Aviator-Turbulence (1980)

Aviator fue una efímera banda británica, que estaba formada por tres legendarios músicos procedentes de algunas formaciones emblemáticas como Manfred Mann, Jethro Tull y Blodwyn Pig. Ellos eran el saxofonista Jack Lancaster, el baterista Clive Bunker y el guitarrista y cantante Mick Rogers, quienes junto al bajista John G.Perry publicaron dos interesantes álbumes a finales de los años 70. En 1978 bajo la producción del teclista de Brand X Robin Lumley, lanzaron su primer trabajo en donde mostraban un ecléctico estilo que se movía entre el art rock y el rock progresivo tardío. En esta primera entrega sobresalen la hipnótica "Keep Your Heart Right", las melodías rock de "Evil Eye" o la hard rock progresiva "Morning Journey". Un año más tarde Lancaster abandona la nave, quedando Aviator conformado como trío y lanzando el epitafio "Turbulence", un trabajo mas acorde con los sonidos de los ochenta y que seria producido por Wil Malone, un productor que participaría en trabajos de Black Sabbath, Iron Maiden, Depeche Mode o The Verve. Sin dejar totalmente de lado su faceta progresiva, aquí conviven desde refinados temas de pop rock como "The American", hasta los blues rock progresivos "Fallen Star" y "Strange Worlds, pasando por los previsibles sonidos del pop de la década que recién había comenzado "All Your Love Is Gone" o la atractiva country rock "Wood Wharf Gumbo". Después de este segundo y último álbum, la banda daría por acabada su corta carrera discográfica. Algunos años mas tarde surgiría otra banda norteamericana con el mismo nombre, la cual estaba encuadrada en los sonidos del rock melódico y el A.O.R.

Brian Auger´s Oblivion Express-Straight Ahead (1974)

Quinto álbum de Brian Auger junto a su banda Oblivion Express y otro nuevo formato de componentes, aquí ya no aparece Godfrey MacLean a la batería siendo sustituido por el más experimentado Steve Ferrone, además de la nueva incorporación del percusionista Mirza Al Sharif. Sin embargo lo que no cambia sustancialmente es el trepidante estilo de jazz rock impulsado por el órgano Hammond de Auger, aún mas contundente en esta ocasión si cabe debido al portentoso trabajo de las percusiones de Lennox Laington, Steve Ferrone y Al Sharif. Esa vigorosa sección rítmica es patente en la inicial "Beginning Again", que basada en unos simples acordes de jazz rock muestra las excelencias de Auger y la del guitarrista Jack Miles. La sólida jazz fusion/rock "Bumpin´On Sunset" representa otro de los momentos álgidos, la cual contrastan con la funk jazz "Straight Ahead" y con la larga y pegadiza "Changes", para finalizar con la melódica "You´ll Stay In My Heart", un claro corte orientado a las radio formulas por su atractivo sonido.

Cheap Trick-At Budokan (1978)

Considerado por muchos como uno de los mejores álbumes en vivo de la historia, "At Budokan" es el álbum más vendido de la banda Cheap Trick.
Mientras que en muchas otras partes del mundo los discos de Cheap Trick pasaban sin pena ni gloria, en Japón la banda era venerada hasta el punto de que existía una histeria colectiva a su alrededor.
Esta fue una de las razones por las que decidieron grabar un álbum en vivo solo para el mercado japonés en un principio, sin embargo, en vista del éxito masivo que tuvo en el país nipón, sería lanzado a nivel mundial y solo en Estados Unidos llegaría a vender más de cuatro millones de copias.
Una mezcla explosiva de grandes riffs de guitarras, voces melodiosas y contundentes y algunos estribillos al más puro estilo de The Beatles fue el reclamo perfecto para el éxito de este soberbio directo.

Kansas-Song For America (1975)

Kansas fue una banda que en sus primeros años no tuvo la benevolencia de muchos críticos de la música rock, unos los acusaban de meros paletos que hacían rock progresivo, (lo cierto en este sentido es que ellos eran de una localidad perdida en medio del estado de Kansas, llamada Topeka, de ahí lo de paletos), otros (los mas puristas), les acusaron de orientarse demasiado a los sonidos comerciales del AOR y así la lista seguía con muchas mas criticas desfavorables. Sin embargo ellos tenían un don que pocos les podían reprochar, su enorme capacidad para evolucionar de una simple banda de clubs de su perdida localidad, hasta convertirse una de las mas grandes bandas que han surgido de tierras norteamericanas. "Song For America" fue el álbum que les concedió la credibilidad justa para tenerlos en cuenta a nivel mundial, un álbum repleto de complejas melodías, singulares compases y unos arriesgados contrapuntos armónicos, todo ello bajo el rock americano de raíces como el blues y el country. Los enérgicos riffs de las guitarras de Kerry Livgren y Rich Williams son sabiamente combinados por el extraordinario trabajo del violin de Robbie Steinhardt, mientras que la calida voz de Steve Walsh pone el contrapunto a esta vorágine de deslumbrantes sonidos. Aquí están representados desde el rock americano "Down The Road" y "The Devil Game", hasta la asombrosa pieza progresiva "Lamplight Symphony", la maratoniana "Song for America", o la epopeya "Incomudro-Hymn To The Atman". Con esta segunda entrega, Kansas no solo lograron crear una singular obra de arte, sino también un álbum tan esencial como imprescindible en el rock norteamericano y en el rock progresivo en general.

Rubicon-Rubicon (1978)

Formada principalmente por músicos blancos, Rubicon fueron una de las mas reconocidas bandas de un sonido y un  estilo eminentemente negro, como es el funk rock. Formada casi a finales de los 70 en California, su impulsor fue Jerry Martini quien anteriormente había formado parte de los legendarios Sly & The Family Stone, quien reclutaría Brad Gillis (guitarra), Dennis Marcello (saxofón), Jack Blades (bajo), Greg Eckler (batería), Johnny Colla (saxo) y a Jim Pugh (teclados). En 1978 llegaría su debut discográfico con el homónimo "Rubicon", el cual lograría un destacado interés en las listas de éxitos gracias a cortes como la balada "I´m Gonna Take Care Everything" o al musculoso funk rock "Vanilla Gorilla". Además en este primer lanzamiento aparecían otros temas de gran calibre como las portentosas y trepidantes funk "That´s The Way Things Are", "And The Moon´s Out Tonight" y "Cheatin´" o el rock melódico "Closely". El buen recibimiento de este álbum les abriría las puertas a participar en la segunda edición del mítico festival "California Jam", celebrado en Ontario a mediados de 1978. Un año mas tarde con la inclusión de un nuevo baterista (Kelly Keagy), publicarían su segundo y ultimo trabajo "America Dreams", con el que continuaban su propuesta funk pero con sutiles inclinaciones orientadas al rock melódico. Poco después del lanzamiento de este "America Dreams", la banda se disolvería definitivamente, pasando algunos de sus miembros (Blades, Gillis y Keagy), a formar parte de banda de A.O.R. Night Ranger, mientras que el saxofonista Colla ingresaría en Huey Lewis and The News.

Satchitananda-A Thought Away (1978)

Satchitananda es el extraño nombre de una efímera formación norteamericana de jazz rock que fue fundada a mediados de los 70 en los alrededores de Chicago. Con una inédita combinación que adolecía de guitarra y bajo, sus componentes eran Kevin McGlennon, piano clásico, voces y flauta, Ken White, saxo, voz y flauta, Dave Hoffman, teclados, Mark Janas, batería y Tom Deglman, arreglista. Su estilo estaba mas cerca del jazz fusión que del jazz rock propiamente dicho, sin embargo el dinamismo de sus composiciones con una excelente sección rítmica y la perfecta sincronización entre las flautas, el saxo, los teclados y la voces, convierten su único registro oficial en otra de las excelentes muestras del jazz experimental estadounidenses de la década de los 70. Este único álbum titulado "A Thought Away" fue lanzado en 1978 bajo el sello Aferton Records, una pequeña discográfica con sede en Illinois. En esta entrega nos encontramos una extraordinaria colección de piezas que van desde ambientales paseos atmosféricos de gran belleza "The Whisper Heard Above The Roar", hasta cortes eminentemente mas progresivos como las jazz rock "Alpha and Omega" y "Listen To Me" o melodías pop jazz como "Destiny", hasta acercamientos al sonido británico de Canterbury con la esplendida jazz fusión/rock "A Thought Away".

