Alice Cooper es uno de los mayores talentos del hard rock y el glam rock, además de uno de los artistas más fundamentales en la evolución de los diferentes géneros que supo combinar sabiamente con una personalidad poderosa y hechizante. "Billion Dollar Babies" es sin duda alguna su disco más exitoso y al mismo tiempo el de mayor calidad. Es una sabia mezcla de lo contenido anteriormente en sus álbumes "Love It To Death" (1971) y "School's Out" (1972). Un trabajo muy homogéneo, fluido y con un sonido pulido y brillante para una serie de canciones llenas de energía, sentimiento y creatividad. "No More Mr Nice Guy" fue el exitoso sencillo de este álbum, pero no quitó mérito al resto de las canciones, todas ellas con un gran recorrido, como el sórdido "I Love The Dead", el poderoso "Billion Dollar Babies" o el enérgico "Elected", esta última una auténtica sátira de la política y como en otros grandes temas de Cooper, un claro exponente de la influencia de The Who en su música y su vital importancia en el punk rock posterior. Sin duda un disco de rock imprescindible, con una producción exquisita de Bob Ezrin y una calidad musical al alcance de pocos artistas.
Live Bootleg! es un álbum doble en directo, que recopila grabaciones en vivo de Aerosmith desde 1973 hasta 1978. El titulo de este doble álbum fue diseñado así para darle cierto carácter pirata, sin apenas retoques en el estudio e incluso con errores intencionados en el set list de canciones de la contraportada. En el momento de su publicación, la banda ya estaba establecida comercialmente en Estados Unidos gracias principalmente a obras capitales como "Get Your Wings", "Toys In The Attic" o "Rocks", pero también porque la popularidad de Aerosmith iba en aumento por los problemas internos, principalmente derivados de las drogas, especialmente por sus dos lideres principales; Steven Tyler y Joe Perry. Aún así el hard rock de esta mítica banda aquí no sufre para nada, donde sobresalen temas como "Sweet Emotion", "Last Child", "Black In The Saddle", "Mama Kin" o Walk This Way ", sin olvidar el eterno "Dream On", que se combinan con versiones como "Come Together" de los Beatles, "Mother Popcorn" de James Brown o "Train Kept A-Rollin" de los Yardbirds. "Live Bootleg" es posiblemente la mejor grabación en vivo de Aerosmith, muy por encima del "Classic Live" publicado en la década de los 80 o "A Little South of Sanity" de finales de la década de 1990.
Pese a superar a su álbum debut en las listas del Billboard, el segundo de Van Halen “solo” lograría vender cerca de los seis millones de copias, una cifra bastante alejada de los once millones que consiguiera su predecesor.
En parte fue debido al sistemático sonido que atrevidamente lo copiaba, con un hard rock alegre e irresistible, en donde un inconmensurable Eddie Van Halen muestra su enorme virtuosismo con las seis cuerdas como queda demostrado en “Spanish Fly”. Las poderosas “Beautiful Girls”, “Dance The Night Away”, “Somebody Get Me a Doctor”, “Outta Love Again”, “Light Up The Sky”, “D.O.A.” o “You´re No Good”, son claros exponentes del mejor hard rock de la década de los ochenta.
Llegados a este punto Van Halen consolidaba con apenas dos álbumes su atractivo estilo fundamentado en la excitante voz de David Lee Roth, la sólida disciplina instrumental, la revolucionaria guitarra de Eddie Van Halen y la demoledora sección rítmica compuesta por el baterista Michael Anthony y el bajista Alex Van Halen.
Este grupo norteamericano ha pasado a la historia del rock como una de las bandas que han combinado la perfección instrumental con excelentes conjunciones vocales, a la par que eran grandes autores y talentosos músicos, quienes consiguieron colocar algunos de sus discos en los primeros lugares de las listas de éxitos. Formada en Los Ángeles a principios de los 70, tardarían bastante en fichar por unas discográfica, aunque se ganaron una gran reputación entre el público de Los Ángeles gracias a su estilo con cierto aire progresista. En esos primeros tiempos, la banda era fan de formaciones como la británica King Crimson, pero también de grupos de folk y country rock como CSNY y estaban empeñados en fusionar todas sus influencias musicales para crear su propio repertorio. Ya en su primer disco "Ambrosia" (1975), los catapultaría a la fama por el éxito de los singles "Nice, Nice, Very Nice" y "Holdin´On the Yesterday". Su enorme calidad instrumental y vocal llamaría la atención de Alan Parsons, quien les produjo su segundo disco "Somewhere I've Never Travelled", que definitivamente los catapultó al estrellato con este soberbio trabajo. En este disco la banda decide incrementar su apuesta por un sonido aún más complejo y pretencioso, para ello y como recomendación de Alan Parsons, contratan a Andrew Powell, quien estaría a cargo de los arreglos orquestales, propuesta de la que se puede escuchar desde la inicial y pomposa "And" o el lujoso "Somewhere I've Never Travelled", hasta la impresionante "Cowboy Song", pasando por "Dense With Me George" una especie de homenaje a Chopin, o la antológica "We Need You Too", que componen un álbum antológico del más alto nivel.
Este álbum es sin duda un hito en la historia del rock y considerado todo un clásico, y la contribución definitiva del rock norteamericano a los años 70.
Si justo antes de este disco The Eagles habían entrado en el Olimpo de las grandes bandas de rock, con una serie de álbumes memorables, con este "Hotel California" lograron lo mas difícil aún, ser números uno en prácticamente el mundo entero y conseguir realizar un trabajo soberbio, pero también refinado, alejándose sutilmente de sus primeras raíces country y dotando su música de la perfección y la madurez, y así mismo dotando al country-rock el cenit estilístico que años después culminaron otros artistas como Garth Brooks o Randy Travis entre otros.
Fue sin duda la entrada de Joe Walsh, guitarrista muy experimentado proveniente de los míticos The James Gang, sustituyendo a Bernie Leadon, quien le dio esa contundencia necesaria, que junto a las voces y melodías country del resto llevaron a editar un álbum excepcional.
Un trabajo que gira en torno a los excesos de la sociedad californiana de los años 70, de ambientes opresivos y el resultado incierto de esa opulencia.
Tanto la canción que da titulo al disco como “New Kid in Town”, fueron directos al numero uno, aparte de llevar en volandas al propio álbum vender mas de 19 millones de copias alrededor del mundo.
Pero además contiene otros grandes momentos como "Life in the Fast Lane", "Wasted Time" o "Victim of Love", dejando con todas ellas sentada la calidad compositiva de todos los miembros de la banda, que no solo sobresalían en la faceta instrumental, sino también en el de la composición de las canciones. The Eagles posteriormente editarían otro gran álbum “The Long Run”, que aunque de una innegable calidad, nunca llego a superar esta magna obra maestra.
Fundada en 1963, no sería hasta mediados de esa década cuando The Spencer Davis Group saltaran a la palestra con varios hits importantes dentro del beat británico. Formados por Spencer Davis, Steve Winwood, Pete York y Muff Winwood, sus comienzos fueron dentro de los circuitos del jazz británico de Londres. En 1965 después de fichar para el sello Fontana graban su primer álbum "Their First", en donde su estilo se deriva hacia sonidos mas pop con fuertes influencias R&B y de donde salen algunos de los hits mas importantes de la banda como "Keep on Running" que los coloca en el primer puesto de las listas británicas. A partir de aquí una serie de singles siguen una suerte parecida; "Somebody Help me", "Gimme Some Lovin´" o "I´m a Man", lo que les garantiza enormes ventas, mientras que su primer álbum les concede una gran prestigio entre los críticos especializados y el mundo del pop británico. Pero la suerte les durara bien poco, en 1967 Steve Winwood les abandona para formar Traffic, el resto de componentes hacen lo mismo para seguir diferentes proyectos y solo Spencer Davis sigue al frente de una banda que ya no volvería a recalar las mieles del éxito, pese a publicar una serie de buenos discos durante la siguiente década de los 70.
