Alrune Rod-Hej Du (1970)

Alrune Rod fueron una formación danesa surgida a finales de los años 60 que se caracterizaron por el estilo psicodélico y lisérgico muy habitual en aquellos años. Su fundador, Leif Roden, un bajista el cual ya tenia tras de si una amplia experiencia en el movimiento del rock psicodelico de su país, reclutaría a Flemming Giese Rasmussen (guitarra y voz), Kurt Ziegler Simonsen (órgano y voz), Claus From (bateria) y Karsten Høst (percusion), constituyendo de esta manera la formación definitiva de Alrune Rod. Con ella publicaron seis álbumes entre el periodo 1969-1975, siendo sus tres primeros lanzamientos, los mas interesantes creativamente de esta banda danesa. "Hej Du" lanzado en 1970 esta considerado su pináculo creativo, un álbum en donde sus influencias lisérgicas de los norteamericanos Grateful Dead y el rock espacial y psicodélico de los primeros Pink Floyd de Syd Barrett son mas que evidentes. Piezas de prot-hard rock como "Du Taler Og Sir", o inquietantes lienzos psicodélicos como la extensa de 20 minutos “Perlesøen”, una sobresaliente epopeya con impactantes ejecuciones de guitarras distorsionadas, saltarinas flautas y un flotante órgano, constituyen un notable disco muy apreciado por los fans a los sonidos mas vanguardistas y oscuros de principios de los 70.

Time Of Commotion-"Live from the 70´s-Es Ist Nie Zu Spät" (1976)

Time Of Commotion fue una fugaz formación alemana encuadrada en el krautrock, que pese a lograr una gran difusión mediática en su país a mediados de los setenta, no tuvieron la suerte de ver ningún registro oficial publicado hasta años mas tarde. Formada originalmente a finales de los sesenta en la localidad de Lüdinghausen, tuvo como principal impulsor al percusionista Andreas Alba mientras que el resto estaba formado por los teclistas; Hans Biermann y Jürgen Wimpelberg, el guitarrista Nazte Schöler y el bajista Uli Hüning. "Live from the 70´s– Es Ist Nie Zu Spät" fue el único documento grabado (rescatado años después), en donde esta excelente agrupación muestra su vibrante rock con connotaciones blues como queda demostrado en canciones como "The Boogie", los sonidos lisérgicos "Space Orbit", piezas sinfónicas "Fairy Tales And Other Stories", el space rock psicodélico "Elegy" y "Space Orbit", el hard rock progresivo "Glorious Enterprise" o galopantes piezas del prog rock como "Requiem", en todas las cuales los omnipresentes sonidos del órgano Hammond y los sintetizadores Moog, constituyen junto a las impetuosas guitarras los principales estimulantes de su esplendida propuesta musical.

