Bloody Mary-Bloody Mary (1974)

Bloody Mary fueron una banda neoyorquina bastante oscura y olvidada hoy en día, que en su momento fueron comparados con otras bandas coetáneas como Bloodrock o Bull Angus, de las cuales ya hemos hablado anteriormente en varias entradas de este blog. Su estilo hard rock estaba bañado de mucha interacción de guitarras y teclados, y pese a que no inventaron nada nuevo, si obtuvieron cierto prestigio en el área de Nueva York gracias a sus incendiarios directos. Grabado en los Ultra Sonic Studios de Nueva York en 1974, este primer y único álbum de Bloody Mary mostraba unas composiciones de gran nivel creativo con unas voces armoniosas y un gran talento instrumental por parte de toda la banda. Cortes como las pesadas hard rock "Dragon Lady" y "Can You Feel It (Fire)", son junto a la funky "Highway", la acústica con grandes armonías vocales "Riddle of the Sea" o la jazzistica "You Only Got Yourself", lo mas destacado de un buen álbum nada innovador, pero si altamente disfrutable para los fans del hard rock pesado de principios de los 70.

Far Out-Nihonjin (1973)

Far Out fueron la germinal banda que posteriormente se convertirían en Far East Family Band, una de las precursoras del rock progresivo japonés de principios de la década de los 70. Esta formación fue creada por el guitarrista, teclista, productor y arreglista, Fumio Miyashita, el también guitarrista y teclista, Eiich Sayu, el bajista y sitar, Kei Ishikawa y el percusionista, Manami Arai. No seria hasta 1973 cuando bajo el sello Denon lanzaron su único álbum “Nihonjin”, el cual constaba de dos largas suites influencias por los sonidos atmosféricos y psicodélicos de los primeros Pink Floyd, grandes dosis de ambientes underground y una gran influencia de la música hindú y japonesa. La primera suite “Too Many People”, es una epopeya musical que va transcurriendo desde momentos pausados e hipnóticos, hasta pasajes arrolladores de rock pesado y oscuro, con unas percusiones fascinantes. La agresiva y dinámica proto-prog, con reminiscencias de la música folklórica japonesa “Nihonjin”, es la segunda suite, en donde los instrumentos tradicionales orientales son protagonistas durante muchos de sus pasajes instrumentales, convirtiendo este extenso tema en una especie de trance vanguardista.

Michael Hedges-Aerial Boundaries (1984)

"Aerial Boundaries", el segundo disco del guitarrista Michael Hedges, está considerado todo un clásico contemporáneo orientado a la guitarra acústica. Lanzado en 1984 y publicado por el prestigioso sello Windham Hill, además de ser uno de los más vendidos de este sello discográfico, fue nominado al premio Grammy como mejor grabación de aquel año. Aparte de Michael Hedges (guitarra acústica), también colaboran el bajista Michael Manring y la flautista Mindy Rosenfeld. Este álbum contiene todos los elementos que definen el estilo y la música de este guitarrista, una virtuosa técnica, unas ingeniosas composiciones y su continua busca de nuevas sonoridades, entre el vanguardismo y la experimentación. Como consecuencia de todo ello, este álbum es tan revolucionario como accesible. Lamentablemente la vida de Michael Hedges se vio truncada un 2 de diciembre de 1997, al fallecer tras un accidente automovilístico en el Condado de Mendocino, en California. Tras su muerte su álbum "Oracle", ganaría el premio Grammy a modo póstumo, al mejor álbum de la música New Age del año 1997.

Queen-The Works (1984)

