Santana-Marathon (1979)

Después del éxito comercial que supuso el anterior "Inner Secrets", Carlos Santana volvería a reformar su banda dando entrada al vocalista Alex Ligertwood, sustituyendo a Greg Walker, mientras que Alan Pasqua sustituiría al teclista Chris Rhyne. El resto seguía formada por la misma alineación compuesta por Carlos Santana (guitarra y voces), Chris Solberg (guitarra rítmica), David Margen (bajo), Graham Lear (batería), Armando Peraza (percusión) y Raul Rekow (percusión). Siguiendo la estela del rock convencional y melódico de "Inner Secrets", Santana lanzaría su siguiente movimiento discográfico con su décimo álbum "Marathon", en el que sobresale la enorme instrumental de ensueño "Aqua Marine", seguidas por las adictivas AOR "Lightning in the Sky", “Stand Up” y “You Know That I Love You” o la breve instrumental que da titulo al álbum. Las sensuales "Summer Lady" y "Stay (Beside Me)" o la potente rock "All I Ever Wanted", también aportan una gran calidad al resultado final del álbum, un álbum en donde Carlos Santana vuelve a mostrar un soberbio trabajo de guitarra en cuanto a sonido y la atmósfera creativa que solo este guitarrista sabe imprimir en todas sus canciones.

Hot Flash-First Attack! They´ll Never Take Us Alive (1977)

Otra de las formaciones de un visto y no visto fueron los bostonianos Hot Flash, los cuales solo lanzaron un álbum casi a finales de los sesenta, en pleno nacimiento de la fiebre del movimiento del AOR y del rock melódico y progresivo con álbumes como el impresionante debut de Boston, el "Bat Out Of Hell" de Meat Loaf o el "Point of Know Return" de Kansas entre otros muchos mas. Su único registro titulado "They´ll Never Take Us Alive", fue lanzado de manera limitada de unos pocos cientos de ejemplares, algo por lo cual hoy en día es uno de esos Lp´s muy cotizados entre los aficionados al rock americano de los setenta. Su formación estaba compuesta por los teclistas Joe Prima y Thom Stolar, el guitarrista Frederic Schwenk, el baterista Steve Balsavage y el bajista John Ferrara. Una de las grandes cualidades de esta formación es que prácticamente todos los integrantes eran vocalistas solistas, un dato que ampliaba la paleta musical del grupo. Grandes líneas melódicas muy cercanas al art rock con acercamientos progresivos están presentes en un brillante repertorio compuesto por destacadas canciones como "King Kool", "Take Me", "Is Anybody Out There", "Uriah", "Star Warped" o "Diamond Wings".

Bob Dylan-Desire (1976)

En 1975 Bob Dylan se había embarcado en una larguísima gira por los Estados Unidos, denominada “Rolling Thunder Revue” y que tuvo como novedad, actuar junto a una serie de músicos como Roger McGuinn, Joan Baez, Mick Ronson o T-Bone Burnett, además de los músicos de su propia banda.
Esta extensa gira se dividió en dos etapas, la primera durante los últimos meses de 1975 por el noroeste de Estados Unidos y Canadá, y la segunda casi a mediados de 1976 por la costa oeste norteamericana.
Justo antes de comenzar dicha gira Bob Dylan grabaría su decimoséptimo álbum “Desire”, que fue lanzando cuando la primera parte de la gira había concluido. En este nuevo álbum, Bob Dylan cede gran parte de su protagonismo en favor de algunos de sus colaboradores en la autoría de las composiciones, la mayor parte escritas por Jacques Levy junto al propio Dylan, o en el plano instrumental con una destacada participación de la violinista Scarlet Rivera o la relevancia de Emmylou Harris como corista.
Un álbum repleto de canciones con una historia real, como la celebre “Hurricane” sobre el famoso boxeador Rubin Carter, el cual fue acusado injustamente de triple asesinato, o “Joey” en donde se narra la leyenda del mafioso Crazy Joey Gallo.
Pese a cierta controversia por la inclusión de estos dos temas sobre estos polémicos personajes, el álbum fue aclamado con uno de sus mejores trabajos, en donde además se encontraban la preciosista balada “Isis”, la conmovedora “Oh Sister”, la melódica “Mozambique” y la compungida “Oh Sister”.
Contra todo pronostico el disco se encaramaría hasta la primera posición en las listas del Billboard, logrando varios discos de platino por sus enormes ventas, convirtiéndose al mismo tiempo en uno de sus trabajos mas emblemáticos.

Clover-Clover (1970)

Clover fue una banda norteamericana de country rock que tuvieron una respetable carrera que duraría once años (1967-1978), y que saltaron a la fama a finales de su periplo musical por ser la banda de apoyo de Elvis Costello en su álbum "My Aim Is True" (1977). En sus inicios esta banda originaria de Mill Valley en California, se movieron en el circuito psicodélico de San Francisco de finales de los sesenta, compartiendo el prospero folk y country rock de aquella época con sus coetáneas The Byrds, Creedence Clearwater Revival, The Flying Burrito Brothers o Crosby Stills and Nash. Su formación estaba compuesta por Alex Call (voz y guitarra), John McFee (guitarra y pedal steel), John Ciambotti (bajo) y Mitch Howie (batería). En 1970 y bajo el sello Fantasy Records grabaron su primer larga duración, el cual contiene un rico y variado repertorio de excelentes cortes que navegan entre el country puro, el rock y el blues. Entre todas ellas destacan la versión de Junior Walker & The All Star, "Shotgun", interpretada aquí con cierto sabor funk sureño. La country bluesy "Southbound Train" pone la nota distintiva al sabor polvoriento del álbum, por un sendero parecido a esta última, aparecen las estupendas country rock "Stealin", "Going To The Country" y "No Vacancy". Después de un segundo álbum aparecido un año mas tarde "Fourty Niner", Clover se trasladarían al Reino Unido donde acometieron diferentes cambios de formación con la entrada del baterista Micky Shine y el cantante Huey Louis. Después de otro estupendo trabajo producido por Robert "Mutt" Lange, titulado "Unavailable" (1977), colaborarían con Elvis Costello y girarían por toda Inglaterra abriendo conciertos para Thin Lizzy, Graham Parker o Lynyrd Skynyrd. Algún tiempo mas tarde y ya con el fin definitivo de Clover, algunos de sus miembros pasaron a engrosar otras legendarias formaciones como Huey Lewis and The News, (fundada por Huey Louis), Southern Pacific o The Doobie Brothers.

David Lee Roth-Eat´Em and Smile (1986)

Una vez abandonaría los Van Halen, el cantante David Lee Roth se aventuraba a publicar su primer álbum en solitario, en el cual contaría con un impresionante elenco de colaboradores, empezando por el guitarrista Steve Vai además del baterista Gregg Bissonette, el bajista Billy Sheehan y los teclistas Jeff Bova y Jesse Harms. En este debut el cantante se deja llevar por su clara influencia de su banda madre pero sin llegar a su enorme creatividad. Compuesto por una serie de canciones en las cuales sobresalen la técnica y el talento de los tres músicos de apoyo como demuestran "Shyboy", "Yankee Rose", "Ladies Nite in Buffalo" o "Going´Crazy". Pese a la incuestionable calidad del álbum, este “Eat 'Em and Smile” parece mas una clara muestra del virtuosismo de sus musicos y una poca solidez creativa, musicalmente hablando, todo lo cual seria reconducido en el siguiente "Skyscraper", un disco mas asentado y coherente que este meritorio pero poco consistente debut. 

