Saga fueron junto a otras bandas coetáneas como Asia, Rush o Styx, la que mejor supieron fusionar los gustos musicales de los ochenta con los sonidos del progresivo de los 70, explorando con su sonido fresco y maduro, un irresistible estilo que habían comenzado algunos años atrás. Con su cuarto álbum “Worlds Apart”, ya se adivinaban ciertas variaciones con respecto a sus trabajos anteriores. Para empezar la banda canadiense incorpora una evidente inclinación AOR, pero sin perder un ápice su poderosa sensibilidad progresiva. En “Worlds Apart”, el factor progresivo sigue siendo predominante, como muestra la increíble “No Regrets (Chapter V)”, la ambiciosa epopeya “No Stranger (Chapter VIII)” o el atractivo instrumental orientado al jazz y el funk “Conversations”, cuyo explosivo cierre le acercan al heavy metal mas contundente. Por unos derroteros parecidos a esta ultima nos encontramos a la poderosa “Framed”, en donde la guitarra de Ian Crichton brilla notablemente. Otro de los elementos que diferencian a este álbum son los sonidos electrónicos, en donde el entusiasmo por la bateria electrónica de Steve Negus, se muestra notablemente en “Wind Him Up” y “Time´s Up”. Son estos dos temas los que le acercan leve e equivocadamente a la onda del technopop, un estilo que cada vez se estaba volviendo mas popular principalmente en Inglaterra, aunque con menos aceptación en Europa y prácticamente nula en Norteamérica a principios de la década de los ochenta, logrando una tímida presencia en las listas de éxitos mainstream del Reino Unido. Pero mas allá de estos dos extravagantes experimentos, los cuales se alejan de filosofía original de Saga, la banda mostraba su faceta progresiva con la brillante “Amnesia” o con las tremendamente pegadizas AOR “On The Loose” y “The Intreview”.
"Adquiring the Taste", el segundo álbum de Gentle Giant, fue la primera obra maestra del combo británico, el trabajo que pone un énfasis especial en el lado amable de este gigante progresivo después de su impresionante debut lanzando un año antes. Además, también hay un hincapié simultáneo en el lado aterrador del progresivo, lo que le da al álbum una esencia experimental adicional: este álbum está diseñado como un gusto real adquirido, composiciones extrañas pero atractivas, uso masivo de contrapuntos desafiantes, tempos extraños y disonantes, arreglos corales impresionantes e ideas musicales muy variadas. A esas alturas, Gentle Giant ya eran una banda que había alcanzado la plena madurez de su propio sonido característico. Aunque sin embargo es cierto que "Adquiring the Taste" no coincide con las ideas de "Three Friends" (1972), o "The Power and the Glory" (1974), ni siquiera es tan atractivo como "Free Hand" (1975), pero este por el contrario encapsula y encarna la expresión original más exquisita de Gentle Giant, con esa delicadeza y sofisticación muy habituales en la esencia de su música. "Adquiring the Taste" esta compuesto por una antológica sucesión de cortes como la cautivadora y elegante “Pantagruel's Nativity”, la misteriosa y espeluznante “Edge of Twilight”, la astuta “The House, the Street, the Room” o la deudora bluesy “Plain Truth”, todas ellas interpretadas con un buen gusto sin límites y una maestría inmaculada. Mientras la melancólica “The Moon is Down”, con sus reflexiones líricas sobre el paso del día, contrasta inteligentemente con su antecesora, la más optimista, ”Wreck”, la cual combina el canto desenfrenado y la cámara renacentista con absoluta fluidez y el entusiasmo pegadizo. Inmediatamente después, aparece “Black Cat” que ofrece una sucesión de impresionantes partes de cuerdas en un contexto orientado al jazz: esas partes de cuerdas son dulces durante las partes cantadas e inquietantemente disonantes durante el extraño interludio instrumental. No queda más que decir que este álbum es una obra maestra del rock progresivo, una de las tantas que el grupo londinense realizaría a lo largo de su brillantísima carrera.