Savoy Brown-Looking In (1970)

Comenzando los años 70, la mítica banda de blues rock Savoy Brown, lanzaba su sexto álbum "Looking In", con el cual seguían su senda triunfante en tierras británicas y en Norteamerica. Detras de este sexto álbum, la formacion británica habia dejado para la posteridad memorables trabajos como "Getting to the Point", "Blue Matter", "A Step Further" y "Raw Sienna", en los cuales mostraban su magnifica propuesta de blues rock como el cadencioso "It´s All My Fault", los memorables blues "Tolling Bells" y "Black Night" o poderosas versiones como "Ain´t Superstitions". Sin embargo sus constantes salidas y entradas de miembros les mermaban continuamente su estabilidad y bajo ese contexto ocurriría lo mismo en 1970. En "Looking In" ya no aparece su cantante original Chris Youlden, quien había abandonado después del anterior registro "Raw Sienna", y el cual ni siquiera seria sustituido, siendo el guitarrista Lonesome Dave quien se encargaría de esa labor. El resto de la formación estaba compuesta por el guitarrista solista Kim Simmonds, el bajista Tone Stevens y el baterista Roger Earl. En esta sexta entrega el cuarteto restante pone toda la carne en el asador confeccionando un antológico disco de enérgico blues rock como queda demostrado en un excitante repertorio destacando la lisérgica "Poor Girl", la soterrada blues "Money Can´t Save Your Soul", la jazzistica bluesy "Sunday Night", la boogie blues "Take It Easy" o la tour de force "Leavin´Again". Pese al tremendo éxito del album en tierras norteamericanas, poco después de su lanzamiento tres de sus miembros; Stevens, Earl y Lonesome, abandonarían Savoy Brown para fundar la banda de hard rock y boogie rock Foghat.

Kraftwerk-Autobahn (1974)

Ideado como resultado de los frecuentes viajes por la autopista que va desde Dusseldorf, (la residencia de los componentes de Kraftwerk), hacia Colonia donde se ubicaba el estudio de grabación, en 1974 se publicó "Autobahn", el cuarto álbum cronológicamente de Kraftwerk.
Este disco marcaria definitivamente el cambio de estilo de la banda, alejándose del krautrock de los primeros trabajos para ir directamente a los sonidos totalmente electrónicos.
"Autobahn" fue un arriesgado paso experimental que representó musicalmente un viaje por carretera, aderezado con sonidos como el del motor de un vehículo, el ruido del tráfico circundante o los sonidos de las estaciones de radio.
"Autobahn" es considerada la primera grabación de música electrónica exitosa, y aunque hubo muchas otras antes que ésta, ninguna tuvo la repercusión mediática que tuvo este trabajo para el posterior desarrollo de la música vanguardista y el pop electrónico.

Birth Control-Live (1974)

Para cuando Birth Control lanzó este doble álbum en directo en 1974, tenían tras de si cuatro excelentes discos dentro del género krautrock.
Fundada a finales de los sesenta, tomaron este controvertido nombre en respuesta al Papa "Pablo VI" y sus opiniones con respecto a los anticonceptivos y el aborto.
Ya en 1970 publicaron su primer album homónimo "Birth Control", con el que  comienzan a darse a conocer masivamente en toda Europa, los siguientes "Operation" y "Hoodoo Man" (ambos con portadas tremendamente polémicas), son dos de sus mejores trabajos, y en donde aparece una de sus canciones más emblemática y reconocida, "Gamma Ray".
"Live" contiene sólo cinco temas, todos ellos de larga duración, comenzando por el mencionado "Gamma Ray", un tour de force trepidante de 20 minutos, o "The Work Is Done" con casi 17 minutos.
En general, es un directo en donde podemos apreciar el sonido envolvente del teclado Hammond, con un sonido fascinante y pesado, unos increíbles blues rock interpretados de manera sublime, unas poderosas guitarras ácidas y psicodélicas, y la portentosa voz de su baterista Bernd Noske.
En definitiva, un doble album y una admirable banda que hicieron historia dentro del panorama del rock progresivo en general y del krautrock en particular.

The Lee Riders-The Lee Riders (1972)

The Lee Riders fueron una banda de rock sureño de corta duración, de la cual surgieron una de las icónicas formaciones del country rock como fueron los incombustibles Pure Prairie League. Originarios de la localidad de Woodstcok en Nueva York, fue formada por el cantante Robert Lee, quien reclutaría a diferentes músicos con sus mismas preferencias musicales del sur norteamericano. Ellos eran Bill Hinds (batería), Mike Reilly (bajo), Mike Connor (órgano) y Matt Presby (guitarra). Gracias a un contrato con United Artists se trasladaron a Inglaterra donde grabarían su único registro homónimo. Sin embargo el baterista Bill Hinds prefirió quedarse en los Estados Unidos y seria sustituido en tierras británicas por Roy O´Temro. Lanzado a mediados de 1972, en este único álbum nos encontramos desde clásicos western country rock, hasta estelares rock sureños como "Ruby Valentino", "Highway Queen", "The Moment" o "Pale Horse", que pese a su incuestionable calidad no obtuvieron la merecida atención del publico. Un gira promocional por todo el Reino Unido teloneando a David Bowie, quien estaba en gira presentando su album "Ziggy Stardust", fue el epitafio de The Lee Riders en tierras británicas, que terminarían por regresar a los Estados Unidos algún tiempo después. Una vez en su país de origen, Connor y Reilly fundarían junto a Bill Hinds los mencionados Pure Prairie League, comenzando así una fructífera y exitosa carrera certificando algunos de los mejores discos del country rock norteamericano como "Bustin´Out", "Two Lane Highway", "If The Shoe Fits" o "Firin´Up".

Desperado-Ace (1989)

Desperado fue un efímero proyecto a modo de súper grupo que lanzaría un notable disco del heavy rock finalizando la década de los ochenta. Esta mítica formación estaba compuesta por el ex Iron Maiden, Clive Burr (bateria), el ex Ian Gillan, Band Bernie Torme (guitarra), el ex vocalista de Twisted Sister, Dee Snider y el bajista Marc Russell. El único registro oficial de esta banda fue grabado en 1989 bajo el sello Electra Records, sin embargo el álbum fue almacenado hasta algunos años después cuando una discográfica independiente lo publicara de manera oficial en 1996. La energía de este único álbum reside en la habilidad y destreza de sus miembros, mezclando el heavy rock, el hard rock y el glam rock, bajo los fundamentos del blues. Esos sonidos bluesy están presentes en la hard rock "Hang ´Em High", mientras que el rock mas rudimentario sale relucir en las potentes "Gone Bad” y "No Angels Here", en las cuales Torme se aplica con unos grandes riffs de guitarra acompañados por unos solos apoteósicos. Por otra parte son en la martilleante "Run Wild Run Free" y en el pesado rock "See You At Sunrise", donde mejor podemos apreciar el sobresaliente rango vocal de Snider. Para acabar aparecen las heavy metal "Son Of A Gun" y "Emajeevull", que junto a la melódica medio tiempo "Ride Thru The Storm", conforman un encomiable álbum creado por el gran talento, el ingenio y la destreza de estos excelentes músicos.

