Craig Chaquico-Acoustic Planet (1994)

En 1993 el ex guitarrista de la mítica banda de los 60 y 70 Jefferson Airplane y Jefferson Starship, Craig Chaquico, lanzaba su primer disco en solitario titulado "Acoustic Highway", un memorable ejercicio de armonías y melodías enfocado en el estilo "new age", pero fusionado con sonidos jazzísticos y ritmos apasionados.
Un año después publicaría este "Acoustic Planet", donde Chaquico amplía el horizonte musical hacia sonidos e influencias más variadas como el blues, los sonidos latinos y el smooth jazz, sin dejar esa sensación "new age" que impregna todo el disco.
Un álbum lleno de viajes creativos que construyen un paisaje sonoro abrumador y que valdría la nominación al mejor álbum de música "new age" en los premios Grammy del año siguiente.

Nazareth-The Newz (2008)

Tras mas de cuarenta años de existencia, en el año 2008 Nazareth lanzaban su vigésimo primer álbum "The Newz", diez años después del ultimo trabajo en estudio publicado "Boogaloo" (1998), el ultimo por cierto en donde participaría el miembro fundador Darrell Sweet que fallecería a finales de 1999. Para cuando se publico este nuevo trabajo la banda contaba con dos nuevos integrantes, por un lado el baterista Lee Agnew y por otro el guitarrista Jimmy Murrison, quienes junto a los miembros fundadores Pete Agnew (bajo) y Dan McCafferty (voz), crearon uno de sus trabajos mas laureados y reconocidos por la critica y sus innumerables fans. Aquí vuelven a demostrar su tremenda destreza para aglutinar diferentes estilos e influencias con una exhibición magistral combinando desde el hard rock, hasta el rock clásico, pasando por el rock melódico o el country rock. Una retahíla de canciones memorables componen un disco exquisito y muy disfrutable como "Keep On Travellin´", "Road Trip", "Goin´Loco", "Day At The Beach", "Liar", "Mean Streets", "Gloria" o "Warning", las cuales los volverían a poner entre la vanguardia del rock mundial.

The Climax Blues Band-Plays On (1969)

La Climax Chicago Blues Band es una de las mejores bandas del blues británico que surgieron a finales de la década de los 60, y que sin embargo esta injustamente olvidada por el gran público en general.
Compuesta por el afamado guitarrista Peter Haycock y el cantante Colin Cooper, el resto lo formaban el guitarrista Derek Holt, el baterista George Newsome, el bajista Richard Jones y el teclista Arthur Wood.
Su álbum debut "The Climax Chicago Blues Band", lanzado en 1969, obtendría excelentes críticas y unas ventas mas que aceptables.
Posteriormente y debido a las presiones de su discográfica y de la banda de jazz-rock Chicago, que en ese momento se llamaban "Chicago Transit Authority", tuvieron que reducir su nombre a "The Climax Blues Band", y bajo este lanzaron su segundo álbum "Plays On ”, que a diferencia de su trabajo anterior, fusionan el blues con enfoques jazzísticos, obteniendo un sonido espectacular y brillante.
Desde el principio, la banda exploró el terreno jazzístico con el tema inicial "Flight", al que siguieron magníficas canciones como "So Many Roads", "Hey Baby", el devastador Blues "Everything's Gonna Be Alright Yeh Yeh Yeh" o la divertida "Crazy Bout My Baby".
"Plays On" es un disco lleno de sonoridad profunda e insuperable, en donde destacan los impresionantes solos de guitarra de Haycock, uno de esos guitarristas que están a la sombra de los grandes de su época, pero que en absoluto desmerece su talento ante cualquiera de ellos.

Cox Orange-Cox Orange (1978)

Atractivos sonidos de jazz fusión, combinados con la energía del rock, fue la interesante propuesta de Cox Orange, una banda danesa que publicaron tres álbumes de estudio entre finales de la década de los 70 y principios de los 80. Su numerosa formación estaba compuesta por los saxofonistas Morten Elbek, Anders Gårdmand, Holger Laumann y Niels Mathiasen, los guitarristas Finn Gustafsson y Flemming Ostermann, el teclista Karsten Simonsen, y la sección rítmica compuesta por Peter Danstrup (bajo), Ethan Weisgard (batería) y Birger “Krølle” Sulsbrück (percusión). Publicado en 1978, su álbum debut homonimo muestra su sugestiva propuesta estilistica la cual no se aleja demasiado del jazz rock/fusión norteamericano, con unos elegantes arreglos y un amplio abanico de sonoridades e interacciones entre los instrumentos de vientos y las guitarras. Temas como "Dedication to Ironside", "Always Public" o "Svend Age", conformaban un debut prometedor que llamaría la atención en los ambientes del genero jazzistico. Varios años mas tarde lanzaron "Cox Orange II" en donde vuelven a manifestar su pasión por las refinadas melodías en otro estimable álbum de jazz fusión. Luego de unos años de inactividad volvieron a publicar un tercer trabajo "Move Your Feet" (1984), que seguía las pautas musicales de sus dos primeros esfuerzos discográficos.

Thirsty Moon-Thirsty Moon (1972)

Thirsty Moon fueron otra de esas legendarias y oscuras bandas germanas, encuadradas dentro del krautrock, en su vertiente de jazz rock progresivo, que publicaron cinco álbumes entre el periodo comprendido entre 1972 y 1981. Su formación estaba compuesta por Jürgen Drogies (guitarra), Norbert Drogies (batería), Michael Kobs (teclados), Harald Konietzko (bajo, guitarras y voz), Erwin Noack (percusión), Willi Pape (saxo y flauta) y Hans Werner Ranwig (órgano y voces). Su debut discográfico bajo el prestigioso sello alemán Brain esta repleto de una gran maestría musical, con un elegante estilo y una meticulosa precisión instrumental, con grandes arreglos de metales, un órgano pesado, unas guitarras acidas y viscerales y unas atmósferas de gran experimentación. El liderazgo de los hermanos Drogies en la batería y en la guitarra son el brazo impulsor del jazz rock con tintes psicodélicos y vanguardistas con ocasionales elementos de hard rock. El abrasador brass rock "Big City" es junto a la tour de force progresiva "Yellow Sunshine", las esencias fundamentales del estilo de Thirsty Moon, las cuales son complementadas por la melodía psicodélica de "Love Me", la energía del jazz fusion "Morning Sun", y de la furiosa heavy rock "Rooms Behind Your Mind".

Cat Stevens-Greatest Hits (1975)

La carrera de Cat Stevens está marcada por tres etapas bien diferenciadas, la primera durante los años sesenta, cuando quiso ser un cantante más en las oleadas de artistas británicos que dominaban el mercado internacional.
Fue en esta época cuando lograría su primer gran éxito con la canción "Matthew and Son", pero una enfermedad lo mantuvo retirado durante mucho tiempo durante en el cual cambiaría su forma de ver la música, alejándose del pop comercial y entrando en el género de cantautor, con el que lograría sus mayores éxitos.
Tras su éxito en los años setenta se retiraría durante mucho tiempo para volver bajo el nombre de Yusef Islam con quien grabaría música religiosa exclusivamente musulmana.
Su etapa de gloria incluye una serie de grandes álbumes centrados en el folk rock como "Mona Bone Jakon", "Tea For The Tillerman", "Teaser and the Firecat", "Catch Bull at Four", "Foreigner", "Buddah and the Chocolat Box", "Numbers" o "Izitso", todos ellos publicados en el período comprendido entre 1970 y 1977.
En ellos aparecieron grandes canciones que llenaron su repertorio de clásicos como "Morning Has Broken", "Moonshadow" o "Father and Son", entre otros muchos.
En 1975 estos y otros éxitos fueron incluidos en el recopilatorio "Greatest Hits", que alcanzó un éxito abrumador en muchos países, dejando constancia del legado de este talentoso y polifacético músico y cantante.

