Popol Vuh fueron pioneros en expresar las diversas ideas musicales que nacieron a finales de los 60 y principio de los 70. Con su segundo lanzamiento "In Den Gärten Pharaos" (1971), la banda liderada por Florian Fricke, muestra una clara evolución con respecto a su primer trabajo publicado el año anterior. Además de Fricke (sintetizadores, órgano y piano eléctrico), la formación de Popol Vuh para este trabajo estaba compuesta por Betina (platillos y producción), Holger Trülzsch (instrumentos de percusión turcos, africanos y asiáticos) y Frank Fiedler (sintetizadores Moogs). Compuestos por dos amplias epopeyas de sonidos genuinamente hipnóticos, este es sin duda uno de los grandes hitos de la música popular, que constituye un fundamental avance en el aprendizaje y la consolidación en los diferentes movimientos musicales que estarían por llegar. Los casi 20 minutos del tema principal "In den Gärten Pharaos", establece una aventura cósmica surrealista, con multitud de sonidos ambientales de ricas instrumentaciones que alternan percusiones de la world music, platillos, órganos y sintetizadores. En "Vuh", una suite aún mas extensa que la anterior, el órgano medieval de iglesia es el principal impulsor de la música aquí reflejada, que secundada por los sintetizadores y los sonidos cacofónicos de platillos y tambores, la convierten una música muy cercana al trance y a la meditación mas profunda. Sin duda alguna pese a su inaccesibilidad para el gran público, este "In Den Gärten Pharaos" es toda una obra maestra de la música contemporánea y del rock más experimental e innovador.
Injustamente oscurecido por músicos contemporáneos como fueron los saxofonistas Sonny Rollins, Stan Getz o John Coltrane, Hank Mobley fue otro de los grandes mitos del hard bop y el jazz soul. Sin ser un mero creador ni un pionero, su carrera fue bastante fértil, lanzando formidables álbumes para el sello Blue Note en el periodo comprendido entre 1955 y 1970. Su estilo que distaba del sonido agresivo de Coltrane o la sutileza de Stan Getz, era distendido, delicado y melódico. Para la Blue Note grabaría algunos de los mejores álbumes del jazz como son "Soul Station" y "Roll Call", álbumes de una gran solidez musical y jazzistica. En "Soul Station" (1960), Mobley se rodeo de algunos grandes musicos de su época como Art Blakey, Wynton Kelly o Paul Chambers, ofreciendo una cátedra clase de jazz empezando por la antológica "I Remember" o las formidables "Dig Dis" y “If I Should Lose You”, en las que este talentoso músico además mostraba su tremenda habilidad para componer exquisitas piezas del mejor hard bop de la historia.
"FM" es la banda sonora de la película del mismo nombre, que se estrenó en abril de 1978, y en el resto del mundo en noviembre de ese mismo año. Con el lema publicitario "No Static At All", esta película narra las aventuras de una emisora de radio ficticia "Q-Sky, que había logrado convertirse en la emisora número uno en la zona oeste de Norteamérica debido principalmente a su repertorio musical. Pero esa popularidad llevaría a los enfrentamientos del disc-jockey a cargo de la emisora Jeff Dungan y los jefes inversionistas, quienes lo presionaron para que emitiera mucha más publicidad y menos horas de música. La banda sonora es una especie de gran recopilación de los grandes éxitos de la música estadounidense de aquellos años, un elenco impresionante de artistas y sus canciones, que se ha convertido en una de las mejores compilaciones jamás realizadas en un solo álbum, el cual esta considerado una obra de culto en la actualidad. Con una lista repleta de estrellas como Tom Petty, Steely Dan, Boston, Foreigner, The Eagles, Bob Seger, James Taylor, The Doobie Brothers, Linda Ronstadt, Steve Miller, Joe Walsh, Billy Joel, Queen, Jimmy Buffett, Dan Fogelberg o Randy Meisner entre otros, pronto alcanzaron el millón de discos vendidos. Todas las canciones aquí incluidas son clásicos del rock, country o folk-rock y prácticamente todos fueron un éxito absoluto y coparon los primeros puestos en las listas en el momento que fueron publicadas en el mundo entero. En 1979 el álbum ganaría el premio Grammy a la mejor producción e ingeniería de grabación, otorgado al productor Roger Nichols, quien hasta entonces era quien producía regularmente los álbumes de Steely Dan.
Un año antes de reorganizar los Return to Forever, incluyendo un guitarrista eléctrico (Bill Connors) y adentrarse en el rotundo jazz rock, su líder Chick Corea estaba inmerso en el refinado jazz fusión con manifiestas influencias cariocas y latinas. Después de su álbum debut grabado para el sello ECM, Corea lanzo el elegante "Light as a Feather" junto a la cantante brasileña Flora Purim, al baterista Airto Moreira, al saxofonista Joe Farrell y al bajista Stanley Clarke. En este segundo registro, esta formación ofrece un cálido set list de sonidos isleños y latinos en donde sobresalen la versátil "Captain Marvel", la épica "Spain", la antológica "500 Miles High", la samba jazzistica "You´re Everything" o la bossa nova "Light As A Father". A partir de aquí, solo Chick Corea y Stanley Clarke permanecerían en Return to Forever la siguiente etapa de la banda, y sin embargo la que grabaría este "Light As A Feather", es sin duda responsable de uno de los mejores álbumes del jazz fusión de todos los tiempos.
Levon Helm no necesita ninguna presentación, baterista y cantante de la legendaria The Band en los años sesenta y setenta, fue uno de los grandes defensores de la música de raíces estadounidense. "Electric Dirt" fue su noveno álbum, en una carrera en solitario que había comenzado en 1977, poco después de la disolución de su banda madre. En este nuevo lanzamiento, Helm logra superar el éxito de su antecesor el fantástico "Dirt Farmer" con el que había logrado como este, el premio Grammy al mejor disco de música americana. Sin embargo aquí, que tenía por entonces setenta años, amplía los horizontes musicales para ir un poco más allá, introduciendo elementos más eléctricos para continuar con sus influencias gospel, blues y el jazz de Nueva Orleans, todo aderezado con su habitual estilo de folk y country. Con su voz ya deteriorada (en ese momento sufría de cáncer de garganta), Helm va pasando de tema en tema con gran sinceridad y de manera auténtica con versiones de canciones de The Band, Randy Newman, Staples Singers o Muddy Waters además de algunas composiciones propias.
Siguiendo la formula del anterior "Songs From The Wood", Jethro Tull presentaba su decimoprimero álbum “Heavy Horses”, en el cual las medievales influencias del folk británico son el pilar fundamental de esta entrega. Esta vez Ian Anderson hace hincapié en el avance insostenible de las urbanizaciones en el medio rural, y su posterior repercusión en los animales silvestres y en el medio ambiente campestre. Ese marco rural esta reflejado en una música repleta de guitarras acústicas cortesia de Martin Barre y Anderson, los violines y los arreglos orquéstales de Darryl Way y David Palmer y la inconfundible flauta del propio Ian Anderson. Con esas estructuras se van sucediendo canciones como "...And The Mouse Police Never Sleeps", "Acres Wild", "Moths", "One Brown House" y "Weathercock". Sin embargo no se olvidan totalmente del rock con temas más sofisticados y enérgicos como la nerviosa "No Lubally", la semi funk "Journeyman" o la folk progresiva que da titulo al álbum. "Heavy Horses supuso el mejor epilogo a una serie de álbumes ("Minstrell In The Gallery", "Too Old To Rock´n´Roll; Too Young To Die!" y "Songs From the Wood"), en donde los sonidos acusticos y el folk progresivo habían sustituido de manera sutil al enérgico folk rock y el rock progresivo de "Aqualung", "Thick As A Brick", "A Passion Play" y "War Child".