Cravinkel-Garden Of Loneliness (1971)

Encuadrados oficialmente en el krautrock, Cravinkel fueron en realidad una banda mas cercana a los sonidos del folk acido y el country rock americano, que a las experimentaciones y al vanguardismo místico de las bandas coetáneas germanas del mismo movimiento. Formada a finales de los sesenta estaba constituida por Gerd Krawinkel (guitarra), Rolf Kaiser (bajo y voz), George Haupt (batería) y Klaus Meier (guitarra y voz). Su primer álbum acontecido en 1970, es un peculiar experimento de opaco folk psicodélico, que esta fusionado de ambientes bucólicos y rock melódico. Las solidas melodías contrastan con algunas guitarras distorsionadas, emotivas voces y una sensación de melancolía. Canciones como las atractivas country rock "Candlelight", "Lonesome Road" o "Hidden Love" son junto a pastorales y nostálgicas piezas como "Two Circles", lo más destacado de este primer registro. Un año mas tarde llegaría el segundo y el epitafio de esta oscura agrupación, "Garden Of Loneliness", que a diferencia del tranquilo y sosegado debut, muestran una faceta mas cruda y ordinaria con acercamientos al hard rock estándar con sutiles elementos progresivos como queda patente en la enérgica canción que da titulo al álbum o en "Stoned", un tour de force de pesado y rotundo heavy rock.

Golden Earring-Live (1977)

Bajo una dibujada escena del grupo en escena, este fue el primer directo de los holandeses Golden Earring, que lanzado a finales de 1977, recogía parte de su material mas rockero, progresivo y psicodélico. Grabado en el Rainbow Theatre londinense a principios de 1977, la formación que actuaría aquella noche estaba compuesta por George Kooymans (guitarra y voz), Rinus Gerritsen (bajo y teclados), Barry Hay (voz y flauta), Eelco Gelling (guitarra) y Cesar Zuiderwijk (batería). Con una serie de versiones mas extendidas en comparación con las originales de estudio, el repertorio esta compuesto principalmente por temas pertenecientes a sus álbumes "Moontan" (1973), "Seven Tears" (1971), "To The Hill" (1975) y "Contraband" (1976). Sin embargo tantos temas con una duración que supera los nueve minutos (siete en total), son a costa de prescindir de otros grandes clásicos de la banda que no fueron incluidos aquí por falta de espacio. Aun así, las que están incluidas son unas excelentes muestras del porque Golden Earring siempre fueron considerados una mejor banda de directo que de estudio. Un doble álbum que logra capturar la enorme intensidad que Golden Earring mostraba sobre el escenario, desde la extendida "Radar Love", hasta la epopeya psicodélica "Eight Miles High" de The Byrds, pasando por la rotunda rock "Candy´s Going Bad", el magnifico tour de force "Mad Love´s Comin´" o la hard rock progresiva "Vanilla Queen". Un brillante repertorio que esta interpretado con ritmos contundentes y poderosos, en donde el denso sonido de sus dos guitarristas, junto a la sección rítmica ajustada y precisa, conducen la música de este directo hacia grandes pasajes instrumentales, convirtiendo a este doble álbum en uno de los mas famosos de los años 70.

Neil Young and Crazy Horse-Ragged Glory (1990)

En 1990, Neil Young ya llevaba tres años fuera de Geffen Records y había firmado con Reprise Records con quien había publicado el extravagante pero magnífico "This Note's For You" y el fantástico "Freedom", ambos para desgracia de su anterior compañía, indignada por los mediocres trabajos grabados para el sello discográfico dirigido por David Geffen, durante gran parte de la década de los ochenta.
La continuación de "Freedom", sería "Ragged Glory", otro álbum extraordinario junto a su banda los Crazy Horse y donde demostró que no había perdido ni un ápice la inspiración que perdió años atrás, o quizás quiso guardarla para mas adelante.
"Ragged Glory" es un disco de rock potente y enérgico, con temas poderosos y de gran vigor y visceralidad como "Love To Burn", "Love and Only Love" o "White Line", que destilan vitalidad y riffs trepidantes por todas partes.
En este disco hay composiciones que Neil Young había interpretado en directo con los Crazy Horse en los años 70, pero que nunca habían sido publicadas oficialmente como "White Line" o "Country Home".

Aerosmith-Aerosmith (1973)

“Dream on” es una de las canciones que son parte del primer álbum de la banda de Boston, Aerosmith, publicado en 1973, pero seria después de su relanzamiento a finales de 1975, y gracias un sin número de emisoras de radios americanas, cuando se situaría en los primeros puestos de los charts estadounidenses.
Sin embargo, dentro de esa sencilla portada sobre las nubes de su primer álbum, aparte de la mencionada “Dream On”, flotan otras canciones como “Walkin’ the Dog”, un tributo a Rufus Thomas Jr, un relevante Bluesman, la clásica “Toys in the Attic”, tema redondo en todo los sentidos, la fusión de rap y rock conectados en ‘Walk This Way’ o la primera aportación escrita del guitarrista Brad Whitford, “Round a Round”, estupenda canción aromatizada con toques psicodélicos.
Sin embargo, “Dream On” ya habia sido tocada en vivo por primera vez en el Shaboo Inn -Willimantic, Connecticut en 1969 con la antigua banda de Steven, (quien la compusiera cuando era joven a mediados los años 60), Chain Reaction. Sin duda fue una de las canciones más exitosas de la banda, y su sencillo más popular durante los años de formación del grupo en la década del 70 y un pasaporte inmediato que catapultaría a este álbum al éxito.

Canarios-Ciclos (1974)

Si hay un álbum de un grupo español que fue venerado en muchos países a nivel internacional, ese fue "Ciclos" de los Canarios. El único de este genero que esta banda hizo, pero que se convirtió en una obra maestra a nivel mundial.
Basado en cierto modo en el “Pictures at and Exhibition” de Emerson Lake & Palmer, los Canarios hicieron su particular concepto sobre las “Cuatro estaciones de Vivaldi”, que ha diferencia del lanzado por el trío británico, este es mucho mas elaborado y refinado sin la pomposidad y el egocentrismo de EL&P.
Este soberbio doble álbum fue un ambicioso proyecto de Alain Milhaud y Teddy Bautista, productor y teclista de los Canarios, respectivamente. Ideado originalmente como un trabajo para el consumo discográfico y no para ser interpretado en vivo, fue básicamente un complejo experimento de estudio con un resultado asombroso. Musicalmente "Ciclos" es una amalgama de estilos muy diversos que van desde el rock al pop, pasando por sonidos latinos, barrocos, clásicos y jazz, por momentos parece que estamos escuchando a lo mas granado del progresivo británico (Yes, Genesis o los citados EL&P) pero realizado con exquisitez y una gran sofisticación  
Este sofisticado viaje a modo de álbum conceptual esta ambientado en la vida del ser humano, el nacimiento, la infancia, la juventud, la madurez, la vejez y la muerte, por lo que no es de extrañar que sus autores se basaran en el concepto estructural de la obra del citado “Cuadros de una Exhibición” de Mussorgsky, pero cambiando el concepto por el basado en las “Cuatro estaciones de Vivaldi”.
Una obra que comienza con sonidos psicodélicos, en donde los llantos de un niño recién nacido toman durante pocos segundo el protagonismo, todo ello seguido por sonidos barrocos en donde sobresalen las guitarras y los teclados de sintetizadores y órgano.
Un viaje sonoro que continua por senderos progresivos, con épicos sonidos con temas orquestados, el rock e incluso guiños al blues hacen las referencias clásicas de las cuatro estaciones. La densidad de la electrónica y las múltiples percusiones con ambientes jazz, dejes folkloricos, referencias góticas e incluso sacras a modo de cantos gregorianos derivan hacia sonidos hipnóticos, atmosféricos y sublimes, con un Apocalipsis final antológico.
“Ciclos” es una obra magna que por desgracia en su momento fue ignorado por el gran público, sobre todo el español, haciendo celebre la frase de “nadie es profeta en su tierra”, pero que sin embargo con el tiempo se convirtió en el mejor disco de rock progresivo jamás realizado en España, y uno de los mas ambiciosos y reconocidos del rock progresivo a nivel mundial.

