Jane-Together (1972)

Jane fueron otra de las grandes bandas del krautrock, que junto a Amon Duul II, Grobschnitt y Guru Guru continuaban llevando el estilo originario alemán de los setenta hasta casi bien entrada la década del 2000.
Fundada en Hannover a finales de los sesenta por el vocalista Bernd Pulst y el batería Peter Hanka, a los que se unieron el guitarrista Klaus Hess, el organista Werner Nadolny y el bajista Charly Maucher.
Después de firmar con el sello germano Brain graban su primer álbum que es publicado en 1972 bajo el titulo de "Together", en el cual muestran un exuberante trabajo de órgano Hammond, unas guitarras acidas y grandes interludios instrumentales.
Sin embargo en este primer álbum Jane muestran un estilo menos sinfónico que en sus sucesivos trabajos, centrando su música hacia derroteros de blues rock progresivo como demuestra cortes como el psicodélico hard rock "Wind" o la blues rock "Try to Find", mientras la progresiva "Daytime" o la epopeya "Spain" muestran el lado pesado y oscuro de su hard rock progresivo, con un sonido muy emparentado con sus coetáneos Deep Purple o Uriah Heep.
En los sucesivos años Jane ira produciendo una serie de trabajos mas enfocados al rock sinfónico entre los que destacan los brillantísimos "Here We Are" (1973), "Jane III" (1974), "Fire, Water, Earth & Air" (1976) o "Between Heaven and Hell" (1977), sin olvidarnos de su antológico doble álbum en directo "Jane At Home Live" de 1977.

Talk Talk-Spirit Of Eden (1988)

Fundada a principios de los ochenta por el multi-instrumentista Mark Hollis, Talk Talk comenzaron moviéndose por los sonidos cercanos al synth pop vanguardista y dentro de ese marco salieron a la luz dos interesantes trabajos como fueron “The Party´s Over” y “It´s My Life”, los cuales levantaron cierto interés entre el gran publico.
Con el tercer y brillante “The Colour of Spring”, la banda evoluciona hacia un sonido mas experimental y en cierta medida progresivo, como queda demostrado en las soberbias composiciones “I Don´t Believe In You”, “Living in Another World” y “Give it Up”.
Sin embargo el sonido que los definiría fueron sus dos siguientes obras, este “Spirit of Eden” y el siguiente “Laughing Stock”.
En ambos discos la banda adopta un estilo libre y abstracto, con una serie de cortes que se revelan como paisajes sonoros delicadamente construidos en donde cada nota es poderosamente emocional.
Llegados a este punto podríamos considerar que Talk Talk son para el pop rock lo que King Crimson fueron para el rock progresivo, entre otras cosas por sus texturas musicales abstractas tan cambiantes a lo largo de toda su carrera.
En “Spirit Of Eden”, Talk Talk muestra su eclecticismo y su faceta sombría y oscura en los cortes “The Rainbow” y “Wealth”, el desafío vanguardista en “Inheritance”, las melodías terrenales con la agradable “I Believe in You” o el rock convencional con la memorable “Desire”.
“Spirit Of Eden” se convirtió en un álbum tan desafiante como atractivo, demostrando la genialidad de un Mark Hollis creando una obra que difícilmente tenga parecido a todo lo que se haya grabado hasta la actualidad.

Clark Hutchinson-Retribution (1970)

Aquí tenemos otra de esas fantásticas bandas de culto que apenas tuvieron recorrido en el mundo del rock, pero que dejaron tras de si algunos de los mejores discos de la década de los 70.
Fundada a finales de los 60 por los multiinstrumentistas Andy Clark y Mick Hutchinson, los cuales grabarían como dúo el album “A=MH²”, en el que tocaban todos los instrumentos que iban desde el órgano hasta las guitarras, pasando por el bajo, percusiones, instrumentos de viento y teclados. Este primer disco estaba claramente influenciado por las composiciones orientales y exóticas con una base en el hard rock.
Después de este álbum la banda se ampliaría con dos nuevos miembros como fueron el bajista Steve Amazing y el batería Del Coverley.
Con esta formación se grabaría el segundo “Retribution”, todo un vendaval de blues rock lisérgico y pesado con unas desgarradoras voces y unas alucinantes guitarras sobrecogedoras y tremendamente poderosas.
Temas como la heavy blues “Free To Be Stoned”, la pesada y melancólica “Best Suit”, la rhythm and blues “After Hours" o la furiosa “Death, The Lover” conforman un disco brutal del mejor heavy blues de los años 70.
Un año mas tarde llegaría el tercer álbum “Gestalt” en donde mostraban un blues rock mas convencional y previsible pero igualmente arrollador. Ya posteriormente se publicaría el cuarto y ultimo trabajo “Blues”, con temas perteneciente a sus primeros años y que nunca antes fueron lanzados de manera oficial.