Canned Heat & John Lee Hooker-Hooker N´Heat, Live at The Fox Venice Theater (1981)

Canned Heat siempre tuvieron una deuda con las grandes leyendas del blues y de ahí sus numerosas versiones de míticos bluesman como Muddy Waters, John Lee Hooker, Willie Dixon, Robert Johnson, Sonny Boy Williamson II o Guitar Slim entre otros muchos mas. A mediados de 1970 la banda quiso darle un tributo a uno de esos grandes bluesman como era John Lee Hooker, invitándole a participar en su nuevo álbum, el cual terminaría titulándose "Hooker N´Heat, que publicado en 1971 seria el ultimo en donde participaría el guitarrista Alan Wilson, fallecido meses antes de su publicación. Diez años después el cantante Bob "The Bear" Hite quiso rendir tributo a su ex compañero fallecido organizando un concierto en el Fox Venice Theater de los Angeles, para lo cual además de los propios Canned Heat y el apoyo vocal de los Chambers Brothers, volvería a contar con John Lee Hooker entre otros músicos invitados. En este concierto el protagonismo se lo llevan los dos pesos pesados vocales (Hooker y Hite), que con sus sudorosas interpretaciones, secundadas por la talentosa banda compuesta por el baterista Fito de La Parra, el pianista Ronnie Barron, y el guitarrista Mark Skyer, ofrecen un repertorio cargado de enorme feeling blues y boogie rock, desde la fanfarrona "Hell Hound" con un imponente Hite a la voz y la sublime guitarra de Hooker, hasta las placenteras blues "The House Of Blue Lights" y "Open Up Your Back door". Por otro lado Hite se abre camino de manera majestuosa con el popurrí "Lets Work Togheter"/Going´Up The Country". Por su parte John Lee Hooker mantiene su solemne presencia con su incombustible voz y su emocionante guitarra en los lamentos incendiarios "It Hurts Me Too" y "It Serves Me Right to Surffer".

Queen-Sheer Heart Attack (1974)

Siguiendo la estela del anterior álbum "Queen II", la banda liderada por Freddie Mercury y Brian May lanzaría su tercera obra titulada "Sheer Heart Attack" apenas seis meses después. Un álbum en donde comienza la transición del grandilocuente glam rock hasta el hard rock y el art rock glamoroso que se vería refrendado en el siguiente y monumental "A "Night At The Opera" de un año mas tarde. Impulsado por el original y enérgico estilo de la guitarra de Brian May, la operística voz y el piano de Freddie Mercury y la contundente sección rítmica compuesta por John Deacon y Roger Taylor, este se convirtió en su álbum mas abrasador al mismo tiempo que su propuesta mas ecléctica. Viscerales ejercicios de hard rock como "Brighton Rock", "Now I´m Here" y "Stone Cold Crazy", se hermanan con solemnes canciones como "Dear Friends", el vodevil "Bring Back Leroy Brown", el himno generacional "In The Laps Of The Gods...Revisited", las semi progresivas "Tenement Funster", "Flick Of The Wrist" y "Lily Of The Valley", o la comercial "Killer Queen". Con todas ellas lograron que el álbum los aupara meteoricamente al estrellato, sobre todo su triunfal entrada en el mercado norteamericano gracias a los impactantes hits "Now I´m Here" y "Killer Queen".

 

Robin Trower-For Earth Below (1975)

"For Earth Below" fue el tercer álbum de Robin Trower, después de dos fantásticos primeros discos que eclipsaron en parte este nuevo lanzamiento.
En este nuevo trabajo Robin Trower repite los mismos argumentos que sus antecesores, pero bajando el listón en cuanto a la crudeza de sus canciones, aunque no deja de sorprender con sus interminables solos de guitarra.
Un disco que incluye temas como la soberbia "Alathea", la eléctrica "Gonna Be More Suspicious" o la espectacular "Confessin´Midnight".
Sin ser tan magistral como "Bridge Of Sighs" y "Twice Removed From Yesterday", este álbum es un digno sucesor de esas dos obras maestras.

Black Sabbath-Master Of Reality (1971)

En 1971 Black Sabbath lanzaban su tercera entrega, "Master Of Reality", que pese a ser un trabajo refinado en las labores de producción, continuaban por el sendero del lugrube e hipnótico heavy metal, aunque ciertamente en un tono mas elegante y con unas composiciones mucho mas logradas y maduras. Grabado en una época tumultuosa para la banda, las drogas duras hacían mella en todos sus integrantes, en esta nueva entrega siguieron mostrando su cara sombría y satánica y sus continuáis alusiones al consumo de drogas, y sus mensajes antisistemas, una tematica que por otra parte atraía a miles de fans a todos sus conciertos, incluidos los polémicos Hell´s Angels. De hecho inician este disco con uno de los himnos del cannabis como es "Sweat Leaf", a esta le siguen la oscura "After Forever", la grandilocuente y siniestra "Children Of The Grave", los interludios instrumentales "Embryo" y "Orchid", esta ultima una agradable pieza acústica, la pesada "Lord Of This World" o las poderosas heavy rock "Solitude" y "Into The Void". Los antológicos y crudos riffs de la guitarra de Tony Iommi, impulsan todas y cada una de las canciones aquí incluidas, que secundados por las excelentes líneas de bajo y batería y la omnipresente voz de Ozzy volverían a crear, como ya había ocurrido con sus dos primeros lanzamientos, otra de las clásicas obras maestras del genero del metal.

The Moody Blues-Keys Of The Kingdom (1991)

El primer álbum de The Moody Blues en la década de los 90, fue el reencuentro de los Moody mas melódicos y refinados, alejados ya casi por completo de los sonidos del synthpop rock de sus anteriores trabajos de los años 80. Para este nuevo lanzamiento regresaba a la formación el cantante y flautista Ray Thomas, mientras que el resto seguía con los fijos Justin Hayward (guitarras y voz), Graeme Edge (batería), John Lodge (bajo) y Patrick Moraz (teclados), además de media docena de músicos invitados como Andy Duncan, Guy Barker, Anne Dudley, Paul Bliss, Jamie Talbot o Tony Visconti. Compuesto por brillantes piezas melodicas con grandes arreglos como "Bless The Wings (That Bring You Back)", "Is This Heaven?", "Lean On Me (Tonight", "Shadows On The Wall", "Celtic Sonant" o "Never Blame The Rainbows For Ther Rain", mientras que la pop rock "Say What You Mean (Part I & II)" es el único resquicio del pasado mas reciente. Por otro lado con las rítmicas "Magic", "Once Is Enough" y "Say It With Love", The Moody Blues dejaban claro sin ningún lugar a dudas, que después de cuatro décadas de carrera, trece álbumes publicados y millones de discos vendidos, aún podían rockear de manera contundente y apabullante.

Trees-On The Shore (1970)

Fundada en medio de la eclosión del folk progresivo británico, Trees fueron una banda que tuvo que sufrír las constantes críticas de la prensa de su país por tacharles de meros clones de otras formaciones coetáneas como Pentangle o Fairport Convention. Su carrera apenas duraría cuatro años, en los cuales publicaron dos meritorios álbumes "The Garden of Jane Delawney" y "On The Shore", ambos lanzados en 1970. Fundada en 1969, su formación original estaba compuesta por Celia Humphris (vocalista), Barry Clarke (guitarras), David Costa (guitarras), Bias Boshell (bajo) y Unwin Brown (batería). El encanto de esta formación estaba enfocada principalmente en la magnifica voz de Celia Humphris, bajo una excelente musicalidad, mostrado en unos y ricos extensos pasajes instrumentales y los precisos ambientes sosegados y tranquilos. Su primera entrega esta basado básicamente en el folk tradicional con sutiles guiños a los sonidos vanguardistas. En su segunda propuesta la banda oriento su estilo hacia elementos más psicodélicos y un sonido cercano al rock que al folk tradicional, lo que lo convierten en un trabajo mas ecléctico y variado que su debut.

