Toto-IV (1982)

En 1982 la banda californiana Toto publicaba su cuarto álbum, el cual titulado genéricamente "IV", lograría a darle al grupo un tremendo éxito después de dos lanzamientos menores como son  "Hydra" y "Turn Back", que creativa y comercialmente estuvieron muy alejados del apoteósico debut homónimo lanzado cuatro años antes. Grabado con la misma formación de los anteriores lanzamientos; Steve Lukather (guitarras, voz, teclados), David Hungate (bajo), Jeff Porcaro (batería), Steve Porcaro (teclados y voz), David Paich (teclados y voz) y Bobby Kimball (voz). Con "IV" lograron el cenit creativo gracias a irresistibles canciones de pegadizo rock melódico como las inmortales "Africa", "Rosanna", "I Won´t Hold You Back" o las atractivas "Make Believe" y "We Made It". Por otro lado las hard rock "Afraid of Love" o "Lovers in the Night", son en cambio los momentos mas complejos y que junto a la jazzistica "Good for You", lo mas destacado de un brillante trabajo que lograría mas de diez millones de discos vendidos alrededor del mundo. 

Asia-Aria (1994)

En 1994 Asia, liderados por Geoff Downes y John Payne, confirmaba la tendencia del hard rock melódico de su predecesor trabajo publicando su quinto álbum titulado "Aria", sin duda el lanzamiento más pesado y enérgico de todo lo hecho hasta esos momentos. A pesar de que ya apenas queda resquicio de los primeros Asia, los teclados de Downes aun tiene la suficiente personalidad para otorgar a este nueva entrega el típico sonido de la banda. Además de Payne (bajo, guitarras y voz) y Downes (teclados), aquí la banda estaba formada por el baterista Michael Sturgis y el guitarrista Al Pitrelli, este ultimo sin duda el principal artífice de la contundencia y la vigorosidad del repertorio. Con otra espectacular portada diseñada por Roger Dean, en "Aria" sobresalen desde añejas piezas con el sonido inconfundible de sus primeros trabajos "Sad Situation", hasta cortes orientados al enérgico rock como “Anytime”, "Military Man", "Don´t Cut The Wire", "Are You Big Enough?" o "Remembrance Day", atronadoras baladas "Feels Like Love", pasando por tímidos acercamientos a los sonidos progresivos con "Desire" o la canción que da titulo al álbum. Pese a que "Aria" no lograría superar la creatividad de sus álbumes "clásicos", sigue siendo uno de los trabajos más coherentes y sólidos de toda la discografía del legendario combo británico.

Peter Hammill-In Camera (1974)

Muy a menudo cuando Peter Hammill publicaba un nuevo álbum en solitario muchos se preguntaban si este era realmente un nuevo lanzamiento de su banda madre Van Der Graaf Generator o uno suyo. Esa duda quedaría reflejada por ejemplo en su cuarto álbum, este "In Camera", en el cual incluso como ya había sucedido en sus anteriores registros, aparecían algunos miembros de VDGG. En esta ocasión Hammill vuelve a mostrar su gran creatividad componiendo una increíble serie de piezas oscuras y dramáticas, utilizando para ello el uso intensivo de los sintetizadores y el Mellotrón interpretados aquí por David Hentschel, y una gran pasión intelectual con reflexivas confusiones existencialistas. Rememorando pasajes del álbum de VDGG "Pawn Hearts", emergen la enojada "(No More) The Sub-Mariner", la filosófica "Fain-Heart and the Sermon" o la aterradora "Gog". En "In Camera", Hamill va narrando musical y líricamente una sucesión de espeluznantes sonidos, desde lo gótico hasta lo tribal, todo ello matizado por contrapuntos electrónicos. Toda esa inquietud se ve maravillosamente reflejada en el tour de forcé final "Magog (In Bromine Chambers)", en donde el cantante explora la psicología humana. Sin embargo hay momentos mas terrenales y de fácil asimilación, y en ese contexto aparecen la acústica "Ferret and the Featherbird", la pastoral "Again" y la juiciosa "The Comet, The Course, The Tail". Sin duda,con esta obra Peter Hammill volvió a desafiar todo lo establecido con otro álbum no apto para el gran público.

The Ugly Guys-Still Twenty/Five In Your Head (1978)

Otra olvidada banda de southern y country rock son The Ugly Guys, aunque esta a diferencia de casi todas las del genero, ellos eran británicos. Sus inicios se remontan a principios de los setenta cuando fueron una de las bandas más populares en el crecimiento de la escena del pub rock de Londres y sus alrededores. "Still Twenty-Five In Your Head" fue el quinto lanzamiento de estos británicos, en el cual ofrecen una música que bebe de las raíces del folk, el country, el bluegrass y el rock sureño norteamericano. Canciones como "Where Did It Alla Go Wrong", "Rose Tattoo", "Late Great Golden State" o "White Line Fever" están todas impregnadas de los polvorientos sonidos del sur y del llamado roots rock con sabor nostálgico.

Pacific Gas & Electric-Are You Ready (1970)

Bajo el nombre de Pacific Gas & Electric, se esconde un gran bluesman y rockero llamado Charlie Allen, el verdadero impulsor de este cambiante grupo, que pocas veces a lo largo de su carrera mantuvo una configuración definida, aunque sea la mas conocida la que lograría su mayor impacto comercial y uno de los grandes temas de los 60 como es “Are you Ready”.
Esta banda fue creada en 1967 por Allen como su impulsor, líder y único miembro, que permaneció en toda la carrera del grupo.
Constituida por excelentes músicos, fue una de las primeras formaciones interraciales, y estaba formado además de Allen como cantante, por el batería Fran Cook, ex componente de Canned Heat, Tom Marshall a la guitarra rítmica, el bajista Brent Block y el virtuoso guitarrista Glenn Schwartz.
Una perfecta mezcla de blancos y negros daban un toque exótico a la banda que actuaban en la zona de los Ángeles, hasta que fueron contratados por el sello Kent que les produce su primer álbum "Get It On”, una obra musical que pasó desapercibida y que tuvo poca repercusión en su momento. Y como los buenos vinos, fue  ganando reputación con el paso del tiempo. Contiene una buena colección de clásicos de blues, entre los destacan temas como “The Motor City Is Burning”, magníficamente interpretados.
También incorpora temas de facturación propia, como los antológicos “Long Handle Shovel”, “Stormy Times” y “Live Love”, demostrando con todas ellas ser una agrupación sólida y con recursos, poseedora de un vocalista extraordinario y un guitarrista único.
Ese mismo año participan en el Miami Pop Festival y después de su actuación reciben una propuesta de la Columbia para un nuevo contrato y debutan con el álbum "Pacific Gas and Electric" (1969) y un año después le sigue "Are You Ready", con el que consiguen un gran éxito debido a la canción del mismo nombre.
Pero a partir de ese momento empieza el declive. Frank Cook sufre un grave accidente teniendo que dejar su puesto a Ron Woods. Los cambios de personal se van sucediendo. En 1971 se ven obligados a cambiar su nombre a PG&E por problemas legales con la compañía eléctrica. Por otra parte entra una sección de viento con la que graban, " PG&E" (1971).
Llegados a este punto la banda estaba prácticamente desintegrada, pero Charlie Allen se resistía a ello por eso reunió a varios músicos de estudio y graba el siguiente álbum "Pacific Gas & Electric Starring Charlie Allen" (1973), la última gran obra de este legendario grupo.

