Eclipsado por una serie de enormes álbumes mas mediáticos que se publicaron el mismo año que este, (“Third Stage” de Boston, “Slippery When Wet” de Bon Jovi, “The Final Coundtown” de Europe o “Raised on Radio” de Journey, entre otros muchos mas), el único lanzamiento de los norteamericanos Aviator (no confundir con otras bandas del mismo nombre surgidas a lo largo de los años), es una de las joyas ocultas del A.O.R., repleto de magníficos estribillos, melodías pegadizas, y unas enérgicas guitarras secundados por los esplendorosos teclados. Este efímero grupo compuesto por el baterista Michael Ricciardella, el guitarrista Richie Cerneglia, el cantante y guitarra Ernie White, el bajista Steve Vitale, y el teclista Tommy Zite, lograron crear un sublime disco que esta repleto de magnificos temas como los intensos medios tiempos "Front Line", "Wrong Place Wrong Time", "Magic", "Come Back" o "Trough The Night", las cuales contrastan con las rotundas hard rock "Woman in Love", "Too Young" y "Never Let The Rock Stop". Sin duda este debut es todo un clásico del genero melódico que lamentablemente se quedaría relegado en un segundo plano, como una de las obras de culto del A.O.R.
A finales de los 60 los movimientos musicales estaban envueltos en una gran disparidad de sonidos que estaban inundados de guitarras distorsionadas, órganos Hammond, sintetizadores de primera generación y de docenas de instrumentos complejos que usados al unísono daban una espectacular diversidad sonora muy diferente entre todos los estilos que desbordaban el panorama del pop y el rock. En ese contexto surgiría una formación básica y arcaica, con un sonido tan abrasivo como tradicional, que lograron no solo triunfar masivamente alrededor del mundo, sino también mantenerse en la cúspide durante mas de cinco años consecutivos. La simplicidad y la brillantez al mismo tiempo eran el gran secreto de la Creedence Clearwater Revival, que bajo los ancestrales sonidos de Norteamérica como el blues, el country, el folk y el rock´n´roll se ganaron el respeto y la admiración de millones de personas. Liderados por el guitarrista y voz John Fogerty quien antes ya había creado una formación que tenia los gérmenes y la esencia de la Creedence, llamada The Blue Velvets, en donde también estaban el bajista Stu Cook y el baterista Doug Clifford. Con el ingreso del hermano menor de John, Tom Fogerty se completaría la formación definitiva de la Creedence Clearwater Revival. La integridad sonica de John, unido a la habilidad simple de la sección rítmica de Clifford y Cook, y el rasgueo rítmico de Tom fue la perfecta síntesis de su exitoso estilo denominado “swamp rock” (rock pantanoso), que tan brillantemente ofrecieron en su magnifico debut lanzado a mediados de 1968. Los ocho minutos de la rotunda versión de Dale Hawkins "Suzie Q", no fue impedimento para que se encaramara en los primeros puestos de las listas de singles de medio mundo. Pero aparte de esta clásica canción, todo una icónica del rock, el álbum contenía un repertorio repleto de excitantes canciones como "I Put A Spell On You", otra versión, esta vez de Screamin´Jay Hawkins", "Get Down Woman", "The Working Man", "Walk on the Water" o "Porterville", las cuales asombrosamente llevaron a este primer registro a vender cerca del millón de copias en una sola semana en los Estados Unidos.
A principios de los 70, varios miembros de Jefferson Airplane quisieron formar una banda paralela para dar rienda suelta a su pasión por el folk blues. Así Jack Cassidy y Jorma Kaukonen, comenzaron a actuar como teloneros de los propios Jefferson Airplane, con la incorporación de otros miembros del grupo de manera ocasional como Marty Balin y Spencer Dryden. En 1976 se lanza "Hoppkorv", el octavo álbum de la banda, donde vuelven a ofrecer ese sonido contundente, vibrante y enérgico que habían hecho en sus anteriores trabajos. El potente "Santa Claus Retreat", la densa "Extrication Love Song" junto con la acústica "Watch The North Wind Rose" dejaron un disco donde explotaron su lado rockero alejándose en parte de su característico folk blues.
"Captured Live" muestra el mejor momento y la máxima expresión de Johnny Winter y su rock blues eléctrico, con gran vitalidad y sacando lo mejor del blues tradicional pero con un rock potente donde su característico sonido con las seis cuerdas aquí se ve reforzado por un segundo guitarrista como Floyd Radford. Grabado durante la gira de los dos álbumes que Johnny Winter había editado en 1974; "Saints & Sinners" y "John Dawson Winter III", recopila canciones de diferentes conciertos ofrecidos en California, más concretamente en el At Swing Auditorium de San Benardino, en el Sport Arena de San Diego y el Colisseum de Oakland. Con un repertorio repleto de versiones eléctricas, destaca sobre todo la del clásico "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "Sweet Papa John" de Winter. Un gran show en vivo de uno de los mejores guitarristas de blues de la historia, que durante su dilatada carrera nos dejó algunos de los discos más memorables de ese género.
“I.O.U.” el cuarto álbum del fenomenal guitarrista Allan Holdsworth, ex componente de las legendarias bandas Soft Machine, Nucleus, Tempest, Gong y U.K., es una de sus obras maestras, presentando un estilo completamente diferente a todo lo hecho anteriormente en sus obras predecesoras. Aquí el guitarrista británico se rodeo de los músicos Paul Williams (voz), Paul Carmichael (bajo) y Gary Husband (Batería y teclados). Su nueva vision de jazz rock le llevo a entrar en unos parámetros aun no tan explorados como el guitarrista lo hace en esta virtuosa demostración. Los inteligentes arreglos de "Checking Out", las exuberantes atmósferas de "Letters of Marquee", o el pesado jazz rock "Out From Under", son junto a las guitarras flotantes y etéreas de "Shallow Sea", lo mas destacado de un álbum imprescindible del mejor jazz rock de los años 80.
Freddie Roach fue un famoso músico del soul jazz que durante gran parte de los sesenta dejaría algunos de los mejores álbumes del género. Roach fue uno de pocos músicos de jazz que utilizaban el órgano Hammond B-3, un instrumento poco usual en este género musical a diferencia de otros estilos como el rock progresivo o el rock psicodélico. A principios de los 60 Roach firmaría con el sello Blue Note y grabaría cinco álbumes entre el periodo comprendido entre 1962 y 1964. Entre esos registros se encuentra este "Good Move", que lanzado en 1963 contaría con las colaboraciones de Hank Mobley al saxo tenor, Blue Mitchell a la trompeta, Clarence Johnston a la batería y Eddie Wright a la guitarra. En este trabajo las refinadas melodías impulsadas por el brillante órgano de Roach van emanando de manera firme y sólida una serie de variadas piezas ejecutadas elegantemente, con unas líneas musicales sofisticadas que se combinan perfectamente con los ingeniosos solos del saxo de Hank Mobley y de la trompeta de Blue Mitchell.