Wallenstein-Blitzkrieg (1972)

Wallenstein fueron una de las bandas mas importantes y longevas del llamado rock alemán, manteniéndose en activo durante prácticamente toda la década de los 70 y principio de los ochenta.
Formada en 1971 inicialmente como Blitzkrieg en la ciudad de Viersen al oeste de Alemania, estaba formada por el teclista Jürgen Dollase, el guitarrista Bill Barone, el bajista Jerry Berkers y el batería Harald Großkopf.
Casi inmediatamente fichan por el sello germano Pilz quienes les aconsejan cambiar de nombre para no coincidir con una banda británica del mismo nombre.
Ya como Wallenstein graban su primer álbum titulado "Bliztkrieg" (1972), bajo la producción de afamado Dieter Dierks. Este primer trabajo los catapulta como una de las sensaciones del rock progresivo alemán de ese año gracias a un estilo fusionando la música clásica, el rock psicodélico y el hard rock progresivo.
Compuesto por cuatro largos temas, todos ellos interpretados de manera virtuosa por la banda al completo, tienen sin embargo en Dollase como el principal protagonista con unas impecables habilidades con los teclados atmosféricos y su estilo clásico, que son el perfecto contrapunto a las vertiginosas y abrasadoras guitarras heavy rock y una sección rítmica enérgica y dinámica.
Wallenstein tienen un lugar preferente en los anales de la historia de la música krautrock por haber dejado tras de si una serie de álbumes imprescindibles muy apreciados por los fans del rock progresivo y por la critica especializada.

David Crosby-If I Could Only Remember My Name (1971)

David Crosby es un icono de la música norteamericana, el fue un formidable percusor de los sonidos folk y country como queda demostrado en los soberbios álbumes junto a The Byrds; “Mr. Tambourine Man”, “Turn! Turn! Turn!”, “Fifth Dimension”, “Young Than Yesterday” o “The Notorious Byrd Brothers”, todos ellos obras fundamentales del genero publicadas a finales de los años 60.
Tras abandonar The Byrds, Crosby se uniría al ex Buffalo Springfield, Stephen Stills y al ex The Hollies, Graham Nash para formar CSN con los que grabaría el antologico disco homónimo “Crosby, Stills & Nash” en 1969 y “Déja Vu” un año después con la inclusión del guitarrista canadiense Neil Young, formando así una de las mayores y mas aclamadas superbandas de la historia de la música rock.
A principios de 1971 David Crosby no pasaba por su mejor momento debido a las adición a la marihuana y otras sustancias y a la muerte de su novia en un trágico accidente automovilístico.
Fruto de todo ello fue el resultado de su primera grabación en solitario “If i Could Only Remember My Name” lanzando en febrero de 1971 y en la cual contaría con la colaboración de sus ex compañeros Graham Nash y Neil Young, la cantante Joni Mitchell, el guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen o el líder de los Grateful Dead, Jerry Garcia, entre otros muchos mas.
“If i Could Only Remember My Name” esta confeccionado por breves inspiraciones de maestría musical, con grandes armonías vocales y una gran dimensión político y social, representando diferentes estilos como el flower power o el folk psicodélico.
Repleta de canciones profundas como la embriagadora “Music is Love”, la capella “I´d Swear There Was Somebody Here”, la angelical “Orleans”, la acústica “Traction In The Rain”, la filosófica “Laughing” o el tour de Force “Cowboy Movie”, conforman un álbum algo caótico pero al mismo tiempo absolutamente brillante.