Loggins and Messina son uno de los dúos históricos de la música norteamericana, y uno de los mas exitosos comercialmente. Los comienzos de este formidable dúo fue de manera casual; Jim Messina había pertenecido a las bandas de country rock Buffalo Springfield y Poco, con los cuales había grabado cuatro magníficos discos hasta que decidió abandonarla para seguir como productor profesional para la Columbia Records. Por otro lado Kenny Loggins era un novel cantante de folk rock que a principios de los setenta comenzaba a despuntar, un hecho que no pasaría desapercibido para los directivos de la Columbia quienes les contrataron para grabar un primer álbum en 1971. Messina que fue el elegido como productor de este álbum debut termino contribuyendo tanto en la producción como a la guitarra y voz, con el resultado que culminaría firmado oficialmente como “Kenny Loggins With Jim Messina Sittin´In”. El gran recibimiento de este debut replantearía la carrera del dúo, que a partir de aquí permanecieron juntos durante casi toda la década de los setenta publicando seis álbumes en estudio y dos en directo. En 1974 durante la gira de su tercer y exitoso álbum “Full Sail”, se extrajo diverso material que fue incluido en su doble en vivo “On Stage”. Lanzado ese mismo año de 1974, recoge parte de los conciertos ofrecido en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Winterland de San Francisco y en el Orpheum Theatre de Boston, con un repertorio compuesto por los mejores temas del grupo hasta esos momentos y una emocionante versión de 20 minutos de “Vahevala”, toda una epopeya que termina convirtiéndose en una explosiva jam rock. Ademas también contiene las atractivas “Angry Eyes”, “Golden Ribbons”, “Back to Georgia”, “Listen to a Country Song” o “You Could Break my Heart”, todas ellas interpretadas brillantemente por una banda en un gran estado de gracia, en unos shows espectaculares con grandes aportes de rock, country y folk. “On Stage” ha pasado a ser considerado uno de los grandes álbumes de la música norteamericana y otro de los históricos dobles en directo de la historia, logrando vender mas de un millón de copias, obteniendo un disco de platino y un decimotercer puesto en las listas del Billboard.
En 1977, Carlos Santana publicaría su octavo álbum titulado “Festival”, el cual esta considerado un lanzamiento transitorio entre su etapa de jazz rock latino y vanguardista y la psicodelia, hacia un estilo mas orientado al convencional rock latino y el pop mainstream. En "Festival", Carlos Santana vuelve a inclinarse por ese rock impregnado de sonidos criollos y el pop más comercial como ya había mostrado en su anterior trabajo "Amigos" (1976), con una fórmula de canciones instrumentales que alcanzan un éxito moderado. Y si en el anterior álbum, el tema "Europa" sería el hit del disco, aquí tomaría el relevo "Revelations", un tema reflexivo con una explosión final de rock, funk y sonidos isleños. El resto de “Festival” esta compuesto por las alegres “Let The Music Set You Free” y “Let The Children Play”, las cuales son junto a la rock “Reach Up”, la pegadiza “Try a Little Harder” o la instrumental “Jugando”, los mejores momentos de un entretenido disco en donde como es habitual sobresalen los intensos y apasionados solos de guitarra de Santana, los dinámicos teclados de Tom Coster y la impetuosa sección rítmica compuesta por José Chepito Areas, Raul Rekow, Gaylord Birch y Paul Jackson, logrando mantener el buen nivel de un álbum que comercialmente lograría un disco de oro en el mercado norteamericano.
Después de superar un cáncer de garganta y una intensa radioterapia; Levon Helm a sus 67 años volvió a publicar un nuevo álbum, casi 25 después de su ultimo trabajo en solitario. “Dirt Farmer” es uno de esos soberbios y palpitantes discos que demuestra la sangre que lleva dentro este legendario músico impregnada de blues, gospel, folk, country y rock and roll y que interpreta de manera natural y asombrosa. Compuesto por temas tradicionales que van desde canciones rurales hasta bluegrass, pasando los senderos del folk o versiones de artistas del calibre de Steve Earle, Budy Miller, The Carter Family o Stanley Brothers, Helm nos deja otro álbum que lleva camino de convertirse en un clásico atemporal. Acompañado de su hija Amy Helm, cuenta con la valiosísima colaboración entre otros de Larry Campbell, un músico curtido en mil batallas que formo parte de la banda de Bob Dylan durante años. El desparpajo y la combinación de estilos demuestran que aun Helm conserva aquí su innegable capacidad para poner en asombro a cualquiera con su voz rasposa y esta vez debido al cáncer, desgastada y en cierto modo cansada. El rock esta presente en cortes como “False Hearted Lover Blues”, mientras el viejo cajun aparece en “Poor Old Dirt Farmer”, dos temas en donde además demuestra su talento con la batería. El resto esta relleno de sentimientos como queda demostrado en los cortes “The Mountain”, “Single Girl, Married Girl” o “Wide River To Cross”. “Dirt Farmer” obtuvo su merecido reconocimiento logrando el premio Grammy al mejor álbum de folk tradicional en el 2008, haciendo así justicia a la innegable labor de uno de los patriarcas de la música de raíces norteamericana.
