Lee Michaels-Live (1973)

En 1972 el organista Lee Michael lograba un sorprendente triunfo con su quinto álbum titulado “5th”, en el cual reflejaba su total dominio del órgano Hammond B3 y su ecléctico rock impregnado de blues, soul y jazz. Años antes y con apenas cinco años de edad, Michaels habia comenzado a tocar el piano, que junto al trombón, el saxo y el acordeón, pronto dominaría de manera talentosa. Después de estudiar música durante años en la escuela superior se uniría a diferentes formaciones, recorriendo gran parte de los sesenta los Estados Unidos y Canadá, hasta que un día en California vio actuar a los Jefferson Airplane y se fascinaria de los nuevos movimientos musicales que estaban surgiendo en la América de finales de los sesenta. Después de formar su propia banda lograría ser contratado por el sello A&M con quienes lanzaría su primer álbum en 1968 titulado "Carnival Of Life". Un año más tarde lograría entrar en las listas gracias a su tercer lanzamiento "Lee Michaels", en el cual aparecía una excitante versión del bluesman T-Bone Walker, "Stormy Monday" además del hit “Heighty Hi". Su estilo estaba basado en los impulsores ritmos de su órgano Hammond y de una eficaz y dinámica batería tocada por Barry Frosty Smith. Después de varios álbumes más; "Barrel" (1970) y "5th" (1971), este ultimo su mayor logro comercial gracias a los hits "Do You Know What I Mean" y "Can I Gat a Witness", lanzaría el directo "Live", aparecido en 1973. En esta grabación realizada en el mítico Carnegie Hall de Nueva York, Michaels muestra su simple pero efectivo planteamiento esquemático, basado en el órgano con el único aditivo de la batería como respaldo, además de su propia voz. Un planteamiento que le había abierto las puertas del éxito y de la fama y que en este directo dejaba constancia de manera apabullante. Ritmos soul "Thumbs", "War" y "My Lady" se entremezclan con clásicos del rock "Rock My Baby", blues "Call It Stormy Monday" o piezas de enérgica contundencia como "Day Of Change" o "Mad Dog". Después de varios álbumes mas publicados, Lee Michaels terminaría retirándose de la música para dedicarse a gestionar su propio y famoso restaurante ubicado en Marina del Rey en California llamado "Killer Shrimp". 

Hermann Szobel-Szobel (1976)

Nacido en Austria, Hermann Szobel fue un pianista de formación clásica que a mediados de los 70 público una obra capital dentro del jazz rock. En 1974 con apenas 17 años y observando el poco interés en el jazz de su país natal decidió trasladarse a Nueva York. En la ciudad de los rascacielos no solo perfecciono su estilo jazzistico, además lograría que la Arista Records se fijara en el y con un contrato bajo el brazo se propuso grabar un álbum para lo cual formo una banda compuesta por Michael Visceglia (bajo), Bob Goldman (batería), Dave Samuels (percusión y vibráfono) y Vadim Vyadro (saxo, flauta y clarinete). En su primer y único registro "Szobel", el joven Hermman incluyo cinco extensos cortes heterogéneos, de confusos pero al mismo tiempo complejos arreglos melódicos de gran creatividad con un firme apoyo jazzistico de pasajes impregnados de música clásica e ingredientes vanguardistas. A medio camino entre el jazz moderno y el jazz progresivo, Hermann transforma los paisajes musicales en pequeñas dosis de su virtuosismo instrumental, dejando que el resto de la banda también muestre el enorme talento que atesoran. Agitados pasajes rítmicos como "Mr. Softee" o sofisticados e intensos cortes como "The Szuite", solo son una pequeña exposición de la enorme calidad del álbum. Pero Hermann también sabe moverse en los sonidos accesibles y terrenales en piezas como "Between 7 & 11" o "Transcendental Floss", o en las atmósferas mas vanguardistas con la efectiva "New York City, 6 AM".

Quicksilver Messenger Service-Happy Trails (1969)

Quicksilver Messenger Service fue una banda estadounidense de acid rock que fusionaba varios estilos como el folk, blues y jazz. Se formó a mediados de la década de 1960 en San Francisco. Sus virtudes musicales se destacaron en la virtuosa interacción de sus instrumentistas, especialmente los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan, por lo que son uno de los referentes en el mundo de las guitarras dobles o gemelas e influenciadores de bandas posteriores como Wishbone Ash, Thin Lizzy, Judas Priest o Iron Maiden, practicando estilos que iban desde el acid blues y el folk con mezclas de hard rock y heavy psych, pero con influencias del jazz fusión a lo largo de toda su carrera.
"Happy Trails" fue el segundo álbum de la banda, lanzado en 1969 y es el más blues. El disco es semi-conceptual, especialmente la primera cara, y destacando los sonidos del violín, afianzando aún más las raíces folclóricas. El álbum está grabado en 1968 en el Fillmore West de California. Este álbum tanto para el blues psicodélico como por la portada, recuerda a muchos al disco “More” de Pink Floyd como análogo en cierto modo, aunque este último es mucho más sinfónico. Entre sus temas destacan el rítmico "Mona" y el excelente "How do you love".

The Turtles-Golden Hits (1967)

The Turtles fue una banda californiana de folk rock y pop psicodélico fundada en 1965 en Los Ángeles con el nombre original de The Crossfires From the Planet Mars.
Sus fundadores, unos entusiastas de la música surf, eran el vocalista Howard Kaylan y el compositor y teclista Mark Volman, los cuales poco después cambian el nombre por el definitivo The Turtles y evolucionan hacia los sonidos del folk rock consiguiendo su primer Top-ten con la versión de la canción de Bob Dylan "It Ain't Me Babe" (1965).
Un año después fracasan en listas con su segundo LP, "You Baby", así que deciden apostar por el sonido bubblegum y compondrán el bombazo "Happy Together", que será número uno en medio mundo en 1967. Ese mismo año volvieron a puestos altos en las listas con "She'd Rather Be with Me" y "You Know What I Mean", pero las deserciones del grupo empiezan con la marcha del bajista Chip Douglas para ser productor de The Monkees. Ya en plena fiebre del pop psicodélico producen el álbum conceptual, "The Turtles Present The Battle Of the Bands", en el que pretenden ser una banda de diferentes estilos consiguiendo dos hits con "Elenore" y "You Showed Me", que serán Top 6 en listas. Pero en 1969 su "Turtle Soup", será un fracaso en ventas que provocará que un año más tarde, tres de sus integrantes; Howard Kaylan, Mark Volman y Jim Pons se unan al grupo de Frank Zappa, The Mothers Of Invention.
El resto graba "Wooden Head" (70), que sigue la misma suerte que el anterior disco, poco después forman el dúo Flo & Eddie apareciendo en varios conciertos pero sin publicar ningun material y terminan por separarse a finales de ese mismo año.

Laurie Anderson-Mister Heartbreak (1984)

Pese haber pertenecido a la escena de artistas mas vanguardistas de la ciudad de Nueva York desde principios de los setenta, Laurie Anderson tardaría muchos años en ver publicado su primer álbum en solitario, "Big  Science" (1982), un trabajo que tuvo una notable acogida entre el publico y favorables criticas entre la prensa especializada. Su ecléctico estilo podríamos encuadrarlo en el pop más vanguardista y experimental, algo que la ha mantenido como una artista de culto hasta la actualidad. Algún tiempo después de ese innovador debut, Laurie Anderson empezaría a codearse con músicos de prestigio como Peter Gabriel, Nile Rodgers, Adrian Below, Phoebe Snow o Bill Laswell, músicos todos ellos que terminarían colaborando en su siguiente lanzamiento "Mr.Heartbreak", publicado dos años mas tarde. Pese a ser mucho mas accesible que su predecesor, Anderson sigue utilizando su música para narrar historias habladas de manera literal, fusionando los sabores étnicos, la electrónica y la experimentación mas inusual. Extraños lienzos muy cercanos al minimalismo "Sharkey´s Day", hipnotismo poético "Langue D´Amour", acercamientos a la new wave electrónica "Gravity´s Angel o "Excellent Birds" o exóticas piezas que navegan entre lo étnico y lo electronico "Kokoku", conforman un álbum tan desafiante como luminoso.