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Bachman-Turner Overdrive-Not Fragile (1974)

Poco después de publicar el aclamado "American Woman" de los míticos Guess Who, uno de los fundadoras de la banda; Randy Bachman, la abandona por problemas de salud, aunque en realidad el motivo fue otra causa más cercana a la disparidad de criterios musicales que cualquier otra cosa.
Tiempo después Bachman reclutó a sus hermanos Tim, Robbie y Fred Turner para emprender otro proyecto que llamarían Bachman-Turner Overdrive, un nombre curioso inspirado en una revista de camiones de la época, algo que realzaría la imagen de una banda de rock de la clase trabajadora
Sin embargo, sus dos primeros álbumes fueron poco apreciados y pasaron desapercibidos para el público en general ("BTO" y "BTO 2"), y no entrarían en las listas hasta un tiempo después de ser publicados.
Para el próximo álbum, Bachman toma las riendas de la producción y pone a un joven guitarrista llamado Blair Thornton al frente de la banda y que resultaría el repulsivo ideal que necesitaban.
El resultado es este "Not Fragile", que editado en 1974 sería su álbum más exitoso, llegando incluso al número uno en las listas norteamericanas y logrando un sorprendente disco de platino.
El álbum contenía numerosas canciones de rock contundente y vigoroso como "Roll on Down The Highway", "You Ain't Seen Nothing Yet", "Free Wheelin" o "Not Fragile".

Camel-Nude (1981)

Tuvieron que pasar seis largos años para que los británicos Camel volvieran a confeccionar un álbum conceptual después del aclamado "The Snow Goose" de 1975. En esta ocasion el album "Nude" (el octavo álbum cronológico de la banda), esta basado en la historia real de un soldado japonés que quedo varado en una de las islas desiertas del Pacifico después de terminar la Segunda Guerra Mundial y que no fue encontrado hasta 30 años después. Un concepto que fue desarrollado por Susan Hoover, la esposa del líder y guitarrista de la banda Andy Latimer, quien junto a Colin Bass (bajo), Andy Ward (batería), Mel Collins (saxofón), Herbie Flowers (tuba) y los teclistas Kit Watkins y Jan Schelhass, lograron crear unos hermosos paisajes sonoros muy atmosféricos que encajan perfectamente con la trama de álbum. Para muchos las similitudes musicales con el mencionado "The Snow Goose" son evidentes, con la salvedad de que en "Nude" hay voces, una particularidad que en el disco de 1975 fue imposible de realizar, debido a los problemas legales con los derechos de autor del libro original Paul Gallico. Compuesto por una serie de canciones cortas que están entrelazadas entre si, exigen su total escucha como parte del todo y no consideradas como temas sueltos. Mas de la mitad del álbum son piezas instrumentales, pero incluso así siguen un perfecto patrón musical y lírico a la historia aquí reflejada. Pese a que los sonidos progresivos aparecen aquí y allá, estilísticamente es un trabajo bastante ecléctico, que van desde piezas de soft rock "City Life", hasta el rock progresivo pastoral "Fading Lights", pasando por el space rock "Lies/The Last Farewell", epicas y hermosas melodias "Drafted", lienzos new age "Landscapes" y "Pomp & Circumstance", exoticas experimentaciones sonoras "Changing Places", o el pop sofisticado "Please Come Home", todo ello bajo reflexivas atmósferas ambientales con encomiables secciones vocales y las melódicas líneas de guitarra de un Andy Latimer pletórico a las seis cuerdas.

Brian Auger-Brian Auger´s Oblivion Express (1970)

La carrera de Brian Auger comenzaría a mediados de los 60, impulsado por la influencia y el embrujo del organista de jazz Jimmy Smith. En 1964 formaría Trinity con los cuales cimentaría su enorme reputación durante los siguientes cinco años publicando media docena de álbumes de blues, jazz rock y rhythm and blues de enorme calidad como "Open", "Jools And Brian", "Streetnoise"  y "Befour" (los tres primeros junto a Julie Driscoll). Sin embargo a principios de los 70 Brian Auger decide formar un nuevo proyecto y dar más importancia a los sonidos instrumentales vanguardistas. De esa manera nacerian Oblivion Express, una banda en la que aparecían el bajista Barry Dean, el baterista Robbie Mcintosh y el guitarrista Jim Mullen. Publicado bajo el sello RCA, a mediados de 1970 se publicaba el debut homónimo de esta nueva formación, en el cual Brian Auger muestra su furioso órgano Hammond en una serie de canciones de vigoroso jazz rock rítmico con connotaciones progresivas como "Dragon Song", "Total Eclipse", "The Light", "On The Road" o "The Sword", todos ellos bajo una solida sección rítmica y el talentoso respaldo de la guitarra de Jim Mullen.

Kenso-Kenso III (1985)

Kenso son una de las mas talentosas bandas del jazz rock japonés, que durante su larga carrera han publicado una docena de álbumes de reconocida valía tanto en su país natal, como fuera de sus fronteras. Formada en 1974, estuvieron activos hasta finales del año 2017 y su núcleo principal siempre ha girado alrededor del guitarrista Yoshihisa Shimizu, el único miembro que ha permanecido durante todos esos años en la banda. Su estilo esta influenciado por los diferentes movimientos progresivos y vanguardistas de los años 70, desde los elementos de la música clásica y experimental de Gentle Giant, hasta el jazz rock de Return to Forever. Sus álbumes están repletos de piezas muy bien estructuradas, con una gran cantidad de ideas creativas, al mismo tiempo que muy bien equilibradas con complejas composiciones de gran accesibilidad. Como es norma habitual en los grupos japoneses, sus integrantes muestran un gran dominio musical y una técnica envidiable en sus respectivos instrumentos. A mediados de los ochenta Kenso estaba formada por Yoshihisa Shimizu (guitarra),  Toshihiko Sahashi (teclados), Kenichi Oguchi (teclados), Kimiyoshi Matsumoto (bajo) y Haruhiko Yamamoto (batería). Con esta formación lanzarían su tercera entrega, "Kenso III", (1985), con el cual comenzaron a ser considerados seriamente como una de las mejores propuestas del jazz rock vanguardista, ofreciendo una fusión de ardientes ritmos frenéticos y unas interacciones entre los humeantes sonidos de los sintetizadores y las chispeantes guitarras eléctricas.

Aynsley Dunbar-Blue Whale (1971)

Considerado uno de los grandes bateristas de la historia, Aynsley Dunbar ha tenido tras de si una carrera productiva y extensa colaborando para una infinidad de artistas entre los que se encuentran Jeff Beck, Lou Reed, Whitesnake, Frank Zappa, Eric Burdon, Jefferson Starship o Journey. Sus comienzos a mediados de los sesenta le llevaría a integrar los Heartbreakers de John Mayall, grabando los álbumes "A Hard Road", "Looking Back" o “So Many Roads". Tras un breve periodo en la Jeff Beck Group, Dunbar formaría su primera banda, The Aynsley Dunbar Retaliation con los que lanzaría cuatro álbumes entre 1968 y 1970. Un año mas tarde en un intento de formar una nueva banda publicaría "Blue Whale", un efímero proyecto en donde además del compañero en los Retaliation, el organista y guitarra Tommy Eyre, aparecen otros músicos como los guitarristas Ivan Zaghi y Roger Sutton, el cantante Paul Williams, el bajista Peter Friedberg o los saxofonistas Charles Greetham y Edward Reay-Smith. "Blue Whale" es la perfecta muestra de su ecléctico pasado, con guiños al jazz rock y al blues progresivo de sus anteriores bandas. El jazz blues esta presente en la movida "Willing To Flight", los sonidos psicodélicos con la progresiva "Willie The Pimp", el jazz rock en "It´s Your Turn" y el vanguardismo con el blues experimental "Going Home". 