Boston-Don´t Look Back (1978)

Para muchos críticos y seguidores del AOR y el rock melódico, Boston fueron los inventores de este género, y ya con su primer disco, el mundo entero se asombraría con lo que ofrecieron en ese monumental trabajo, convirtiéndose al mismo tiempo en uno de los discos debut más antológicos y geniales de la historia de la música rock y uno de los comercialmente más exitosos.
Varios años mas tarde la banda publicaría este "Don't Look Back", un trabajo que se editó más por las presiones del sello Epic Records, que por la voluntad de la banda y en particular de su líder Tom Scholz.
Este disco es un trabajo que continua por la senda del anterior y aportó pocas novedades con respecto aquél, pero que sin embargo mantuvo un altísimo nivel de composición, calidad y coherencia.
Canciones como la honorable "Don´t Look Back", la balada "A Man I´ll Never Be" o himnos rockeros como "The Journey" y "It's Easy" se convirtieron de inmediato en obras maestras del rock, con un trabajo sensacional de guitarras y un espectacular y grandilocuente sonido.

Toto Blanke-Spider´s Dance (1975)

Hans Otto Blanke, mas conocido como Toto Blanke, fue uno de los músicos mas reconocidos de la escuela europea del jazz de vanguardia. Conocido principalmente por haber pertenecido a la formación Association PC, liderada por el teclista holandés Jasper Van´t Hof, paralelamente iniciaría su carrera individual formando varias bandas al mas puro estilo de los combos norteamericanos Mahavishnu Orchestra y Return to Forever, pero con un plus añadido de experimentación. Su carrera al margen de su banda madre se iniciaría en 1975 lanzando su primer álbum titulado "Spider´s Dance". Para este proyecto Toto Blanke formaría una interesante banda compuesta por Joachim Kühn (piano eléctrico), "Charlie" Mariano (saxo y flauta), John Lee (bajo) y Gerry Brown (batería), además del propio Blanke quien se encarga de las guitarras eléctricas y acústicas. En este primer trabajo el guitarrista germano no oculta sus influencias del jazz rock/fusion enérgico americano con dosis progresivas como queda demostrado en una serie de creativas composiciones, brillantemente ejecutadas por una banda que muestra su enorme virtuosismo instrumental. Piezas como las jazz rock "Lady´s Bicycle Seat Smeller", "Spider´s Dance" o "Intermission" se intercalan con otras de carácter mas experimental como la compleja "Slight Touch Of Hepatitis" o la dinámica funk jazz vanguardista "Toto". Sin duda "Spider´s Dance" es una de las obras más interesantes del jazz rock/fusión europeo, el cual tendría continuidad con otras de Toto Blanke de excelente creatividad como los posteriores "Electric Circus" (1976) y "Tales of Tomorrow" (1978).

Bob Dylan-Blood On The Tracks (1975)

Enmedio de una época de tumultuosos problemas sentimentales, Bob Dylan publico su decimoquinto álbum "Blood On The Tracks", con el cual y probablemente a causa de esa tensa situación, se convirtió en uno de sus mejores logros creativos de los años 70. Grabado durante los últimos meses de 1974 entre Nueva York y Minneapolis, para esta grabación contaría con un amplio plantel de músicos de estudio como Bill Berg (guitarra), Paul Griffin (teclados), Eric Weissberg (banjo), Billy Peterson (bajo), Gregg Inhofer (teclados), Peter Ostroushko (mandolina) o Richard Crooks (batería), entre otros. "Blood On The Tracks" esta rodeado de melancolía, amargura y desencanto, todo ello enmarcado en un tono musical de folk acústico con preciosas melodías y ajustados arreglos instrumentales. Los lamentos amargos de las brillantes "Tangled Up In Blue" y "You´re A Big Girl Now," contrastan con la enérgica y mordaz "Idiot Wind", las intimistas "Simple Twist Of Fate" y "If You See Her, Say Hello", la optimista y alegre "Shelter From The Storm", la folk "You´re Gonna Make Me Lonesome When You Go" y la bluesy "Meet Me In The Morning". Con este registro Bob Dylan reflejaba su lado mas introvertido e intimista y que pese al desanimo general de su repertorio, lograría un numero uno absoluto en el Billboard y varios discos de platino por sus considerables ventas a nivel mundial.

Elton John-Goodbye Yellow Brick Road (1973)

Elton John fue una de las estrellas más rutilantes a principios de los 70, aclamado en su Inglaterra natal a pesar de las feroces críticas de la prensa británica, que lo acusaban de sonar demasiado estadounidense, mientras que en Estados Unidos era idolatrado tanto por la crítica como por el público en general.
Así las cosas Elton John entró en los estudios para grabar su próximo disco, "Goodbye Yellow Brick Road", que sería su séptimo álbum y de esa manera continuar su marcha militar con un éxito arrollador a ambos lados del Atlántico.
Junto a Bernie Taupin, su letrista y colaborador habitual y parte fundamental en la carrera del teclista, compusieron el material para publicar un disco doble.
Sin embargo, en un principio el propio Elton John no las tenía todas consigo al considerar la posible reacción de sus fans al tener que pagar el doble por comprar un disco suyo y escuchar su música.
Finalmente el álbum fue lanzado en diciembre de 1973 y se convirtió en el tercer lanzamiento de su abrumadora serie de seis consecutivos que alcanzaron el número uno en América, iniciado en 1972 con el disco "Honky Chateau".
Este álbum contiene hits instantáneos; "Candle In The Wind" (dedicación de Bernie Taupin a Marilyn Monroe), el rockero "Saturday Night's Alright", la progresiva y épica "Funeral For a Friend", o la soberbia canción pop "Goodbye Yellow Brick Road".
Este fue el disco que más sencillos de éxitos se lanzaron al mismo tiempo, también fue su disco más variado y ecléctico de toda su discográfica, el cual alcanzó ventas asombrosas con más de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo.

Van Morrison-It´s Too Late To Stop Now (1974)

En la primera mitad de la década de 1970, Van Morrison estaba en su mejor momento como intérprete, había grabado una serie de álbumes de pura antología y en 1973 se embarcó en una gira mundial acompañado de su banda, The Caledonian Soul Orchestra.
De esa gira se tomaron una serie de canciones que completaron el doble en vivo "It's Too Late To Stop Now" que se publicó a principios de 1974.
Para esta gira, además de sus músicos habituales, se incluyó una sección de cuerdas para fortalecer y dar más consistencia y variedad a su repertorio, como se demuestra en "Here Comes The Night", que termina siendo una versión totalmente diferente a la que originalmente grabó Them en 1965.
El repertorio estuvo compuesto por canciones de sus últimos discos como "Moondance","Saint Dominic's Preview" o "Hard Nose The Highway", y sin embargo, ninguna de las piezas de su álbum más aclamado "Tupelo Honey" fue incluida por expreso deseo del propio Morrison, que quería un álbum genuinamente sencillo sin canciones con demasiados arreglos.
Años más tarde, el propio Van Morrison reconoció que este álbum es su obra maestra y para muchos este es uno de los discos en vivo esenciales de la historia del rock.