En 1978, la Manfred Mann´s Earth Band estaban en la cúspide en términos de éxito y reconocimiento mundial, sin embargo creativamente parecían haberse estancado, en todo caso retrocediendo hacia un sonido más comercial. Dicho esto, aún todavía estaban produciendo excelentes álbumes orientados al rock progresivo. “Watch” es sin duda, el último gran disco de Earth Band por su sorprendente rock progresivo que poco a poco se convirtió en una regresión comercial. A pesar de que está pisando los talones de sus canciones más comerciales hasta esa fecha como "Blinded By The Light", perteneciente a su anterior trabajo “The Roaring Silence" (1976), aqui incluso lograron un gran éxito comercial con el sencillo "Davy's On The Road Again", y a pesar de ello sigue siendo una pequeña obra maestra certificada del estilo progresivo. Ese hecho está respaldado por los soberbios sonidos de mellotron, los adictivos coros y las pegadizas guitarras acústicas y eléctricas que rellenan la totalidad de este álbum. Cortes como la genial “Circles” o las brillantes “Drowning on Dry Land/ Fish Soup”, “Chicago Institute” y “Mighty Quinn” demuestran el potencial de un álbum de sobrada calidad, producto del incuestionable talento de una de las mas grandes bandas del progresivo británico de los 70.
“Varations” es una pieza musical muy pomposa y pretenciosa, firmada por el famoso compositor, arreglista e instrumentista Andrew Lloyd Weber, inspirada en la famosa pieza "Cuarteto para guitarra y cuerda" del compositor italiano del siglo XVII, Niccoló Paganini. Para la compleja grabación de esta obra, Webber recurriría a una serie de músicos de gran renombre, como su hermano Julian, un violonchelista virtuoso, cuyo instrumento es el elemento central de la música aquí expuesta. El resto esta formada por los miembros de la banda de jazz rock progresivo Colosseum II, es decir Gary Moore a la guitarra, Don Airey a los teclados y su fascinante sección rítmica de jazz compuesta por Jon Hiseman (batería y percusión) y John Mole (bajo). Además también participan los míticos Rod Argent a los teclados, Herbie Flowers al bajo, Bill LeSage al vibráfono, Phil Collins a la batería y Barbara Thomson a los instrumentos de viento. El resultado final es una brillante pieza clásica que se transforma en varios estilos que van desde los sonidos blues y hard rock hasta el jazz y el progreso sinfónico, todo ello sin perder ninguna coherencia, convirtiendo a esta obra en uno de los mayores logros y todo un hito en unir la música clásica y la música rock de manera tan apabullante y antológica.
El tercer álbum de Yes, fue el primero verdaderamente esencial de la banda británica, en el que todos los elementos magistrales que más tarde tipificarían su icónico sonido, estaban magníficamente presentes en esta entrega. Si bien no está tan completamente realizado o pulido como las obras maestras posteriores “Fragile”, “Close To The Edge”, “Tales from Topographic Oceans” o “Relayer”, es un trabajo casi tan ambicioso y maduro como estos, y el cual los situaba en el panteón del rock progresivo de principios de los 70. Y es que a medida que Yes iban creciendo en madurez, se volvieron más ambiciosos y experimentales, cambiando su formación (la primera de muchas), para adaptarse a sus ambiciones y necesidades. En esta tercera entrega ya aparece Steve Howe, sustituyendo a Peter Banks, con el cual la banda tomaba otra dimensión a nivel tanto compositivo como instrumental. Aquí aparecen tres de las mas grandes epopeyas de toda la carrera de Yes, para empezar "Yours Is No Disgrace", todo un clásico del rock progresivo, un tema dinámico, aunque sin llegar a la complejidad de las otras dos grandes piezas restantes como son las monumentales "Starship Trooper", un adelanto de lo que llegaría en los álbumes sucesivos y la atemporal "I´ve Seen All Good People", ambas divididas en varios movimientos, en donde la versatilidad de Howe, Squire, Kaye y White, son el perfecto contrapunto a la voz angelical y las místicas letras de un Jon Anderson inconmensurable. Las menores "Clap", (una pieza incluida para reforzar las habilidades y la destreza del nuevo guitarrista Steve Howe), y la previsible y en cierta medida prescindible "A Venture", conforman la primera obra maestra de una de las mas grandes bandas de la historia de la música rock.
