Black Sabbath-Heaven and Hell (1980)

Al final de la década del 70 Black Sabbath, estaban al borde del abismo. Las opciones eran varias, o hacer una pausa larga que permitiera no solo recuperar fuerzas, sino también aislarse de las grabaciones y las constantes y agotadoras giras, el consumo de drogas de algunos de sus componentes, o cortar por lo sano con el principal problema de la banda, que no era otro que el cantante Ozzy Osbourne. El fracaso comercial de los dos álbumes anteriores, ("Technical Ecstasy", 1976 y "Never Say Die!" 1978), debido principalmente al consumo de drogas que seguía aumentando y una serie de problemas en lo personal, terminaron en una situación límite e insostenible.
Todo ello suponía una bomba de relojería en sus manos, viendo como avanzaba la cuenta atrás, Black Sabbath no pudo hacer nada durante mucho tiempo, presionados no solo por su sello discográfico, sino también por ellos mismos, aprisionados por su propia conciencia y por una incapacidad que se apoderó de la creatividad de la banda.
La solución sería la fulminante expulsión de Ozzy, y la contratación de un nuevo cantante, Ronnie James Dio. Con este hecho se lograría la estabilidad y fluidez creativa necesaria.

Finalmente había llegado a Black Sabbath un cantante que tenia la suficiente madurez y personalidad para darle esa tranquilidad y abrir unos nuevos horizontes. Componiendo primero 'Heaven and Hell' y luego ayudando a componer el resto de canciones que forman parte del álbum del mismo titulo y evocando a la banda inglesa que el componer no era un calvario y reconociendo que, a pesar de haber dejado un amigo en el camino, el cambio era necesario para la supervivencia de la mítica formación.
Así sería como el primer disco de Black Sabbath sin Ozzy Osbourne los alejaba del Doom Stoner practicado por los de Birmingham en sus primeros 6 discos, para centrarse definitivamente en el Hard Rock y Heavy Metal mas contundente. Este noveno disco iba a ser un disco de Heavy Metal puro y una obra que responde a todas las constantes del género que ellos mismo habían creado, pero que las jóvenes bandas inglesas de la llamada "New Wave of British of Heavy Metal", ayudarían a definir un estilo que dominaría gran parte de los años ochenta y noventa.
Un álbum este, que esta repleto de momentos sublimes como la mencionada “Heaven And Hell”, o las siguientes “Children Of The Sea”, “Neon Knights”, “Lady Evil”, “Die Young”, “Walk Away” o “Lonely Is The Word”, todas ellas una retahíla de grandes clásicos del heavy metal, que lo convierten en una obra maestra del genero sin paliativos.

Argent-All Together Now (1972)

Para cuando la banda de rock progresivo Argent lanzó el álbum "All Together now" (1972), ya habían publicado dos álbumes ("Argent" y "Ring of hands"), que los habían convertido en uno de los grupos líderes de la primera mitad de la década de los 70.
En este trabajo, la banda deja atrás las líneas que habían trazado en los dos mencionados discos, derivando su estilo con más contundencia, un sonido mas vigoroso y mucha mas profundidad en sus composiciones. Sin embargo, no es una obra de gran pureza progresiva.
El ego de sus dos líderes Rod Argent y Russ Ballard están presentes en este disco de manera obvia, mientras que Argent quiere protagonismo para sus teclados como se demuestra en "Hold your head up", que es el hit de este disco o en "Pure love", donde realiza una introducción de más de 3 minutos solo de teclados, Ballard da rienda suelta a la creatividad que lleva y que no había sabido expresar en todas sus dimensiones hasta entonces, destilando blues, funky y rock and roll a través de un estilo fresco de guitarra, inquieto y muy dinámico que hace que las canciones adquieran tintes comerciales, algunos de ellos incluso bailables.

Emerson, Lake & Powell-Emerson, Lake & Powell (1986)

En 1978 Emerson Lake y Palmer publicaron su último trabajo titulado "Love Beach", un disco que fue un rotundo fracaso comercial y en gran medida un trabajo menor de una banda tan importante como fueron ELP, y este fue uno de los motivos que precipitaría la disolución del mítico trío poco después.
En honor a la verdad, debemos aclarar que este disco fue grabado por exigencias de la discográfica y no por iniciativa propia de ELP.
Casi diez años después, tanto Greg Lake como Keith Emerson querían revivir la banda y publicar un nuevo disco, pero el tercer componente Carl Palmer ya estaba inmerso en su propia banda Asia, por lo que este tan esperado encuentro pronto se iría al traste para desencanto de sus fans.
Sin embargo, el esfuerzo de Emerson dio sus frutos cuando reclutaron al gran baterista Cozy Powell en lugar de Palmer.
Con esta formación, que coincidía con las iniciales de sus apellidos, con el original (ELP) ingresaron al estudio y grabaron el honorable álbum "Emerson, Lake and Powell" publicado en 1986.
Un disco donde Emerson y Lake recurren en parte a sus raíces, con largos temas progresivos, adaptaciones de música clásica y baladas instrumentales, pero muy alejado de las pomposas composiciones de antaño, recurriendo a un sonido más fresco y moderno, acorde a los tiempos que los corrían sin entrar de lleno en los sonidos comerciales de la época que otras bandas punteras de los 70 si hacían en los 80.

Totty-Totty (1977)

Totty fueron una breve formación de rock americano que solo lograron publicar varios álbumes a finales de los años 70 y principios de los 80. Esta banda en formato de power trío, estaba formada por Dennis Totty (guitarra y voz), Byron Totty (bajo y coros) y el batería George Cooper, aunque para la grabación del álbum debut, también participaron diferentes percusionistas invitados como David Blue y Roger Roden. Su estilo estaba claramente emparentado con el frenético hard rock de sus coetáneos Ted Nugent, Grand Funk Railroad o Foghat, estos últimos debido a sus galopantes ritmos de alto octanaje de boogie rock. En su album debut, encontramos un repertorio cargado de frenéticos y lisérgicos cortes como "Thus Saith The Lord", "T-Town Teasers", "Love Down By One Share" y "Crack In The Cosmic Egg", el tour de force heavy rock "Somebody Help Me" o las blues rock "I´ve Done Made Up My Mind" y "Take Me Away Jesus". Varios años mas tarde lanzaron su epitafio con el vigoroso segundo album "Too" (1981), con el que dieron por acabada su breve y magnifica carrera discográfica.

Carlos Santana & John McLaughlin-Love Devotion Surrender (1973)

En los primeros años de la década de los 70 Carlos Santana y John McLaughlin mostraron un gran interés por la filosofía oriental implantada por el Guru Sri Chinmoy , y ambos músicos de alguna manera representaron esa filosofía en sus álbumes "Caravanserai" y "Abraxas" de Santana y "Inner Mountain Flame" y "Birds Of Fire" de la banda liderada por John, Mashavishnu Orchestra. En 1973 ambos guitarristas unieron sus fuerzas para rendir homenaje a John Coltrane bajo los sonidos jazzisticos hipnóticos del free jazz y el jazz fusion. Cada uno de ellos aportaría para la grabación algunos de los músicos de sus respectivas bandas, empezando por Armando Peraza, Michael Shrieve y Doug Rauch de la banda de Santana y Billy Cobham, Jan Hammer y Larry Young de la Mashavishnu. Un álbum que esta repleto de esquistos pasajes como la inicial "A Love Supreme" que con un claro estilo de latín jazz, muestra la virtuosa guitarra de McLaughlin adornada por un órgano predominante. En la siguiente "The Life Divine", es Carlos Santana quien ofrece su divina guitarra en un corte de fusión con connotaciones psicodélicas, ambas pese a su innegable calidad palidecen con la antológica "Let Us Go Into The House Of the Lord", una epopeya de total virtuosismo por parte de los guitarristas y el resto de los músicos. Acabando la con la meditativa y pausada "Mediation", la cual da por finalizado una de las obras maestras del jazz fusión.