Craig Chaquico-Acoustic Planet (1994)

En 1993 el ex guitarrista de la mítica banda de los 60 y 70 Jefferson Airplane y Jefferson Starship, Craig Chaquico, lanzaba su primer disco en solitario titulado "Acoustic Highway", un memorable ejercicio de armonías y melodías enfocado en el estilo "new age", pero fusionado con sonidos jazzísticos y ritmos apasionados.
Un año después publicaría este "Acoustic Planet", donde Chaquico amplía el horizonte musical hacia sonidos e influencias más variadas como el blues, los sonidos latinos y el smooth jazz, sin dejar esa sensación "new age" que impregna todo el disco.
Un álbum lleno de viajes creativos que construyen un paisaje sonoro abrumador y que valdría la nominación al mejor álbum de música "new age" en los premios Grammy del año siguiente.

Nazareth-The Newz (2008)

Tras mas de cuarenta años de existencia, en el año 2008 Nazareth lanzaban su vigésimo primer álbum "The Newz", diez años después del ultimo trabajo en estudio publicado "Boogaloo" (1998), el ultimo por cierto en donde participaría el miembro fundador Darrell Sweet que fallecería a finales de 1999. Para cuando se publico este nuevo trabajo la banda contaba con dos nuevos integrantes, por un lado el baterista Lee Agnew y por otro el guitarrista Jimmy Murrison, quienes junto a los miembros fundadores Pete Agnew (bajo) y Dan McCafferty (voz), crearon uno de sus trabajos mas laureados y reconocidos por la critica y sus innumerables fans. Aquí vuelven a demostrar su tremenda destreza para aglutinar diferentes estilos e influencias con una exhibición magistral combinando desde el hard rock, hasta el rock clásico, pasando por el rock melódico o el country rock. Una retahíla de canciones memorables componen un disco exquisito y muy disfrutable como "Keep On Travellin´", "Road Trip", "Goin´Loco", "Day At The Beach", "Liar", "Mean Streets", "Gloria" o "Warning", las cuales los volverían a poner entre la vanguardia del rock mundial.

The Climax Blues Band-Plays On (1969)

La Climax Chicago Blues Band es una de las mejores bandas del blues británico que surgieron a finales de la década de los 60, y que sin embargo esta injustamente olvidada por el gran público en general.
Compuesta por el afamado guitarrista Peter Haycock y el cantante Colin Cooper, el resto lo formaban el guitarrista Derek Holt, el baterista George Newsome, el bajista Richard Jones y el teclista Arthur Wood.
Su álbum debut "The Climax Chicago Blues Band", lanzado en 1969, obtendría excelentes críticas y unas ventas mas que aceptables.
Posteriormente y debido a las presiones de su discográfica y de la banda de jazz-rock Chicago, que en ese momento se llamaban "Chicago Transit Authority", tuvieron que reducir su nombre a "The Climax Blues Band", y bajo este lanzaron su segundo álbum "Plays On ”, que a diferencia de su trabajo anterior, fusionan el blues con enfoques jazzísticos, obteniendo un sonido espectacular y brillante.
Desde el principio, la banda exploró el terreno jazzístico con el tema inicial "Flight", al que siguieron magníficas canciones como "So Many Roads", "Hey Baby", el devastador Blues "Everything's Gonna Be Alright Yeh Yeh Yeh" o la divertida "Crazy Bout My Baby".
"Plays On" es un disco lleno de sonoridad profunda e insuperable, en donde destacan los impresionantes solos de guitarra de Haycock, uno de esos guitarristas que están a la sombra de los grandes de su época, pero que en absoluto desmerece su talento ante cualquiera de ellos.

Cox Orange-Cox Orange (1978)

Atractivos sonidos de jazz fusión, combinados con la energía del rock, fue la interesante propuesta de Cox Orange, una banda danesa que publicaron tres álbumes de estudio entre finales de la década de los 70 y principios de los 80. Su numerosa formación estaba compuesta por los saxofonistas Morten Elbek, Anders Gårdmand, Holger Laumann y Niels Mathiasen, los guitarristas Finn Gustafsson y Flemming Ostermann, el teclista Karsten Simonsen, y la sección rítmica compuesta por Peter Danstrup (bajo), Ethan Weisgard (batería) y Birger “Krølle” Sulsbrück (percusión). Publicado en 1978, su álbum debut homonimo muestra su sugestiva propuesta estilistica la cual no se aleja demasiado del jazz rock/fusión norteamericano, con unos elegantes arreglos y un amplio abanico de sonoridades e interacciones entre los instrumentos de vientos y las guitarras. Temas como "Dedication to Ironside", "Always Public" o "Svend Age", conformaban un debut prometedor que llamaría la atención en los ambientes del genero jazzistico. Varios años mas tarde lanzaron "Cox Orange II" en donde vuelven a manifestar su pasión por las refinadas melodías en otro estimable álbum de jazz fusión. Luego de unos años de inactividad volvieron a publicar un tercer trabajo "Move Your Feet" (1984), que seguía las pautas musicales de sus dos primeros esfuerzos discográficos.

Thirsty Moon-Thirsty Moon (1972)

Thirsty Moon fueron otra de esas legendarias y oscuras bandas germanas, encuadradas dentro del krautrock, en su vertiente de jazz rock progresivo, que publicaron cinco álbumes entre el periodo comprendido entre 1972 y 1981. Su formación estaba compuesta por Jürgen Drogies (guitarra), Norbert Drogies (batería), Michael Kobs (teclados), Harald Konietzko (bajo, guitarras y voz), Erwin Noack (percusión), Willi Pape (saxo y flauta) y Hans Werner Ranwig (órgano y voces). Su debut discográfico bajo el prestigioso sello alemán Brain esta repleto de una gran maestría musical, con un elegante estilo y una meticulosa precisión instrumental, con grandes arreglos de metales, un órgano pesado, unas guitarras acidas y viscerales y unas atmósferas de gran experimentación. El liderazgo de los hermanos Drogies en la batería y en la guitarra son el brazo impulsor del jazz rock con tintes psicodélicos y vanguardistas con ocasionales elementos de hard rock. El abrasador brass rock "Big City" es junto a la tour de force progresiva "Yellow Sunshine", las esencias fundamentales del estilo de Thirsty Moon, las cuales son complementadas por la melodía psicodélica de "Love Me", la energía del jazz fusion "Morning Sun", y de la furiosa heavy rock "Rooms Behind Your Mind".

Cat Stevens-Greatest Hits (1975)

La carrera de Cat Stevens está marcada por tres etapas bien diferenciadas, la primera durante los años sesenta, cuando quiso ser un cantante más en las oleadas de artistas británicos que dominaban el mercado internacional.
Fue en esta época cuando lograría su primer gran éxito con la canción "Matthew and Son", pero una enfermedad lo mantuvo retirado durante mucho tiempo durante en el cual cambiaría su forma de ver la música, alejándose del pop comercial y entrando en el género de cantautor, con el que lograría sus mayores éxitos.
Tras su éxito en los años setenta se retiraría durante mucho tiempo para volver bajo el nombre de Yusef Islam con quien grabaría música religiosa exclusivamente musulmana.
Su etapa de gloria incluye una serie de grandes álbumes centrados en el folk rock como "Mona Bone Jakon", "Tea For The Tillerman", "Teaser and the Firecat", "Catch Bull at Four", "Foreigner", "Buddah and the Chocolat Box", "Numbers" o "Izitso", todos ellos publicados en el período comprendido entre 1970 y 1977.
En ellos aparecieron grandes canciones que llenaron su repertorio de clásicos como "Morning Has Broken", "Moonshadow" o "Father and Son", entre otros muchos.
En 1975 estos y otros éxitos fueron incluidos en el recopilatorio "Greatest Hits", que alcanzó un éxito abrumador en muchos países, dejando constancia del legado de este talentoso y polifacético músico y cantante.

