise Of Learning” (1975), fue su testamento artístico: la rústica fusión de los primeros años había mutado en una forma de arte austera y erudita. Ese día fue explorada más adelante por Frith, Cutler y Krause como los Art Bears en sus cantos abstractos de “Hopes And Fears” (1978) y “Winter Songs” (1979).
Otros trabajos notables por músicos del sonido Canterbury incluyen al álbum “L” (1976) de Steve Hillage, quien tendería un puente entre la cultura hippy y la cultura rave en “System 7” (1991), y “New Jerusalem” de Tim Blake (1978).

Cannonball Adderley-Cannonball Adderley Sextet: Planet Earth (1969)

Cannonball Adderley fue uno de los grandes saxofonistas de la historia del jazz, un músico que tenia una peculiar e innata cualidad para comunicar su música de manera masiva y convertirla en muy popular entre el publico en general. Con una carrera consolidada tras de si, a mediados de los 50 se traslado a Nueva York desde su Florida natal, allí pronto causaría una gran sensación y terminaría en la banda de Miles Davis. A finales de esa década publicaría algunas de sus obras cumbres como "Somethin´ Else" junto a Miles Davis, Hank Jones y Art Blakey. Durante la década de los sesenta su estilo conmovedor de hard bop destacaría grabando para los sellos Riverside y Capitol, álbumes de prestigio como "Know What I Mean" junto a Bill Evans o "Accent On Africa". Con la Capitol sus álbumes se orientaron hacia los sonidos más mainstream y comerciales como quedo demostrado en su tremendo éxito "Mercy, Mercy, Mercy" de 1966. Casi a finales de los sesenta, la desaparecida discográfica Riverside lanzaría el directo "Cannonball Adderley Sextet; Planet Earth", en donde contaba con las destacables colaboraciones de Joe Zawinul, Louis Hayes, Nat Adderley, Yusef Lateef y Sam Jones. Un álbum técnicamente impecable con una serie de composiciones de jazz moderno como la soul "Seventh Son", ejecuciones exóticas "Brother John" o intrigantes hard bop "Syn-Anthesia", reflejando con todas ellas un estilo vanguardista de claras influencias orientales.

Aunt Mary-Janus (1973)

Aunt Mary fue una de las agrupaciones más interesantes surgidas en Noruega durante los años 70. Con un estilo que combinaban diferentes influencias que van desde la psicodélica hasta el pop rock, con retazos de blues y los sonidos mas vanguardistas del proto progresivo. Su formación estaba compuesta por Bjoern Christiansen (guitarra y voz), Per Ivar Fure (flauta, harmónica, saxo y órgano), Jan Leonard Groth (teclados, guitarras y voces), Svein Gundersen (bajo) y Kjetil Stensvik (batería). Después de conseguir un contrato con la Polydor, lanzaron su álbum debut a mediados de 1970, un trabajo bastante más accesible que sus siguientes esfuerzos discográficos, con una menos presencia de los teclados en favor de los instrumentos de viento y cuerda. Varios años mas tarde llegaría el segundo registro "Loaded", en donde se orientan hacia los terrenos mas duros del rock, sin abandonar por completo los sonidos progresivos. Sin embargo seria su tercer lanzamiento "Janus", cuando lograrían su obra definitiva, un solidó trabajo en el cual muestran las virtudes talentosas de esta formación. La bulliciosa "Path of Your Dreams", y la animada prog "For all Eternity" son junto a las beatle "All We´ve to do is dream" y "Mr.Kaye" los cortes mas accesibles, mientras que la vena progresiva esta presente en la improvisada bluesy "Stumblin´ Stone" o en las sinfónicas progresivas "Candles Of Heaven" y "What A Lovely Day", dando finalizado así un destacado álbum progresivo realizado por esta fugaz e interesante banda Noruega.