Blue Oyster Cult-Fire Of Unknown Origin (1981)

Después del mediocre álbum "Mirrors", la Blue Oyster Cult necesitaba reactivar su carrera, una trayectoria que los había elevado a los altares de la musica rock con soberbios discos de hard y psicodelia en la primera mitad de los 70.
Para ello se pusieron a trabajar y decidieron que sus próximos trabajos llamarían a Martin Birch, quien se encargaría de asumir las riendas de la producción y empujarlos a volver al nivel que se merecían.
"Cultosaurus Erectus", publicado en 1980, recupera parte de esa esencia con un sonido impecable donde los desarrollos instrumentales vuelven a ser el principal atractivo de la banda.
Pero sería con el siguiente "Fire Of Unknown Origin" cuando resurgirían definitivamente de las cenizas con un disco magistral, donde los teclados toman el máximo protagonismo para lograr una atmósfera oscura pero muy efectiva.
Los fans recibieron este disco con gran entusiasmo gracias a temas como los melódicos "Burnin 'For You", o "Joan Crawford", el rítmico "Veteran of Psychic Wars", el frenético "After Dark", el hard rock "Heavy Metal: The Black and Silver" o con la añeja "Sole Survivor", canciones con las cuales regresaban a los sonidos que dejaron atrás con el álbum "Spectre" y expresaban sus intenciones sobre el camino a seguir.

Vangelis-Voices (1995)

En los años 90, Vangelis terminaba por abandonar las experimentaciones que había mostrado en sus trabajos de las décadas anteriores en los 70 y los 80, años en los que su vanguardismo sinfónico inundaban la mayoría de sus obras. Llegados a este punto el músico griego basa su estilo en una música etérea, basada en acordes mas grandilocuentes, con supremos arreglos orquestales y coros líricos, que lejos de ser pretenciosos, son simplemente la consecuencia de sus muchos años de continuas experimentaciones. Con su vigésimo séptimo álbum, Vangelis da un paso más allá y le otorga a la voz humana un protagonismo que nunca antes le había dado tanto como lo hace aquí. Navegando entre los sonidos melódicos y la música new age relajante, Vangelis presenta una serie de piezas atmosféricas y muy fluidas, de hermosas líneas inquietantes y de omnipresente misticismo. En esta ocasión recurre a las colaboraciones de diferentes voces como la de Caroline Lavelle, Stina Nordenstam, el coro de la Opera de Atenas y la del cantante Paul Young. Pomposas piezas como "Voices", contrastan con las atmósferas etéreas de la celta "Come To Me", la hermosa melodía de "Ask The Mountains", la evocadora "Losing Sleep (Still My Heart")", la paradisíaca "Preludio" o la espacial "Dream In An Open Place".

The Sensational Alex Harvey Band-Framed (1972)

The Sensational Alex Harvey Band fue una de las grandes bandas del glam rock, y sin embargo está bastante olvidada y subestimada en las listas habituales del genero sepultada tras iconos como David Bowie, Sweet o T.Rex entre otras grandes del estilo.
Formada en Escocia en 1972 por el vocalista Alex Harvey, el guitarrista Zal Cleminson, quien junto a Chris Glen y Ted McKenna (bajista y batería respectivamente), grabaron en 1972 su primer y espectacular disco bajo el sello Vertigo titulado "Framed".
Un álbum que destila humor, espectacularidad, funk metal y blues rock de alto octanaje, y que contiene temas como el blues "Framed", el hard rock "Midnight Moses", la humorística "Isabel Goudie" o el funk metal "St Antonio".
La Alex Harvey Band debería ocupar un lugar bastante destacado y no solo en el glam rock si no también en la historia del rock en general.

Bob James & David Sanborn-Double Vision (1986)

Bob James y David Sanborn unieron sus fuerzas en 1986 para publicar "Double Vision", considerado uno de los mejores trabajos del jazz fusión de la década de los ochenta.
Grabado en Nueva York cuenta con la participación de un gran elenco de músicos de jazz como Marcus Miller, Al Jarreau, Steve Gadd, Paul Jackson Jr., Eric Gale o Paulinho da Costa.
Además de entrar en el Top Ten del pop y del R&B, "Double Vision" ganó el Grammy al mejor álbum de jazz y una nominación para Al Jarreau por la canción "Since I Feel For You".
Un disco donde es difícil destacar un tema sobre otro, pero desde la inicial y portentosa "Maputo", todas las canciones se van se sucediendo llevándonos a un viaje fascinante por la doble alegoría del jazz de sus autores.

Unicorn-Blue Pine Trees (1974)

Bajo un estilo de armonioso folk y country rock, Unicorn fue una excelente banda que en 1974 obtendría el beneplácito del guitarrista David Gilmour (Pink Floyd), el cual llegaría a producirles su segundo album e incluso intervendría tocando esporádicamente en este y en el siguiente registro. Esta formación británica llevaba tras de si bastantes años bajo diferentes nombres (The Senders, The Pink Bears o The Late Edition), antes del definitivo Unicorn. Con un contrato con el sello Transatlantic, publicaron su álbum debut "Uphill all the Way" en donde muestran su peculiar estilo que bebe sus influencias de las bandas norteamericanas America, Poco y Crosby, Stills, Nash and Young. Un estilo que estaba tremendamente teñido de las raíces de la música americana mezclado con los sonidos pastorales del folk británico, complementado con sus armoniosas voces y unas refinadas melodías, convirtiendo a este "Blue Pine Trees" y al siguiente "Too Many Crooks", en dos pequeñas joyas del género del country/folk rock americano, que lamentablemente pasaron desapercibidas. En este segundo trabajo nos encontramos preciosas melodías folk “Autumn Wine”, “Just Wanna Hold You”, “The Farmer”, “The Ballad of John and Julie” y “Blue Pine Trees”, unos temas que son el perfecto contrapunto a las rítmicas country rock “Holland”, “Nightingale Crescent”, “In The Gym”, “Volcano” y “Rat Race”.

Odin-Odin (1972)

Odin fueron otra de esas fantásticas bandas de un visto y no visto, que con solo un álbum publicado están entre las germinales formaciones progresivas de culto. Fundada a principios de los setenta, en su único esfuerzo discográfico estos británicos crearon un admirable trabajo enfocado en el hard rock progresivo con influencias del movimiento psicodélico de finales de los sesenta. Sin embargo como su centro de operaciones estaba ubicado en Alemania, fueron encuadrados en el movimiento krautrock debido también a su estilo vanguardista impulsado por las pesadas guitarras y el predominante órgano Hammond. Ellos eran el teclista, y voz Jeff Beer, el guitarrista y voz Rob Terstall, el bajista Ray Brown y el baterista Stuart Fordham. Contratados por el sello Vertigo, en 1972 lanzaron su único registro en el cual revelan que su estilo esta mas cercano al hard rock progresivo que hacían los británicos Deep Purple o Quatermass. Las líneas magistrales del órgano y las guitarras es lo predominante en canciones como "Life Is Only", mientras que la jazzistica "Tribute to Frank", una oda a Frank Zappa, se convierte en el corte mas hipnótico de la obra, en esa vertiente aparecen la atmosférica "Eucalyptus", la cual desemboca en la trepidante versión en clave progresiva de los mencionados Quatermass "Gemini", finalizando este disco con la sosegada folk "Be The Man You Are" y la pesada y oscura psicodélica "Clown". Sin duda este álbum es una de las joyas menores del progresivo británico, enmarcado equivocadamente en el movimiento del krautrock alemán.