Be-Bop Deluxe-Sunburst Finish (1976)

Be-Bop Deluxe fue una de esas bandas inclasificables que navegaron entre los sonidos del glam rock, el art rock, la new wave y el vanguardismo de los setenta, con mensajes sarcásticos e irónicos en las letras de sus canciones. Su núcleo principal giraba alrededor del guitarrista Bill Nelson, el cual fue el único miembro permanente de la formación. Sus dos primeros álbumes estuvieron orientados hacia el estilo glam rock  "Axe Victim" (1974) y el art rock del siguiente "Futurama" (1975). En ambos discos, destaca el enorme trabajo de la guitarra solista de Nelson, además de las interpretaciones instrumentales complejas, con ritmos melódicos y accesibles. En 1976 llegaría el tercer álbum, este "Sunburst Finish", el cual supuso la cúspide creativa de Be-Bop Deluxe y de Nelson, creando un álbum mas orientado hacia el pop rock de excelente factura. Temas emparentados con los sonidos de la nueva ola de la época como "Fair Exchange", la desenfadada “Ships in the Night", la adictiva medio tiempo "Crying to the Sky", la dinámica "Sleep That Burns", la sombría "Life in the Air Age” o la rock "Blazing Apostles", conforman el mejor trabajo de esta icónica banda británica.

Asia-Alpha (1983)

Un año después del extraordinario debut, el supergrupo Asia lanzaba su segundo larga duración titulado "Alpha", compuesto casi en su totalidad por unas composiciones algo mas cortas y que a diferencia de su predecesor, en donde combinaban los elementos del rock progresivo con atractivas melodías de soft rock, aqui se centran en el lado mas comercial y accesible al gran publico mostrando un rock melódico muy cercano al AOR. Este seria el segundo con la formación clásica formada por John Wetton, bajo y voz, Steve Howe, guitarras y voz, Geoff Downes, teclados y voz y Carl Palmer, batería y habria que esperar veinticinco años para ver un nuevo trabajo realizado por esta misma alineación ("Phoenix" 2008). Con un tono mas corporativista y comercial, la banda afronto un álbum que en parte seria lastrado por el enorme éxito de su debut pese a contener una interesante amalgama de excelentes canciones como las pegadizas "Don´t Cry", "The Smile Has Left Your Eyes", "The Heat Goes On", "Eye To Eye", "Midnight Sun" o "True Colors", mientras que el único resquicio a los sonidos del pasado progresivo se encuentra en la brillante "Open Your Eyes". 

Accept-Balls To The Wall (1983)

Formada a mediados de los 70, no sería hasta 1983 cuando Accept fuera aceptada como una de las mayores bandas referentes del heavy metal europeo y mundial gracias a su enorme disco "Balls to the Wall". Anteriormente Accept habían tenido que editar cuatro discos para darse a conocer internacionalmente fuera de Alemania, aunque es cierto que ya con su anterior trabajo "Restless And Wild" (1982), su popularidad empezó a ser reconocida, aunque que todavía tímidamente fuera de las fronteras germanas.
Con "Balls To The Wall", la banda queda definitivamente confirmada y con este disco se convierte en su logro más exitoso.
Aquí se permitieron un repertorio de grandes canciones donde destacan las melodías sin restar contundencia a su música.
El tema "Balls To The Wall" se convierte en un himno generacional del heavy metal, además de los pegadizos "London Leatherboys", o los viscerales "Love Child" y "Losers And winners" que componían un disco espectacular, elevándolos al podio del heavy metal europeo.

Flower Travellin´Band-Make Up (1973)

"Make Up" fue el cuarto álbum de los japoneses Flower Travellin´Band, un doble Lp que fue grabado por exigencias contractuales de la banda con el sello Atlantic Records. Sin embargo para cuando entraron en los estudios de grabación, la banda liderada por el percusionista Akira Yamanaka no tenían el material suficiente para completar las cuatro caras del doble disco, por lo que finalmente algunos de los cortes incluidos aquí son canciones recogidas en directo y otras tomas que habían sido desechadas para sus álbumes anteriores. Este popurrí de material incluido, le otorga al álbum cierta incoherencia pese a  contener momentos memorables de gran hard rock psicodélico y space rock. Empezando por los vigorosos ejercicios impulsores de pesado rock conducidos por el órgano Hammond de Nobuyuki Shinohara y la lisérgica y visceral guitarra de Hideki Ishima. Por esa senda se mueven "All The Days", "Make Up" o "Slowly But Surely", pistas que contrastan con las pausadas "Shadows Of Lost Days", "After the Concert" y "Broken Strings". Pero es la epopeya "Hiroshima" grabada en vivo, la que mejor muestra el aplastante hard rock de Flower Travellin´Band durante veinticinco caóticos y viscerales minutos, en donde incluso hay tiempo para un contundente solo de batería cargo de los percusionistas Akira Yamanaka y Joji Wada.

The Oscar Peterson Trio-Night Train (1963)

El canadiense Oscar Peterson es uno de los mitos de la música moderna, el lograría llevar el jazz como casi nadie lo hizo, a un publico mayoritario gracias a su enorme habilidad para resumir musicalmente un estilo que solo estaba destinado para un publico selecto y reducido. Nacido en Montreal en 1925, con solo cinco años ya era un talentoso niño tocando el piano y la trompeta. Gracias a sus estudios de música clásica, el joven Oscar mostraría un enorme interés por el swing, el be bop y los sonidos del boogie woogie. Influenciado por el gran Art Tatum, a finales de los cuarenta ya era afamado músico gracias a una impresionante técnica y sus improvisaciones con el piano. Por aquellos años ya publicaría bajo sellos como Victor Records sus primeras grabaciones, además de colaborar con mitos del jazz como Louis Armstrong, Stan Getz, Joe Pass, Count Basie o Ella Fitzgerald entre otros muchos mas. Durante la década de los cincuenta, sus tríos eran de las formaciones mas solicitadas y famosas en el mundo del jazz y seria precisamente la compuesta junto a Ray Brown (bajo) y Thigpen (batería), con la que grabaría uno de los registros mas emblemáticos del jazz moderno como es el álbum "Night Train" publicado en 1963 bajo el sello Verve. En esta grabación se exhibe la fascinante manera de tocar de Peterson, que en la cúspide de su carrera muestra un pianista absolutamente magistral. Piezas como la bebop "Bag´s Groove", la pausada "Night Train", la rítmica "C-Jam Blues", la sentida "I Got It Bad (and That Ain´t Good" o la bluesy "Band Call", reflejan las excelencias de Oscar Peterson Trio en un álbum considerado una de las obras maestras del jazz de todos los tiempos.  

Suzanne Vega-Solitude Standing (1987)

Siguiendo la estela de las grandes cantautores como Joni Mitchell, Carly Simon y Carole King, Suzanne Vega demostró con su primer disco lanzado en 1985, que la generación de cantantes de los 80 estaban casi a su misma altura con un estilo sencillo, cautivador y con letras que no se podían ignorar por lo transcendental de sus textos.
Para su segundo álbum publicado en 1987 "Solitude Standing", compuso el tremendo éxito "Luka", una canción que contiene un coro irresistible, asimilable e inolvidable.
En esta destacada canción Suzanne canta en primera persona una historia de violencia doméstica que no puede ser ignorada por el oyente, una canción que primero gusta y luego causa dolor, y todo esto con una naturalidad asombrosa.
Sin embargo, no es la única canción que destaca de este magnífico disco, "Tom's Dinner" es una canción a Capella que deja huella, haciendo que la cantante haga fácil lo difícil, precisamente en una década donde lo normal era todo lo contrario.
"Solitude Standing" es una de esas joyas del "pop de autor" de la última parte del siglo 20, que destaca por estar llena de sentimientos y sinceridad muy ajenos a la pomposidad del pop que en esos años reinaba en el mundo de la música.

