La historia nos dice que Tony Kaye fue despedido de Yes poco después de la primera gira norteamericana de la banda en 1970. Las diferencias con el resto del grupo habían aumentado con la entrada de Steve Howe. El relevo, como todos saben, fue Rick Wakeman.
Luego de su aventura con Peter Banks en "Flash", Tony Kaye forma Badger junto con el bajista y vocalista David Foster quien había coincidido con Jon Anderson en "The Warriors" y luego colaboró en algunas canciones de Yes. Como baterista tenemos a Roy Dike (Ashton, Gardner y Dyke) y como guitarrista a Brian Parrish (Parrish & Gurvitz). Su primer álbum, "One Live Badger", fue lanzado en 1973 y para su segundo LP, "White Lady" (1974), la banda se había reestructurado con la entrada del bajista Kim Gardner, el guitarrista Paul Pilnick (Stealers Wheel) y el cantante Jackie Lomax.
Su primera grabación fue grabada en vivo en el Rainbow Theatre de Londres en 1972. El grupo estaba teloneando precisamente a Yes y la compañía discográfica que compartían estaba grabando lo que luego sería el famoso álbum triple "Yessongs".
El álbum fue coproducido por Jon Anderson y Geoffrey Haslam y la realización de la portada fue obra de Roger Dean. En cuanto a su música tenemos rock progresivo mezclando los sonidos de típicos de Yes, Manfred Mann e incluso la Barclay James Harvest, en donde sobresalen el gran trabajo de Tony Kaye, especialmente con el Hammond y el del guitarrista Brian Parrish.
Blueset fueron otra de esas oscuras y efímeras bandas que solo pudieron lanzar un álbum a mediados de los 70, para posteriormente desaparecer en la oscuridad del tiempo. Fundados en Södertälje, Suecia, su único lanzamiento es otro de los álbumes de coleccionismo debido a su limitada tirada original. Su alineación en formato de power trio estaba compuesto por el guitarrista Kenth Long, el bajista Mikael Olofsson y el batería Claes Jansson. Su único registro fue "Rock Machine", un álbum en donde su principal sonido esta enfocado al hard blues rock fusionado con elementos psicodélicos pesados. La extensa tour de force "Vibrator I Folkton (Suite)" una hipnótica pieza instrumental de descomunal hard rock y blues rock contundente y vibrante, las pesadas rock and roll "Rock Machine" y "Whiskey", la boogie blues "Let´s Boogie" o la polvorienta "Look At Me", son lo mas destacado de este meritorio esfuerzo discográfico de esta magnifica formación sueca.
Kenneth Ray "Kenny" Rogers nació en Texas en 1938, su infancia transcurrió en uno de los sectores más pobres de la ciudad de Houston, y comenzó su carrera a los 20 años, interpretando canciones de otros cantantes de la época.
En 1966 formó parte de un grupo folk llamado The New Christy Minstrels. Además de Kenny, los aún desconocidos Gene Clark y Kim Carnes estaban activos en el grupo. Al año siguiente, Rogers y algunos miembros dejaron la banda para formar The First Edition, que luego adoptaría el nombre de Kenny Rogers & the First Edition.
Con esta banda tuvo algunos éxitos que funcionaron bien en las listas de éxitos del pop y del country como 'Ruby, don't take your love to town', 'Reuben James' o 'Something's burning'.
En 1975 Kenny Rogers disolvió el grupo y comenzó una carrera en solitario, logrando en 1977 el éxito que lo catapultó a la fama internacional con 'Lucille'. El tema fue el número uno en muchos países vendiendo más de cinco millones de copias.
Otro de sus grandes éxitos country fue la canción "Coward of the County". En 1979, su balada romántica "She Believes in Me", lo consagra no solo como cantante de country, sino también como un sólido intérprete romántico en las listas de éxitos de todo el mundo. En 1980 con "Lady" obtuvo fama mundial y la confirmación de ser una gran estrella de la música, también ganó un premio Grammy.
Con este nuevo álbum Rogers inaugura su propio estilo característico, también se inició como actor en películas y series de televisión.