Después de la disolución de The Police en 1983, Andy Summers seguiría una fructífera e interesante carrera en solitario, debutando en 1987 con su primer álbum "XYZ". Poco después de este primer trabajo, el guitarrista consiguió un contrato con el sello de música new age y fusión "Private Music" con el que publicaría los siguientes cuatro discos. "The Golden Wire" fue el segundo publicado bajo esta etiqueta (el primero había sido "Mysterious Barricades"), y el tercero cronológicamente de su carrera. En "The Golden Wire" Andy Summers consigue su mayor creatividad compositiva e instrumental, con un disco cerebral, lento, atmosférico y ambiental, que cuenta con un conjunto de grandes composiciones temperamentales ejecutadas de forma magistral. Solos sinuosos como los que podemos escuchar en "A Place Of Time" y "Earthly Pleasures", canciones enérgicas "A Thousand Stones", espectrales y misteriosas como en "Imagine You" o exóticas como "Piya Tose", muestran el talento único de uno de los guitarristas más peculiares del pop y rock de las últimas décadas del siglo XX.
Petra es una de las más grandes y exitosas bandas norteamericanas de todos los tiempos, y que sin embargo son una de las mas desconocidas fuera de las fronteras de su país. Formada a principios de los 70, con su pegadizo estilo de hard rock melódico y con unas letras cristianas, publicaron una veintena de álbumes, la mayoría de ellos de gran éxito mediático y comercial, logrando vender millones de discos alrededor de todos los Estados Unidos y un éxito arrollador sin precedentes entre sus coetáneos del mismo genero, obteniendo entre otros galardones, cuatro premios Grammy, además de una docena de nominaciones mas y ser la primera banda de rock cristiano en ser incluida en el prestigioso Salón de Fama de la Música Gospel. Pioneras en su genero, durante las cuatro décadas de carrera, la constante de esta ha sido la entrada y salida de numerosos componentes, manteniéndose el guitarra y vocalista Bob Hartman el como único miembro de la formación original durante todos esos años. Con un estilo inicial del rock de raíces norteamericano, fueron evolucionando hacia el hard rock melódico que practicaron durante los años 80, una década en donde consiguieron su máxima popularidad colgando el cartel "sold out" en todos los grandes estadios de Estados Unidos. Memorables álbumes como ”Never Say Die”, “More Power To Ya”, “Not Of This World”, “Beat The System”, “Captured In Time and Space”, “On Fire” o “Back to the Rock”, avalan la impresionante carrera de esta legendaria formación estadounidense. En el 2005 y tras 30 años la banda daba por acabada su carrera, pese a que durante los siguientes años han seguido actuando de manera esporádica. Uno de sus mayores logros creativos llegaría con su octavo registro, este "Back to the Street" con el cual alcanzaron un cuarto puesto en las listas de éxitos en el apartado del Billboard Top Christian Albums. Producido por el ex-vocalista de Kansas, John Elefante, lograron capturar la esencia del A.O.R. de otras bandas del genero y la mezclaron con sus letras inspiradas en los Salmos de la Biblia, adornando con unos encantadores estribillos gospel, las afiladas guitarras rock y unas fabulosas e irresistibles líneas melódicas como queda demostrado en "Back to The Street", "You Are I Am", "King´s Ranson", "Fool´s God", "Thankful Heart" o "Run For Cover".
Octavo trabajo de Fish, en el que por primera vez no utiliza el álbum conceptual, sin embargo las imágenes y referencias a cuervos aparecen en varias ocasiones. "Field of Crows" parece más una brillante colección de canciones que una obra en su totalidad y donde Fish reafirma su enorme experiencia como poeta y compositor de canciones emotivas. Sin que sea un disco de rock progresivo habitual, si es cierto que aquí se dan los elementos necesarios para dicho estilo, con arreglos complejos e inteligentes y una producción exquisita. Fish siempre ha sabido dar a sus obras temas autobiográficos, letras con significados profundos, historias misteriosas y un enorme sentido literario. Incluso hay momentos para volver atrás y añorar su tiempo como líder de Marillion como lo demuestran las enormes "The Field" o "Lost Plot", o canciones íntimas con las hermosas "Scattering Crows", "Shot The Craw" o "Exit Wound", sin dejar de lado el vigoroso rock como "Innocent Party" o "Old Crow", e incluso acomete un ejercicio de rock psicodélico en la estupenda "Numbers".
Dave Meniketti es un formidable guitarrista que inició su carrera en la banda de hard rock Y&T a mediados de la década de 1970, con la que grabaría una decena de discos, algunos de ellos de notable éxito, culminado con éxitos mundiales como "Don´t Wanna Lose","Mean Streak" o "Summertime Girls", pertenecientes a discos de enorme calidad como "Earthshaker","Black tiger"o "In Rock we Trust", forjando así una extensa y exitosa carrera con esta banda. En 1999 lanzó su primer álbum en solitario titulado "On the Blue Side", donde demostró su pasión por el blues. En ese disco hay tres versiones, muy distintas entre sí pero con un denominador común: el blues. Comenzando con una de las mejores canciones compuestas por James Brown en toda su carrera, "Man's World", seguida del clásico de Mose Allison, "Parchman Farm", y el extenso paseo de guitarra de "Loan Me a Dime" de Boz Scaggs. En "Man´s World" Meniketti no solo lograría superar la versión original, sino también demostrar el talento sobrenatural de este músico con las seis cuerdas.
A finales de los ochenta, The Stone Roses presentaban su álbum debut en el cual mostraban la cara alegre y desenfadada del llamado britpop, con una serie de canciones que heredaban los sonidos del pop-rock de The Beatles y el folk psicodélico de The Byrds de los años 60. Fundados en la ciudad de Manchester unos años antes por el vocalista Ian Brown junto al bajista Gary "Mani" Mounfield, al baterista Alan John "Reni" Wren y al guitarrista John Squire, crearon una colección de piezas melódicas y muy sencillas con sabor contemporáneo. Este debut es considerado una de obras fundamentales en el desarrollo y la evolución del denominado movimiento Manchester de finales de los 80 y principios de los 90. Desde marcos psicodélicos "Don't Stop", hasta los acordes y las atractivas voces de "Waterfall", pasando por las destacadas pop rock "I Wanna Be Adored", "Made of Stone" y "Bye Bye Badman", la hermosa "Lizabeth My Dear" o la compleja "I Am the Resurrection", conforman entre todas un trabajo que fue muy apreciado por la critica y un rotundo éxito en las listas de medio mundo.
