En 1984 Toto regresaban con su quinto álbum "Isolation", un trabajo en donde ya empiezan a dar muestras de cierta falta de creatividad en comparación con sus anteriores y multimillonarios registros. Para empezar la banda estrenaría nuevo cantante, Fergie Frederiksen quien sustituía a Bobby Kimball y un nuevo bajista David Hungate por Mike Porcaro, que a partir de ahora ampliaba la familiaridad del grupo con tres hermanos (cuatro si contamos a Joe Porcaro, que aparece aquí como invitado), como miembros permanentes de Toto. El resto seguía formado por Steve Lukather (guitarras y voz), David Paich (teclados), Steve Porcaro (teclados) y Jeff Porcaro (batería). Estos cambios redundarían de alguna manera en un cambio sustancial en el estilo característico de la banda, derivando su sonido hacia derroteros mucho más duros y enérgicos. Ese cambio esta claramente refrendado en piezas como la inicial "Carmen" o las siguientes "Lion", "Angel Don´t Cry", "Change of Heart" o "Isolation", las cuales sin embargo siguen teniendo esas dosis melódicas tan usuales en la banda californiana. Por otro lado las adictivas y pegadizas "Stranger in Town" (la cual se convertiría en el hit del álbum), y "Holyanna" son junto a "Endless" y "How Does It Feel", los cortes que mas se acercan al habitual e irresistible estilo de Toto.
Sart" supuso el tercer álbum del saxofonista noruego Jan Garbarek y su segundo bajo la batuta del sello ECM. Grabado con los mismos músicos que los anteriores trabajos (Terje Rypdal, Arild Anderson, John Christensen y Bobo Stenson), muestra la combinación entre el jazz fusión eléctrico y el jazz acústico vanguardista, con un Garbarek influenciado cada vez más en el jazz rock de Miles Davis e inspirado en el espíritu de John Coltrane y con un Rypdal reforzando ese sentimiento. Era la época mas vanguardista y progresiva de Jan Garbarek, presentando una serie de álbumes que se movían entre el free jazz, el jazz rock y el jazz progresivo. Álbumes como "Afric Peperbird" (1970), “Esoteric Circle” (1971) o este "Sart" (1971), se componían de extensos cortes vanguardistas como "Beast of Kommodo", "Blow Away Zone", Rabalder", "Karin´s Mode", Song of Space” o "Irr". A partir de aquí la dirección musical de Garbarek cambiara radicalmente proponiendo en adelante trabajos en donde incluía elementos de la world music, la música de cámara o la música ambiental, pero sin abandonar por completo la experimentación. Considerado toda una institución, Jan Garberek es un genial músico que desde que pasaría a formar parte de la elite del jazz, en gran medida gracias a sus colaboraciones con Keith Jarrett en los años 60, no ha dejado de lanzar álbumes fundamentales dentro del jazz, en los que siempre ha estado un pasito por delante de sus coetáneos, algunos de esos registros considerados obras maestras absolutas del jazz mas vanguardista.
En 1994 la banda tejana ZZ Top lanzaba su cuarto recopilatorio “One Foot In The Blues”, el cual tenia la particularidad de contener solo temas orientados al blues rock. Extraídos de los álbumes “ZZ Top´s First Album”, “Deguello”, “Eliminator”, “Tres Hombres”, “Recycler”, “Rio Grande Mud” y el “Loco”, todos ellos publicados entre los años 1971 y 1983. Aquí encontramos una extraordinaria selección de blues rock en donde los potentes riffs de la guitarra de Billy Gibbons, acompañada de la contundente sección rítmica compuesta por Dusty Hill y Frank Beard, componen un atractivo y magnifico álbum que lograría un décimo puesto en las listas del Billboard Blues norteamericano. El power trío demuestra aquí su polvoriento estilo bluesy con cortes como el blues tejano “Brown Sugar”, el hipnótico “A Fool Your Stockings”, la funky “Hi Fi Mama”, el instrumental “Apologies To Pearly”, el adictivo “Just Got Back From My Baby´s” o la comercial “I Need You Tonight”. Con esta compilación se muestra el estilo blues de una banda que siempre se caracterizo por su peculiar sonido arenoso de boogie rock impregnado de hard rock, que durante mas de cuatro décadas fueron una de las grandes bandas norteamericanas.
Entre la amplísima y diversa escena del Krautrock alemán, surgieron Dschinn, una efímera formación de hard rock & blues que venia precedida de otra llamada The Hurricanes y que basaba su estilo en el beat británico de los 60. Gracias a la gran popularidad que tenían por toda Alemania llamarían la atención de un empresario cazatalentos que les propuso financiarles la grabación de varios singles, con la única condición de que cambiarían de nombre. Hecho esto, uno de esos sencillos llegaría entrar en las listas de éxitos, sin embargo la época de los sonidos del pop británico estaban tocando a su fin y la banda se replantearía un cambio de estrategia musical, sustituyendo su estilo mod y pop, por el rock pesado y vanguardista que mejor se ajustaba a los gustos del publico de la época. En ese contexto llegaría su único álbum, en el cual esta banda formada inéditamente por dos bateristas; Uli Mund y Athamasios Paltoglou, mas los guitarristas y cantantes Bern Capito y Peter Lorenzo y el bajista Silvio Verfürth, confeccionaron un trabajo de hard rock con influencias blues y progresivas, en donde galopantes piezas psicodélicas como "Freedom", "Fortune", "Train", "Let´s Go Together", "I Wanna Know" y "For You Love", son lo mas destacado de un excelente álbum con mucha intensidad instrumental y de enorme personalidad vocal.
Una vez abandonaría las filas de Poco, el guitarrista Richie Furay meditaba empezar de inmediato su propia carrera en solitario, pero en vez de eso acudió a la llamada del ejecutivo de Asylum Records, David Geffen y se uniría al proyecto que este último fundaría junto vocalista y bajo Chris Hillman y al guitarrista y voz J.D. Souther. El primero provenía de emblemáticas formaciones como The Byrds, Manassas (junto a Stephen Stills), y The Flying Burrito Brothers y el segundo era un cantautor de folk que en adelante se convertiría en uno de los grandes compositores del genero trabajando para The Eagles, Dan Fogelberg, Bob Seger o Christopher Cross entre otros más. Pero ahí no quedaba todo, además Geffen también reclutaría a otros legendarios músicos de la escena del folk y el country como Jim Gordon (batería), ex Derek and the Dominos, el prestigioso teclista Paul Harris, el percusionista Joe Lala, ex Manassas, y al guitarrista Al Perkins, toda una leyenda del country y folk norteamericano. Pese al enorme ego de todos ellos, su álbum debut es una de las obras emblemáticas del country y folk rock estadounidenses, creando en un solo trabajo un repertorio de ensueño empezando por "Fallin´Love" y "Border Town", canciones que nos retraen a los trabajos de atractivas melodías country y irresistibles estribillos a sus coetáneos Poco y The Eagles. En esa misma dirección aparecen las adictivas "Trouble in Paradise", "Believe Me", "Prisoner In Disguise" o "Heavenly Fire". Como era de esperar tal cantidad de exquisitas canciones llevaría en volandas al álbum ha conseguir un onceavo puesto en las listas del Billboard y una ventas considerables en el mercado norteamericano.