A partir de 1978, su carrera alcanzó niveles muy altos de popularidad en todo el mundo con 'The Gambler' (1978), 'Coward and the County' (1979), 'Lady', su primer número 1 en las listas de éxitos (1980), 'We 've tonoght' (1982) y junto a Sheena Easton, el álbum 'Crazy' (1985).
En 1980 protagonizó una serie de televisión y varias secuelas basadas en dos de sus canciones: 'The Gambler' y 'Coward of the County', que mantuvieron su popularidad en la década de 1990 a pesar de que sus grabaciones ya no tenían el mismo impacto en las listas de ventas. Continuó cosechando el número 1 en las listas de éxitos del Estados Unidos con canciones como 'Morning desire' (1985), 'Tomb of the unknown love' (1986), 'Make No Mistake, She´s mine' (1987, con Ronnie Milsap y nuevamente en el 2000 con 'Buy me a Rose' con Alison Krauss y Billy Dean.
Hoy en día Kenny Rogers es considerado una leyenda en Norteamérica y se refleja en múltiples premios que ha ido cosechando durante cuatro décadas.
Considerado por sus fans mas ortodoxos como uno de los últimos gran eslabones de Judas Priest, "Defenders of the Faith" continuaba la senda triunfal de sus predecesores álbumes "British Steel" (1980), "Point of Entry" (1981) y "Screaming for Vengeance" (1982). En esta nueva ocasión la banda incluso transforma su visceral estilo en un agresivo heavy metal, con infinidad de pirotecnias instrumentales impulsados por sus dos despiadados guitarristas K.K.Downing y Glenn Tipton y secundados por las vertiginosa sección rítmica compuesta por el bajista Ian Hill y el baterista Dave Holland. Mención aparte son las infinitas voces de un sublime Rob Halford en un estado de forma inconmensurable. Trepidantes heavy metal como "Freewheel Burning" o "The Sentinel", son junto a las descarnadas "Jawbreaker", "Rock Hard Ride Free", "Love Bites", "Some Heads Are Gonna Roll" o "Heavy Dute", el alucinante repertorio de uno de los discos imprescindibles de la historia del heavy metal.
El sucesor del futurista y antológico "Time", fue el décimo álbum de la Electric Light Orchestra titulado "Secret Messages", el cual se convirtió en otro esplendido trabajo repleto de la sofisticación y la clase habitual en las composiciones de su líder Jeff Lynne. Grabado con la misma formación que sus anteriores álbumes (Jeff Lynne, Richard Tandy, Bev Bevan y Kelly Groucutt), mas la inclusion de Louis Clark, Dave Morgan y Mik Kaminski, Lynne elegiría esta vez unos estudios de grabación ubicados en Holanda, mas concretamente en la ciudad de Hilversum, al norte del país. Al contrario que el anterior álbum que estaba inundado de los sonidos de los sintetizadores que ambientaban la historia conceptual de ese disco, en esta entrega Lynne tira de melodías pop rock impulsadas por las guitarras bajo una producción excelente, en donde la música ejecutada elegantemente se torna atractiva y sugestiva. Ahí están para corroborarlo desde hermosas baladas como "Take Me On and On", "Stranger" o "Letter From Spain", hasta las galopantes piezas rock "Danger Ahead", "Four Little Diamonds" o "Rock ´n´ Roll is King", pasando por cautivadoras canciones como "Train Of God" o "Loser Gone Wild".
Si hasta esos momentos Rush se habían mostrado como una de las bandas deudoras del sonido mas puro del hard rock de bandas como Led Zeppelin, con la publicación de tres álbumes soberbios y de gran entusiasmo, también es cierto que aun no habían terminado de cumplir con las expectativas tanto comerciales como estilísticas.
“2112” significo un punto y aparte en la carrera de los canadienses, esta fue la obra que necesitaban para dar el salto definitivo hacia el estrellato en el mundo del rock y lo lograrían de manera espectacular con un disco conceptual y asombroso, repleto de hard rock y pasajes progresivos al mismo tiempo, con una demostración de las cualidades virtuosas de cada miembro de la banda que los convertiría en adelante en los máximos valedores en sus respectivos instrumentos.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson son combinados a la perfección con suaves acordes de guitarras acústicas, eléctricas y solos antológicos, mientras Geddy Lee alcanza con su voz una interpretaciones sublimes y perfectas, que junto a la impecable batería de Neil Peart, utilizando todo tipo de percusiones, muestran a un percusionista que en muchos momentos parece sobrehumano con unas interpretaciones alucinantes.