Rainbow-Difficult To Cure (1981)

Dos años después del cuarto álbum de Rainbow, Ritchie Blackmore volveria acometer cambios en su formación, esta vez contratando a un cantante mas acorde con su estilo hard rock, el elegido seria Joe Lynn Turner, sustituyendo a Graham Bonnet, además de prescindir del baterista Cozy Powell en beneficio de Bob Rondinelli. El resto seguía formado por Blackmore (guitarras), Roger Glover (bajo) y Don Airey (teclados). Para muchos esta es la mejor formación de Rainbow después de la clásica con Ronnie James Dio, Cozy Powell, Ritchie Blackmore, Tony Carey y Jimmy Bain que publicaron los antológicos "Rising" y "Long Live Rock´n´Roll", (aunque en este último también participarían como miembros oficiales David Stone y Bob Daisley). En "Difficult to Cure", Blackmore volvería a recurrir a otra versión de Russ Ballard como ya había hecho en el anterior "Down to Earth" con "All Night Long" y "Since You Been Gone", esta vez con "I Surrender", una pegadiza canción AOR/Hard Rock con unos adictivos estribillos y un poderosos riff de Blackmore. Esos poderosos riffs de guitarra también son el impulsor de "Spotlight Kid" un acelerado hard rock, esta ultima contrasta con la hipnótica "No Release", un oscuro y pesado hard rock con un ritmo dinámico y un gran trabajo por parte de Blackmore y de Joe Lynn Turner con su portentoso rango vocal. Después de la irresistible AOR "Magic" llega la soberbia instrumental "Vielleicht Das Nächste Mal (Maybe Next Time)", toda una declaración de intenciones en clave semi progresiva emocional. Las hard rock "Can´t Happen Here" (una alusión a la guerra nuclear) y "Freedom Fighter" (dedicada a los presos políticos), son dos piezas que podrían haber encajado perfectamente en los Deep Purple de los años ochenta. Para acabar este brillante disco aparecen la sórdida blues rock "Midtown Tunnel Vision" y la instrumental "Difficult to Cure (Beethoven's Ninth)", un tributo de Blackmore, en clave hard rock vertiginoso y complejo, a Ludwig van Beethoven.

Bob Dylan-At Budokan (1978)

"Bob Dylan es el Picasso de la canción", así se refirió en una ocasión el legendario cantautor Leonard Cohen y así podemos definir este disco "At Budokan", un giro totalmente inesperado, una variación musical sin precedentes en el sonido de Dylan y que tiene nada que ver con su trabajo previamente publicado.
Originalmente, este doble álbum fue grabado en 1978, durante una gira que Dylan realizó por Japón. En el momento de la publicación de esta antología en directo, muchos de los seguidores y analistas de Dylan lo criticaron duramente, incluso afirmando que era uno de los peores álbumes de la historia del rock.
Tuvieron que pasar muchos años para que la importancia y calidad de una obra famosa como esta sea apreciada y reconocida, y así ha ocurrido en esta ocasión, con una obra de un músico cuyas canciones interpretadas aquí lo elevaban a la categoría de arte sin paliativos.
Por aquel entonces Bob Dylan apareció en la tierra del sol naciente acompañado de una banda destacada, alterando varios de sus grandes clásicos, dándoles un sonido innovador y un estilo en donde evoluciona sus canciones en otra dimensión.
El álbum comenzó con el perpetuo “Mr. Tambourine Man”, una de las canciones legendarias del genio de Minnesota, para seguir con éxitos como “Shelter From The Storm”, “Love Minus Zero / No Limit” o la balada inmortal “Ballad Of a Thin Man”, proveniente de su eterno “Highway 61 revisited”, también sorprende el aire “reggae” de “Knockin 'On Heaven's Door” y que también podemos apreciar en “Don't Think Twice, It's All Right” otro tema que sufre un cambio extraordinario es “All Allong The Watchtower”, con una sección de viento y riffs de guitarra memorables.
Como dato anecdótico, el disco termina con "The Times They Are A-Changin", (los tiempos están cambiando), ¿coincidencia o genialidad?.

Peter, Paul and Mary-Peter, Paul and Mary (1962)

El folk alcanzaría con Peter, Paul and Mary la madurez necesaria para colocarlos en un primer plano tan importante como lo había hecho antes un mito como Peter Seeger. Ellos son toda una institución dentro del folk norteamericano, no solo lograron que su música traspasara las fronteras que el folk tenia limitados, si no también el convertirse en una de las mas exitosas formaciones de los años 60 en las listas mainstream. Sus integrantes eran los cantantes y guitarristas Peter Yarrow y Paul Stookey y la cantante y coros Mary Travers. En 1962 con su homónimo debut consiguieron un doble platino y un numero uno en las listas gracias a una mezcla de canciones originales y versiones como "Where Have All The Flowers Gone?" de Peter Seeger, "Lemon Tree" de Will Holt o "Sorrow" una canción tradicional. Los siguientes LP´s tendrían una acogida similar y mas aun si en sus letras se hacían alusiones en defensa de los derechos humanos, un dato que les hacían aun mas populares entre el gran publico. En 1967 volverían a conquistar los mercados con su séptimo lanzamiento "Album 1700", en donde interpretaron una serie de atractivas versiones de Eric Andersen ("Rolling Home"), de John Denver ("Leaving on a Jet Plane") o una excitante versión del tema de Bob Dylan "Bob Dylan´s Dream".

Happy The Man-Crafty Hands (1978)

"Crafty Hands" fue el segundo lanzamiento de los progresivos norteamericanos Happy The Man, que junto a su álbum debut, esta considerado dos de las obras maestras del rock vanguardista yanqui. Si con el anterior registro ya habían mostrado el testimonio de su impresionante nivel, con este segundo album, la formación liderada por el teclista Kit Watkins, confirmaba ese status de manera indiscutible. Además de Watkins, el resto de la banda estaba formada por Stanley Whitaker (guitarras), Ron Riddle (batería), Rick Kennell (bajo) y Frank Wyatt (teclados y instrumentos de vientos). Sin embargo aquí muestran un trabajo aún mucho mas equilibrado, expansivo y contemporáneo que su predecesor, con unas complejas instrumentaciones sincronizadas con constantes cambios rítmicos. A pesar del virtuosismo de todos sus miembros, el sonido esta dominado principalmente por la guitarra, destacando sobre todo la inicial "Service With A Smile", la crimsoniana "I Forget To Push It", el corte vocal "Wind Up Doll Day Wind", la tremendamente relajante “Morning Sun”, la inquietante e introspectiva “The Moon, I Sing” o la heredera de los sonidos de Canterbury "Open Book".

Boston-Walk On (1994)

En 1994 Boston publicaba su cuarto álbum en estudio "Walk On", el cual obtendría un disco de platino a las pocas semanas de su lanzamiento. Para este nuevo trabajo el grupo liderado por Tom Scholz, presentaba una formación en la que ya no aparecían ni Brad Delp ni Sib Hashian, sustituidos aquí por Fran Cosmo y Doug Huffman respectivamente, repitiendo el guitarrista Gary Phil, además de la incorporación del bajista David Sikes. "Walk On" constituye uno de los trabajos de Boston mas entusiastas al mismo tiempo que el mas indulgente, recibiendo criticas por parte de la prensa norteamericana debido al egocentrismo de su líder. Repleto de mensajes sociales como los maltratos a la infancia, a las mujeres y a los animales, muestra una serie de canciones adictivas como la contagiosa "Need Your Love", la eufórica "Surrender To Me", la ardiente "Livin´For You" o la espacial "Magdalene". Como era norma habitual en Tom Scholz, habría que esperar ocho años mas para ver el siguiente lanzamiento de la banda titulado "Corporate America", que publicado en el 2002, volverían a contar con la voz del añorado Brad Delp. 