Originario de Oregon, Chris Botti se dio a conocer como trompetista trabajando como musico de sesión para diferentes estudios de Nueva York a mediados de los años 80, o actuando y grabando para figuras como Frank Sinatra, Aretha Franklin, Joni Mitchell, Paul Simon o Sting entre otros muchos artistas más. Después de más de diez años adquiriendo una amplísima experiencia con todos esos artistas, en 1995 lanzaría su primer álbum en solitario "First Wish", en donde combina sabiamente los sonidos del jazz con el pop instrumental. Con una serie de discos mas, Botti fue explorando poco a poco el smooth jazz, logrando un éxito comedido con álbumes como "Slowing Down the World", "Night Sessions" o "I Fall in Love". En el 2007 con su noveno álbum "Italia", lograría su mayor éxito mediático, un álbum en el cual interpreta una serie de versiones emblemáticas con una lujosa instrumentación, creando un ambiente fascinante y unas melodías sublimes. Unas interpretaciones reflexivas que abarcan desde standard cinematográficos, hasta versiones de clásicos de la opera y composiciones propias. Esa atmósfera envolvente esta presente en piezas como "Deborah´s Theme" perteneciente a la película "Once Upon A Time In America" o "Gabriel´s Oboe" de la película "La Mission", ambas del compositor Ennio Morricone. Botti también rinde homenaje al país trasalpino evocando su exuberancia y su romanticismo en la bellísima "Nessun Dorma" y en la extraordinaria "Italia", en un logrado dueto junto a Andrea Bocelli. Mientras que la interpretación del "Ave Maria" es sencillamente sublime y antológico, secundado por un coro que recrea las pertinentes características religiosas. Otras versiones son la sensual "The Very Thought of You", todo un clasico del gran Ray Noble, en la voz de Paula Cole y la encantadora "I´ve Grown Accustomed to Her Face", del musical "My Fair Lady", con la esplendida voz de un rejuvenecido Dean Martin.
Inexplicablemente Deep Purple no habían alcanzado el número uno en las Islas Británicas con su fantástico "In Rock", alcanzando "solo" un cuarto puesto, no ocurriría así en Estados Unidos donde llegarían a lo más alto, sin embargo con su próximo disco "Fireball" si lo harían, lográndolo de inmediato. Grabado con la formación clásica (Blackmore, Paice, Lord, Glover y el cantante Ian Gillan), es el segundo disco después del mencionado "In Rock" donde Deep Purple suenan a Deep Purple, sus tres primeros trabajos no son más que interesantes colecciones de versiones bastante obvias pero muy cercanas al pop. "Fireball" siempre estuvo lastrado por estar justo en medio de sus dos grandes obras maestras como son "In Rock" y "Machine Head" y entre las grandes canciones que la componen, solo dos han pasado a la posteridad; "The Mule" y "Strange Kind Of Woman". Sin embargo nadie duda de que el nivel de "Fireball" es algo inferior a los dos discos mencionados, pero aún así tiene una riqueza estilística envidiable. Canciones apoteósicas como "Fireball", la hipnótica y brillante "Demon's Eye" o la psicodélica "Fools", demuestran que están casi en la cúspide junto a sus mejores trabajos.
Con "Three Of A Perfect Pair" se daba por finalizado la trilogía de los años 80 de King Crimson, un álbum que en cierta medida no evoluciona estilísticamente con respecto a sus dos anteriores lanzamientos. Para muchos críticos y fans en este nuevo registro se cuestionaban la tremenda influencia que Adrian Belew tenía dentro de la banda, derivando la música hacia terrenos cada ves mas new wave e incluso post punk. Mas accesible que "Discipline" y "Beat", en esta ocasión el grupo "supestamente" liderado por Robert Fripp, se sumerge totalmente en el espíritu musical de los 80, repletos de percusiones y sonidos electrónicos y unos arreglos extraños y por momentos difusos. Aun así la banda compuesta por los mismos componentes que las anteriores entregas (Fripp, Belew, Bruford y Levin), nos dejan algunos regustos musicales interesantes como la inquietante "Sleepless", mientras que la new wave "Model Man", las instrumentales "Nuages" y "Industry", la meritoria "Three Of A Perfect Pair", o "Lark´s Tongues In Aspic Part III", esta ultima sin duda el momento mas progresivo de todo el álbum, les otorgan algo de solidez al resultado final. Sin embargo pecan de mantenerse en su zona de confort con las insustanciales "Dig Me", "Man With An Open Heart" y "No Warning". "Three Of A Perfect Of Pair" pese a sus buenas intenciones, peca de cierta inspiración y creatividad y tal vez por ello, a nadie se le escapa que esta tercera reencarnación de King Crimson terminara por colapsar después de este álbum.
A finales de la década de los 70, Eric Clapton estaba viviendo un momento artístico con cierta estabilidad, tanto comercial como de popularidad y personal, y había publicado en los últimos años varias obras como "Slowhand" (1977) y "Backless" (1978), que lo habían devuelto a la senda del éxito. A principios de los ochenta se publico el doble disco en directo "Just One Night", grabado íntegramente en el Budokan de Tokio, un año antes durante la gira del álbum "Backless", y con la particularidad de utilizar como banda de apoyo una formación diferente y mucho mas talentosa a la que grabo el mencionado álbum. Para esta gira, tendría a Albert Lee como segunda guitarra, Henry Spinetti como batería, Dave Markee como bajo y Chris Stainton como teclista. El repertorio contenía canciones y versiones propias como los tradicionales blues "Early In The Morning" o "Rambling On My Mind", algunos de sus éxitos más recientes como "Cocaine", "Tulsa Time", "Wonderful Tonight" o "Lay Down Sally", y clásicos del rock y blues como "Further On Up The Road" o "Blues Power". Se comprobó que Clapton no quería seguir viviendo del legado de sus antiguas bandas del pasado como Cream, Blind Faith o Derek And The Dominos al no incluir ninguna de sus legendarias canciones en este directo. Un disco donde la magia de la guitarra de Clapton sigue asombrando, pero que sin embargo adolece de la chispa incendiaria y apasionada que alguna vez transmitió sobre todo a finales de los sesenta y principio de los 70. Aún así, el álbum cosechó un enorme éxito en las listas británicas y norteamericanas alcanzando las primeras posiciones durante el año 1980.
Sin ser un estilo masivamente popular, la música africana es muy rica y diversa, tanto como lo es el propio continente, influenciada por una amplia variedad de estilos musicales procedentes de Europa y América, que van desde el jazz, gospel, blues, calipso, o los sonidos latinos que aprovechan su enorme variedad de instrumentos musicales, muchos de ellos autóctonos para crear sonidos y estilos como el afro beat Sus orígenes se remontan a muchas décadas atrás, una de sus principales referencias (de manera muy sutil) es Miriam Makeba en los sesenta, pero es sin duda Fela Kuti su mayor impulsor. Este nigeriano nacido en 1938 de una familia de clase media, su padre fue un reverendo y un gran pianista. En 1958 Fela Kuti se mudaría a Londres para terminar sus estudios de medicina y allí después de ver el incipiente movimiento musical del pop, decidió dedicarse a la música y fundo su primera banda llamada Koola Lobitos, los cuales practicaban un estilo basado en los sonidos tribales fusionados con el jazz y el pop, a partir de aquí su estilo empezaría a ser conocido como el afro beat. Algunos años después viajara a los Estados Unidos y allí se alineo con los Black Power y los Panteras Negras, motivo por el que fue inmediatamente deportado a su Nigeria natal. Durante la década de los 70 publicaría varias docenas de álbumes, sin embargo su discográfica oficial es algo confusa al perderse en la maraña de sellos independientes y africanos de escasa repercusión fuera de su ámbito local, sin embargo varios de ellos fueron rescatados por sellos europeos y americanos y solo media docena son reconocidos oficialmente. En 1981 y publicado por el sello Arista, llegaría su álbum "Black President". Este álbum fue realmente concebido mucho antes de su publicación, sus orígenes se remontan a finales de los sesenta cuando estaba en los Ángeles, y parte de los temas aquí expuestos son de sesiones de grabación de aquella época, y otras en Londres en donde colaboraría el percusionista Ginger Baker. Regrabados posteriormente, con unas composiciones extensas y un gran contenido político, "Black President" es el punto álgido de su creatividad, aquí muestra su lado mas salvaje contra el poder político y social. Posteriormente hizo muy buenos trabajos, pero es este sin duda el que quedo como referencia básica de su estilo y su mensaje.