Badfinger-Straight Up (1971)

"Straight Up" es una obra maestra del pop-rock que, sin embargo no tuvo el éxito o el reconocimiento que merecia.
Fue el Beatle George Harrison quien elegiría producir este álbum inicialmente, después de que Apple Records (propiedad de The Beatles), rechazara el álbum en un principio.
Eventualmente sería Todd Rundgren quien supervisaría la producción final antes de su lanzamiento en 1971.
Un disco que contiene joyas como "Day After Day" donde el propio Harrison aparece como invitado en las guitarras y Leon Russell en el piano.
Una canción hoy en día tan reivindicada, es un sencillo exitoso que podría haber ido mucho más lejos si no fuera por el hecho de que el propio sello discográfico estaba pasando por sus horas bajas.
El disco también contenía títulos muy destacables como "Name Of The Game", "Take It All" o "I´d Die Baby" que componían un álbum colosal que lamentablemente, (una constante en Badfinger), no obtuvo el reconocimiento apropiado por parte del gran publico.

Carlos Santana & Buddy Miles-Live! (1972)

Lejos de ser el típico baterista solista que sobreponía su ego personal e instrumental a su trabajo en equipo, Buddy Miles es uno de los mas prolíficos de la historia del rock, que entre sus colaboraciones se encuentran legendarios artistas como Jimi Hendrix, Electric Flag, Muddy Waters, Santana o John McLaughlin entre otros grandes del rock. Sin contar su virtuosa manera de tocar la batería, Miles era un muy buen cantante y guitarrista, además de un afamado compositor y productor. En 1972 su largas colaboraciones se traduciría de manera apoteósica en el álbum "Carlos Santana & Buddy Miles! Live" en el cual además del guitarrista de origen mexicano, también aparecían Neal Schon (guitarra), Coke Escobedo (baterista), Mike Carabello (percusión), Mingo Lewis (percusión) o Hadley Caliman (vientos). Grabado en vivo en Honolulu Hawaii, durante el "The Sunshine Festival, Inside Diamond Head", que se celebro en el mes de enero de 1972, muestra un estilo que difiere bastante de lo que Carlos Santana hacia por aquellos años, con un repertorio de extensos cortes con influencias psicodélicas bajo el funk, el rhythm and blues y el jazz rock, y que lo convierten en un disco orientado claramente a la jam sessions y la improvisación, como demuestra la extensa "Free Form Funkafide Fith", en donde ambos músicos dejan patente un gran estado de forma, con una gran interacción entre las guitarras y la batería. 

Bad Company-Fame And Fortune (1986)

Después de que Paul Rodgers dejara Bad Company, Mick Ralphs y Simon Kirke volvieron a reflotar la banda y seguir adelante. Y varias cosas cambiaron a partir de entonces. Las producciones dejaron de ser setenteras y fieles a las texturas blues de los primeros tiempos para dar paso a producciones más modernas. El AOR, el rock melódico, los teclados y los sonidos que inundaron las estaciones de FM de todo el mundo infestaron por completo el sonido de Bad Company. En gran medida eso se debió a la inclusión a las filas del grupo de Brian Howe, que se haría cargo de la voz.
No en vano, y con la complicada misión de suplir al todavía omnipresente Paul Rodgers, Brian reconfiguró el sonido del grupo con su voz, su único aval hasta entonces era el impresionante 'Penetrator' que grabó en 1983 con Ted Nugent, sin embargo en este disco se superó a sí mismo con creces, haciendo un trabajo extraordinario.
Así, la segunda etapa de Bad Company arranca con una buena canción como "Burning Up", en "Fame and Fortune" aparecen los Bad Company más clásicos regresando con ese regusto a blues, la melódica "Long Walk" ya deja entrever el futuro inmediato de la banda, en cambio, es "Valerie" una canción impecable y junto las dos preciosas baladas "When We Made Love" y "If I'm Sleeping", las que definen uno de los mejores discos del género melódico del rock de la década de los ochenta.

Spirit-Twelve Dreams of Dr. Sardonicus (1970)

Spirit fue una banda originaria de los Ángeles formada en 1967 por Randy California (Guitarra), Ed Cassidy (Batería), John Locke (Teclados), Mark Andes (Bajo y Voz) y Jay Ferguson (Voz y percusión).
Inicialmente se llamaban Spirits Rebellious, pero después pasaron a llamarse sólo Spirit, su estilo tiene influencias de blues rock, ciertas dosis de psicodelia y jazz .
Randy California venía de tocar con Jimi Hendrix (en ese entonces conocido como Jimmy James), en un grupo llamado Jimmy James and the Blue Flames en 1966, influyendo la música de Hendrix en su posterior carrera.
En 1968 publican su álbum debut "Spirit" el cual resulta una gran combinación de Rock psicodélico, progresivo, Pop Barroco, Folk, Raga y Jazz, y es muy bien recibido por la crítica y el público
A finales del mismo año es lanzado el segundo álbum, "The Family That Plays Together", para posteriormente hacer un tour con Led Zeppelin como teloneros, curiosamente por aquella época Led Zeppelin versionaron el tema "Fresh Garbage" de Spirit, incluido en uno de sus extensos "medley" en directo y posiblemente se inspiraron en el tema "Taurus" de los propios Spirit para componer el inicio de "Stairway To Heaven". Este segundo trabajo es mucho más elaborado y variado, siendo también uno de los mejores discos de la banda. En 1969 editan 'Clear', que igualmente resulta un gran trabajo.
Ya en 1970 son contratados por Epic Records. Con esta nueva discográfica publican su disco mas aclamado, 'Twelve Dreams of Dr. Sardonicus' en el que ofrecen canciones mucho más accesibles que lo publicado hasta entonces como 'Nature's Way', 'Animal Zoo' y 'Mr. Skin'.
Este álbum competiría en las listas de ese año con los mejores discos de 1970 y pronto pasaría a estar considerado como uno de los mejores discos editados ese año.
Después de la gira realizada a partir de la publicación del disco, Jay Ferguson y Mark Andes dejaron el grupo para formar Jo Jo Gunne. Al poco tiempo Randy California también decidió dejar el grupo para iniciar su carrera en solitario.
En los sucesivos años Randy volvería al grupo para grabar algún álbum esporádico o salir de gira, alternando su carrera en solitario con la del grupo pero con apenas la repercusión de antaño.

Dream Theater-Falling into Infinity (1997)

El cuarto disco de la formación de metal progresivo Dream Theater, supuso su trabajo menos complejo y sofisticado hasta aquellos momentos, a la par que su álbum mas rockero y accesible. Partiendo de la base de sus influencias progresivas, se vuelven mas emotivos y penetrantes debido a los poderosos riffs de la guitarra de John Petrucci y al entusiasmo melódico del cantante James LaBrie. Igualmente seria el punto culminante de su teclista Derek Sherinan, que abandonaría la banda justo después del lanzamiento de este disco. Pese a la polémica que suscitaría este álbum, en el aun encontramos atisbos del sonido habitual de Dream Theater. Aquí están la cautivadora "Peruvian Skies", con un Sherinan sobresaliente a los teclados, las enérgicas "Burning My Soul" y "Just Let me Breathe" o la antológica "Lines in the Sand", la cual es junto a la epopeya final "Trail Of Tears", lo mas destacado de un álbum que dividiría las opiniones de sus millones de fans alrededor del mundo por contener una serie de cortes mas discretos y una estructura musical mas refinada.