Asia-Aura (2001)

Cinco años después de su sexto álbum en estudio ("Arena" 1996), Asia reaparecían lanzando "Aura" en el año 2001, un trabajo en el cual muestran su faceta mas melódica alejados ya casi totalmente de los sonidos progresivos que aparecían aquí y allá en todas sus obras anteriores. Para esta nueva entrega el dúo compuesto por John Payne (bajo, guitarras y voz) y Geoff Downes (teclados), cuentan con una gran cantidad de músicos de apoyo que ayudaron a elaborar este álbum, entre los que destacan Steve Howe, Tony Levin, Simon Phillips, Chris Slade, Pat Thrall, Ian Crichton, Vinnie Colaiuta o Elliott Randall entre otros mas. Además de todo ello, el ex componente de 10CC Graham Gouldman colaboraría en la composición de algunas de las pistas aquí incluidas. Repleto de atractivas atmósferas melódicas, sobresalen edificantes piezas de soft rock como "Awake", "Ready to go Home", "Wherever You Are", "Forgive Me", "Kings of the Day" o "The Last Time", en donde el trabajo de los guitarristas Howe, Thrall y Randall, la evocadora voz de Payne y los estribillos vocales, mas los grandilocuentes y sinfónicos teclados de Downes, las conducen por los senderos de un rock sofisticado de alto octanaje muy atractivo. Por otro lado la jazz rock "Free" y la instrumental "Aura", ponen la guinda progresiva a este magnifico trabajo de una de las bandas mas icónicas del rock melódico.

Hiro Yanagida-Milk Time (1970)

Este es uno de los germinales y a la vez mas glorificados álbumes del rock psicodélico japonés. Creado por el teclista Hiro Yanagida, todo un mítico personaje de la cultura hippie y lisérgica nipona. Con la colaboración del guitarrista Kimio Mizutani, el percusionista Hiro Tsunoda, el violinista eléctrico Hiroki Tamaki, el bajista Keiju Ishikawa y el flautista Nozomi Nakatani, confeccionaron un álbum repleto de crudos pasajes de guitarras, órgano y una enérgica batería. El rock lisérgico y repleto de acidez se ven contrastados con el apoyo de una flauta pausada que pone sosiego y lucidez al desenfreno con sus maravillosos interludios. Este estilo psicodélico también evoca al free jazz, a los ritmos funky e incluso al krautrock alemán. En definitiva un brutal disco de improvisaciones de rock pesado y contundente con influencias jazzisticas y vanguardistas.

White Chocolate-White Chocolate (1973)

White Chocolate fue una banda de hard rock melódico que durante algunos años fueron una de las sensaciones de la costa Este norteamericana. Esta banda se había formado a principios de los 70 por el guitarrista y voz Charlie Karp, el baterista Jimmy Maher y el bajista David Hull. Sus brillantes actuaciones en los circuitos locales llamaría la atención de los cazatalentos y de esta manera el sello RCA les terminaron contratando y les financiaron un álbum que hoy en día esta considerado todo un clásico de culto entre los aficionados al hard rock norteamericano. Lanzado en el año 1973, y producido por Bruce Somerfeld, contaría además con la colaboración de diferentes músicos de estudio como Andre Lewis (teclados), una sección de vientos compuesta por Jerry Mirlaini, Jerry Marant y Gene Hull, además del vocalista Maxayn Lewis. Desde sonidos boogie soul "Getting Ready to Rock´n´Roll", hasta ejercicios de hard psicodélico "Midnight Flight", pasando por enérgicas southern rock "I´m Crying" y "Looking For Love", hard rock "Make It Easy", funk rock "Let´s Get Funked", rock mainstream "Sad Eyes" o irresistibles ritmos blues "Outcast", conforman un atractivo album del mejor hard rock norteamericano.

Scorpions-Animal Magnetism (1980)

Con "Aminal Magnetism", Scorpions estrenaban la década de los ochenta con su séptimo registro, un disco que pese a contener retazos del oscuro y pesado hard rock de los 70, ya muestran algunas atmósferas del sonido típico del heavy metal de su nueva etapa. Las sistemáticas armonías guitarristicas de Rudolf Schenker y Matthias Jabs, son acompañadas por las sublimes melodías vocales de Klaus Meine y de la trepidante sección rítmica compuesta por el portentoso batería Herman Rareball y el bajista Francis Buchholz. Trepidantes piezas como la heavy metal "Don´t Make No Promises", conducen al álbum por senderos tremendamente pesados y melodicos; "The Zoo", "Only a Man", "Animal Magnetism", "Hold Me Tight" o "Make it Real", en las cuales aun les cuesta despojarse de su lado hard rock, por otro lado el sentido melódico sigue presente con formidables composiciones como la atmosférica "Lady Starlight". Con este trabajo la banda germana supo combinar perfectamente el sonido inquietante del hard rock, sus habituales melodías y la potencia del metal, algo que supieron reconocer sus fans, logrando un meritorio disco de platino en el mercado norteamericano.

Slade-Sladest (1973)

Slade es quizás la banda de Glam Rock más grande de la historia, expertos en hacer grandes himnos de rock, ideales para cantar en los campos de fútbol británicos de los  años 70, lograron colocar 13 sencillos en el Top 10 entre 1971 y 1975.
Sus inicios se remontan a finales de la década de 1960, cuando Chas Chandler, ex bajista de The Animals, descubriría al grupo en uno de los bajos garitos de Londres donde actuaba el grupo habitualmente, que en ese momento se llamaban Ambrose Slade.
La banda luego de fichar por el sello Polydor, publica sus dos primeros discos "Beginnings" (69) y "Play it Loud" (70) con los que logran ingresar a las listas de exitos con las canciones "Coz I luv You" y "Mama Weer All Crazee Now”.
Poco a poco, la banda se va haciendo un nombre en el mercado británico con un estilo de rock agresivo y visceral, pero con grandes dosis de humor y canciones pegadizas.
"Slayed?" publicado en 1972, los consagra definitivamente, logrando alcanzar el número uno gracias a temas como "Skweeze Me", "Pleeze Me" o "Merry Xmas Everybody".
Un año después, el recopilatorio "Sladest" y el single "Cum on Feel the Noize", los situaron de nuevo en las primeras posiciones de las listas británicas.
En los tres años sucesivos editaron otros discos que lograron colarse en los primeros puestos como "Slade in Flame" (74), perdiendo paulatinamente el interés del público en fervor por otros estilos más de moda a mediados de la década.
Años más tarde, las nuevas generaciones de grupos de heavy metal rescataron el potencial de Slade, versionando sus canciones como Quiet Riot con su disco "Metal Health" (83) y el tema "Cum On feel the noize", que los catapultará al primer lugar en Billboard con unas ventas que superaron los cinco millones de copias y de paso iniciando la fiebre “Sladesmania” en Gran Bretaña con un revival de los álbumes de Slade y la vuelta a la popularidad de esta mítica e inolvidable banda.