Prelude fueron una de las germinales formaciones del neo progresivo temprano, que originarios de Lieja, Bélgica, publicaron un único álbum en 1979. Su formación estaba compuesta por el cantante David Piron, el guitarrista Vincent Fis, el bajista Benoit Van Der Straeten, el tecladista Michel Crosset y el baterista Leon Paulus. Su estilo impregnado de refinadas guitarras e impulsado por múltiples capas de sintetizadores y teclados va conduciendo su progresivo repertorio compuesto por majestuosas composiciones como "Mox" o la enérgica "Life After The Life". La pausada "Voyage" y la ambiental "Life´s Melody is a Mystical Symphony" contrastan por otro lado con la sombría pieza sinfónica "Suicided", una clara muestra de sus influencias pinkflodianas.
En 1975 Hot Tuna, la banda liderada por los ex Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen y Jack Casady, decidieron darle una vuelta de tuerca a su estilo de blues folk que representaban sus cuatro primeros registros, para endurecer los sonidos hacia el hard rock blues. "America´s Choice" seria el primero de esta nueva etapa del grupo, la cual fue denominada "La trilogía Rampage", caracterizado por esa nueva orientación estilística. Seis meses después del lanzamiento de "America´s Choice", llegaría "Yellow Fever", el séptimo álbum del grupo, en el cual al igual que el anterior aparecía un nuevo baterista, Bob Steeler, sustituyendo a Sammy Piazza. Los largos desarrollos instrumentales, el pesado rock con distorsionados riffs y los densos sonidos blues, son el denominador común de un repertorio compuesto por piezas como la boogie rock "Baby What You Want Me To Do", las hard rock "Free Rain" y "Half/Time Saturation", la southern psicodélica "Sunrise Dance With the Devil", las blues rock "Hot Jelly Roll Blues" y "Song for the Fire Maiden" o la enérgica instrumental "Surphase Tension".
En 1969 Julie Driscoll decidió abandonar Trinity, la banda que lideraba junto a Brian Auger con quien había publicado algunos de los mejores discos del rhythm and blues y jazz fusion rock de la década de los sesenta, ("Open", "Jools And Brian" y "Streetnoise"). Sin embargo pese a este importante abandono, Brian Auger decidió continuar adelante reclutando al guitarrista Gary Winston Boyle y junto al resto de la formación compuesta por Dave Ambrose (bajo), Clive Thacker (batería) y el propio Auger (teclados y voz), graban el sexto álbum de Trinity, este "Befour" lanzado a mediados de 1970 por el sello RCA y en el cual también intervienen los bateristas Mickey Waller, Barry Reeves y Colin Allen. En “Befour” Auger presenta una serie de sorprendentes versiones en clave de jazz rock y groovy fusión, impulsados por el brillante trabajo de Brian Auger con el órgano Hammond, y el fenomenal estilo guitarrístico de Boyle. Las ingeniosas interpretaciones de los clásicos "Pavane" y "Adagio per Archie e Organo" muestra el inteligente estilo de Brian Auger, que lejos de parecer pretencioso, muestra su increíble dominio con el órgano. La atmosférica versión de Traffic "No Time to Live", es interpretada de manera inquietante, al mismo tiempo que la audaz versión de Herbie Hancock "Maiden Voyage", es reconducida de manera poco ortodoxa pero igualmente efectiva al terreno que la banda mejor saben desenvolverse. La exuberante "Listen Here", una brutal fusión de ritmos jazz rock con cuatro bateristas y dos bajistas de sonidos incontestables y rotundos, o la arrebatadora "Just You Just Me", son piezas que muestra por donde seguirán los derroteros de Auger junto a sus Oblivion Express en los siguientes años, esta ultima una pieza hipnótica de repetidos ritmos con una intrincada guitarra y unos atmosféricos solos de órgano cautivadores. Con este álbum Brian Auger volvió a crear un trabajo tan vibrante como arrebatador y toda una obra maestra del jazz rock de principios de los 70.
"Freaks of Nature" supuso el regreso de Kansas en la década de los noventa, un álbum que venia precedido del conceptual "In The Spirit Of Things" de siete años antes. Sin embargo después de todos esos años mucho habían cambiado las cosas en el seno del grupo y con una renovada formación en la que ya no aparecían Robby Steinhardt, Kerry Livgren, Dave Hope y Steve Morse, sustituidos aquí por Greg Robert (teclados), Billy Greer (bajo) y David Ragsdale (violín y guitarra), mientras que los miembros originales Steve Walsh (voz y teclados), Phil Ehart (bateria) y Rich Williams (guitarras), lideraban esta nueva reencarnación del grupo de Topeka. Lo primero que llama la atención es la vuelta del predominante violín de antaño, después de varios álbumes en donde había perdido el protagonismo mostrado en las obras de los setenta. Otra de las características de esta nueva entrega es el alejamiento de los sonidos del rock melódico de los ochenta para dar un paso atrás hacia el rock progresivo de los 70 pero con un gran énfasis en el hard rock. Ese estilo de hard rock progresivo esta presente en cortes como "Desperate Times", en donde el violinista Ragsdale y la sección instrumental de enorme poderío conducen una pieza de magnifica ejecución. La melódica "Hope Once Again" se convierte en uno de los momentos mas destacados, la cual contrasta con la pesada "Black Fathom 4", la exótica "Need" y la acústica "Peaceful and Warm". Por otro lado los momentos más progresivos están constituidos por la dramática "Under The Knife" y la compleja "Cold Grey Morning". En definitiva "Freaks Of Nature" supuso el retorno de los Kansas mas eclécticos y efectivos, sin duda un gran punto de partida para sus siguientes lanzamientos que seguirían con el orquestado "Always Never The Same" (1998) y el épico "Somewhere to Elsewhere" (2000).
El tercer álbum de The Moody Blues es toda una fascinante aventura de principio a fin, un verdadero tour de force que tomando la música psicodélica como influencia, van evolucionando hacia los sonidos mas vanguardistas terminando de transformarse en un trabajo realmente progresivo. Como seria norma habitual de la banda, este es un álbum conceptual sobre la investigación personal, desde la exploración física hasta la realización de la mente humana. Con un transfundo de música clásica, en esta grabación utilizaron un sinfín de instrumentos no habituales en la música rock, desde tablas hindú, violonchelos, arpas eléctricas y acústicas, clavecín, el sitar, saxofones o timbales, además de las habituales guitarras eléctricas y acústicas, teclados, batería, bajo y flauta. Una música que enmarcada en los sonidos orquestales que proporciona el Mellotron de Mike Pinder, va fluyendo entre temas puramente rock "Ride My See-Saw", hasta hipnóticos pasajes bajo el embrujo psicodélico "Dr Livingstone, I Presume" "House Of Four Doors Part. 1", "Legend Of A Mind" o "House Of Four Doors Part. 2". En la cara dos The Moody Blues se sumergen directamente en el descubrimiento personal con las melódicas "Voices In The Sky" y "The Best Way To Travel", mientras que la pastoral "Visions Of Paradise", la melancólica "The Actor" y la exótica oriental "Om", dan por acabado un sorprendente viaje que muestra la originalidad, los pasajes emocionantes y la complejísima variedad musical que esta legendaria formación británica creaban con una facilidad asombrosa.