Chris Rea, es uno de los grandes guitarristas del rock británico que con un estilo basado en su peculiar voz rota, su original forma de tocar la guitarra y sus grandes composiciones, se ha labrado una carrera llena de discos exquisitos y de un elegante estilo. Nacido a principios de la década de 1950 en Middlesbrough, Inglaterra, Rea ha sido un músico profesional desde principios de la década de 1970 lanzando algunos de los álbumes de soft rock más memorables. Aunque no sería hasta 1978 cuando publica su primer disco "Whatever happened to Benny Santini", con el que lograría un disco de oro. A partir de aquí, álbumes como "Deltics" (1979), "Tennis" (1980) o "Chris Rea" (1982), establecen una carrera en la que comienza a ser muy respetado y tomado en consideración por la crítica y el público. Sus discos abarcan estilos tan dispares que van desde el jazz hasta el blues con grandes toques gospel, pasando por el rock y el pop que son los sonidos que destacan en sus trabajos. En 1983 se autoprodujo el disco "Water Sign" en el que su estilo tomó un aire más electrónico y los siguientes trabajos "Wired the Moon" (1984) o "Shamrock diaries" ( 1985), mantendrán la misma tónica, siendo muy bien recibidos comercialmente.
Pero la popularidad internacional llegaría con el álbum "On the Beach" (1986), con el que logra ser número uno en diferentes países con ventas millonarias. Los años siguientes estarán marcados por una serie de grandes discos entre los que destaca el fantástico "The Road to Hell" (1989), con el que volvería a subir a la primera posición de las listas con más de 7 millones de copias vendidas. Un disco que contiene momentos memorables como la frenética canción que da título al álbum, la sentida "You Must Be Evil", la evocadora "Looking For a Rainbow", o la rítmica "Texas". "Auberge" (1991), su siguiente trabajo y siguiendo la tendencia del anterior, también se convertiría en un éxito internacional, aunque en menor medida que este "The Road To Hell".
Estamos ante uno de los álbumes más accesibles de Frank Zappa, o al menos para los estándares habituales del propio Zappa. En este entrega tenemos porciones de jazz, vanguardismo, música clásica, doo-wop y rock, en lo que podríamos definir como un collage repleto de sonidos instrumentales de “fácil asimilación” (siempre dentro del peculiar y original estilo de Zappa). El extenso "The Little House I Used To Live In" es sin embargo el momento más hipnótico y cautivador de todo este álbum, debido a sus continuos ritmos y melodías dispares que pese a su enorme complejidad, se convierte en una pieza tan atrayente como sugestiva. Otra pieza destacada es la exhibición de saxo, piano y guitarra de "Holiday In Berlin, Full Blown", mientras que "Igor´s Boogie, Phase One" es un tributo a uno de los músicos mas aclamados por el propio Zappa, Igor Stravinsky. Con "Theme From Bunrt Weeny Sandwich", Zappa intenta enfatizar el rock de guitarras sobre una trastornada percusión, la cual contrasta radicalmente con "WPLJ" y "Valarie", dos cortas piezas de puros sonidos doo woop y rhythm and blues muy pegadizos. En definitiva con este álbum Frank Zappa lograría crear una colección heterogénea de canciones que funcionan agradablemente tanto para los ortodoxos de su habitual estilo, como para los escépticos a su extravagante música.
En 1987 dos de los grandes guitarristas de la historia del jazz, por un lado George Benson y por otro Earl Klugh, unirían sus talentos para grabar "Collaboration", un exquisito trabajo de smooth jazz, en donde ambos muestran sus característicos y diferentes estilos. Un álbum que pasa del jazz suave a la música de ambiente, con sutiles arreglos de sintetizador y programación de batería electrónica. La sólida y cálida ejecución de la guitarra acústica de Earl Klugh contrasta con la técnica fluida con base blues de George Benson. Ambos muestran sus asombrosas habilidades con las seis cuerdas fusionando lo acústico y lo eléctrico de manera brillante y efectiva. Para la ocasión el dúo obtuvo las colaboraciones de diferentes músicos de la escena del jazz fusión como el guitarrista Paul Jackson Jr., el teclista Greg Phillinganes, los bateristas Harvey Mason y Vinnie Colaiuta, el bajista Marcus Miller, el percusionista Paulinho Da Costa o los programadores y teclistas James Newton Howard, Jason Miles y Larry Williams. Atractivas piezas como "Mt. Airy Road", "Mimosa", "Brazilian Stomp", "Jamaica" o "Since You´re Gone", auparían al álbum hasta el primer puesto en las listas del Billboard en la categoría del mejor disco de jazz contemporáneo.
Con una portada que rinde homenaje al álbum debut lanzado en 1982, el tercer lanzamiento de la reformada formación original lleva como titulo "XXX", en clara alusión a la conmemoración del trigésimo aniversario del grupo. En este onceavo álbum bajo la marca Asia, el grupo sigue mostrando el rock clásico con influencias del rock melódico de casi todo lo publicado anteriormente, todo ello bajo una excelente producción, unas exquisitas composiciones melódicas y una refinada instrumentación. Pese al renombre progresivo del pasado de sus cuatro componentes, (Wetton, Howe, Palmer y Downes), queda claro que las tendencias sinfónicas del pasado han pasado a mejor vida en favor de un sonido mas ajustado, solidó y sobrio, moviéndose entre el rock pegadizo y atractivo, y los sonidos refinados con una instrumentación compleja y virtuosa. Ese gancho irresistible de sonidos pegadizos entremezclados con una poderosa contundencia está reflejado en "No Religion" y en "Al Gatto Nero", las cuales son compensadas por las mas pesadas e inquietantes "Ghost Of A Change" o "Bury Me In Willow" y con las melódicas y brillantísimas "I Know How You Feel", "Tomorrow The World" y "Face On The Bridge".
Tomando como nombre un clásico personaje italiano creado por Tibor Fiorillo, Scaramouche fueron una banda alemana de corto recorrido que lanzaron un interesante álbum de art rock/progresivo en 1981. Influenciados por los sonidos post sinfónicos muy cercanos al neo progresivo, ellos los mezclaron diferentes estilos como el pop y el convencional rock mainstream. Scaramouche estaba compuesta por Johannes Hofmann (teclados), Martin Hofmann (bajo), Tommy Weber (guitarras), Robby Stein (batería), Holger Funk (voz) y Julia Wollny (coros). Su única propuesta discográfica esta enmarcada en sonoridades que nos dejan cierto regusto a las clásicas formaciones británicas de principios de los 70, con una música eminentemente sinfónica a la que les añaden sutiles toques jazz, bluesy, rock y pop, como muestran la melódica "A Cloud In The Sky" o las semi progresivas "Only Tail The Bait", "Crentcantoe" y "Isn´t it Real".
Al final de la década del 70 Black Sabbath, estaban al borde del abismo. Las opciones eran varias, o hacer una pausa larga que permitiera no solo recuperar fuerzas, sino también aislarse de las grabaciones y las constantes y agotadoras giras, el consumo de drogas de algunos de sus componentes, o cortar por lo sano con el principal problema de la banda, que no era otro que el cantante Ozzy Osbourne. El fracaso comercial de los dos álbumes anteriores, ("Technical Ecstasy", 1976 y "Never Say Die!" 1978), debido principalmente al consumo de drogas que seguía aumentando y una serie de problemas en lo personal, terminaron en una situación límite e insostenible. Todo ello suponía una bomba de relojería en sus manos, viendo como avanzaba la cuenta atrás, Black Sabbath no pudo hacer nada durante mucho tiempo, presionados no solo por su sello discográfico, sino también por ellos mismos, aprisionados por su propia conciencia y por una incapacidad que se apoderó de la creatividad de la banda. La solución sería la fulminante expulsión de Ozzy, y la contratación de un nuevo cantante, Ronnie James Dio. Con este hecho se lograría la estabilidad y fluidez creativa necesaria.