Canned Heat & John Lee Hooker-Hooker N´Heat, Live at The Fox Venice Theater (1981)

Canned Heat siempre tuvieron una deuda con las grandes leyendas del blues y de ahí sus numerosas versiones de míticos bluesman como Muddy Waters, John Lee Hooker, Willie Dixon, Robert Johnson, Sonny Boy Williamson II o Guitar Slim entre otros muchos mas. A mediados de 1970 la banda quiso darle un tributo a uno de esos grandes bluesman como era John Lee Hooker, invitándole a participar en su nuevo álbum, el cual terminaría titulándose "Hooker N´Heat, que publicado en 1971 seria el ultimo en donde participaría el guitarrista Alan Wilson, fallecido meses antes de su publicación. Diez años después el cantante Bob "The Bear" Hite quiso rendir tributo a su ex compañero fallecido organizando un concierto en el Fox Venice Theater de los Angeles, para lo cual además de los propios Canned Heat y el apoyo vocal de los Chambers Brothers, volvería a contar con John Lee Hooker entre otros músicos invitados. En este concierto el protagonismo se lo llevan los dos pesos pesados vocales (Hooker y Hite), que con sus sudorosas interpretaciones, secundadas por la talentosa banda compuesta por el baterista Fito de La Parra, el pianista Ronnie Barron, y el guitarrista Mark Skyer, ofrecen un repertorio cargado de enorme feeling blues y boogie rock, desde la fanfarrona "Hell Hound" con un imponente Hite a la voz y la sublime guitarra de Hooker, hasta las placenteras blues "The House Of Blue Lights" y "Open Up Your Back door". Por otro lado Hite se abre camino de manera majestuosa con el popurrí "Lets Work Togheter"/Going´Up The Country". Por su parte John Lee Hooker mantiene su solemne presencia con su incombustible voz y su emocionante guitarra en los lamentos incendiarios "It Hurts Me Too" y "It Serves Me Right to Surffer".

Queen-Sheer Heart Attack (1974)

Siguiendo la estela del anterior álbum "Queen II", la banda liderada por Freddie Mercury y Brian May lanzaría su tercera obra titulada "Sheer Heart Attack" apenas seis meses después. Un álbum en donde comienza la transición del grandilocuente glam rock hasta el hard rock y el art rock glamoroso que se vería refrendado en el siguiente y monumental "A "Night At The Opera" de un año mas tarde. Impulsado por el original y enérgico estilo de la guitarra de Brian May, la operística voz y el piano de Freddie Mercury y la contundente sección rítmica compuesta por John Deacon y Roger Taylor, este se convirtió en su álbum mas abrasador al mismo tiempo que su propuesta mas ecléctica. Viscerales ejercicios de hard rock como "Brighton Rock", "Now I´m Here" y "Stone Cold Crazy", se hermanan con solemnes canciones como "Dear Friends", el vodevil "Bring Back Leroy Brown", el himno generacional "In The Laps Of The Gods...Revisited", las semi progresivas "Tenement Funster", "Flick Of The Wrist" y "Lily Of The Valley", o la comercial "Killer Queen". Con todas ellas lograron que el álbum los aupara meteoricamente al estrellato, sobre todo su triunfal entrada en el mercado norteamericano gracias a los impactantes hits "Now I´m Here" y "Killer Queen".

 

Robin Trower-For Earth Below (1975)

"For Earth Below" fue el tercer álbum de Robin Trower, después de dos fantásticos primeros discos que eclipsaron en parte este nuevo lanzamiento.
En este nuevo trabajo Robin Trower repite los mismos argumentos que sus antecesores, pero bajando el listón en cuanto a la crudeza de sus canciones, aunque no deja de sorprender con sus interminables solos de guitarra.
Un disco que incluye temas como la soberbia "Alathea", la eléctrica "Gonna Be More Suspicious" o la espectacular "Confessin´Midnight".
Sin ser tan magistral como "Bridge Of Sighs" y "Twice Removed From Yesterday", este álbum es un digno sucesor de esas dos obras maestras.

Black Sabbath-Master Of Reality (1971)

En 1971 Black Sabbath lanzaban su tercera entrega, "Master Of Reality", que pese a ser un trabajo refinado en las labores de producción, continuaban por el sendero del lugrube e hipnótico heavy metal, aunque ciertamente en un tono mas elegante y con unas composiciones mucho mas logradas y maduras. Grabado en una época tumultuosa para la banda, las drogas duras hacían mella en todos sus integrantes, en esta nueva entrega siguieron mostrando su cara sombría y satánica y sus continuáis alusiones al consumo de drogas, y sus mensajes antisistemas, una tematica que por otra parte atraía a miles de fans a todos sus conciertos, incluidos los polémicos Hell´s Angels. De hecho inician este disco con uno de los himnos del cannabis como es "Sweat Leaf", a esta le siguen la oscura "After Forever", la grandilocuente y siniestra "Children Of The Grave", los interludios instrumentales "Embryo" y "Orchid", esta ultima una agradable pieza acústica, la pesada "Lord Of This World" o las poderosas heavy rock "Solitude" y "Into The Void". Los antológicos y crudos riffs de la guitarra de Tony Iommi, impulsan todas y cada una de las canciones aquí incluidas, que secundados por las excelentes líneas de bajo y batería y la omnipresente voz de Ozzy volverían a crear, como ya había ocurrido con sus dos primeros lanzamientos, otra de las clásicas obras maestras del genero del metal.

The Moody Blues-Keys Of The Kingdom (1991)

El primer álbum de The Moody Blues en la década de los 90, fue el reencuentro de los Moody mas melódicos y refinados, alejados ya casi por completo de los sonidos del synthpop rock de sus anteriores trabajos de los años 80. Para este nuevo lanzamiento regresaba a la formación el cantante y flautista Ray Thomas, mientras que el resto seguía con los fijos Justin Hayward (guitarras y voz), Graeme Edge (batería), John Lodge (bajo) y Patrick Moraz (teclados), además de media docena de músicos invitados como Andy Duncan, Guy Barker, Anne Dudley, Paul Bliss, Jamie Talbot o Tony Visconti. Compuesto por brillantes piezas melodicas con grandes arreglos como "Bless The Wings (That Bring You Back)", "Is This Heaven?", "Lean On Me (Tonight", "Shadows On The Wall", "Celtic Sonant" o "Never Blame The Rainbows For Ther Rain", mientras que la pop rock "Say What You Mean (Part I & II)" es el único resquicio del pasado mas reciente. Por otro lado con las rítmicas "Magic", "Once Is Enough" y "Say It With Love", The Moody Blues dejaban claro sin ningún lugar a dudas, que después de cuatro décadas de carrera, trece álbumes publicados y millones de discos vendidos, aún podían rockear de manera contundente y apabullante.

Trees-On The Shore (1970)

Fundada en medio de la eclosión del folk progresivo británico, Trees fueron una banda que tuvo que sufrír las constantes críticas de la prensa de su país por tacharles de meros clones de otras formaciones coetáneas como Pentangle o Fairport Convention. Su carrera apenas duraría cuatro años, en los cuales publicaron dos meritorios álbumes "The Garden of Jane Delawney" y "On The Shore", ambos lanzados en 1970. Fundada en 1969, su formación original estaba compuesta por Celia Humphris (vocalista), Barry Clarke (guitarras), David Costa (guitarras), Bias Boshell (bajo) y Unwin Brown (batería). El encanto de esta formación estaba enfocada principalmente en la magnifica voz de Celia Humphris, bajo una excelente musicalidad, mostrado en unos y ricos extensos pasajes instrumentales y los precisos ambientes sosegados y tranquilos. Su primera entrega esta basado básicamente en el folk tradicional con sutiles guiños a los sonidos vanguardistas. En su segunda propuesta la banda oriento su estilo hacia elementos más psicodélicos y un sonido cercano al rock que al folk tradicional, lo que lo convierten en un trabajo mas ecléctico y variado que su debut.