 

Christopher Cross-Christopher Cross (1979)

Curtido durante los años 70 en muchos bares de carretera y garitos de la zona de San Antonio de Texas, Christopher Cross fue el arquetipo de los estándares del soft rock estadounidense, su música siempre fue pretenciosa y complicada y quizás por esta razón se convirtió en uno de los mejores artesanos de los éxitos para la radio formulas y las baladas, entre los que se encuentra el realizado para la película "Arthur the Bachelor of Gold", que le valió el Oscar en 1981.
En 1978 consiguió un contrato con Warner Bros y publicó su primer disco, y para reforzar sus composiciones la propio Warner lo rodeó de algunas de las estrellas más rutilantes del momento como Michael McDonald, Larry Carlton, Eric Johnson o Don Henley entre otros.
Este debut contó con temas como el emotivo "Say I'll be mine", la balada "Sailing" o su canción más recordada, la maravillosa "Ride like the wind".
Este álbum subió a la cima de las listas y obtendría 6 premios Grammy y sorprendentemente, superó al álbum más aclamado de ese año como fue "The Wall" de Pink Floyd, con más de 7 millones de copias vendidas y tuvo una secuela que proporcionó los mismos argumentos musicales con el siguiente "Another Page" (1983), que sin embargo no alcanzaría las cantidades astronómicas en ventas de su espléndido disco debut.

The Kinks-One For The Road (1980)

Reconocida como una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos, The Kinks estuvieron originalmente enmarcados dentro de la llamada “Invasión Británica”, con un estilo con influencias de diferentes géneros, que van desde el folk y el country, hasta el R&B o el music hall británico.
Formados alrededor de los hermanos Ray y Dave Davies, se ganaron una gran reputación en los 60 con algunos de los álbumes de rock más importantes y con uno de los himnos generacionales que aún hoy es un clásico del rock como "You Really Got Me".
Sin embargo, a pesar de su gran potencial, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles y The Rolling Stones, haciendo de este hecho una de las mayores injusticias en la historia.
Con casi treinta álbumes publicados, algunos de los cuales se consideran obras maestras, The Kinks permanecieron en activo hasta 1993 cuando publicaron su último trabajo titulado "Phobia".
En 1980 la banda publico "One For The Road", un doble álbum en vivo que hizo justicia al enorme poder de esta magnífica banda, y donde se puede escuchar al dúo de los hermanos Davies con las guitarras demostrando una extraordinaria compenetración.
Con un repertorio de grandes creaciones compuestas en su gran mayoría por Ray Davis, entre las que se encuentran "Lola", "Where Have all The Good Times Gone", "All Day And All of the Night", la mencionada "You Really Got Me" o "Stop Your Sollozos ”, canciones todas ellas que marcaron varias generaciones y que en directo adquieren otra dimensión con un plus de energía y vitalidad que las hace irresistibles.
Sin duda este es uno de los discos en directo por excelencia, donde queda perfectamente demostrada la grandeza de una de las mejores bandas de la música rock.

Uriah Heep-Firefly (1977)

En 1977 Uriah Heep llevaban tras de si nueve álbumes con los cuales habían alcanzado el pináculo del éxito y la fama. Nueve álbumes en donde crearon desde hard rock hasta rock progresivo, pasando por el rock mas convencional orientado a las FM. Después de infravalorado "High and Mighty", lanzado un año antes, Uriah Heep sufriría sus primeros cambios, primero el de su legendario vocalista David Byron que seria reemplazado por el ex cantante de Lucifer´s Friend, John Lawton y segundo el de John Wetton, sustituido por el bajista Trevor Bolder. Sin bien el cambio de bajista no significo un cambio sustancial, si lo haria el vocalista, el cual posee un rango vocal mas blues que el de su antecesor. El resto de la formación la seguían componiendo los pilares fundamentales de la banda, Ken Hensley (teclados), Mick Box (guitarras) y Lee Kerslake (batería). Esta reestructuración se vería reflejado en una serie de canciones con claro acento a rock clásico de menor complejidad como queda demostrado en las clasicas rock "Who Needs Me" y "Do You Know", el atractivo blues "Rolling´ On", el hard rock pesado de "The Hanging Tree" y "Been Away Too Long", las melodías pegadizas "Wise Man" o los guiños al pasado con las mas progresivas "Sympathy" y "Firefly".

Black Oak Arkansas-High On The Dog (1973)

En la segunda división de las bandas de rock sureño se encontraban Black Oak Arkansas, quienes publicarían una docena de álbumes en los años 70, algunos de ellos con una gran acogida en los circuitos del genero.
"High on the Hog" fue el quinto álbum de la banda, el cuarto en estudio, lanzado en 1973, y para muchos su mejor trabajo, el cual fue producido por el conocido ingeniero Tom Dowd.
Una banda que utilizando los mejores recursos de las típicas bandas del rock sureño, contaba con tres guitarristas que le daban el toque característico a su sonido final. Los temas sureños con grandes dosis de boogie rock, blues rock y la inconfundible voz de su líder, el cantante Jim Dandy, conformaron un disco y una banda que bien merecen mucho más reconocimiento del que hoy en día tienen.

Canned Heat-Human Condition (1978)

Canned Heat vivieron su época dorada a finales de los 60 y principios de la siguiente década, unos años en los cuales fueron una de las mas formidables formaciones del blues y el boogie rock mundial, dejando para la posteridad joyas del genero como "Boogie With Canned Heat", "Living The Blues", "Hallelujah", "Future Blues" o "Historical Figures and Ancient Heads". Durante el resto de los años 70, Canned Heat sufrieron en sus carnes los cambiantes gustos musicales del gran público, quedando injustamente relegados a leyendas revival del blues y el rock. "Human Condition" lanzado en 1978, es el décimo álbum de la banda originaria de los Ángeles y seria la ultima gran aportación de Bob “The Bear” Hite al frente de los Canned Heat, el cual fallecería varios años mas tarde debido a una sobredosis en una fatal combinación de heroína y cocaína. En este álbum aparece como músico invitado el guitarrista Harvey Mandel, que junto a los guitarristas Mark Skyer y Chris Morgan, al bajista Richard Hite y al legendario baterista Adolfo de la Parra, mas las potentes habilidades vocales de Bob Hite, crearon un repertorio repleto de blues mordaces y armónicos boogie rock; "Hot Money", "House Of Blue Lights" "Just Got to be There", "You Just got to Rock", "Human Condition" o "Open Up Your Back Door".

Chirco-Visitation (1972)

No cabe duda que por cada álbum reseñado de las oscuras y olvidadas bandas de los 60 y 70, hay cientos y cientos (por no decir miles), de álbumes y grupos que se quedan en el camino en el profundo túnel del tiempo. Esta es una de esas extrañas y oscuras formaciones de la que pocos datos podemos aportar hoy en día. Originarios de Westchester, cerca de Nueva York, fue liderada por el baterista Tony Chirco y secundada por una docena de músicos entre los que destacaban el vocalista Anvil Roth, el guitarrista John Naylor, el baterista Ted MacKenzie, el bajista Bruce Taylor y el teclista Steve Foote. Su único registro grabado en unos estudios de Nueva York, es un álbum ambicioso y complejo, en donde destacan la oscilante sección rítmica con cierta lírica espiritual, riffs de guitarras fuzz, interesantes arreglos y una inteligente mezcla de pasajes rock y sonidos vanguardistas. Sin embargo pese a que la música contiene características del rock progresivo con los temas muy bien estructurados y conceptuales, nunca llegan a ser tan pretenciosos, añadiendo instrumentos de viento, lo que les confiere ciertas texturas y complejidades jazzisticas. En definitiva otra de esas pequeñas joyas perdidas en la inmensidad de la música rock

