El octavo álbum de los germanos Eloy tuvo varias novedades con respecto al álbum anterior "Silent Cries And Mighty Echoes", por un lado con respecto a la formación y otro derivado con el cambio estilístico del grupo. En lo primero aquí ya no están el baterista Jürgen Rosenthal ni el teclista Detlev Schmidtchen, sustituidos por Jim McGillivray y Hannes Folberth respectivamente, mientras que Frank Bornemann (guitarra y voz), Hannes Arkona (guitarras) y Klaus-Peter Matziol (bajo), seguían al frente de la formación alemana. Con respecto al sonido en esta entrega se esfuerzan en seguir una línea continuista de su predecesor pero con un punto más accesible y pegadizo sin duda abriendo el camino de los próximos lanzamientos mas enfocados al pop rock progresivo sin tanta complejidad. Las melodías mas sencillas sin las pretensiones de antaño aparecen en piezas como las "Gallery", "Sunset" o "Impressions", mientras que la progresiva “Horizons" continua con la tradición sus álbumes anteriores y la épica "Child Migration" se convierten en los puntos álgidos de este "Colours".
Ralf Nowy fue un talentoso músico alemán que tuvo una carrera artistica muy prolífica, desde productor hasta músico, pasando por compositor, arreglista o director musical. Ya en los años 60 y después de graduarse en el Conservatorio Stern de Berlín, donde estudio música clásica, composición, arreglos y música jazz, formaría varias bandas de jazz en donde interpretaba la flauta y el saxofón. En 1963 fue elegido el mejor solista en el Festival de Jazz de Berlín. Ese premio le abriría las puertas para dirigir el Teatro Forum de la misma ciudad, y convertirse en director de producciones, el director de la orquesta Saarländischer Rundfunk de Saarbrücken o colaborar con diferentes artistas germanos y europeos. A principio de los 70 empezaría a colaborar con Giorgio Moroder en diferentes bandas sonoras, ademas de componer muchos spots para la televisión germana. Paralelamente a todo ello creo su propia música publicando varios álbumes enfocados al kraturock en su vertiente jazzistica. En 1973 lanzaría su primer registro, "Lucifer´s Dream" en donde reclutaría una amplia legión de músicos de acompañamiento de la escena del jazz y el rock alemán entre los que destacan el bajista Amon Düül II, Lothar Meid y el guitarrista de Missus Beastly, Paul Vincent. "Lucifer´s Dream" esta compuesto principalmente por una serie de piezas muy estructuradas con grandes arreglos, que grabado en un espectacular sonido cuadrafónico es una excitante aventura por los sonidos del jazz fusión con claras connotaciones cinematográficas. Un álbum realmente exquisito en donde además los arreglos de cuerda, la sofisticación, las guitarras, y los instrumentos de viento, lo convierten en una experiencia musical reconfortante.
Memoriance fue una oscura y olvidada banda francesa de art rock y rock sinfónico que durante la década de los 70 publicaron dos atractivos álbumes muy cotizados en la actualidad por la comunidad de prog heads. Formados a mediados de los 70, su formación original estaba compuesta por Jean-Pierre Boulais (guitarra y voz), Jean-François Périer (teclados), Didier Guillaumat (guitarra y voz), Didier Busson (batería) y Michel Aze (bajo). Su inteligente fusión de estilos que comprenden el clásico rock sinfónico y el space rock, esta ampliamente presente en sus únicos registros. En el primero titulado "Et Aprés", predominan los sonidos de un bajo galopante, las refinadas y elegantes guitarras y ciertos elementos del jazz, todo ello bajo una gran musicalidad. Temas como "Je Ne Sais Plus", da muestra del virtuosismo de sus integrantes confeccionado un poderoso, al mismo tiempo que melódico, entramado progresivo con continuos cambios de ritmos. El jazz rock aparece en la instrumental "La Grange Mémoriance", mientras que el aspecto teatral del grupo esta reflejado en el tema principal "Et Aprés", un diverso corte en donde hay cabida para momentos pausados y ritmos trepidantes, finalizando con el rock clásico accesible y convencional "Tracsir". Tres años mas tarde regresarían con el álbum conceptual "L'Écume des Jours d'Apres Boris Vian", basado en una novela de los años 40 del escritor filosofo Boris Vian. Luego de un maxi-single titulado "Sparadrap/Téléphone" publicado en 1981, la banda sucumbiría definitivamente dando por acabado su interesante periplo discográfico.
Con una de las portadas más icónicas del mundo del jazz, George Benson publicó su segundo álbum en directo titulado "Weekend in L.A." en 1977, poco después de haber lanzado su decimosexto disco de estudio "In Flight", donde ya comenzaba a deslumbrar los rumbos hacia donde iba su carrera desde ese momento, con un jazz con influencias pop, sin olvidar sus incursiones por el funk y el soul. Para el momento en que se lanzó este álbum, Benson había estado lanzando discos durante catorce años seguidos desde que debutó con "The New Boss Guitar Of George Benson" en 1964. Influenciado por guitarristas como Wes Montgomery, Benson comenzaría con discos instrumentales orientados al jazz, swing e incluso R&B donde su peculiar forma de tocar la guitarra lo hizo famoso, llegando incluso a ganar varios premios Grammy (diez en total), a lo largo de toda su carrera. Obras destacadas como "Beyond the Blue Horizon", "White Rabbit" ambas de 1971, el exitoso "Breezin" (1976), "Living´Inside Your Love" (1979), o "Give Me The Night" (1980), lo catalogan como uno de los mejores instrumentistas del jazz. "Weekend In L.A." fue grabado íntegramente en el West Hollywood Roxy de Los Ángeles, y es su álbum en vivo más conocido y legendario. Con un repertorio muy variado donde se puede escuchar su estilo ecléctico que va desde el instrumental "California P.M." o "The Greatest Love Of All", hasta el famoso "On Broadway" que aparecía en la mítica película "All That Jazz", pasando por temas más mainstream como "Lady Blue", cortes al más puro estilo smooth jazz como "Windsong" o cortes de jazz clásico como "We As love".
Stevie Ray Vaughan estuvo sumergido durante muchos años en problemas con el alcohol y las drogas, al mismo tiempo también participaría en múltiples proyectos musicales, giras y colaboraciones durante los años 70 con otros artistas, y por fin comenzó a tener cierto éxito cuando fundó su banda Double Trouble a principios de los 80. Con una técnica envidiable, original y un gran talento con las seis cuerdas, tocando con una pasión desenfrenada, Stevie Ray Vaughan fue uno de los últimos grandes guitarristas del blues moderno, con una carrera en solitario que duró apenas diez años y en la que grabó una serie de discos considerados de los mejores del blues rock. Con su primer disco "Texas Flood", logró una gran reputación y fue nominado al Grammy, siendo aún hoy en día uno de los discos más populares del blues eléctrico. "In Step" fue su último álbum lanzado en 1989, donde Vaughan produjo un enérgico blues rock, fusionando el blues de Chicago, con la energía y el misticismo de uno de sus ídolos, Jimi Hendrix. Desde el inicial y contagioso "Crossfire", pasando por el rock and roll "The House is Rockin´", la balada de blues "Leave My Girl Alone", el experimental "Riviera Paradise" o el instrumental "Travis Walk", Vaughan nos deja un disco fundamental que lamentablemente supuso el cierre de su excelente carrera, ya que un año después murió en un trágico accidente de helicóptero en Wisconsin mientras se dirigía a un concierto en Chicago.