Man son sin ningún lugar a dudas, la banda por antonomasia de Gales, que a pesar de sus continuos cambios de formación, alcanzaron el status de leyendas gracias a una serie de álbumes en los que se asemejaban a sus coetáneos americanos Grateful Dead y Quilcksilver Messenger Service, debido a sus largas suites improvisadas con riffs y extensos solos de guitarras, el estilo psicodélico y las influencias del country rock y el blues. En 1972 Man estaba conformada los guitarristas y voces Micky Jones y Clive John, el teclista Phil Ryan, el bajista Will Youatt y el baterista Terry Williams. Con esta formación entrarían en los estudios galeses Rockfield en Mommouth para grabar su quinto registro, este "Be Good to Yourself at Least Once a Day". Con solo cuatro largos temas que oscilan entre los ocho y los doce minutos, en esta nueva entrega siguen mostrando su faceta psicodélica experimental pero consiguiendo un mayor equilibrio entre todos los estilos antes mencionados. La implacable "C´Mon" es la encargada de abrir este álbum, toda una epopeya con dosis de space rock, un reluciente órgano Hammond y las improvisaciones de unas guitarras explosivas. La instrumental "Keep on Crinting" se mueve entre suaves pasajes country, los sonidos espesos de la psicodélica y sutiles toques jazzisticos. La asombrosa rock acida "Bananas" es otro de los puntos culminantes, todo un clásico de estos galeses, que se encuentra a medio camino entre el rock psicodélico y el krautrock, con un ritmo constante y una excelente interacción instrumental. Mientras que el final esta reservado para la boogie bluesy "Life on the Road", en donde entre las secciones vocales hay espacio para monumentales pasajes instrumentales y el protagonismo de sus dos ingeniosos guitarristas.
Them fue uno de los mas influyentes grupos de la mitad de los años 60, creadores de uno de los hits mas famosos del genero, "Gloria", toda una pieza clásica durante muchos años y a través de las diferentes versiones de múltiples intérpretes y grupos. Creados en Belfast en el año 1963, su formación original la comprenden Van Morrison a la voz, Billy Harrison a la guitarra, Alan Henderson al bajo, Patrick McCauley al órgano y Ronnie Millinc a la batería. Posteriormente el grupo iría cambiando de miembros sin que ello repercutirá en la calidad del grupo, cimentada casi con exclusividad en la arrolladora personalidad de Van Morrison. En el año 1964, el grupo se traslada a Londres y sus primeros discos crean un enorme clímax en torno a la personalidad y la voz casi negra de Morrison. "Baby please don’t go" y "Here comes the night", canciones escritas por Bert Berns (autor de otros hits, como “Shout” y “Hang on sloopy”), los catapultan al estrellato, pero su mayor éxito será la mencionada “Gloria”, nº 1 en 1965 y uno de los grandes temas de los años 60. En 1965 publican su primer álbum bajo el sello Decca "The Angry Young Them", en el aparecen la citada "Gloria" o "Mystic Eyes", ambos firmados por Morrison, además de versiones del clásicos de R&B. Them grabaría otros muchos temas brillantes como "Call my Name", "Here Comes the Night", "It's All over Now" o "Baby Blue" entre otros. Un año después llegaría el segundo álbum "Them Again", pero en 1967 y con solo dos álbumes grabados, Van Morrison deshace el grupo para continuar su carrera en solitario. Desde entonces se convierte en una de las figuras más relevantes del rock y del blues en el mundo, con una carrera que le mantendrá fuera de los rankings comerciales pero a la altura de los mejores solistas de todos los tiempos. En 1973, se editaría la recopilación “Them Featuring Van Morrison”, en la que se recuerdan los mejores temas del grupo.
Strawbs fueron una de las bandas británicas más originales debido a su constante evolución fusionando el folk ingles y el rock progresivo. Fundada por el guitarrista y cantante Dave Cousins a mediados de los años 60, tuvieron que esperar hasta casi finales de esa década para ver publicado su primer trabajo homónimo. Un año después, la entrada del teclista Rick Wakeman, les otorgaba un estilo más vanguardista, dirigiendo la música hacia el rock sinfónico como queda demostrado en "Dragonfly" (1970) y con un mayor énfasis en el siguiente "From The Witchwood" 1971). Sin embargo después de este ultimo lanzamiento, Wakeman decide acudir a la llamada del grupo Yes y abandona la nave siendo sustituido por el teclista Blue Weaver, que junto al baterista Richard Hudson, al bajista John Ford, y a los guitarristas Dave Cousins y Tony Hooper y bajo los arreglos y la producción de Tony Visconti acometen la grabación del cuarto lanzamiento de Strawbs. En esta entrega la banda muestra un álbum conceptual sobre la vida del hombre, desde su nacimiento hasta su muerte. "Grave New World", un titulo que hace referencia a la novela de Aldous Huxley, contiene desde melodías agradables, junto a una lírica irónica y mordaz con la gloriosa "Benedictus", hasta aproximaciones a la psicodelia "Queen Of Dreams", pasando por las enérgicas guitarras de "Heavy Disguise", la balada sinfónica "Flower and the Young Man" o el vigoroso rock progresivo "Tomorrow", todas ellas entremezcladas con los interludios folk "On Growing Older" y "Ah Me, Ah My".
En 1973 Led Zeppelin junto a su manager Peter Grant, fundaron su propio sello discográfico "Swan Song Records", y con ello firmaron algunas de las bandas mas populares de los años 70 como Bad Company o The Pretty Things, las cuales lanzaron varios álbumes bajo su patrocinio. Centradonos en los segundos, The Pretty Things habían logrado mantener una carrera muy estable desde mediados de los sesenta bajo un estilo que navega entre el pop psicodélico y el proto progresivo. Álbumes como "S.F. Sorrow" (1968) y "Parachute" (1970), están considerados dos de las grandes obras maestras de la época. Ya lejos de su época esplendorosa, siguieron lanzando meritorios trabajos enfocados en el rock clásico como "Freeway Madness" (1972), "Silk Torpedo" (1974) o este que nos ocupa hoy aquí, "Savage Eye" lanzado en 1975 y como el álbum anterior, publicado bajo el mencionado "Swan Song Records". En esta entrega la banda compuesta por Phil May (vocalista), Jack Green (bajo, voz y guitarras), Peter Tolson (guitarras y bajo), Gordon Edwards (guitarras, teclados y voces), John Povey (teclados) y Skip Alan (batería), se enfocaron en un repertorio básicamente orientado al rock convencional y al rock´n´roll típico de esos años 70. Cortes como la monolítica y zeppeliana "Under The Volcano", o la melancólica folk pop rock "Sad Eye", son junto a la grandilocuente "My Song", créditos mas que suficientes para catalogar este magnifico álbum. El resto sin llegar a las excelencias de las anteriores, sigue estando a un buen nivel compositivo e instrumental, como queda demostrado con la alegre rock´n´roll "It Isn´t Rock´n´Roll", en el enérgico rock "I´m Keeping" o en el relajado pop rock "It´s Been So Long".