Finalmente había llegado a Black Sabbath un cantante que tenia la suficiente madurez y personalidad para darle esa tranquilidad y abrir unos nuevos horizontes. Componiendo primero 'Heaven and Hell' y luego ayudando a componer el resto de canciones que forman parte del álbum del mismo titulo y evocando a la banda inglesa que el componer no era un calvario y reconociendo que, a pesar de haber dejado un amigo en el camino, el cambio era necesario para la supervivencia de la mítica formación. Así sería como el primer disco de Black Sabbath sin Ozzy Osbourne los alejaba del Doom Stoner practicado por los de Birmingham en sus primeros 6 discos, para centrarse definitivamente en el Hard Rock y Heavy Metal mas contundente. Este noveno disco iba a ser un disco de Heavy Metal puro y una obra que responde a todas las constantes del género que ellos mismo habían creado, pero que las jóvenes bandas inglesas de la llamada "New Wave of British of Heavy Metal", ayudarían a definir un estilo que dominaría gran parte de los años ochenta y noventa. Un álbum este, que esta repleto de momentos sublimes como la mencionada “Heaven And Hell”, o las siguientes “Children Of The Sea”, “Neon Knights”, “Lady Evil”, “Die Young”, “Walk Away” o “Lonely Is The Word”, todas ellas una retahíla de grandes clásicos del heavy metal, que lo convierten en una obra maestra del genero sin paliativos.
Para cuando la banda de rock progresivo Argent lanzó el álbum "All Together now" (1972), ya habían publicado dos álbumes ("Argent" y "Ring of hands"), que los habían convertido en uno de los grupos líderes de la primera mitad de la década de los 70. En este trabajo, la banda deja atrás las líneas que habían trazado en los dos mencionados discos, derivando su estilo con más contundencia, un sonido mas vigoroso y mucha mas profundidad en sus composiciones. Sin embargo, no es una obra de gran pureza progresiva. El ego de sus dos líderes Rod Argent y Russ Ballard están presentes en este disco de manera obvia, mientras que Argent quiere protagonismo para sus teclados como se demuestra en "Hold your head up", que es el hit de este disco o en "Pure love", donde realiza una introducción de más de 3 minutos solo de teclados, Ballard da rienda suelta a la creatividad que lleva y que no había sabido expresar en todas sus dimensiones hasta entonces, destilando blues, funky y rock and roll a través de un estilo fresco de guitarra, inquieto y muy dinámico que hace que las canciones adquieran tintes comerciales, algunos de ellos incluso bailables.
En 1978 Emerson Lake y Palmer publicaron su último trabajo titulado "Love Beach", un disco que fue un rotundo fracaso comercial y en gran medida un trabajo menor de una banda tan importante como fueron ELP, y este fue uno de los motivos que precipitaría la disolución del mítico trío poco después. En honor a la verdad, debemos aclarar que este disco fue grabado por exigencias de la discográfica y no por iniciativa propia de ELP. Casi diez años después, tanto Greg Lake como Keith Emerson querían revivir la banda y publicar un nuevo disco, pero el tercer componente Carl Palmer ya estaba inmerso en su propia banda Asia, por lo que este tan esperado encuentro pronto se iría al traste para desencanto de sus fans. Sin embargo, el esfuerzo de Emerson dio sus frutos cuando reclutaron al gran baterista Cozy Powell en lugar de Palmer. Con esta formación, que coincidía con las iniciales de sus apellidos, con el original (ELP) ingresaron al estudio y grabaron el honorable álbum "Emerson, Lake and Powell" publicado en 1986. Un disco donde Emerson y Lake recurren en parte a sus raíces, con largos temas progresivos, adaptaciones de música clásica y baladas instrumentales, pero muy alejado de las pomposas composiciones de antaño, recurriendo a un sonido más fresco y moderno, acorde a los tiempos que los corrían sin entrar de lleno en los sonidos comerciales de la época que otras bandas punteras de los 70 si hacían en los 80.
Totty fueron una breve formación de rock americano que solo lograron publicar varios álbumes a finales de los años 70 y principios de los 80. Esta banda en formato de power trío, estaba formada por Dennis Totty (guitarra y voz), Byron Totty (bajo y coros) y el batería George Cooper, aunque para la grabación del álbum debut, también participaron diferentes percusionistas invitados como David Blue y Roger Roden. Su estilo estaba claramente emparentado con el frenético hard rock de sus coetáneos Ted Nugent, Grand Funk Railroad o Foghat, estos últimos debido a sus galopantes ritmos de alto octanaje de boogie rock. En su album debut, encontramos un repertorio cargado de frenéticos y lisérgicos cortes como "Thus Saith The Lord", "T-Town Teasers", "Love Down By One Share" y "Crack In The Cosmic Egg", el tour de force heavy rock "Somebody Help Me" o las blues rock "I´ve Done Made Up My Mind" y "Take Me Away Jesus". Varios años mas tarde lanzaron su epitafio con el vigoroso segundo album "Too" (1981), con el que dieron por acabada su breve y magnifica carrera discográfica.
En los primeros años de la década de los 70 Carlos Santana y John McLaughlin mostraron un gran interés por la filosofía oriental implantada por el Guru Sri Chinmoy , y ambos músicos de alguna manera representaron esa filosofía en sus álbumes "Caravanserai" y "Abraxas" de Santana y "Inner Mountain Flame" y "Birds Of Fire" de la banda liderada por John, Mashavishnu Orchestra. En 1973 ambos guitarristas unieron sus fuerzas para rendir homenaje a John Coltrane bajo los sonidos jazzisticos hipnóticos del free jazz y el jazz fusion. Cada uno de ellos aportaría para la grabación algunos de los músicos de sus respectivas bandas, empezando por Armando Peraza, Michael Shrieve y Doug Rauch de la banda de Santana y Billy Cobham, Jan Hammer y Larry Young de la Mashavishnu. Un álbum que esta repleto de esquistos pasajes como la inicial "A Love Supreme" que con un claro estilo de latín jazz, muestra la virtuosa guitarra de McLaughlin adornada por un órgano predominante. En la siguiente "The Life Divine", es Carlos Santana quien ofrece su divina guitarra en un corte de fusión con connotaciones psicodélicas, ambas pese a su innegable calidad palidecen con la antológica "Let Us Go Into The House Of the Lord", una epopeya de total virtuosismo por parte de los guitarristas y el resto de los músicos. Acabando la con la meditativa y pausada "Mediation", la cual da por finalizado una de las obras maestras del jazz fusión.