Oscar Peterson-Great Connection (1974)

En 1971 Oscar Peterson comenzaría una fructífera y larga alianza junto al baterista norteamericano Louis Hayes y al contrabajista danés Niels-Henning Ørsted Pedersen, grabando para empezar un exquisito y variado álbum de piezas de estándares del jazz. Bajo la producción de Hans Georg Brunner, en este trabajo publicado tres años mas tarde (1974), el trío lograría concebir una serie de composiciones enormemente inspiradas como la free jazz "Younger Than Springtime", la relajada "Soft Winds", la compleja "Wheatland", la abrumadora versión de Duke Ellington "Just Squeeze Me" o la edificante obra de Charles Chapin "Smile". En los siguientes años Peterson y Pedersen tocarían regularmente juntos en infinidad de conciertos y colaborando en una docena de registros oficiales como "The Good Life" (1973), "The Trio" (1974), "Nigerian Marketplace" (1981) o "Night Child" (1982).

Billy Joel-52nd Street (1978)

Billy Joel es una de las grandes leyendas del rock, logrando mas de cincuenta hits, muchos de ellos números uno, ganador del Grammy en seis ocasiones y uno de los artistas que mas discos han vendido en la historia con mas de 100 millones a nivel mundial.
En 1977 había lanzado su álbum "The Stranger", que lo colocaría en la cima de las listas, un trabajo arrollador con canciones como "Just The Way You Are", "She's Always A Woman", "Only The Good Die Young" o "Moving Out", que lo convierte en esos momentos en el álbum más vendido de la compañía discográfica Columbia en toda su historia, con más de diez millones de copias solo en los Estados Unidos.
Tras el éxito de este descomunal y contundente trabajo, Joel vuelve a repetir con el mismo productor del anterior disco Phil Ramone, para producir un disco aún más melódico y dinámico que el anterior, añadiendo diferentes elementos como el jazz.
El resultado sería un disco sensacional, lleno de estribillos, grandes melodías y composiciones memorables.
Temas como el pegadizo "My Life", la bailable "Half A Mile Away", el rock "Big Shot" o la terriblemente melancólica "Honesty", llevaron nuevamente a Joel a lo más alto de las listas de éxitos de medio mundo y convirtiéndolo en el artista del año.
"52nd Street" se convertiría en otra obra maestra de un músico que ya tenía a sus espaldas un devastador e impresionante legado discográfico.

Mirthrandir-For You The Old Man (1976)

Mirthrandir es otra de las incontables bandas que se perdieron en el oscuro túnel del tiempo, la cual solo publicaría un elaborado y elegante álbum de rock progresivo. Formada en 1973 en la ciudad norteamericana de Nueva Jersey, sus integrantes eran Richard Excellente (guitarra), Simon Gannett (teclados), James Miller (bajo y flauta), Alexander Romanelli (guitarra), Robert Arce (batería) y John Vislocky (cantante y trompeta). Su único registro titulado "For You The Old Man" (1976), muestra las excelencias de esta formación con una serie de piezas de gran merito como la ardiente de influencias jazzisticas "For You The Old Women", la exuberante "Conversation With Personality Giver", la melódica instrumental "Number Six", o la tour de force progresiva "For Four", todas ellas con unas destacables guitarras, los impulsores teclados de Mellotrón y órgano y un memorable dinamismo instrumental. Sin duda alguna, "For You The Old Man" es un creativo álbum del mejor rock progresivo americano, interpretado con una gran destreza y con un contenido de excelente musicalidad.

Cream-Disreali Gears (1967)

El segundo álbum de Cream supuso la confirmación a su status como banda icónica creando un disco repleto de poderoso rock macerado con tintes psicodélicos y blues rock. A diferencia del novedoso debut lanzado un año antes, la banda formada por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, se alejan de los sonidos germinales del blues rock para entrar de lleno en los sonidos mas accesibles como queda demostrado en la archiconocida "Sunshine Of Your Love", todo un clásico de la música rock e inmortalizada en cientos de anuncios, series y películas y una pieza habitual en los recopilatorios de la música rock. Esa fusión entre el rock y los sonidos lisérgicos están presentes en la inicial "Strange Brew", un corte denso con unas guitarras crudas y distorsionadas. Por otro lado la pausada "World of Pain" sigue adentrándose en los sonidos psicodélicos pero mostrando la faceta melódica de la banda, por un sendero parecido aparece "Dance The Night Away", mientras que la bluesy "Blue Condition", pone el momento relajado a una primera cara sublime. En la cara dos del álbum original, el ritmo se incrementa con la acida "Tales Of Brave Ulysses", la rítmica "SWLABR", o las blues rock "Take It Back" y "Outside Woman Blues", con la cual concluye uno de los álbumes esenciales de la historia del rock.

Steely Dan-Can´t Buy A Thrill (1972)

En 1971 los músicos y compositores de la ABC Records, Walter Becker (guitarra y voz) y Donald Fagen (teclados y voz), decidieron fundar su propia banda impulsados por el productor y directivo de la misma compañía Gary Katz. De esta manera nacería Steely Dan, quien además de sus dos lideres estaba formada por Jeff "Skunk" Baxter (guitarras), Jim Holder (bateria) y Dennis Dias (guitarra y sitar). Un año mas tarde lanzarían su álbum debut "Can´t Buy A Thrill", en el cual también participarían otros músicos invitados como el cantante David Palmer, el guitarrista Eliott Randall, el saxofonista Jerome Richardson o el percusionista Victor Feldman. Este primer registro se caracteriza por el complejo entramado musical del grupo, en donde confluyen dispares estilos como el jazz, el rhythm and blues, el pop y el rock bajo unas letras satíricas y mordaces. Con una meticulosa producción, el dúo logro confeccionar una serie de canciones brillantemente ejecutadas, con sonidos calidos y esa lírica mencionada con un sentido del humor sarcástico e inquietante. Un álbum que se inicia con la icónica "Do It Again", todo un clásico del rock americano, una composición magistral repleta de mil detalles sonoros, a esta la secundan otras magnificas piezas como las memorables "Dirty Work", "Reelin´In The Years", "Fire In The Hole", "Midnight Cruiser" o "Change Of The Guard". Con este espectacular debut de Steely Dan, daba comienzo a una de las carreras más apasionantes en la historia de la música rock.

 

Night Ranger-Midnight Madness (1983)

"Midnight Madness" fue el segundo y más exitoso álbum de la banda Night Ranger, gracias principalmente a la canción "Sister Christian" que fue un verdadero éxito en las estaciones de FM y en las listas de Billboard norteamericanas.
Formado cuatro años antes por Jack Blades, Kelly Keagy, Brad Gillis y Jeff Watson, su álbum debut "Down Patrol" (1982), tuvo una gran acogida en los circuitos del rock melódico y hard rock con un trabajo consistente donde sobresalieron los cortes "Don´t Tell Me You Love me" y "Sing Me Away".
El tremendo éxito comercial de este "Midnight Madness" lanzado solo un año después tuvo una doble lectura para el grupo, ya que relegaría a la banda a la categoría de bandas comerciales convencionales y eso aumentaría la reputación que los tachaban de demasiado blandos para ser una verdadera banda de hard rock.
Sin embargo, desde la inicial "(You Can Still) Rock in America",una clara respuesta a las criticas recibidas, seguida de las poderosos "Rumours in the Air", "When You Close Your Eyes” o la energica "Why Does Love Have To Change", mostraron que gracias al talento de sus componentes, Night Ranger sabian perfectamente hacer un hard rock contundente y a la vez adictivo y comercial, y esto quedó ampliamente demostrado con los siguientes lanzamientos "7 Wishes" (1985) y "Big Life" (1987) .