Ange-Au-Delá Du Délire (1974)

Ange son una de las formaciones más importantes y emblemáticas del rock francés de todos los tiempos, que desde principios de los años 70 hasta casi nuestros días, han lanzado una treintena de álbumes enfocados la mayoría de ellos en el rock vanguardista. Formados a finales de los 60 por los hermanos Christian y Francis Décamps, en sus primeras dos obras mostraban una sutil mezcla de sonidos psicodélicos y experimentales, todo bajo unas humorísticas y sarcásticas letras. Con su tercer lanzamiento, este "Au-Delá Du Délire", logran crear su pináculo artístico, confeccionado un trabajo repleto de alusiones a la faceta mas sombría de los primeros King Crimson y la teatralidad de los Genesis de Peter Gabriel. Un álbum que esta confeccionado alrededor de la oscura y teatral voz de Christian Déscamps, en donde las exuberantes orquestaciones y el ingenio están sujetas a las narrativas poéticas, construyendo unos lienzos sugerentes entre lo pastoral y el frenético delirio. Aterradoras piezas como la líricamente escandalosa "Godevin Le Vilain" o la inquietante y agresiva "Les Longues Nuits d´Isaac", nos transporta a los viajes musicales del rey carmesí. Por otro lado "Si J´Etis Le Messie" muestra con su demoníaca letra, sus pensamientos anticlericos, mientras que la dulce "Exode" pone el momento conmovedor del disco. En todas ellas las punzantes letras escritas por Christian Decamps mezclaban el sarcasmo, la ironía, la ira y unas obvias insinuaciones contra el estamento de la iglesia, un hecho que les llevaría a ser muy criticados por un amplio sector de la pudiente y conservadora sociedad francesa de la época. Sin embargo toda esa polémica no hicieron mas que tornarse en una mayor popularidad de Ange, proporcionándoles una gran credibilidad artística y de paso mediática y comercial.

Black Sabbath-Black Sabbath (1970)

Históricamente este disco supondría el inicio del heavy metal de manera oficial, sin desmerecer a otras bandas que por la misma época lanzaron discos de géneros casi idénticos (Deep Purple, Steppenwolf o Led Zeppelin por nombrar a solo tres de ellos).
Sin ser su mejor disco, fue el que sentó las bases de una carrera imparable hasta mediados de los 70, con joyas del calibre de "Black Sabbath" y su siniestro y fúnebre ritmo, el brutal "The Wizard", el germinal y pesado "NIB", el melódico "Evil Woman", el enérgico "The Warning" o el virtuoso "Wicked World", todos ellos conformaron un demoledor arsenal de canciones que convirtió a este álbum en legendario e imprescindible para entender el género del heavy metal.

Aviator-Turbulence (1980)

Aviator fue una efímera banda británica, que estaba formada por tres legendarios músicos procedentes de algunas formaciones emblemáticas como Manfred Mann, Jethro Tull y Blodwyn Pig. Ellos eran el saxofonista Jack Lancaster, el baterista Clive Bunker y el guitarrista y cantante Mick Rogers, quienes junto al bajista John G.Perry publicaron dos interesantes álbumes a finales de los años 70. En 1978 bajo la producción del teclista de Brand X Robin Lumley, lanzaron su primer trabajo en donde mostraban un ecléctico estilo que se movía entre el art rock y el rock progresivo tardío. En esta primera entrega sobresalen la hipnótica "Keep Your Heart Right", las melodías rock de "Evil Eye" o la hard rock progresiva "Morning Journey". Un año más tarde Lancaster abandona la nave, quedando Aviator conformado como trío y lanzando el epitafio "Turbulence", un trabajo mas acorde con los sonidos de los ochenta y que seria producido por Wil Malone, un productor que participaría en trabajos de Black Sabbath, Iron Maiden, Depeche Mode o The Verve. Sin dejar totalmente de lado su faceta progresiva, aquí conviven desde refinados temas de pop rock como "The American", hasta los blues rock progresivos "Fallen Star" y "Strange Worlds, pasando por los previsibles sonidos del pop de la década que recién había comenzado "All Your Love Is Gone" o la atractiva country rock "Wood Wharf Gumbo". Después de este segundo y último álbum, la banda daría por acabada su corta carrera discográfica. Algunos años mas tarde surgiría otra banda norteamericana con el mismo nombre, la cual estaba encuadrada en los sonidos del rock melódico y el A.O.R.

Brian Auger´s Oblivion Express-Straight Ahead (1974)

Quinto álbum de Brian Auger junto a su banda Oblivion Express y otro nuevo formato de componentes, aquí ya no aparece Godfrey MacLean a la batería siendo sustituido por el más experimentado Steve Ferrone, además de la nueva incorporación del percusionista Mirza Al Sharif. Sin embargo lo que no cambia sustancialmente es el trepidante estilo de jazz rock impulsado por el órgano Hammond de Auger, aún mas contundente en esta ocasión si cabe debido al portentoso trabajo de las percusiones de Lennox Laington, Steve Ferrone y Al Sharif. Esa vigorosa sección rítmica es patente en la inicial "Beginning Again", que basada en unos simples acordes de jazz rock muestra las excelencias de Auger y la del guitarrista Jack Miles. La sólida jazz fusion/rock "Bumpin´On Sunset" representa otro de los momentos álgidos, la cual contrastan con la funk jazz "Straight Ahead" y con la larga y pegadiza "Changes", para finalizar con la melódica "You´ll Stay In My Heart", un claro corte orientado a las radio formulas por su atractivo sonido.

Cheap Trick-At Budokan (1978)

Considerado por muchos como uno de los mejores álbumes en vivo de la historia, "At Budokan" es el álbum más vendido de la banda Cheap Trick.
Mientras que en muchas otras partes del mundo los discos de Cheap Trick pasaban sin pena ni gloria, en Japón la banda era venerada hasta el punto de que existía una histeria colectiva a su alrededor.
Esta fue una de las razones por las que decidieron grabar un álbum en vivo solo para el mercado japonés en un principio, sin embargo, en vista del éxito masivo que tuvo en el país nipón, sería lanzado a nivel mundial y solo en Estados Unidos llegaría a vender más de cuatro millones de copias.
Una mezcla explosiva de grandes riffs de guitarras, voces melodiosas y contundentes y algunos estribillos al más puro estilo de The Beatles fue el reclamo perfecto para el éxito de este soberbio directo.

Kansas-Song For America (1975)

Kansas fue una banda que en sus primeros años no tuvo la benevolencia de muchos críticos de la música rock, unos los acusaban de meros paletos que hacían rock progresivo, (lo cierto en este sentido es que ellos eran de una localidad perdida en medio del estado de Kansas, llamada Topeka, de ahí lo de paletos), otros (los mas puristas), les acusaron de orientarse demasiado a los sonidos comerciales del AOR y así la lista seguía con muchas mas criticas desfavorables. Sin embargo ellos tenían un don que pocos les podían reprochar, su enorme capacidad para evolucionar de una simple banda de clubs de su perdida localidad, hasta convertirse una de las mas grandes bandas que han surgido de tierras norteamericanas. "Song For America" fue el álbum que les concedió la credibilidad justa para tenerlos en cuenta a nivel mundial, un álbum repleto de complejas melodías, singulares compases y unos arriesgados contrapuntos armónicos, todo ello bajo el rock americano de raíces como el blues y el country. Los enérgicos riffs de las guitarras de Kerry Livgren y Rich Williams son sabiamente combinados por el extraordinario trabajo del violin de Robbie Steinhardt, mientras que la calida voz de Steve Walsh pone el contrapunto a esta vorágine de deslumbrantes sonidos. Aquí están representados desde el rock americano "Down The Road" y "The Devil Game", hasta la asombrosa pieza progresiva "Lamplight Symphony", la maratoniana "Song for America", o la epopeya "Incomudro-Hymn To The Atman". Con esta segunda entrega, Kansas no solo lograron crear una singular obra de arte, sino también un álbum tan esencial como imprescindible en el rock norteamericano y en el rock progresivo en general.