"Nervous Night", el segundo lanzamiento de los norteamericanos The Hooters, no solo es uno de los mas aclamados álbumes de los años 80, también es el que determinaría el status definitivo de esta excelente banda. Si con su debut "Amore" lanzado varios años antes bajo un sello independiente, no lograrían el despegue mediático ni comercial, con "Nervous Night", bajo la discográfica Columbia, esta banda originaria de Philadelphia, alcanzaron confeccionar uno de los trabajos mas distendidos y desenfadados del año 1985, gracias a un repertorio compuesto por canciones que se movían entre la new wave, el folk, el rock melódico y el reggae. Su alineación estaba formada por Eric Bazilian (guitarra, teclados, mandolina, saxo y voz), Rob Hyman (teclados y voz), Andy King (bajo), John Lilley (guitarra) y David Uosikkinen (batería). Las entusiastas voces de Bazilian y Hyman y el esporádico uso de instrumentos como las mandolinas, les otorgan ese distintivo sonido como muestran las pop rock "And We Danced" y "Day By Day", la contundente rock "All You Zombies", la dramática "Where Do The Children Go", la melódica "Don´t Take My Car Out Tonight" o la desenfadada "Hanging On A Heartbeat". La enorme calidad del álbum, mas los dos millones de copias vendidas en el mercado norteamericano, la convirtieron en una de las clásicas bandas del pop rock estadounidense de la década de los ochenta.
Con su decimocuarto álbum "Distance Over Time", la banda neoyorquina Dream Theater volvieron a recuperar su filosofía inicial de heavy metal progresivo y directo, tras el arrebatador pero incomprendido "The Atonishing" (2016), un trabajo demasiado sofisticado y retorcido para muchos de sus fans más incondicionales. En esta nueva entrega la formación liderada por Jordan Rudess y John Petrucci vuelven a contar con la habitual estructura metálica repleta de melodías adornadas con pasajes progresivos y orquestales. Desde dinamicos lienzos gratificantes "Untethered Angel", hasta himnos accesibles "Barstool Warrior", pasando por refinadas piezas como "Out Of Reach", potentes e intensas canciones de metal progresivo "Paralyzed" y "Fall into the Light", hasta el metal mas obsesivo de "Room 137" o los rítmicos acordes del bajo de John Miyung con el funk metal de "S2N", conforman con todas ellas una vuelta sus origenes con un resultado tan brillante como sugestivo.
Bonnie Raitt comenzaría su carrera como cantante y guitarrista de blues rock a principios de los setenta con su álbum debut "Bonnie Raitt", que pasaría desapercibido como también ocurriría con sus trabajos posteriores hasta que en 1977 logró un éxito moderado con su disco "Sweet Forgiveness". Sin embargo sus siguientes trabajos siguieron la tendencia de sus primeros álbumes y como consecuencia su contrato con Warner Bros fue rescindido debido a las bajas ventas a principios de los ochenta. El resto de la década Raitt se dedica a la política, atravesando un período doloroso entregada a las drogas y el alcohol. Casi a finales de la década recibió una oferta de la Capitol Records y con este sello grabó su décimo disco "Nick of time" (1989), con el que finalmente llegó a las portadas de la revistas especializadas de música y a las listas de éxitos casi 18 años después de su debut. Un disco Influenciado por el blues tradicional, al que Raitt añade una dosis de country, que combina con su buena voz y su gran habilidad con la guitarra eléctrica y la guitarra slider, logrando un disco desbordado de folk blues con baladas cálidas y medios tiempos acogedores. Aunque en realidad aquí no había cambiado nada de lo que había hecho anteriormente, sin embargo la diferencia residía en que los temas eran más rotundos y contundentes. Un disco monumental que obtendría tres premios Grammy y unos seis millones de copias vendidas. A partir de aquí la carrera de Bonnie Raitt emergería de manera definitiva, colaborando con los mejores músicos y consiguiendo dos discos de gran impacto como "Luck of The Draw" (1991) o "Longing in Their Hearts" (1994).
Tras unas memorables actuaciones en los Festivales de Woodstock y la Isla de Wight, Ten Years After habían publicado los esplendidos discos "Cricklewood Green" y "Watt", en los cuales aparecían emblematicas canciones como "Sugar The Road", "Love Like A Man", "I´m Comin´Home" o "My Baby Left Me". Meses después de "Watt", llegaría "Space in Time", un álbum que reflejaba una menor intensidad rockera y un uso mas amplio de los sonidos acústicos, en una clara orientación comercial y accesible. Un álbum que esta casi repleto de piezas basadas en las guitarras acústicas como queda demostrado en las melódicas "Here They Come", "I´d Love to Change the World", "I´ve Been There Too", "Once There Was a Time" y "Let the Sky", sin dejar de lado la contundencia habitual con el blues rock "One of These Days", el rock and roll "Baby Won´t You Let me Me Rock´n´roll You", canciones psicodélicas con la orquestada "Over The Hill" e incluso jazzisticas “Uncle Jam”. En definitiva con este sexto álbum, Alvin Lee y su banda mostraron su eclecticismo y su enorme variedad estilística facturando uno de sus trabajos más versátiles.
Dexter Gordon es uno de los legendarios saxofonistas del jazz, el comparte el olimpo con otros grandes como John Coltrane, Charlie Parker, Sonny Rollins, Stan Getz o Joe Henderson. Sin llegar a las excelencias técnicas de otros, ni tampoco ser un mago de la composición, su peculiar estilo repleto de feeling y pasión le llevo a dejar para la posteridad álbumes de gran reconocimiento y prestigio en el mundo del jazz. En 1976 cuando llevaba tras de si mas de tres décadas en el primer plano artístico, grabaría "Manhattan Symphonie" (1978) para la Columbia Records, un álbum que cronológicamente se pierde entre la maraña de sus cientos de grabaciones y el cual esta considerado una de sus mejores aportaciones al subgénero jazzistico del hard bop. Acompañado por su cuarteto compuesto por Rufus Reid al contrabajo, Eddie Gladen a la batería y George Cables al piano, Gordon nos deja aquí una serie de exquisitas melodías empezando por la magnifica balada "As Time Goes By", mientras que la influencia de Coltrane se ve reflejada en "Moment´s Notice", con un soberbio trabajo por parte del piano de Cables. La versión de la épica composición de Donald Byrd, "Tanya", muestra una relectura magnifica por parte de Gordon, unas habilidades que también están presentes de manera brillante en "Body and Soul" y en "LTD".
Egg son una de las más influyentes formaciones vanguardistas del sonido Canterbury, que con tres esplendidos álbumes publicados entre 1970 y 1974, esta considerada una banda de culto en los anales de la música rock. Su estilo orientado a la llamada música sinsentido esta representada en la emblemática "Symphony No 2" de su álbum homónimo, en la sobrecogedora jazz rock "Long Piece No 3" de su segundo álbum "The Polite Force", o en la irónica galopante "Germ Patrol" y en la emocionante "Enneagram" de su tercer y ultimo esfuerzo discográfico "The Civil Surface". Para muchos Egg compuesta por Dave Stewart (órgano y teclados), Mont Campbell (bajo y voz) y Clive Book (batería), representan la madurez y la sofisticación que en muchos momentos adolecían otras bandas contemporáneas menos talentosas, aunque mucho mas exitosas mediáticamente. En todas ellas están presentes los elementos de la música clásica impulsados por los arreglos del órgano y una sobria estructura jazzisticas, lo que les llevaron a crear tres obras maestras del germinal rock progresivo.