IQ-Ever (1993)

Una vez acabada la gira promocional del álbum "Are You Sitting Comfortably?", los británicos IQ reformarían la banda con las salidas del bajista Tim Easu y del vocalista Paul Menel, sustituidos por John Jowitt y Peter Nicholls respectivamente. Con estos nuevos miembros IQ lograron reafirmar su status neo progresivo, volviendo a sus raíces con el quinto registro "Ever" lanzado en 1993. En esta nueva entrega, los ambientes sombríos y los extensos pasajes instrumentales, con claros guiños a los Genesis más teatrales y barrocos y bajo ese embrujo, mostraron a una banda con un sonido mas moderno y actualizado. En “Eve” muestran un excelente repertorio de piezas intensas e hipnóticas como queda demostrado en la entusiasta "The Darkest Hour", la siniestra "Fading Sense", la animada "Out of Nowhere", o las progresivas "Further Away" y  "Leap of Faith". Este seria sin duda el paso definitivo para que IQ se afianzaran definitivamente como una de las grandes formaciones del genero neo progresivo.

Atmospheres-Voyage To Uranus (1974)

Afamado músico de sesión, el saxofonista, entre otros instrumentos de viento, Clive Stevens, lidero durante un corto periodo de tiempo, una de las mas destacadas bandas del jazz rock como fueron Atmospheres, un proyecto de corto recorrido que contaría entre sus filas una serie de reputados instrumentistas como el teclista Ralph Towner, los guitarristas John Abercrombie y Steve Khan, el baterista Billy Cobham y el bajista Rick Laird. En 1974, Stevens lograría reunificar en un estudio parte de la Mahavishnu Orchestra (Cobham y Laird), Oregon (Ralph Towner) y a dos de los mejores guitarras del jazz rock de la época (Abercrombie y Khan), para grabar el primer trabajo de este proyecto, el cual sin llegar a revolucionar el mundo del jazz, es todo un gran reflejo del eclecticismo de un genero que por entonces tenia un mundo aún por experimentar un poco mas de lo que ya había hecho. Casi un año mas tarde llegaría el segundo trabajo de este efímero proyecto en el cual ya no se encontraban ni Billy Cobham ni Rick Laird, sustituidos aquí por Stu Woods (bajo) y Michael Thabo Calvin (batería). En esta segunda entrega a diferencia de la tónica de jazz fusión del álbum debut, Stevens se centra en un jazz rock más dinámico y progresivo. Contundentes progresiones rock como "Shifting Phase", "Inner Spaces and Outer Places" o "Voyage To Uranus", están emparentadas con el habitual estilo de las coetáneas Return to Forever o Mahavishnu Orchestra. Estas contrastan con la pausada y atmosférica "Un Jour Dans Le Monde" o la free jazz "Electric Impulse from the Heart", mientras que "Water Rhythms", es el momento mas complejo y vanguardista de este magnifico álbum.

Wes Montgomery-Full House (1962)

Este mítico álbum en directo recoge la actuación de Wes Montgomery en el "Tsubo Jazz Club" de la ciudad californiana de Berkeley Hills, el 25 de junio de 1962. Montgomery para la ocasión estaba acompañado por un impresionante cuarteto  compuesto por el pianista Wynton Kelly, el contrabajista Paul Chambers, el saxofonista Johnny Griffin y el baterista Jimmy Cobb. Ese año era un momento crucial para la carrera de Montgomery, una época en la cual ya estaba considerado uno de los grandes músicos del jazz contemporáneo, y en la que lanzaría una serie de icónicos trabajos para el sello Riverside como los antológicos "The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery", "So Much Guitar!", "Fusion!" o "Guitar on the Go". Ese momento de esplendor esta claramente reflejado en este "Full House", donde con un set list de brillantes piezas como "Come Rain Or Come Shine", "I´ve Grown Accustomed to Her Face", "Blue´n´Boogie" o "Cariba", mostraban no solo el enorme talento con las seis cuerdas de Montgomery, si no también su sutil estilo jazzistico, sus edificantes composiciones y sus excelentes interpretaciones en vivo.

Al Di Meola-Electric Rendezvous (1982)

El quinto album de Al Di Meola refleja en su acertado titulo y en su magnifica portada, lo que contiene entre sus surcos de manera palpable. De alguna manera el guitarrista norteamericano en esta entrega, quiso volver a sus orígenes realizando un trabajo que en cierta medida se acerca a su época culminante ("Land of the Midnight Sun" y "Elegant Gypsy"), presentando una serie de esfuerzos de jazz rock con la estimable ayuda de Jan Hammer, Paco de Lucia, Mingo Lewis, Steve Gadd y Anthony Jackson. Esta sólida y compacta formación llevaría a realizar un perfecto lienzo musical combinando los calidos sonidos latinos "Ritmo de la Noche", con los mágicos sonidos de "Jewel Inside a Dream", ardientes jazz rock con aires blues "Black Cat Shuffle", vigorosos jazz fusión "Electric Rendezvous", densos intercambios guitarristicos con influencias flamencas entre Lucia y Meola en "Grace, Passion and Fire", intensos jazz funk con predominio de la percusión en la trepidante "God-Bird-Change", o piezas de jazz rock marca de la casa con "Cruisin".

Pavlov´s Dog-Pampered Menial (1975)

Considerada una banda de culto, Pavlov's Dog fue fundada a principios de los 70 en St. Louis en los Estados Unidos y tocaban un rock progresivo puro que combinaba  elementos de folk y hard rock.
Su debut fue el impresionante "Pampered Menial" en 1975, que es también sin duda su mejor trabajo, y que mostraba el talento de la banda liderada por el guitarrista Steve Scorfina, que junto al cantante David Surkamp, el baterista Mike Safron, el bajista Rick Stockton, los tecladistas David Hamilton y Doug Rayburn, y el violinista Siegfried Carver conformaban la banda.
En este primer álbum la banda combinó a la perfección bellas composiciones con el enorme talento de todos sus componentes. Con un inicio contundente con el tema "Julia" donde lo acústico y lo sinfónico se mezclan de manera sublime, la banda va mostrando sus diversos sonidos como "Late November" donde muestran más dureza con grandes riffs de guitarra, o la apoteósica y rítmica "Song Dance” que nos lleva a "Fast Gun", "Natchez Trace" y "Theme from Subway Sue", donde podemos comprobar los sonidos eclécticos del grupo, para terminar con el instrumental "Preludin" y el progresivo "Of Once and Future Kings", que se convierte en el colofón de uno de los grandes discos progresivos de los 70, tan digno y grandioso como las obras maestras del género de la época.

Horizont-Summer In Town (1986)

El solo hecho que las influencias occidentales fueran el germen para que una banda soviética llamada Horizont pudiera crear un lienzo musical como ellos hicieron, ya no solo es admirable sino también inverosímil. Recordemos que antes de la caída del muro de Berlín, la actual Rusia era la Unión Soviética, un país de férreo comunismo prácticamente hermético, que negaba casi cualquier cosa que viniera de fuera de sus fronteras. Más allá de estas consideraciónes políticas y cronológicas, el primer trabajo de esta formación fundada a mediados de los setenta, es una de las más fascinantes obras realizadas por un grupo tras el telón de acero. Fundada en la antigua ciudad de Gorky (hoy en día Nizhni Nóvgorod), estaba constituida por cinco músicos con estudios académicos, un dato que sin duda contribuye a las evidentes influencias de la música clásica de las composiciones que están incluidas en su primer álbum lanzado en 1986. Ellos eran Andrey Krivilev (voz y teclados), Vladimir Lutoshkin (guitarras y flauta), Sergei Kornilov (teclados), Alexey Eremenko (bajo) y Valentin Sinitsyn (batería). Un claro ejemplo de lo anteriormente dicho esta en la grandilocuente "Snowballs", casi diez minutos de majestuosos sonidos de órgano, piano, y sintetizadores de cuerda, bajo una coherente y firme sección rítmica. Ecos a grupos del rock sinfónico británico como Génesis o ELP, van y vienen, convirtiéndola en una excelente composición, que aunque sin llegar a aportar nada original, si muestra la faceta virtuosa y el ingenio de esta banda. Por otro lado aparece la hipnótica "Chacone" que envuelta en un aura de melancolía y oscuridad emana grandes ráfagas melódicas, mientras que la suite final compuesta por la epopeya que da titulo al álbum, es un corte mucho mas ecléctico, donde se dan cabida desde secciones sinfónicas, jazz y pasajes atmosféricos muy cercanos al space rock.