Steely Dan-Katy Lied (1975)

Con el cuarto álbum de Steely Dan, sus dos lideres Walter Becker y Donald Fagen abandonaron el planteamiento convencional de banda de rock para convertirse en un proyecto de investigación y experimentación musical. A partir de aquí cada canción de todos los álbumes posteriores contarían con unos músicos específicos elegidos minuciosamente, unos músicos que se adaptaban al concepto y la idea de las composiciones en cuestión. "Katy Lied" también supuso una evolución estilística con respecto a todo lo anteriormente publicado, aquí se orientan hacia el soft rock estructurado dejando atrás (aunque de manera aun muy sutil), los arreglos jazzisticos. Entre la veintena de músicos colaboradores destacan Larry Carlton, Jeff Porcaro, Hugh McCraken, Rick Derringer, Elliott Randall, David Paich o Victor Feldman. Esos sonidos rock esta presente en piezas elegantes y sofisticadas como "Black Friday", "Chain Lightning", "Everyone´s Gone to the Movies", "Throw Back The Little Ones" o "Doctor Wu", mientras que los sonidos habituales del pop-jazz y blues aparecen en "Bad Sneakers", "Your Gold Teeth II" y "Daddy Don't Live In That New York City No More". "Katy Lied" es seguramente la grabación mas equilibrada y consistente hasta aquellos momentos, conservando las refinadas atmósferas, la usual producción perfeccionista y unas composiciones ejecutadas de manera impecable, todo ello adornado por las retorcidas e irónicas letras de la pareja Fagen & Becker.

Ornette Coleman-The Shape Of Jazz To Come (1959)

"The Shape Of Jazz To Come" esta considerado uno de los álbumes mas vanguardistas dentro del genero del free jazz, firmado por una de las figuras legendarias del genero como fue el saxofonista Ornette Coleman. Para esta grabación Coleman prescindiría de una de las piezas básicas del jazz como es el piano, utilizando un cuarteto compuesto por batería, bajo, trompeta y saxo. Grabado en los estudios Radio Recorders de Hollywood en los Ángeles, Ornette Coleman contaría con Billy Higgins (batería), Charlie Haden (bajo) y Don Cherry (trompeta), como músicos acompañantes, bajo la supervisión del productor Nesuhi Ertgun. Con este álbum el mundo del jazz se vio sacudido por el lenguaje musical improvisado colectivamente, rompiendo los moldes de las reglas establecidas hasta esos momentos dentro del bebop, desarticulando las ideas mas puristas de lo que constituía la armonía y la melodía. Sin duda alguna este es históricamente uno de los hitos del movimiento del free jazz y una pieza angular de la música moderna.

Billie Holiday-Lady In Satin (1958)

Billie Holiday es una de las grandes divas del jazz, de ella se llego a decir que su voz cambio para siempre el arte de cantar. Su vida fue siempre turbulenta, desde su infancia Holiday tendría una vida difícil y convulsa. Su carrera artística comenzaría siendo casi una adolescente a principios de los años 30 cantando en clubs de mala muerte en Nueva York. Algún tiempo después y gracias a su forma de manipular su fraseo y su estilo vocal, lanzaría su primera canción registrada "You Mother´s Son-In-Law" (1933), con la cual obtendría cierto prestigio en los ambientes jazzisticos de la ciudad. A partir de aquí sus colaboraciones junto a mitos como Count Basie, Lester  Young o Artie Shaw entre otros muchos, fue constante en docenas de grabaciones inmortales. Sin embargo su tumultuosa vida sentimental y personal le pasaban factura, consumiendo alcohol y drogas, un hecho que le acarrearía muchos problemas como su paso por prisión durante un año por posesión de heroína. En 1958 lanzaría su penúltimo álbum antes de morir, este "Lady In Satin", junto a los arreglos y la orquesta de Ray Ellis, en donde la cantante en un lamentable estado de forma, agotada y totalmente devastada por sus adicciones, lograría captar en una serie de canciones, su tremenda vulnerabilidad, con su voz rota y ronca, transmitiendo una gran intensidad emocional y sobrecogedora, fundiendo la melancolía, los sinsabores agridulces de su vida con cierta indulgencia y alegría. Sin duda alguna este fue el mejor epitafio de una de las grandes novelistas de la historia del jazz y de la música contemporánea.

Count Basie-The Atomic Mr. Basie (1957)

Count Basie fue uno de los aristócratas del jazz, famoso por su estilo distintivo, sus múltiples influencias, su gran dinamismo y ese sentido único y peculiar del swing. Todas esas cualidades están presentes en una de sus más fulminantes y famosas grabaciones, la realizada a finales de 1957 en los estudios neoyorquinos de la Capitol, "The Atomic Mr. Basie", lanzado por el sello Roulette Records. En esta mítica grabación Basie lograría que las Big Bands volvieran a resurgir de sus cenizas luego de años en los cuales habían perdido el interés mediático del gran publico y estaban casi en el olvido. Todo el material aquí expuesto esta escrito por el arreglista Neal Hefti y ofrece una poderosa sección de metales. Sin embargo el hilo conductor es el sobrio y ardiente piano de Basie, el cual con sus ejecuciones logra momentos de gran cacofonía instrumental. Piezas vigorosas se entremezclan con otros de gran belleza melódica de gran sutileza y de delicados matices orquestales.

Frumpy-Frumpy 2 (1971)

A principios de los 70, Frumpy se encontraban muy cerca de la cima entre todas las formaciones germanas del Krautrock y junto a Kraan, Guru Guru, Neu!, Agitation Free o Ash Ra Tempel, eran una de las mas aclamadas en todo el territorio alemán y en la Europa continental. Su debut discográfico es el excelente "All Will Be Changed", un trabajo repleto de sonoridades que mezclaban la psicodélica, el blues, tintes de gospel, el soul y el rock progresivo. Una gira anterior acompañando a pesos pesados del rock británico como Yes, Humble Pie, Spooky Tooth o Renaissance, no hicieron mas que agigantar su status de banda prometedora, por lo que este primer álbum obtendría un éxito arrollador en ventas y muchas reseñas positivas entre la prensa especializada de la época. Un año mas tarde y con la incorporación del guitarrista Rainer Baumann, Frumpy lanzarían su segundo registro, este "Frumpy 2", en el que la formación liderada por la cantante Inga Rumpf, y secundada por el teclista Jean-Jacques Kravetz y la sección rítmica compuesta por el bajista Karl-Heinz Schott y el baterista Carsten Bohn, presentan cuatro extensas canciones orientadas al hard rock progresivo. Con una producción más técnica y elaborada, aquí dan muestras de una soberbia instrumentación que por momentos nos dejan ese regusto al heavy rock británico de bandas coetáneas como Atomic Rooster, Quatermass o Uriah Heep. Unas brillantes guitarras, predominantes sonidos de órganos Hammond, y la emotiva y poderosa voz de Rumpf, están presentes en piezas como la alucinante e hipnótica "Good Wings", la pesada hard rock "Take Care Of Illusion", la emocionante "Duty" o la mini epopeya progresiva "How The Gipsy Was Born". Con esta segunda entrega Frumpy lograron confeccionar una de las obras cumbres del genero autóctono germano, y toda una obra maestra del rock progresivo y psicodélico de la década de los 70.

Tokyo Blade-Night of the Blade (1984)

Tokyo Blade son otra de las esenciales bandas del movimiento "New Wave of British Heavy Metal" (NWOBHM), la cual junto a Iron Maiden son de las pocas que aún siguen activos hoy en día. Formados en la localidad de Salisbury, cerca de Southampton, sus comienzos se remontan a finales de los 70 cuando varios jóvenes llamados Alan Marsh (cantante), Andy Boulton (guitarra), Ray Dismore (guitarra), Andy Robbins (bajo) y Steve Pierce (batería), fundaron una banda llamada White Diamond. Luego de varios cambios de nombre e integrantes y establecidos definitivamente como Tokyo Blade, ficharían por el sello independiente Powerstation, con los cuales graban su primer álbum homónimo en 1983. En esta primera entrega sobresalen tremendos cortes de vertiginosos ritmos como la acelerada y contundente "Powergame", la heavy punk "Break The Chains" o la poderosa heavy metal "If Heaven Is Hell". Un año mas tarde y ya bajo el apadrinamiento de un sello mas prestigioso como Roadrunner, publican su segundo registro, este "Night of the Blade", en el cual adornan sus trallazos con unos estribillos pegadizos como ocurre con las monumentales "Love Struck", "Rock Me To The Limit" o "Someone to Love", o con las épicas canciones "Lightning Strikes" y "Warrior Of the Rising Sun". Con este y el anterior álbum, Tokyo Blade se aseguraron de por vida un puesto de honor en la historia del heavy metal.