Rubicon-Rubicon (1978)

Formada principalmente por músicos blancos, Rubicon fueron una de las mas reconocidas bandas de un sonido y un  estilo eminentemente negro, como es el funk rock. Formada casi a finales de los 70 en California, su impulsor fue Jerry Martini quien anteriormente había formado parte de los legendarios Sly & The Family Stone, quien reclutaría Brad Gillis (guitarra), Dennis Marcello (saxofón), Jack Blades (bajo), Greg Eckler (batería), Johnny Colla (saxo) y a Jim Pugh (teclados). En 1978 llegaría su debut discográfico con el homónimo "Rubicon", el cual lograría un destacado interés en las listas de éxitos gracias a cortes como la balada "I´m Gonna Take Care Everything" o al musculoso funk rock "Vanilla Gorilla". Además en este primer lanzamiento aparecían otros temas de gran calibre como las portentosas y trepidantes funk "That´s The Way Things Are", "And The Moon´s Out Tonight" y "Cheatin´" o el rock melódico "Closely". El buen recibimiento de este álbum les abriría las puertas a participar en la segunda edición del mítico festival "California Jam", celebrado en Ontario a mediados de 1978. Un año mas tarde con la inclusión de un nuevo baterista (Kelly Keagy), publicarían su segundo y ultimo trabajo "America Dreams", con el que continuaban su propuesta funk pero con sutiles inclinaciones orientadas al rock melódico. Poco después del lanzamiento de este "America Dreams", la banda se disolvería definitivamente, pasando algunos de sus miembros (Blades, Gillis y Keagy), a formar parte de banda de A.O.R. Night Ranger, mientras que el saxofonista Colla ingresaría en Huey Lewis and The News.

Satchitananda-A Thought Away (1978)

Satchitananda es el extraño nombre de una efímera formación norteamericana de jazz rock que fue fundada a mediados de los 70 en los alrededores de Chicago. Con una inédita combinación que adolecía de guitarra y bajo, sus componentes eran Kevin McGlennon, piano clásico, voces y flauta, Ken White, saxo, voz y flauta, Dave Hoffman, teclados, Mark Janas, batería y Tom Deglman, arreglista. Su estilo estaba mas cerca del jazz fusión que del jazz rock propiamente dicho, sin embargo el dinamismo de sus composiciones con una excelente sección rítmica y la perfecta sincronización entre las flautas, el saxo, los teclados y la voces, convierten su único registro oficial en otra de las excelentes muestras del jazz experimental estadounidenses de la década de los 70. Este único álbum titulado "A Thought Away" fue lanzado en 1978 bajo el sello Aferton Records, una pequeña discográfica con sede en Illinois. En esta entrega nos encontramos una extraordinaria colección de piezas que van desde ambientales paseos atmosféricos de gran belleza "The Whisper Heard Above The Roar", hasta cortes eminentemente mas progresivos como las jazz rock "Alpha and Omega" y "Listen To Me" o melodías pop jazz como "Destiny", hasta acercamientos al sonido británico de Canterbury con la esplendida jazz fusión/rock "A Thought Away".

Savoy Brown-Looking In (1970)

Comenzando los años 70, la mítica banda de blues rock Savoy Brown, lanzaba su sexto álbum "Looking In", con el cual seguían su senda triunfante en tierras británicas y en Norteamerica. Detras de este sexto álbum, la formacion británica habia dejado para la posteridad memorables trabajos como "Getting to the Point", "Blue Matter", "A Step Further" y "Raw Sienna", en los cuales mostraban su magnifica propuesta de blues rock como el cadencioso "It´s All My Fault", los memorables blues "Tolling Bells" y "Black Night" o poderosas versiones como "Ain´t Superstitions". Sin embargo sus constantes salidas y entradas de miembros les mermaban continuamente su estabilidad y bajo ese contexto ocurriría lo mismo en 1970. En "Looking In" ya no aparece su cantante original Chris Youlden, quien había abandonado después del anterior registro "Raw Sienna", y el cual ni siquiera seria sustituido, siendo el guitarrista Lonesome Dave quien se encargaría de esa labor. El resto de la formación estaba compuesta por el guitarrista solista Kim Simmonds, el bajista Tone Stevens y el baterista Roger Earl. En esta sexta entrega el cuarteto restante pone toda la carne en el asador confeccionando un antológico disco de enérgico blues rock como queda demostrado en un excitante repertorio destacando la lisérgica "Poor Girl", la soterrada blues "Money Can´t Save Your Soul", la jazzistica bluesy "Sunday Night", la boogie blues "Take It Easy" o la tour de force "Leavin´Again". Pese al tremendo éxito del album en tierras norteamericanas, poco después de su lanzamiento tres de sus miembros; Stevens, Earl y Lonesome, abandonarían Savoy Brown para fundar la banda de hard rock y boogie rock Foghat.

Kraftwerk-Autobahn (1974)

Ideado como resultado de los frecuentes viajes por la autopista que va desde Dusseldorf, (la residencia de los componentes de Kraftwerk), hacia Colonia donde se ubicaba el estudio de grabación, en 1974 se publicó "Autobahn", el cuarto álbum cronológicamente de Kraftwerk.
Este disco marcaria definitivamente el cambio de estilo de la banda, alejándose del krautrock de los primeros trabajos para ir directamente a los sonidos totalmente electrónicos.
"Autobahn" fue un arriesgado paso experimental que representó musicalmente un viaje por carretera, aderezado con sonidos como el del motor de un vehículo, el ruido del tráfico circundante o los sonidos de las estaciones de radio.
"Autobahn" es considerada la primera grabación de música electrónica exitosa, y aunque hubo muchas otras antes que ésta, ninguna tuvo la repercusión mediática que tuvo este trabajo para el posterior desarrollo de la música vanguardista y el pop electrónico.

Birth Control-Live (1974)

Para cuando Birth Control lanzó este doble álbum en directo en 1974, tenían tras de si cuatro excelentes discos dentro del género krautrock.
Fundada a finales de los sesenta, tomaron este controvertido nombre en respuesta al Papa "Pablo VI" y sus opiniones con respecto a los anticonceptivos y el aborto.
Ya en 1970 publicaron su primer album homónimo "Birth Control", con el que  comienzan a darse a conocer masivamente en toda Europa, los siguientes "Operation" y "Hoodoo Man" (ambos con portadas tremendamente polémicas), son dos de sus mejores trabajos, y en donde aparece una de sus canciones más emblemática y reconocida, "Gamma Ray".
"Live" contiene sólo cinco temas, todos ellos de larga duración, comenzando por el mencionado "Gamma Ray", un tour de force trepidante de 20 minutos, o "The Work Is Done" con casi 17 minutos.
En general, es un directo en donde podemos apreciar el sonido envolvente del teclado Hammond, con un sonido fascinante y pesado, unos increíbles blues rock interpretados de manera sublime, unas poderosas guitarras ácidas y psicodélicas, y la portentosa voz de su baterista Bernd Noske.
En definitiva, un doble album y una admirable banda que hicieron historia dentro del panorama del rock progresivo en general y del krautrock en particular.