Después del mediocre álbum "Mirrors", la Blue Oyster Cult necesitaba reactivar su carrera, una trayectoria que los había elevado a los altares de la musica rock con soberbios discos de hard y psicodelia en la primera mitad de los 70. Para ello se pusieron a trabajar y decidieron que sus próximos trabajos llamarían a Martin Birch, quien se encargaría de asumir las riendas de la producción y empujarlos a volver al nivel que se merecían. "Cultosaurus Erectus", publicado en 1980, recupera parte de esa esencia con un sonido impecable donde los desarrollos instrumentales vuelven a ser el principal atractivo de la banda. Pero sería con el siguiente "Fire Of Unknown Origin" cuando resurgirían definitivamente de las cenizas con un disco magistral, donde los teclados toman el máximo protagonismo para lograr una atmósfera oscura pero muy efectiva. Los fans recibieron este disco con gran entusiasmo gracias a temas como los melódicos "Burnin 'For You", o "Joan Crawford", el rítmico "Veteran of Psychic Wars", el frenético "After Dark", el hard rock "Heavy Metal: The Black and Silver" o con la añeja "Sole Survivor", canciones con las cuales regresaban a los sonidos que dejaron atrás con el álbum "Spectre" y expresaban sus intenciones sobre el camino a seguir.
En los años 90, Vangelis terminaba por abandonar las experimentaciones que había mostrado en sus trabajos de las décadas anteriores en los 70 y los 80, años en los que su vanguardismo sinfónico inundaban la mayoría de sus obras. Llegados a este punto el músico griego basa su estilo en una música etérea, basada en acordes mas grandilocuentes, con supremos arreglos orquestales y coros líricos, que lejos de ser pretenciosos, son simplemente la consecuencia de sus muchos años de continuas experimentaciones. Con su vigésimo séptimo álbum, Vangelis da un paso más allá y le otorga a la voz humana un protagonismo que nunca antes le había dado tanto como lo hace aquí. Navegando entre los sonidos melódicos y la música new age relajante, Vangelis presenta una serie de piezas atmosféricas y muy fluidas, de hermosas líneas inquietantes y de omnipresente misticismo. En esta ocasión recurre a las colaboraciones de diferentes voces como la de Caroline Lavelle, Stina Nordenstam, el coro de la Opera de Atenas y la del cantante Paul Young. Pomposas piezas como "Voices", contrastan con las atmósferas etéreas de la celta "Come To Me", la hermosa melodía de "Ask The Mountains", la evocadora "Losing Sleep (Still My Heart")", la paradisíaca "Preludio" o la espacial "Dream In An Open Place".
The Sensational Alex Harvey Band fue una de las grandes bandas del glam rock, y sin embargo está bastante olvidada y subestimada en las listas habituales del genero sepultada tras iconos como David Bowie, Sweet o T.Rex entre otras grandes del estilo. Formada en Escocia en 1972 por el vocalista Alex Harvey, el guitarrista Zal Cleminson, quien junto a Chris Glen y Ted McKenna (bajista y batería respectivamente), grabaron en 1972 su primer y espectacular disco bajo el sello Vertigo titulado "Framed". Un álbum que destila humor, espectacularidad, funk metal y blues rock de alto octanaje, y que contiene temas como el blues "Framed", el hard rock "Midnight Moses", la humorística "Isabel Goudie" o el funk metal "St Antonio". La Alex Harvey Band debería ocupar un lugar bastante destacado y no solo en el glam rock si no también en la historia del rock en general.
Bob James y David Sanborn unieron sus fuerzas en 1986 para publicar "Double Vision", considerado uno de los mejores trabajos del jazz fusión de la década de los ochenta. Grabado en Nueva York cuenta con la participación de un gran elenco de músicos de jazz como Marcus Miller, Al Jarreau, Steve Gadd, Paul Jackson Jr., Eric Gale o Paulinho da Costa. Además de entrar en el Top Ten del pop y del R&B, "Double Vision" ganó el Grammy al mejor álbum de jazz y una nominación para Al Jarreau por la canción "Since I Feel For You". Un disco donde es difícil destacar un tema sobre otro, pero desde la inicial y portentosa "Maputo", todas las canciones se van se sucediendo llevándonos a un viaje fascinante por la doble alegoría del jazz de sus autores.
Bajo un estilo de armonioso folk y country rock, Unicorn fue una excelente banda que en 1974 obtendría el beneplácito del guitarrista David Gilmour (Pink Floyd), el cual llegaría a producirles su segundo album e incluso intervendría tocando esporádicamente en este y en el siguiente registro. Esta formación británica llevaba tras de si bastantes años bajo diferentes nombres (The Senders, The Pink Bears o The Late Edition), antes del definitivo Unicorn. Con un contrato con el sello Transatlantic, publicaron su álbum debut "Uphill all the Way" en donde muestran su peculiar estilo que bebe sus influencias de las bandas norteamericanas America, Poco y Crosby, Stills, Nash and Young. Un estilo que estaba tremendamente teñido de las raíces de la música americana mezclado con los sonidos pastorales del folk británico, complementado con sus armoniosas voces y unas refinadas melodías, convirtiendo a este "Blue Pine Trees" y al siguiente "Too Many Crooks", en dos pequeñas joyas del género del country/folk rock americano, que lamentablemente pasaron desapercibidas. En este segundo trabajo nos encontramos preciosas melodías folk “Autumn Wine”, “Just Wanna Hold You”, “The Farmer”, “The Ballad of John and Julie” y “Blue Pine Trees”, unos temas que son el perfecto contrapunto a las rítmicas country rock “Holland”, “Nightingale Crescent”, “In The Gym”, “Volcano” y “Rat Race”.
Odin fueron otra de esas fantásticas bandas de un visto y no visto, que con solo un álbum publicado están entre las germinales formaciones progresivas de culto. Fundada a principios de los setenta, en su único esfuerzo discográfico estos británicos crearon un admirable trabajo enfocado en el hard rock progresivo con influencias del movimiento psicodélico de finales de los sesenta. Sin embargo como su centro de operaciones estaba ubicado en Alemania, fueron encuadrados en el movimiento krautrock debido también a su estilo vanguardista impulsado por las pesadas guitarras y el predominante órgano Hammond. Ellos eran el teclista, y voz Jeff Beer, el guitarrista y voz Rob Terstall, el bajista Ray Brown y el baterista Stuart Fordham. Contratados por el sello Vertigo, en 1972 lanzaron su único registro en el cual revelan que su estilo esta mas cercano al hard rock progresivo que hacían los británicos Deep Purple o Quatermass. Las líneas magistrales del órgano y las guitarras es lo predominante en canciones como "Life Is Only", mientras que la jazzistica "Tribute to Frank", una oda a Frank Zappa, se convierte en el corte mas hipnótico de la obra, en esa vertiente aparecen la atmosférica "Eucalyptus", la cual desemboca en la trepidante versión en clave progresiva de los mencionados Quatermass "Gemini", finalizando este disco con la sosegada folk "Be The Man You Are" y la pesada y oscura psicodélica "Clown". Sin duda este álbum es una de las joyas menores del progresivo británico, enmarcado equivocadamente en el movimiento del krautrock alemán.
Curtido durante los años 70 en muchos bares de carretera y garitos de la zona de San Antonio de Texas, Christopher Cross fue el arquetipo de los estándares del soft rock estadounidense, su música siempre fue pretenciosa y complicada y quizás por esta razón se convirtió en uno de los mejores artesanos de los éxitos para la radio formulas y las baladas, entre los que se encuentra el realizado para la película "Arthur the Bachelor of Gold", que le valió el Oscar en 1981. En 1978 consiguió un contrato con Warner Bros y publicó su primer disco, y para reforzar sus composiciones la propio Warner lo rodeó de algunas de las estrellas más rutilantes del momento como Michael McDonald, Larry Carlton, Eric Johnson o Don Henley entre otros. Este debut contó con temas como el emotivo "Say I'll be mine", la balada "Sailing" o su canción más recordada, la maravillosa "Ride like the wind". Este álbum subió a la cima de las listas y obtendría 6 premios Grammy y sorprendentemente, superó al álbum más aclamado de ese año como fue "The Wall" de Pink Floyd, con más de 7 millones de copias vendidas y tuvo una secuela que proporcionó los mismos argumentos musicales con el siguiente "Another Page" (1983), que sin embargo no alcanzaría las cantidades astronómicas en ventas de su espléndido disco debut.