Gil Evans-Out Of The Cool (1961)

Gil Evans fue uno de los grandes arreglistas y compositores de jazz, que pese a no ser muy prolífico en su faceta de pianista publicando trabajos en solitario, si es en cambio uno de mas influyentes en las siguientes generaciones de músicos del jazz. Aunque su carrera empezaría en los años cuarenta, no seria hasta casi mediados de los cincuenta cuando si figura tomaría gran relevancia al empezar a colaborar asiduamente en algunos registros de Miles Davis, como "Birth Of the Cool", "Miles Ahead", "Porgy and Bess", "Sketches Of Spain", "Quiet Nights" o "Decoy", además de trabajar como arreglista en otros destacados álbumes de Kenny Burrell, Astrud Gilberto, Johnny Mathis o Lucy Reed entre otros muchos mas. Ganador de cuatro Grammy y nominado una docena de veces mas, en 1961 publicaría una de sus mejores obras "Out Of The Cool", en donde mostraba su preciso estilo y su enorme genialidad como compositor, arreglista, y en menor medida como buen pianista.

Bacon Fat-Tough Dude (1971)

Surgido de las cenizas de otra de las grandes bandas de blues de culto como fueron Dirty Blues Band, a finales de los sesenta, el cantante Rod Piazza fundó Bacon Fat y pronto publicaron su primer disco bajo la producción del mítico Mike Vernon.
Ya en 1971 se lanzaría "Tought Dude", su segundo y último álbum, para luego terminar de desintegrarse Bacon Fat y continuar Piazza por su cuenta.
Con un repertorio de grandes blues eléctricos, y con el agregado de la armónica de Piazza, este es uno de los mejores álbumes de blues clásico de la historia, con una serie de  canciones que deleitan a todos los grandes amantes del género.
Desde R&B como "Evil", hasta blues clásicos como "Leaving On Your Mind", pasando por el country blues "Travelling South" o el blues instrumental con aproximaciones al jazz como "Betty", lo convierten en un álbum inmortal.

Fleetwood Mac-Say You Will (2003)

Fleetwood Mac siempre estuvieron acostumbrados a vivir tiempos tortuosos. A lo largo de una carrera que abarca más de cincuenta años han elevado el pop a la categoría de arte, gracias a un rock suave, fusionado con blues y el rock americano.
La banda está entre los diez mayores vendedores de discos de todos los tiempos con cifras que superan los cien millones de álbumes vendidos alrededor del mundo.
En el año 2003 publicaron el álbum “Say you Will”, su primer trabajo después de 16 años sin publicar material nuevo y con su formación mas clásica.
Por otro lado también regresaba Lindsey Buckingham que había abandonado la formación después de aclamado “Tango in the Night” de 1987.
En una grabación tormentosa que propició posturas aparentemente irreconciliables en la banda. Por aquellos tiempos, la cantante Nicks había suplido sus excesos con la cocaína por la adicción al Klonopin, un poderoso tranquilizante. Christine McVie vaciaba una botella de Dom Perignon durante cada concierto y una segunda en los camerinos. Su ex marido, John McVie, había tenido problemas con la policía por posesión de cocaína y tenencia ilícita de armas. Y Buckingham, que desde siempre pareció el menos estrafalario de todos, se permitía caprichos como alojarse durante dos años completos en el hotel Four Seasons, uno de los más lujosos de todo Los Ángeles.
Recuperados de los vicios más malsanos y reconvertidos en honorables padres de familia, se propusieron grabar "el disco más agresivo y emocional en la historia de Fleetwood Mac", en palabras de Buckingham.
Pese al renovado consenso, el ahora cuarteto admite que los arrebatos de genio constituyeron un ingrediente consustancial a las sesiones de “Say you will”. Las discusiones surgían en cada detalle, desde los temas que debían incluirse finalmente en el disco, hasta el orden de aparición de las canciones. En un ejercicio salomónico, el primer sencillo (Peacekeeper, de Buckingham) y el contagioso tema central de Nicks, aparecen en el centro del álbum.
Pero también se cuelan ciertas dosis de ternura entre los surcos de este extenso trabajo. Así, los dos últimos cortes (Say goodbye, de Lindsey, y Goodbye baby, de Stevie), constituyen un homenaje recíproco de quienes fueron pareja durante la primera mitad de los años setenta.

The Who-The Who Sell Out (1967)

El tercer álbum de The Who, lanzado en 1967, supuso el segundo trabajo conceptual del grupo, (el primero seria “A Quick One” de un año antes), producto de una genial idea de su líder el guitarrista Pete Townshend sobre el mundo de las radios piratas que proliferaban en la década de los sesenta. Un disco que incluye en los interludios entre temas una serie de falsos anuncios radiofónicos, un dato que le da una gran credibilidad al concepto final de este álbum. Con este nuevo disco Townshend se vuelve más vanguardista y audaz en su manera de enfocar las canciones, creando un disco que de alguna manera es una perfecta transición de los primeros años de sonidos mod, hasta el rock mas sofisticado y artístico de las siguientes entregas con enormes álbumes como "Tommy", "Who´s Next", "Quadrophenia" o "By Numbers". Los sonidos operísticos, el pop rock psicodélico y algunos elementos del proto progresivo aparecen aquí y allá como demuestran piezas como los lienzos psicodélicos "Armenia City In The Sky", las operísticas "Rael" y "Melancholia" o las pop rock "Odorono" o "Heinz Baked Beans". Sin embargo son también los mencionados falsos anuncios, lo más destacado de este álbum, realizados con un encomiable cinismo, logrando convertirlo junto con su repertorio en una de las grandes influencias para muchísimos álbumes del rock que surgirían en los siguientes años.

Coverdale & Page-Coverdale & Page (1993)

A principios de los noventa Jimmy Page estaba alejado de las grabaciones y el mundo del rock.

Casualmente sería gracias al productor John Kalonder quien le sugirió unirse a David Coverdale, el cual en esos momentos había detenido la actividad de su banda Whitesnake y así crear una alianza entre ambos músicos.
Después de dos años de colaboraciones, decidieron grabar y lanzar un álbum que simplemente se tituló "Coverdale Page", que fue lanzado por Geffen Records en 1993.
Siguiendo una línea similar al disco en solitario de Jimmy Page, "Outrider" lanzado cinco años antes, se trata de un gran trabajo de rock contundente donde las influencias de Led Zeppelin y Whitesnake son evidentes, aderezadas con la magnífica voz de un Coverdale en plena forma, sin duda el mejor emulador de Robert Plant.
Rock enérgico como "Shake My Tree", canciones abrasivas como "Absolution Blues", épicas y emocionantes como "Take Me For a Little While", baladas intensas "Take a Look at Yourself" o blues contundentes como "Pride and Joy" y "Whisper A Prayer For The Dying”, dan como resultado un álbum que sin convertirse en una obra maestra, demostraría el talento de dos de los más grandes iconos del rock mundial en estado de gracia.

AC/DC-The Razors Edge (1990)

Con "The Razors Edge", los australianos AC/DC volvieron a recobrar su status como una de las mas grandes bandas del hard rock. Ese status estaba cuestionada de alguna manera después de los tres álbumes anteriores, ("Flick of the Switch", "Fly on the Wall" y "Blow Up Your Video"), los cuales pese a su innegable calidad no contenían relevantes himnos mediáticos dentro del hard rock. Aquí muestran desde la faceta de impactante banda con piezas demoledoras como "Thunderstruck", temas vertiginosos "Fire Your Guns", poderosos hard rock "Rock Your Hear Out" o solemnes rock "The Razors Edge", a la vez que también son accesibles y comerciales con canciones mas pegadizas como "Shot Of Love", "Moneytalks" y "Got You By The Balls" además de complejas composiciones como "Mistress For Christmas". Su recepción posterior les reportaría una docena de discos de Platino y más de 18 millones de copias vendidas a nivel mundial.