The Lee Riders-The Lee Riders (1972)

The Lee Riders fueron una banda de rock sureño de corta duración, de la cual surgieron una de las icónicas formaciones del country rock como fueron los incombustibles Pure Prairie League. Originarios de la localidad de Woodstcok en Nueva York, fue formada por el cantante Robert Lee, quien reclutaría a diferentes músicos con sus mismas preferencias musicales del sur norteamericano. Ellos eran Bill Hinds (batería), Mike Reilly (bajo), Mike Connor (órgano) y Matt Presby (guitarra). Gracias a un contrato con United Artists se trasladaron a Inglaterra donde grabarían su único registro homónimo. Sin embargo el baterista Bill Hinds prefirió quedarse en los Estados Unidos y seria sustituido en tierras británicas por Roy O´Temro. Lanzado a mediados de 1972, en este único álbum nos encontramos desde clásicos western country rock, hasta estelares rock sureños como "Ruby Valentino", "Highway Queen", "The Moment" o "Pale Horse", que pese a su incuestionable calidad no obtuvieron la merecida atención del publico. Un gira promocional por todo el Reino Unido teloneando a David Bowie, quien estaba en gira presentando su album "Ziggy Stardust", fue el epitafio de The Lee Riders en tierras británicas, que terminarían por regresar a los Estados Unidos algún tiempo después. Una vez en su país de origen, Connor y Reilly fundarían junto a Bill Hinds los mencionados Pure Prairie League, comenzando así una fructífera y exitosa carrera certificando algunos de los mejores discos del country rock norteamericano como "Bustin´Out", "Two Lane Highway", "If The Shoe Fits" o "Firin´Up".

Desperado-Ace (1989)

Desperado fue un efímero proyecto a modo de súper grupo que lanzaría un notable disco del heavy rock finalizando la década de los ochenta. Esta mítica formación estaba compuesta por el ex Iron Maiden, Clive Burr (bateria), el ex Ian Gillan, Band Bernie Torme (guitarra), el ex vocalista de Twisted Sister, Dee Snider y el bajista Marc Russell. El único registro oficial de esta banda fue grabado en 1989 bajo el sello Electra Records, sin embargo el álbum fue almacenado hasta algunos años después cuando una discográfica independiente lo publicara de manera oficial en 1996. La energía de este único álbum reside en la habilidad y destreza de sus miembros, mezclando el heavy rock, el hard rock y el glam rock, bajo los fundamentos del blues. Esos sonidos bluesy están presentes en la hard rock "Hang ´Em High", mientras que el rock mas rudimentario sale relucir en las potentes "Gone Bad” y "No Angels Here", en las cuales Torme se aplica con unos grandes riffs de guitarra acompañados por unos solos apoteósicos. Por otra parte son en la martilleante "Run Wild Run Free" y en el pesado rock "See You At Sunrise", donde mejor podemos apreciar el sobresaliente rango vocal de Snider. Para acabar aparecen las heavy metal "Son Of A Gun" y "Emajeevull", que junto a la melódica medio tiempo "Ride Thru The Storm", conforman un encomiable álbum creado por el gran talento, el ingenio y la destreza de estos excelentes músicos.

Cravinkel-Garden Of Loneliness (1971)

Encuadrados oficialmente en el krautrock, Cravinkel fueron en realidad una banda mas cercana a los sonidos del folk acido y el country rock americano, que a las experimentaciones y al vanguardismo místico de las bandas coetáneas germanas del mismo movimiento. Formada a finales de los sesenta estaba constituida por Gerd Krawinkel (guitarra), Rolf Kaiser (bajo y voz), George Haupt (batería) y Klaus Meier (guitarra y voz). Su primer álbum acontecido en 1970, es un peculiar experimento de opaco folk psicodélico, que esta fusionado de ambientes bucólicos y rock melódico. Las solidas melodías contrastan con algunas guitarras distorsionadas, emotivas voces y una sensación de melancolía. Canciones como las atractivas country rock "Candlelight", "Lonesome Road" o "Hidden Love" son junto a pastorales y nostálgicas piezas como "Two Circles", lo más destacado de este primer registro. Un año mas tarde llegaría el segundo y el epitafio de esta oscura agrupación, "Garden Of Loneliness", que a diferencia del tranquilo y sosegado debut, muestran una faceta mas cruda y ordinaria con acercamientos al hard rock estándar con sutiles elementos progresivos como queda patente en la enérgica canción que da titulo al álbum o en "Stoned", un tour de force de pesado y rotundo heavy rock.

Golden Earring-Live (1977)

Bajo una dibujada escena del grupo en escena, este fue el primer directo de los holandeses Golden Earring, que lanzado a finales de 1977, recogía parte de su material mas rockero, progresivo y psicodélico. Grabado en el Rainbow Theatre londinense a principios de 1977, la formación que actuaría aquella noche estaba compuesta por George Kooymans (guitarra y voz), Rinus Gerritsen (bajo y teclados), Barry Hay (voz y flauta), Eelco Gelling (guitarra) y Cesar Zuiderwijk (batería). Con una serie de versiones mas extendidas en comparación con las originales de estudio, el repertorio esta compuesto principalmente por temas pertenecientes a sus álbumes "Moontan" (1973), "Seven Tears" (1971), "To The Hill" (1975) y "Contraband" (1976). Sin embargo tantos temas con una duración que supera los nueve minutos (siete en total), son a costa de prescindir de otros grandes clásicos de la banda que no fueron incluidos aquí por falta de espacio. Aun así, las que están incluidas son unas excelentes muestras del porque Golden Earring siempre fueron considerados una mejor banda de directo que de estudio. Un doble álbum que logra capturar la enorme intensidad que Golden Earring mostraba sobre el escenario, desde la extendida "Radar Love", hasta la epopeya psicodélica "Eight Miles High" de The Byrds, pasando por la rotunda rock "Candy´s Going Bad", el magnifico tour de force "Mad Love´s Comin´" o la hard rock progresiva "Vanilla Queen". Un brillante repertorio que esta interpretado con ritmos contundentes y poderosos, en donde el denso sonido de sus dos guitarristas, junto a la sección rítmica ajustada y precisa, conducen la música de este directo hacia grandes pasajes instrumentales, convirtiendo a este doble álbum en uno de los mas famosos de los años 70.

Neil Young and Crazy Horse-Ragged Glory (1990)

En 1990, Neil Young ya llevaba tres años fuera de Geffen Records y había firmado con Reprise Records con quien había publicado el extravagante pero magnífico "This Note's For You" y el fantástico "Freedom", ambos para desgracia de su anterior compañía, indignada por los mediocres trabajos grabados para el sello discográfico dirigido por David Geffen, durante gran parte de la década de los ochenta.
La continuación de "Freedom", sería "Ragged Glory", otro álbum extraordinario junto a su banda los Crazy Horse y donde demostró que no había perdido ni un ápice la inspiración que perdió años atrás, o quizás quiso guardarla para mas adelante.
"Ragged Glory" es un disco de rock potente y enérgico, con temas poderosos y de gran vigor y visceralidad como "Love To Burn", "Love and Only Love" o "White Line", que destilan vitalidad y riffs trepidantes por todas partes.
En este disco hay composiciones que Neil Young había interpretado en directo con los Crazy Horse en los años 70, pero que nunca habían sido publicadas oficialmente como "White Line" o "Country Home".

Aerosmith-Aerosmith (1973)

“Dream on” es una de las canciones que son parte del primer álbum de la banda de Boston, Aerosmith, publicado en 1973, pero seria después de su relanzamiento a finales de 1975, y gracias un sin número de emisoras de radios americanas, cuando se situaría en los primeros puestos de los charts estadounidenses.
Sin embargo, dentro de esa sencilla portada sobre las nubes de su primer álbum, aparte de la mencionada “Dream On”, flotan otras canciones como “Walkin’ the Dog”, un tributo a Rufus Thomas Jr, un relevante Bluesman, la clásica “Toys in the Attic”, tema redondo en todo los sentidos, la fusión de rap y rock conectados en ‘Walk This Way’ o la primera aportación escrita del guitarrista Brad Whitford, “Round a Round”, estupenda canción aromatizada con toques psicodélicos.
Sin embargo, “Dream On” ya habia sido tocada en vivo por primera vez en el Shaboo Inn -Willimantic, Connecticut en 1969 con la antigua banda de Steven, (quien la compusiera cuando era joven a mediados los años 60), Chain Reaction. Sin duda fue una de las canciones más exitosas de la banda, y su sencillo más popular durante los años de formación del grupo en la década del 70 y un pasaporte inmediato que catapultaría a este álbum al éxito.