La carrera de Tangerine Dream se divide en varios periodos, el primero llamado “The Pink Years”, en donde marcaron una clara sonoridad inspirada en los primeros Pink Floyd, con un evidente sonido psicodélico en donde los teclados y los efectos de sonido eran el claro denominador común de su estilo. De esa epoca destacan los álbumes “Alpha Centauri” (1971), “Zeit” (1972) y “Atem” (1973), trabajos todos ellos repletos de una sinfonía espacial electrónica que incluso incluían algunos elementos tribales y que se acercaban a la escena progresiva del krautrock. La segunda etapa es la llamada “Los años de Virgin”, que entre 1974 y 1983 esta considerada la fase culminante del grupo. Ella marca un giro radical en el sonido de Tangerine Dream, apostando nuevamente por las largas suites pero adquiriendo una entidad propia y un mayor y mejor usos de los teclados y sintetizadores y una propuesta mas accesible aunque sin embargo no alejados de la experimentación. De esta epoca sobresalen los monumentales “Phaedra" (1974), "Rubycon" y "Ricochet", ambos de 1975, "Stratosfear" (1976), "Encore" de 1977 o "Force Majeure" de 1979. Durante la segunda mitad de los setenta los conciertos en vivo de Tangerine Dream eran únicos y espectaculares. Por la delicadeza de los equipos analógicos, el trío alemán improvisaba cada noche un nuevo show, adoptando las líneas principales de largos conciertos donde la furia secuencial apoyaba la ferocidad de los sintetizadores, los teclados y el Mellotron, así como el enfoque rockero de la guitarra de Froese y "Encore" es seguramente uno de los mejores ejemplos de todo ello. "Encore" fue el segundo álbum en vivo de Tangerine Dream. Esta vez, se trata de un doble álbum que se grabó durante la gira norteamericana de la banda, de marzo a abril de 1977. Pero a diferencia del anterior directo "Ricochet", el cual es técnicamente un álbum en vivo que no tuvo presencia de público, en "Encore" el público hace notar su presencia en determinados momentos, dotando a la grabación de un ambiente de directo adecuado. Compuesto por cuatro largos temas, este doble álbum comienza con "Cherokee Lane", sin duda la más conservadora de las cuatro pistas en términos de duplicación de los trabajos anteriores. Los Mellotrones están por todas partes, creando ese estado de ánimo inquietantemente hermoso y místico. La siguiente "Monolight" proporciona el momento mas complejo, entretejiendo tonos mayores y menores con la melodía principal a base de los mini-moog. "Coldwater Canyon" es el título de la pista en donde sobresale Edgar Froese. Una suite intensa, optimista y rockera que presenta a Froese en plena forma con la guitarra eléctrica, mostrando su capacidad de destreza e improvisación. Aún siendo un tema de vanguardia, se aleja del repertorio habitual de la banda. La última pista, "Desert Dream", encierra el álbum en un estilo puramente atmosférico, pasando de pasajes oscuros y experimentales a partes hermosas y etéreas con toneladas de mellotrones y un toque oriental que encaja con el título de la pista, la cual finaliza recordando los vapores de "Invisible Limits" de "Stratosfear".
Desde sus inicios con la banda Nazz, Todd Rundgren siempre demostró poseer un gran ingenio, gran vigor y una admirable creatividad, tanto en el plano compositivo, como multi-instrumentista, así como en la ingeniería de producción, como queda demostrado en sus álbumes en solitario o junto a su posterior banda Utopia. En 1972 publicaba una de sus grandes obras "Something/Anything?”, un doble álbum donde Rundgren explora una amplia gama de estilos musicales que van desde el rock hasta el soul, pasando por el pop simple y el power pop. Confeccionado en cuatro caras bien diferenciadas, el músico norteamericano se encarga de tocar todos los instrumentos en las tres primeras, en donde aparecen composiciones tan brillantes como las melódicas “I Saw The Light” y “One More Day (No World)", la frenética “Little Red Lights”, la rock “Black Maria”, la brillante “Torch Song” o la espléndida versión “Hello It´s Me”, tema el cual ya había sido publicado unos años antes junto a su germinal banda Nazz. Para la cuarta cara del álbum, Rundgren esta acompañado de una nutrida colaboración de grandes músicos entre los que destacan Rick Derringer, Mike Brecker, Jim Horn, Randy Brecker, Stu Woods o Randy Read entre muchos mas. En este cuarto lado, Rundgren da rienda suelta a su pasión por sus raíces musicales con bellas melodías como “Dust in The Wind” o temas puramente rock como la visceral “Some Folks is Even Whiter Than Me”.