Brian Auger´s Oblivion Express-Closer To It! (1973)

Si con el álbum "Second Wind", Brian Auger junto a sus As Oblivion Express, se desviaría hacia derroteros mas jazzisticos, en el siguiente "Closer to It!", esa propuesta fue aún mas acusada, entrando de lleno en el jazz rock con fusiones latinas. Para este grabación el vocalista Alex Ligertwood, el guitarrista Jim Mullen y el baterista Robbie McIntosh serian sustituidos por Jack Mills (guitarra)y Godfrey MacLean (batería), mientras que repetirían Lennox Laington (congas), Barry Dean (bajo) y por supuesto el propio Brian Auger (órgano y teclados). Los sonidos del jazz fusión latino están presentes en la inicial "Whenever You´re Ready", la cual marca los argumentos musicales del resto del disco. Por una senda parecida discurren las irresistibles "Hapiness is Just Around the Bend" y "Light on the Path", mientras que la mas sofisticada y progresiva "Compared to What “, la mas previsible "Voices of Other Times” y la antológica versión de Marvin Gaye "Inner City Blues", conforman uno de los mayores y mejores aportes al jazz rock progresivo de Brain Auger. 

Chuck Mangione-Feels So Good (1977)

Chuck Mangione tardó 17 años en tener finalmente un gran éxito y el reconocimiento internacional, y fue gracias a su álbum de 1977 "Feels So Good".
Mangione había comenzado su carrera artística en 1960 lanzando álbum tras álbum con un total de ocho, todos los cuales parecían estar, a pesar de su indudable calidad, estancados en la parte inferior de las listas con poco impacto comercial.
Su carrera hasta esos momentos había sido bastante prolífica con diversas colaboraciones como los Jazz Brothers, junto a su hermano Gaspare, en distintas orquestas de jazz como Art Blakey's Jazz Messenger e incluso grabó un ambicioso proyecto con la Rochester Philharmonic Orchestra, donde quería expresar sus ideas de fusionar jazz y rock y que incluía el corte "The Hill Where The Lord Hides" con el que llamaría la atención de los aficionados al genero del jazz rock.
Cuando salió "Feels So Good", se produjo una locura colectiva hacia la música de Mangione, llegando incluso a liderar las listas de música pop y negra, algo inusual de un disco proveniente del mundo del jazz.
Pero lo más inusual fue que ganaría el premio Grammy en tres categorías diferentes; pop, jazz y rhythm and blues.
Tras este "Feels So Good", Mangione editó otros discos de gran repercusión como "Fun And Games" y la banda sonora "Los Hijos de Sánchez", ambos a finales de los setenta.

Paul Brett´s Sage-Schizophrenia (1972)

Con una carrera larga y brillantísima, Paul Brett es un afamado guitarrista que ha trabajado como músico de sesión con algunos de los grandes de la música experimental y el folk rock británico como Roy Harper, Al Stewart, Strawbs o Arthur Brown. A comienzos de la década de los setenta, Paul Brett formaría su propia banda Sage, con la cual lanzaría tres álbumes entre 1970 y 1972. Para ello reclutaría, al bajista Dick Dufall, al teclista Rob Eberhard Young, al baterista Bob Voice y al guitarrista Stuart Cowell. Mientras que sus dos primeros lanzamientos fueron una clara apuesta por los sonidos  del folk rock progresivo, con ciertos elementos de jazz y blues, en 1972 con su tercer álbum, Brett orientaría su estilo hacia el rock más convencional. En este "Schizophrenia", las melodías contagian la mayoría de los cortes del álbum como "Tale Of A Rainy Night" y "Autumn", piezas psicodélicas "Custom Angel Man" y "Slow Down Ma" o acercamientos al vanguardismo progresivo con "Take Me Back sand I Will Leave You".

Darryl Way´s Wolf-Night Music (1974)

Una vez desintegrada Curved Air, uno de sus lideres, el violinista Darryl Way formaría una nueva a la que denominaría Darryl Way´s Wolf, la cual seguiría el mismo estilo musical que la anterior. Para su creación Way reclutaría al baterista Ian Mosley, al cantante Colin Hodkinson, al guitarra John Etheridge y al bajista Dek Messecar. Con esta formación lanzaron tres álbumes enfocados al rock progresivo con fuertes influencias clásicas y jazzisticas. "Night Music" lanzado en 1974 seria el tercer y ultimo trabajo de la banda, en el cual consiguen un trabajo equilibrado instrumentalmente como queda demostrado en la vertiginosa "The Envoy", la pausada "Black September", la hard rock "Flat 2-55", o en la jazz progresiva "We´re Watching You". En este registro todos los músicos muestran sus excelencias instrumentales, pero son sin embargo las ardientes guitarras de Etheridge, la poderosa batería de Mosley y el inconmensurable talento de Way con el violín, lo más destacado de un excelente álbum del jazz rock progresivo británico.

Mushroom-Early One Morning (1973)

Mushroom fueron una banda irlandesa de folk rock que tuvieron su momento de gloria casi a mediados de los 70 con su álbum "Early One Morning", un disco que comercialmente lograría un top cinco en las listas y mas de cien mil álbumes vendidos en el Reino Unido. Formados alrededor del núcleo de instrumentistas Pat Collins (violín) y Aengus McNally (guitarra), quien junto al teclista Michael Power, el baterista Colm Lynch y el bajista Alan Brown, basaron su estilo en las melodías celtas tradicionales fusionadas con el rock y la psicodélica vanguardista. Sin llegar las excelencias de otras bandas coetáneas del folk rock como Steeleye Span o Horslips, Mushroom lograron un gran prestigio como una de las formaciones abanderas del rock celta del periodo comprendido entre 1970 y 1974. Temas puramente enmarcados en el folk tradicional adornados de música rock como "The Liathdan", “Potters Wheel”, “Devil Among The Tailors” y “Drowsey Maggie”, contrastan con composiciones más complejas como "Johnny The Jumper" o "King of Alba". Sin embargo y tristemente, mientras que Horslips o Steeleye Span lograron el reconocimiento internacional y una larga y estable carrera discográfica, Mushroom fueron victimas de su efímero éxito, un éxito que terminaría devorándolos hasta el punto de desaparecer algún tiempo después del lanzamiento de este magnifico "Early One Morning".