"Brilliant Corners" fue el noveno registro de Theloniuos Monk como solista, grabado para el sello Riverside en 1956 en Nueva York y publicado al año siguiente. Con esta grabación Monk empezaría ser considerado como un pionero del jazz moderno, después de años de incomprensión por parte de los críticos y de los aficionados debido a su vanguardismo experimental. Con "Brilliant Corners" no solo logaría una de sus mejores entregas, si no también una de las grandes grabaciones en la historia de jazz. Para esta grabación Monk se rodeo de un gran elenco de músicos donde sobresalen Max Roach, Clark Terry, Paul Chambers, Sonny Rollins y Ernie Henry. La mayoría de las melodías que aparecen en este disco están basadas en el blues de medios tempos relajados, empezando por la tour de force que da titulo al álbum, un corte adelantado a su tiempo debido a su tremendo dinamismo. El jazz-blues vanguardista "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are" o la delicada balada "Pannonica", muestran el aplomo de las teclas del piano de Monk, mientras que la afro caribeña "Bemsha Swing", retorna su cara experimental junto al saxo de Sonny Rollins, que a través de las desafiantes secuencias de piano de Monk, muestra su sublime talento con el saxofón.
En 1979 The Allman Brothers lanzaban su sexto álbum de estudio "Enlightened Rogues", el cual muestra algunas de las piezas mas duras y enérgicas de toda la carrera del grupo y que pese a su incuestionable calidad esta considerado una de sus obras mas previsibles. Grabado en un momento en donde la falta de creatividad de un despreocupado Gregg Allman, tuvo en el guitarrista Dickey Betts el impulsor principal escribiendo cinco de los ocho temas que componen el disco. Para esta grabación la formación originaria de Jacksonville ya no contaban con el teclista Chuck Leavell ni con el bajista Lamar Williams, sustituidos aquí por Dan Toler (guitarras) y David Goldflies (bajo), permaneciendo los habituales Gregg Allman (órgano, piano eléctrico y voz), Dickey Betts (guitarras y voz), Jaimoe (batería) y Butch Trucks (percusión). Las composiciones de Betts se traducen en una serie de canciones de gran poderío como "Can´t Take It With You" o "Blind Love", mientras que el sonido caracteristico del blues sureño impregnado de pasajes jazzisticos esta presente en "Just Ain´t Easy", en la blues "Need Your Love So Bad", una pieza original de John Mertis, o en el tour de force guitarristico "Pegasus". Lastrado por el exito de las las enormes obras anteriores, el álbum no tuvo el reconocimiento que se merecía y pese a ello lograría un noveno puesto en las listas del Billboard y un disco de oro por sus numerosas ventas en el mercado norteamericano.
Nos vamos a Islandia, de allí son Trúbrot, una banda ecléctica que se movían entre los sonidos hipnotizantes y atmosféricos del space rock psicodélico y el proto hard rock. Fundada en 1969, su formación estaba compuesta por Karl Sighvatsson (teclados), Gunnar Jökull Hákonarson (batería), Gunnar Þórdarson (guitarra), Rúnar Júlíusson (bajo y voces) y Shady Owens, (cantante). Después de varios álbumes enfocados en el típico pop rock psicodélico de los años 60 "Trúbrot" (1969) y "Undir Áhrifum" (1970), se trasladaron a Inglaterra donde en 1971 grabaron su trabajo mas ambicioso, "Lifun". En este entrega la formación islandesa muestra su gran diversidad estilística con una serie de canciones que van desde el heavy rock "Lives Overture", hasta estimulantes piezas atmosféricas "Circulation", pasando por la galopante progresiva "School Complex", el folk "Hush-S-Bye" o ampulosas mini sinfonías "Margföld er Lifun er Lifum við Ein". Tras varios álbumes mas, "Mandala" y "Náttúra: Magic Key", ambos lanzados en 1972, terminaron disolviéndose a finales del año siguiente.
En 1964 el saxofonista Stan Getz lograría que su álbum junto al guitarrista y cantante brasileño João Gilberto, fuera todo un hito, generando una fiebre por los sonidos de la bossa nova en los Estados Unidos y en gran parte del mundo entero. Originario de Pensilvania, en sus primeros años Stan Getz se asociaría al bebop influenciado por el estilo sutil y refinado del mítico Lester Young. En medio del bullicioso movimiento jazzistico de los Ángeles de finales de los 40 y durante toda la década de los 50, Stan Getz haría alianzas con destacadísimos iconos del jazz como Benny Goodman, Woody Herman, Horace Silver, Oscar Peterson o Charlie Parker. Integrado definitivamente en el West Coast Jazz, Getz se iría labrando una grandísima reputación gracias a todas esas colaboraciones y a sus propios álbumes como "Stan Getz Plays" (1952), "Diz and Getz" junto a Dizzy Gillespie (1955) o "Stan Getz and the Cool Sounds (1957) entre otros muchos mas. Ya principios de los sesenta Getz grabaría varios álbumes de bossa nova con Charlie Byrd, por lo que varios años mas tarde su asociación junto a Antônio Carlos Jobim seria fundamental para que junto al prometedor por entonces João Gilberto, grabaran uno de los álbumes de jazz mas famosos de todos los tiempos. En "Getz/Gilberto" además de los tres músicos, intervienen Milton Banana, Astrud Gilberto y Sebastião Neto, logrando entre todos ellos crear un exquisito recorrido por los sonidos tranquilos y delicados de la bossa nova. Esa combinación de los sedosos sonidos del saxo de Getz, los suaves rasgueos de la guitarra de Gilberto y la delicada voz de Astrud Gilberto se ven reflejados en la mítica canción "The Girl From Ipanema", sin duda la mas popular de un álbum tan icónico como fundamental.
Seis años después de la ultima reunión de la considerada formación clásica de Deep Purple para la grabación del álbum "The House Of Blue Light" (1987), la denominada "Mark II", volverían a reunificarse en una tercera etapa para confeccionar el décimo cuarto álbum de estudio "The Battle Rages On...". Sin embargo en realidad el único miembro que volvería al redil seria el cantante Ian Gillan, el resto (Blackmore, Lord, Paice y Glover) ya habian facturado el anterior "Slaves And Masters" (1990) con el cantante Joe Lynn Turner al frente. Con este nuevo lanzamiento la banda británica nos devuelve a los Purple mas tradicionales alejándose de los sonidos del AOR de su predecesor para confeccionar un gran álbum de hard rock clásico con ciertas influencias orientales y semi progresivas. Constituido por un repertorio de excelentes y sólidos hard rock, los veteranos músicos seguían demostrando que aun tenia mucho que decir en el negocio musical presentando una serie de trallazos como la frenética "Lick It Up", o las poderosas y contundentes “The Battle Rages On”, "Anya", "One Man´s Meat", "Solitaire", "A Twist In The Tale", "Time To Kill" o "Talk About Love", en todas ellas con un Ritchie Blackmore mostrando su faceta asesina con sus riffs y solos de guitarra, el trabajo sensacional de Ian Paice y Roger Glover en la precisa y pesada como una losa sección rítmica, combinados con la grandilocuencia instrumental del órgano Hammond de Jon Lord y la sublime voz de uno de los mejores vocalistas de la historia. Sin duda “The Battle Rages On…” fue el mejor epitafio de la formación mas legendaria y exitosa de Deep Purple.