Reconocida como una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos, The Kinks estuvieron originalmente enmarcados dentro de la llamada “Invasión Británica”, con un estilo con influencias de diferentes géneros, que van desde el folk y el country, hasta el R&B o el music hall británico. Formados alrededor de los hermanos Ray y Dave Davies, se ganaron una gran reputación en los 60 con algunos de los álbumes de rock más importantes y con uno de los himnos generacionales que aún hoy es un clásico del rock como "You Really Got Me". Sin embargo, a pesar de su gran potencial, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles y The Rolling Stones, haciendo de este hecho una de las mayores injusticias en la historia. Con casi treinta álbumes publicados, algunos de los cuales se consideran obras maestras, The Kinks permanecieron en activo hasta 1993 cuando publicaron su último trabajo titulado "Phobia". En 1980 la banda publico "One For The Road", un doble álbum en vivo que hizo justicia al enorme poder de esta magnífica banda, y donde se puede escuchar al dúo de los hermanos Davies con las guitarras demostrando una extraordinaria compenetración. Con un repertorio de grandes creaciones compuestas en su gran mayoría por Ray Davis, entre las que se encuentran "Lola", "Where Have all The Good Times Gone", "All Day And All of the Night", la mencionada "You Really Got Me" o "Stop Your Sollozos ”, canciones todas ellas que marcaron varias generaciones y que en directo adquieren otra dimensión con un plus de energía y vitalidad que las hace irresistibles. Sin duda este es uno de los discos en directo por excelencia, donde queda perfectamente demostrada la grandeza de una de las mejores bandas de la música rock.
En 1977 Uriah Heep llevaban tras de si nueve álbumes con los cuales habían alcanzado el pináculo del éxito y la fama. Nueve álbumes en donde crearon desde hard rock hasta rock progresivo, pasando por el rock mas convencional orientado a las FM. Después de infravalorado "High and Mighty", lanzado un año antes, Uriah Heep sufriría sus primeros cambios, primero el de su legendario vocalista David Byron que seria reemplazado por el ex cantante de Lucifer´s Friend, John Lawton y segundo el de John Wetton, sustituido por el bajista Trevor Bolder. Sin bien el cambio de bajista no significo un cambio sustancial, si lo haria el vocalista, el cual posee un rango vocal mas blues que el de su antecesor. El resto de la formación la seguían componiendo los pilares fundamentales de la banda, Ken Hensley (teclados), Mick Box (guitarras) y Lee Kerslake (batería). Esta reestructuración se vería reflejado en una serie de canciones con claro acento a rock clásico de menor complejidad como queda demostrado en las clasicas rock "Who Needs Me" y "Do You Know", el atractivo blues "Rolling´ On", el hard rock pesado de "The Hanging Tree" y "Been Away Too Long", las melodías pegadizas "Wise Man" o los guiños al pasado con las mas progresivas "Sympathy" y "Firefly".
En la segunda división de las bandas de rock sureño se encontraban Black Oak Arkansas, quienes publicarían una docena de álbumes en los años 70, algunos de ellos con una gran acogida en los circuitos del genero. "High on the Hog" fue el quinto álbum de la banda, el cuarto en estudio, lanzado en 1973, y para muchos su mejor trabajo, el cual fue producido por el conocido ingeniero Tom Dowd. Una banda que utilizando los mejores recursos de las típicas bandas del rock sureño, contaba con tres guitarristas que le daban el toque característico a su sonido final. Los temas sureños con grandes dosis de boogie rock, blues rock y la inconfundible voz de su líder, el cantante Jim Dandy, conformaron un disco y una banda que bien merecen mucho más reconocimiento del que hoy en día tienen.
Canned Heat vivieron su época dorada a finales de los 60 y principios de la siguiente década, unos años en los cuales fueron una de las mas formidables formaciones del blues y el boogie rock mundial, dejando para la posteridad joyas del genero como "Boogie With Canned Heat", "Living The Blues", "Hallelujah", "Future Blues" o "Historical Figures and Ancient Heads". Durante el resto de los años 70, Canned Heat sufrieron en sus carnes los cambiantes gustos musicales del gran público, quedando injustamente relegados a leyendas revival del blues y el rock. "Human Condition" lanzado en 1978, es el décimo álbum de la banda originaria de los Ángeles y seria la ultima gran aportación de Bob “The Bear” Hite al frente de los Canned Heat, el cual fallecería varios años mas tarde debido a una sobredosis en una fatal combinación de heroína y cocaína. En este álbum aparece como músico invitado el guitarrista Harvey Mandel, que junto a los guitarristas Mark Skyer y Chris Morgan, al bajista Richard Hite y al legendario baterista Adolfo de la Parra, mas las potentes habilidades vocales de Bob Hite, crearon un repertorio repleto de blues mordaces y armónicos boogie rock; "Hot Money", "House Of Blue Lights" "Just Got to be There", "You Just got to Rock", "Human Condition" o "Open Up Your Back Door".
No cabe duda que por cada álbum reseñado de las oscuras y olvidadas bandas de los 60 y 70, hay cientos y cientos (por no decir miles), de álbumes y grupos que se quedan en el camino en el profundo túnel del tiempo. Esta es una de esas extrañas y oscuras formaciones de la que pocos datos podemos aportar hoy en día. Originarios de Westchester, cerca de Nueva York, fue liderada por el baterista Tony Chirco y secundada por una docena de músicos entre los que destacaban el vocalista Anvil Roth, el guitarrista John Naylor, el baterista Ted MacKenzie, el bajista Bruce Taylor y el teclista Steve Foote. Su único registro grabado en unos estudios de Nueva York, es un álbum ambicioso y complejo, en donde destacan la oscilante sección rítmica con cierta lírica espiritual, riffs de guitarras fuzz, interesantes arreglos y una inteligente mezcla de pasajes rock y sonidos vanguardistas. Sin embargo pese a que la música contiene características del rock progresivo con los temas muy bien estructurados y conceptuales, nunca llegan a ser tan pretenciosos, añadiendo instrumentos de viento, lo que les confiere ciertas texturas y complejidades jazzisticas. En definitiva otra de esas pequeñas joyas perdidas en la inmensidad de la música rock
Ange son una de las formaciones más importantes y emblemáticas del rock francés de todos los tiempos, que desde principios de los años 70 hasta casi nuestros días, han lanzado una treintena de álbumes enfocados la mayoría de ellos en el rock vanguardista. Formados a finales de los 60 por los hermanos Christian y Francis Décamps, en sus primeras dos obras mostraban una sutil mezcla de sonidos psicodélicos y experimentales, todo bajo unas humorísticas y sarcásticas letras. Con su tercer lanzamiento, este "Au-Delá Du Délire", logran crear su pináculo artístico, confeccionado un trabajo repleto de alusiones a la faceta mas sombría de los primeros King Crimson y la teatralidad de los Genesis de Peter Gabriel. Un álbum que esta confeccionado alrededor de la oscura y teatral voz de Christian Déscamps, en donde las exuberantes orquestaciones y el ingenio están sujetas a las narrativas poéticas, construyendo unos lienzos sugerentes entre lo pastoral y el frenético delirio. Aterradoras piezas como la líricamente escandalosa "Godevin Le Vilain" o la inquietante y agresiva "Les Longues Nuits d´Isaac", nos transporta a los viajes musicales del rey carmesí. Por otro lado "Si J´Etis Le Messie" muestra con su demoníaca letra, sus pensamientos anticlericos, mientras que la dulce "Exode" pone el momento conmovedor del disco. En todas ellas las punzantes letras escritas por Christian Decamps mezclaban el sarcasmo, la ironía, la ira y unas obvias insinuaciones contra el estamento de la iglesia, un hecho que les llevaría a ser muy criticados por un amplio sector de la pudiente y conservadora sociedad francesa de la época. Sin embargo toda esa polémica no hicieron mas que tornarse en una mayor popularidad de Ange, proporcionándoles una gran credibilidad artística y de paso mediática y comercial.