La década de los ochenta había comenzado para Queen facturando el aceptable “The Game”, el cual fue pasto de las críticas tanto de sus fans como de la prensa en general. Sin embargo lo peor estaba por llegar con sus siguientes dos lanzamientos, los mediocres y poco creativos “Flash Gordon” y “Hot Space”, los cuales fueron menospreciados por una gran parte de sus fans, en un momento en donde la popularidad de Queen había sucumbido de manera alarmante. Llegados a este punto la banda tuvo que replantearse el volver a conquistar el éxito de sus obras de los 70. La respuesta vino de la mano de su onceavo álbum, “The Works”, el cual de alguna manera recuperaba la confianza de sus fans en un álbum que contenía algunos de sus temas mas emblemáticos como “Radio Ga Ga” y “I Want To Break Free”, dos cortes de pop rock adictivos que en directo transmitían una gran vitalidad. Además de estas dos aparecen otros cortes de gran merito como la hard rock “Hammer To Fall”, la medio tiempo “It´s A Hard Life” o la lacrimógena “Is This The World We Created...?”, mientras la rockabilly “Man On The Prowl”, la techno pop “Machines (Back To Humans) o la operística pop “Keep Passing the Open Windows”, restan cierta credibilidad al resultado final del álbum. Pese a ser un trabajo poco coherente, “The Works” fue un tímido regreso a sus raíces, con el cual volvieron a recuperar el éxito comercial, logrando ocho discos de platino y unas ventas que superaron los dos millones de copias a nivel mundial.

George Benson-Breezin' (1976)

"Breezin´" fue el primer álbum de George Benson para la Warner que alcanzaría el número uno en las listas del pop, el jazz y el rhythm and blues. Lanzado en 1976, "Breezin´" fue cronológicamente su decimoquinto álbum, un lanzamiento que le otorgó a George Benson una verdadera fama a nivel mundial. Aquí el guitarrista fusiona inteligentemente su característico estilo de rhythm and blues, con el funk, el jazz fusión y la música mainstream. Certificado como multiplatino y ganador del premio Grammy a la mejor interpretación instrumental, este es uno de los álbumes de jazz más exitosos de la historia. El grupo que acompañaría a Benson en este álbum estaba compuesto por Ronnie Foster (teclados), Harvey Mason (batería), Ralph McDonald (percusión), Jorge Dalto (piano), Phil Upchurch (guitarra rítmica) y Claus Ogerman (arreglos orquestales). El álbum al completo es toda una delicia instrumental, con un repertorio compuesto por canciones pegadizas de smooth jazz como la que da título al álbum, o las seductoras "The Masquerade", "Six To Four", "Affirmation", "Lady" y "So This Is Love".

Jane-Fire, Water, Earth & Air (1976)

Luego de varios álbumes orientados al rock clásico con elementos de blues y soul, ("Jane III" y "Lady"), los alemanes Jane volvieron a la senda progresiva con su quinto lanzamiento, este "Fire, Water, Earth & Air" publicado en 1976. En este nuevo trabajo la banda recupera las sensaciones de sus dos primeros álbumes repletos de sonidos de órgano Hammond y unas dramáticas y efectivas guitarras. Esas características de Jane están perfectamente representadas en la epopeya canción que da titulo al álbum, en la cual el protagonismo del guitarrista Klaus Hess es secundado por el omnipresente órgano de Werner Nadolny en una pieza tremendamente progresiva. La rock "Earth (Angel)" y la pinkfloydiana "Air (Let The Sunshine)+ The End" cierran un álbum de excelente musicalidad, considerado uno de los grandes álbumes del rock progresivo melódico de los años 70.

Ugly Custard-Ugly Custard (1971)

Otra de esas bandas que con solo un álbum publicado se convirtieron en una de las legendarias formaciones olvidadas fueron Ugly Custard. Este cuarteto originario de Londres, estaba formado por el bajista Herbie Flowers, el baterista Clem Cattini, el organista Roger Coulham y el guitarrista Alan Parker. Su propuesta estaba orientada en un poderoso jazz rock pesado con influencias psicodélicas, con gran virtuosismo instrumental fundamentado en el organo Hammond y en la guitarra. Su único lanzamiento, totalmente instrumental, fue lanzado en 1971 y en el se incluyen unos audaces ritmos y unas contenidas improvisaciones. Cortes repletos de sonidos jazzisticos con complejas estructuras están presentes en todo el repertorio, a veces con sonidos grandilocuentes pero no exentos de cierta auto indulgencia. Desde la inicial y experimental “Scarboro´ Fair”, hasta la bluesy “Never In A Blues Day”, pasando por una enérgica versión del tema de Led Zeppelin “Babe, I´me Gonna Leave You”, o la jazzistica “Hung Upside Down”, Ugly Custard muestran una enorme originalidad facturando un sorprendente álbum de sonidos vanguardistas.