Keith Jarrett es considerado uno de los más grandes pianistas del jazz, denominado por muchos críticos como el "Bach" de la música jazz, gracias a su excepcional estilo minucioso de espontáneas líneas instrumentales solistas. Ya con apenas dos años comenzaría a recibir clases de piano, y a los siete ya daba conciertos solistas. En 1962 con apenas 16 años ofreció un concierto de más de dos horas compuesto por el mismo. Durante los años 60 actuaría y colaboraría junto a grandes del jazz como Chet Baker, Art Blakey, Charlie Haden, Gary Burton, Miles Davis o Charles Lloyd entre otros muchos más. A principios de los 70 Jarrett empezaría a inclinarse hacia un estilo acústico sin dejar de diversificar su creatividad y explorando sonidos vanguardistas. Su álbum "Facing You" para la ECM, es un ejemplo de esa época ciertamente minimalista. Posteriormente iniciara una serie de recitales para la propia ECM, logrando grandes alabanzas y aumentando el interés del gran público. “The Köln Concert” recoge el recital que el pianista ofreció el 24 de enero de 1975 en la Opera de Colonia y que seria publicado a finales del mismo año por el sello dirigido por Manfred Eicher, ECM. Compuesto por 66 minutos de extensas improvisaciones intensamente rítmicas con pasajes febriles y líricos y un torrente catártico de emociones. El álbum obtendría tanta notoriedad que aun hoy en día es el disco más vendido de música para piano sin acompañamiento.
Lee Morgan fue un prodigioso trompetista originario de Filadelfia que se hizo popularmente famoso como miembro de la banda de Dizzy Gillespie y de los Jazz Messenger dirigidos por Art Blakey durante la década de los cincuenta. En 1956 Morgan empezaría a grabar sus propios álbumes en solitario bajo el prestigioso sello Blue Note, mientras paralelamente siguió colaborando con grandes del jazz como John Coltrane o Hank Mobley. Entre sus registros mas aclamados se encuentra "Moanin", junto a los Messenger. Su álbum y canción "The Sidewinder", un contagioso corte de alegre ritmo soul jazz, le llevaría a lograr ser uno de los artistas mas exitosos del sello durante años. Otras piezas de este renombrado álbum son oscuros experimentos jazzisticos como "Totem Pole" o "Hocus Pocus", en las cuales el saxo vigoroso de Joe Henderson contrasta profundamente con la elegante trompeta de Morgan, los cuales son secundados por una estimable banda compuesta por el bajista Bob Cranshaw, el baterista Billy Higgins y el pianista Barry Harris.
La pasión por el blues de Eric Clapton se remonta a sus años junto a John Mayall y The Bluesbrakers, continuando por su paso por los míticos Cream, los Blind Faith o junto a Derek and The Dominos, además de sus innumerables colaboraciones o las aportaciones en sus álbumes en solitario. Si en anteriores trabajos como el formidable "From The Cradle", Clapton se había sumergido profundamente en los sonidos arraigados del blues, con "Riding With the King", el guitarrista británico muestra su respeto y fascinación por el genero firmando este álbum junto al admirado B.B.King. Un disco que además de estos dos genios, cuenta con las colaboraciones de prestigiosos músicos como los guitarristas Andy Fairweather Low, Jimmie Vaughan y Doyle Bramhall, el teclista Joe Sample, el bajista Nathan East y el baterista Steve Gadd. En este soberbio álbum, Clapton y King logran compenetrarse de manera perfecta, como no podía ser de otra manera, para dejarnos deliciosas piezas como "Come Rain Or Come Shine", "Ten Long Years", "Key to the Highway", "When My Heart Beats Like a Hammer" o "Three O´Clock Blues", logrando con todas ellas un exquisito disco del mejor blues, confeccionado por dos de los mas grandes guitarristas de la historia.
Si existe una banda que supo reflejar perfectamente la parafernalia teatral del rock fueron sin duda los norteamericanos Styx, una formación que en sus inicios se enfocaron en un estilo orientado al rock progresivo con raíces en la música norteamericana. Según fueron pasando los años, Styx evolucionaron su estilo, derivándose en unos sonidos menos ampulosos y más pegadizos, rozando el rock orientado hacia adultos, pero manteniendo sus complejas y teatrales composiciones. Álbumes como "The Serpent is Rising", "Man of Miracles", "Equinox", "Crystal Ball", "The Grand Illusion", "Pieces Of Eight", Cornerstone" o "Paradise Theater" son considerados obras esenciales del rock norteamericano. En 1977 Styx estaban en la cima de su carrera y ese año lanzaron su séptimo álbum, "The Grand Illusion", el cual se convertiría en uno de sus mayores logros creativos y comerciales, facturando un excelente trabajo que fusionaba el rock clásico y el art rock que lograría un triple platino por los mas de tres millones de discos vendidos en el mercado norteamericano. El atractivo de Styx en esta entrega es su gran diversidad sonora, en donde bajo una gran gama de estilos e influencias musicales, se suceden desde sonidos vigorosos y potentes como "Miss America", hasta lienzos de dinamismo progresivo "Superstars", pasando las complejidades instrumentales "The Grand Illusion", el rock melódico "Come Sail Away", épicas piezas progresivas "Castle Walls" o atractivos hard rock como "Man In The Wilderness".
Glenn Frey fue muy escueto publicando discos en solitario con solo cinco discos en 25 años, que sin contar varios recopilatorios y un directo ha seguido la estela de casi todos los ex integrantes de The Eagles, todos ellos poco dados a publicar en sus carreras en solitario. En 1992 Frey editó su cuarto disco "Strange Weather", el cual a pesar de su enorme calidad pasó algo desapercibido para el gran público.
Sin embargo aquí contiene muchos de los mejores momentos de su carrera al margen de su banda madre, como el melódico "Part Of Me, Part Of You" que cobraría relevancia tras ser incluida en la banda sonora de "Thelma & Louise". Con "Long Hot Summer", Frey demostró su estilo ecléctico con un tema rítmico y bailable, o con el irresistible blues rock "He Took Advantage (Blues para Ronald Reagan)", mientras que en "River of Dreams" salió su vena melancólica en donde demuestra su faceta de creador de grandes canciones, así como en las adictivas "I´ve Got Mine" y "Brave New World".
Casi a finales de los ochenta Foreigner lanzaba su ultimo gran álbum, "Inside Information", el cual pese a no contener la excelencias de sus obras anteriores seguía manteniendo el status de banda tremendamente popular a nivel mundial. Por entonces la banda estaba formada por los mismo músicos que habían grabado los dos anteriores y multimillonarios álbumes "4" (1981) y "Agent Provocateur" (1984), con Mick Jones a las guitarras y teclados, el cantante Lou Gramm, el bajista Rick Willis y el baterista Dennis Elliott, además de las colaboraciones de Peter-John Vettese, Tom Bailey, Kevin Jones, Hugh McCracken, Sammy Merendino, Ian Lloyd y Mark Rivera. Compuesto por un set list orientado a las radios FM aquí nos encontramos con magistrales piezas como las melódicas "Say You Will" y "I Don´t Want to Live Without You", o irresistibles AOR como "Heart Turns to Stone", "Face to Face" y "Out of the Blue", las cuales contrastan con las adictivas hard rock "A Night to Remember", "The Beat of My Heart" y "Counting Every Minute". Pese a no superar comercialmente los registros anteriores, "Inside Information" lograría un estimable top 15 en el Billboard y un disco de platino por sus ventas en el mercado norteamericano.
Con "Get a Grip", Aerosmith se afianzaban como una de las grandes formaciones del rock and roll después de una larga travesía por el desierto, debido a una serie de discos que se alejaban de su inicial y desenfada propuesta como fueron "Night in the Ruts", "Rock in a Hard Place" y en menor medida "Done with Mirrors" y los problemas personales de algunos de sus miembros. Sin embargo a partir del octavo registro "Permanent Vacation", la formación bostoniana daria un paso adelante confeccionando un trabajo inmejorable con algunas de sus mejores composiciones como son "Dude (Looks Like a Lady)" o "Rag Doll". Después de otra fenomenal entrega como el siguiente "Pump", confirmarían su resurgir creativamente con este "Get A Grip", en el que los medios tiempos y las baladas son los cortes que soportan el peso especifico del álbum. Aquí aparecen las irresistibles "Crazy", "Amazing" y "Cryin", tres grandes aportes a la comercialidad del grupo, las cuales son secundadas por un set list compuesto por las hard rock "Walk This Way", "Eat The Rich", "Get a Grip" o "Fever", dejando patente con todas ellas, que la vena del rock and roll mas crudo y enérgico seguía fluyendo por las venas de estos renacidos Aerosmith.