Históricamente este disco supondría el inicio del heavy metal de manera oficial, sin desmerecer a otras bandas que por la misma época lanzaron discos de géneros casi idénticos (Deep Purple, Steppenwolf o Led Zeppelin por nombrar a solo tres de ellos). Sin ser su mejor disco, fue el que sentó las bases de una carrera imparable hasta mediados de los 70, con joyas del calibre de "Black Sabbath" y su siniestro y fúnebre ritmo, el brutal "The Wizard", el germinal y pesado "NIB", el melódico "Evil Woman", el enérgico "The Warning" o el virtuoso "Wicked World", todos ellos conformaron un demoledor arsenal de canciones que convirtió a este álbum en legendario e imprescindible para entender el género del heavy metal.
Aviator fue una efímera banda británica, que estaba formada por tres legendarios músicos procedentes de algunas formaciones emblemáticas como Manfred Mann, Jethro Tull y Blodwyn Pig. Ellos eran el saxofonista Jack Lancaster, el baterista Clive Bunker y el guitarrista y cantante Mick Rogers, quienes junto al bajista John G.Perry publicaron dos interesantes álbumes a finales de los años 70. En 1978 bajo la producción del teclista de Brand X Robin Lumley, lanzaron su primer trabajo en donde mostraban un ecléctico estilo que se movía entre el art rock y el rock progresivo tardío. En esta primera entrega sobresalen la hipnótica "Keep Your Heart Right", las melodías rock de "Evil Eye" o la hard rock progresiva "Morning Journey". Un año más tarde Lancaster abandona la nave, quedando Aviator conformado como trío y lanzando el epitafio "Turbulence", un trabajo mas acorde con los sonidos de los ochenta y que seria producido por Wil Malone, un productor que participaría en trabajos de Black Sabbath, Iron Maiden, Depeche Mode o The Verve. Sin dejar totalmente de lado su faceta progresiva, aquí conviven desde refinados temas de pop rock como "The American", hasta los blues rock progresivos "Fallen Star" y "Strange Worlds, pasando por los previsibles sonidos del pop de la década que recién había comenzado "All Your Love Is Gone" o la atractiva country rock "Wood Wharf Gumbo". Después de este segundo y último álbum, la banda daría por acabada su corta carrera discográfica. Algunos años mas tarde surgiría otra banda norteamericana con el mismo nombre, la cual estaba encuadrada en los sonidos del rock melódico y el A.O.R.
Quinto álbum de Brian Auger junto a su banda Oblivion Express y otro nuevo formato de componentes, aquí ya no aparece Godfrey MacLean a la batería siendo sustituido por el más experimentado Steve Ferrone, además de la nueva incorporación del percusionista Mirza Al Sharif. Sin embargo lo que no cambia sustancialmente es el trepidante estilo de jazz rock impulsado por el órgano Hammond de Auger, aún mas contundente en esta ocasión si cabe debido al portentoso trabajo de las percusiones de Lennox Laington, Steve Ferrone y Al Sharif. Esa vigorosa sección rítmica es patente en la inicial "Beginning Again", que basada en unos simples acordes de jazz rock muestra las excelencias de Auger y la del guitarrista Jack Miles. La sólida jazz fusion/rock "Bumpin´On Sunset" representa otro de los momentos álgidos, la cual contrastan con la funk jazz "Straight Ahead" y con la larga y pegadiza "Changes", para finalizar con la melódica "You´ll Stay In My Heart", un claro corte orientado a las radio formulas por su atractivo sonido.
Considerado por muchos como uno de los mejores álbumes en vivo de la historia, "At Budokan" es el álbum más vendido de la banda Cheap Trick. Mientras que en muchas otras partes del mundo los discos de Cheap Trick pasaban sin pena ni gloria, en Japón la banda era venerada hasta el punto de que existía una histeria colectiva a su alrededor. Esta fue una de las razones por las que decidieron grabar un álbum en vivo solo para el mercado japonés en un principio, sin embargo, en vista del éxito masivo que tuvo en el país nipón, sería lanzado a nivel mundial y solo en Estados Unidos llegaría a vender más de cuatro millones de copias. Una mezcla explosiva de grandes riffs de guitarras, voces melodiosas y contundentes y algunos estribillos al más puro estilo de The Beatles fue el reclamo perfecto para el éxito de este soberbio directo.
Kansas fue una banda que en sus primeros años no tuvo la benevolencia de muchos críticos de la música rock, unos los acusaban de meros paletos que hacían rock progresivo, (lo cierto en este sentido es que ellos eran de una localidad perdida en medio del estado de Kansas, llamada Topeka, de ahí lo de paletos), otros (los mas puristas), les acusaron de orientarse demasiado a los sonidos comerciales del AOR y así la lista seguía con muchas mas criticas desfavorables. Sin embargo ellos tenían un don que pocos les podían reprochar, su enorme capacidad para evolucionar de una simple banda de clubs de su perdida localidad, hasta convertirse una de las mas grandes bandas que han surgido de tierras norteamericanas. "Song For America" fue el álbum que les concedió la credibilidad justa para tenerlos en cuenta a nivel mundial, un álbum repleto de complejas melodías, singulares compases y unos arriesgados contrapuntos armónicos, todo ello bajo el rock americano de raíces como el blues y el country. Los enérgicos riffs de las guitarras de Kerry Livgren y Rich Williams son sabiamente combinados por el extraordinario trabajo del violin de Robbie Steinhardt, mientras que la calida voz de Steve Walsh pone el contrapunto a esta vorágine de deslumbrantes sonidos. Aquí están representados desde el rock americano "Down The Road" y "The Devil Game", hasta la asombrosa pieza progresiva "Lamplight Symphony", la maratoniana "Song for America", o la epopeya "Incomudro-Hymn To The Atman". Con esta segunda entrega, Kansas no solo lograron crear una singular obra de arte, sino también un álbum tan esencial como imprescindible en el rock norteamericano y en el rock progresivo en general.