Art Blakey fue un prodigio tocando la batería, un líder que combinaba perfectamente el talento, la destreza, la técnica, el poder y la sutileza. Junto a otros legendarios bateristas como Max Roach o Kenny Clarke, invento el estilo moderno de la batería bebop. Su estilo de hard bop con elementos blues, y los ritmos funk fueron básicos para influir en las siguientes generaciones de bateristas alrededor del mundo. Blakey manejaba como nadie los tempos del swing, el sabia como complementar su estilo en una banda, empleando su técnica instrumental para ofrecer el dramatismo y la inspiración necesaria. Blakey dirigió durante muchos años una de las mas formidables bandas del jazz como fueron los The Jazz Messenger, en donde tocaron algunos de los mas grandes músicos de la época como Wynton Marsalis, Lee Morgan, Wayne Shorter o Clifford Brown. Todas esas facetas y cualidades están perfectamente representadas en su album "Moanin´" junto a los The Jazz Messenger, que fue lanzado bajo el sello Blue Note a principios de 1959. El estilo jazzistico impregnado de soul de la pieza del mismo nombre, una composición escrita por el pianista Bobby Timmons, fue muy popular durante los años 60, en este álbum además el saxofonista Benny Golson compuso cuatro extraordinarios cortes, incluidos "Blues March", "The Drum Thunder Suite" y "Along Came Betty", todas ellas unos estándares del jazz moderno, en las cuales Blakey muestra su fulminante destreza instrumental.
Bajo el nombre de Morse Code Transmission se esconde uno de los principales activos del rock vanguardista canadiense germinal, que durante el periodo comprendido entre 1971 y 1994 lanzaron siete interesantes álbumes orientados en el rock sinfónico clásico. Fundados casi a finales de los sesenta en Montreal, su alineación inicial estaba compuesta por Christian Simard (voz y teclados), Jocelyn Julien (guitarra), Peter Schenkman (cello), Al Cherny (flauta), Michel Vallée (bajo) y Raymond Roy (batería). Su primer album fue lanzado en 1971 y junto al segundo publicado un año mas tarde, muestran un estilo aun sin una clara orientación musical, pero en donde los sonidos psicodelicos del folk y el pop barroco son el denominador común de ambos discos. Tres años después y con el cambio del guitarrista Julien por Daniel Lemay, y con el acortamiento del nombre de la banda por el de Morse Code, lanzaron su tercera obra "La Marche Des Hommes", un álbum mas evolutivo, en donde la banda consigue su plena madurez compositiva, facturando un notable trabajo que se mueve entre el rock contundente y el rock progresivo, un estilo que lo emparentaban a medio camino entre los Genesis mas pastorales y teatrales y una versión suavizada de los grupos britanicos del hard rock setentero. Piezas como la memorable y espacial que da titulo al álbum es la antesala de un agradable repertorio compuesto por excelentes canciones sinfónicas como "Qu'est-Ce Que T'as Compris ?", "Une Goutte De Pluie" o "Cocktail", las cuales conforman un notable trabajo del clásico rock progresivo de la década de los 70.
A finales de los setenta Tina Turner terminó su relación artística y emocional con Ike Turner, después de más de 15 años juntos y a partir de entonces la cantante comenzaría una carrera en solitario llena de éxitos. Sin embargo, sus primeros trabajos pasaron completamente desapercibidos, el tortuoso final con Ike y este comienzo vacilante, pusieron su carrera al borde del abismo. Pero en 1984 y gracias al disco "Private Dancer", Tina Turner logró volver a lo más alto con un disco que logró la increíble cifra de más de veinte millones de copias vendidas. Para este álbum, la Capitol Records, su nuevo sello, puso a sus órdenes una gran cantidad de músicos, productores y estudios de grabación, entre otros se encontraban algunos componentes de los Dire Straits, además de Jeff Beck, Mel Collins, Rupert Hine, Joe Sample o Hal Lindes entre otros muchos. "Private Dancer" sería un disco excepcional con un repertorio repleto de versiones de clásicos adaptados al rock moderno como "Let's Stay Together" de Al Green, "Help" de The Beatles, "1984" de David Bowie, o "I Can ´t Stand the Rain "de Ann Peebles, así como canciones extraordinarias como la balada" "Whats Love Got it Do With it" o "Private Dancer", esta ultima compuesta por Mark Knopfler que originalmente iba a ser incluida en el álbum de Dire Straits "Love Over Gold".
Sad Cafe fueron otra de esas bandas inclasificables que navegaron entre el pop-rock melódico y el art rock. Formada a mediados de los 70 en la ciudad de Manchester, tuvieron varios hits de gran impacto como "Every Day Hurts", "Strange Little Girl", "My Oh My" y "I'm in Love Again", alcanzando puestos muy altos de las listas de éxitos del Reino Unido. Su formación estaba compuesta por Paul Young (voz), Ian Wilson (guitarra), Vic Emerson (teclados), Ashley Mulford (guitarra), John Stimpson (bajo) y Tony Cresswell (batería). En 1977 bajo el sello RCA publicaron su primer trabajo "Fanx Ta-Ra" en el cual su refinado estilo del pop-rock armonioso llamaría la atención de la critica y del publico británico y europeo. Con el siguiente "Misplaced Ideals" (1978) consiguen mantener su status de banda prometedora, creando otro magnifico álbum de grandes melodías con unas irresistibles voces, complementada por una excelente y sofisticada instrumentación. En "Facades" aparecido un año mas tarde, son producidos por el famoso componente de los 10CC Eric Stewart, convirtiéndose en su trabajo mas ecléctico desde los sonidos del hard rock melódico de "Take Me To The Future", hasta complejas composiciones como "The World", pasando por las pegadizas pop rock "Little Girl", las melodías grandilocuentes de “Nothing Left Toulouse" o los sublimes medios tiempos de "Get Me Outta Here".
"Fool For The City" fue el quinto album de la popularísima banda de boogie rock y hard blues rock, Foghat, un registro que lograría un disco de platino por temas como el archiconocido "Slow Ride", y puestos muy altos en las listas de éxitos de medio mundo en 1975. Formada en 1971 en Londres debido a las cenizas de otra de las fundamentales bandas británicas del blues rock como fueron Savoy Brown, por el guitarrista Dave Peverett junto al también guitarrista Rod Price, el bajista Tony Stevens y el batería Roger Earl, los cuales pronto se ganarían una tremenda reputación en los Estados Unidos gracias a sus incendiarios conciertos con su estilo simple pero directo de hard rock boogie. "Fool For The City" se compone de siete canciones básicas de hard rock, boogie y blues rock que los inmortalizaron gracias a una serie de cortes como la mencionada "Slow Ride", un extenso tour de force de vibrante rock and roll incendiario. Pero no solo de este emblemático tema vive este álbum, aquí aparecen la vertiginosa y adictiva hard rock que da titulo al álbum, la rock and roll "My Babe", la contundente blues rock "Terraplane Blues", la rítmica "Save Your Loving (For Me)" o la melódica con tintes jazzisticos "Take It or Leave it".