Mombasa-African Rhythms and Blues (1975)

Lou Blackburn fue un afamado músico norteamericano que se dio a conocer en la décadas de los 50 y 60 actuando junto a mitos del jazz como Lionel Hampton, Lou Rawls o Duke Ellington, además de establecerse artísticamente con una equilibrada carrera en solitario publicando una serie de trabajos como "Jazz Frontier" o "The Complete Imperial Sessions". A principios de los 70 se mudaría a Europa y allí fundaría el proyecto Mombasa, una formación que fusionaba los ambientes étnicos africanos y el jazz. En 1975 y bajo el sello independiente alemán Spiegelei, grabaría el debut de esta formación titulado "African Rhythms and Blues", un extraordinario registro en donde los ritmos exóticos, el blues rural y folclórico, la música espiritual y el jazz van unidos de la mano en una fusión tan fascinante como encantadora. Además de Lou Blackburn (trombón), el resto de estos Mombasa estaba formado por Donald Coleman (congas y flauta), Charles Jefferson (trompeta), Gerald Luciano (contrabajo y percusión africana) y Cephus McGirt (batería). Producido por el ingeniero germano Manfred Schmitz, el álbum contiene un antológico repertorio que lo convierte en uno de los mejores registros del jazz étnico que se hayan grabado jamás.

Emphasis-Emphasis (1975)

Emphasis fueron una banda suiza de jazz fusión que giraba en torno al guitarrista Pierre Cavalli y al teclista Renato Anselmo quienes junto al baterista Nick Liebman, al saxofonista Fernando Vicencio y al bajista y percusión Curt Treier, lanzaron un único álbum muy apreciado por los fans al genero jazzistico europeo. Bajo un embrujo de influencias entre los ritmos latinos, el funk, la improvisación y el jazz rock, su único registro lanzado en 1975, es toda una brillante muestra del talento y la creatividad de esta formidable banda centroeuropea. Desde versiones ejecutadas de manera ingeniosa como "Vera Cruz” de Milton Nascimentos o "Too High" de Stevie Wonder, hasta intensos funk jazz rock como "Rainmaker" o "Very Lights" pasando por psicodélicos jazz "Dr. Bonnie-Mr. Clyde", dejan patente la creatividad y la soberbia fusión de estilos que esta refinada banda supo conjugar en un gran registro de atractivo jazz fusión. 

Christopher Cross-Another Page (1983)

Tres años después de su aclamado disco debut, Christopher Cross nos dejaba su segundo legado discográfico, un álbum que fue lastrado por su impactante obra inicial, pese a contener los suficientes argumentos musicales para volver a copar las listas de éxitos de medio mundo. Sin embargo en su segundo lanzamiento el estilo que mezclaba las irresistibles baladas, el soft rock y unas claras connotaciones del pop mainstream, fue cuestionado por su nula evolución estilística. Al igual que había ocurrido con su disco debut, en este nuevo registro el guitarrista originario de San Antonio en Texas, se rodearía de un lujoso plantel de músicos como Mike Porcaro, Don Henley, JD Souther, Art Garfunkel, Steve Lukather, Tom Scott, Carl Wilson, Abraham Laboriel o Jay Griden entre otros muchos mas. Grabado durante gran parte del año 1982, en "Another Page" Cross repite la misma formula que le llevaría al estrellato mundial con una serie de sobrias composiciones ejecutadas de manera impecable, que navegan entre las baladas románticas y nostálgicas; "Baby Says No", "Nature Of the Game", "What Am I Supposed to Believe", "Talking In My Sleep", "Words Of Wisdom" o "Think of Laura", guiños al pasado reciente de atractivas melodías con la trepidante y pegadiza "All Right", o los estimulantes sonidos del west coast "No Time For Talk" y "Deal´em Again". Sin llegar a las excelencias comerciales ni creativas de su predecesor, el álbum lograría un meritorio onceavo puesto en las listas del Billboard y media docena de discos de oro a nivel mundial por sus ventas.

Santana-Zebop (1981)

Repitiendo casi la misma formación que el anterior "Marathon", Carlos Santana siguió su ruta por el desierto musical de los años 80 publicando el décimo primer álbum de la banda “Zebop”. Siguiendo la estela AOR del mencionado "Maratón," en esta nueva entrega el guitarrista mexicano se sumerge aun mas en los sonidos que por aquella época inundaban las emisoras de radio, bandas como Boston, Styx, Toto, Journey, Reo Speedwagon o Foreigner, copaban las listas de éxitos de medio mundo con su rock melódico de alta calidad. En ese contexto Santana ofrecían un atrayente álbum en donde sobresalían como era habitual sus enormes habilidades con las seis cuerdas, unido a unas composiciones de AOR de gran merito como las adictivas "Changes", "Searchin´",  "Winning", "Over and Over" o "I Love You Much Too Much", mientras que el estilo añejo esta presente en "Primera Invasion", "Tales of Kilimanjaro", "American Gyspsy", "É Papa Ré", "Sensitive Kind", "Brightest Star" y "Hannibal".  "Zepob" es uno de los trabajos de Santana en donde mejor supieron conjugar los sonidos modernos del rock melódico, con el pasado jazz rock de sus álbumes de la década anterior.

Iron Butterfly-Heavy (1968)

Iron Butterfly es toda una leyenda del rock psicodélico de los sesenta, sin embargo su carrera esta eclipsada por el hit mundial que supuso "In-A-Gadda-Da Vida", un álbum y un sencillo que hasta la fecha ha vendido la friolera de 30 millones de copias alrededor del mundo. Un hecho de esa magnitud lastraría cualquier otro disco de su discografía, algo que de manera injusta ha sido lo que ocurriría con esta mítica formación. Encuadrados dentro del movimiento psicodélico de la costa oeste norteamericana, en 1968 publicaron su primer lanzamiento discográfico, este "Heavy", y pese a que son considerados percusores de manera germinal en el rock vanguardista y en el heavy metal, también es cierto que en aquella época el termino "heavy" era denominado para cualquier estilo de música pesada y oscura, y no el vertiginoso, frenético y estridente estilo actual. En este álbum debut este quinteto formado por Darryl DeLoach (voz y percusión), Danny Weis (guitarra), Doug Ingle (órgano), Jerry Penrod (bajo) y Ron Bushy (batería), muestran una serie de canciones orientadas a la psicodélica con connotaciones a la música garage, al soul y al rhthym and blues, sobresaliendo cortes como la melancólica "You Can´t Win", la hipnótica "Look For The Sun", la alegre "Gentle As It May Seem", la pegadiza "Possesion" o la acida instrumental "Iron Butterfly Theme". En definitiva este fue un interesante debut con muchas ideas creativas y prometedoras que terminarían desarrollándose brillantemente en sus siguientes álbumes.