Después de publicar durante los años 70 una serie de enormes álbumes, Rory Gallagher afrontaba los ochenta con una considerable disminución discográfica. En esos años 80, el irlandés errante solo publicaría dos trabajos muy separados entre si, "Jinx" (1982) y "Defender" (1987). Este escaso bagaje discográfico llevaría la duda entre los aficionados y los propios fans, el saber si el guitarrista aun seguía en activo. Sin embargo esa disminución fue en parte debido a diferentes problemas legales con su discográfica, una severa crisis creativa y sus continuos problemas con el alcohol, hechos que sin embargo no fueron obstáculo para que en 1982 lanzara "Jinx" su noveno álbum, considerado injustamente por muchos como una obra menor dentro de su dilatada carrera. Junto a su inseparable escudero, el bajista Gerry McAvoy, mas las colaboraciones de Brendan O´Neil (batería), Bob Andrews (teclados) y Dick Parry y Ray Beavis (saxo), el guitarrista originario de la ciudad irlandesa de Ballyshannon, muestra su poderoso hard rock infectado de riffs distorsionados en una serie de canciones de sonidos férreos y tenaces como "Big Guns", "Bourbon", "Loose Talk", "Easy Come Easy Go" o la versión del bluesman Louisiana Red, "Ride On Red, Ride On".
Nina Simone es otra de las grandes divas del jazz & blues norteamericano, ella fue una fabulosa cantante, una gran compositora y una excelente pianista, además de una de las mas activas defensoras de los derechos civiles de los estadounidenses durante cinco décadas. Nacida en 1933 en Carolina del Norte, a la temprana edad de 10 años ya tocaba el piano y cantaba en la iglesia local. Un hecho trascendental en su vida fue el día que sus padres que habían acudido a verla tocar el piano en la iglesia, se vieron obligados a trasladarse al fondo para cederles sus puestos a otras personas de raza blanca. Con cerca de veinte años Nina Simone se mudaría a Filadelfia, donde empezaría a ganarse la vida dando clases de piano y como corista de algunos cantantes. Poco después comenzaría su carrera actuando en el mítico Midtown Bar de Pacific Avenue en Atlantic City. Gracias a su impresionante y desgarradora voz, Nina pronto empieza a destacar y en su primer registro "I Loves You Porgy" del compositor George Gershwin, consigue un notable éxito en las listas norteamericanas. A partir de aquí la carrera de Nina será meteórica con canciones como "My Baby Just Cares For Me", "To Be Young, Gifted and Black", "Mississippi Goddman", (canciones de claro carácter político), o multitud de versiones de otros artistas como "I Put A Spell On You", de Screamin´Jay Hawkins, "Here Comes The Sun" de The Beatles o "House Of The Rising Sun" de Dave Van Ronk. Tras otros grandes éxitos derivados de su participación en varios musicales de Broadway, su canción "For All We Know" se convertiría en otro de sus clásicos. Con un estilo que transitaba entre las influencias del gospel, el blues y el jazz, Nina Simone se ganaría el respeto y la admiración del pueblo norteamericano, denominándola la "Suma Sacerdotisa del Alma", y la cual se ha convertido en toda una leyenda y un mito de la música del siglo 20.
Axel Rudi Pell siempre ha tenido un lado romántico a pesar de su apariencia dura y su género musical y así lo ha demostrado durante muchos años con sus famosos recopilatorios titulados "The Ballads". Con más de 30 álbumes publicados entre álbumes oficiales y recopilatorios, Axel Rudi Pell es considerado uno de los grandes héroes de la guitarra neoclásica de la historia, compartiendo el podio con Yngwie Malmsteen, Jason Becker, Marty Friedman, Vinnie Moore o Tony MacAlpine. Fundador a principios de los ochenta de la banda alemana Steeler con la que publicaría cuatro discos, inició su carrera en solitario publicando su primer disco en 1989 titulado "Wild Obsession". A partir de aquí, cada cuatro o cinco álbumes, publica un recopilatorio con las baladas contenidas en esos trabajos, así como versiones de clásicos de otras bandas. Con una técnica envidiable y un talento fuera de lo común con las seis cuerdas, Axel Rudi Pell es un compositor fantástico, dando a sus canciones sentimiento, talento, emoción, romanticismo y un sonido espectacular fruto de sus exquisitas producciones.
Otra de las desconocidas bandas del rock sinfónico británico fue Jonesy, una admirable formación que bajo el embrujo de los sonidos del Mellotrón evocaron sus influencias de los primeros King Crimson. Sus protagonistas eran el trompetista Alan Bown, el guitarrista John Evan-Jones, el teclista Jamie Kaleth, el baterista Plug Thomas y bajista Gypsy Jones. Cualquiera de sus tres álbumes publicados son joyas del proto progresivo de principios de los años 70. En su álbum debut "No Alternative" (1972), sobresalían cortes como la heavy rock progresiva "Mind of the Century", la épica emotiva "Heaven" o complejas composiciones como "1958", todo ello bajo unas mordaces letras sobre recurrentes temas como la corrupción política o el medio ambiente. La fuerte personalidad del grupo y su fascinante estilo impregnado de celestiales interacciones entre las guitarras y el Mellotrón están presentes en sus siguientes dos entregas, por un lado el elaborado "Keeping Up" (1973), con sublimes momentos como la vanguardista "Critique (With Exceptions)" o la punzante "Children" y por otro lado "Growing" (1973), la ultima entrega de esta formación, en donde se derivan hacia los derroteros del jazz rock progresivo como queda patente en "Can You Get That Together", "Hard Road" o "Know Who Your Friends Are". A pesar de su visionaria propuesta y de la enorme calidad que atesoraban, no lograron el éxito deseado por lo que algún tiempo mas tarde daban por acabado su fascinante aventura musical.
Stray fueron una legendaria formación británica encuadrada en el hard rock de principios de los 70. Formada a mediados de los 60 en Londres por el cantante y guitarrista Steve Gadd, quien junto al bajista Gary Giles, al baterista Ritchie Cole y al guitarrista Del Bromham, se ganaron el respeto en el ámbito del blues rock de la capital londinense. Gracias a sus incendiarios shows lograron un contrato con Transatlantic Records con quienes publicaron el homónimo debut en 1970, un exultante disco orientado a las guitarras con aires progresivos. En "Suicide", lanzado un año mas tarde logran captar una mejor producción y pese a estar alejados de la contundencia de su primer trabajo, consiguen crear un formidable álbum de hard rock progresivo repleto de los sonidos del Mellotron y el órgano Hammond. En "Saturday Morning Pictures" (1972) el álbum que aquí nos ocupa, la banda le da mucha mas importancia a las composiciones y a los arreglos, con un mayor protagonismo de los sintetizadores, consiguiendo su crear su esfuerzo mas progresivo y melódico. Cortes como la ambiciosa "Move That Wigwam", las tintineante hard rock "Our Song" y "Leave It Out", la melódica "Queen Of the Sea" o la compleja "How Could I Forget You", cerraban su primera época con un álbum soberbio de gran hard rock británico.