Fragile-5 (2000)

Fragile fueron otra interesante banda japonesa de jazz rock, la cual comenzaría su carrera artística a mediados de los 90 hasta el año 2011, cuando publicaron su noveno y último álbum. Este trío compuesto por Koichi Yabori (guitarra), Masatoshi Mizuno (bajo) y Kozo Suganuma (batería), se han mantenido unidos sin ningún cambio de formación ni colaboraciones extras en todos esos años a excepción del guitarrista norteamericano Mike Stern, quien aparecería como músico invitado en el álbum "No Wet" de 1999. "5", es como su titulo indica el quinto registro de este poderoso trío, un álbum que resume perfectamente su pesado, sofisticado y vigoroso estilo instrumental, desde rotundos y sólidos jazz rock de ritmos vertiginosos como "Vacuum Bottle" y "Cosmos", hasta puros dinamismos enérgicos con "Latte", funk jazz amplificados "Belvedere" o "Daisy" o cortes orientados al jazz fusión como "Fuchsia" o la atractiva "Snow Tulip".

Shocking Blue-Best (1973)

Shocking Blue pasaron a la historia por ser el primer grupo holandés en alcanzar un número uno en los Billboard norteamericanos con el tema "Venus", que también sería igualmente un éxito masivo alrededor del mundo.
Fundados en la Haya en 1967 en torno a la figura del guitarrista Robbie Van Leeuwen, el cual decide crear una banda reclutando a Fred de Wilde guitarrista, al bajista Klassje Van der Wal y al batería Van der Beek.
Después de conseguir fichar por el sello Polydor, graban su primer single "Love is in the air", que ni siquiera entra en las listas de éxitos, sin embargo si consiguieron un notable éxito con el siguiente "Lucy Brown in back in Town", un tema con claras connotaciones al pop de la British Invasion.
Un año después sale al mercado su primer álbum "Beat with Us" y poco después Van Leeuwen agrega a la cantante Mariska Veres, que pronto es considerada la Grace Slick holandesa por su versátil y impetuosa voz.
Ya con Mariska publican la vibrante canción "Send me a postcard", con un tono mas lisérgico que todo lo anteriormente hecho hasta esos momentos.
A partir de aquí la banda se posiciona como la sensación del pop rock holandés cosechando otro éxito con el tema "Long Lonesome Road".
En 1969 el tema "Venus" los consagra definitivamente a nivel mundial con numerosos números unos alrededor del mundo, que sin embargo no ocurre lo mismo en su país natal donde solo consigue un discreto onceavo puesto en las listas de éxitos.
En el siguiente año la banda seguirá publicando grandes canciones que no obtendrían el éxito del hit "Venus" al nivel mundial, aunque sí en Europa con  "Mighty Joe" o "Never Marry a Railroad Man", los cuales si alcanzan el número uno en Holanda.
Durante los años 1971 y 1972 el grupo publicaría sus últimos álbumes con suerte dispar, pese a contener canciones de mucha calidad como "Helló Darkness", "Blossom Lady", "Shocking You" o "Rock in the sea".
A partir de ese año el grupo fue perdiendo el interés del gran público y terminarían desapareciendo en 1974.

J.J.Cale-Travel-Log (1989)

Tras seis años de sequía discográfica, J.J. Cale regresaría publicando su noveno trabajo titulado "Travel-Log", un álbum meramente mas enérgico, comparado con sus lanzamientos anteriores enfocados en el folk, el jazz, el blues y los sonidos de raíces americanos. Para esta ocasión J.J.Cale obtendría la colaboración de destacados músicos de la escena del rock estadounidense como Jim Keltner (órgano y batería), Christine Lakeland (órgano, guitarras y voces), Tim Drummond (bajo), Spooner Oldham (teclados), James Burton (guitarras) o el director y arreglista Al Capps y su orquesta. En "Travel-Log" se respira un ambiente dinámico y fresco, mostrando una contundencia pocas veces vista en el guitarrista de Oklahoma. Vigorosos temas rock como "Who´s Talking", "Hold on Baby", "Disadvantage" o "No Time", se entremezclan con piezas mas acordes con su habitual estilo como las reposadas country y folk "Lady Luck", "Lean on Me", "End of the Line" y "Humdinger". Con "Travel-Log", J.J. Cale seguiría manteniendo intacta su leyenda y su enorme prestigio como uno de los grandes mitos del rock and roll del siglo 20.

Prince And The Revolution-Purple Rain (1984)

Prince fue uno de los artistas que más admiración despertó en los años ochenta. Un músico multiinstrumentista que tocaba todos los instrumentos, cantaba y producía sus propios discos, todo ello sin salir de su propio estudio en Minneapolis.
Hijo de un pianista de jazz y una cantante, debutó a los 20 años con su disco "For You", que sin ser un disco relevante, empezaría a ser considerado y respetado en el mundo del pop.
Con los siguientes discos consigue una mejor repercusión y así "Dirty Mind" (1980), "Controversy" (1981) y sobre todo "1999" (1982), logra posicionarse entre los músicos de vanguardia con un vigoroso pop rock y soul.
En 1984 apareció su sexto disco "Purple Rain", (el primero que firmaría junto con su banda The Revolution), un álbum que era la banda sonora de una película del mismo nombre, con una historia confusa y notas autobiográficas sobre el ascenso al estrellato de un glamoroso músico de rock.
"Purple Rain" definitivamente elevaría a Prince al olimpo del pop rock, en parte debido a su portentoso y épico corte "Purple Rain", en el que el propio Prince interpreta un memorable solo de guitarra.
Un disco que alcanzaría unas ventas astronómicas de más de 20 millones de copias, además de ganar un premio Grammy y un Oscar a la mejor banda sonora.

The Zombies-Odessey and Oracle (1968)

"Odessey and Oracle" fue el segundo álbum de la banda británica The Zombies, lanzado en 1968 y considerado uno de los álbumes más icónicos de todos los tiempos.
Un disco estético, bello y majestuoso, una mezcla de poder y belleza, esta mezcla de baladas de rock y piano clásico, contiene un índice melódico singular e impecable. Los Zombies ya habían sorprendido con canciones como el clásico “She's Not There” o “Tell Her No”, que desprendían armonías a dos voces. Aquí el trabajo se maximiza con una textura vocal aún mayor, logrando uno de los mejores discos de los años 60.
Los oscuros Chris White y Rod Argent proporcionan una colección de grandes composiciones, a menudo en forma de fantasías de dos partes muy distintivas; cada uno más impresionante que el otro, Rod Argent proporciona los teclados para cada pista, con piezas evocadoras y ritmos armónicos bien establecidos, su mejor trabajo está con el mellotrón en “Hung Up On A Dream” o su solo psicodélico en “Time of The Season”, además de glorioso vocal armónico en "Beechwood Park" o brillantes canciones "Care of Cell 44" o "Time Of The Season".
En definitiva, una obra maestra y un referente de la música psicodélica de los sesenta.