Midnight Sun-Midnight Sun (1971)

De procedencia danesa, Midnight Sun establecieron su estilo cargado de psicodélica y jazz en una serie de álbumes influenciados por el sonido Canterbury en los primeros años de la década de los 70. Bajo una bucólica portada de Roger Dean, en 1971 publicaron su segundo disco, este "Midnight Sun", en el cual participan Allan Mortensen (voz), Peer Frost (guitarra), Niels Brønsted (teclados), Bent Niesselmann (instrumentos de viento), Bo Stief (bajo) y Carsten Smedegaard (batería). Tomando como referencia el jazz rock de los británicos Caravan, esta formación danesa mostró su talento ofreciendo un trabajo bastante atractivo, con buenos riffs de guitarras, la vacilante voz de Mortensen y un marco instrumental de tonos alegres y psicodélicos. La psicodélica jazz rock "Living On The Hill" es el punto álgido de un entramado en donde también hay cabida para composiciones de arreglos suntuosos "Where You Going To Be", o voluminosos rock como "Nobody". Este fue sin duda su trabajo de mayor creatividad, sus posteriores "Walking Circles" (1972) y "Midnight Dream" (1974), ambos bajo las surrealistas portadas de Roger Dean, no alcanzaron las excelencias de este hábil e inteligentemente ensamblado "Midnight Sun".

Pat Metheny Group-Still Life (Talking) (1987)

"Last Train Home" es lo más destacado del disco “Still Life (Talking)" publicado en 1987 y sin duda la pieza que elevó a Metheny a la música mainstream, que saltó del disco a las sintonías de televisión y radio convirtiéndolo en un éxito en medio mundo.
Todo el mundo esbozó un gesto de reconocimiento cuando el ritmo del metrónomo de los pinceles de Paul Wertico comienza a sonar momentos antes de que la guitarra-sitar de Metheny comience a tocar una melodía inolvidable. A partir de ahí, todo es mágico y la banda se combina impecablemente desde los elegantes teclados de un Lyle Mays en estado de gracia. Una obra maestra sin paliativos que se convertiría en un clásico instantáneo.
Sin embargo, nadie duda de sus enormes trabajos anteriores, algunos de ellos pura antología del jazz fusión como “American Garage”, “As Falls Wichita, So Falls Wichita Fall”, “Travels” o “First Circle” entre otros álbumes imprescindibles, pero que sin embargo son menos accesibles para los no iniciados en el jazz.
Sería con este fantástico álbum cuando Metheny recibiría el reconocimiento del gran público más allá del ámbito de los circuitos del jazz.

Iron Maiden-Killers (1981)

El segundo lanzamiento de Iron Maiden supuso la confirmación de una banda que ya empezaba a ser tremendamente popular entre los fans del heavy metal alrededor del mundo. Con una producción más elaborada que su predecesor, sin embargo pierde la espontaneidad y la frescura del debut a cambio de unas composiciones mas sobrias y logradas, y una mayor complejidad instrumental, algo que se vería refrendado aun mas en los sucesivos lanzamientos. Esa complejidad esta presente en las vertiginosas "Purgatory", "Wrathchild" y "Twilight Zone", en la reflexiva "Murders In The Rue Morgue", en las intensas y emocionantes "Innocent Exile" y "Genghis Khan" o en la melódica "Prodigal Son". "Killers" se convertiría en todo un clásico de Iron Maiden y del heavy metal en general, además de que comercialmente cosecharía un triunfo aplastante al lograr numerosos discos de oro y platino alrededor del mundo por sus millonarias ventas.

Steamhammer-Speech (1972)

Cuarto álbum y ultimo de los legendarios Steamhammer, una formación que a finales de 1969 se integraron dentro del fértil movimiento del blues rock británico. Mientras que el debut fue un claro modelo del mejor blues de aquellos años, sus siguientes lanzamientos se enfocaron hacia un terreno más jazzisticos con elementos de rock progresivo. En 1972 esta formación compuesta por el guitarrista y voz Martin Pugh, el bajista Louis Cennamo y el baterista Mickey Bradley, que junto con las colaboraciones de los componentes de Renaissance, Keith y Jane Relf y el cantante Garth Watt-Roy grabaron el cuarto y ultimo registro de Steamhammer. En esta cuarta entrega titulada “Speech”, la banda se decantaría por un estilo mas cercano al hard rock siniestro como queda demostrado en la aterradora suite "Penumbra", un corte que deja en pañales a todas las bandas de black metal de los ochenta y noventa. En una onda parecida llegan el blues rock vertiginoso "Telegram" y la extravagante "For Against", la cual incluye un largo y hasta cierto punto tedioso solo de batería. Pese al sonido pesado y enojado de hard rock, este trabajo se convirtió en su propuesta más progresiva con unas canciones enmarañadas y de una instrumentación compleja y dificultosa.

IQ-Are You Sitting Comfortably ? (1989)

Tras dos de las obras magnas del neo progresivo, "Tales from the Lush Attic" (1983) y "The Wake" (1985), la banda británica IQ, abordaría los sonidos mas accesibles del pop sofisticado publicando el tercer álbum "Nomzamo" (1989) y el continuista estilísticamente hablando, "Are You Sitting Comfortably" de varios años mas tarde. Sin embargo a pesar de contener un sonido más pop, también es cierto que aún las dimensiones progresivas siguen estando presentes en la estructura musical final del disco. Un álbum que muestra la sensacional voz de Paul Menel, el cual esta inconmensurable con ese estilo vocal oscuro y lúgubre, en un set list compuesto por canciones con dinamismo, equilibrio y tremendamente pegadizo. Igualmente el trabajo del guitarrista Mike Holmes vuelve a mostrar esa delicadez acústica con sus brillantes arpegios. Por otro lado siguen siendo los teclados de Martin Orford los impulsores con sus futuristas y progresivas notas en donde sobresalen el instrumental "Nostalgia", la oscura "Falling Apart at the Seams", la hipnótica "Nothing at all" o las siniestras "Drive On" y "Sold on You". Después de este cuarto lanzamiento, el cantante Paul Menel abandonaría la nave, dejando tras de si una brillante obra, que sin embargo fue altamente discutida por sus fans mas ortodoxos. Cuatro años mas tarde IQ volverían a la senda vanguardista lanzando el excelente "Ever", con el cual para la alegría de su amplia masa de fans, recondujeron su camino discográfico.

Blackwater Park-Dirt Box (1972)

Otra de las bandas alemanas que sucumbieron muy pronto en el mundo del rock fueron Blackwater Park, que pese a publicar un notable álbum de hard rock progresivo, lamentablemente no tuvieron el beneplácito comercial ni mediático en su época. Fundada en Berlín casi a finales de 1971, su formación original estaba comprendida por los guitarristas y voz, Richard Routledge y Michael Fechner, el baterista Norbert Kagelmann y el bajista Andreas Scholz. Gracias al sello germano BASF, grabaron su único registro en 1972, este "Dirt Box", en el cual muestran sus preferencias musicales orientadas hacia el hard rock, en donde los crudos riffs de las guitarras incisivas, un esporádico órgano Hammond y un trasfondo progresivo con tintes psicodélicos, impulsan bajo un marco melódico y pegadizo una serie de meritorias canciones. Ese vanguardismo progresivo y psicodélico esta presente en "Rock Song", mientras que las pesadas "Roundabout", la psicodélica "One´s Life", la bluesy "Indian Summer" o la melódica rock "Mental Block", conforman un muy buen trabajo que pasaría totalmente desapercibido hasta muchos años después, cuando la banda sueca de metal progresivo Opeth, les rescataría del olvido titulando su quinto álbum en su honor "Blackwater Park" (2001).