Ultra es considerada una banda de culto y toda una institución en San Antonio, Texas. Su explosiva mezcla de rock sureño y hard rock, les auparon hasta el status de leyendas en esas tierras tejanas. Formada a mediados de los 70 su alineación estaba formada por los guitarristas Galen Niles y Larry McGuffin, el vocalista Don Evans, el baterista Tom Schleuning y el bajista Scott Stephens. Durante años esta formación se labro una gran reputación como banda telonera de muchas formaciones icónicas que actuaban en San Antonio y en el estado de Texas. En 1975 grabaron un mini Lp con cinco temas en donde muestran su contundente hard rock repleto de magníficos riffs a dobles guitarras con esos sonidos polvorientas y unos extendidos y sobresalientes solos, secundados por una sección rítmica demoledora, y una enérgica y poderosa voz. Lamentablemente apenas tuvieron oportunidad de grabar un larga duración de manera oficial, mas allá de este mini álbum promocional de escasa tirada y repercusión promocional, debido principalmente a la enorme cantidad de competencia que había en aquellos años dentro del genero del southern rock. Años mas tarde, el sello Monster & Rockadrome Recorsd hizo justicia reeditando este mini LP en CD, mas el añadido de otras canciones que la banda había dejado grabada para un posterior album que nunca fue publicado. En el original mini álbum sobresalían todas y cada una de las piezas incluidas; "Mustants", "Android", "Battery", "Ten Years Since" y "Lamp Black, White Flight", todas ellas unas excelentes muestras de su extraordinario hard rock tejano.
Fleetwood Mac tiene dos épocas bien diferenciadas, una primera donde el blues fue su principal género competitivo y una segunda donde predominaron los sonidos más comerciales enfocados en el rock sofisticado, sin dejar de mirar hacia las raíces de la música norteamericana. "Fleetwood Mac" es el primer álbum de la banda de este segundo período cronológico, editado en 1975 y con dos nuevos integrantes, por un lado el guitarrista Lindsey Buckingham y por otro la cantante Stevie Nicks. Con estas nuevas incorporaciones la banda sufriría un cambio sustancial en su estilo musical, abandonando la senda del blues para pasar al terreno del pop-rock con pinceladas folk, estilos que para el resto de integrantes del grupo, el baterista Mick Fleetwood, la teclista Christine McVie y el bajista John McVie eran totalmente desconocidos. Estos nuevos miembros y el cambio posterior que trajeron consigo, hicieron que el esfuerzo del giro creativo les valiera la pena de manera asombrosa en el plano comercial. Y aunque en cuanto a ventas lo mejor estaba por llegar, este disco le proporcionó al grupo su primer número uno en Estados Unidos además de altos puestos en Reino Unido. Tanto Nicks como Buckingham dieron su toque personal a la música de la banda con canciones como "Rhiannon" que aportaron una gracia etérea, mientras que el talento de la guitarra de Buckingham creó un sonido más rock en la canción de apertura "Monday Morning" y en la épica "I´m So Afraid". Todo este conjunto de canciones trajo un equilibrio con mucha habilidad a las habituales canciones de amor de la principal compositora del grupo Christine McVie, y de hecho son las canciones de esta, las que aportan la calidez necesaria como "Warm Ways" o "Over My Head". Con el paso del tiempo el álbum se ha convertido en uno de los más vendidos del grupo, alcanzando cifras millonarias y cinco discos de platino solo en los Estados Unidos.
"Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree" fue el disco que haría conocido mundialmente a Andreas Vollenweider, y aunque no es su mejor trabajo, fue el comienzo de una brillante carrera con una serie de álbumes que lo han catapultado como uno de los pioneros y máximos representantes de la nueva era. Sin embargo, habría que aclarar varias cuestiones antes de centrarnos en este músico, y es que una de las peculiaridades de la nueva era es que es un género que se abrió a artistas de diferentes orígenes geográficos. Esta particularidad difiere notablemente con respecto a otros géneros, que suelen estar vinculados a lugares concretos y desde allí se expandieron al resto del mundo. En la nueva era podemos encontrar diversidades tan lejanas como músicos electrónicos, artistas de bandas de rock que comenzaron su carrera en solitario, folcloristas de diferentes países, compositores de musicoterapia, músicos de jazz que no hacían jazz, músicos que se agobiaban por no cantar o músicos clásicos que no hacían música clásica entre muchos otros ejemplos. Todo esto acabó agrupando gaiteros irlandeses, músicos de sitar, guitarristas europeos, cantantes tibetanos, percusionistas latinos o sintetistas japoneses y casi cualquier combinación de instrumentos que exista en un mismo género. Vollenweider podría clasificarse en la categoría de músico experimental con arpa (instrumento electro acústicamente modificado), donde los sonidos pueden ir desde jazz, al pop, pasando por la música atmosférica, la música étnica e incluso música latina, con una impresionante fusión de estilos que la convierten en música de vanguardia con ciertas dosis de experimentación.
De 1981 a 1984 Vollenweider realizó tres álbumes que hoy se consideran obras maestras de la nueva era, "Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree", "Caverna Magica" y "White Winds". En 1990 se publicó el álbum doble "Trilogy", recopilación de estos tres álbumes, más una nueva composición titulada "Pace Verde" y una selección de "Eine Art Suite", el primer álbum de Vollenweider publicado en 1979 pero que sin embargo fue posteriormente descatalogado.
De las cenizas de una banda de covers de Pink Floyd, surgiría a mediados de los 90 Mostly Autumn, una ecléctica formación que bebía de las fuentes de múltiples influencias que van desde el folk irlandés hasta el rock melódico, pasando por el hard rock y el rock progresivo. Originarios de la ciudad británica de York, su principal impulsor es el guitarrista y cantante Bryan Josh, que junto a la cantante y guitarra acústica Heather Findlay, el guitarrista Liam Davison, el baterista Allan Scott, el bajista Stuart Carver, el teclista Lain Jennings, el violinista Bob Faulds y el instrumentista tradicional Kev Gibbons, publicaron su álbum debut en 1998. En esta primera entrega muestran una rica fusión de elementos vanguardistas influenciados por los mencionados Pink Floyd y Jethro Tull, enmarcados con las atmósferas celtas bajo la sensual voz de Heather Findlay. Repleto de canciones melancólicas y pastorales, creando desafiantes ambientes musicales con grandes dosis de folk, en donde los violines, las flautas, las gaitas y otros instrumentos tradicionales, son el perfecto contrapunto a las electrizantes guitarras y a las sutiles estructuras del rock sinfónico.
Con "Some Things Never Change", el décimo álbum de Supertramp, Rick Davies abraza con descaro los sonidos del jazz y del blues alejándose casi por completo de las incursiones progresivas y de los temas de pop sofisticados de su dos lanzamientos anteriores "Brother Where You Bound" y "Free As A Bird". En esta nueva grabación Davies volvería a contar con dos de sus compañeros de la era dorada del grupo, el saxofonista John Helliwell y el baterista Bob Siebenberg, complementando la formación con el guitarrista Carl Verheyen, el bajista Cliff Hugo y el cantante y guitarrista además de teclados Mark Hart, entre otros músicos adicionales. "Some Things Never Change" esta compuesto por un repertorio de exquisita producción con grandes arreglos, la mayoría de ellos tomando como base el jazz y el blues, pero en donde aun conviven los sonidos progresivos de manera sutil como queda demostrado en "It´s a Hard World", un corte con ese típico sonido orgánico de Supertramp. Otros cortes como "Live To Love You" y "Get Your Act Together", mantiene ese viejo espíritu pero de manera muy sutil. Siguiendo el patrón estilístico del éxito "Cannonball" aparece "Some Things Never Change", un corte que aporta la comercialidad justa para darle el momento vivaz y fresco al álbum. La añejas "You Win, I Lose" y "C´est What?", la jazz fusion "Sooner Or Later", la bluesy "Help Me Down That Road" o la melódica "Give Me A Change", conforman entre todas ellas un dignísimo trabajo que sin llegar en absoluto a sus excelentes trabajos de los 70, dejaban intacta la enorme credibilidad de una de las mas grandes bandas de todos los tiempos.