Exodus fueron una banda polaca de finales de los 70, que están considerados junto a sus compatriotas SBB, de las mas destacadas del rock progresivo de su país en aquellos años. Exodus fue formada en Varsovia a mediados de 1976, (no confundir con la banda norteamericana de trash metal del mismo nombre, de la década de los ochenta), sus primeros años transcurrieron con innumerables actuaciones en todo el territorio polaco, labrándose una gran reputación entre los aficionados al genero. Su formación estaba compuesta por Paweł Birula (voz y guitarras), Andrzej Puczyński (bajo, guitarras, sintetizadores y voces), Władysław Komendarek (teclados), Wojciech Puczyński (bajo y guitarras) y Zbigniew Fyk (batería y voces). A mediados de 1980 logran auto producirse el álbum "The Most Beautiful Day", el cual se convierte en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo europeo de ese año. Un álbum con grandes tendencias sinfónicas, que sin embargo no es muy representativo del sonido típico de su país, orientando su música hacia un estilo mas anglosajón muy cercano a los Genesis de la primera época. Grandes arreglos con un uso intensivo de los teclados y las guitarras eléctricas, hermosas texturas acústicas y un estilo de música rock fuertemente influenciada por el sonido sinfónico, son su denominador común como queda demostrado en el tema mas destacado del álbum, la suite "The Most Beautiful Day", toda una epopeya dividida en cuatro movimientos con brillantes interacciones instrumentales, pasajes sonoros bucólicos y movimientos mas oscuros de órgano y clavicémbalo. Un año mas tarde la banda publicaría un segundo trabajo, "Supernova", el cual seguía por unos derroteros parecidos al primer álbum. A mediados de los ochenta la banda se disolvería definitivamente hasta años después cuando regresarían con dos meritorios trabajos titulados "Nadzieje, Niepokoje" (2006) y "Hazard" (2008).
Parafraseando lo que diría un filosofo, es "Monolith" el ultimo de los álbumes clásicos de Kansas o el principio del fin de su mejor época?. Sin embargo, lo cierto es que el sexto álbum de la banda de Topeka es la obra de su mejor época menos valorada y mas menospreciada, y en parte fue debido al comienzo de la creatividad regresiva del grupo, que de todas maneras esta confeccionado con una serie de temas sólidos, interpretados astutamente y con una instrumentación sobresaliente por parte de todos los miembros del grupo. Habría que señalar que después de dos obras cumbres como fueron "Leftoverture" y "Point Of Know Return", la banda empezaba a mostrar divisiones entre sus miembros, especialmente entre el vocalista Steve Walsh, el cual deseaba seguir un camino musical mas simple, mas rockero y menos espacial y progresivo, y por otro el guitarrista Kerry Livgren, quien se inclinaba por temas mas complejos con letras místicas y grandes arreglos que bordeaban lo espiritual (habría que recordar que Livgren por aquellos años era un ferviente partidario del Libro de Urantia, una especie de alter-Biblia espiritual que surgió en Chicago a mediados del siglo XX). A pesar de la tendencia musical de asentarse en el hard rock complejo, este "Monolith" aún conserva muchos momentos progresivos como se demuestran en los cortes "On The Other Side", "Angels Have Fallen" o "A Glimpse Of Home", temas todos ellos con grandes clímax instrumentales. Estas son secundadas por cortes enfocados al hard rock "How My Soul Cries Out For You" o "Stay Out Of Trouble", melodías pegadizas "People Of The South Wind", cortes mas eclécticos como la heredera a los sonidos de la America profunda "Away From You" o la solemnidad del cierre "Reason To Be". Sin embargo y pese al rechazo de un sector de sus fans, comercialmente y lejos de sus multimillonarios hitos anteriores, "Monolith" alcanzaría un meritorio disco de platino por sus abundantes ventas en el mercado norteamericano.