Kitaro-The Light Of The Spirit (1987)

"The Light of the Spirit" (1987), es uno de los trabajos mas conocidos del compositor y multiinstrumentista nipón Masanori Takahashi, conocido mundialmente como Kitaro. Este genial músico siempre ha buscado crear una música contemplativa, basando su idea en la comunión con el entorno que lo rodea, repleto de misticismo e intimidad, con el resultado de sonidos impregnados de relajación y una gran trascendencia espiritual. Sin embargo, y aunque su música siempre está sumergida en ambientes y contenidos muy profundos, también lo es que es bastante accesible al oyente medio. En este trabajo Kitario navega entre diversas sonoridades como el progresivo espacial de "Mysterious Encounter", paisajes sonoros relajantes y evocadores con "The Field", acercamientos sutiles a ambientes mas tradicionales "The Light of the Spirit", grandilocuentes piezas "In the Beginning", dulces armonías melódicas "Moondance" o poderosos cortes entre lo medieval y los sonidos épicos "Howling Thunder" y "Journey to a Fantasy".

Steve Hackett-Please Don´t Touch! (1978)

La falta de peso especifico en las composiciones que Steve Hackett propuso en su época como miembro de Genesis, le  llevaron finalmente a darse por vencido y abandonar la nave después del álbum "Wind & Wuthering", para concentrarse principalmente en su carrera en solitario. Eran años en los que no eran muy favorables para el género progresivo, después de la gloriosa primera mitad de los años 70, cuando era junto al hard rock el movimiento mas exitoso seguido por millones de fans alrededor del mundo. Muchos grupos y artistas tuvieron que reinventarse y barajar nuevos horizontes para poder sobrevivir en un mundo musical tan cambiante y dinámico. Y fue en este complejo contexto cuando Steve Hackett, rodeado de un variado y extenso grupo de músicos, lanzó su segundo álbum, "Please Don't Touch!". Alejandose sutilmente del progresivo "Voyage of Acolyte", su álbum debut, Hackett se decidió por seguir un camino que reflejara sus inquietudes musicales más allá de las repercusiones comerciales que esto podría implicar, algo que sería claramente opuesto a la de sus antiguos compañeros de banda. Entre ese extenso grupo de colaboradores sobresalen el cantante de Kansas, Steve Walsh, el mítico Richie Havens, la cantante de rhythm and blues, Randy Crawford, el batería de Kansas, Phil Ehart o el baterista de sesión, Chester Thompson, entre otros muchos mas. Desde la alegre y sobria “Narnia" con la distintiva voz de Walsh, este segundo álbum se desarrolla sobre diversos paisajes sonoros y texturas que incorporan reminiscencias a su ex banda de manera muy sutil con “Carry On Up The Vicarage”, melancólicas canciones “How Can I”, agradables cortes de art pop; “Doping Love Will Last” o ardientes instrumentales como la canción que da titulo al álbum.

Specials-Specials (1979)

Specials fueron el más importante grupo del ska británico. Ellos son pioneros en ese género musical jamaicano al adaptarlo a los sonidos de beat pop, el punk y los ritmos bailables, además de mostrar una imagen influenciada por la moda de los años 60, creando con todo ello un estilo original y desenfadado. Fundados en 1977 en la ciudad de Coventry, su núcleo estaba formado por Jerry Dammers (teclados), Sir Horace Gentleman (bajo) y Lynval Golding (guitarra), bajo el nombre inicial de Coventry Automatics. Algún tiempo después se les unirían otros músicos como Roddy Radiation, Neville Staples y Terry Hall, conformando de esta manera el grupo original que pasaría a denominarse Specials. Una brillante actuación como teloneros de The Clash en 1978, llamaría poderosamente la atención del público en general y de la crítica del momento. Sin embargo deciden no firmar por ninguna compañía discográfica y crean la suya propia; 2-Tone, la cual contrataría casi todos los grupos británicos de ska durante los siguientes años. En 1979 bajo la producción de Elvis Costello, Specials lanzaron su álbum debut "Specials", logrando un disco de oro gracias a canciones como "Monkey Man" y "A Message To You Rudy". En 1980 llegaría la explosión ska y con ello nuevos éxitos. El segundo álbum "More Specials", logra colocarse en el top five británico y canciones como "Enjoy Yourself", "Do Nothing", "Stereotypes" o "Rat Race", escalan las listas, otorgándoles su segundo disco de oro. Tras otro álbum que apenas tuvo mucha repercusión, las tensiones dentro de la banda afloraron poco a poco y algún tiempo después, terminan por disolverse, hasta años más tarde cuando regresaron pero ya muy alejados del interés mediático de antaño.