Durante la segunda parte de la década de los 90, Marillion habían predicado en el desierto lanzando una serie de álbumes bastante previsibles que marcarían el punto creativo mas bajo de toda su extensa discografía. Álbumes como el poco entusiasta "Radiation" (1998), el previsible pop-rock "Marillion.com" (1999) y el continuista "Anoraknophobia" (2001), dejaron cierto malestar entre sus fans mas puristas y un bajo bagaje comercial, lo que les llevaría a replantearse seriamente su futuro mas inmediato, convencidos de que por ese camino no llegaban a ninguna parte. Así las cosas, tres años mas tarde lanzaron "Marbles", un extenso doble álbum en donde se alejaban de su zona de confort para realizar uno de sus álbumes más consistentes y progresivos, rebuscando meticulosamente en sus orígenes musicales con un neo progresivo intenso y memorable. Desde épicas epopeyas progresivas como "Ocean Cloud", hasta la intensa "Neverland", pasando por la melancólica "The Invisible Man" o las conmovedoras "You´re Gone" y "Fantastic Place", muestran que aun no habían perdido la esencial musical original que había comenzado dos décadas antes. Sin embargo también hay espacio para el soft rock melódico y comercial como ocurre con las pegadizas "Don´t Hurt Yourself" o "Angelina". Con este soberbio álbum (el decimotercero), Marillion entrarían en una fase de gran creatividad, confeccionado excelentes trabajos como son los siguientes "Happiness Is The Road" (2008), "Sounds That Can´t Be Made" (2012) y "Fear" (2016).
La carrera de los germanos Eloy siempre se caracterizo por su estilo de rock progresivo grandilocuente y espacial, repleto de alusiones a la ciencia ficción y el misticismo. Sin embargo su álbum debut poco o nada le distinguen de esa orientación musical, en esta primera entrega se enfocan en los sonidos mas enérgicos y pesados del hard rock convencional. De la formación que grabaría este primer álbum, solo tres integrantes seguirán adelante después de este disco, Frank Bonermann (guitarra), Manfred Wieczorke (guitarra y voz) y Wolfgang Stöcker (bajo), mientras que el resto estaba formado por el baterista Helmuth Draht y el organista y cantante Erich Schriever. Pese a que en un principio fueron encuadrados en el krautrock, lo cierto es que su estilo estaba más cercano al hard rock británico de bandas como Uriah Heep, Atomic Rooster o Warhorse, que al movimiento alemán repleto de improvisaciones, sonidos lisérgicos y experimentaciones. Plausibles piezas como la poderosa "Today", la psicodélica "Something Yellow", la oscura y pesada "Song Of A Paranoid Soldier", la relajante "Isle Of Sun" o la hard rock groove "Voice Of Revolution", fueron parte del digno debut de una de las formaciones mas emblemáticas y famosas que surgieron de Alemania durante la década de los 70.
Formada a mediados de la década de 1960 por Zal Yanovsky y John Sebastian, The Lovin 'Spoonful fue una de las bandas de folk rock más exitosas con raíces de blues estadounidense y rivales directos de los Byrds. En 1966 publicaron su tercer disco y su mejor trabajo "Hums Of The Lovin´Spoonful", el cual contenía excelentes canciones como "Summer In The City", "Rain On The Roof" o "Nashville Cats" que convirtieron este disco en una obra fascinante de estos grandes y atemporales de la música estadounidense, que a menudo injustamente se olvidan de mencionarlos cuando se recuerdan a los grandes de la historia del rock.
En 1977 llegaría la quinta obra de los germanos Grobschnitt, para muchos una de las grabaciones progresivas mas brillantes que jamás se hayan realizado. Concebido como una obra conceptual, basada en torno a una ingenua historia de un joven inteligente a través de tierras mágicas y encontrando en ellas la sabiduría y la paz mental, en el fondo no es mas que una palpable muestra del irónico humor de esta formación alemana. En este entrega la formación compuesta por Stefan Danielak (guitarras y voz), Gerd-Otto Kühn (guitarras y coros), Volker Kahrs (teclados), Wolfgang Jäger (bajo) y Joachim Ehrig (batería y percusión), muestra su faceta mas sinfónica e intensa, con abundantes riffs y solos de guitarras, bajo unos atmosféricos sintetizadores con un concepto general que une todas sus canciones. Sin embargo también es cierto que en comparación a sus anteriores entregas, pierden algunas de sus características germinales como su extrovertida música y sus humorísticas letras, al mismo tiempo que sus efectivas guitarras hard rock aquí se tornan mas melódicas y espaciales. Pese a la ingenuidad de su historia, musicalmente presenta una fuente de creatividad inagotable, que desde la antesala que muestra el enfoque principal de la obra con la inicial "Ernie´s Reise", pasando por la entramada sonoridad sombría de "Severity Town", la aliviante y relajada "Anywhere" y la epopeya sinfónica progresiva "Rockpommel´s Land", convierten a esta obra en toda una suntuosa y esplendida muestra del rock progresivo realizado en los años 70.
A mediados de los ochenta The Moody Blues venían de hacer dos grandes discos como "Long Distance Voyager" (1981) y "The Present" (1983), por lo que cuando lanzaron "The Other Side of Life" habían estado inactivos por casi tres años. Si ya en los dos álbumes anteriores el teclista Patrick Moraz había tenido una importancia vital en el sonido final de ambos, en este ya es fundamental su aporte con el uso intensivo de teclados, por contra Ray Thomas y su sonido de flauta pierde gradualmente protagonismo en la parte instrumental y también en las composiciones que aún están en manos del dúo Hayward y Lodge. Este sería sin duda el último de los grandes discos de The Moody Blues, con un sencillo extraordinario como "Your Wildest Dreams", además de un repertorio que les seguían manteniendo como una de las grandes bandas de un altísimo nivel, digno de su pasado. Magníficas canciones como la hermosa "It May Be a Fire", la melódica y espectacular "The Other Side Of Life" o la poderosa "Rock 'n' roll Over You", demostraron que estaban en plena forma haciendo una excelente música y manteniendo el nombre de la banda a un nivel muy alto después de tantos años.
Los días 16 y 17 de diciembre de 1996 se vivió un evento histórico en el Koseinenkin Hall de Tokyo, cuando un banda formada por un súper grupo de músicos provenientes de las míticas bandas Genesis, King Crimson, Asia, Charlie y Weather Report, realizaron unos memorables conciertos que incluyeron un espectacular repertorio de algunos de los clásicos inmortales del genero progresivo. Aquella legendaria formación estaba compuesta por Steve Hackett (guitarras), John Wetton (bajo, guitarra y voz), Ian McDonald (flauta, saxo, guitarra, teclados), Chester Thompson (batería), Iron Friedman (teclados) y Julian Colbeck (teclados y voces). Esta rutilante formación acometerían una serie de miticas composiciones con una absoluta brillantez, desde clásicos de los Genesis de Peter Gabriel ("Watcher of the Skies", "Firth of Fifth" o "I Know What I Like"), hasta las tremendas "The Court of the Crimson King" y "I Talk to the Wind" de las huestes comandadas por Robert Fripp, pasando por piezas de algunos de los músicos en solitario como "Battlelines" de John Wetton, o "Riding the Colossus" y "The Steppes” de Hackett, pasando por las icónicas "Heat of the Moment" de Asia, "All Along the Watchtower" de Bob Dylan o varios temas de los Genesis post Gabriel, "Los Endos" y "...In That Quiet Earth".