Area-Arbeit Macht Frei (1973)

Sin llegar a los logros comerciales y mediáticos de sus compatriotas Premiata Forneria Marconi o Banco del Mutuo Soccorso, Area son una de las bandas más desafiantes y extrañas del rock vanguardista italiano. Su época dorada comprende desde 1973 hasta 1980, años en los que publicaron seis excelentes álbumes, todos ellos muy bien considerados entre los aficionados al rock progresivo experimental. Formada en 1971 por Demetrio Stratos (vocalista y órgano), Gianpaolo Tofani (guitarra y sintetizador), Patrizio Fariselli (teclados), Victor Edouard Busnello (instrumentos de vientos), Patrick Djivas (bajo) y Giulio Capiozzo (batería). En 1973 este grupo transalpino lanzaba su primer trabajo, “Arbeit Macht Frei”, un peculiar disco que sin estar enfocado en un solo género, ellos manejan a la perfección los sonidos del jazz, el rock, la world music, el progresivo y la psicodélica. Un álbum dinámico que mantiene al oyente expectante durante los casi 40 minutos de su duración, desde la free jazz disparatada "Luglio, Agosto, Settembre (Nero)”, hasta la experimental jazz funk rock "Arbeit Macht Frei", pasando por la fusión vanguardista “Consapevolezza", la progresiva "Le Labbra del Tempo" o la tour de force experimental "240 Chilometri Da Smirne", lo que convierte a este álbum en unos de los mas inquietos y aventureros de toda la escena progresiva surgida en Italia en los años 70.

Passport-Ataraxia (1978)

Passport es una de las bandas europeas de jazz rock más reconocidas, que contribuyó con algunos de los mejores álbumes al sub género jazzistico. Liderado por el saxofonista Klaus Doldinger, en 1971 formaría esta espectacular banda junto a varios músicos alemanes, entre los que se encontraban el baterista Curt Cress, el bajista Wolfgang Schmid y el teclista Kristian Schultze.
Después de conseguir un contrato con Atlantic Records, grabaron una serie de grandes álbumes muy apreciados por los fans del jazz-rock como "Passport" (71), "Second Passport" (72), "Looking Thru" (73), "Cross-Collateral" (75), "Infinity Machine" (76), "Iguacu" (77), "Ataraxia"  (78), "Garden of Eden" (79) o "Ocean Liner" (1980).
"Ataraxia" sería su décimo álbum y uno de los más aclamados de su carrera, para la grabación de este trabajo, Doldinger reclutaría una serie de músicos sudamericanos adicionales para darle un toque étnico al sonido final del disco.
Este álbum contiene una serie de grandes composiciones como la intro "Ataraxia part 1 and part 2", con una introducción sintetizada que da paso a un exquisito y sublime saxo interpretado por el propio Doldinger.
Otros temas como la cinematográfica "Sky Blue", la adictiva "Mandrake", o las soberbias "Reng Ding Deng Dong" y "Loco-Motive", nos dejan con un disco exquisito muy apreciado por los fans del jazz fusion/rock.

Saxon-Crusader (1984)

Después de confeccionar cinco enormes álbumes considerados obras esenciales dentro de la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), Saxon afrontaría su quinto álbum en donde se alejan de manera sutil del electrizantes heavy metal de sus orígenes para mostrar un faceta mas madura y seria. En esta nueva aventura la banda liderada por la portentosa voz de Biff Byford, las afiladas guitarras de los hachas Graham Oliver y Paul Quinn y la poderosa sección rítmica compuesta por Steve Dawson y Nigel Glockler, confeccionaron otra de sus obras esenciales. Tras una portada mas llamativa que las minimalistas y frías predecesoras, el combo británico presenta de manera imperial epopeyas como el himno del heavy metal "Crusaders", una pieza tan intensa como demoledora, la tremenda "A Litte Bit Of What Your Fancy?", las poderosas hard rock "Rock City", "Bad Boys" y "Just Let Me Rock" o las pesadas "Sailing to America" y "Do It All For You". Con este sexto álbum Saxon continuaba su predecible evolución musical y la madurez necesaria para seguir afrontando durante muchos años mas, uno de los mejores sonidos del heavy metal británico.

Metropolis-Metropolis (1974)

Bajo el espíritu del krautrock y bañados en el marco genuino de la psicodelia  norteamericana de finales de los 60, Metropolis confeccionaron un unico álbum, en el cual combinan diferentes estilos como el folk, las voces teatrales y los clásicos elementos progresivos. Creada por el ex Agitation Free, Michael Duwe (guitarra y voz), el ex componente de Mythos, Thomas Hilderbarnd (batería) y el ex Ash Ra Tempel, Michael Westphal (bajo y coros). El único registro de esta formación germana fue grabado en Munich en 1973, y lanzado a comienzos del siguiente año. En este disco además también intervienen la cantante Ute Kannenberg, el teclista Michael Westphal y el guitarrista y coros Helmut Binzer, entre otros músicos que agregan diferentes instrumentos como el oboe y las flautas. Los arreglos de metales y cuerdas, las voces casi operísticas y la grandilocuencia de los teclados Mellotrón, son lo mas destacado de este magnifico álbum, manifestando con todo ello, una música muy original y edificante. La alentadora "Birth" abre un álbum que desde sus primeras notas presagian una edificante aventura musical. La psicodélica "Metropolis”, secunda perfectamente esa sensación de originalidad, la cual contrasta con la semi operística "Superplastikclub", seguida de la compleja "Dreamweaver" y la atmosférica con ritmos hispanos “Glass Roofed Courts”, para finalizar con la galopante progresiva "Ecliptic". Después de este único lanzamiento, Metropolis se disolvería, ingresando la mayor parte de sus miembros en otras destacadas formaciones alemanas de la época.

Hot Tuna-Burgers (1972)

Si en el debut de Hot Tuna, la banda creada de manera paralela por varios miembros de Jefferson Airplane, se basaron en el blues acústico tradicional, en su tercera entrega, este "Burgers", el proyecto liderado por Jorma Kaukonen (guitarra y voz) y Jack Casady (bajo), se adentran definitivamente en los sonidos eléctricos del blues rock y el folk y country rock. Con la entrada del violinista Papa John Creach, junto al baterista Sammy Piazza y las esporádicas apariciones de David Crosby, Nick Buck y Richmmond Talbott, otorgan una mayor diversidad sonora y el equilibrio perfecto que aún adolecían en sus primeros lanzamientos. Temas tan recurrentes como el blues "99 Year Blues", la folk "Highway Song", la potente "True Religion", la country "Keep on Truckin´", la evocadora instrumental "Water Song", la bluegrass "Let Us Get Together Right Down Here" o la edificante blues rock "Ode for Billy Dean" y la instrumental bluesy "Sunny Day Strut", son créditos mas que suficientes para reivindicar la herencia musical de esta formidable agrupación norteamericana.

Various Artists-Guitar Battle (1997)

A mediados de los 90 el guitarrista Al Pitrelli había estado inmerso en diferentes proyectos, entre otros colaboró con la Trans-Siberian Orchestra, en paralelo también con el grupo Savatage, y venía de haber pertenecido a bandas como Asia, Danger Danger o Widowmaker entre otras.
En 1997 lidero un proyecto denominado "Guitar Battle", donde reunió a un lujoso equipo de grandes guitarristas; Andy Timmons, Brad Gillis, George Lynch, John Petrucci, Michael Lee Firkins, Reb Beach y Steve Morse, además del bajista Danny Miranda y el baterista John O. Reilly.
Con este increíble plantel de grandes estrellas publica el disco titulado "Guitar Battle", donde versionan algunos clásicos del rock y del jazz.
Aquí podemos encontrar versiones impresionantes interpretadas por todos y cada uno de los músicos como el clásico "Train Kept A-Rollin", "Something" de The Beatles, "Memphis" de Chuck Berry, "Purple Rain" de Prince o "Birdland" de los Weather Report, además de una composición del propio Al Pitrelli "Mambo King", la cual es quizás el tema más débil del álbum.
Un disco donde la habilidad, el trabajo magistral de tantos maestros de la guitarra juntos, el talento individual de cada uno de ellos, y ese tipo de jam que logra ejercer con todos sus estilos de guitarra, lo convierten en algo nunca antes visto; el conseguir una reunión inédita de grandes guitarristas en un solo álbum.