Various Artists-The Concert For Bangladesh (1971)

"The Concert for Bangladesh", fue grabado en agosto de 1971 en el Madison Square Garden de Nueva York y publicado en diciembre de ese mismo año. Muchos años después fue considerado uno de los mejores shows en vivo de la historia, por la prestigiosa revista Rolling Stone.
Una de las razones por las que este triple álbum en vivo tuvo esta mención se debe a la producción de Phil Spector, quien trasladó su famoso muro de sonido al escenario (mucho más apreciable en la edición remasterizada del doble cd lanzado años después), por eso durante todo el recital (salvo la primera parte, exclusivamente a cargo de Ravi Shankar y su sitar) la banda estuvo compuesta por dos baterías y un percusionista, dos teclistas, seis guitarristas, un bajista y un coro de siete personas.
Entre todos ellos, estaban nada mas y nada menos que Eric Clapton, Ringo Starr, Leon Russell, Badfinger, Bob Dylan o Billy Preston. Este concierto fue también la primera aparición pública de Bob Dylan en cinco años y aquí interpretó cinco de sus canciones más famosas.
"El Concierto por Bangladesh" fue el resultado de una iniciativa del ex Beatle George Harrison y Ravi Shankar en defensa de los refugiados bengalíes, represaliados por el conflicto armado entre Pakistán e India por la independencia de lo que hoy es Bangladesh. Fue el primer concierto benéfico y un modelo para lo que años después fueron eventos masivos como "Live Aid".
Entre las canciones interpretadas destacan las de George Harrison "My Sweet Lord", las de Bob Dylan "A Hard Rain's a-Gonna Fall", "Blowin´ In the Wind", las de Eric Clapton "Jumpin´Jack Flash / Young Blood", o "Something” de The Beatles, interpretado por toda la banda al completo.
Por su parte, George Harrison en el momento más brillante de su carrera después de The Beatles, trajo lo mejor de su triple álbum, "All Things Must Pass" lanzado un año antes, para interpretarlo con la convicción, la espiritualidad y el fervor que requerían las canciones. 
Sin embargo, si el resultado artístico fue muy antológico (este directo fue sin duda una de las mejores operaciones publicitarias que pudo lograr la causa bengalí), financieramente fue un completo desastre, de tal manera que el propio Harrison tuvo que poner un cheque de su propio bolsillo de casi un cuarto de millón de dólares en beneficio de las víctimas.

Christie-Christie (1970)

Christie fue una banda de pop-rock británica que se formó en la ciudad de Leeds a finales de los 60 por Jeff Christie, Vic Elmes y Mike Blakely.

Jeff Christie, que ya había militado en grupos profesionales, se convirtió en el líder de la banda, el ya había liderado una banda anteriormente llamada Outer Limits, que tuvo algunos éxitos como “Just one more chance” o “Help me please” (1967), llegando incluso ser enormes hits en los Estados Unidos. Sin embargo las siguientes canciones fueron un fracaso estrepitoso, lo que propició la ruptura del grupo, por lo que Jeff decidió continuar como compositor.

En 1970, Christie compuso un tema llamado "Yellow River" que en un principio iba dirigido al grupo The Tremeloes, pero estos la rechazaron porque les pareció un pop muy alejado al habitual en su repertorio.
Así con este panorama el propio Christie funda una banda para grabar el tema y la cual denomina como su propio nombre y publican la canción en Abril de 1970, la cual llega al número uno en medio mundo y un asombroso sexto puesto en las listas norteamericanas, vendiendo mas de tres millones de copias.
Poco después, ese mismo año publicaron "San Bernardino", que también sería un éxito, seguido de “Iron Horse”, una de las mejores composiciones del grupo.
Cuando grababan las canciones de su tercer álbum, las relaciones entre Jeff y Vic Elmes empeoraron y el grupo se disolvió temporalmente en 1973. Jeff estaba considerando comenzar su carrera como solista, pero decidió moldear un nuevo Christie, con Roger y Terry Fogg y el guitarrista, Danny Krieger.
A partir de entonces comenzaron a vivir de sus antiguos éxitos, ya que los sucesivos discos pasarían totalmente desapercibidos.

Cathedral-Stained Glass Stories (1978)

"Stained Glass Stories" es considerado una de las obras estelares del rock vanguardista norteamericano, un álbum que fue creado por Cathedral (no confundir con otras bandas del mismo nombre que han surgido a lo largo de la historia). Originaria de Long Island, fue creada a mediados de los 70 como consecuencia de las cenizas de la formación psicodélica Odyssey, en la cual estaban Fed Callan (bajo) y Tom Doncourt (teclados), que junto al baterista Mercury Caronia, al cantante Paul Seal y al guitarrista Rudy Perrone cerraban la formación de Cathedral. Grabado bajo el sello independiente Syn Phonic, en 1978 lanzaron "Stained Glass Stories" en el que mostraban un estilo muy alejado de su pasado psicodélico para adentrarse en unos sonidos intensos de excelente musicalidad progresiva claramente influenciados por el rock sinfónico británico de principios de los 70. Intrincados riffs de guitarras y bajo, un espectacular Mellotron y una batería magistral, impulsan un álbum de suma brillantez como queda demostrado en las excelentes piezas "Introspect", "Gong", "The Search", "The Crossing" y "Days and Changes". Pese a ser grabado en la época tardía del género progresivo, "Stained Glass Stories" ha logrado con los años el estatus de disco de culto y una de las obras imprescindibles para conocer la rica evolución del rock sinfónico-progresivo norteamericano de finales de los 70. A pesar de que el álbum tuvo bastante notoriedad comercial, algún tiempo mas tarde Cathedral sucumbirían hasta muchos años después, cuando reaparecerían lanzando el segundo trabajo "The Bridge" (2007).

Nick Mason-Nick Mason´s Fictitious Sports (1981)

Dos años después del monumental "The Wall" de Pink Floyd, su baterista Nick Mason se propuso lanzar su primer álbum en solitario, algo que ya habían hecho los demás integrantes de la banda algunos años antes. Sin embargo en realidad su primer trabajo en solitario podríamos considerarlo mas como un álbum de la pianista y compositora de jazz Carla Blay que del propio Mason. Para esta grabación Mason y Blay acudieron a diferentes músicos como Robert Wyatt para que pusiera su icónica voz o al guitarrista Chris Speeding entre otros allegados a las grabaciones de jazz de Carla Blay. "Nick Mason´s Fictitious Sports" constituyo un cierto desencanto para los seguidores de su banda madre, mas habituados a su sonido espacial y progresivo que lo que Nick Mason ofrece aquí, un bizarro y extraño álbum en donde los guiños al sonido Canterbury, al jazz experimental, o al avant garde absurdo de Frank Zappa son mas que evidente. Pese a todo el resultado final del álbum es irónicamente agradable, si nos olvidamos por quien esta firmado y disfrutamos de los elaborados toques de batería del propio Nick Mason, los arreglos de metales, y el humor siempre extravagante en la voz de Robert Wyatt. 

Ian Hunter-Welcome To The Club (1980)

"Welcome To The Club" fue el primer álbum en vivo grabado por Ian Hunter fuera de la banda Mott The Hoople, a la que había abandonado años atrás en 1974.
Este doble en vivo fue grabado en The Roxy en West Hollywood, en noviembre de 1979, en la gira para promocionar el disco "You's Never Alone with a Schizophrenic", su quinto disco hasta ese momento.
Su banda incluía al ex guitarrista de David Bowie y Mott the Hoople, Mick Ronson, y sus fluidos solos de guitarra son una de las principales razones de la popularidad de este álbum, además del baterista Eric Parker, el teclista Tommy Mandel y el bajista Martin Briley.
"Welcome To The Club" es un directo mucho más melódico y menos visceral que el álbum "Mott the Hoople Live" lanzado en 1974, aquí Ian Hunter le permite a la banda el espacio necesario para desarrollarse instrumentalmente y que cada miembro pueda ejercer libremente sus habilidades técnicas.
También incluye cuatro nuevas canciones grabadas en vivo en el estudio en la última cara del álbum.
Un directo donde no faltan los clásicos "All the Young Dudes", "Just Another Night", "Once Bitten Twice Shy" o "Walking with Mountain / Rock´n´roll Queen", que se alternan con algunas versiones de otros artistas como "FBI" de The Shadows o "Laugh at me" del cantante Sonny Bono, más conocido por haber pertenecido al dúo Sonny & Cher.