Pese a ser acusados en algunas ocasiones como un mera copia de los australianos AC/DC, Krokus supieron labrarse una carrera fructífera repleta de grandes momentos que han pasado a los anales del heavy metal mundial con sobresalientes trabajos como "Metal Rendez-Vous", "Hardware", "Headhunter" o "One Vice At A Time". Si bien es cierto que sus raíces parten del enérgico y visceral hard rock de las huestes lideradas por los hermanos Young, también es cierto que ellos lo adornaron con el sonido metálico de sus guitarras y unos intrincados arreglos, convirtiendo su estilo en un heavy rock demoledor y adictivo. En 1980 esta banda suiza se consagraban definitivamente publicando su cuarto registro, este "Metal Rendez-Vous", en el cual la formación compuesta por el vocalista Marc Storace, los guitarristas Fernando von Arb y Tommy Kiefer, el bajista Chris von Rohr, el teclista Jürg Naegeli y el baterista Freddy Steady, reflejaban su plena madurez estilística con una serie de incendiarios cortes como "Heatstrokes", "Come On", "Lady Double Dealer", "Bedside Radio", o la frenética "Back Seat Rock´n´roll", las cuales contrastan con la sugestiva balada "Streamer" o la compleja "Fire". El álbum se convertiría en uno de sus mayores logros creativos y comerciales, logrando cuatro discos de platino y unas enormes ventas a nivel europeo.
Una vez terminada la relación de Roger Waters con el resto de Pink Floyd, después del álbum "The Final Cut", el guitarrista David Gilmour centro sus esfuerzos en crear su segundo álbum en solitario. Lejos de las manifestaciones políticas, o de cualquier ámbito social de Waters, Gilmour se enfocaría simplemente en mostrar su faceta de músico sin entrar en los polémicos mensajes de su ex compañero. "About Face" revela la percepción musical de un excelente guitarrista en un trabajo accesible y totalmente disfrutable. Ambientes melancólicos marcan el tono general del álbum como muestran la emotiva "Out Of The Blue" o la radiante "Love On The Air", en donde obtiene la estimable ayuda de Steve Winwwod a los teclados, que junto a otros destacados músicos como Jon Lord, Jeff Porcaro, Bob Ezrin, Roy Harper, Ray Cooper, Pino Palladino o Michael Kamen, componen la numerosa nomina de invitados en la grabación del álbum. Los guiños a su banda madre están presentes en las progresivas "Blue Light" y "Near the End", mientras que las mas previsibles a los sonidos de los ochenta "Until We Sleep" y "All Lovers Are Deranged", ponen el digno colofón a un esfuerzo mas apetecible y menos pretencioso para el oyente medio, que los entramados reivindicativos del genial pero irascible Roger Waters.
Las inclinaciones blues del guitarrista Mick Abrahams y las determinaciones jazzisticas de violinista y flautista Jack Lancaster, impulsaron el estilo de los británicos Blodwyn Pig. Formada en 1968, Blodwyn Pig fueron una de las precursoras de los movimientos vanguardistas británicos de finales de la década de los 60, fundada por el ex componente de Jethro Tull, Mick Abrahams, junto al mencionado Jack Lancaster, al bajista Andy Pyle y al baterista Ron Berg. Con su álbum debut "Ahead Rings Out" aparecido en 1969, este cuarteto mostraba su mezcla de blues, sonidos progresivos, rock pesado y jazz rock, este ultimo estilo gracias a los saxofones y flautas jazzisticas de Jack Lancaster. Este primer álbum se convertiría en todo un clásico del blues progresivo británico y a menudo es citado como una de las obras cumbres del genero. Un año mas tarde llegaba su segundo Lp, este "Getting To This", en el cual aparece como músico invitado el pianista Graham Waller. A diferencia del progresivo álbum anterior, en esta nueva entrega se orientan hacia el clásico blues rock con tonalidades experimentales y diversas, alejándose sutilmente del enfoque jazzistico, en un claro intento de expandir su paleta de sonoridades. Cortes como la rhythm and blues "Drive Me", la folk jazz progresiva "Variations on Nainos", las folk bluesy "Long Bomb Blues" y "Toys", la blues rock progresiva "San Francisco Sketches" o la jazzistica "Send Your Son To Die", supusieron ese intento fallido de expandir nuevos horizontes sonoros.
Blackfoot fue una de las mejores bandas de rock sureño de las décadas de los 70 y los 80, aunque se diferenciaban de sus coetáneos por practicar lo que ellos mismos llamaban heavy metal sureño. Compuesto por varios músicos de procedencia nativa de los navajos norteamericanos, grabarían algunas de las obras más memorables del género que tuvieron un gran impacto en América del Norte y en Europa. En 1981 publicarían su trabajo definitivo que les lleva a participar en Donington en el legendario Monster Of Rock y en el Reading junto a bandas como Iron Maiden o Def Leppard. "Marauder" era el quinto álbum de la banda, que había comenzado su carrera seis años antes con su álbum debut "No Reservations" (1975). Sin embargo, sería su tercer álbum "Strikes" el que los catapultaría definitivamente, logrando un disco de platino por sus ventas durante 1979. "Marauder" es considerado su trabajo de mayor calidad, reuniendo nueve temas todos ellos de gran atractivo como el poderoso "Good Morning", el sureño "Paying´For It", las melódicas "Diary Of A Workingman" y "Searchin´" y los potentes temas hard rock "Rattlesnake Rock´n´Roller" y "Dry County".
Pese a su desacertada producción, el segundo álbum de los alemanes Gila, es todo un documento histórico de una de las formaciones de culto del krautrock. Grabado en directo en los estudios de una radio afincada en la ciudad de Colonia en 1972, "Night Works", fue el sucesor cronológico (aunque no oficial), del monumental debut de estos germanos "Free Electric Sound", un álbum en donde mostraron un ambicioso y experimental trabajo enfocados en los sonidos psicodélicos e hipnóticos de la denominada Kosmiche Music. En esta segunda entrega la formación seguía compuesta por el guitarrista y voz, Conny Veit, el bajista Walter Wiederkehr, el organista Fritz Scheyhing y el baterista Daniel Alluno. Con un estilo claramente emparentado con el debut, aquí la formación originaria de Stuttgart, siguen la estela de los sonidos ácidos y lisérgicos de los primeros Pink Floyd liderados por Syd Barrett, con extensas jams como "The Gila Symphony", un tour de force en donde se dan cabida desde pasajes atmosféricos y alucinantes, hasta grandes interacciones entre un pesado órgano Hammond y las guitarras mordaces bajo el embrujo de una poderosa y brutal sección rítmica. Además de esta impresionante pieza, aquí aparecen memorables pasajes instrumentales como la heavy rock psicodélica “Around Midnight”, la lisérgica “Braintwist”, la hipnótica “Trampelpfad” o la atmosférica “Communication II”
El tercer álbum de los británicos Arena es uno de los más aclamados y elogiados registros del neo progresivo, una admirable obra de inteligente fusión compuesta por exuberantes melodías y un vibrante rock bajo una intrincada y apasionada musicalidad. En esta nueva entrega la banda presentaba un nuevo guitarrista, John Mitchell el cual sustituía a Keith Moore, convirtiéndose en una de las piezas fundamentales con sus riffs pesados y sus tremendos solos melódicos. A ello hay que sumarle los espeluznantes teclados del líder del grupo, Clive Nolan quien crea unas sonoridades multi capas, orquestaciones grandilocuentes y unos sintetizadores espaciales y oníricos. Por su parte la apasionada y expresiva al mismo tiempo que delicada voz de Paul Wrightson, ayuda enormemente a que este álbum conceptual refleje el porque es uno de los grandes discos del neo progresivo de la historia.