Chris Farlowe es considerado una de las mejores voces de Rhythm and Blues británico y toda una leyenda de la música rock de las Islas Británicas. Con una fuerte personalidad, durante la década de los sesenta perteneció a diferentes bandas en la cual dejo siempre su emblemático sello con su singular voz. Sus titubeantes inicios como cantante solista, publicando una serie de discos de poca relevancia acabarían cuando formaría los Thunderbirds, una banda con la cual lanzaría algunos hits importantes que le aseguraron cierta reputación entre los músicos profesionales de su pais. En esta primera formación curiosamente coincidiría con las futuras leyendas del rock británico Dave Greenslade y Carl Palmer. Sin embargo mediaticamente no alcanzan el fervor del público, un dato que le otorga el status de gran figura sin público. Pero a mediados de los sesenta el líder de los Rolling Stones Mick Jagger, acepta producirle la canción "Think" con el que por fin logra el éxito esperado. En los siguientes años llegarían otros hits como "Just a Dream", "Out Of time" o "Yesterday´s Papers", los cuales le terminan de consagrar como una de las figuras del panorama musical de la época. En 1970 Farlowe junto a los Thunderbirds, pero ahora reformados como The Hill, compuesta por Steve Hammond (guitarra), Peter Robinson (órgano Hammond), Bruce Waddell (bajo), Paul Buckmaster (violonchelo) y Colin Davey (batería), grabarían el álbum "From Here To Mama Rosa with the Hill", considerado toda una pequeña obra maestra del rock británico. Un álbum que alejado de sus anteriores grabaciones de Rhythm and Blues esta enmarcado en los ampulosos sonidos orquestales del pop psicodélico y vanguardista envuelto en brillantes sonoridades progresivas como "Mama Rosa", "Head In The Clouds", "Winter Of My Life", "Are You Sleeping?", "Questions" o "Travelling Into Make-Believe". A partir de aquí Farlowe se movería entre una serie de colaboraciones junto a las legendarias bandas Colosseum y Atomic Rooster, además de su propia carrera en solitario, lanzando discos regularmente hasta el año 2014 cuando apareció su último trabajo.
En 1979 una serie de artistas norteamericanos de la fundación Muse (Una alianza de músicos en contra de la energía nuclear), organizaron una serie de conciertos para recaudar fondos para esa fundación, en donde denunciaban los males de la energía nuclear y fomentaban las energías alternativas. Promovido por Jackson Browne y Bonnie Raitt, entre el 19 y el 23 de septiembre de ese año, se llevaron a cabo en el Madison Square Garden de Nueva York una serie de conciertos multitudinarios. Además de Browne y Raitt, participaron Bruce Springsteen, The Doobie Brothers, James Taylor, Tom Petty, Crosby Stills y Nash, Carly Simon, Nicolette Larson, Poco y Ry Cooder, entre otros grandes artistas. Por separado, como dúo o en grupo, interpretaron sus canciones más conocidas ante el asombro del público al ver ante sí mismos, tal colección de estrellas juntas. No Nukes es el álbum que recogió lo mejor de dicha serie de actuaciones y fue lanzado bajo el formato de triple álbum en noviembre de 1979. Este enorme álbum tuvo una gran acogida comercial con casi 500.000 copias vendidas poco después de su lanzamiento. Un álbum que derrocha pasión a raudales por las interpretaciones memorables de todos los artistas, mucho ardor y grandes canciones rock que convierten a este maravilloso directo en una grabación histórica.
A igual que sus compatriotas AC/DC, Rose Tattoo son una banda australiana de hard rock que tienen muchas similitudes con la legendaria formación liderada por los hermanos Young. Fundados a mediados de los 70 en Sidney, su principal impulsor fue el vocalista Angry Anderson que junto a los guitarristas Peter Wells y Mick Cocks, a los bajista Geordie Leach y Ian Rilen y al baterista Dallas Royall, consiguieron que los mismos productores de AC/DC les apadrinaran sus primeros registros bajo el sello independiente australiano Alberts. A finales de 1978 Rose Tatoo publicaría su homónimo álbum debut, en donde muestran un trepidante y poderoso hard rock estridente como queda patente en las crudas y viscerales "Never Too Loud", "Rock´n´Roll Outlaw", "Nice Boys", "Stuck On You" o "Remedy". En los siguientes años la banda obtendría una gran reputación y un tremendo éxito debido a sus aclamados conciertos por toda Europa, lo que les valdría conquistar el mercado británico y europeo con el álbum posterior "Assault & Battery" (1981).
El año 1976 represento un antes y un después en la música popular, básicamente porque es el año en el que el punk sube a los escenarios, rompiendo radicalmente con los excesos del rock progresivo y sus derivados, la decadencia de los grandes mastodontes que triunfaron en años anteriores. En unos años, muchas de estas bandas como Yes, Genesis o Jethro Tull, tuvieron que adaptarse a las masas para mantener su relevancia. Así que Boston, la banda liderada por el ingeniero y prodigio Tom Scholz con el tremendo cantante Brad Delp, no podría haber elegido peor año para debutar. Sin embargo, este clásico todavía se considera uno de los grandes hitos del rock clásico a lo largo de la historia. Y no hay mayor hito que la canción que la abre, ese "More than a Feeling", radiado hasta la saciedad, con la mejor interpretación de la carrera del malogrado Delp y de la que veinticinco años despues estaría el propio Kurt Cobain tomando sus acordes para el "Smells Like Teen Spirit". Mítica y omnipresente en cualquier compilación de rock que se precie, es la balada de rock por excelencia de los años setenta. Tom Scholz, a menudo tildado de perfeccionista insoportable, y quien produjo el álbum además de tocar la guitarra y los teclados, encontró una fórmula y la usó a la perfección: solos de guitarra muy melódicos y atractivos, con una guitarra acústica dando el ritmo y las intervenciones agudas de Delp. "Peace of Mind" es uno de los temas que mejor representa ese modelo, además de una gran canción. En el resto todas las canciones son increíbles, sin excepción: "Foreplay / Long Time", con sus casi ocho minutos, es totalmente épica: la gran introducción comandada por el órgano y el bajo, seguida del tema principal, con sus puntuaciones, sus intermedios acústicos y su potente estribillo. Mas sencilla es "Rock & Roll Band", crónica de los humildes comienzos del grupo y uno de los cortes más conocidos del disco. "Smokin" es una oda a la marihuana: de hecho, la duración del tema (4 minutos y 20 segundos), es una referencia a la subcultura del consumo de cannabis, es otro punto fuerte del disco, sobre todo la parte instrumental, con un órgano arrollador y esa dinámica que hace que la canción sea tan entretenida. La banda nunca alcanzó el éxito de este álbum con sus trabajos posteriores, (más de 17 millones de álbumes vendidos) y después de mucho tiempo (Scholz tardó siglos en preparar nuevos álbumes), cinco en más de treinta años, siguen en activo, aunque lamentablemente Delp se suicidó en el año 2007.
Una vez disuelta la banda germana Frumpy, algunos de sus integrantes decidieron formar una nueva llamada Atlantis, la cual se alejaba de las propuestas psicodélicas y vanguardistas de su antecesora, abordando estilos como el blues, el funk, el soul y el hard rock americano con tintes progresivos. Formada a mediados de 1972 por la cantante Inga Rumpf, el teclista Jean-Jacques Kravetz y el bajista Karl-Heinz Schott, quienes reclutarían al guitarrista Frank Diez y al baterista Curt Cress. Poco después de su fundación se trasladaron a Londres donde entrarían en los estudios de la Island Records para grabar su álbum debut. Sin embargo antes Kravetz seria sustituido por el teclista Jean Alain Roussel, además en las sesiones de grabación también participaría el percusionista de Traffic, Reebop Kwakuh Baah. Unas consiguientes giras por el Reino Unido abriendo conciertos para los propios Traffic y Procol Harum, serian el comienzo de un constante ir y venir de integrantes. A mediados del siguiente año llegaría el segundo acto de la banda "It´s Getting Better", que fue seguido por otra exitosa gira y otros tantos cambios de personal. En 1974 tras el tercer disco "Ooh Baby", la banda se embarca en un largo tour por los Estados Unidos como banda de apoyo a Lynyrd Skynyrd. El siguiente Lp "Get On Board" seria el epitafio final de Atlantis, dando Rumpf y Schott, los dos únicos sobrevivientes de la formación original, por acabada la aventura de esta magnifica formación germana. Centrándonos en su exitoso álbum debut, (obtuvo una ventas considerables en las listas británicas y norteamericanas), nos encontramos con una variada sonoridad de estilos, desde blues, soul y rock clásico como queda patente en "Get Up", "Rock´n´ Roll Preacher", "Maybe It´s Useless", "Words Of Love" y "Let´s Get On The Road Again", hasta piezas progresivas con la extensa y excelente "Living At The Edge Of Time".