Rush-Counterparts (1993)

Con su decimoquinto álbum, Rush volvieron a reivindicar su sonido primitivo y básico del hard rock de sus inicios, ofreciendo un trabajo con canciones con menos complejidad y mas viscerales, desapareciendo casi por completo los sintetizadores y teclados tan presentes en sus álbumes de los ochenta.
Incluso las letras se tornan mas genéricas y abstractas a excepción de la letra de “Nobody`s Hero”, la cual suscito cierta polémica por sus explícitas referencias a la homosexualidad y el sida. En el resto la banda continua tratando temas como la intolerancia, el crimen o la ambición humana.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson cobran aquí nuevamente el rol principal dotando el sonido al hard rock como queda demostrado en los cortes “Animate”, “Stick it Out”, “Cut to the Chase”, “Double Agent” o en la excelente instrumental “Leave That Thing Alone”.
En contrapunto a estas aparecen la mencionada “Nobody´s Hero”, o las edificantes “Alien Shore” y “Everyday Glory”, las cuales nos retraen sutilmente a los sonidos de sus álbumes de los 70.
Para muchos de sus fans y gran parte de la crítica, este fue el mejor álbum de la banda en la década de los 90, el cual lograría un número dos en las listas del Billboard y varios discos de oro y platino por sus ventas en el mercado norteamericano.  

Jeff Beck-Blow By Blow (1975)

Estamos ante uno de lo discos imprescindibles dentro de los llamados álbumes orientados a la guitarra eléctrica, y es que este “Blow by Blow" esta considerado una de las obras maestras del jazz-rock y el punto culminante del guitarrista Jeff Beck, el cual hace ahora justo un año, fallecería a los 78 años de edad.
Aunque "Blow by Blow" es cronológicamente su quinto álbum, en realidad era su segundo trabajo firmado en solitario, (el primero habia sido el interesante "Truth" publicado en 1968), y que después de disolver su banda compuesta por Tim Bogert y Carmine Appice y con los que lanzaría los apabullantes "Beck-Ola" (1969), "Rough and Ready" (1971), "The Jeff Beck Group" (1972), y "Beck, Bogert and Appice" (1973), además del directo "Beck, Bogert and Appice; Live in Japan" (1974), este ultimo solo publicado en el mercado nipón, decidiría continuar su carrera en solitario.
Producido por el llamado quinto Beatle, George Martin, en esta segunda entrega, Beck contaría con la colaboración del teclista Max Middleton, el bajista Phil Chen y el batería Richard Bailey, además de la aparición estelar de Stevie Wonder y los arreglos orquestales del mencionado George Martin.
"Blow By Blow" se caracteriza por ser uno de los primeros álbumes de Jeff Beck en adentrase por completo en el jazz-fusión y el jazz-rock, alejándose de los sonidos de hard rock y blues de sus primeras entregas.
El álbum al completo reboza de momentos memorables como la funk jazz "You Know What I Mean", la emocionante "She´s A Woman", las jazz rock poderosas "Constipated Duck", "Airblower" y "Scatterbrain", la emblemática "Cause We´ve Ended as Lovers" o la inmortal y todo un clásico de las radios FM norteamericanas "Freeway Jam".

Sea Level-Sea Level (1977)