La conceptualidad del álbum es producto de la enorme imaginación de Neil Peart, quien sobre una idea futurista de ciencia ficción, convierte a esta obra en un viaje apoteósico, con una gran variedad de textos creativos que son acompañados por un enorme derroche instrumental épico y fascinante.
La inicial suite “2112”, una epopeya de casi 20 minutos, dividida en siete partes épicas, es todo una clara demostración de intenciones, aquí el trío combina perfectamente los pasajes duros con otros momentos progresivos y atmosféricos, convirtiendo a esta pieza en uno de los momentos cumbres del genero.
En esta suite destacan de manera sobresaliente “Overture”, “The Temples Of Syrinx” y “Gran Finale”, todas ellas repletas de cambios de ritmo y de asombrosa virtuosidad.
El resto no le va a la zaga con las tremendas y épicas “A Passage To Bangkok” y “The Twilight Zone”, las bucólicas “Lessons” y “Tears” y la potente rock “Something For Nothing”.
“2112” es una de las obras imprescindibles del rock y no solo por su valor histórico, si no también por el tremendo aporte musical que el trío dejaría para la posteridad con esta obra maestra absoluta de la música rock.
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Sin embargo su faceta de compositor y músico de sesión para artistas como Linda Ronstadt o Gram Parsons entre otros, le abrió el camino para proyectar su carrera en solitario.
Ya en 1978 publicaba su primer álbum "Shots from cold nightmare", trabajo en el cual destacaban varias canciones como "Nights thoughts", "Victims of romance", "Cadillac walk", (que se hiciera famosa al ser grabada posteriormente por Willie DeVille), y sobre todo "Bad case of loving you", (publicada por Robert Palmer un año después, y que supuso gran éxito comercial).
A partir de aquí algunas de sus canciones fueron incluidas en los trabajos de diversos artistas y Moon Martín se consolidó como solista. El nuevo álbum "Escape from domination" (79) y los singles "Rolene" y "No chance" son sus piezas claves, entrando en los 80 con el LP "Street Fever", que le otorgó el ser uno de los mejores artistas en la siguiente década. En 1979 Moon formó su propio grupo, The Ravens, con Jude Cole (guitarra), Dennis Croy (bajo) y Rick Croy. En 1982 publicó su cuarto álbum para Capitol Records, "Mystery Ticket", al que le siguió en 1984 "Mixed emotions", para a partir de aquí Martín desvincularse de su carrera en solitario y dedicarse a la composición para otros músicos, aunque con algún que otro disco publicado en las décadas siguientes sin apenas repercusión comercial
Temas como "Bad case of loving you" justifica de sobra el por qué este hombre paso a la historia del pop-rock. Tiene todos los ingredientes de las grandes canciones, calor, ritmo, desespero, estribillo pegadizo y unos riff de guitarra inolvidables.
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Pero además del trabajo de Led Zeppelin también comenzaron a publicar álbumes de otros artistas relacionados con la banda como Bad Company o Detective.
Detective fue una banda que se formó en 1975 en Los Ángeles, y entre sus componentes se destacaban el ex guitarrista de Yes, Tony Kaye y el teclista de Steppenwolf, Michael Monarchi. Inmediatamente serian patrocinados por el mismísimo Jimmy Page el cual facilita que en 1977 publiquen su primer disco, titulado homónimamente "Detective".
Este primer registro está cargado de buen hard rock con influencias de Led Zeppelin, con cuatro de sus temas producidos por el propio Page bajo el seudónimo de Jimmy Robinson.
Con un repertorio en donde hay grandes momentos de hard rock con toques de funky como "Recognition" o "Got Enough Love", esta ultima con un sutil acercamiento a Bad Company, influencias zeppelianas "Grim Reaper" y "One More Heartache" o el rock progresivo con la brillante "Ain't None Of Your Business", un tema en donde Tony Kaye muestra claros guiños a su antigua banda.