Bob Dylan

Bob Dylan es uno de los grandes genios de la música del siglo XX y una de las figuras fundamentales para el desarrollo sonoro y lírico de géneros tan diversos como el folk, el blues, el country o el rock, su enorme capacidad poética desplegada desde grandes variantes descriptivas, que impregna una introspección personal y una mirada incisiva a la sociedad que le rodea, ha influenciado sobremanera a todo tipo de generaciones de artistas, deudores de un hombre esencial para entender el transito de la música moderna, desde una hirviente adolescencia hasta una reflexiva y consciente madurez.
Robert Allen Zimmerman nació un 24 de mayo de 1941 en la localidad de Duluth, Minnesota pero a temprana edad se mudaría a Hibbing, ciudad localizada en el mismo estado. En su temprana adolescencia empezaría a aficionarse a la música folk, blues, rock'n'roll y country, imitando a sus maestros mientras sus padres atendían una ferretería familiar. En el instituto, Bob comenzó a tocar la guitarra y pronto formaría un grupo llamado The Golden Chords, en donde principalmente interpretaba rock'n'roll al estilo de Little Richard, su músico de rock favorito por aquellos años.
Cuando se traslado a la Universidad de Minnesota, comenzó a expandir su pasión por los estilos tradicionales de la música americana, y creció su devoción por gente como Woody Guthrie (a quien conoció en sus últimos días), Hank Williams o Leadbelly y adoptando el apellido Dylan, en homenaje a uno de sus poetas preferidos, Dylan Thomas.
Comenzó a cantar folk, estilo que a comienzos de los años 60, interpretaría con su singular voz y su peculiar fraseo en los locales neoyorquinos del Greenwich Village, tras aburrirse del academicismo universitario y abandonar sus estudios de arte. Con anterioridad había adoptado, tras contemplar al bluesman Jesse Fuller en Denver, el soporte para la armónica, que le permitía tocar la guitarra al mismo tiempo que el citado instrumento de viento.  
En 1961 consigue firmar un contrato discográfico con Columbia y publicar su primer Lp titulado simplemente "Bob Dylan" (1962), trabajo repleto de versiones de blues y folk producido por John Hammond Jr. que incluía estupendos temas propios como "Talkin' New York" o "Song to Woody".
Ese mismo año, Dylan comenzó a trabajar en su segundo album grande que ya iba a ser proveído con profusión por su talento en la escritura con temas tan clásicos como "Blowin' in the wind" (versioneado con gran éxito por Peter, Paul & Mary), "Masters of war", "Don't think twice, it's all right", "I shall be free", "Girl from the north country" o "A hard rain's a-gonna fall", todos ellos pertenecientes a su primera gran obra "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963), con una foto en la portada del compositor y su novia (por esos momentos) Suze Rotolo, un disco que contenía momentos de acerada critica social sin perder el tono irónico y amoroso.
En 1964 y tras desechar su manager, Albert Grossman algunos temas ("Mixed up confusión") de tendencias mas rockeras, publico "The times they are a-changin" (1964), album que proseguía su senda político-social con temas como el single homónimo, "With God on our side", "The lonesome death of Hattie Carroll" o "Boots of spanish leather". Otro magistral disco titulado "Another side of Bob Dylan", en donde incorporaba material de mayor calado sentimental y elementos de mayor complejidad lírica de elevado talante simbolista, influenciado por el poeta francés Arthur Rimbaud. Las mejores canciones de este Lp producidas por Tom Wilson son "All I really want to do", "Spanish Harlem Incident", "It ain't me babe", "Chimes of freedom", "I don't believe you" o "My back pages", temas versioneados hasta la saciedad por cientos de grupos y solistas, incluida Joan Baez que se convertiría en su compañera sentimental y principal fan del cantautor. La relación duraría poco y Dylan contraería su primer matrimonio en 1964 con la modelo Sara Lowndes, de quien se divorciaría en 1977.  
En 1965 electrificaría su sonido tras admirar las posibilidades expansivas de la música rock y pop en el folk con la versión realizada por los Byrds de su "Mr. Tambourine man" y por la soberbia re-adaptación del tema de los Animals "House of the rising sun", siendo rechazado cruelmente por los mas acérrimos seguidores del folk, que lo abuchearon cuando apareció en el mítico Festival de folk de Newport con su guitarra eléctrica y el grupo The Paul Butterfield Blues Band. El folk-rock fue adoptado por Dylan en su disco "Bringing it all back home", pieza clave de su discográfia con canciones impregnadas de imaginería y con temáticas eclécticas de connotaciones surrealistas en piezas como "Subterranean Homesick blues", "Maggie' farm", "She belongs to me", "Love minus zero", "Bob Dylan's 115th dream", "Gates of Eden", "It's alright, ma, I'm only bleeding", "It's all over now, baby blue" o la propia "Mr. Tambourine man".