Un año después de su debut discográfico con el impresionante "Glory Of the Inner Force", los holandeses progresivos Finch continuaron su aventura con el mas experimental "Beyond Expression", un álbum menos frenético y mas desafiante que el anterior. Finch siempre se caracterizaron por su impredecible estilo que fusionaba el enérgico rock con interludios más sosegados y espaciales, utilizando una arsenal de teclados analógicos como los mini moogs y el mellotrón. Sin embargo en este trabajo es la guitarra de Joop Van Nimwegen la que se convierte en la protagonista absoluta interpretando muchos de sus pasajes con una gran técnica y un impresionante feeling. La suite "A Passion Condensed" se convierte en su obra cumbre con unas excelentes capas instrumentales, mientras que la épica "Scars On The Ego" es su momento mas metálico e hipnótico con unas guitarras abrasadoras. Para acabar este segundo álbum aparece la dinámica "Beyond The Bizarre", el único de los tres temas que componen en álbum en donde se acercan al sonido más habitual de la banda.
The Tremeloes fueron una banda británica que empezaron su carrera a principios de los 60 y que tuvieron algunos éxitos que los hicieron mundialmente famosos La banda estaba compuesta por el cantante Brian Poole, el guitarrista y vocalista Alan Blakley; Graham Scott también guitarrista, el bajista y saxofonista Alan Howard y el batería y también vocalista Dave Munden. El ingreso de Rick West al grupo en reemplazo de Scott fue decisivo por cuanto el recién llegado tenía contactos con el productor Jimmy Grant, quién eligió a The Tremeloes en lugar de The Beatles para hacerles un contrato, en una nefasta decisión que pasará a la posteridad como uno de los mayores errores de la historia de la música pop. Sus comienzos fueron con la discográfica Decca, sin embargo al principio empezaron a poner en duda la capacidad artística del grupo después de publicarles varios singles sin apenas éxito. Después de publicar "Twist and shout", tema original de los Isley Brothers y popularizado también por los Beatles, la banda comenzaría a salir del anonimato en el Reino Unido, alcanzando el estrellato con "Do you love me". En 1964 seguirán otros éxitos y, en 1965, y un año mas tarde dejan Decca para incorporarse al sello CBS. En 1967 The Tremeloes comenzó a brillar sin Poole, que había abandonado la banda, alcanzando un número 1 en las listas de medio mundo con "Silence is golden". Los éxitos comerciales siguieron llegando en los sucesivos años pero siempre de la mano de composiciones ajenas. En plena época psicodélica, The Tremeloes intentó remediar esa carencia con "Helule, Helule", que los metió de nuevo en los primeros puestos de los charts, posteriormente el tema de Bob Dylan "I Shall Be Released" sería otro éxito, Ya en 1968 siguieron grabando con poca suerte comercial. En 1969 lograron un resonante éxito con "Once a sunday morning", igualmente los temas "(Call Me) Number One" (69) y "Me and My Life" (70) tuvieron unos puestos altos en las listas británicas y europeas Ya en la década de los 70 tuvieron algunos hits en Europa y con los años siguieron grabando pero sin los éxitos de antaño.
"Rites Of Passage" asi se titula ironicamente el primer album album en vivo del ex lider de Supertramp Roger Hodgson, en el cual de manera logica entremezcla piezas de su ex banda madre con algunas de cosecha propia incluidas en sus albumes en solitario. Grabado en la ciudad de Nevada en California (la residencia habitual del propio musico), muestra de manera fiel y casi exacta una serie de famosas y reconocidas canciones de Supertramp como "Take The Long Way Home", "Give a Little Bit" o "Logical Song", las cuales gracias a una sobria y talentosa banda de apoyo, logran crear el ambiente perfecto del sonido familiar e inconfundible de la iconica formacion britanica. Igualmente Hodgson incluye algunas de sus mas aclamadas composiciones como la pegadiza e intensa "In Jeopardy", ademas de las melancolicas "Don´t Youy Wanna Get High" y "No Colours" o de las energicas pop rock "Red Lake", "Every Trick in the Book" y "Showdown". Sin embargo es la hermosa y extensa "Time Waits For No one", la piedra angular de este registro, en la cual cuenta con la estimable colaboracion de un soberbio Terry Riley a las voces y al instrumento tradicional hindú tanpura, logrando equlibrar un directo entusiasta, que de alguna manera recupera la magia del grandilocuente pasado sonido iconico y mitico de Supertramp.
Fundada a principios de la década de los 70, Dr Feelgood es una banda de pub rock que tuvo sus mayores éxitos entre 1974 y 1979. Formada por el guitarrista Wilko Johnson, el vocalista Lee Brilleaunx, el baterista John Martin y el bajista John B. Sparks. Esta legendaria formación se movieron entre el rock and roll y blues rock con influencias de grandes como Chuck Berry o Bob Diddley, logrando una gran reputación, principalmente con sus incendiarios directos en el circuito londinense de pubs y salas de conciertos. Con los dos primeros discos tuvieron cierto éxito comercial, y en 1976 publicaron el álbum en vivo "Stupidity" con el que se consagraron definitivamente alcanzando el número uno en las listas británicas. Un año después, llegaría "Sneakin´Suspicion", que aunque no tuvo la repercusión de su antecesor, esta considerado su mejor trabajo, aunque eclipsado comercialmente y de manera injusta por el auge del movimiento punk de aquellos años. Con un repertorio cargado de R&B explosivo y alegre como "Nothin´Shakin", "Light Out", "Lucky Seven" o "You´ll Be Mine", este directo mantuvo el alto nivel de la banda, que sin embargo sería el último grabado por Wilko Johnson que abandonaría por desacuerdos musicales con el resto de componentes.
Bien entrada la década de los ochenta los norteamericanos Poco ya estaban lejos de su época gloriosa, una época acontecida a principios de los 70, sin embargo aun así siguieron facturando meritorios trabajos que los mantenían en la cúspide del country rock. En 1982 publicaron su décimo quinto trabajo, este "Ghost Town", en el cual solo aparecen dos de sus originales componentes, los guitarristas Paul Cotton y Rusty Young, mientras que el resto estaba formado por Charlie Harrison (bajo), Steve Chapman (batería) y Kim Ballard (teclados). Llegados a este punto la banda sigue ofreciendo ese country rock melancólico bañado en unas brillantes melodías vocales, adornados con influencias del pegadizo rock armonioso y melódico. Las ricas armonías vocales de "How Will You Feel Tonight", los guiños al pasado con las country rock "When Hearts Collide", "The Midnight Rodeo (In The Lead Tonight)" o "Love´s So Cruel", los adictivos medios tiempos "Ghost Town" y las irresistibles country "Cry No More" y "Break Of Hearts", reflejaron un notable trabajo, pese a estar muy lejos creativamente de sus legendarios álbumes iniciales.