Con "X In Search Of Space", los británicos Hawkwind empezaron a aclarar su rumbo estilístico hacia el space rock psicodélico, después de un primer y difuso primer álbum. En esta ocasión las huestes lideradas por el guitarrista y cantante Dave Brock, se orientan hacia un estilo repleto de ritmos consistentes, unos poderosos riffs y sobre todo una gran cantidad de pasajes de sintetizadores atmosféricos y espaciales. Esa evolución se ve reflejada en la inicial tour de force de jazz rock psicodélico y pesado "You Shouldn´t Do That", una epopeya impulsada por un oscuro bajo, múltiples efectos electrónicos, con disonantes guitarras y unas extrañas voces, lo que la convierte en una pieza inquietante e hipnótica. Por un sendero parecido discurren las pinkfloydianas "You Know You´re Only Dreaming" y "We Took The Wrong Step Years Ago", ambas en un tono mas suave y acústico que la anterior, mientras que la gratificante "Master Of The Universe" es el momento mas accesible y pegadizo de todo el álbum. A partir de aquí y durante varios años, Hawkwind se convertirían en los amos y señores del genero del space rock, publicando una serie de obras maestras como "Doremi Fasol Latido" (1972), "Hall of the Mountain Grill" (1974) o "Warrior On The Edge" (1975).
Gurnemanz fueron una increíble formación alemana que influenciados por los sonidos del folk progresivo de sus coetáneos británicos Fairport Convention, Steeleye Span o The Pentangle, tuvieron una encomiable carrera artística lanzando tres sorprendentes álbumes en los años 70, muy apreciados por los eruditos a los sonidos semi acústicos del folk rock. Su creación data de principios de los 70 en la ciudad alemana de Bergheim, cuando se reunieron Lukas Wolfgang Scheel (guitarra, voz, mandolina, banjo, laúd); Manuela Schmitz (voz, percusión y flauta), Siegfried Bushuven (contrabajo) y Wolfgang Riedel (guitarra, voz y armónica), además de las asiduas colaboraciones del teclista Georg "Köbi" Köberlein y del percusionista Bernie Schacht. Sus dos primeras obras de carácter meramente acústico, fueron lanzadas por el sello subsidiario alemán de la Emi Electrola, esos álbumes son "Fair Margaret and sweet William" (1972) y "Spielmannskinder" (1975). En 1977 llegaría el epitafio de la banda este "No Rays Of Noise". En este tercer trabajo la bella voz de Manuela Schmitz, con su sosegada línea vocal encaja perfectamente en las atmósferas pastorales y acústicas de reminiscencias psicodélicas, letras poéticas y ambientes hippies hermosamente oníricos, todo ello bajo una gran musicalidad variada y rica en instrumentos acústicos como mandolinas, laúdes, kazoo, armónicas o flautas.
Reo Speedwagon son una de las fundamentales bandas del AOR y el rock melódico, que supieron proporcionar la conexión perfecta de esos estilos con la música norteamericana de raíces en álbumes como "You Can Tune A Piano, But You Can't Tuna Fish" lanzado en 1978. Una banda que marcaría tendencias y que en 1980, con su álbum "Hi-Infidelity" vendería la friolera de casi 10 millones de copias en todo el mundo. Un disco con un repertorio simplemente brillante, un claro ejemplo de cómo hacer música con la máxima elegancia, gran gusto y una gran cantidad de emociones intensas y gran belleza. Con esta obra multi-platino, el grupo había cambiado drásticamente su sonido, sobre todo en lo que respecta a los teclados, que los actualizaban a los tiempos que corrían por entonces, con una producción deslumbrante, "Hi-Infidelity" logro una claridad asombrosa con un resultado espectacular, con unos grandes sonidos gracias a las enérgicas guitarras y los efectos de reverberación que les dan una base sonora sobre la que desarrollan sus canciones. Sin embargo y sobre todo, destaca una de las mejores baladas de la historia; "Keep On Loving You", perfecto ejemplo de lo que se denominan "power-ballad", hermosa, intensa y poderosa, además también destacaba la preciosista "Take It On The Run", mientras que el resto mantiene un altísimo nivel, con el resultado final de un álbum tan prodigioso como efectivo del mejor AOR de enorme calidad.
La carrera de los incombustibles Bad Company dejo tras de si una reguera de grandes clásicos en forma de himnos generacionales del rock como "Can´t Get Enough", "Ready For Rock", "Rock Steady", "Sweet Lil´Sister" o "Good Lovin´ Gone Bad", temas todos ellos que los encumbraron como uno de los máximos exponentes del hard rock mundial. En 1977 la huestes lideradas por Paul Rodgers y Mick Ralphs, secundados por la portentosa sección rítmica compuesta por Boz Burrell y Simon Kirk, lanzaron su cuarto registro, este "Burnin´Sky" en el que muestran la faceta blues rock habitual pero con un mayor predominio en la potencia y en la vigorosidad de su repertorio. Los esplendorosos riffs de la guitarra de Ralphs junto a la poderosa contundencia del bajo y la batería de Burrell y Kirke, adornados por la prodigiosa voz de Rodgers dan como resultado un magnifico álbum compuesto por pesados cortes como "Heartbeat", "Burnin´s Sky", "Everything I Need" o "Too Bad", mientras que las blues "Morning Sun", "Leaving You" o "Like Water", nos deja el añejo regusto por la anterior formación Free. Pese a no lograr el mismo éxito que sus anteriores obras, "Burnin´Sky" se encamararía hasta el décimoquinto puesto en las listas norteamericanas, con mas del millón de copias vendidas a nivel mundial.
Con su quinto álbum, Iron Maiden alcanzaban la gloria de manera definitiva con un trabajo tan apoteósico como antológico. Basado en la cultura egipcia, la huestes liderada por el bajista Steve Harris, secundada por el dúo galopante de sus guitarristas Dave Murray y Adrian Smith, la portentosa batería de Nicko McBrain y la estratosferica voz de Bruce Dickinson, lograron crear una de las obras definitivas del heavy metal épico y progresivo. Repleto de velocísimos ritmos con asombrosas instrumentaciones de intricadas guitarras, grandes estribillos y una sección rítmica brutal, se van sucediendo canciones como las vertiginosas "Aces High", "2 Minutes to Mignight", "Flash of the Blade", "Back in The Village" o "The Duellists", todas ellas bajo una intensidad sobrecogedora e infernal. En la instrumental "Losfer Words (Big´Orra)", comienzan esos sonidos arabescos de gran potencia y de considerable vigor. Llegados a este punto la icónica formación británica muestra su faceta mas compleja y progresiva presentando las descomunales "Powerslave" y "Rime of the Ancient Mariner", la primera de ellas una de las mas pesadas y oscuras que la banda haya hecho jamás, una inquietante y malvada mini epopeya dinámica alucinante y la segunda una épica composición con múltiples dinamismos rítmicos, que van desde melodías reposadas, hasta oscuras progresiones aterradoras de fulgurantes ritmos escalofriantes. "Powersalve" es sin duda uno de los picos creativos del heavy metal y de la música rock del siglo 20.
.jpg)