"Time to Turn" fue el décimo disco de Eloy publicado en 1982 y la secuela del álbum "Planets" dentro del concepto que los une y uno de los últimos trabajos altamente recomendables de Eloy. Pese a que aquí siguen la línea del anterior "Planets", sin embargo es un trabajo más contagiado por los sonidos de la época. Algo que puede verse en los ritmos simplistas y más estrictamente art-rock, que inundan gran parte de los temas, con un notable abandono de las atmósferas espaciales en beneficio de un sonido más hard rock. La ambientación espacial en este caso no involucra la temática por completo, si no que se muestra más dosificadas, mientras que durante algunos pasajes, el sonido tiene ciertas similitudes a The Alan Parsons Project, o contiene ciertas influencias de los sonidos techno-pop, especialmente en el corte "The Flash."
Temas como "Through a Somber Galaxy", un rock progresivo adaptado a los 80, la semi-acústica "Say is it Really True" o la excelsa "End of an Odyssey", que incluye un excelente y largo comienzo instrumental dominado por los teclados, son sin duda los momentos mas destacados de este album. Pero incluso añadiría que lo mejor de "Time to Turn", son los brillantes solos de sintetizador incluidos en los citados "Through a Somber Galaxy", "End of an Odyssey" y en "The Flash".
El segundo álbum de los germanos My Solid Ground es básicamente una serie de grabaciones para la estación de radio SWF que se realizaron a finales de 1971, meses después del lanzamiento del primer álbum. Compuesto solo por cuatro piezas, la mayoría de ellas instrumentales, muestra la lógica prolongación estilística de su predecesor, un hard rock psicodélico con mucha improvisación instrumental en donde sobresalen los increíbles solos de guitarra del virtuoso Bernhard Rendel. La formación que grabaría estas sesiones seria la misma que aparece en el álbum debut; Bernhard Rendel (guitarra y voz), Ingo Werner (órgano Hammond), Karl-Heinrich Dörfler (bajo) y Andreas Würsching (batería). Un álbum que comienza con la sedosa psicodélica "Hysterical", la cual se convierte en el perfecto comienzo para las disparatadas hard rock lisérgicas "BBB", "Superconstellation" y "Short Waves".
En 1982 la banda californiana Toto publicaba su cuarto álbum, el cual titulado genéricamente "IV", lograría a darle al grupo un tremendo éxito después de dos lanzamientos menores como son "Hydra" y "Turn Back", que creativa y comercialmente estuvieron muy alejados del apoteósico debut homónimo lanzado cuatro años antes. Grabado con la misma formación de los anteriores lanzamientos; Steve Lukather (guitarras, voz, teclados), David Hungate (bajo), Jeff Porcaro (batería), Steve Porcaro (teclados y voz), David Paich (teclados y voz) y Bobby Kimball (voz). Con "IV" lograron el cenit creativo gracias a irresistibles canciones de pegadizo rock melódico como las inmortales "Africa", "Rosanna", "I Won´t Hold You Back" o las atractivas "Make Believe" y "We Made It". Por otro lado las hard rock "Afraid of Love" o "Lovers in the Night", son en cambio los momentos mas complejos y que junto a la jazzistica "Good for You", lo mas destacado de un brillante trabajo que lograría mas de diez millones de discos vendidos alrededor del mundo.
En 1994 Asia, liderados por Geoff Downes y John Payne, confirmaba la tendencia del hard rock melódico de su predecesor trabajo publicando su quinto álbum titulado "Aria", sin duda el lanzamiento más pesado y enérgico de todo lo hecho hasta esos momentos. A pesar de que ya apenas queda resquicio de los primeros Asia, los teclados de Downes aun tiene la suficiente personalidad para otorgar a este nueva entrega el típico sonido de la banda. Además de Payne (bajo, guitarras y voz) y Downes (teclados), aquí la banda estaba formada por el baterista Michael Sturgis y el guitarrista Al Pitrelli, este ultimo sin duda el principal artífice de la contundencia y la vigorosidad del repertorio. Con otra espectacular portada diseñada por Roger Dean, en "Aria" sobresalen desde añejas piezas con el sonido inconfundible de sus primeros trabajos "Sad Situation", hasta cortes orientados al enérgico rock como “Anytime”, "Military Man", "Don´t Cut The Wire", "Are You Big Enough?" o "Remembrance Day", atronadoras baladas "Feels Like Love", pasando por tímidos acercamientos a los sonidos progresivos con "Desire" o la canción que da titulo al álbum. Pese a que "Aria" no lograría superar la creatividad de sus álbumes "clásicos", sigue siendo uno de los trabajos más coherentes y sólidos de toda la discografía del legendario combo británico.
Muy a menudo cuando Peter Hammill publicaba un nuevo álbum en solitario muchos se preguntaban si este era realmente un nuevo lanzamiento de su banda madre Van Der Graaf Generator o uno suyo. Esa duda quedaría reflejada por ejemplo en su cuarto álbum, este "In Camera", en el cual incluso como ya había sucedido en sus anteriores registros, aparecían algunos miembros de VDGG. En esta ocasión Hammill vuelve a mostrar su gran creatividad componiendo una increíble serie de piezas oscuras y dramáticas, utilizando para ello el uso intensivo de los sintetizadores y el Mellotrón interpretados aquí por David Hentschel, y una gran pasión intelectual con reflexivas confusiones existencialistas. Rememorando pasajes del álbum de VDGG "Pawn Hearts", emergen la enojada "(No More) The Sub-Mariner", la filosófica "Fain-Heart and the Sermon" o la aterradora "Gog". En "In Camera", Hamill va narrando musical y líricamente una sucesión de espeluznantes sonidos, desde lo gótico hasta lo tribal, todo ello matizado por contrapuntos electrónicos. Toda esa inquietud se ve maravillosamente reflejada en el tour de forcé final "Magog (In Bromine Chambers)", en donde el cantante explora la psicología humana. Sin embargo hay momentos mas terrenales y de fácil asimilación, y en ese contexto aparecen la acústica "Ferret and the Featherbird", la pastoral "Again" y la juiciosa "The Comet, The Course, The Tail". Sin duda,con esta obra Peter Hammill volvió a desafiar todo lo establecido con otro álbum no apto para el gran público.