Después de dejar Marillion, Fish debutaba con "Vigil In A Wilderness Of Mirrors", un trabajo que resulto de alguna manera muy continuista a lo que hacia con su banda madre, mostrando un brillante neo progresivo reflexivo y conmovedor. Después de este primer álbum no hubo que esperar mucho para que el gigantón escocés volviera a mover ficha, haciéndolo con su segundo lanzamiento "Internal Exile" justo un año despues, en el cual sigue empeñado en esa dirección neo progresiva pero poniendo mas énfasis a las letras y a las voces, en detrimento de los largos pasajes instrumentales que aquí son mas breves y concisos, pero al mismo tiempo incluyendo ciertos sonidos folk y celtas. Canciones como la enérgica "Shadowplay" nos retraen al álbum de Marillion "Misplaced Chilhood", con ese ritmo deslumbrante y preciso, mientras que las edificantes "Credo" y "Tongues" se mueven hacia el rock pesado y áspero. Por otro lado "Just Good Friends” y "Dear Friend" se convierten en las piezas mas accesibles y comerciales, las cuales contrastan con la conmovedora y sólida "Lucky". En palabras del propio Fish, con este álbum quiso plasmar "una colección de historias de jovenes" inspirados en su país de origen, y realmente sus reflexivas y poéticas letras son parte del atractivo de este álbum y son sin duda alguna, unas pequeñas obras de arte en si mismas.
Hasta entonces, la música electrónica había sido un lujo que muy pocos músicos populares podrían acceder. La mayoría de los sintetizadores eran propiedad de centros de música clásica o de grandes estudios de grabación.
A pesar de las dificultades prácticas, unos cuantos compositores visionarios introdujeron arreglos electrónicos en la música popular, siguiendo el éxito de “Good Vibrations” de los Beach Boys (1966). Jean Jacques Perrey y Gershon Kingsley virtualmente inventaron el pop electrónico con la ingenua "sonosíntesis electrónica" de “The In Sound From Way Out” (1966).
El compositor canadiense Mort Garson grabó “Zodiac Cosmic Sounds” (1967), una suite acompañado por Paul Beaver en los teclados electrónicos, “The Wozard of Iz” (1969), una parodia electrónica del clásico infantil (con Bernie Krause en los "sonidos ambientales"), “Lucifer” (United Artists, 1971), una exotérica ópera & misa con sus observaciones de mezcolanza de sonidos electrónicos, y “Music for Sensuous Lovers” (1971), en la cual sobresale el sintetizador Moog y algunos gemidos humanos.
Ron Geesin, un británico investigador de sonidos eclécticos quien había experimentado con el collage en “A Raise Of Eyebrows” (1967), mezcló la psicodélia y el dadaísmo en “The Body” (1970) y particularmente en “Electrosound” (1972), el cual expandió la música cósmica y precedió a la música industrial.
El hombre que tiene el crédito de haber convertido "música electrónica" en música comercial es Walter Carlos, su “Switched On Bach” (1968) fue el primer álbum electrónico en alcanzar las listas de éxitos, aunque el mejor fue “Sonic Seasonings” (1972), que precedió a la música ambiental unos cuantos años antes.
En 1968 muchas bandas de rock también experimentaron con el nuevo medio para realzar su caos creativo, con ejemplos muy notables como las bandas psicodélicas United States Of America en New York y Fifty Foot Hose en San Francisco.
Sin embargo Lothar & The Hand People fueron quizás la primer banda de rock en usar instrumentos electrónicos para más que simple relleno de fondo en sus álbumes “Presenting” (1968) y “Space Hymn” (1969).
La banda legendaria de culto Silver Apples fueron un dúo experimental de teclados y vocales electrónicos que precedieron a la new wave y al synth-pop en casi una década. La música en “Silver Apples” (1968) y “Contact” (1969) mezclaba psicodélia y el rock'n'roll mientras empacaban la neurosis urbana y la angustia existencial.