Lindisfarne-Back And Fourth (1978)

Lindisfarne es una de las grandes bandas de folk rock británico que en 1971 lograron con su segundo álbum "Fog On The Tyne" colocarlo en el ranking como disco más vendido en el Reino Unido.
Formado originalmente en 1968 por el vocalista y guitarra Alan Hull, el vocalista Ray Jackson, armónica y mandolina, Simon Cowe, teclados, guitarra y mandolina, Rod Clements bajo y Ray Laidlaw a la batería.
Con un estilo que resaltaba la sensibilidad y las suaves melodías del folk británico sacaron algunos de los mejores discos del género durante los 70.
En 1978 editan su sexto disco "Back And Fourth", con el que conseguirían volver a sus raíces perdidas en sus dos discos anteriores y realizar un precioso trabajo donde destaca la hermosa "Run For Home", una de las mejores baladas británicas de todos los tiempos, o la alegre "Juke Box Gypsy", el country folk "Warm Feeling", el pop folk "Woman", el folk blues "Kings Cross Blues" el rock "Get Wise" o el folk rítmico "You And Yo".

Gwendal-Gwendal (1974)

Gwendal son una legendaria banda francesa que fusiono sabiamente las influencias celtas y bretonas con el jazz y los elementos del rock. Su creador seria el saxofonista y flautista Youenn Le Barre, quien a lo largo de muchos años fue junto al bajista Roger Schaub y al guitarrista Jean-Marie Renard, los principales integrantes permanentes de esta banda gala. En 1974 saldría a la venta su primer disco, "Gwendal", en donde los ritmos y las influencias folclóricas de Irlanda y la música medieval eran notorios. En este primer lanzamiento instrumentos como el violín o la flauta son los principales impulsores de un estilo netamente tradicional. Sin embargo para entonces otros artistas como The Horslips, Alan Stivell, Gryphon o Clannad, ya habían experimentado esa ecléctica fusión entre lo tradicional y el vanguardismo, publicando algunos fundamentales trabajos que eclosionarían en el mundo de la música moderna. Pese a contener un filosofía musical aún por definir, en este debut muestran interesantes aportes creativos como la rítmica "An Dro-Nevez", la reflexiva "Planxty-Birke", la interesante "Patrick´s Day" o la minimalista "Deu Tu Ganene". A partir del tercer álbum, "Á Vos Désirs" (1977), incorporaron al baterista Arnaud Rogers, un instrumento que ampliaría la paleta de colores musicales de Gwendal, dando un aporte más profundo y jazzistico a su rico y peculiar estilo.

Magnum-On A Storyteller´s Night (1985)

Con una portada que refleja perfectamente la música que contiene, el quinto álbum de los británicos Mágnum. “On A Storyteller´s Night”, se convirtió en una de sus mejores obras, reflejando perfectamente su adictivo estilo que combinan la épica, el rock melódico y las estructuras progresivas de manera brillante. Repleto de grandes pasajes de teclados, cortesía de Mark Stanway, las poderosas guitarras hard rock de Tony Clarke y de la impresionante voz de su cantante Bob Catley. Desde la enérgica "Just Like An Arrow", hasta la melódica "The Last Dance", pasando por la contagiosa "Endless Love", la AOR "Two Hearts" o la épica y gloriosa "Haw Far Jerusalem", Magnum mostraba su gran diversidad musical facturando desde álbumes semi progresivos "Chase The Dragon" o "Wings Of Heaven", hasta claras concesiones al rock melódico de alta calidad como "The Eleventh Hour", "Vigilante" y "Goodnight L.A."

The Box Tops-The Best Of (1976)

Procedentes de Memphis, The Box Tops, fueron uno de los grandes protagonistas de los sesenta con hits mundialmente famosos como “The Letter” y “Cry Like a Baby”.
Formados en la primera mitad de los sesenta por Alex Chilton, Gary Talley, John Evans, Bill Cunningham y Danny Smythe, tuvieron en su primer single publicado, el éxito masivo en USA y el Reino Unido, “The Letter” (1967), que se coloco en lo más alto de las listas de éxito, donde se mantuvo durante cuatro semanas y vendió mas de cuatro millones de copias, recibiendo dos nominaciones para los premios Grammy.
Tras este éxito monumental, el productor comienza a utilizar músicos de estudios para acompañar a Chilton, el integrante del grupo con verdadero talento, con esta decisión los guitarristas de la banda deciden abandonarla. Ambos son sustituidos por dos nuevos y después de grabar los temas “Neon Rainbow” y ”Everything I`am”, el álbum pasa sin pena ni gloria.
Un año después en 1968 vuelven a las listas de éxitos con “Cry Like A Baby” y ”The Door You Closed To Me”, que se colocarían en las listas pop en el segundo lugar y venden mas de un millón de copias.
Después de un par de temas de poca resonancia como “Choo Choo Train”, ”Fields Of Clover”, “I Met Her In Church” o ”People Gonna Talk”, Chilton se siente insatisfecho con los resultados y decide grabar sus propias composiciones y algún tiempo mas tarde y después de un cuarto LP y otros temas con poca relevancia, el grupo deja de existir en 1970, sin embargo en 1971 la compañía publicará canciones que habían quedado grabadas pero no habían salido al mercado oficialmente.
Después de la disolución de la banda, Alex Chilton pasaría a formar parte del grupo Big Star, una de las bandas mas destacadas dentro del power-pop rock underground de los 70.

Earth, Wind & Fire-" The Best of Earth, Wind & Fire, Vol1" (1978)

Earth Wind & Fire consiguió convertir cualquier canción que compusieran en un auténtico himno para toda una generación, ya fuera funk, rock, soul, disco o R&B, además de ser una de las bandas más exitosas de todos los tiempos con cerca de los 100 millones de discos vendidos y habiendo sido nominados diecisiete veces a los premio Grammy, obteniendo seis de ellos y un sinfín de reconocimientos más.
En 1978, con sólo siete álbumes publicados, se lanzó el recopilatorio "The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1", que obtendría un éxito arrollador con más de 6 millones de copias vendidas, gracias a una impresionante colección de grandes canciones como "Got to Get You Into My Life", "Fantasy", "Love Music", "Getaway", "September" o "Sing a Song".
La banda continuará publicando trabajos hasta 2014, cosechando éxito tras éxito como los álbumes millonarios "I Am" (1979), "Faces" (1980), "Raise!" (1981) o "The Essential" (2002).

Mezquita-Recuerdos de mi Tierra (1979)

Bajo el embrujo de la mezcolanza de las culturas árabes y castellanas, surgiría una de las más formidables bandas del rock progresivo español. Nacida unos años antes de que España se liberara de un régimen autoritario que de alguna manera restringía las expresiones artísticas de los grupos españoles, Mezquita se fundo en la emblemática ciudad de Córdoba, un lugar mágico en donde los árabes tenían un impresionante bastión islámico en medio del gran imperio español. Una banda que estaba compuesta por José Rafael García (guitarra), Randy López (bajo), Rosca López (teclados) y Rafael Zorrilla (batería). No seria hasta finales de la década de los 70 cuando Mezquita publicaron su primer larga duración "Recuerdos de mi Tierra", en donde muestran su amplio patrimonio cultural reflejado en una música repleta de virtuosismo instrumental con fascinantes guitarras flamencas y españolas, ardorosos sonidos de Mellotrón, y una base melódica tradicional folclórica, todo ello bajo un estilo que fusiona el jazz rock, el flamenco, y las habituales exigencias del rock progresivo.