Bajo el nombre de Pacific Gas & Electric, se esconde un gran bluesman y rockero llamado Charlie Allen, el verdadero impulsor de este cambiante grupo, que pocas veces a lo largo de su carrera mantuvo una configuración definida, aunque sea la mas conocida la que lograría su mayor impacto comercial y uno de los grandes temas de los 60 como es “Are you Ready”. Esta banda fue creada en 1967 por Allen como su impulsor, líder y único miembro, que permaneció en toda la carrera del grupo. Constituida por excelentes músicos, fue una de las primeras formaciones interraciales, y estaba formado además de Allen como cantante, por el batería Fran Cook, ex componente de Canned Heat, Tom Marshall a la guitarra rítmica, el bajista Brent Block y el virtuoso guitarrista Glenn Schwartz. Una perfecta mezcla de blancos y negros daban un toque exótico a la banda que actuaban en la zona de los Ángeles, hasta que fueron contratados por el sello Kent que les produce su primer álbum "Get It On”, una obra musical que pasó desapercibida y que tuvo poca repercusión en su momento. Y como los buenos vinos, fue ganando reputación con el paso del tiempo. Contiene una buena colección de clásicos de blues, entre los destacan temas como “The Motor City Is Burning”, magníficamente interpretados. También incorpora temas de facturación propia, como los antológicos “Long Handle Shovel”, “Stormy Times” y “Live Love”, demostrando con todas ellas ser una agrupación sólida y con recursos, poseedora de un vocalista extraordinario y un guitarrista único. Ese mismo año participan en el Miami Pop Festival y después de su actuación reciben una propuesta de la Columbia para un nuevo contrato y debutan con el álbum "Pacific Gas and Electric" (1969) y un año después le sigue "Are You Ready", con el que consiguen un gran éxito debido a la canción del mismo nombre. Pero a partir de ese momento empieza el declive. Frank Cook sufre un grave accidente teniendo que dejar su puesto a Ron Woods. Los cambios de personal se van sucediendo. En 1971 se ven obligados a cambiar su nombre a PG&E por problemas legales con la compañía eléctrica. Por otra parte entra una sección de viento con la que graban, " PG&E" (1971). Llegados a este punto la banda estaba prácticamente desintegrada, pero Charlie Allen se resistía a ello por eso reunió a varios músicos de estudio y graba el siguiente álbum "Pacific Gas & Electric Starring Charlie Allen" (1973), la última gran obra de este legendario grupo.
"Straight Up" es una obra maestra del pop-rock que, sin embargo no tuvo el éxito o el reconocimiento que merecia. Fue el Beatle George Harrison quien elegiría producir este álbum inicialmente, después de que Apple Records (propiedad de The Beatles), rechazara el álbum en un principio. Eventualmente sería Todd Rundgren quien supervisaría la producción final antes de su lanzamiento en 1971. Un disco que contiene joyas como "Day After Day" donde el propio Harrison aparece como invitado en las guitarras y Leon Russell en el piano. Una canción hoy en día tan reivindicada, es un sencillo exitoso que podría haber ido mucho más lejos si no fuera por el hecho de que el propio sello discográfico estaba pasando por sus horas bajas. El disco también contenía títulos muy destacables como "Name Of The Game", "Take It All" o "I´d Die Baby" que componían un álbum colosal que lamentablemente, (una constante en Badfinger), no obtuvo el reconocimiento apropiado por parte del gran publico.
Lejos de ser el típico baterista solista que sobreponía su ego personal e instrumental a su trabajo en equipo, Buddy Miles es uno de los mas prolíficos de la historia del rock, que entre sus colaboraciones se encuentran legendarios artistas como Jimi Hendrix, Electric Flag, Muddy Waters, Santana o John McLaughlin entre otros grandes del rock. Sin contar su virtuosa manera de tocar la batería, Miles era un muy buen cantante y guitarrista, además de un afamado compositor y productor. En 1972 su largas colaboraciones se traduciría de manera apoteósica en el álbum "Carlos Santana & Buddy Miles! Live" en el cual además del guitarrista de origen mexicano, también aparecían Neal Schon (guitarra), Coke Escobedo (baterista), Mike Carabello (percusión), Mingo Lewis (percusión) o Hadley Caliman (vientos). Grabado en vivo en Honolulu Hawaii, durante el "The Sunshine Festival, Inside Diamond Head", que se celebro en el mes de enero de 1972, muestra un estilo que difiere bastante de lo que Carlos Santana hacia por aquellos años, con un repertorio de extensos cortes con influencias psicodélicas bajo el funk, el rhythm and blues y el jazz rock, y que lo convierten en un disco orientado claramente a la jam sessions y la improvisación, como demuestra la extensa "Free Form Funkafide Fith", en donde ambos músicos dejan patente un gran estado de forma, con una gran interacción entre las guitarras y la batería.
Después de que Paul Rodgers dejara Bad Company, Mick Ralphs y Simon Kirke volvieron a reflotar la banda y seguir adelante. Y varias cosas cambiaron a partir de entonces. Las producciones dejaron de ser setenteras y fieles a las texturas blues de los primeros tiempos para dar paso a producciones más modernas. El AOR, el rock melódico, los teclados y los sonidos que inundaron las estaciones de FM de todo el mundo infestaron por completo el sonido de Bad Company. En gran medida eso se debió a la inclusión a las filas del grupo de Brian Howe, que se haría cargo de la voz. No en vano, y con la complicada misión de suplir al todavía omnipresente Paul Rodgers, Brian reconfiguró el sonido del grupo con su voz, su único aval hasta entonces era el impresionante 'Penetrator' que grabó en 1983 con Ted Nugent, sin embargo en este disco se superó a sí mismo con creces, haciendo un trabajo extraordinario. Así, la segunda etapa de Bad Company arranca con una buena canción como "Burning Up", en "Fame and Fortune" aparecen los Bad Company más clásicos regresando con ese regusto a blues, la melódica "Long Walk" ya deja entrever el futuro inmediato de la banda, en cambio, es "Valerie" una canción impecable y junto las dos preciosas baladas "When We Made Love" y "If I'm Sleeping", las que definen uno de los mejores discos del género melódico del rock de la década de los ochenta.
Spirit fue una banda originaria de los Ángeles formada en 1967 por Randy California (Guitarra), Ed Cassidy (Batería), John Locke (Teclados), Mark Andes (Bajo y Voz) y Jay Ferguson (Voz y percusión). Inicialmente se llamaban Spirits Rebellious, pero después pasaron a llamarse sólo Spirit, su estilo tiene influencias de blues rock, ciertas dosis de psicodelia y jazz . Randy California venía de tocar con Jimi Hendrix (en ese entonces conocido como Jimmy James), en un grupo llamado Jimmy James and the Blue Flames en 1966, influyendo la música de Hendrix en su posterior carrera. En 1968 publican su álbum debut "Spirit" el cual resulta una gran combinación de Rock psicodélico, progresivo, Pop Barroco, Folk, Raga y Jazz, y es muy bien recibido por la crítica y el público A finales del mismo año es lanzado el segundo álbum, "The Family That Plays Together", para posteriormente hacer un tour con Led Zeppelin como teloneros, curiosamente por aquella época Led Zeppelin versionaron el tema "Fresh Garbage" de Spirit, incluido en uno de sus extensos "medley" en directo y posiblemente se inspiraron en el tema "Taurus" de los propios Spirit para componer el inicio de "Stairway To Heaven". Este segundo trabajo es mucho más elaborado y variado, siendo también uno de los mejores discos de la banda. En 1969 editan 'Clear', que igualmente resulta un gran trabajo. Ya en 1970 son contratados por Epic Records. Con esta nueva discográfica publican su disco mas aclamado, 'Twelve Dreams of Dr. Sardonicus' en el que ofrecen canciones mucho más accesibles que lo publicado hasta entonces como 'Nature's Way', 'Animal Zoo' y 'Mr. Skin'. Este álbum competiría en las listas de ese año con los mejores discos de 1970 y pronto pasaría a estar considerado como uno de los mejores discos editados ese año. Después de la gira realizada a partir de la publicación del disco, Jay Ferguson y Mark Andes dejaron el grupo para formar Jo Jo Gunne. Al poco tiempo Randy California también decidió dejar el grupo para iniciar su carrera en solitario. En los sucesivos años Randy volvería al grupo para grabar algún álbum esporádico o salir de gira, alternando su carrera en solitario con la del grupo pero con apenas la repercusión de antaño.