Arthur Conley-Sweet Soul Music (1967)

A mediados de los sesenta el soul norteamericano era uno de los estilos que revitalizaron el mundo de la música, el cual se convirtió en un serio contrincante para el efervescente movimiento del pop británico. En ese contexto surgió la figura de Arthur Conley, uno de esos muchísimos cantantes que se convirtieron en sus impulsores. Conley era un reputado y solidó interprete que hasta aquellos momentos estaba sumergido en los cauces del Rhythm & Blues del sur norteamericano. Ya a principios de los 60 junto a The Corvettes había logrado su primer hit con "Poor Girl" y algún tiempo después tendría el apoyo de Otis Redding, quien además de una gran amistad colaboraría activamente en sus siguientes lanzamientos. Así comenzaría su apogeo artístico lanzando exitosos albumes como "Sweet Soul Music", una especie de tributo a los grandes del soul de aquellos años como James Brown, Wilson Pickett o el propio Otis Redding. Sin embargo los mayores éxitos llegarían de la mano de emblemáticos hits como "People Sure Act Funnt", "Funky Street", "Ah, Ah, Ah" o "Shake Rattle & Roll", publicados en una época en la que Arthur Conley supo aprovechar su oportunidad. El triunfo en el momento justo, un momento en donde la industria musical necesitaba otras alternativas estilísticas. Pero como ocurre siempre en cualquier ámbito de la vida, cuando el boom del soul empezó a decaer, Conley pasaría a un discreto segundo término y su figura quedaría sepultada bajo los miles de decibelios de los nuevos estilos surgidos a finales de los 60 y principios de los 70 como el heavy rock, la psicodélica o el rock progresivo.

Jango-Dreamtown (1999)

Deudores del sonido de Steely Dan y enmarcados en el estilo West Coast, Jango es una banda de Los Ángeles que fue fundada a finales de los noventa por Steve Le Gassik y Michael Price, quienes junto a Steve Nieves, Niko Kirgo, Leon Johnson y Dave Beyer, lanzaron su primer álbum titulado "Dreamtown" bajo el sello Gold Circle en 1999.
En este primer álbum, la mezcla de melodías instrumentales al más puro estilo del smooth jazz se entremezcla con temas vocales con melodías atractivas, temas muy cercanos al pop pero con la esencia del jazz como "City of the Second Chance", mientras "With Your Love" es una canción romántica de jazz suave que inundó las estaciones de radio de Los Ángeles y fue muy popular o "Sunset to the Sea", un guiño lejano a los mencionados Steely Dan.
Un año después traen su segundo disco "Closer To Home", en el que refuerzan el sonido del smooth jazz con toques funky y profundiza aún más en el estilo de Donald Fagen con una producción y arreglos exquisitos y con un set list que lo mantienen en un alto nivel comercial e instrumental.

Tommy Bolin-Private Eyes (1976)

A nadie se le escapa que Tommy Bolin fue injustamente infravalorado por los seguidores de Deep Purple, cuando sustituiría a Ritchie Blackmore en la banda a mediados de los 70. De hecho muchos renegaron de su único registro junto a esa mítica formación, ni siquiera para darle una mínima escucha y observar su gran dominio con la guitarra eléctrica. Ese rechazo por parte del público fue un duro mazazo para el ego de un músico emocionalmente sensible como era el suyo. Grabado el mismo año que su única entrega junto a los Purple, Bolin lanzaría su segundo trabajo en solitario "Private Eyes", en donde se distanciaba del jazz rock que hizo en el "Mind Transplant" de Alphonse Mouzon, y del rabioso hard rock  & funk de "Come Taste The Band" de Deep Purple, e incluso del vigoroso rock "Teaser", su primer álbum en solitario. En "Private Eyes", Bolin se muestra mas ecléctico a la par que mas distendido, ofreciendo un trabajo repleto de alusiones rítmicas tranquilizantes y de sonidos suaves y relajados. Desde exóticas demostraciones como la samba "Gypsy Soul", hasta incursiones en el rock melódico "Someday We´ll Bring Our Love Home", pasando por concesiones al blues con tintes swing "You Told Me That You Loved Me", retornos al vigoroso jazz rock "Shake The Devil" o mostrando su lado mas convencional con la balada "Sweet Burgundy". Aunque nunca dejó el hábito de las drogas, probablemente impulsado por sus fracasos artísticos, un hecho que finalmente lo mataría, su juventud y su audacia le ayudaron a encontrar un estilo abierto a las muchas influencias que mostraría en el corto periodo de tiempo que vivió para contarlo. Tommy moriría el 4 de diciembre de 1976 en Miami, apenas 6 meses después de este lanzamiento y con tan solo 26 años de edad, debido a una sobredosis de heroína y otras sustancias como la cocaína y el alcohol.

Mingo Lewis-Flight Never Ending (1976)

Mingo Lewis salto a la fama cuando entraría a formar parte de la banda de Santana o posteriormente en Return to Forever, la banda de Chick Corea y Al Di Meola, o colaborando con Todd Rundgren. En 1976 Lewis lanzaría su único registro en solitario, este "Flight Never Ending" en el cual este talentoso baterista obtendría la colaboración de diferentes músicos de sesión de la Columbia Records como  Eric McCann, David Logeman, Michael Kapitan, Kincaed Miller, Louis Bramy o Randy Sellgren. Este "Flight Never Ending" esta considerado por muchos como uno de los álbumes del jazz rock mas subestimados de los años 70. Un trabajo enérgico y contundente en donde hay una soberbia interpretación por parte del propio Lewis con las baquetas y una instrumentación sorprendente por parte de unos músicos muy talentosos pero totalmente desconocidos. Bases latinas como la exotica "Visions of Another Time", movimientos funky "Trapezoid", experimentos sonoros "Maginary Monsters", cortes de pleno jazz rock "Flight Never Ending" o memorables dinamismos musicales de fusion "Heartsong", constituyen un rutilante y olvidado trabajo del mejor jazz rock de los setenta. 

Colosseum II-Electric Savage (1977)

Un año después del debut discográfico de la segunda época de Colosseum, la banda presentaba en su segundo álbum un nuevo bajista, puesto que recaería en John Mole, quien sustituía a Neil Murray, igualmente y mas importante aun, era que se orientaban definitivamente hacia un estilo casi totalmente instrumental de jazz rock progresivo. Y decimos casi, por que Gary Moore pone la voz en una de las canciones, aunque sin embargo es precisamente esa pieza la más desechable de todas las incluidas en este nuevo registro. En "Electric Savage" el grupo compuesto por Gary Moore (guitarra y voz), Don Airey (teclados), John Hiseman (batería) y el mencionado John Mole, se adentran definitivamente en los terrenos de la fusión entre el jazz, el rock y las estructuras vanguardistas. Ese vanguardismo esta presente en la progresiva "The Scorch", mientras que los poderosos riffs de la guitarra de Moore impulsan las jazz rock "Put It This Way" y "All Skin & Bone". Por otro lado las prescindibles "Rivers", con la voz de Moore, y la ostentosa "Lament", de alguna manera rebajan el alto listón mostrado en la primera cara del álbum. El resto esta compuesto por "Desperado" un pieza de vigoroso jazz fusión y las etéreas "Am I" y "Intergalactic Strut", dos cortes en donde el protagonismo de los teclados de Airey eclipsan sutilmente la guitarra de Moore y que junto a las primeras canciones son lo mas destacado de la segunda entrega del mítico combo británico.