Sea Level fue una magnifica banda norteamericana que tuvieron bastante repercusión a mediados de la década de los 70.
Formada por algunos ex miembros de The Allman Brothers Band como eran el teclista Chuck Leavell, el baterista Jai Johanny Johanson y el bajista Lamar Williams.
Sin embargo ya antes de abandonar a los mencionados The Allman Brothers, estos tres músicos ya habían formado la banda paralela We Three, con la cual incluso llegaron a telonear a su banda madre durante la gira norteamericana promocionado el album "Win, Lose or Draw", participando cada noche en ambas bandas.
Tras la primera disolución de los Allman acontecida a finales de 1976, los tres músicos mas el guitarrista Jimmy Neals deciden seguir como Sea Level, firmando un contrato con la Capricorn Records, quienes les producen su primer álbum titulado homónimamente "Sea Level" en 1977.
El estilo de esta nueva banda no se alejaba demasiado de lo que hacían con los Allman, con un southern rock con notorias influencias de jazz y funk.
En este primer álbum esta compuesto por una irresistible colección de temas rutilantes como la instrumental jazz-rock "Tidal Wave", la jazzistica "Shake Leg", la brillante "Rain In Spain", la funk “Country Fool”, o las southern rock "Just A Good Feeling", "Nothing Matters But The Fever" y "Grand Larceny".
Después del buen recibimiento por parte del publico y la critica, la banda seguirá publicando una serie de interesantes trabajos como "Cats On The Coast" (1977), “On The Edge" (1978), "Long Walk on a Short Pier" (1979) y "Ball Room" (1980).
Posteriormente Chuck Leavell pasaría a engrosar como músico de sesión y de apoyo en los Rolling Stones, puesto que ocuparía desde 1983 hasta el año 2016, por lo que la banda se disolvería definitivamente a mediados de 1982.

Jefferson Airplane-After Bathing At Baxter´s (1967)

Si un álbum como "Surrealistic Pillow", (el segundo trabajo de Jefferson Airplane), resultaría tan influyente como revolucionario en el mundo del rock, en realidad no dejaba de ser un disco repleto de canciones estándar de rock innovador, en cambio con su siguiente lanzamiento, el grupo californiano cruzaría radicalmente su estilo hacia terrenos mas experimentales y psicodélicos.
“After Bathing at Baxter´s” esta considerado su álbum mas exigente y el mas cercano a los subgéneros psicodélicos y el avant-garde, el cual esta reconocido unánimemente como una de las piezas maestras del proto/early prog rock.
Si en el anterior fue el guitarrista Marty Balin quien asumiera la autoría de gran parte de las composiciones, aquí seria el también guitarrista Paul Kantner, quien tomara mucho mas protagonismo explorando temas mas vanguardistas y menos accesibles.
Su obsesión por temas recurrentes como la ciencia ficción, se deja ver en cortes repletos de momentos disonantes y atonales como “Watch Her Ride” o “Spare Chaynge”, locuras vanguardistas; “Small Package of Value Will Come to You, Shorty” o viajes lisérgicos de folk/psicodélico; “Martha” y “Rejoyce”, mientras la continuista “Two Heads”, nos deja un sabor heredero a la clásica e inmortal “White Rabbit” del mencionado “Surrealistic Pillow”.
Incluso se atreven a mostrar su lado exótico con los sonidos orientales de guitarras tipo raga en la extraña pero brillante mini suite “Won´t You Try/Saturday Afternoon”.

Jethro Tull-Living In The Past (1972)

"Living In The Past", el quinto álbum de Jethro Tull, es un semi-recopilatorio que presenta una gran cantidad de canciones inéditas que no pertenecen a ningún álbum anterior, algunas de ellas publicadas originalmente en las caras B de los singles, además de otras que fueron desechadas para sus discos oficiales, que fue lanzado en 1972 en formato de doble LP.
Este doble álbum contiene una serie de temas que no conocían previamente muchos de los aficionados de la época, pertenecientes al periodo comprendido entre 1968 y 1971, por lo que para la gran mayoría fue visto como un nuevo álbum oficial y no una mera recopilación al uso.
Al tratarse de un disco que contiene obras de diferentes épocas, es sumamente interesante observar la evolución de la banda desde sus comienzos de blues y folk hasta los sonidos hard rock y progresivos que fueron imprimiendo a medida que fueron transcurriendo esos primeros años de la carrera de la banda.
El folk, el blues y las influencias de jazz están presentes en cortes como "Song for Jeffrey", "Love Story", "Bourée", "Driving Song" o "Witch´s Promise", mientras la vena mas experimental la encontramos en "Sweet Dream", "Singing all Day", "Life Is A Long Song", "Dr. Bogenbroom" o la progresiva "Living In The Past".
Por derecho propio "Living in the Past" se ha convertido en un disco imprescindible en la discográfica de Jethro Tull y probablemente uno de sus mejores trabajos, pese a llevar la camuflada etiqueta de recopilatorio.