El cuarto disco de la formación de metal progresivo Dream Theater, supuso su trabajo menos complejo y sofisticado hasta aquellos momentos, a la par que su álbum mas rockero y accesible. Partiendo de la base de sus influencias progresivas, se vuelven mas emotivos y penetrantes debido a los poderosos riffs de la guitarra de John Petrucci y al entusiasmo melódico del cantante James LaBrie. Igualmente seria el punto culminante de su teclista Derek Sherinan, que abandonaría la banda justo después del lanzamiento de este disco. Pese a la polémica que suscitaría este álbum, en el aun encontramos atisbos del sonido habitual de Dream Theater. Aquí están la cautivadora "Peruvian Skies", con un Sherinan sobresaliente a los teclados, las enérgicas "Burning My Soul" y "Just Let me Breathe" o la antológica "Lines in the Sand", la cual es junto a la epopeya final "Trail Of Tears", lo mas destacado de un álbum que dividiría las opiniones de sus millones de fans alrededor del mundo por contener una serie de cortes mas discretos y una estructura musical mas refinada.
Con el cuarto álbum de Steely Dan, sus dos lideres Walter Becker y Donald Fagen abandonaron el planteamiento convencional de banda de rock para convertirse en un proyecto de investigación y experimentación musical. A partir de aquí cada canción de todos los álbumes posteriores contarían con unos músicos específicos elegidos minuciosamente, unos músicos que se adaptaban al concepto y la idea de las composiciones en cuestión. "Katy Lied" también supuso una evolución estilística con respecto a todo lo anteriormente publicado, aquí se orientan hacia el soft rock estructurado dejando atrás (aunque de manera aun muy sutil), los arreglos jazzisticos. Entre la veintena de músicos colaboradores destacan Larry Carlton, Jeff Porcaro, Hugh McCraken, Rick Derringer, Elliott Randall, David Paich o Victor Feldman. Esos sonidos rock esta presente en piezas elegantes y sofisticadas como "Black Friday", "Chain Lightning", "Everyone´s Gone to the Movies", "Throw Back The Little Ones" o "Doctor Wu", mientras que los sonidos habituales del pop-jazz y blues aparecen en "Bad Sneakers", "Your Gold Teeth II" y "Daddy Don't Live In That New York City No More". "Katy Lied" es seguramente la grabación mas equilibrada y consistente hasta aquellos momentos, conservando las refinadas atmósferas, la usual producción perfeccionista y unas composiciones ejecutadas de manera impecable, todo ello adornado por las retorcidas e irónicas letras de la pareja Fagen & Becker.
"The Shape Of Jazz To Come" esta considerado uno de los álbumes mas vanguardistas dentro del genero del free jazz, firmado por una de las figuras legendarias del genero como fue el saxofonista Ornette Coleman. Para esta grabación Coleman prescindiría de una de las piezas básicas del jazz como es el piano, utilizando un cuarteto compuesto por batería, bajo, trompeta y saxo. Grabado en los estudios Radio Recorders de Hollywood en los Ángeles, Ornette Coleman contaría con Billy Higgins (batería), Charlie Haden (bajo) y Don Cherry (trompeta), como músicos acompañantes, bajo la supervisión del productor Nesuhi Ertgun. Con este álbum el mundo del jazz se vio sacudido por el lenguaje musical improvisado colectivamente, rompiendo los moldes de las reglas establecidas hasta esos momentos dentro del bebop, desarticulando las ideas mas puristas de lo que constituía la armonía y la melodía. Sin duda alguna este es históricamente uno de los hitos del movimiento del free jazz y una pieza angular de la música moderna.
Billie Holiday es una de las grandes divas del jazz, de ella se llego a decir que su voz cambio para siempre el arte de cantar. Su vida fue siempre turbulenta, desde su infancia Holiday tendría una vida difícil y convulsa. Su carrera artística comenzaría siendo casi una adolescente a principios de los años 30 cantando en clubs de mala muerte en Nueva York. Algún tiempo después y gracias a su forma de manipular su fraseo y su estilo vocal, lanzaría su primera canción registrada "You Mother´s Son-In-Law" (1933), con la cual obtendría cierto prestigio en los ambientes jazzisticos de la ciudad. A partir de aquí sus colaboraciones junto a mitos como Count Basie, Lester Young o Artie Shaw entre otros muchos, fue constante en docenas de grabaciones inmortales. Sin embargo su tumultuosa vida sentimental y personal le pasaban factura, consumiendo alcohol y drogas, un hecho que le acarrearía muchos problemas como su paso por prisión durante un año por posesión de heroína. En 1958 lanzaría su penúltimo álbum antes de morir, este "Lady In Satin", junto a los arreglos y la orquesta de Ray Ellis, en donde la cantante en un lamentable estado de forma, agotada y totalmente devastada por sus adicciones, lograría captar en una serie de canciones, su tremenda vulnerabilidad, con su voz rota y ronca, transmitiendo una gran intensidad emocional y sobrecogedora, fundiendo la melancolía, los sinsabores agridulces de su vida con cierta indulgencia y alegría. Sin duda alguna este fue el mejor epitafio de una de las grandes novelistas de la historia del jazz y de la música contemporánea.
Count Basie fue uno de los aristócratas del jazz, famoso por su estilo distintivo, sus múltiples influencias, su gran dinamismo y ese sentido único y peculiar del swing. Todas esas cualidades están presentes en una de sus más fulminantes y famosas grabaciones, la realizada a finales de 1957 en los estudios neoyorquinos de la Capitol, "The Atomic Mr. Basie", lanzado por el sello Roulette Records. En esta mítica grabación Basie lograría que las Big Bands volvieran a resurgir de sus cenizas luego de años en los cuales habían perdido el interés mediático del gran publico y estaban casi en el olvido. Todo el material aquí expuesto esta escrito por el arreglista Neal Hefti y ofrece una poderosa sección de metales. Sin embargo el hilo conductor es el sobrio y ardiente piano de Basie, el cual con sus ejecuciones logra momentos de gran cacofonía instrumental. Piezas vigorosas se entremezclan con otros de gran belleza melódica de gran sutileza y de delicados matices orquestales.
A principios de los 70, Frumpy se encontraban muy cerca de la cima entre todas las formaciones germanas del Krautrock y junto a Kraan, Guru Guru, Neu!, Agitation Free o Ash Ra Tempel, eran una de las mas aclamadas en todo el territorio alemán y en la Europa continental. Su debut discográfico es el excelente "All Will Be Changed", un trabajo repleto de sonoridades que mezclaban la psicodélica, el blues, tintes de gospel, el soul y el rock progresivo. Una gira anterior acompañando a pesos pesados del rock británico como Yes, Humble Pie, Spooky Tooth o Renaissance, no hicieron mas que agigantar su status de banda prometedora, por lo que este primer álbum obtendría un éxito arrollador en ventas y muchas reseñas positivas entre la prensa especializada de la época. Un año mas tarde y con la incorporación del guitarrista Rainer Baumann, Frumpy lanzarían su segundo registro, este "Frumpy 2", en el que la formación liderada por la cantante Inga Rumpf, y secundada por el teclista Jean-Jacques Kravetz y la sección rítmica compuesta por el bajista Karl-Heinz Schott y el baterista Carsten Bohn, presentan cuatro extensas canciones orientadas al hard rock progresivo. Con una producción más técnica y elaborada, aquí dan muestras de una soberbia instrumentación que por momentos nos dejan ese regusto al heavy rock británico de bandas coetáneas como Atomic Rooster, Quatermass o Uriah Heep. Unas brillantes guitarras, predominantes sonidos de órganos Hammond, y la emotiva y poderosa voz de Rumpf, están presentes en piezas como la alucinante e hipnótica "Good Wings", la pesada hard rock "Take Care Of Illusion", la emocionante "Duty" o la mini epopeya progresiva "How The Gipsy Was Born". Con esta segunda entrega Frumpy lograron confeccionar una de las obras cumbres del genero autóctono germano, y toda una obra maestra del rock progresivo y psicodélico de la década de los 70.