Electric Sandwich-Electric Sandwich (1972)

Dentro de la gran maraña de bandas que surgieron del movimiento Krautrock, Electric Sandwich fue una de las más innovadoras, enmarcada dentro del sello "Brain" que formaba parte de la discográfica alemana "Metronome", en este sello destacaron numerosos grupos de Krautrock y por supuesto también "Electric Sandwich".
Esta banda alemana se formó en 1.969, quedando segundos en un concurso de que les sirvió para fichar por el mencionado sello "Metronome". Hicieron una gira con Uriah Heep y en el 73 grabaron su único legado "Electric Sandwich", para posteriormente ese mismo año disolverse definitivamente.
El único trabajo que publicaron mostraba a una banda con mucha psicodelia, mezclada con blues y rock progresivo, cualquier tema del disco es interesante, pero quizás "Archie's Blues" sea lo más destacado con un magnífico tema de blues progresivo.

Third Eye-Connexion (1977)

Originalmente fundada como trío de jazz clásico (saxo, batería y contrabajo), Third Eye fue una formación procedente de Holanda que en 1977 publicaría un exquisito álbum titulado "Connexion" con la estimable colaboración del músico jamaicano Wilton Gaynair. Grabado en unos estudio afincados en la localidad germana de Kirchhellen, la formación que participaría en este registro estaba formada por el mencionado Gaynair (saxo tenor y soprano), Ali Haurand (contrabajo), Rob Van den Broeck (piano y teclados electrónicos), Gerd Dudek (saxo y flauta), Frank Köllges (batería acústica) y Steve Boston (congas). Compuesto por cuatro extensos cortes en donde las influencias de las músicas caribeñas y africanas, los sonidos espirituales, el jazz bebop y el fusión, se mezclan inteligentemente para ofrecer un brillante álbum tardío del mejor jazz modal y vanguardista europeo.

Gong-Gong Live, Etc (1977)

Gong fueron una surrealista banda cósmica que crearon algunos de los discos más extravagantes que se distinguían por sus largas improvisaciones instrumentales, sus atmósferas espaciales, la psicodélica, las satíricas letras y una musicalidad excéntrica y caótica. Después de publicar una serie de trabajos que rozaban los absurdo y estrafalario como fueron sus aclamados discos para los fanáticos al rock progresivo mas singular, los míticos "Flying Teapot", "Angel´s Egg", "You" o "Shamal", lanzaron el doble en directo "Gong Live, Etc", una perfecta muestra de sus alocados shows que abarca parte del material de sus álbumes en estudio. Sin embargo las versiones en vivo de todo ese material, pese a que de alguna manera resumen la extrañeza y la extravagancia del grupo, no muestran la magia musical de la locura revelada en los álbumes originales. Aun así el oyente se complace escuchar los ritmos impulsores de su filosofía estilística, desde la guitarra de Steve Hillage, hasta el saxo y flauta de Didier Malherbe, los teclados espaciales de Tim Blake, la disonante y talentosa batería de Pierre Moerlen o las burlescas y a veces fuera de lugar, payasadas vocales de Daevid Allen. Este directo sirve para mostrar perfectamente la excentricidad sin precedentes que sobre un escenario mostraba esta alocada y talentosa formación británica.

Yes-Talk (1994)

En el décimo cuarto álbum de Yes volvía la misma formación que habían grabado los trabajos "90125" y "Big Generator", ambos lanzados a mediados de los años ochenta. Esa formación estaba compuesta por Jon Anderson (voz), Trevor Rabin (guitarras, teclados, voces), Alan White (batería), Chris Squire (bajo) y Tony Kaye (órgano Hammond). Debido a las presiones de la subdivisión de la Atlantic Records, Victory Records, en esta nueva grabación la responsabilidad de la producción y de casi todas las composiciones recaería en el guitarrista Trevor Rabin, quien además se encargaría de gran parte de los teclados, la programación y la tecnología de grabación mas avanzadas de la época. Rabin con la colaboración de Anderson, logro confeccionar un álbum repleto de canciones pegadizas influenciadas por el AOR, pero con elementos progresivos muy accesibles, otorgándole al resultado final la fiel esencia original de los habituales Yes. El rock clásico impregnado de grandes interacciones de teclados y guitarras esta presente en canciones como "The Calling", "Real Love", "State Of Play" o en "Walls", mientras que las complejidades instrumentales aparecen en la épica epopeya "Endless Dream", sin duda el tema mas progresivo desde la era del álbum "Drama” (1980), o en la brillante "Where Will You Be".

Chicken Shack-That´s The Way We Are (1978)

Chicken Shack fue una banda británica recordada principalmente por su tecladista, Christine Perfect, quien tras dejarla pasó a formar parte de Fleetwood Mac. Sin embargo sin ser una banda puntera, Chicken Shack fueron bastante populares a finales de los 60, colocando dos álbumes dentro del top 20 en los rankings de Gran Bretaña.
No obstante su líder no era la mencionada Christine Perfect, sino el fantástico guitarrista Stan Webb, que enloquecía a la audiencia gracias a que podía mezclarse con el público durante los conciertos, ya que usaba un cable de guitarra que medía unos 30 metros.
A mediados de los 60 formó esta banda de blues rock, y desde hace más de 50 años no ha dejado de publicar discos.
Chicken Shack hizo su debut en 1967 junto a los Fleetwood Mac de Peter Green en Windsor, durante el Festival Nacional de Jazz y Blues de Gran Bretaña. El grupo fue el segundo mejor artista del sello Blue Horizon, los primeros fueron los propios Fleetwood Mac. Los dos primeros álbumes de Chicken Shack, "40 Blue Fingers Freshly Packed and Ready to Serve" y "OK Ken", tuvieron bastante éxito, en parte porque la presencia de una mujer como tecladista y vocalista era muy significativa e inusual en esos años, una escena que era dominado mayoritariamente por los hombres.
"That´s The Way We Are" (1978), fue el décimo disco de la banda y recoge una selección de temas propios y versiones de otros artistas, en las que predominan las guitarras con sentimiento, el blues rock potente e incluso el boggie rock.
Desde las iniciales y contundentes "The End" y "It Wasn't me", reafirma a una banda que suena muy compacta y poderosa, que sin embargo también tiene momentos tranquilos como ocurre en la melódica "Emily".
Chicken Shack es una de esas formaciones que nunca aparecen habitualmente en las listas históricas del rock, pero cuyo legado merece ser puesto en el lugar que le corresponde, como uno de los grandes hitos del blues británico.

Uriah Heep-Live (1973)

Los años 70 fueron sin duda la época en donde se publicaron los más grandes y míticos álbumes en vivo de la historia de la música rock, en ella se lanzaron excelentes demostraciones de la capacidad instrumental y escénica de cientos de bandas, y "Uriah Heep Live" es uno de esos icónicos dobles en directo. Grabado con la formación mas clásica de la banda en Birmingham a principios de 1973, mientras estaban de gira en apoyo al álbum "The Magician´s Birthday", muestra unos Uriah Heep en su máximo apogeo creativo y artístico, demostrando que por entonces eran una perfecta maquina del hard rock progresivo muy bien engrasada. Un directo en donde sobresalen los ardientes riffs de guitarra de Mick Box y su poderosa interacción con el órgano Hammond de Ken Hensley, la frenética batería de Kerslake y las interpretaciones vocales de un apoteósico y apasionado David Byron junto a las excelencias vocales e instrumentales del bajista Gary Thain. Clásicos como "Easy Livin´", "July Morning", "Traveller In Time", "Gypsy" o la majestuosa "Circle of Hands", muestran unas versiones reelaboradas mas largas que las originales de estudio, pero que al mismo tiempo mantienen su propia identidad. "Uriah Heep Live" es uno de los esenciales álbumes en vivo de la historia, todo un clásico que captura la esencia sobre el escenario, de una legendaria banda como Uriah Heep a la perfección.