Barclay James Harvest-Live Tapes (1978)

"Live Tapes" es el segundo álbum en directo de Barclay James Harvest, el cual fue lanzado cuatro años después del primero lanzado en 1974 "Live". En este doble álbum es el teclista Wolly Wolstenholme quien con un arsenal de teclados entre los que se encuentran el organo Hammond C3, el Mellotron, o los sintetizadores Arp Pro y Minimoogs , el protagonista absoluto logrando crear unas grandes atmósferas melódicas y unos impecables sonidos armónicos, que junto a la voces emocionantes, las apasionadas guitarras de John Lees, y los apoteosicos e intensos pasajes instrumentales, son lo mas destacado de este directo. Con un repertorio que tiene mucho mas vigor y poderío que sus homónimas de estudio, aquí aparecen piezas tan icónicas en la carrera del grupo como la emocionante "Suicide", la suntuosa "Mockinbird", la atmosférica "Child Of The Universe", la conmovedora "For No One", o las atractivas "Hymn", "Rock´n´Roll Star" o "Hard Hearted Woman".

Brenda Russell-Get Here (1988)

Conocida por su ecléctico estilo, Brenda Russell siempre se mantuvo entre los géneros del soft pop, el soul y el jazz.
Además de una gran cantante y teclista, Brenda Russell es también una gran compositora, que aparte de componer sus propias canciones también ha trabajado para otros grandes como Joni Mitchell, Stevie Wonder o Aretha Franklin entre otros muchos artistas de renombre internacional.
Se inició musicalmente con el dúo Brian and Brenda, publicando varios trabajos para el sello de Elton John, Rocket a mediados de la década de los 70
Después de publicar media docena de álbumes en solitario sin demasiado éxito, en 1988 publicó el que a la postre sería su mejor trabajo, "Get Here", el cual contenía el éxito y nominado a varios Grammy, "Piano in the dark".
"Piano in the dark", es una soberbia canción jazz con fuertes influencias pop y se convirtió en una de las mejores y mas recordadas de la década de los ochenta.

Steeleye Span-All Around My Hat (1975)

"All Around My Hat" supuso la perfecta síntesis del estilo germinal de Steeleye Span, mezclando su folk con el rock mas accesible y comercial, sustituyendo de manera sutil su habitual fusión entre folk artístico y el folk tradicional de sus anteriores obras, principalmente de sus predecesores "Now We Are Six" (1974) y "Commoners Crown" (1975). Para este nuevo álbum, curiosamente lanzado meses después del anterior "Commoners Crown", la formación liderada por el dúo Maddy Prior y Tim Hart (voz y guitarras respectivamente), expande sus horizontes musicales hacia los terrenos del rock con influencias folk, destacando los poderosos riffs de la guitarra eléctrica de Bob Johnson. Con un repertorio cargado de atrayentes canciones como "All Around My Hat", "Gamble Gold", "Hard Times Of Old England", "Sun Waves" o "Dance With Me", con este álbum, el octavo cronológicamente del Steeleye Span, obtendrian su mayor logro comercial, consiguiendo un disco de oro en las listas británicas y unas ventas considerables fuera del Reino Unido.

Boomerang-Boomerang (1971)

De las cenizas de los míticos Vanilla Fudge surgieron varias bandas; Cactus y Boomerang, la primera de ellas liderada por el baterista Carmine Appice y el bajista Tim Bogert, mientras que el teclista Mark Stein seria el núcleo principal de la segunda. Para formar Boomerang, Stein reclutaría varios músicos desconocidos, empezando por el guitarrista Richard Rameriz, el bajista Jo Casmir y el baterista James Galluzi. Su único lanzamiento es el homónimo "Boomerang", un aceptable trabajo de hard rock pesado que bebía de las fuentes sonoras de otras formaciones coetáneas como los propios Vanilla Fudge, Led Zeppelin o Steppenwolf, pero con uno claro trasfondo psicodélico. Los pesados riffs de la guitarra de Rameriz, el denso órgano de Stein y el ritmo polvoriento cercano al southern rock es el denominador común de un disco que a pesar de contener un meritorio repertorio fracasaría estrepitosamente lastrado por el éxito de sus ex-compañeros de Cactus. Temas contundentes de hard rock como "Cynthia Fever", "The Peddler" o "Juke", la country rock "Hard Time", la boogie bluesy "Mockinbird", la atractiva southern rock "Fisherman" o la melódica balada "Brother´s Comin´Home", tienen el crédito suficiente para que este lanzamiento hubiera tenido un mayor reconocimiento mediático y comercial.

 

Badger-One Live Badger (1973)

Badger fue una efímera banda fundada por uno de los fundadores de Yes, Tony Kaye, quien lanzó dos álbumes a principios de la década de 1970.
La historia nos dice que Tony Kaye fue despedido de Yes poco después de la primera gira norteamericana de la banda en 1970. Las diferencias con el resto del grupo habían aumentado con la entrada de Steve Howe. El relevo, como todos saben, fue Rick Wakeman.
Luego de su aventura con Peter Banks en "Flash", Tony Kaye forma Badger junto con el bajista y vocalista David Foster quien había coincidido con Jon Anderson en "The Warriors" y luego colaboró ​​en algunas canciones de Yes. Como baterista tenemos a Roy Dike (Ashton, Gardner y Dyke) y como guitarrista a Brian Parrish (Parrish & Gurvitz). Su primer álbum, "One Live Badger", fue lanzado en 1973 y para su segundo LP, "White Lady" (1974), la banda se había reestructurado con la entrada del bajista Kim Gardner, el guitarrista Paul Pilnick (Stealers Wheel) y el cantante Jackie Lomax.
Su primera grabación fue grabada en vivo en el Rainbow Theatre de Londres en 1972. El grupo estaba teloneando precisamente a Yes y la compañía discográfica que compartían estaba grabando lo que luego sería el famoso álbum triple "Yessongs".
El álbum fue coproducido por Jon Anderson y Geoffrey Haslam y la realización de la portada fue obra de Roger Dean. En cuanto a su música tenemos rock progresivo mezclando los sonidos de típicos de Yes, Manfred Mann e incluso la Barclay James Harvest, en donde sobresalen el gran trabajo de Tony Kaye, especialmente con el Hammond y el del guitarrista Brian Parrish.

Ornette Coleman & Prime Time-Dancing In Your Head (1976)

Ornette Coleman no necesita ninguna presentación, el es una leyenda indiscutible del jazz, con una impresionante carrera que abarca desde los años 50, cuando publicaría sus primeros discos, hasta casi finales de los noventa cuando lanzaría su ultimo álbum en estudio. Coleman fue un talentoso músico que hizo del saxo su vida personal y espiritual. Su estilo no era muy fácil de asimilar para el gran público, estilos que oscilan entre el free jazz y el avant jazz, géneros muy alejados de los sonidos accesibles y parsimoniosos del jazz convencional y que sobre todo a finales de los 60 y en la década de los 70 inundaban la mayoría de registros publicados. A principios de 1976 Coleman lanzaba su decimoquinto disco, este "Dancing in Your Head", en el cual contaría con uno de sus sextetos mas famosos, el conocido como Prime Time. Este cuarteto estaba formado además del propio Ornette Coleman, por Charles Ellerbee, Bern Nix, Rudy MacDaniel, Robert Palmer y Ronald Shannon. En esta entrega además de las guitarras solistas interpretadas por Ellerbee y Nix, sobresale el refrescante sonido del saxo de Coleman, mientras que Robert Palmer añade un rico y embriagador clarinete en las piezas mas cortas. Sin llegar a sus excelentes obras de las décadas de los cincuenta y sesenta, como "Something Else!!", "The Shape of Jazz to Come", "This Is Our Music" o "Ornette on Tenor", "Dancing In Your Head" es una gran adición de free jazz, y como consecuencia, a los sonidos mas vanguardistas del jazz.