En Boston, el integrante de Beacon Street Union, Peter Ivers, aplicó "modulaciones" electrónicas a los arreglos ya de por sí salvajemente excéntricos de su album concepto-religioso “Knight Of The Blue Communion” (1969), un desfile surrealista de números de jazz, psicodélia, pop, música clásica y vodevil con una cantante de ópera por delante.
El primer músico en improvisar en vivo con un sintetizador fue probablemente Annette Peacock, ejecutando con el grupo de jazz de Paul Bley.
Dos veteranos de los instrumentos electrónicos formaron otro dúo influyente, simplemente llamado Beaver & Krause (3), cuyo “Ragnarok Electronic Funk” (1969) fue otro punto importante para la adopción de los instrumentos electrónicos. En “In A Wild Sanctuary” (1970) ellos intentaron una fusión de raga, música clásica, folk y psicodélia, y en “Gandharva” (1971), grabado en la catedral de San Francisco con la ayuda de Gerry Mulligan y Bud Schank, se expandieron todavía más hacia el jazz.
En 1970 Robert Moog lanzó el Minimoog, el primer sintetizador portátil. Ese evento hizo la música electrónica disponible a un grupo más amplio de músicos. Aunque era todavía muy caro, este juguete podría moverse de un escenario a otro, y por lo tanto integrarse en el ensamble del rock, de los primeros en ultilizarlos estaban la ya grandes bandas de rock progresivo como Yes, Emerson, Lake and Palmer, Genesis...etc.
David Borden formó en 1969 un trío electrónico que grabaría “Mother Mallard's Portable Masterpiece Company” (1973), armado con el sintetizador mini-Moog e inspirado por el minimalismo de Terry Riley y la improvisación del jazz.
En Suecia, Bo Hansson lanzó “Sagan Om Ringen” (1970), una colección de doce viñetas impresionistas que mezclaban el folk, música clásica, jazz y pop y que precedería al synth-pop y a la música new-age.
En Gran Bretaña, los pioneros de la música electrónica White Noise, el proyecto original del estadounidense David Vorhaus, preparó las canciones de cuna y etéreas y espaciales de “An Electric Storm” (1969).
También en 1969 aparece una banda llamada Rare Bird, que graban un album especialmente curioso y fundamental en la historia del rock progresivo con tintes electrónicos y psicodélicos, ya que en ella no aparece guitarrista alguno, su música se apoya en los sonidos del órgano, piano eléctrico, bajo y bateria, y de esa manera en este su primer album “Rare Bird” (1969), llaman mucho la atención de los aficionados y critica del momento, su mezcla de rock épico y atmosférico muy influenciados sin duda por el rock progresivo será la antesala de los que luego grupos como Camel o mas particularmente Emerson, Lake and Palmer llevaran a la cúspide, posteriormente el grupo redefinio su sonido a estilos mas diversos, “As Your Mind Flies By” (1970) donde incluyeron muchos mas amplios sonidos electrónicos de teclados adicionales a los ya conocidos de órgano y piano eléctrico, aunque el resultado también les salió de manera antológica.
Finalmente, los Tonto's Expanding Head Band grabaron “Zero Time” (1971), la primera colección de melodías pop originales enteramente tocadas en sintetizadores.
Por aquel tiempo, las bandas alemanas habían comenzado a cambiar el centro de gravedad hacia los teclados electrónicos y pronto procederían a reinventar la música rock.
Fundada en 1970 en la ciudad de Hannover, durante toda su carrera Jane ha tenido innumerables cambios de formación, hasta el punto que a mediados de los noventa se formaron tres bandas paralelas con diferentes miembros originales.
Jane practicaban un estilo que mantenía la síntesis del hard rock progresivo con pinceladas psicodélicas y espaciales muy cercanas a los primeros Pink Floyd. Sus orígenes están en la banda psicodélica Justice Of Peace, los cuales publicaron un sencillo de escaso éxito y en donde contaban con los futuros miembros de Jane, Peter Panka (voz), Klaus Hees (bajo) y Werner Nadolny (saxo).
Ya como Jane, la banda se reestructurarían, formando Panka a la batería y voz, Hess a la guitarra, Charly Maucher al bajo, Berndt Pulst a la voz y Nadolny a los teclados.