Tokyo Blade son otra de las esenciales bandas del movimiento "New Wave of British Heavy Metal" (NWOBHM), la cual junto a Iron Maiden son de las pocas que aún siguen activos hoy en día. Formados en la localidad de Salisbury, cerca de Southampton, sus comienzos se remontan a finales de los 70 cuando varios jóvenes llamados Alan Marsh (cantante), Andy Boulton (guitarra), Ray Dismore (guitarra), Andy Robbins (bajo) y Steve Pierce (batería), fundaron una banda llamada White Diamond. Luego de varios cambios de nombre e integrantes y establecidos definitivamente como Tokyo Blade, ficharían por el sello independiente Powerstation, con los cuales graban su primer álbum homónimo en 1983. En esta primera entrega sobresalen tremendos cortes de vertiginosos ritmos como la acelerada y contundente "Powergame", la heavy punk "Break The Chains" o la poderosa heavy metal "If Heaven Is Hell". Un año mas tarde y ya bajo el apadrinamiento de un sello mas prestigioso como Roadrunner, publican su segundo registro, este "Night of the Blade", en el cual adornan sus trallazos con unos estribillos pegadizos como ocurre con las monumentales "Love Struck", "Rock Me To The Limit" o "Someone to Love", o con las épicas canciones "Lightning Strikes" y "Warrior Of the Rising Sun". Con este y el anterior álbum, Tokyo Blade se aseguraron de por vida un puesto de honor en la historia del heavy metal.
Fragile fueron otra interesante banda japonesa de jazz rock, la cual comenzaría su carrera artística a mediados de los 90 hasta el año 2011, cuando publicaron su noveno y último álbum. Este trío compuesto por Koichi Yabori (guitarra), Masatoshi Mizuno (bajo) y Kozo Suganuma (batería), se han mantenido unidos sin ningún cambio de formación ni colaboraciones extras en todos esos años a excepción del guitarrista norteamericano Mike Stern, quien aparecería como músico invitado en el álbum "No Wet" de 1999. "5", es como su titulo indica el quinto registro de este poderoso trío, un álbum que resume perfectamente su pesado, sofisticado y vigoroso estilo instrumental, desde rotundos y sólidos jazz rock de ritmos vertiginosos como "Vacuum Bottle" y "Cosmos", hasta puros dinamismos enérgicos con "Latte", funk jazz amplificados "Belvedere" o "Daisy" o cortes orientados al jazz fusión como "Fuchsia" o la atractiva "Snow Tulip".
Shocking Blue pasaron a la historia por ser el primer grupo holandés en alcanzar un número uno en los Billboard norteamericanos con el tema "Venus", que también sería igualmente un éxito masivo alrededor del mundo. Fundados en la Haya en 1967 en torno a la figura del guitarrista Robbie Van Leeuwen, el cual decide crear una banda reclutando a Fred de Wilde guitarrista, al bajista Klassje Van der Wal y al batería Van der Beek. Después de conseguir fichar por el sello Polydor, graban su primer single "Love is in the air", que ni siquiera entra en las listas de éxitos, sin embargo si consiguieron un notable éxito con el siguiente "Lucy Brown in back in Town", un tema con claras connotaciones al pop de la British Invasion. Un año después sale al mercado su primer álbum "Beat with Us" y poco después Van Leeuwen agrega a la cantante Mariska Veres, que pronto es considerada la Grace Slick holandesa por su versátil y impetuosa voz. Ya con Mariska publican la vibrante canción "Send me a postcard", con un tono mas lisérgico que todo lo anteriormente hecho hasta esos momentos. A partir de aquí la banda se posiciona como la sensación del pop rock holandés cosechando otro éxito con el tema "Long Lonesome Road". En 1969 el tema "Venus" los consagra definitivamente a nivel mundial con numerosos números unos alrededor del mundo, que sin embargo no ocurre lo mismo en su país natal donde solo consigue un discreto onceavo puesto en las listas de éxitos. En el siguiente año la banda seguirá publicando grandes canciones que no obtendrían el éxito del hit "Venus" al nivel mundial, aunque sí en Europa con "Mighty Joe" o "Never Marry a Railroad Man", los cuales si alcanzan el número uno en Holanda. Durante los años 1971 y 1972 el grupo publicaría sus últimos álbumes con suerte dispar, pese a contener canciones de mucha calidad como "Helló Darkness", "Blossom Lady", "Shocking You" o "Rock in the sea". A partir de ese año el grupo fue perdiendo el interés del gran público y terminarían desapareciendo en 1974.
Tras seis años de sequía discográfica, J.J. Cale regresaría publicando su noveno trabajo titulado "Travel-Log", un álbum meramente mas enérgico, comparado con sus lanzamientos anteriores enfocados en el folk, el jazz, el blues y los sonidos de raíces americanos. Para esta ocasión J.J.Cale obtendría la colaboración de destacados músicos de la escena del rock estadounidense como Jim Keltner (órgano y batería), Christine Lakeland (órgano, guitarras y voces), Tim Drummond (bajo), Spooner Oldham (teclados), James Burton (guitarras) o el director y arreglista Al Capps y su orquesta. En "Travel-Log" se respira un ambiente dinámico y fresco, mostrando una contundencia pocas veces vista en el guitarrista de Oklahoma. Vigorosos temas rock como "Who´s Talking", "Hold on Baby", "Disadvantage" o "No Time", se entremezclan con piezas mas acordes con su habitual estilo como las reposadas country y folk "Lady Luck", "Lean on Me", "End of the Line" y "Humdinger". Con "Travel-Log", J.J. Cale seguiría manteniendo intacta su leyenda y su enorme prestigio como uno de los grandes mitos del rock and roll del siglo 20.
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Muy a menudo cuando Peter Hammill publicaba un nuevo álbum en solitario muchos se preguntaban si este era realmente un nuevo lanzamiento de su banda madre Van Der Graaf Generator o uno suyo. Esa duda quedaría reflejada por ejemplo en su cuarto álbum, este "In Camera", en el cual incluso como ya había sucedido en sus anteriores registros, aparecían algunos miembros de VDGG. En esta ocasión Hammill vuelve a mostrar su gran creatividad componiendo una increíble serie de piezas oscuras y dramáticas, utilizando para ello el uso intensivo de los sintetizadores y el Mellotrón interpretados aquí por David Hentschel, y una gran pasión intelectual con reflexivas confusiones existencialistas. Rememorando pasajes del álbum de VDGG "Pawn Hearts", emergen la enojada "(No More) The Sub-Mariner", la filosófica "Fain-Heart and the Sermon" o la aterradora "Gog". En "In Camera", Hamill va narrando musical y líricamente una sucesión de espeluznantes sonidos, desde lo gótico hasta lo tribal, todo ello matizado por contrapuntos electrónicos. Toda esa inquietud se ve maravillosamente reflejada en el tour de forcé final "Magog (In Bromine Chambers)", en donde el cantante explora la psicología humana. Sin embargo hay momentos mas terrenales y de fácil asimilación, y en ese contexto aparecen la acústica "Ferret and the Featherbird", la pastoral "Again" y la juiciosa "The Comet, The Course, The Tail". Sin duda,con esta obra Peter Hammill volvió a desafiar todo lo establecido con otro álbum no apto para el gran público.