Formada principalmente por músicos blancos, Rubicon fueron una de las mas reconocidas bandas de un sonido y un estilo eminentemente negro, como es el funk rock. Formada casi a finales de los 70 en California, su impulsor fue Jerry Martini quien anteriormente había formado parte de los legendarios Sly & The Family Stone, quien reclutaría Brad Gillis (guitarra), Dennis Marcello (saxofón), Jack Blades (bajo), Greg Eckler (batería), Johnny Colla (saxo) y a Jim Pugh (teclados). En 1978 llegaría su debut discográfico con el homónimo "Rubicon", el cual lograría un destacado interés en las listas de éxitos gracias a cortes como la balada "I´m Gonna Take Care Everything" o al musculoso funk rock "Vanilla Gorilla". Además en este primer lanzamiento aparecían otros temas de gran calibre como las portentosas y trepidantes funk "That´s The Way Things Are", "And The Moon´s Out Tonight" y "Cheatin´" o el rock melódico "Closely". El buen recibimiento de este álbum les abriría las puertas a participar en la segunda edición del mítico festival "California Jam", celebrado en Ontario a mediados de 1978. Un año mas tarde con la inclusión de un nuevo baterista (Kelly Keagy), publicarían su segundo y ultimo trabajo "America Dreams", con el que continuaban su propuesta funk pero con sutiles inclinaciones orientadas al rock melódico. Poco después del lanzamiento de este "America Dreams", la banda se disolvería definitivamente, pasando algunos de sus miembros (Blades, Gillis y Keagy), a formar parte de banda de A.O.R. Night Ranger, mientras que el saxofonista Colla ingresaría en Huey Lewis and The News.
Satchitananda es el extraño nombre de una efímera formación norteamericana de jazz rock que fue fundada a mediados de los 70 en los alrededores de Chicago. Con una inédita combinación que adolecía de guitarra y bajo, sus componentes eran Kevin McGlennon, piano clásico, voces y flauta, Ken White, saxo, voz y flauta, Dave Hoffman, teclados, Mark Janas, batería y Tom Deglman, arreglista. Su estilo estaba mas cerca del jazz fusión que del jazz rock propiamente dicho, sin embargo el dinamismo de sus composiciones con una excelente sección rítmica y la perfecta sincronización entre las flautas, el saxo, los teclados y la voces, convierten su único registro oficial en otra de las excelentes muestras del jazz experimental estadounidenses de la década de los 70. Este único álbum titulado "A Thought Away" fue lanzado en 1978 bajo el sello Aferton Records, una pequeña discográfica con sede en Illinois. En esta entrega nos encontramos una extraordinaria colección de piezas que van desde ambientales paseos atmosféricos de gran belleza "The Whisper Heard Above The Roar", hasta cortes eminentemente mas progresivos como las jazz rock "Alpha and Omega" y "Listen To Me" o melodías pop jazz como "Destiny", hasta acercamientos al sonido británico de Canterbury con la esplendida jazz fusión/rock "A Thought Away".
Comenzando los años 70, la mítica banda de blues rock Savoy Brown, lanzaba su sexto álbum "Looking In", con el cual seguían su senda triunfante en tierras británicas y en Norteamerica. Detras de este sexto álbum, la formacion británica habia dejado para la posteridad memorables trabajos como "Getting to the Point", "Blue Matter", "A Step Further" y "Raw Sienna", en los cuales mostraban su magnifica propuesta de blues rock como el cadencioso "It´s All My Fault", los memorables blues "Tolling Bells" y "Black Night" o poderosas versiones como "Ain´t Superstitions". Sin embargo sus constantes salidas y entradas de miembros les mermaban continuamente su estabilidad y bajo ese contexto ocurriría lo mismo en 1970. En "Looking In" ya no aparece su cantante original Chris Youlden, quien había abandonado después del anterior registro "Raw Sienna", y el cual ni siquiera seria sustituido, siendo el guitarrista Lonesome Dave quien se encargaría de esa labor. El resto de la formación estaba compuesta por el guitarrista solista Kim Simmonds, el bajista Tone Stevens y el baterista Roger Earl. En esta sexta entrega el cuarteto restante pone toda la carne en el asador confeccionando un antológico disco de enérgico blues rock como queda demostrado en un excitante repertorio destacando la lisérgica "Poor Girl", la soterrada blues "Money Can´t Save Your Soul", la jazzistica bluesy "Sunday Night", la boogie blues "Take It Easy" o la tour de force "Leavin´Again". Pese al tremendo éxito del album en tierras norteamericanas, poco después de su lanzamiento tres de sus miembros; Stevens, Earl y Lonesome, abandonarían Savoy Brown para fundar la banda de hard rock y boogie rock Foghat.
Ideado como resultado de los frecuentes viajes por la autopista que va desde Dusseldorf, (la residencia de los componentes de Kraftwerk), hacia Colonia donde se ubicaba el estudio de grabación, en 1974 se publicó "Autobahn", el cuarto álbum cronológicamente de Kraftwerk. Este disco marcaria definitivamente el cambio de estilo de la banda, alejándose del krautrock de los primeros trabajos para ir directamente a los sonidos totalmente electrónicos. "Autobahn" fue un arriesgado paso experimental que representó musicalmente un viaje por carretera, aderezado con sonidos como el del motor de un vehículo, el ruido del tráfico circundante o los sonidos de las estaciones de radio. "Autobahn" es considerada la primera grabación de música electrónica exitosa, y aunque hubo muchas otras antes que ésta, ninguna tuvo la repercusión mediática que tuvo este trabajo para el posterior desarrollo de la música vanguardista y el pop electrónico.
Para cuando Birth Control lanzó este doble álbum en directo en 1974, tenían tras de si cuatro excelentes discos dentro del género krautrock. Fundada a finales de los sesenta, tomaron este controvertido nombre en respuesta al Papa "Pablo VI" y sus opiniones con respecto a los anticonceptivos y el aborto. Ya en 1970 publicaron su primer album homónimo "Birth Control", con el que comienzan a darse a conocer masivamente en toda Europa, los siguientes "Operation" y "Hoodoo Man" (ambos con portadas tremendamente polémicas), son dos de sus mejores trabajos, y en donde aparece una de sus canciones más emblemática y reconocida, "Gamma Ray". "Live" contiene sólo cinco temas, todos ellos de larga duración, comenzando por el mencionado "Gamma Ray", un tour de force trepidante de 20 minutos, o "The Work Is Done" con casi 17 minutos. En general, es un directo en donde podemos apreciar el sonido envolvente del teclado Hammond, con un sonido fascinante y pesado, unos increíbles blues rock interpretados de manera sublime, unas poderosas guitarras ácidas y psicodélicas, y la portentosa voz de su baterista Bernd Noske. En definitiva, un doble album y una admirable banda que hicieron historia dentro del panorama del rock progresivo en general y del krautrock en particular.
The Lee Riders fueron una banda de rock sureño de corta duración, de la cual surgieron una de las icónicas formaciones del country rock como fueron los incombustibles Pure Prairie League. Originarios de la localidad de Woodstcok en Nueva York, fue formada por el cantante Robert Lee, quien reclutaría a diferentes músicos con sus mismas preferencias musicales del sur norteamericano. Ellos eran Bill Hinds (batería), Mike Reilly (bajo), Mike Connor (órgano) y Matt Presby (guitarra). Gracias a un contrato con United Artists se trasladaron a Inglaterra donde grabarían su único registro homónimo. Sin embargo el baterista Bill Hinds prefirió quedarse en los Estados Unidos y seria sustituido en tierras británicas por Roy O´Temro. Lanzado a mediados de 1972, en este único álbum nos encontramos desde clásicos western country rock, hasta estelares rock sureños como "Ruby Valentino", "Highway Queen", "The Moment" o "Pale Horse", que pese a su incuestionable calidad no obtuvieron la merecida atención del publico. Un gira promocional por todo el Reino Unido teloneando a David Bowie, quien estaba en gira presentando su album "Ziggy Stardust", fue el epitafio de The Lee Riders en tierras británicas, que terminarían por regresar a los Estados Unidos algún tiempo después. Una vez en su país de origen, Connor y Reilly fundarían junto a Bill Hinds los mencionados Pure Prairie League, comenzando así una fructífera y exitosa carrera certificando algunos de los mejores discos del country rock norteamericano como "Bustin´Out", "Two Lane Highway", "If The Shoe Fits" o "Firin´Up".