Schicke & Führs & Fröhling-Symphonic Pictures (1976)

Este es uno de los mejores ejemplos del brillante rock sinfónico alemán que se hacia en los años 70. Creado por el trío compuesto por el baterista Eduard Schicke, el guitarrista y teclados Heinz Fröhling y el teclista Gerd Führs, los cuales lograron no solo firmar uno de los hitos dentro del rock germano a nivel compositivo, si no también en el plano comercial, vendiendo mas de 10 mil copias en unas pocas semanas. En esta primera entrega, este trío mostraría un apabullante trabajo instrumental repleto de Mellotrones, teclados eléctricos y sintetizadores respaldado por las sutilezas de unas guitarras pastorales y una efectiva batería en donde las hermosas melodías, la grandilocuencia escénica y la excelente musicalidad, logran adéntranos en un viaje atemporal por unos ambientes atmosféricos entre la música clásica, los paisajes sonoros cinematográficos y los inquietantes sonidos hipnóticos de muchos de los episodios de este extraordinario álbum.

Passport-Infinity Machine (1976)

A mediados de los setenta la banda alemana liderada por el saxofonista Klaus Doldinger estaban en su apogeo creativo, atrás habían dejado para la posteridad una serie de prestigiosos álbumes de gran jazz rock/fusión como "Second Passport", "Hand Made", "Looking Thuru" o "Cross Collateral", todos ellos repletos de pegadizos sonidos en donde fusionaban el funk, el R&B, el rock y el jazz progresivo. En 1976 lanzarían su sexto trabajo, este "Infinity Machine", en el cual la agrupación germana compuesta por Doldinger (saxo, teclados y voces), Curt Cress (batería), Wolfgang (bajo, guitarra y harmónica) y Kristian Schulze (teclados), vuelven a crear otro fantástico registro del mejor jazz vanguardista. Cortes repletos de ambientes funk "Ju-Ju-Man" se alternan con atmósferas ambientales "Contemplation", enérgicas piezas de fusión "Morning Sun", refinadas composiciones románticas "Blue Aurora", piezas orientadas al space fusión "Infinity Machine" o experimentaciones sonoras vanguardistas "Ostinato". Para muchos con este álbum la banda completaba su era mas progresiva, y a partir de aquí entrarían en una época mas convencional con un jazz orientado hacia los sonidos mainstream accesibles al gran publico.

Bob Marley and the Wailers-Live! (1975)

En la primera mitad de los 70, Bob Marley todavía no contaba con la fama que luego adquiriría a nivel mundial.

Con solo un álbum publicado con su firma en solitario "Natty Dread" y otros seis con The Wailers, se presentó en Londres en el Lyceum apoyando al mencionado "Natty Dread" los días 18 y 19 de julio de 1975.
Seis meses después, fue publicado el álbum "Live!", con una selección de temas pertenecientes a esas dos noches y que, al contrario de lo habitual en ese momento, no se editó como un álbum doble, sino como un sencillo con apenas siete canciones.
En esas dos noches Bob Marley y The Wailers ofrecieron dos fantásticas actuaciones con una banda en buena forma y un repertorio repleto de grandes canciones como la inicial y enérgica "Trenchtown Rock", la extensa e incendiaria "Get Up, Stand Up" o la maravillosa "No Woman, No Cry".
"Live" es un directo explosivo, con un público totalmente devoto, guitarras explosivas, coros contagiosos y una sensación revolucionaria en el ambiente.
A partir de aquí y como consecuencia del éxito de esas actuaciones y de la gran acogida que tuvo este disco, la Island Records reeditaría con gran éxito los discos "Catch a Fire" y "Burnin´" de su banda The Wailers, a nivel mundial.

National Health-Of Queues And Cures (1978)

Con este álbum de National Health, se daba por acabada prácticamente la época dorada del sonido Canterbury, un movimiento que había surgido una década antes de la mano de formaciones tan emblematicas como Soft Machine, Caravan, Egg o Hatfield and the North entre otras. National Health fue una formación tardía dentro de ese movimiento, fundada a mediados de los setenta y que después de varios lanzamientos dejaron de existir al poco de comenzar la década de los ochenta. Con una temática musical en donde sus influencias del jazz rock y la música clásica son más que evidentes, sus tres únicos lanzamientos están considerados obras maestras del genero. En 1978 lanzaron su segundo larga duración "Of Queues and Cures", curiosamente publicado el mismo año que su álbum debut, pero 9 meses mas tarde. Formada por cuatro excelentes músicos con una amplia experiencia tras de si como son Dave Stewart (órgano y teclados), Phil Miller (guitarra), John Greaves (bajo) y Pip Pyle (batería), todos ellos ex miembros de algunas de las mas grandes bandas británicas de todos los tiempos como Khan, Egg, Matching Mole, Hatfield and the North o Gong. Desde lienzos cercanos al free jazz rock con la frenética "The Bryden Two-Step (For Amphibians)", hasta piezas experimentales con la oscura "Squarer for Maud", pasando por ejercicios musicales muy emocionantes y dinámicos como "Dreams Wide Awake" o "Binoculars" conforman este esplendido album, sin duda una de las más importantes obras del género de Canterbury, un disco que traspasa los limites del vanguardismo y el jazz rock para adentrarnos en un viaje musical tan excepcional como único.

Gentle Giant-Interview (1976)

"Interview" aparecido en 1976, seria el octavo álbum en estudio de Gentle Giant, publicado en un momento crucial para la banda británica ante la difícil tarea de superar el anterior y antológico "Free Hand" del año anterior. Para esta grabación la banda formada por los habituales Ray y Derek Shulman, Gary Green, Kerry Minnear y John Weathers, confeccionaron un trabajo menos glorioso e ingenioso, pese a contener algunos momentos memorables. Acomodados en su zona de confort progresivo con influencias clásicas y medievales, Gentle Giant introducen nuevos elementos como los modernos sintetizadores digitales y agregan nuevos ritmos como queda demostrado en la reggae "Give It Back", un sofisticado corte que por su enorme complejidad deja en pañales a la mayoría de artistas del genero. Por otra parte la canción que lleva el titulo del álbum, es una sorprendente composición rítmica con una gran interacción entre el órgano y el piano eléctrico y las voces habituales en Gentle Giant. La vanguardista "Design" o el dinamismo de "Another Show", son esos nuevos sonidos que hacíamos alusión anteriormente, mientras que "Lost My Head" es junto a la mencionada "Interview", los momentos cumbres de este álbum, si bien no en términos meramente creativos, pero si en la brillante ejecución instrumental, las cuales se encuentran entre las mejores en la carrera del grupo.