Cain-A Pound Of Flesh (1975)

Aquí tenemos todo un clásico álbum de hard rock del medio oeste norteamericano, mas concretamente de Minneapolis. Este es uno de esos discos que contiene todos los ingredientes para triunfar masivamente, pero como ha ocurrido en otras tantas ocasiones, este se quedaría en el camino pasando totalmente desapercibido al competir en su momento con cientos de bandas y álbumes con mucha mas repercusión y mas gancho comercial. En general el debut de esta banda es una excelente muestra del mejor hard rock de mediados de los 70. Liderados por el virtuoso guitarrista Lloyd Forsberg y el talentoso vocalista Jiggs Lee, mas la sección rítmica compuesta por el bajo Dave Elmeer y el baterista Kevin DeRemer, esta banda confecciono un álbum repleto de rutilantes canciones como la épica "All My Life", la cual muestra cierta orientación pomposa y progresiva o las potentes hard rock "Katy" y "Badside". Sin llegar a las excelencias de estas ultimas, el resto esta compuesto por atrayentes cortes como "Queen Of The Night", "South Side Queen", "Born of The Wind" o "Heed The Call". Dos años mas tarde Cain lanzaron su segundo álbum "Stinger", e incluso dejaron grabado el suficiente material para un tercer trabajo que nunca fue publicado hasta muchos años después, cuando fue reeditado oficialmente por el sello Monster Records. Unos años mas tarde, casi a finales de los setenta, esta legendaria banda se desintegraría definitivamente, dando así por acabada su efímera y malograda carrera 

Amazing Rhythm Aces-Stacked Deck (1975)

Otra de las innumerables de bandas del country norteamericano de los años 70, son Amazing Rhythm Aces, una formación que fusionaron ese estilo sureño con otras orientaciones como el rhythm and blues, el gospel o el folk. Sus orígenes datan de principios de los setenta en la ciudad de Memphis, cuando el baterista Butch McDade y el guitarrista y cantante Russell Smith, ambos músicos de diferentes bandas locales, deciden crear una banda para lo cual reclutaron al bajista Jeff Davis y al guitarrista Danny Kennedy. Durante varios años actúan por los estados de Alabama y Tennessee y pronto son requeridos por el cantante de country, Jesse Winchester como grupo de apoyo. Algún tiempo mas tarde y con varios cambios de formación, y bajo el nombre definitivo de Amazing Rhythm Aces, graban su primer álbum "Stacked Deck" (1975), en los míticos estudios de Sam Phillips en Memphis. El álbum se convirtió en un éxito inmediato gracias al impulso de su exitoso sencillo, "Third Rate Romance". Pero además de esta canción aquí destacan la melodía country gospel “Life's Railway to Heaven”, la funky “Ella B”, la contundente “Hit the Nail on the Head”, la conmovedora “The Beautiful Lie” o la nostálgica “King of the Cowboys”. Con el lanzamiento de "Stacked Deck", los Amazing Rhythm Aces comenzaron a ascender en las listas de música country y pop, abriendo conciertos para el gran Jimmy Buffett o compartiendo escenario con emblemáticas bandas como Fleetwood Mac. En 1976, los Amazing Rhythm Aces fueron nominados al Grammy como Mejor Artista Nuevo del Año. Y un año después, ganaron el Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Country de un Dúo o Grupo por "The End Is Not In Sight", una canción de su segundo álbum, "Too Stuffed To Jump", lanzado en 1976.