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Bachman-Turner Overdrive-Not Fragile (1974)

Poco después de publicar el aclamado "American Woman" de los míticos Guess Who, uno de los fundadoras de la banda; Randy Bachman, la abandona por problemas de salud, aunque en realidad el motivo fue otra causa más cercana a la disparidad de criterios musicales que cualquier otra cosa.
Tiempo después Bachman reclutó a sus hermanos Tim, Robbie y Fred Turner para emprender otro proyecto que llamarían Bachman-Turner Overdrive, un nombre curioso inspirado en una revista de camiones de la época, algo que realzaría la imagen de una banda de rock de la clase trabajadora
Sin embargo, sus dos primeros álbumes fueron poco apreciados y pasaron desapercibidos para el público en general ("BTO" y "BTO 2"), y no entrarían en las listas hasta un tiempo después de ser publicados.
Para el próximo álbum, Bachman toma las riendas de la producción y pone a un joven guitarrista llamado Blair Thornton al frente de la banda y que resultaría el repulsivo ideal que necesitaban.
El resultado es este "Not Fragile", que editado en 1974 sería su álbum más exitoso, llegando incluso al número uno en las listas norteamericanas y logrando un sorprendente disco de platino.
El álbum contenía numerosas canciones de rock contundente y vigoroso como "Roll on Down The Highway", "You Ain't Seen Nothing Yet", "Free Wheelin" o "Not Fragile".

Camel-Nude (1981)

Tuvieron que pasar seis largos años para que los británicos Camel volvieran a confeccionar un álbum conceptual después del aclamado "The Snow Goose" de 1975. En esta ocasion el album "Nude" (el octavo álbum cronológico de la banda), esta basado en la historia real de un soldado japonés que quedo varado en una de las islas desiertas del Pacifico después de terminar la Segunda Guerra Mundial y que no fue encontrado hasta 30 años después. Un concepto que fue desarrollado por Susan Hoover, la esposa del líder y guitarrista de la banda Andy Latimer, quien junto a Colin Bass (bajo), Andy Ward (batería), Mel Collins (saxofón), Herbie Flowers (tuba) y los teclistas Kit Watkins y Jan Schelhass, lograron crear unos hermosos paisajes sonoros muy atmosféricos que encajan perfectamente con la trama de álbum. Para muchos las similitudes musicales con el mencionado "The Snow Goose" son evidentes, con la salvedad de que en "Nude" hay voces, una particularidad que en el disco de 1975 fue imposible de realizar, debido a los problemas legales con los derechos de autor del libro original Paul Gallico. Compuesto por una serie de canciones cortas que están entrelazadas entre si, exigen su total escucha como parte del todo y no consideradas como temas sueltos. Mas de la mitad del álbum son piezas instrumentales, pero incluso así siguen un perfecto patrón musical y lírico a la historia aquí reflejada. Pese a que los sonidos progresivos aparecen aquí y allá, estilísticamente es un trabajo bastante ecléctico, que van desde piezas de soft rock "City Life", hasta el rock progresivo pastoral "Fading Lights", pasando por el space rock "Lies/The Last Farewell", epicas y hermosas melodias "Drafted", lienzos new age "Landscapes" y "Pomp & Circumstance", exoticas experimentaciones sonoras "Changing Places", o el pop sofisticado "Please Come Home", todo ello bajo reflexivas atmósferas ambientales con encomiables secciones vocales y las melódicas líneas de guitarra de un Andy Latimer pletórico a las seis cuerdas.

Brian Auger-Brian Auger´s Oblivion Express (1970)

La carrera de Brian Auger comenzaría a mediados de los 60, impulsado por la influencia y el embrujo del organista de jazz Jimmy Smith. En 1964 formaría Trinity con los cuales cimentaría su enorme reputación durante los siguientes cinco años publicando media docena de álbumes de blues, jazz rock y rhythm and blues de enorme calidad como "Open", "Jools And Brian", "Streetnoise"  y "Befour" (los tres primeros junto a Julie Driscoll). Sin embargo a principios de los 70 Brian Auger decide formar un nuevo proyecto y dar más importancia a los sonidos instrumentales vanguardistas. De esa manera nacerian Oblivion Express, una banda en la que aparecían el bajista Barry Dean, el baterista Robbie Mcintosh y el guitarrista Jim Mullen. Publicado bajo el sello RCA, a mediados de 1970 se publicaba el debut homónimo de esta nueva formación, en el cual Brian Auger muestra su furioso órgano Hammond en una serie de canciones de vigoroso jazz rock rítmico con connotaciones progresivas como "Dragon Song", "Total Eclipse", "The Light", "On The Road" o "The Sword", todos ellos bajo una solida sección rítmica y el talentoso respaldo de la guitarra de Jim Mullen.

Kenso-Kenso III (1985)

Kenso son una de las mas talentosas bandas del jazz rock japonés, que durante su larga carrera han publicado una docena de álbumes de reconocida valía tanto en su país natal, como fuera de sus fronteras. Formada en 1974, estuvieron activos hasta finales del año 2017 y su núcleo principal siempre ha girado alrededor del guitarrista Yoshihisa Shimizu, el único miembro que ha permanecido durante todos esos años en la banda. Su estilo esta influenciado por los diferentes movimientos progresivos y vanguardistas de los años 70, desde los elementos de la música clásica y experimental de Gentle Giant, hasta el jazz rock de Return to Forever. Sus álbumes están repletos de piezas muy bien estructuradas, con una gran cantidad de ideas creativas, al mismo tiempo que muy bien equilibradas con complejas composiciones de gran accesibilidad. Como es norma habitual en los grupos japoneses, sus integrantes muestran un gran dominio musical y una técnica envidiable en sus respectivos instrumentos. A mediados de los ochenta Kenso estaba formada por Yoshihisa Shimizu (guitarra),  Toshihiko Sahashi (teclados), Kenichi Oguchi (teclados), Kimiyoshi Matsumoto (bajo) y Haruhiko Yamamoto (batería). Con esta formación lanzarían su tercera entrega, "Kenso III", (1985), con el cual comenzaron a ser considerados seriamente como una de las mejores propuestas del jazz rock vanguardista, ofreciendo una fusión de ardientes ritmos frenéticos y unas interacciones entre los humeantes sonidos de los sintetizadores y las chispeantes guitarras eléctricas.

Aynsley Dunbar-Blue Whale (1971)

Considerado uno de los grandes bateristas de la historia, Aynsley Dunbar ha tenido tras de si una carrera productiva y extensa colaborando para una infinidad de artistas entre los que se encuentran Jeff Beck, Lou Reed, Whitesnake, Frank Zappa, Eric Burdon, Jefferson Starship o Journey. Sus comienzos a mediados de los sesenta le llevaría a integrar los Heartbreakers de John Mayall, grabando los álbumes "A Hard Road", "Looking Back" o “So Many Roads". Tras un breve periodo en la Jeff Beck Group, Dunbar formaría su primera banda, The Aynsley Dunbar Retaliation con los que lanzaría cuatro álbumes entre 1968 y 1970. Un año mas tarde en un intento de formar una nueva banda publicaría "Blue Whale", un efímero proyecto en donde además del compañero en los Retaliation, el organista y guitarra Tommy Eyre, aparecen otros músicos como los guitarristas Ivan Zaghi y Roger Sutton, el cantante Paul Williams, el bajista Peter Friedberg o los saxofonistas Charles Greetham y Edward Reay-Smith. "Blue Whale" es la perfecta muestra de su ecléctico pasado, con guiños al jazz rock y al blues progresivo de sus anteriores bandas. El jazz blues esta presente en la movida "Willing To Flight", los sonidos psicodélicos con la progresiva "Willie The Pimp", el jazz rock en "It´s Your Turn" y el vanguardismo con el blues experimental "Going Home". 