The Chieftains son sin duda los embajadores ambulantes de Irlanda, que a lo largo de casi cinco décadas han conseguido ser un grupo de música tradicional irlandesa orientado al gran publico, pero manteniendo una versatilidad, el arraigo, la coherencia y la personalidad espontánea y natural de su cultura nativa. Formados por el gaitero Paddy Moloney en 1964, logro reunir entre otros a afamados instrumentistas celtas como Michael Tubridy, Sean Potts, Martin Fay, David Fallon Peader Mercier, Sean Keane, Kevin Conneff y Matt Molloy, algunos de los cuales siguen en la actualidad formando parte de la banda, su música aunque tradicional y popular, ha ido derivando en sonidos mas actuales y diversos, fusionando incluso la música celta con otras tendencias como el jazz y el rock de manera sutil y esporádica. Sus múltiples colaboraciones durante todos estos años incluyen a medio centenar de artistas del calibre de Ry Cooder, Van Morrison, Elvis Costello, Mark Knopfler, Gary Moore, Bela Fleck, Roger Daltrey, Jackson Browne, Art Garfunkel, The Rolling Stones, Sting, Diana Krall o Emmylou Harris. Seis veces ganadores del premio Grammy, el Lifetime Achievement Award en la BBC, y haber sido nombrados honoríficamente por el gobierno irlandés como embajadores musicales de Irlanda, son solo algunos de sus grandes logros artísticos. Con mas de cincuenta álbumes publicados seria imposible destacar un álbum sobre los demás, pero es sin duda "A Chieftains Celebration”, un recopilatorio publicado por la RCA Victor a finales de los años 80, en donde además del excepcional repaso a sus primeros 30 años de gran predominio dentro del folk irlandés, se lanzaba en conmemoración del milenio de la ciudad de Dublin.
Jimmy McGriff fue uno de los grandes organistas del funk jazz, el cual tiene tras de si una amplia carrera con cerca del medio centenar de álbumes publicados. Nacido en Filadelfia en 1936, ha principios de los 50 participaría en la guerra de Corea y acabada la contienda se convirtió en oficial de policía de su ciudad natal. Pero a mediados de esa década y gracias a su amigo, el famoso organista Jimmy Smith, empezaría a interesarse por el jazz y con el tiempo aprendería a tocar el órgano Hammond B-3 junto al propio Smith o acudiendo a la prestigiosa Julliard School de Nueva York. Convertido en un talentoso instrumentista empezaría a formar sus propias bandas actuando en el circuito de club de jazz de Filadelfia. En 1962 su versión del tema de Ray Charles "I´Ve Got a Woman", obtendría una importante difusión a nivel nacional, un hecho que le abriría las puertas de las discográficas mas importantes del país. Su estilo basado en los ritmos del blues, el gospel, el funk y el soul estaban impregnados de jazz y durante la década de los sesenta, grabaría una serie de álbumes muy apreciados por el gran publico. En 1970 publicaría su vigésimo trabajo bajo el sello Blue Note, este "Electric Funk", un álbum que esta entre los mejores discos del soul/jazz/funk de los años 70. Sus vibrantes piezas cargadas de atractivos ritmos sin adornos innecesarios, muestran unas líneas musicales inteligentes impulsadas por el órgano y secundadas por una rica y variada sección de vientos.
Giant son una banda norteamericana surgida de la unión de diferentes músicos de sesión provenientes de varios estudios de los Ángeles. Ellos son los hermanos Dann y David Huff (Guitarra y batería respectivamente), el bajista Mike Brigadello y el experimentado teclista Alan Pascua, un músico que tenia tras de si un pasado muy fructífero colaborando con Rick Springfield, Santana, Bob Dylan o House of Lords entre otros. En 1989 se trasladaron al Reino Unido en donde bajo la producción de Terry Thomas graban su álbum debut en los estudios Ridge Farm en Rusper. En este debut titulado "Last of the Runaways", el grupo angelino muestra un exquisito AOR de preciosistas melodías y unos atractivos estribillos adornados con la contundencia del hard rock melódico. Cortes como "I'm a Believer", "I Can't Get Close Enough", "I'll See You in My Dreams" o piezas mas melódicas como “Love Welcome Home”, los catapultan a compartir la cúpula del rock melódico con las formaciones icónicas de aquellos años.
"Blood Sweat and Tears" fue el segundo álbum de la banda del mismo nombre, el cual esta considerado como una obra maestra del jazz rock y que fue publicado en 1968. Su estilo estaba más cercano al jazz-rock que a otros estilos predominantes en aquella época, pero que contenía los ápices justos y comerciales que los llevarían a ocupar durante semanas el número uno en las listas norteamericanas e incluso fue elegido como el mejor álbum del año. Liderados por Al Kooper, había reclutado al poderoso David Clayton-Thomas, y entre otros miembros, se encontraban Steve Katz y Jim Felder, los cuales grabarían esta joya histórica en donde lograron un trabajo que contiene temas legendarios como "You've made me so very happy", todo un clásico de la factoría Motown, "Spinning Wheel" o "When I Die", todos ellos fusionados con un poderoso rock, influencias blues y grandes arreglos de jazz.
Catfish fue una banda de blues de la ciudad de Detroit, y como otras tantas el perfecto ejemplo de lo que podrían haber sido y nunca fueron. Formada a finales de los sesenta, por el guitarrista Bob "Catfish" Hodge que junto a Mark Manko (guitarra rítmica), Harry Phillips (teclados), WR Cooke (bajo) y Jimmy Optner (batería), se labraron una gran reputación en el circuito de blues rock de la ciudad del automóvil. Observando el gran potencial de esta banda, el sello Epic les contrataron y les produjeron su prometedor álbum debut en 1970. En esta primera entrega la banda muestra una mezcla de arrollador blues aderezado con country rock. De titulo "Get Down", en este álbum debut esta talentosa banda demuestra como brillantemente se desenvuelven haciendo desde fieles blues "300 Pound For Mama" hasta canciones polvorientas como la country "Sundown Man", lisérgicas demostraciones psicodélicas "Reprise; Catfish/Get High, Get Naked, Get Down" o heroicas composiciones como "Love Lights". A pesar de los elogios y la aclamación general, el álbum no obtuvo el éxito merecido, mas allá del ámbito local y estatal de Michigan. A partir de aquí fueron habituales teloneros de importantes actos mediáticos como Black Sabbath, Bob Seger o Ted Nugent. Un año mas tarde lo volverían a intentar con el directo "Live Catfish", el cual como ocurriera con el anterior, no lograría encontrar el beneplácito del gran publico, lo que precipitaría el adiós definitivo de una de las prometedoras bandas del blues rock norteamericano.
Junto a bandas como Focus, Kayak, Shocking Blue, Golden Earring o Finch, Supersister fueron una de las mejores formaciones holandesas, aunque sin embargo son menos conocidos mediáticamente que todas las anteriores. Este cuarteto formado por Robert Jan Stips (cantante y teclados), Sacha van Geest (flauta y voces), Ron van Eck (bajo) y Marco Vrolijk (batería), orientaron su estilo hacia los sonidos de Canterbury, el jazz rock y la complejidad de la sátira humorística de los Mothers of Invention de Frank Zappa. Con "To the Highest Bidder", su segunda entrega, continúan por el sendero musical propuesto en su álbum debut, en donde el papel del flautista Van Geest es tan primordial como divertido, manifestando la dinámica del free jazz y el jazz progresivo. Esa progresividad se refleja en los extensos cortes "A Girl Named You" y en "Energy (Out of Future)", piezas claramente vanguardistas con elementos exóticos y latinos, bañados en cierta grandilocuencia instrumental. El resto esta formado por cortes mas introspectivos y sosegados que navegan entre la música caribeña y el jazz rock.