En febrero de 1971 la banda norteamericana The Doors, terminaba de grabar su sexto álbum “L.A.Woman”, y justo después de las sesiones de grabación, su cantante y líder, el carismático Jim Morrison, decidiría abandonar para dedicarse a la poesía, lejos del caótico mundo de súper estrella de la música rock. Para ello se trasladaría a Paris, mientras el resto de la banda permaneció en Los Ángeles, esperando que de alguna manera Morrison pronto se aburriera de escribir poemas a la orilla del Sena y regresara para seguir con la carrera del grupo. Apenas tres meses después, el 3 de julio, Jim Morrison fallecería de un supuesto infarto, en una de las muertes mas polémicas y misteriosas de la historia de la música moderna. Pero antes de este luctuoso suceso, en abril se publicaba oficialmente “L.A.Woman”, para muchos el canto del cisne de The Doors y toda una obra maestra de la música contemporánea. Un álbum que muestra a un Jim Morrison con un claro acento blues decrépito, debido sin duda a sus años de abuso de sustancias derivadas de las drogas y a su autodestrucción, pero que sin embargo de alguna manera ayuda a que la música aquí sea mas mezquina y cruda y al mismo tiempo incluso mas refinada. Con un papel todavía bastante dominante en las composiciones por parte de Jim Morrison, a pesar de ello se denota un menor entusiasmo y a la postre un mayor protagonismo de Manzarek, Desnmore y Krieger, en el que es sin duda el trabajo donde mas brillan sin estar oscurecidos por el rol de su líder. También es el álbum en el que cuentan con un bajista de manera oficial, papel que recaería en Jerry Scheff, además de contar con un segundo guitarrista, Marc Benno. Ambas contribuciones, sobre todo la primera, liberaba a Ray Manzarek en el rol de teclista, otorgándole un mayor protagonismo instrumental. En “L.A.Woman” no hay ningún corte que sobresalga sobre el resto si exceptuamos a esa antología que es “Riders on The Storm”, desde la inicial “The Changeling”, con sus patrones rítmicos en evolución y esos teclados funkys (curiosamente una década después la banda Lipstick, tomaría “prestada” la base rítmica de esta canción para su hit mundial “Funkytown”), hasta temas blues con acordes jazzisticos, “Been Down So Long”, “Cars Hiss By My Windows” o “Crawling King Snake”, pasando por cortes proto prog como la vertiginosa canción principal, la melódica y con un gran trabajo de percusión y órgano “The Wasp” o la impresionante “Riders On The Storm”, una deslumbrante epopeya que ha pasado a los anales del rock como todo un clásico atemporal. Quince discos de platino, media docena de discos de oro y cerca de 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo, fueron los impresionantes registros de este asombroso ultimo álbum de The Doors con Jim Morrison al frente de la banda.
El séptimo álbum de Jethro Tull venia precedido de dos enormes trabajos conceptuales, “Thick As A Brick” (1972) y “A Passion Play” (1973), que pese a su complejidad y su enmarañamiento instrumental, resultaban dos obras magnificas y magistrales. Sin embargo ambos álbumes no fueron demasiados comprendidos por una parte del publico y de la prensa, entre otros motivos por ser bastantes oscuros y retorcidos, por lo que Ian Anderson para su siguiente movimiento optaría por un formato de canciones mas cortas y convencionales sin dejar de lado su sarcástica critica a la sociedad establecida. En esta nueva entrega vuelven a aparecer igualmente los arreglos un tanto tortuosos, con violines, flautas, sintetizadores, órgano, acordeones y guitarras eléctricas que son solo algunos de los instrumentos mezclados para este álbum, el cual para muchos resulta uno de los trabajos mas ambiciosos de la banda británica. Aquí ya aparece como miembro permanente David Palmer, el cual otorga con sus suntuosos arreglos orquestales clásicos un sonido rico y ecléctico. Unos arreglos que por otra parte son asombrosamente ejecutados, equilibrando admirablemente la música que este álbum contiene. El variopinto repertorio de sonidos incluye acercamientos al hard rock “Back-Door Angels”, con interludios folky “Sealion”, temas melódicos muy cercanos al folk rock “Bungle In The Jungle”, agradables canciones acústicas medievales “Only Solitaire”, tiernas baladas “Skating Away On The Thin Ice of the New Day” o brillantes composiciones made in Jethro Tull como “Queen and Country” o Two Fingers”. En definitiva “War Child” supuso la vuelta de Jethro Tull a la senda de los discos de estructura simple y se convirtió en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo de la década de los años 70.