Lee Michaels-Live (1973)

En 1972 el organista Lee Michael lograba un sorprendente triunfo con su quinto álbum titulado “5th”, en el cual reflejaba su total dominio del órgano Hammond B3 y su ecléctico rock impregnado de blues, soul y jazz. Años antes y con apenas cinco años de edad, Michaels habia comenzado a tocar el piano, que junto al trombón, el saxo y el acordeón, pronto dominaría de manera talentosa. Después de estudiar música durante años en la escuela superior se uniría a diferentes formaciones, recorriendo gran parte de los sesenta los Estados Unidos y Canadá, hasta que un día en California vio actuar a los Jefferson Airplane y se fascinaria de los nuevos movimientos musicales que estaban surgiendo en la América de finales de los sesenta. Después de formar su propia banda lograría ser contratado por el sello A&M con quienes lanzaría su primer álbum en 1968 titulado "Carnival Of Life". Un año más tarde lograría entrar en las listas gracias a su tercer lanzamiento "Lee Michaels", en el cual aparecía una excitante versión del bluesman T-Bone Walker, "Stormy Monday" además del hit “Heighty Hi". Su estilo estaba basado en los impulsores ritmos de su órgano Hammond y de una eficaz y dinámica batería tocada por Barry Frosty Smith. Después de varios álbumes más; "Barrel" (1970) y "5th" (1971), este ultimo su mayor logro comercial gracias a los hits "Do You Know What I Mean" y "Can I Gat a Witness", lanzaría el directo "Live", aparecido en 1973. En esta grabación realizada en el mítico Carnegie Hall de Nueva York, Michaels muestra su simple pero efectivo planteamiento esquemático, basado en el órgano con el único aditivo de la batería como respaldo, además de su propia voz. Un planteamiento que le había abierto las puertas del éxito y de la fama y que en este directo dejaba constancia de manera apabullante. Ritmos soul "Thumbs", "War" y "My Lady" se entremezclan con clásicos del rock "Rock My Baby", blues "Call It Stormy Monday" o piezas de enérgica contundencia como "Day Of Change" o "Mad Dog". Después de varios álbumes mas publicados, Lee Michaels terminaría retirándose de la música para dedicarse a gestionar su propio y famoso restaurante ubicado en Marina del Rey en California llamado "Killer Shrimp". 

Hermann Szobel-Szobel (1976)

Nacido en Austria, Hermann Szobel fue un pianista de formación clásica que a mediados de los 70 público una obra capital dentro del jazz rock. En 1974 con apenas 17 años y observando el poco interés en el jazz de su país natal decidió trasladarse a Nueva York. En la ciudad de los rascacielos no solo perfecciono su estilo jazzistico, además lograría que la Arista Records se fijara en el y con un contrato bajo el brazo se propuso grabar un álbum para lo cual formo una banda compuesta por Michael Visceglia (bajo), Bob Goldman (batería), Dave Samuels (percusión y vibráfono) y Vadim Vyadro (saxo, flauta y clarinete). En su primer y único registro "Szobel", el joven Hermman incluyo cinco extensos cortes heterogéneos, de confusos pero al mismo tiempo complejos arreglos melódicos de gran creatividad con un firme apoyo jazzistico de pasajes impregnados de música clásica e ingredientes vanguardistas. A medio camino entre el jazz moderno y el jazz progresivo, Hermann transforma los paisajes musicales en pequeñas dosis de su virtuosismo instrumental, dejando que el resto de la banda también muestre el enorme talento que atesoran. Agitados pasajes rítmicos como "Mr. Softee" o sofisticados e intensos cortes como "The Szuite", solo son una pequeña exposición de la enorme calidad del álbum. Pero Hermann también sabe moverse en los sonidos accesibles y terrenales en piezas como "Between 7 & 11" o "Transcendental Floss", o en las atmósferas mas vanguardistas con la efectiva "New York City, 6 AM".

Quicksilver Messenger Service-Happy Trails (1969)

Quicksilver Messenger Service fue una banda estadounidense de acid rock que fusionaba varios estilos como el folk, blues y jazz. Se formó a mediados de la década de 1960 en San Francisco. Sus virtudes musicales se destacaron en la virtuosa interacción de sus instrumentistas, especialmente los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan, por lo que son uno de los referentes en el mundo de las guitarras dobles o gemelas e influenciadores de bandas posteriores como Wishbone Ash, Thin Lizzy, Judas Priest o Iron Maiden, practicando estilos que iban desde el acid blues y el folk con mezclas de hard rock y heavy psych, pero con influencias del jazz fusión a lo largo de toda su carrera.
"Happy Trails" fue el segundo álbum de la banda, lanzado en 1969 y es el más blues. El disco es semi-conceptual, especialmente la primera cara, y destacando los sonidos del violín, afianzando aún más las raíces folclóricas. El álbum está grabado en 1968 en el Fillmore West de California. Este álbum tanto para el blues psicodélico como por la portada, recuerda a muchos al disco “More” de Pink Floyd como análogo en cierto modo, aunque este último es mucho más sinfónico. Entre sus temas destacan el rítmico "Mona" y el excelente "How do you love".

The Turtles-Golden Hits (1967)

The Turtles fue una banda californiana de folk rock y pop psicodélico fundada en 1965 en Los Ángeles con el nombre original de The Crossfires From the Planet Mars.
Sus fundadores, unos entusiastas de la música surf, eran el vocalista Howard Kaylan y el compositor y teclista Mark Volman, los cuales poco después cambian el nombre por el definitivo The Turtles y evolucionan hacia los sonidos del folk rock consiguiendo su primer Top-ten con la versión de la canción de Bob Dylan "It Ain't Me Babe" (1965).
Un año después fracasan en listas con su segundo LP, "You Baby", así que deciden apostar por el sonido bubblegum y compondrán el bombazo "Happy Together", que será número uno en medio mundo en 1967. Ese mismo año volvieron a puestos altos en las listas con "She'd Rather Be with Me" y "You Know What I Mean", pero las deserciones del grupo empiezan con la marcha del bajista Chip Douglas para ser productor de The Monkees. Ya en plena fiebre del pop psicodélico producen el álbum conceptual, "The Turtles Present The Battle Of the Bands", en el que pretenden ser una banda de diferentes estilos consiguiendo dos hits con "Elenore" y "You Showed Me", que serán Top 6 en listas. Pero en 1969 su "Turtle Soup", será un fracaso en ventas que provocará que un año más tarde, tres de sus integrantes; Howard Kaylan, Mark Volman y Jim Pons se unan al grupo de Frank Zappa, The Mothers Of Invention.
El resto graba "Wooden Head" (70), que sigue la misma suerte que el anterior disco, poco después forman el dúo Flo & Eddie apareciendo en varios conciertos pero sin publicar ningun material y terminan por separarse a finales de ese mismo año.