Dust-Dust (1971)

Dust fueron un power trío norteamericano que lanzaron dos buenos álbumes enfocados en el blues rock lisérgico de principios de los 70. Liderados por el guitarrista Richie Wise, cerraban la formación el baterista Marc Bell y el bajista Kenny Aaronson, esta banda fue apadrinada por el cazatalentos y productor Kenny Kerner, el cual algunos años mas tarde seria el encargado de producir los primeros álbumes de Kiss. Su debut homónimo fue lanzado en 1971 y en el se pueden escuchar intensos blues rock y enérgicos hard rock como "Chasin´Ladies", "Stone Woman", "Love Me Hard" o "From A Dry Camel", esta ultima una epopeya psicodélica que la convierte en el punto álgido de este sobresaliente y olvidado álbum. Un año mas tarde la banda lanzaría su epitafio "Hard Attack", en el cual seguía manteniendo esa bravura estilística pero que sin embargo no lograrían el éxito deseado. En 1978 el baterista Marc Bell pasaría a engrosar los míticos The Ramones, cambiando su nombre por el artístico Marky Ramone, con los que permanecería hasta 1997.

Geordie-Don´t Be Fooled By The Name (1974)

Geordie son más conocidos por albergar durante años al futuro vocalista de AC/DC, Brian Johnson, que por su interesante carrera artística. Sin embargo esta banda formada a principios de los 70, publicó cuatro meritorios álbumes en el periodo comprendido entre 1973 y 1978, e incluso llegaron a ocupar los primeros puestos de las listas de éxitos gracias a varias de sus canciones. Su formación más notable estaba compuesta por Vic Malcolm (guitarra), Brian Gibson (batería), Tom Hill (bajo) y Brian Johnson (voz). En 1972 obtuvieron bastante relevancia gracias a la canción "Don't Do That" y unos meses después saldría a la venta su primer larga duración "Hope You Like It". Geordie se movían entre el hard rock y los elementos del glam rock, muy emparentados con el estilo proletariado de Slade, de hecho una de sus giras más aclamadas fueron teloneando a los propios Slade por el Reino Unido. Igualmente abrieron conciertos para otra de las formaciones emblemáticas del rock británico como fueron Sweet en 1973. Casi a mediados del siguiente año lanzaron este "Don´t Be Fooled By The Name", bajo el sello EMI, con una portada realizada por el prestigioso fotógrafo Mick Rock, un asiduo colaborador de artistas como Lou Reed, Queen o David Bowie. Tras esa impactante cubierta, donde los integrantes del grupo posan como unos gangsters de Chicago de los años veinte, se muestra un repertorio arrollador y vibrante como queda patente en las potentes hard rock "Goin´Down", "So What" y "Got to Know", o una excitante versión del clásico "House of the Rising Sun", además de la trepidante heavy rock "Ten Feet Tall", la psicodélica "Little Boy" o la mini epopeya "Mercenary Man".

The Doobie Brothers-The Captain And Me (1973)

En 1972 The Doobie Brothers habían logrado un éxito arrollador con su segundo álbum “Toulouse Street”, en el cual la banda californiana ampliaba el country y folk rock melódico de su debut, aderezándolo con rhythm and blues y pinceladas de rock duro como demostraban cortes tan brillantes como “Listen to the Music”, “Rockin´ Down The Highway” o “Jesús Is Just Alright”. Un año después The Doobie Brothers consigue un éxito aún mucho mayor con su tercera entrega, este “The Captain and Me”, en el que le ortorgan un mayor protagonismo a los modernos teclados y sintetizadores, los cuales dan una mayor profundidad instrumental a su sonido blues, country y rock. La formación que grabaría este tercer álbum seguía siendo la misma que su predecesor, liderada por el guitarrista Tom Johnston, el guitarrista y teclista Patrick Simmons, el bajista Tiran Porter, y los bateristas y percusionistas John Hartman y Michael Hossack, además de la colaboración del teclista de Little Feat, Bill Payne, y el guitarrista de Steely Dan, Jeff Baxter, mientras que en los controles de producción estaba Ted Templeman, uno de los grandes productores norteamericanos. El álbum al completo presenta un alarde de lucidas composiciones como las adictivas y pegadizas “Long Train Runnin´” y “China Grove”, mientras que su sonido de raíces esta presente en la bluesy “Dark Eyed Cajun Woman”, las rock “Without You” y “Evil Woman”, las folk rock “Clear as the Driven Snow” y “South City Midnight Lady” o las country rock “Ukiah” y “The Captain and Me”. Con este tercer trabajo lograrían un séptimo puesto en el US Billboard y mas de dos millones de copias vendidas, un logro que irían repitiendo e incluso superando con sus siguientes lanzamientos durante el resto de la década de los setenta. 