Brainchild-Healing Of The Lunatic Owl (1970)

Otra interesante banda de un solo álbum y corto recorrido fueron los británicos Brainchild, una formación que se movía entre el brass rock emparentado con bandas coetáneas como Blood Sweat & Tears o If y el jazz rock progresivo. Considerada una banda de culto hoy en día, esta formación se origino en la ciudad de Londres a principios de 1970 por Harvey Coles (bajo, voz), Bill Edwards (guitarra, voz), Dave Miller (batería), Chris Jennings (órgano, piano), Brian Wilshaw (saxo, flauta), y Lloyd Williams (trompeta y trombón).  Su único lanzamiento fue bajo el sello A&M Records, un album en donde los pesados sonidos del jazz de metales se fusionaban con sugerentes melodías rock, impregnados de elementos psicodélicos y vanguardistas, convirtiéndolo en una de las mejores entregas del jazz rock británico. "Healing Of The Lunatic Owl" es uno de esos oscuros y olvidados álbumes que muestra una excelente destreza instrumental de jazz rock, en el cual desde el music hall hasta los los complejos arreglos del jazz progresivo se ven refrendados en una serie de piezas de gran calidad como las bluesy jazz "Hide From The Dawn" y "Two Bad Days", la fusión "Autobiography", la rock "She´s Learning", la epopeya jazz rock "A Time a Place", la pastoral "Sadness Of A Moment" o la jazzistica y alegre music hall "The Cage".

Alas-Alas (1976)

Alas fueron una refinada y elegante formación argentina de jazz rock progresivo con ciertas influencias folclóricas criollas. Liderada por el multiinstrumentista Gustavo Morettom, un afamado músico del movimiento jazzistico de su país, uniría sus fuerzas al bajista Alex Zucker y al percusionista Carlos Riganti para fundar Alas a mediados de 1975. Un año después de su creación publicaron su álbum debut, un trabajo aclamado entre los medios especializados de su país. Después de este primer lanzamiento el bajista Pedro Aznar sustituiría a Zucker y bajo esta nueva formación grabarían su segundo registro, "Pinta tu Aldea", un álbum mas orientado hacia los sonidos progresivos y sinfónicos. Centrándonos en su álbum debut, Alas lograron crear un trabajo repleto de composiciones expresivas e impetuosas bajo un contexto de jazz fusión. Los guiños al rock progresivo de Triumvirat o Emerson Lake and Palmer, se reflejan en los ricos sonidos emanados por el órgano Hammond y el mini Moog, el contundente bajo y una batería muy técnica y dinámica. Excelentes musicalidades de jazz progresivo como "Buenos Aires solo es Piedra", o claros dinamismos de fusión con la grandilocuente "La muerte contó el Dinero", en la cual se acercan al rock lírico y progresivo italiano, constituyen una obra notable de jazz rock que nada tiene que envidiar a las obras icónicas surgidas en Norteamérica o en Europa.

Blues Image-Open (1970)

Blues Image nació en la época de los grandes grupos de country rock americanos, compartiendo mesa y mantel con Buffalo Springfield, The Byrds y Poco. Formados en Florida en 1966 alrededor del guitarrista Mike Pinera, Kent Henry, guitarra, Joe Lala, vocalista y percusión, Frank Konte, teclados, Malcom Jones, bajo y Manuel Bertematti batería, tendrían en 1970 su primer y único éxito que les consagró internacionalmente gracias a su álbum "Open" y su hit "Ride Captain Ride".

Antes habían publicado su debut "Blues Image" (69), el cual les había dado cierto prestigio a nivel internacional. Después de este segundo álbum, el grupo perdería estabilidad debido a los continuos cambios de formación, pese haber publicado otro álbum en 1970 "Red White & Blues Image", que pasaría totalmente desapercibido. Posteriormente Pinera ingresaría en los Iron Butterfly y la banda se termina por disolver definitivamente en el año 1970. Blue Image ha quedado como uno de los grandes conjuntos injustamente olvidados de la música de la costa Oeste Norteamericana.

Electric Food-Electric Food (1970)

De las cenizas de la banda germana Lucifer´s Friends, surgiría Electric Food, que bajo un poderoso estilo de hard rock psicodélico, lanzaron varios álbumes en los primeros años 70. Formada por Peter Hesslein (guitarra y voces), Peter Hecht (teclados), Hans-Joachim Rietenbach (batería), Dieter Horns (bajo) y Georg Mavros (cantante). Su primer album cuenta con algunas excelentes versiones, empezando por una trepidante "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin, a la que le sigue la tradicional "House Of the Rising Sun", popularizada por The Animals y la boogie rock "Let´s Work Together" de los incombustibles Canned Heat. Mientras que entre sus propias composiciones destacan la psicodélica "The Reason Why", la progresiva "Hey Down", la blues rock "Tavern", la oscura heavy rock "Nosferatu", la galopante “Icerose” y la pesada hard rock "Twelve Months and Day".

Carlos Santana & Alice Coltrane-Illuminations (1974)

Tras dejar magníficos ejercicios de jazz rock como “Abraxas”, "Caravanserai", “Welcome” o "Borboletta", Carlos Santana ratificaría su pasión por John Coltrane creando un apasionante trabajo junto a la compositora y arreglista de cuerdas Alice Coltrane (viuda de John). Bajo la atmósfera espiritual de Sri Chinmoy, en esta monumental obra Santana se rodea de una amplia legión de contrastados músicos como David Holland (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería), además de los habituales en su banda Tom Coster, Armando Peraza o Phil Browne, y de otros músicos de sesión como el saxofonista Jules Broussard y Phil Ford en la tabla hindú. La paradisíaca "Angel Of Air" presenta unas atmósferas cercanas al "Caravanserai", con una Alice Coltrane sublime con las cuerdas del arpa. La extensa interacción entre las tablas hindúes y las percusiones, bajo la excitante guitarra de Santana y el complejo saxo de Jules Broussard, están presentes en la genial jazz rock "Angel Of Sunlight", mientras que las influencias del free jazz y la música oriental aparecen en "Bliss: The Eternal Now" y en "Illuminations".

Gotthard-Lipservice (2005)

Suiza a dado al mundo del rock, una serie de grandes bandas que han mantenido el genero de su país a un alto nivel, bandas como Krokus, Toad, Flame Dream, Coroner o Gotthard, entre otras muchas mas, siempre han sido muy bien considerados entre los fans de la música rock. Hoy el toca el turno a Gotthard, una formación que fue labrándose una gran reputación a base de un buen hard rock con influencias clásicas y sus grandilocuentes melodías. Sus orígenes se remontan a 1992 en la ciudad de Lugano, cuando el bajista Marc Lynn y el vocalista Steve Lee unieron sus fuerzas con la intención de fundar una banda que satisficiera sus gustos musicales. Después de reclutar al guitarrista Leo Leoni, a la baterista Henna Habegger y al teclista Pat Regan, lograron que el sello BMG les contrataran para la grabación de varios álbumes, el primero de ellos lanzado a mediados de 1992. Ya desde el disco debut se manifestaron por los sonidos heredero del hard rock con tintes bluesy de los años 70, y en esa onda se fueron sucediendo magníficos trabajos como "Dial Hard" (1994), "G" (1996), "Homerun" (2001) o "Human Zoo" (2003). Dos años mas tarde regresaron con su mejor obra creativa, este "Lipservice", en el cual logran perfeccionar su mezcla de poderoso hard rock con las sugestivas melodías, mostrando un repertorio de magnificas composiciones como "Nothing Left al All", "Stay For The Night", "Cupid´s Arrow", "All We Are", "Lift U Up" o "Anytime, Anywhere". Sin embargo varios años después, su vocalista Steve Lee fallecía en un trágico accidente de motocicleta en Las Vegas, un lamentable hecho que cuestiono el futuro de la banda. Finalmente y después de un tiempo, la banda reclutaría a un nuevo cantante, Nic Maeder, que pese a su innegable rango vocal, no tiene las excelencias del malogrado Steve Lee.