Laurie Anderson-Mister Heartbreak (1984)

Pese haber pertenecido a la escena de artistas mas vanguardistas de la ciudad de Nueva York desde principios de los setenta, Laurie Anderson tardaría muchos años en ver publicado su primer álbum en solitario, "Big  Science" (1982), un trabajo que tuvo una notable acogida entre el publico y favorables criticas entre la prensa especializada. Su ecléctico estilo podríamos encuadrarlo en el pop más vanguardista y experimental, algo que la ha mantenido como una artista de culto hasta la actualidad. Algún tiempo después de ese innovador debut, Laurie Anderson empezaría a codearse con músicos de prestigio como Peter Gabriel, Nile Rodgers, Adrian Below, Phoebe Snow o Bill Laswell, músicos todos ellos que terminarían colaborando en su siguiente lanzamiento "Mr.Heartbreak", publicado dos años mas tarde. Pese a ser mucho mas accesible que su predecesor, Anderson sigue utilizando su música para narrar historias habladas de manera literal, fusionando los sabores étnicos, la electrónica y la experimentación mas inusual. Extraños lienzos muy cercanos al minimalismo "Sharkey´s Day", hipnotismo poético "Langue D´Amour", acercamientos a la new wave electrónica "Gravity´s Angel o "Excellent Birds" o exóticas piezas que navegan entre lo étnico y lo electronico "Kokoku", conforman un álbum tan desafiante como luminoso.

Oscar Peterson-Great Connection (1974)

En 1971 Oscar Peterson comenzaría una fructífera y larga alianza junto al baterista norteamericano Louis Hayes y al contrabajista danés Niels-Henning Ørsted Pedersen, grabando para empezar un exquisito y variado álbum de piezas de estándares del jazz. Bajo la producción de Hans Georg Brunner, en este trabajo publicado tres años mas tarde (1974), el trío lograría concebir una serie de composiciones enormemente inspiradas como la free jazz "Younger Than Springtime", la relajada "Soft Winds", la compleja "Wheatland", la abrumadora versión de Duke Ellington "Just Squeeze Me" o la edificante obra de Charles Chapin "Smile". En los siguientes años Peterson y Pedersen tocarían regularmente juntos en infinidad de conciertos y colaborando en una docena de registros oficiales como "The Good Life" (1973), "The Trio" (1974), "Nigerian Marketplace" (1981) o "Night Child" (1982).

Billy Joel-52nd Street (1978)

Billy Joel es una de las grandes leyendas del rock, logrando mas de cincuenta hits, muchos de ellos números uno, ganador del Grammy en seis ocasiones y uno de los artistas que mas discos han vendido en la historia con mas de 100 millones a nivel mundial.
En 1977 había lanzado su álbum "The Stranger", que lo colocaría en la cima de las listas, un trabajo arrollador con canciones como "Just The Way You Are", "She's Always A Woman", "Only The Good Die Young" o "Moving Out", que lo convierte en esos momentos en el álbum más vendido de la compañía discográfica Columbia en toda su historia, con más de diez millones de copias solo en los Estados Unidos.
Tras el éxito de este descomunal y contundente trabajo, Joel vuelve a repetir con el mismo productor del anterior disco Phil Ramone, para producir un disco aún más melódico y dinámico que el anterior, añadiendo diferentes elementos como el jazz.
El resultado sería un disco sensacional, lleno de estribillos, grandes melodías y composiciones memorables.
Temas como el pegadizo "My Life", la bailable "Half A Mile Away", el rock "Big Shot" o la terriblemente melancólica "Honesty", llevaron nuevamente a Joel a lo más alto de las listas de éxitos de medio mundo y convirtiéndolo en el artista del año.
"52nd Street" se convertiría en otra obra maestra de un músico que ya tenía a sus espaldas un devastador e impresionante legado discográfico.

Mirthrandir-For You The Old Man (1976)

Mirthrandir es otra de las incontables bandas que se perdieron en el oscuro túnel del tiempo, la cual solo publicaría un elaborado y elegante álbum de rock progresivo. Formada en 1973 en la ciudad norteamericana de Nueva Jersey, sus integrantes eran Richard Excellente (guitarra), Simon Gannett (teclados), James Miller (bajo y flauta), Alexander Romanelli (guitarra), Robert Arce (batería) y John Vislocky (cantante y trompeta). Su único registro titulado "For You The Old Man" (1976), muestra las excelencias de esta formación con una serie de piezas de gran merito como la ardiente de influencias jazzisticas "For You The Old Women", la exuberante "Conversation With Personality Giver", la melódica instrumental "Number Six", o la tour de force progresiva "For Four", todas ellas con unas destacables guitarras, los impulsores teclados de Mellotrón y órgano y un memorable dinamismo instrumental. Sin duda alguna, "For You The Old Man" es un creativo álbum del mejor rock progresivo americano, interpretado con una gran destreza y con un contenido de excelente musicalidad.

Cream-Disreali Gears (1967)

El segundo álbum de Cream supuso la confirmación a su status como banda icónica creando un disco repleto de poderoso rock macerado con tintes psicodélicos y blues rock. A diferencia del novedoso debut lanzado un año antes, la banda formada por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, se alejan de los sonidos germinales del blues rock para entrar de lleno en los sonidos mas accesibles como queda demostrado en la archiconocida "Sunshine Of Your Love", todo un clásico de la música rock e inmortalizada en cientos de anuncios, series y películas y una pieza habitual en los recopilatorios de la música rock. Esa fusión entre el rock y los sonidos lisérgicos están presentes en la inicial "Strange Brew", un corte denso con unas guitarras crudas y distorsionadas. Por otro lado la pausada "World of Pain" sigue adentrándose en los sonidos psicodélicos pero mostrando la faceta melódica de la banda, por un sendero parecido aparece "Dance The Night Away", mientras que la bluesy "Blue Condition", pone el momento relajado a una primera cara sublime. En la cara dos del álbum original, el ritmo se incrementa con la acida "Tales Of Brave Ulysses", la rítmica "SWLABR", o las blues rock "Take It Back" y "Outside Woman Blues", con la cual concluye uno de los álbumes esenciales de la historia del rock.

Steely Dan-Can´t Buy A Thrill (1972)

En 1971 los músicos y compositores de la ABC Records, Walter Becker (guitarra y voz) y Donald Fagen (teclados y voz), decidieron fundar su propia banda impulsados por el productor y directivo de la misma compañía Gary Katz. De esta manera nacería Steely Dan, quien además de sus dos lideres estaba formada por Jeff "Skunk" Baxter (guitarras), Jim Holder (bateria) y Dennis Dias (guitarra y sitar). Un año mas tarde lanzarían su álbum debut "Can´t Buy A Thrill", en el cual también participarían otros músicos invitados como el cantante David Palmer, el guitarrista Eliott Randall, el saxofonista Jerome Richardson o el percusionista Victor Feldman. Este primer registro se caracteriza por el complejo entramado musical del grupo, en donde confluyen dispares estilos como el jazz, el rhythm and blues, el pop y el rock bajo unas letras satíricas y mordaces. Con una meticulosa producción, el dúo logro confeccionar una serie de canciones brillantemente ejecutadas, con sonidos calidos y esa lírica mencionada con un sentido del humor sarcástico e inquietante. Un álbum que se inicia con la icónica "Do It Again", todo un clásico del rock americano, una composición magistral repleta de mil detalles sonoros, a esta la secundan otras magnificas piezas como las memorables "Dirty Work", "Reelin´In The Years", "Fire In The Hole", "Midnight Cruiser" o "Change Of The Guard". Con este espectacular debut de Steely Dan, daba comienzo a una de las carreras más apasionantes en la historia de la música rock.