Rainbow-Difficult To Cure (1981)

Dos años después del cuarto álbum de Rainbow, Ritchie Blackmore volveria acometer cambios en su formación, esta vez contratando a un cantante mas acorde con su estilo hard rock, el elegido seria Joe Lynn Turner, sustituyendo a Graham Bonnet, además de prescindir del baterista Cozy Powell en beneficio de Bob Rondinelli. El resto seguía formado por Blackmore (guitarras), Roger Glover (bajo) y Don Airey (teclados). Para muchos esta es la mejor formación de Rainbow después de la clásica con Ronnie James Dio, Cozy Powell, Ritchie Blackmore, Tony Carey y Jimmy Bain que publicaron los antológicos "Rising" y "Long Live Rock´n´Roll", (aunque en este último también participarían como miembros oficiales David Stone y Bob Daisley). En "Difficult to Cure", Blackmore volvería a recurrir a otra versión de Russ Ballard como ya había hecho en el anterior "Down to Earth" con "All Night Long" y "Since You Been Gone", esta vez con "I Surrender", una pegadiza canción AOR/Hard Rock con unos adictivos estribillos y los poderosos riff de Blackmore. Esos poderosos riffs de guitarra, también son el impulsor de "Spotlight Kid", un acelerado hard rock, esta última contrasta con la hipnótica "No Release", un oscuro y pesado hard rock con un ritmo dinámico y un gran trabajo por parte de Blackmore y de Joe Lynn Turner con su portentoso rango vocal. Después de la irresistible AOR "Magic", llega la soberbia instrumental "Vielleicht Das Nächste Mal (Maybe Next Time)", toda una declaración de intenciones en clave semi progresiva emocional. Las hard rock "Can't Happen Here" (una alusión a la guerra nuclear) y "Freedom Fighter", (dedicada a los presos políticos), son dos piezas que podrían haber encajado perfectamente en los Deep Purple de los años ochenta. Para acabar este brillante disco aparecen la sórdida blues rock "Midtown Tunnel Vision" y la instrumental "Difficult to Cure (Beethoven's Ninth)", un tributo de Blackmore, en clave hard rock vertiginoso y complejo, a Ludwig van Beethoven.

Bob Dylan-At Budokan (1978)

"Bob Dylan es el Picasso de la canción", así se refirió en una ocasión el legendario cantautor Leonard Cohen y así podemos definir este disco "At Budokan", un giro totalmente inesperado, una variación musical sin precedentes en el sonido de Dylan y que tiene nada que ver con su trabajo previamente publicado.
Originalmente, este doble álbum fue grabado en 1978, durante una gira que Dylan realizó por Japón. En el momento de la publicación de esta antología en directo, muchos de los seguidores y analistas de Dylan lo criticaron duramente, incluso afirmando que era uno de los peores álbumes de la historia del rock.
Tuvieron que pasar muchos años para que la importancia y calidad de una obra famosa como esta sea apreciada y reconocida, y así ha ocurrido en esta ocasión, con una obra de un músico cuyas canciones interpretadas aquí lo elevaban a la categoría de arte sin paliativos.
Por aquel entonces Bob Dylan apareció en la tierra del sol naciente acompañado de una banda destacada, alterando varios de sus grandes clásicos, dándoles un sonido innovador y un estilo en donde evoluciona sus canciones en otra dimensión.
El álbum comenzó con el perpetuo “Mr. Tambourine Man”, una de las canciones legendarias del genio de Minnesota, para seguir con éxitos como “Shelter From The Storm”, “Love Minus Zero / No Limit” o la balada inmortal “Ballad Of a Thin Man”, proveniente de su eterno “Highway 61 revisited”, también sorprende el aire “reggae” de “Knockin 'On Heaven's Door” y que también podemos apreciar en “Don't Think Twice, It's All Right” otro tema que sufre un cambio extraordinario es “All Allong The Watchtower”, con una sección de viento y riffs de guitarra memorables.
Como dato anecdótico, el disco termina con "The Times They Are A-Changin", (los tiempos están cambiando), ¿coincidencia o genialidad?.

Peter, Paul and Mary-Peter, Paul and Mary (1962)

El folk alcanzaría con Peter, Paul and Mary la madurez necesaria para colocarlos en un primer plano tan importante como lo había hecho antes un mito como Peter Seeger. Ellos son toda una institución dentro del folk norteamericano, no solo lograron que su música traspasara las fronteras que el folk tenia limitados, si no también el convertirse en una de las mas exitosas formaciones de los años 60 en las listas mainstream. Sus integrantes eran los cantantes y guitarristas Peter Yarrow y Paul Stookey y la cantante y coros Mary Travers. En 1962 con su homónimo debut consiguieron un doble platino y un numero uno en las listas gracias a una mezcla de canciones originales y versiones como "Where Have All The Flowers Gone?" de Peter Seeger, "Lemon Tree" de Will Holt o "Sorrow" una canción tradicional. Los siguientes LP´s tendrían una acogida similar y mas aun si en sus letras se hacían alusiones en defensa de los derechos humanos, un dato que les hacían aun mas populares entre el gran publico. En 1967 volverían a conquistar los mercados con su séptimo lanzamiento "Album 1700", en donde interpretaron una serie de atractivas versiones de Eric Andersen ("Rolling Home"), de John Denver ("Leaving on a Jet Plane") o una excitante versión del tema de Bob Dylan "Bob Dylan´s Dream".

Happy The Man-Crafty Hands (1978)

"Crafty Hands" fue el segundo lanzamiento de los progresivos norteamericanos Happy The Man, que junto a su álbum debut, esta considerado dos de las obras maestras del rock vanguardista yanqui. Si con el anterior registro ya habían mostrado el testimonio de su impresionante nivel, con este segundo album, la formación liderada por el teclista Kit Watkins, confirmaba ese status de manera indiscutible. Además de Watkins, el resto de la banda estaba formada por Stanley Whitaker (guitarras), Ron Riddle (batería), Rick Kennell (bajo) y Frank Wyatt (teclados y instrumentos de vientos). Sin embargo aquí muestran un trabajo aún mucho mas equilibrado, expansivo y contemporáneo que su predecesor, con unas complejas instrumentaciones sincronizadas con constantes cambios rítmicos. A pesar del virtuosismo de todos sus miembros, el sonido esta dominado principalmente por la guitarra, destacando sobre todo la inicial "Service With A Smile", la crimsoniana "I Forget To Push It", el corte vocal "Wind Up Doll Day Wind", la tremendamente relajante “Morning Sun”, la inquietante e introspectiva “The Moon, I Sing” o la heredera de los sonidos de Canterbury "Open Book".

Boston-Walk On (1994)

En 1994 Boston publicaba su cuarto álbum en estudio "Walk On", el cual obtendría un disco de platino a las pocas semanas de su lanzamiento. Para este nuevo trabajo el grupo liderado por Tom Scholz, presentaba una formación en la que ya no aparecían ni Brad Delp ni Sib Hashian, sustituidos aquí por Fran Cosmo y Doug Huffman respectivamente, repitiendo el guitarrista Gary Phil, además de la incorporación del bajista David Sikes. "Walk On" constituye uno de los trabajos de Boston mas entusiastas al mismo tiempo que el mas indulgente, recibiendo criticas por parte de la prensa norteamericana debido al egocentrismo de su líder. Repleto de mensajes sociales como los maltratos a la infancia, a las mujeres y a los animales, muestra una serie de canciones adictivas como la contagiosa "Need Your Love", la eufórica "Surrender To Me", la ardiente "Livin´For You" o la espacial "Magdalene". Como era norma habitual en Tom Scholz, habría que esperar ocho años mas para ver el siguiente lanzamiento de la banda titulado "Corporate America", que publicado en el 2002, volverían a contar con la voz del añorado Brad Delp.