Livin´Blues-Hell´s Session (1969)

Los holandeses Livin´Blues son una de las formaciones mas formidables de su país, considerada toda una de las referentes del estilo en el viejo continente. El continuo ir y venir de integrantes bajo la tutela del guitarrista Ted Oberg, el único miembro estable durante toda la carrera del grupo, ha sido una constante de Livin´Blues. Dos años después de su formación, lograron firmar un contrato con el sello Phonogram y lanzaron su primer Lp "Hell's Session". Este debut es un aclamado álbum de poderoso blues, con el cual los holandeses pronto rivalizaron con las coetáneas bandas británicas Savoy Brown, Fleetwood Mac o John Mayall y sus Bluesbreakers. La primera encarnación oficial de Livin´ Blues estaba compuesta por Ted Oberg (guitarra), Nicko Christiansen (guitarra y voz), Henk Smitskamp (bajo) y Cesar Zuiderwijk (batería). Bajo la supervisión del productor Jaap Eggermont, y distribuido por la subsidiaria holandesa Phillips, este primer álbum es un fantástico ejemplo del movimiento blues holandés de finales de los sesenta. Incendiarias canciones como "Waitin´ On You", contrastan con otras de carácter folk blues como "Big Black Train" y "Bowlegged Woman", el boogie blues "Hell´s Sessions" o los cadenciosos blues lentos "One Night Blues", "Black Panther" y "Worried Dreams".

Larry Coryell-Barefoot Boy (1971)

Larry Coryell fue un maestro y pionero del jazz rock, el navego entre todos los estilos conocidos, como el rock, el jazz, el blues, el post bob, la world music, el folk e incluso la música clásica contemporánea. Durante mas de cincuenta años perteneció o colaboro con las mejores formaciones del jazz rock y su incomparable estilo con su guitarra le llevo a ser considerado uno de los mas grandes del siglo 20. Aunque su carrera había comenzado mucho antes, no seria hasta 1967 cuando lanzo su primer álbum en solitario, a partir de aquí tanto en solitario como junto a su banda The Eleventh Tour, publicaría mas de medio centenar de álbumes, muchos de ellos considerados unos clásicos del genero del jazz rock. En 1971 publicaba una de sus obras mas emblemáticas "Barefoot Boy", en donde mostraba su original estilo, en un álbum que contenía tres largos cortes empezando por la versión del guitarrista y compositor húngaro Gabor Szabo "Gypsy Queen", en donde Coryell muestra su admiración por Hendrix con un experimental jazz rock vigoroso y vanguardista. En "The Great Escape", la música se torna mas funk pero siempre conservando el estilo del jazz rock con acercamientos a los sonidos psicodélicos. La suite "Call To The Higher Consciousness" es el momento mas jazzistico de esta entrega, con diferentes estados de animo donde la guitarra deja espacio en muchos momentos para el lucimiento del piano eléctrico tocado por Michael Mandel, el baterista Roy Haynes y el saxofonista Steve Marcus, conformando entre todos una memorable epopeya del mejor jazz rock.

Paul Butterfield´s Better Days- It All Comes Back (1973)

En 1970, el cantante y armonicista Paul Butterfield, disolvía su banda cansado de las interminables giras, rompiendo al mismo tiempo con su discográfica Elektra. Durante algún tiempo, Butterfield vivió en la comunidad hippie de Woodstock, la cual seguía siendo un Edén paradisíaco para los músicos norteamericanos. Ya en 1971 formaría un nuevo grupo, al que llamaría Better Days, para el cual reclutó al guitarrista Amos Garrett, al baterista Chris Parker, al bajista John Kahn y al organista Merl Saunders. Con esta alineación, más alguna otra incorporación, grabaron el homónimo "Better Days", bajo el sello Bearsville. Este disco le devolvería a Butterfield el fervor del publico y de la critica. Un año más tarde lanzaron el segundo y último esfuerzo discográfico con "It All Comes Back", un trabajo de vibrantes y enérgicas piezas blues como "Too Many Drivers", la rhythm and blues "Small Town Talk", las abrumadoras "Take Your Pleasure Where You Find It" y "It's Getting Harder to Survive" o las blues rock "Win Or Lose" y "Louisiana Flood". Pese a que el ritmo en este segundo disco es algo más relajado que su predecesor, sigue conservando la estelar maestría de Paul Butterfield, uno de los mejores y fundamentales bluesman blancos de la historia.