 

Night Ranger-Midnight Madness (1983)

"Midnight Madness" fue el segundo y más exitoso álbum de la banda Night Ranger, gracias principalmente a la canción "Sister Christian" que fue un verdadero éxito en las estaciones de FM y en las listas de Billboard norteamericanas.
Formado cuatro años antes por Jack Blades, Kelly Keagy, Brad Gillis y Jeff Watson, su álbum debut "Down Patrol" (1982), tuvo una gran acogida en los circuitos del rock melódico y hard rock con un trabajo consistente donde sobresalieron los cortes "Don´t Tell Me You Love me" y "Sing Me Away".
El tremendo éxito comercial de este "Midnight Madness" lanzado solo un año después tuvo una doble lectura para el grupo, ya que relegaría a la banda a la categoría de bandas comerciales convencionales y eso aumentaría la reputación que los tachaban de demasiado blandos para ser una verdadera banda de hard rock.
Sin embargo, desde la inicial "(You Can Still) Rock in America",una clara respuesta a las criticas recibidas, seguida de las poderosos "Rumours in the Air", "When You Close Your Eyes” o la energica "Why Does Love Have To Change", mostraron que gracias al talento de sus componentes, Night Ranger sabian perfectamente hacer un hard rock contundente y a la vez adictivo y comercial, y esto quedó ampliamente demostrado con los siguientes lanzamientos "7 Wishes" (1985) y "Big Life" (1987) .

Mombasa-African Rhythms and Blues (1975)

Lou Blackburn fue un afamado músico norteamericano que se dio a conocer en la décadas de los 50 y 60 actuando junto a mitos del jazz como Lionel Hampton, Lou Rawls o Duke Ellington, además de establecerse artísticamente con una equilibrada carrera en solitario publicando una serie de trabajos como "Jazz Frontier" o "The Complete Imperial Sessions". A principios de los 70 se mudaría a Europa y allí fundaría el proyecto Mombasa, una formación que fusionaba los ambientes étnicos africanos y el jazz. En 1975 y bajo el sello independiente alemán Spiegelei, grabaría el debut de esta formación titulado "African Rhythms and Blues", un extraordinario registro en donde los ritmos exóticos, el blues rural y folclórico, la música espiritual y el jazz van unidos de la mano en una fusión tan fascinante como encantadora. Además de Lou Blackburn (trombón), el resto de estos Mombasa estaba formado por Donald Coleman (congas y flauta), Charles Jefferson (trompeta), Gerald Luciano (contrabajo y percusión africana) y Cephus McGirt (batería). Producido por el ingeniero germano Manfred Schmitz, el álbum contiene un antológico repertorio que lo convierte en uno de los mejores registros del jazz étnico que se hayan grabado jamás.

Emphasis-Emphasis (1975)

Emphasis fueron una banda suiza de jazz fusión que giraba en torno al guitarrista Pierre Cavalli y al teclista Renato Anselmo quienes junto al baterista Nick Liebman, al saxofonista Fernando Vicencio y al bajista y percusión Curt Treier, lanzaron un único álbum muy apreciado por los fans al genero jazzistico europeo. Bajo un embrujo de influencias entre los ritmos latinos, el funk, la improvisación y el jazz rock, su único registro lanzado en 1975, es toda una brillante muestra del talento y la creatividad de esta formidable banda centroeuropea. Desde versiones ejecutadas de manera ingeniosa como "Vera Cruz” de Milton Nascimentos o "Too High" de Stevie Wonder, hasta intensos funk jazz rock como "Rainmaker" o "Very Lights" pasando por psicodélicos jazz "Dr. Bonnie-Mr. Clyde", dejan patente la creatividad y la soberbia fusión de estilos que esta refinada banda supo conjugar en un gran registro de atractivo jazz fusión. 

Christopher Cross-Another Page (1983)

Tres años después de su aclamado disco debut, Christopher Cross nos dejaba su segundo legado discográfico, un álbum que fue lastrado por su impactante obra inicial, pese a contener los suficientes argumentos musicales para volver a copar las listas de éxitos de medio mundo. Sin embargo en su segundo lanzamiento el estilo que mezclaba las irresistibles baladas, el soft rock y unas claras connotaciones del pop mainstream, fue cuestionado por su nula evolución estilística. Al igual que había ocurrido con su disco debut, en este nuevo registro el guitarrista originario de San Antonio en Texas, se rodearía de un lujoso plantel de músicos como Mike Porcaro, Don Henley, JD Souther, Art Garfunkel, Steve Lukather, Tom Scott, Carl Wilson, Abraham Laboriel o Jay Griden entre otros muchos mas. Grabado durante gran parte del año 1982, en "Another Page" Cross repite la misma formula que le llevaría al estrellato mundial con una serie de sobrias composiciones ejecutadas de manera impecable, que navegan entre las baladas románticas y nostálgicas; "Baby Says No", "Nature Of the Game", "What Am I Supposed to Believe", "Talking In My Sleep", "Words Of Wisdom" o "Think of Laura", guiños al pasado reciente de atractivas melodías con la trepidante y pegadiza "All Right", o los estimulantes sonidos del west coast "No Time For Talk" y "Deal´em Again". Sin llegar a las excelencias comerciales ni creativas de su predecesor, el álbum lograría un meritorio onceavo puesto en las listas del Billboard y media docena de discos de oro a nivel mundial por sus ventas.

Santana-Zebop (1981)

Repitiendo casi la misma formación que el anterior "Marathon", Carlos Santana siguió su ruta por el desierto musical de los años 80 publicando el décimo primer álbum de la banda “Zebop”. Siguiendo la estela AOR del mencionado "Maratón," en esta nueva entrega el guitarrista mexicano se sumerge aun mas en los sonidos que por aquella época inundaban las emisoras de radio, bandas como Boston, Styx, Toto, Journey, Reo Speedwagon o Foreigner, copaban las listas de éxitos de medio mundo con su rock melódico de alta calidad. En ese contexto Santana ofrecían un atrayente álbum en donde sobresalían como era habitual sus enormes habilidades con las seis cuerdas, unido a unas composiciones de AOR de gran merito como las adictivas "Changes", "Searchin´",  "Winning", "Over and Over" o "I Love You Much Too Much", mientras que el estilo añejo esta presente en "Primera Invasion", "Tales of Kilimanjaro", "American Gyspsy", "É Papa Ré", "Sensitive Kind", "Brightest Star" y "Hannibal".  "Zepob" es uno de los trabajos de Santana en donde mejor supieron conjugar los sonidos modernos del rock melódico, con el pasado jazz rock de sus álbumes de la década anterior.

Iron Butterfly-Heavy (1968)

Iron Butterfly es toda una leyenda del rock psicodélico de los sesenta, sin embargo su carrera esta eclipsada por el hit mundial que supuso "In-A-Gadda-Da Vida", un álbum y un sencillo que hasta la fecha ha vendido la friolera de 30 millones de copias alrededor del mundo. Un hecho de esa magnitud lastraría cualquier otro disco de su discografía, algo que de manera injusta ha sido lo que ocurriría con esta mítica formación. Encuadrados dentro del movimiento psicodélico de la costa oeste norteamericana, en 1968 publicaron su primer lanzamiento discográfico, este "Heavy", y pese a que son considerados percusores de manera germinal en el rock vanguardista y en el heavy metal, también es cierto que en aquella época el termino "heavy" era denominado para cualquier estilo de música pesada y oscura, y no el vertiginoso, frenético y estridente estilo actual. En este álbum debut este quinteto formado por Darryl DeLoach (voz y percusión), Danny Weis (guitarra), Doug Ingle (órgano), Jerry Penrod (bajo) y Ron Bushy (batería), muestran una serie de canciones orientadas a la psicodélica con connotaciones a la música garage, al soul y al rhthym and blues, sobresaliendo cortes como la melancólica "You Can´t Win", la hipnótica "Look For The Sun", la alegre "Gentle As It May Seem", la pegadiza "Possesion" o la acida instrumental "Iron Butterfly Theme". En definitiva este fue un interesante debut con muchas ideas creativas y prometedoras que terminarían desarrollándose brillantemente en sus siguientes álbumes.