Dream Theater-Awake (1994)

En medio del efervescente movimiento grunge, Dream Theater daría un golpe sobre la mesa lanzando uno de los mejores trabajos del metal progresivo, este "Awake", en el cual la banda bostoniano se consolidaba definitivamente como una de las grandes de este subgénero progresivo. Dispuestos a superar el anterior y exitoso "Images and Words", la formación liderada por John Petrucci y secundada por James LaBrie, John Myung, Kevin Moore y Mike Portnoy, lograron crear otro fantástico trabajo repleto de inquietantes pasajes y lúgubres sonidos que bebían del rock sinfónico y vanguardista de la década de los setenta. Desde el vanguardismo experimental de "6:00", hasta la comprimida "Space-Dye Vest", se van sucediendo una serie de piezas como la rigurosa "Caught in a Web", las viscerales y oscuras "Lie" y "The Mirror" o la progresiva mini suite "Scarred". Con este tercer lanzamiento, Dream Theater sentarían de manera definitiva las bases del metal progresivo que llegaría en los siguientes años, resurgiendo de esa manera un estilo que lejos de quedar en el olvido, obtenía cada vez mas una amplísima aceptación en millones de seguidores alrededor del mundo entero.

Johnny Cash-At Folsom Prison (1968)

Johnny Cash es toda una leyenda para los norteamericanos, el fue uno de los máximos exponentes del country y toda una institución dentro de la música rock del siglo 20. Genial compositor, con su profunda y sosegada voz, su rebelde personalidad, además de sus indumentarias de color negro, (lo que le valdría el apodo de "The Man in Black"), le mantuvieron en lo mas alto durante mas de cincuenta años, en los cuales llego a vender cerca de los cien millones de discos. A mediados de 1968 Cash grabaría uno de sus álbumes mas famosos, "At Folsom Prision", grabado en la prisión estatal de Folsom en California. Varios años antes había grabado una canción titulada "Folsom Prision Blues" y durante algún tiempo rondaría por su cabeza grabar un álbum en dicho lugar, algo que en un principio no fue del agrado de su propia compañía discográfica Columbia Records. Luego de tensas disputas, finalmente el 13 de enero de 1968, Johhny Cash fue autorizado a celebrar un concierto en dichas instalaciones penitenciarias, para lo cual estuvo acompañado por una banda compuesta por June Carter (voz), Carl Perkins y Luther Perkins (guitarras eléctricas), Ws Holland (batería), Marshall Grant (bajo), y el grupo de acompañamiento vocal The Statler Brothers. En este mítico registro, todo un documento histórico, Johnny Cash va desgranando una serie de piezas que versan sobre las prisiones, delitos, cárceles o los interminables viajes sin rumbo a ninguna parte. Legendarias canciones como la propia "Folsom Prison Blues" o "Green, Green Grass of Home", "Dirty Old Egg-Suckin´Dog", "Cocaine Blues", "Orange Blossom Special" o "25 Minutes to Go", conforman un repertorio extraordinario y único en la música popular. A pesar del desinterés promocional por parte de la Columbia, el álbum se colocaría en el numero uno absoluto de las listas de country y un top ten en el Billboard, logrando vender mas de tres millones de copias y obteniendo un triple disco de platino.

Daryl Stuermer-Steppin´Out (1987)

La carrera de este extraordinario guitarrista comenzaría a mediados de los 70 como integrante de la banda de Jean Luc Ponty con quien grabaría los álbumes "Aurora", "Imaginary Voyage", "Enigmatic Ocean" y "Civilized Evil".
Sin embargo, a mediados de 1977 reemplazaría a Steve Hackett como guitarrista y bajista en las giras de Genesis después de cada álbum publicado.
Con Genesis, Daryl Stuermer participaría en todas las giras mundiales desde 1978 a 1992, con los tours que van desde el álbum "And Then There Were Three" hasta "We Can't Dance".
Al mismo tiempo, pasaría a formar parte de las grabaciones de todos los discos de Phil Collins y sería el principal guitarrista de su banda a lo largo de los años ochenta.
También colaboraría en diferentes álbumes de artistas como Philip Baley, George Duke o Joan Armatrading, además de los trabajos en solitario de otros miembros de Genesis como Mike Rutherford y Tony Banks.
En 1987 publicaría su primer disco en solitario, "Steppin 'Out", que bajo el sello GRP, es un magnífico trabajo de smooth jazz, rock instrumental y versiones que obtendrían grandes críticas y un buen recibimiento comercial gracias a temas como "Kyoto Rose", "I Don´t Wanna Know" o "The Highlands".

Leatherwolf-Street Ready (1989)

Leatherwolf son una magnifica formación californiana que pese a publicar tres obras de innegable calidad durante la década de los ochenta, no tuvieron el beneplácito merecido, (mas allá de una nutrida legión de seguidores alrededor del mundo), opacados por otras bandas coetáneas mas mediáticas y por los continuos cambios musicales de aquellos años. Formados en 1981, ellos fueron una de las pioneras en mostrar tres guitarristas al unísono en el heavy metal de los años 80 (no así en otros géneros, en los cuales esa configuración ya estaba implantada desde principios de los 70). Su formación estaba compuesta por Dean Roberts (batería), Michael Olivieri (guitarra y voz), Geoff Gayer (guitarra), Matt Hurich (bajo), y Carey Howe (guitarrista). No seria hasta 1985 cuando vieron publicado su primer álbum "Endangered Species", un enérgico trabajo de power metal. Un año más tarde llegaría el homónimo "Leatherwolf" en el cual se derivan hacia el heavy rock más complejo y dinámico. Con su tercera obra, este "Street Ready", y con la incorporación del bajista Paul Carman, la banda logra su mayor auge creativo y comercial presentando un disco mas accesible y melódico. Piezas como "Hideway", "Lonely Road", "The Way I Feel", "Take A Change", "Wicked Ways" o "Thunder", conforman una excelente muestra de sus magnificas y enrevesadas estructuras de hard rock basadas en sus impecables virtuosismos guitarrísticos.

Far East Family Band-Parallel World (1976)

Far East Family Band fue una banda japonesa de rock progresivo y psicodélico que llegó a mediados de la década de 1970 con cuatro álbumes que son venerados entre la comunidad progresiva de hoy en día.
Después de los dos primeros álbumes "The Cave Down to Earth" y "Nipponjin" ambos publicados en 1975, publicaron un año después "Parallel Word" con la incorporación de Masanori Takahashi, más tarde conocido por Kitaro.
Si en los dos primeros trabajos la banda muestra un estilo que se mueve entre el rock espacial y el psicodélico (con amplias influencias de bandas como Pink Floyd o Tangerine Dream), en este tercero los desarrollos largos están más centrados en los sonidos hipnóticos y los teclados de Kitaro y en referencias a la música oriental apoyada por las cadencias tribales del percusionista Shizuo Takasaki.
El extenso y espacial "Parallel World" es un ejercicio casi de catarsis psicodélica con texturas electrónicas, pasajes progresivos y mensajes ácidos.
Far East Family Band ha pasado a la historia como uno de los primeros grupos progresivos japoneses con cierto éxito fuera del país nipón y cuna de dos de las grandes estrellas de la música moderna en los años siguientes como el mencionado Kitaro y el percusionista Stomu Yamashta.