La década de los ochenta no fue una época fácil para las bandas y músicos que habían comenzado su carrera artistica durante los primeros años 70, readaptándose lo mejor que pudieron a los nuevos tiempos musicales. El jazz rock no estaba ajeno a todo ello y como tal el estilo fue desviándose sutilmente hacia los sonidos más modernos, con un uso masivo de las nuevas tecnologías, como las nuevas cajas de ritmos, las guitarras sintetizadas o los propios sintetizadores de última generación. Y eso precisamente fue lo que Al Di Meola quiso aprovechar en su sexto álbum "Scenario" lanzado en 1983. Un album en donde compartía protagonismo con otro de los grandes del jazz rock de los setenta como Jan Hammer, con su arsenal de teclados y sintetizadores. En esta entrega, Meola utiliza una serie de modernos instrumentos como la guitarra sintetizada Roland o el Fairlight CMI, además de sus habituales guitarras eléctricas y acústicas. Tambien aparecen diferentes músicos colaboradores como los bateristas Bill Bruford y Phil Collins y el bajista Tony Levin. Sin llegar ni de lejos a las excelencias de sus emblemáticas obras anteriores como "Land Of The Midnight Sun" (1976), "Elegant Gypsy" (1977), "Casino" (1978) o "Electric Rendezvous" (1982), esta nueva entrega es un disfrutable álbum en donde las intrincadas programaciones sofisticadas son junto a las guitarras y teclados de ambos músicos lo mas relevante de un repertorio compuesto por destacadas canciones como la refinada melodía ligeramente mediterránea "Mata Hari", la exótica "African Nights", la synth funk "Cachaca", la hipnótica "Calliope" o la añeja jazz rock "Scoundrel".
Con "Presto", la banda canadiense Rush cerraban otra etapa en la historia del grupo y al mismo tiempo se convertía en el álbum donde volvieron de alguna manera al sonido de sus orígenes, otorgándoles una gran importancia a las guitarras rock en detrimento de los sintetizadores de los anteriores cuatro álbumes. Ese cambio fue debido a un punto donde su estilo dominado por los teclados y los sonidos tecnológicos había llegado a un punto muerto sin posibilidades de evolucionar más allá de lo que ya habían hecho hasta esos momentos. Ese radical cambio esta demostrado en cortes como "Show Don´t Tell", una canción en donde Alex Lifeson y sus guitarras recuperan su espacio perdido. De igual manera las filosóficas letras de Neil Peart sigue estando presente en unas composiciones de altísimo nivel instrumental y así se van sucediendo excelentes ejemplos como "Hand Over Fist", "Anagram (For Mongo)", "The Pass", "Presto" o "Available Light". Este álbum recibiría una gran aceptación por parte de sus viejos y ortodoxos millones de fans alrededor del mundo, los cuales miraban con recelo las entregas de los álbumes de los años ochenta.
Encontrar en un solo álbum sonidos e influencias de Pink Floyd, Jethro Tull, Yes o Mike Oldfield, resulta muy complicado por no decir imposible, sin embargo Ayreon lo consiguió y de manera sublime en un disco de rock progresivo impresionante e incuestionable. Arjen Anthony Lucassen, artífice de esta obra perfecta de Rock Progresivo de regusto añejo pero hecho con los recursos mas modernos, es uno de esos músicos que solo se pueden calificar como genios, quizás a la altura de Trent Reznor, Steven Wilson, Ian Anderson o Mike Oldfield. Uno de esos músicos multiinstrumentistas, que capaz y valiéndose de su genio, puede construir obras de esta envergadura, verdaderas maravillas de la música. Lucassen es un guitarrista holandés que triunfó en la escena del metal europeo gracias a su trabajo en bandas como Vengeance o Stream of Passion, de mucha popularidad entre los fanáticos del heavy metal épico. Ayreon es básicamente un proyecto en solitario, sin banda fija que se diseñó para dar rienda suelta a sus influencias progresivas, anclado en la música de los 70, el reino indiscutible de dioses como Pink Floyd, o Mike Oldfield, de toques folk de los Jethro Tull y la complejidad casi jazzística de Yes, además de la enrevesada instrumentación casi imposible de los canadienses Rush. Lucassen supo tejer óperas de la grandiosidad de "Into the Electric Castle", mostrando virtuosismo y versatilidad, con leyendas de la música de todas las épocas para dar vida a los roles de sus obras. Lo que aquí nos ocupa se llama "Universal Migrator", un extenso trabajo dividido en dos partes, diseñado para ser publicado por separado, siguiendo una trama que nos ubica en un futuro lejano, dejando a un protagonista solitario, como único superviviente de la raza humana, confinado en una colonia en Marte desde la cual la Tierra no puede ser destruida. Debido a que el argumento de los discos tiene una continuidad entre sí, la discográfica decidió poner a la venta las dos partes en una sola caja, para no privar al oyente de tan magna aventura sonora. Dada la extensión de ambas partes, musicalmente hablando no tienen nada que ver, las dos partes son totalmente diferentes. La primera parte se llama "The Dream Sequencer", y está ambientada en un futuro lejano, en el que la raza humana se ha autodestruido, debido a la contaminación, las guerras y la feroz lucha por el poder de las grandes potencias del mundo. En cuanto a la música, el disco en esta su primera parte, se convierte en un compendio de todos los fundamentos que tuvo el Rock Progresivo durante su historia. A medida que avanza su reproducción escucharemos pasajes que nos trasladarán a la música de Pink Floyd de forma magistral, con esos sintetizadores evocando infinitos espacios espaciales, secundados por guitarras salpicadas de notas larguísimas profundizando tanto en el espacio por el que nos encontramos. siendo guiados con riffs de guitarra de exquisitas melodías, solo acariciando las cuerdas, apoyados en la sublime electrónica que nos mostraría el genio Oldfield durante los 90. Guitarras acústicas que sustentan la majestuosidad de los lugares sintéticos que nos hacen retroceder en el tiempo, evocando antiguas batallas en el mar. Hermosos lugares de clara influencia folclórica, de nuevo guiñando un ojo a la influencia de Mike Oldfield, para revivir el mundo medieval de la antigua Irlanda. Órganos Hammond como el maestro Rick Wakeman nos mostró en las largas suites de Yes, con una sensibilidad increíble, capaz de erizar la piel al mas insensible de los mortales.
Una de las superbandas a la antigua usanza mas ignoradas fueron Captain Beyond, que formada por ex integrantes de cuatro icónicas formaciones, publicaron tres excelentes álbumes; "Captain Beyond" (1972), "Sufficiently Breathless" (1973) y "Dawn Explosion" (1977). Formada en 1971 en los Ángeles por el vocalista Rod Evans (ex-Deep Purple), los guitarristas y bajo Larry Rhino y Lee Dorman (ex-Iron Butterfly) y el baterista Bobby Caldwell (ex-Johnny Winter Band). Tomando como referencia los estilos de sus bandas madres, es el hard rock y los sonidos pesados los que inundan cada surco de sus tres trabajos, si bien es cierto que con dosis de vanguardismo, sobre todo en su segundo registro. En "Raging River Of Fear" perteneciente a su primer álbum, sobresalen los riffs de pesado blues, o en la trepidante heavy rock “Dancing Madly Backwards”, las cuales forman un repertorio general con piezas de rock de altísimo octanaje con interludios acústicos y jazzisticos. Con su siguiente entrega empiezan a incorporar mucha más variedad estilística e influencias progresivas como demuestra la dinámica "Sufficiently Breathless”, la jazz rock con tendencias latinas "Everything A Circle" o en la espacial "Starglow Energy". Finalmente con su tercera entrega "Dawn Explosion", vuelven a apostar por el hard rock, aunque en un tono más orgánico y melódico como muestra los atractivos cortes "If You Please", "Fantasy", "Breath Of Fire" o “Midnight Memories”.
.jpg)