Esta primera formación lanzaría el primer álbum “Together” (1972), un disco cargado de un pesado sonido de blues rock con toneladas de órgano Hammond y unos ritmos hipnóticos que fue recibido calurosamente por la prensa germana y obtuvo una buena acogida por parte de los fans al rock progresivo.
Pero a partir de aquí empieza el continuo cambio de integrantes, algo que por otra parte nunca mermaría la calidad del grupo.
Después de varias nuevas incorporaciones se publica “Here We Are” (1973), en donde continuaban con la misma formula musical que el anterior, pero aplicando mas armonía y la introducción de diferentes elementos como los sintetizadores, como queda demostrado en el tema espacial y sombrío “Out In The Radio”. En “Jane III” (1974), la banda deriva su estilo hacia sonidos mas abrasadores de guitarra hard rock, una propuesta que seguía presente en el cuarto álbum “Lady”, en donde los sonidos mas duros se veían reflejados gracias a las incorporaciones de músicos como el guitarrista Matthias Jobs, quien algún tiempo mas tarde pasaría a engrosar la banda de heavy metal Scorpions.
En 1976 llegaría una de las obras cumbres de Jane con el álbum “Fire, Water, Earth & Air”, en donde aparecían las enormes suites progresivas “Air (Let The Sunshine In) + The End” y la que daba titulo álbum.
El enorme doble en directo “Live At Home”, publicado un año después, no hizo mas que confirmar el auge creativo de Jane, logrando abrirse camino en los mercados internacionales como Estados Unidos, Gran Bretaña o Japón con un tremendo éxito de ventas.
Con unas atmósferas conceptuales mas oscuras, llegaría el séptimo album “Between Heaven and Hell” (1977), que siguiendo los paradigmas del rock progresivo, volvía a triunfar dentro y fuera de las fronteras alemanas.
Llegados a este punto, Jane se habían convertido, pese a sus innumerables cambios de integrantes, (siempre alrededor de su fundador Peter Panka), en una de las bandas favoritas de los alemanas, suizos o austriacos, ganando también muchos adeptos en Inglaterra y otros países.
En una onda similar, en 1978 llegaría “Age Of Madness”, con el cual se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa. Sin embargo los signos del agotamiento creativo llegarían en el siguiente “Sign No. 9”, el cual adolecía de los ambientes espaciosos creados por los teclados en favor de un dominio mas predominante y convencional de las guitarras, por lo cual fue menospreciado por los fans mas puristas y perdió el interés del publico en general.
Ya en la década de los 80 la banda afrontaba una nueva etapa mas enfocada hacia los sonidos cercanos a la new wave, el jazz, las experimentaciones tecnológicas y el rock mas previsible con los álbumes “Jane” (1980), “Germania” (1982), “Beautiful Lady” (1986) o “Genuine” (2002), este ultimo un intento fallido de recobrar los sonidos de antaño.
A partir de la década de los noventa la banda se divide en diferentes ramificaciones como Lady Jane con Peter Panka como líder, Mother Jane con Hess como hilo conductor o Pater Panka´s Jane, los cuales han seguido publicando discos y actuando regularmente por Europa con cierto éxito conservando el gran legado que el rock alemán dejaría para la historia de la música.
Arkus son una banda holandesa que tiene el privilegio de ser una de los primerísimas en lanzar un álbum de neo progresivo, un sub genero que surgió a principios de los ochenta. Formada a finales de los 70 por el guitarrista y cantante Frans Smits, el bajista John Bouman, el baterista Erik Van Duin, el teclista Jan-Henk Wiggerlinkhuizen y el guitarrista Ron Willems. Su debut discográfico, titulado "1914", que fue grabado y publicado de manera privada por la propia banda, esta basado en las escrituras del famoso escritor holandés Bert Voeten. Este registro es un eficaz álbum del germinal neo progresivo, el cual contiene un repertorio cargado de melodías adictivas y coherentes. Sin embargo el estilo de la banda se orienta hacia los sonidos mas atmosféricos y melódicos del rock progresivo de finales de los setenta, que al estilo pastoral y teatral de principios de esa década.
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