Bill Bruford-Feels Good To Me (1978)

Bill Bruford es uno de esos músicos que durante toda su carrera se ha mantenido ocupado por docenas de colaboraciones tanto como componente de algunas de las bandas mas grandes del planeta (King Crimson, Yes y U.K.), como invitado en diferentes proyectos (Genesis o Earthworks) o haber intervenido en álbumes de otros artistas (Rick Wakeman, Steve Howe, Roy Harper, Pavlov´s Dog...). Aún así tuvo tiempo para realizar una carrera paralela publicando media docena de álbumes de gran reconocimiento mediático. En su primer registro, publicado en 1977, Bruford lograría formar una banda de ensueño compuesta por el guitarrista Allan Holdsworth, el teclista Dave Stewart, y el bajista Jeff Berlin, mientras que otros músicos como los guitarristas John Goodsall y John Clark, el bajista Neil Murray y la cantante Annette Peacock, aparecen como invitados estelares. Confeccionado estilísticamente hacia el jazz rock, aquí destacan las virtuosas pirotecnias del teclista Stewart, el virtuoso bajo de Berlin, la excepcional guitarra de Allan Holdsworth y la elevada técnica de la batería de Bruford. Las escasas voces aportadas por Annette Peacock, dan el punto de color distintivo a unas composiciones instrumentales como la dinámica fusión "Beelzebub", la jazz rock "Sample and Hold", la desgarradora "Either End of August" o las melódicas "Back to the Beginning" y "Seems Like a Lifetime", en las cuales Annette Peacock interpreta su voz de manera muy original y atractiva.

Salty Dog-Every Dog Has Its Day (1990)

En 1990 una novel banda llamada Salty Dog publicaron una de esas joyas menores del hard rock norteamericano con su único trabajo titulado "Every Dog Has It´s Day". Formada varios años antes en los Ángeles, casi a finales de esa década lograron que el sello dirigido por David Geffen les produjera este único lanzamiento en donde contaban con el vocalista, teclados y guitarrista Jimmi Bleacher, el guitarra rítmico Pete Reveen, el bajista y voces Michael Hannon y el baterista Khurt Maier. Sus evidentes influencias navegaban entre el sleazy glam metal de moda en los ochenta y el hard rock heredero de los Led Zeppelin más vigorosos. Por ese sendero zeppeliano se mueven cortes como "Come Along", "Heave Hard (She Comes Easy)", "Spoonful" y "Sacrifice Me", mientras que las ricas armonías del hard rock pegadizo y crudo están presentes en "Slow Daze" y "Keep Me Down".

Cozy Powell-Over The Top (1979)

A finales de los 70, Cozy Powell abandona Rainbow, la banda del insoportable pero mágico Ritchie Blackmore y después de tantos años de colaborar y pertenecer a múltiples grupos y proyectos se decidió a publicar su primer disco en solitario "Over the Top".
Powell ya tenía una carrera larga y fructífera; The Sorcerers, Young Blood, Ace Kefford Stand y Big Bertha, Jeff Beck Group, Bedlam, Strange Brew y Rainbow, para posteriormente colaborar con gente como Michael Shenker Group, Black Sabbath, EL&P , Ashton & Lord, Jon Lord, Donovan, Bernie Marsden, Gary Moore, Glenn Tipton, Cinderella, Don Airey: Brian May, Phenomena, Roger Daltrey, entre otros muchos mas, un palmares tan impresionante como su genialidad con las baquetas.
Con este espectacular pasado era lógico que "Over the Top" tuviera lo mejor de lo mejor cuando se trata de músicos que le ayudaran colaborando en este álbum.
Álbum íntegramente instrumental, el "Theme One" inicial de George Martin, un corte que solía hacer Van Der Graaf Generator, ya nos advierte que esto es puro rock. Recordando poderosamente el Colosseum II, con Don Airey en los teclados. También Jack Bruce mostrando el bajo (con un guiño final a Cream) y Bernie Marsden a la guitarra. "Killer" se graba en vivo en el estudio, repitiendo la formación excepto Marsden, reemplazado aquí por Gary Moore. Y ya tenemos el 50% del Colosseum II nuevamente. Es la sintonización perfecta para un programa de radio rockero. Termina en clave de bues apoteósico. "Heidi Goes to Town", con Powell-Bruce-Airey, es rock progresivo cercano al "Mirage" de Camel. En "El Sid" regresa la formación de "Theme One" en una variante de jazz rock al estilo Jeff Beck / Al Di Meola.
"Sweet Poison", que abre la cara B, tiene raíces del sonido Canterbury. Para terminar con "Over the Top" con el trio Bruce-Airey-Powell, en donde nos dejan un alocado tema entre jazz  y el rock y finalmente "1812" de Tchaikovsky en donde hay pirotecnia de percusión a mansalva a cargo de un sobrado Cozy Powel.

Captain Beyond-Sufficiently Breathless (1973)

Después de su sorprendente debut, la banda liderada por Rod Evans, entraba de lleno en los sonidos del rock vanguardista con "Sufficiently Breathless", con el cual se alejaban del poderoso hard rock de su primer álbum. En esta nueva entrega los ambientes progresivos aparecen aquí y allá, mostrando una mayor madurez compositiva, un trabajo más imaginativo e incluso una mayor técnica instrumental. Todos esos cambios ya se intuyen desde el inicio con la progresiva canción que da titulo al álbum, en la cual sin embargo siguen estando presentes los efectivos riffs, unas esplendidas voces y una refinada instrumentación. Pero pronto ponen la directa mostrando su enérgica faceta con la sorprendente rock "Starglow Energy", la adictiva mainstream "Bright Blue Tango", la rock fusión "Drifting In Space" o la contundente "Everything´s A Circle". En definitiva con su segundo lanzamiento la banda formada por el mencionado Rod Evans (voz), Larry Reinhardt (guitarras), Guille Garcia (percusión), Marty Rodriguez (batería), Lee Dorman (bajo) y Reese Wynans (teclados), quisieron expandir su estilo facturando un álbum que si bien fue rechazado en un principio por sus fans mas puristas, también es cierto que constituye una de las obras de culto mas meritorias de principios de los 70.

  

Gypsy-Gypsy (1970)

Gypsy fueron una interesante formación enfocada al rock de raíces americano como el jazz, el rock, el soul y el folk, y que tenían sus orígenes en una formación de pop psicodélico llamada The Underbeats de mediados de los sesenta. Después de mudarse de su Minneapolis natal hacia los Ángeles, la banda endureció su propuesta musical, reinventado su estilo hacia sonidos mas acordes con los movimientos culturales de la costa oeste norteamericana. Entre su numerosa formación de siete miembros, destacaban el guitarrista y cantante Enrico Rosenbaum y el organista y voz James Walsh, sin duda los dos impulsores que componían la mayoría del material y sus mejores instrumentistas. El resto estaba formado por Preston Epps (percusión), James Jonson (guitarra y voces), James Epstein (batería) y Jimmie Haskell (instrumentos de cuerdas). En 1970 bajo una pequeña discográfica californiana publicaron su álbum debut, un doble Lp titulado homónimamente como la banda. En esta primera entrega muestran un variado sonido que van desde el soul, hasta el rock clásico, con algunos elementos vanguardistas de folk y psicodélica, todo ello con ritmos vigorosos y enérgicos. Canciones como "I Was So Young", "The Third Eye", "Man of Reason", "Decisions", “The Vision”, “More Times”, "Here In My Loneliness" o "Gypsy Queen", están repletas de unas ricas melodías vocales, y una gran musicalidad de precisas y arregladas estructuras semi progresivas. Un año mas tarde lanzarían su continuación con el más afianzado "In The Garden", para posteriormente orientar su estilo hacia un rock mas convencional con los siguientes álbumes "Antithesis" (1972) y "Unlock The Gates" (1973), sus dos últimos lanzamientos antes de disolverse definitivamente.