Various Artists-Imprescindibles de la New Age (IV)

Various Artists-Polar Shift (1991) Con este recopilatorio el sello Private quiso centrar la atención del mundo en la necesidad de proteger el delicado ecosistema de la Antártida. Musicalmente aquí nos encontramos con magníficas piezas de compositores y músicos de gran renombre como Yanni, el guitarrista de Yes, Steve Howe, Enya, Kitaro, Suzanne Ciani, Vangelis, Chris Spheeris o Paul Voudouris. Sin duda una música para ver el sol de medianoche y para observar las luces de la aurora polar. 

Mannheim Steamroller-Fresh Aire 7 (1990) El séptimo trabajo de los norteamericanos Mannheim Steamroller, está relacionado con el número 7, una increíble grabación con espléndidas piezas dedicadas a los siete mares, los siete colores del arco iris, las siete estrellas de la Osa Mayor o los siete chakras del cuerpo humano. 

Craig Chaquico-Acoustic Highway (1993) El primer álbum del guitarrista de Jefferson Starship, es toda una declaración de intenciones sobre su manera de ver el smooth jazz instrumental y los sonidos ambientales impulsados por su extraordinario talento con las seis cuerdas. 

Blonker-The Tree Of Life (1993) El exquisito estilo de este guitarrista alemán ha dejado tras de si grandes discos de jazz rock y elegantes lienzos orientados a la música más ambiental con influencias swing como este que aquí nos ocupa. 

Varios Artistas-Musica Sin Fronteras Vol.1 (1991) Estamos ante uno de los mas aclamados recopilatorios de la música new age de los años noventa. Una selecta selección de piezas de artistas como Wim Mertens, Lito Vitale, Michael Nyman, Philip Glass, Vangelis o The Bulgarian Voices Angelite. 

Wim Mertens-Educes Me (1988) Uno de los artistas icónicos de llamado minimalismo, nos deja una de sus obras más emblemáticas con piezas como "No Plans, no projects", sin duda una de las obras cumbres del generó.

Roy Buchanan-You´re Not Alone (1978)

A finales de los setenta Roy Buchanan estaba tratando de buscar un enfoque que equilibrara sus raíces blues con un plus más comercial. Por aquella época el guitarrista originario de Arkansas estaba siendo inspirado por la fascinación con todo lo relacionado con el espacio, aprovechando la repentina atracción que recorría todo el país con todo lo relacionado con el tema. En 1978 llegaría su séptimo álbum en el cual desde la icónica portada dejaba entrever todo lo antes mencionado, además de contener una serie de cortes atmosféricos y espaciales más cercano al rock progresivo que a su habitual blues rock. Desafortunadamente el público no supo ver el esfuerzo del guitarrista al ampliar sus horizontes musicales y pese a la creatividad de esta nueva entrega, supuso un paso atrás en su carrera. Sin embargo el refinamiento y la complejidad instrumental mostrada aquí si obtuvo alabanzas por parte de los críticos de la época, los cuales si mostraron cierto entusiasmo calificándolos como álbum de enorme calidad. Cortes como las versiones de Joe Walsh “Turn To Stone” y la de Neil Young “Down By The River”, interpretadas con el sello característico de Buchanan más el plus de los temas atmosféricos con sintetizadores, le dieron mucha credibilidad y cohesión a este trabajo. Esa combinación de la guitarra de Buchanan con los sintetizadores y efectos de sonido están presentes en la inicial “The Opening…Miles from Earth”, y en las siguientes “Fly…Night Bird” y “You´re Not Alone”, mientras que “Supernova” o “1841 Schuffle”, muestran el clásico sonido de su particular estilo blues tan reconocido en el mundo del rock.