Desperado fue un efímero proyecto a modo de súper grupo que lanzaría un notable disco del heavy rock finalizando la década de los ochenta. Esta mítica formación estaba compuesta por el ex Iron Maiden, Clive Burr (bateria), el ex Ian Gillan, Band Bernie Torme (guitarra), el ex vocalista de Twisted Sister, Dee Snider y el bajista Marc Russell. El único registro oficial de esta banda fue grabado en 1989 bajo el sello Electra Records, sin embargo el álbum fue almacenado hasta algunos años después cuando una discográfica independiente lo publicara de manera oficial en 1996. La energía de este único álbum reside en la habilidad y destreza de sus miembros, mezclando el heavy rock, el hard rock y el glam rock, bajo los fundamentos del blues. Esos sonidos bluesy están presentes en la hard rock "Hang ´Em High", mientras que el rock mas rudimentario sale relucir en las potentes "Gone Bad” y "No Angels Here", en las cuales Torme se aplica con unos grandes riffs de guitarra acompañados por unos solos apoteósicos. Por otra parte son en la martilleante "Run Wild Run Free" y en el pesado rock "See You At Sunrise", donde mejor podemos apreciar el sobresaliente rango vocal de Snider. Para acabar aparecen las heavy metal "Son Of A Gun" y "Emajeevull", que junto a la melódica medio tiempo "Ride Thru The Storm", conforman un encomiable álbum creado por el gran talento, el ingenio y la destreza de estos excelentes músicos.
Encuadrados oficialmente en el krautrock, Cravinkel fueron en realidad una banda mas cercana a los sonidos del folk acido y el country rock americano, que a las experimentaciones y al vanguardismo místico de las bandas coetáneas germanas del mismo movimiento. Formada a finales de los sesenta estaba constituida por Gerd Krawinkel (guitarra), Rolf Kaiser (bajo y voz), George Haupt (batería) y Klaus Meier (guitarra y voz). Su primer álbum acontecido en 1970, es un peculiar experimento de opaco folk psicodélico, que esta fusionado de ambientes bucólicos y rock melódico. Las solidas melodías contrastan con algunas guitarras distorsionadas, emotivas voces y una sensación de melancolía. Canciones como las atractivas country rock "Candlelight", "Lonesome Road" o "Hidden Love" son junto a pastorales y nostálgicas piezas como "Two Circles", lo más destacado de este primer registro. Un año mas tarde llegaría el segundo y el epitafio de esta oscura agrupación, "Garden Of Loneliness", que a diferencia del tranquilo y sosegado debut, muestran una faceta mas cruda y ordinaria con acercamientos al hard rock estándar con sutiles elementos progresivos como queda patente en la enérgica canción que da titulo al álbum o en "Stoned", un tour de force de pesado y rotundo heavy rock.
Bajo una dibujada escena del grupo en escena, este fue el primer directo de los holandeses Golden Earring, que lanzado a finales de 1977, recogía parte de su material mas rockero, progresivo y psicodélico. Grabado en el Rainbow Theatre londinense a principios de 1977, la formación que actuaría aquella noche estaba compuesta por George Kooymans (guitarra y voz), Rinus Gerritsen (bajo y teclados), Barry Hay (voz y flauta), Eelco Gelling (guitarra) y Cesar Zuiderwijk (batería). Con una serie de versiones mas extendidas en comparación con las originales de estudio, el repertorio esta compuesto principalmente por temas pertenecientes a sus álbumes "Moontan" (1973), "Seven Tears" (1971), "To The Hill" (1975) y "Contraband" (1976). Sin embargo tantos temas con una duración que supera los nueve minutos (siete en total), son a costa de prescindir de otros grandes clásicos de la banda que no fueron incluidos aquí por falta de espacio. Aun así, las que están incluidas son unas excelentes muestras del porque Golden Earring siempre fueron considerados una mejor banda de directo que de estudio. Un doble álbum que logra capturar la enorme intensidad que Golden Earring mostraba sobre el escenario, desde la extendida "Radar Love", hasta la epopeya psicodélica "Eight Miles High" de The Byrds, pasando por la rotunda rock "Candy´s Going Bad", el magnifico tour de force "Mad Love´s Comin´" o la hard rock progresiva "Vanilla Queen". Un brillante repertorio que esta interpretado con ritmos contundentes y poderosos, en donde el denso sonido de sus dos guitarristas, junto a la sección rítmica ajustada y precisa, conducen la música de este directo hacia grandes pasajes instrumentales, convirtiendo a este doble álbum en uno de los mas famosos de los años 70.
En 1990, Neil Young ya llevaba tres años fuera de Geffen Records y había firmado con Reprise Records con quien había publicado el extravagante pero magnífico "This Note's For You" y el fantástico "Freedom", ambos para desgracia de su anterior compañía, indignada por los mediocres trabajos grabados para el sello discográfico dirigido por David Geffen, durante gran parte de la década de los ochenta. La continuación de "Freedom", sería "Ragged Glory", otro álbum extraordinario junto a su banda los Crazy Horse y donde demostró que no había perdido ni un ápice la inspiración que perdió años atrás, o quizás quiso guardarla para mas adelante. "Ragged Glory" es un disco de rock potente y enérgico, con temas poderosos y de gran vigor y visceralidad como "Love To Burn", "Love and Only Love" o "White Line", que destilan vitalidad y riffs trepidantes por todas partes. En este disco hay composiciones que Neil Young había interpretado en directo con los Crazy Horse en los años 70, pero que nunca habían sido publicadas oficialmente como "White Line" o "Country Home".
“Dream on” es una de las canciones que son parte del primer álbum de la banda de Boston, Aerosmith, publicado en 1973, pero seria después de su relanzamiento a finales de 1975, y gracias un sin número de emisoras de radios americanas, cuando se situaría en los primeros puestos de los charts estadounidenses. Sin embargo, dentro de esa sencilla portada sobre las nubes de su primer álbum, aparte de la mencionada “Dream On”, flotan otras canciones como “Walkin’ the Dog”, un tributo a Rufus Thomas Jr, un relevante Bluesman, la clásica “Toys in the Attic”, tema redondo en todo los sentidos, la fusión de rap y rock conectados en ‘Walk This Way’ o la primera aportación escrita del guitarrista Brad Whitford, “Round a Round”, estupenda canción aromatizada con toques psicodélicos. Sin embargo, “Dream On” ya habia sido tocada en vivo por primera vez en el Shaboo Inn -Willimantic, Connecticut en 1969 con la antigua banda de Steven, (quien la compusiera cuando era joven a mediados los años 60), Chain Reaction. Sin duda fue una de las canciones más exitosas de la banda, y su sencillo más popular durante los años de formación del grupo en la década del 70 y un pasaporte inmediato que catapultaría a este álbum al éxito.