Babe Ruth-First Base (1972)

Babe Ruth fueron una poderosa banda británica de hard rock/blues progresivo que en 1972 publicaron uno de los mejores álbumes del rock clásico de todos los tiempos. Fundados en 1971 en Hertfodshire al este de Inglaterra, en torno al talentoso guitarrista Alan Shacklock, cerraban la formación la cantante Janita Hann, el teclista Dave Punshon, el baterista Dick Powell y el bajista Dave Hewitt. En 1972 y bajo una fantástica portada realizada por Roger Dean, publicaron su primer álbum "First Base", lanzado por la división progresiva de la Emi Odeon, Harvest Records. Además de la banda, aquí participarían una nutrida legión de músicos de violonchelos, saxofones y percusiones. Esta gran cantidad de músicos e instrumentos le otorgan al álbum un complejo entramado progresivo. En "Wells Fardo" la banda muestra su enérgico estilo combinando los poderosos riffs de guitarras, la vigorosa voz de Hann y los instrumentos de viento. En contraste a esta ultima aparece la melódica "The Runaways", que influenciada por elementos sinfónicos muestra el carácter netamente progresivo de Babe Ruth. La instrumental "King Kong" otra pieza enérgica de rock progresivo es la antesala de la compleja y oscura "Black Dog", una canción con influencias blues y grandes arreglos de piano y guitarra, cerrando este magnifico disco la galopante "The Mexican" y la extensa jazz rock progresiva "Joker". En los años posteriores Babe Ruth lanzarían otros cuatro registros, algunos de ellos de gran merito como "Babe Ruth" y "Stealin´Home" (ambos de 1975), pero ninguno llegaría a las excelencias de este formidable "First Base".

Aphrodite Child's-666 (1972)

"666" es una de las obras más espectaculares y fantásticas del art-rock europeo de los 70, que combinaba a la perfección un concepto controvertido como es la Biblia con el mejor rock progresivo.
Este sería el tercer y último álbum de la banda griega Aphrodite Child's que contaba con Demis Roussos al bajo y voz principal, Anargyros Koulouris a la guitarra, Lucas Sideras a la batería y Vangelis Papathanassiou a los teclados.
Creado como un disco conceptual y sumamente ambicioso con mucha experimentación (incluso contiene una extraña pieza cantada por Irene Papas tocando un mantra, mientras unos gemidos ahogados y sexuales suenan sin parar), fue en su totalidad ideado por Vangelis y se basa en el Apocalipsis según San Juan, interpretado según el cultura de finales de los 60 y donde se acomodan el rock psicodélico, los sonidos étnicos o las canciones corales, todo ello adornado con la tecnología más moderna de la época como los sintetizadores y otros teclados de ultima generación.
Musicalmente, el sabor psicodélico, los densos pasajes electrónicos y los sonidos de las guitarras hacen de este álbum uno de los mejores trabajos del rock progresivo de toda su historia.

Gravy Train-Second Birth (1973)

Tercer álbum de los rockeros progresivos Gravy Train y el primero bajo el sello Dawn, después de sus dos primeras obras con Vertigo. En esta entrega el germinal estilo vanguardista del combo británico sigue siendo influenciado por estilos como el blues y el folk, pero siempre bajo la perspectiva del hard rock. En sus primeros cortes "Morning Coming" y "Peter", observamos ese carácter de rock pesado guiado por el órgano Hammond de J.D. Hughes, el liderazgo de su guitarrista Norman Barratt y el afán por las composiciones complejas bajo unas ricas armonías vocales. Por otro lado piezas como el blues "Motorway" nos deja un sabor que nos recuerdan a las huestes de Ian Anderson y los Jethro Tull debido a esa flauta saltarina y a los arreglos instrumentales. La jazzistica "Fields and Factories" se convierte en otro punto culminante en donde hay desviaciones a los sonidos mas pegadizos y en la contundente y oscura "Tolpuddle Episode", vuelven a mostrar esos sofisticados arreglos, bajo la lírica reivindicativa de los mártires que crearon los primeros sindicatos británicos.

Ross-The Pit And The Pendulum (1974)

Segundo y ultimo álbum de los británicos Ross, esta vez concebido como disco conceptual basado en el libro "The Pit and The Pendulum" ("El pozo y el Péndulo"), de Edgar Allan Poe de 1842, que cuenta los tormentos sufridos por los prisioneros durante la Inquisición Española. Si en el álbum debut presentaron un repertorio cargado de jazz rock, funk, hard rock y rock progresivo, en esta ocasión su sonido se vuelve mas melódico sin dejar de lado algunos momentos mas duros y las estructuras del rock sinfónico clásico. Grabado por la misma alineación que la del disco debut, Alan Ross (guitarra y voz), Bob Jackson (teclados), Reuben White (batería), Steve Emery (bajo) y Tony Fernandez (percusión). En esta segunda entrega el magnifico trabajo del teclista Jackson y la brillante guitarra de Ross impulsan un excelente álbum que obtendrían grandes elogios entre los críticos y la comunidad progresiva de la época y muy bien considerado en la actualidad. Repleto de inquietantes y preciosistas melodías como "Swallow Your Dreams", "Standing Alone", "Now I See" y "Nearer and Nearer", vigorosos cortes hard rock "Gotta Get It Right Back", instrumentales progresivos "The Edge", agradables blues semi progresivos "I´ve Been Waiting" o sonidos jazz y gospel, "So Slow" y "Oh, I´m Happy Now", conforman entre todas un solidó trabajo de gran musicalidad. Este seria el epitafio de esta efímera formación, ya que poco tiempo después el guitarrista Ross fundaría The Alan Ross Band, mientras que Bob Jackson comenzaría a colaborar con los desafortunados Badfinger.

Deep Purple-The House Of Blue Light (1987)

A mediados de los ochenta Deep Purple resurgen de sus cenizas y su formación más clásica y exitosa, el denominado Mark II (Gillan, Blackmore, Lord, Paice y Glover), volvieron a reunirse para publicar varios álbumes de esplendida factura como fueron "Perfect Strangers" (1984) y "The House Of Blue Light" (1987). Sin embargo en muchos momentos de este último lanzamiento repiten los mismos clichés que el anterior "Perfect Strangers", es decir un hard rock convencional sin las pretensiones progresivas de sus álbumes de los 70. Aún así y gracias a los sonidos sinfónicos y espaciales de los sintetizadores de Jon Lord y los pesados riffs de la guitarra de Blackmore, canciones como "Mitzi´s Dupree", "Strangeways" (con su esplendido ritmo oriental), o "Dead or Alive", nos recuerdan al clásico sonido de la banda con ese toque psicodélico de blues rock. En cambio las continuistas "Bad Attitude", "Unwritten Law" o "Mad Dog", siguen la estela del poderoso hard rock del anterior lanzamiento. Con "The House Of Blue Light", el quinteto británico dejaría un álbum tan fresco como dinámico, el cual tiene mucho que ofrecer pese a las criticas recibidas por un sector de la prensa especializada y de sus fans mas puristas. 

Blackbirds-Touch Of Music (1971)

Blackbirds son una de las bandas alemanas más longevas que fundada a mediados de los 60, en el 2014 aun seguían en activo. Originarios de la localidad de Puettlingen, fue creada por el guitarrista Werner Breining y su constante ha sido una continua sucesión de integrantes. Su estilo repleto de sonidos psicodélicos, rock, pop y vanguardismo, impulsados por el excelente órgano Hammond de Peter Bely y los pesados riffs de guitarra, son junto a la poderosa voz de Breining, sus señas de identidad. En 1971 publicarían su mejor obra "Touch of Music", el segundo registro y a la postre su epitafio discográfico definitivo. Aquí Blackbirds estaban compuestos por el teclista Peter Bely, el baterista Charles Sikora, el bajista Wolfgang Bode y el mencionado Werner Breining, quien se encargaba de las guitarras, el violín, las flautas y la voz. Un álbum que muestra claramente la orientación psicodélica de la banda con cortes como "Präludium" y "All You Need", mientras que la lisérgica rock "Return from the water", la siniestra "Give Me Freedom" y las vanguardistas "What is Free" y "Come Back", cierran un meritorio trabajo de inspirado rock psicodélico y progresivo germinal.