Canarios-Ciclos (1974)

Si hay un álbum de un grupo español que fue venerado en muchos países a nivel internacional, ese fue "Ciclos" de los Canarios. El único de este genero que esta banda hizo, pero que se convirtió en una obra maestra a nivel mundial.
Basado en cierto modo en el “Pictures at and Exhibition” de Emerson Lake & Palmer, los Canarios hicieron su particular concepto sobre las “Cuatro estaciones de Vivaldi”, que ha diferencia del lanzado por el trío británico, este es mucho mas elaborado y refinado sin la pomposidad y el egocentrismo de EL&P.
Este soberbio doble álbum fue un ambicioso proyecto de Alain Milhaud y Teddy Bautista, productor y teclista de los Canarios, respectivamente. Ideado originalmente como un trabajo para el consumo discográfico y no para ser interpretado en vivo, fue básicamente un complejo experimento de estudio con un resultado asombroso. Musicalmente "Ciclos" es una amalgama de estilos muy diversos que van desde el rock al pop, pasando por sonidos latinos, barrocos, clásicos y jazz, por momentos parece que estamos escuchando a lo mas granado del progresivo británico (Yes, Genesis o los citados EL&P) pero realizado con exquisitez y una gran sofisticación  
Este sofisticado viaje a modo de álbum conceptual esta ambientado en la vida del ser humano, el nacimiento, la infancia, la juventud, la madurez, la vejez y la muerte, por lo que no es de extrañar que sus autores se basaran en el concepto estructural de la obra del citado “Cuadros de una Exhibición” de Mussorgsky, pero cambiando el concepto por el basado en las “Cuatro estaciones de Vivaldi”.
Una obra que comienza con sonidos psicodélicos, en donde los llantos de un niño recién nacido toman durante pocos segundo el protagonismo, todo ello seguido por sonidos barrocos en donde sobresalen las guitarras y los teclados de sintetizadores y órgano.
Un viaje sonoro que continua por senderos progresivos, con épicos sonidos con temas orquestados, el rock e incluso guiños al blues hacen las referencias clásicas de las cuatro estaciones. La densidad de la electrónica y las múltiples percusiones con ambientes jazz, dejes folkloricos, referencias góticas e incluso sacras a modo de cantos gregorianos derivan hacia sonidos hipnóticos, atmosféricos y sublimes, con un Apocalipsis final antológico.
“Ciclos” es una obra magna que por desgracia en su momento fue ignorado por el gran público, sobre todo el español, haciendo celebre la frase de “nadie es profeta en su tierra”, pero que sin embargo con el tiempo se convirtió en el mejor disco de rock progresivo jamás realizado en España, y uno de los mas ambiciosos y reconocidos del rock progresivo a nivel mundial.

Boston-Don´t Look Back (1978)

Para muchos críticos y seguidores del AOR y el rock melódico, Boston fueron los inventores de este género, y ya con su primer disco, el mundo entero se asombraría con lo que ofrecieron en ese monumental trabajo, convirtiéndose al mismo tiempo en uno de los discos debut más antológicos y geniales de la historia de la música rock y uno de los comercialmente más exitosos.
Varios años mas tarde la banda publicaría este "Don't Look Back", un trabajo que se editó más por las presiones del sello Epic Records, que por la voluntad de la banda y en particular de su líder Tom Scholz.
Este disco es un trabajo que continua por la senda del anterior y aportó pocas novedades con respecto aquél, pero que sin embargo mantuvo un altísimo nivel de composición, calidad y coherencia.
Canciones como la honorable "Don´t Look Back", la balada "A Man I´ll Never Be" o himnos rockeros como "The Journey" y "It's Easy" se convirtieron de inmediato en obras maestras del rock, con un trabajo sensacional de guitarras y un espectacular y grandilocuente sonido.

Toto Blanke-Spider´s Dance (1975)

Hans Otto Blanke, mas conocido como Toto Blanke, fue uno de los músicos mas reconocidos de la escuela europea del jazz de vanguardia. Conocido principalmente por haber pertenecido a la formación Association PC, liderada por el teclista holandés Jasper Van´t Hof, paralelamente iniciaría su carrera individual formando varias bandas al mas puro estilo de los combos norteamericanos Mahavishnu Orchestra y Return to Forever, pero con un plus añadido de experimentación. Su carrera al margen de su banda madre se iniciaría en 1975 lanzando su primer álbum titulado "Spider´s Dance". Para este proyecto Toto Blanke formaría una interesante banda compuesta por Joachim Kühn (piano eléctrico), "Charlie" Mariano (saxo y flauta), John Lee (bajo) y Gerry Brown (batería), además del propio Blanke quien se encarga de las guitarras eléctricas y acústicas. En este primer trabajo el guitarrista germano no oculta sus influencias del jazz rock/fusion enérgico americano con dosis progresivas como queda demostrado en una serie de creativas composiciones, brillantemente ejecutadas por una banda que muestra su enorme virtuosismo instrumental. Piezas como las jazz rock "Lady´s Bicycle Seat Smeller", "Spider´s Dance" o "Intermission" se intercalan con otras de carácter mas experimental como la compleja "Slight Touch Of Hepatitis" o la dinámica funk jazz vanguardista "Toto". Sin duda "Spider´s Dance" es una de las obras más interesantes del jazz rock/fusión europeo, el cual tendría continuidad con otras de Toto Blanke de excelente creatividad como los posteriores "Electric Circus" (1976) y "Tales of Tomorrow" (1978).

Bob Dylan-Blood On The Tracks (1975)

Enmedio de una época de tumultuosos problemas sentimentales, Bob Dylan publico su decimoquinto álbum "Blood On The Tracks", con el cual y probablemente a causa de esa tensa situación, se convirtió en uno de sus mejores logros creativos de los años 70. Grabado durante los últimos meses de 1974 entre Nueva York y Minneapolis, para esta grabación contaría con un amplio plantel de músicos de estudio como Bill Berg (guitarra), Paul Griffin (teclados), Eric Weissberg (banjo), Billy Peterson (bajo), Gregg Inhofer (teclados), Peter Ostroushko (mandolina) o Richard Crooks (batería), entre otros. "Blood On The Tracks" esta rodeado de melancolía, amargura y desencanto, todo ello enmarcado en un tono musical de folk acústico con preciosas melodías y ajustados arreglos instrumentales. Los lamentos amargos de las brillantes "Tangled Up In Blue" y "You´re A Big Girl Now," contrastan con la enérgica y mordaz "Idiot Wind", las intimistas "Simple Twist Of Fate" y "If You See Her, Say Hello", la optimista y alegre "Shelter From The Storm", la folk "You´re Gonna Make Me Lonesome When You Go" y la bluesy "Meet Me In The Morning". Con este registro Bob Dylan reflejaba su lado mas introvertido e intimista y que pese al desanimo general de su repertorio, lograría un numero uno absoluto en el Billboard y varios discos de platino por sus considerables ventas a nivel mundial.

Elton John-Goodbye Yellow Brick Road (1973)

Elton John fue una de las estrellas más rutilantes a principios de los 70, aclamado en su Inglaterra natal a pesar de las feroces críticas de la prensa británica, que lo acusaban de sonar demasiado estadounidense, mientras que en Estados Unidos era idolatrado tanto por la crítica como por el público en general.
Así las cosas Elton John entró en los estudios para grabar su próximo disco, "Goodbye Yellow Brick Road", que sería su séptimo álbum y de esa manera continuar su marcha militar con un éxito arrollador a ambos lados del Atlántico.
Junto a Bernie Taupin, su letrista y colaborador habitual y parte fundamental en la carrera del teclista, compusieron el material para publicar un disco doble.
Sin embargo, en un principio el propio Elton John no las tenía todas consigo al considerar la posible reacción de sus fans al tener que pagar el doble por comprar un disco suyo y escuchar su música.
Finalmente el álbum fue lanzado en diciembre de 1973 y se convirtió en el tercer lanzamiento de su abrumadora serie de seis consecutivos que alcanzaron el número uno en América, iniciado en 1972 con el disco "Honky Chateau".
Este álbum contiene hits instantáneos; "Candle In The Wind" (dedicación de Bernie Taupin a Marilyn Monroe), el rockero "Saturday Night's Alright", la progresiva y épica "Funeral For a Friend", o la soberbia canción pop "Goodbye Yellow Brick Road".
Este fue el disco que más sencillos de éxitos se lanzaron al mismo tiempo, también fue su disco más variado y ecléctico de toda su discográfica, el cual alcanzó ventas asombrosas con más de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo.

Van Morrison-It´s Too Late To Stop Now (1974)

En la primera mitad de la década de 1970, Van Morrison estaba en su mejor momento como intérprete, había grabado una serie de álbumes de pura antología y en 1973 se embarcó en una gira mundial acompañado de su banda, The Caledonian Soul Orchestra.
De esa gira se tomaron una serie de canciones que completaron el doble en vivo "It's Too Late To Stop Now" que se publicó a principios de 1974.
Para esta gira, además de sus músicos habituales, se incluyó una sección de cuerdas para fortalecer y dar más consistencia y variedad a su repertorio, como se demuestra en "Here Comes The Night", que termina siendo una versión totalmente diferente a la que originalmente grabó Them en 1965.
El repertorio estuvo compuesto por canciones de sus últimos discos como "Moondance","Saint Dominic's Preview" o "Hard Nose The Highway", y sin embargo, ninguna de las piezas de su álbum más aclamado "Tupelo Honey" fue incluida por expreso deseo del propio Morrison, que quería un álbum genuinamente sencillo sin canciones con demasiados arreglos.
Años más tarde, el propio Van Morrison reconoció que este álbum es su obra maestra y para muchos este es uno de los discos en vivo esenciales de la historia del rock.

Craig Chaquico-Acoustic Planet (1994)

En 1993 el ex guitarrista de la mítica banda de los 60 y 70 Jefferson Airplane y Jefferson Starship, Craig Chaquico, lanzaba su primer disco en solitario titulado "Acoustic Highway", un memorable ejercicio de armonías y melodías enfocado en el estilo "new age", pero fusionado con sonidos jazzísticos y ritmos apasionados.
Un año después publicaría este "Acoustic Planet", donde Chaquico amplía el horizonte musical hacia sonidos e influencias más variadas como el blues, los sonidos latinos y el smooth jazz, sin dejar esa sensación "new age" que impregna todo el disco.
Un álbum lleno de viajes creativos que construyen un paisaje sonoro abrumador y que valdría la nominación al mejor álbum de música "new age" en los premios Grammy del año siguiente.

Nazareth-The Newz (2008)

Tras mas de cuarenta años de existencia, en el año 2008 Nazareth lanzaban su vigésimo primer álbum "The Newz", diez años después del ultimo trabajo en estudio publicado "Boogaloo" (1998), el ultimo por cierto en donde participaría el miembro fundador Darrell Sweet que fallecería a finales de 1999. Para cuando se publico este nuevo trabajo la banda contaba con dos nuevos integrantes, por un lado el baterista Lee Agnew y por otro el guitarrista Jimmy Murrison, quienes junto a los miembros fundadores Pete Agnew (bajo) y Dan McCafferty (voz), crearon uno de sus trabajos mas laureados y reconocidos por la critica y sus innumerables fans. Aquí vuelven a demostrar su tremenda destreza para aglutinar diferentes estilos e influencias con una exhibición magistral combinando desde el hard rock, hasta el rock clásico, pasando por el rock melódico o el country rock. Una retahíla de canciones memorables componen un disco exquisito y muy disfrutable como "Keep On Travellin´", "Road Trip", "Goin´Loco", "Day At The Beach", "Liar", "Mean Streets", "Gloria" o "Warning", las cuales los volverían a poner entre la vanguardia del rock mundial.

The Climax Blues Band-Plays On (1969)

La Climax Chicago Blues Band es una de las mejores bandas del blues británico que surgieron a finales de la década de los 60, y que sin embargo esta injustamente olvidada por el gran público en general.
Compuesta por el afamado guitarrista Peter Haycock y el cantante Colin Cooper, el resto lo formaban el guitarrista Derek Holt, el baterista George Newsome, el bajista Richard Jones y el teclista Arthur Wood.
Su álbum debut "The Climax Chicago Blues Band", lanzado en 1969, obtendría excelentes críticas y unas ventas mas que aceptables.
Posteriormente y debido a las presiones de su discográfica y de la banda de jazz-rock Chicago, que en ese momento se llamaban "Chicago Transit Authority", tuvieron que reducir su nombre a "The Climax Blues Band", y bajo este lanzaron su segundo álbum "Plays On ”, que a diferencia de su trabajo anterior, fusionan el blues con enfoques jazzísticos, obteniendo un sonido espectacular y brillante.
Desde el principio, la banda exploró el terreno jazzístico con el tema inicial "Flight", al que siguieron magníficas canciones como "So Many Roads", "Hey Baby", el devastador Blues "Everything's Gonna Be Alright Yeh Yeh Yeh" o la divertida "Crazy Bout My Baby".
"Plays On" es un disco lleno de sonoridad profunda e insuperable, en donde destacan los impresionantes solos de guitarra de Haycock, uno de esos guitarristas que están a la sombra de los grandes de su época, pero que en absoluto desmerece su talento ante cualquiera de ellos.

Cox Orange-Cox Orange (1978)

Atractivos sonidos de jazz fusión, combinados con la energía del rock, fue la interesante propuesta de Cox Orange, una banda danesa que publicaron tres álbumes de estudio entre finales de la década de los 70 y principios de los 80. Su numerosa formación estaba compuesta por los saxofonistas Morten Elbek, Anders Gårdmand, Holger Laumann y Niels Mathiasen, los guitarristas Finn Gustafsson y Flemming Ostermann, el teclista Karsten Simonsen, y la sección rítmica compuesta por Peter Danstrup (bajo), Ethan Weisgard (batería) y Birger “Krølle” Sulsbrück (percusión). Publicado en 1978, su álbum debut homonimo muestra su sugestiva propuesta estilistica la cual no se aleja demasiado del jazz rock/fusión norteamericano, con unos elegantes arreglos y un amplio abanico de sonoridades e interacciones entre los instrumentos de vientos y las guitarras. Temas como "Dedication to Ironside", "Always Public" o "Svend Age", conformaban un debut prometedor que llamaría la atención en los ambientes del genero jazzistico. Varios años mas tarde lanzaron "Cox Orange II" en donde vuelven a manifestar su pasión por las refinadas melodías en otro estimable álbum de jazz fusión. Luego de unos años de inactividad volvieron a publicar un tercer trabajo "Move Your Feet" (1984), que seguía las pautas musicales de sus dos primeros esfuerzos discográficos.