El cambio al campo eléctrico y el abrazo a tendencias mas blues, R&B y trazos de rock se materializo totalmente en dos trabajos esenciales de su extensa carrera: "Highway 61 revisited" (1965) y "Blonde on blonde" (1966), dos obras maestras que prolongaban su talento lírico y musical con clásicos de la talla de "Like a Rolling Stone" (su sencillo mas exitoso comercialmente hablando, alcanzando el puesto numero 2), "Rainy day women #12 & 35", "Visions of Johanna", "I want you" o "Just like a woman", temas (con el single "Positively 4th Street") en los cuales colabora gente como Michael Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper y los miembros de The Band, formación canadiense conocida hasta esos momentos como The Hawks (los cuales acompañaban por entonces al rockero Ronnie Hawkins) y los cuales se convertirían en su grupo de acompañamiento en directo y con quienes giraría por el Reino Unido en 1966, siendo acusado de traidor de nuevo a la causa folk por sus seguidores británicos. Esta gira fue recogida por las cámaras de D. A. Pennebaker en su documental "Eat the document".  
La carrera de Bob Dylan alcanzaría en esos momentos su mayor auge popular, ya que junto al merecido éxito de la critica y la admiración de sus compañeros de profesión, sus albumes y sus sencillos cosecharían importantes resultados en ventas. En pleno auge profesional un grave accidente de motocicleta acaecido en junio de 1966 en Bearsville, estado de Nueva York, pudo terminar trágicamente con su exitosa trayectoria.
Por fortuna no sucedió así, aunque tras este excepcional periodo de inspiración compositiva, Bob Dylan se refugio durante algun tiempo en su familia y en su hogar, pensando incluso en abandonar el negocio musical. Su encuentro en una casa llamada Big Pink con sus compañeros The Hawks, le estimulo de nuevo para grabar multitud de temas procedentes de la música mas genéricamente americana, el resultado fue el disco "The Basement Tapes", que no seria publicado hasta 1975, aunque circularian multitud de copias piratas de las grabaciones entre Dylan y el grupo canadiense.
A finales del 67 publicarían el disco "John Wesley Harding" (1967), un album repleto de country que se encontraba al margen de las tendencias psicodélicas de la epoca y que desplegaba una menor complejidad en sus letras que en sus trabajos anteriores, retomando el gusto de Dylan por la música tradicional. El album fue todo un éxito, alcanzando el numero 1 en las listas británicas, gracias a temas como "All along the watchtower", "Dear Landlord" o "I dreamed I saw St. Augustine". El country continuo con "Nashville Skyline" (1969), disco en el que aparecía Johnny Cash y que contenía su gran canción "Lay lady lay", uno de los temas mas bellos de toda su carrera.  
El comienzo de la década de los 70 no resultó positivo para Dylan, ya que su complaciente disco "Self Portrait" (1970) resulto mal recibido por la critica, todo lo contrario que "New Morning" (1970), album que recuperaba para bien los buenos procederes del cantautor de Minnesotta. En esa epoca diversifico sus tareas artísticas, publicando el libro "Tarantula" y apareciendo como actor al lado de Kris Kristofferson y James Coburn en el western de Sam Peckinpah "Pat Garret y Billy The Kid" (1973), para la cual compuso la banda sonora, disco en el cual se encontraba el famoso sencillo "Knockin' on heaven's door", también apareció en vivo cantando en el Concierto para Bangladesh, organizado por el ex Beatle George Harrison.
Tras firmar con David Geffen y después de publicar en Asylum Records el innecesario "Dylan" (1973), un disco lleno de versiones, en la mitad del decenio Bob Dylan publico una serie de meritorios discos comenzados con "Planet Waves" (1975), trabajo en el que volvía a colaborar con The Band y que le llevaría a puestos muy altos en las listas de ventas. Posteriormente llegarían el directo "Before the flood" (1974) y el esencial "Blood on the tracks" (1975), un Lp grabado para Columbia lleno de amargura personal que estaba marcado por el comienzo del traumático divorcio de Dylan con su esposa Sara.
Este gran disco con temas como "Tangled up in blue", "Idiot wind", "Meet me in the morning" o "If you see her, say hello", le llevaría directamente al numero 1 en ventas.  
Posteriormente comenzaría una larga gira bajo el nombre de Rolling Thunder Revue, en la que Dylan se encontraba acompañado por gente como Joan Baez, Roger McGuinn, Mick Ronson o el poeta Allen Ginsberg. Parte de sus actuaciones fueron recogidas en el album en directo "Hard Rain" (1976). Ese mismo año publico un notable disco titulado "Desire" (1976), que incluía la canción "Hurricane", homenaje al boxeador Rubin "Hurricane" Carter, injustamente detenido acusado de un asesinato que no había cometido. El Lp volvió a alcanzar el numero 1.
En la parte final de los 70 y comienzos de los 80, Dylan publicaría varios discos de muy buena calidad como "Street legal" (1978), "Slow train coming" (1979), con la colaboracion del guitarrista Mark Knopfler, "Saved" (1980) y "Shot of love" (1981), estos tres últimos trabajos marcados por su conversión al cristianismo y temas religiosos.
Los bamboleos espirituales de Bob Dylan le llevaron a dejar sus ideales cristianos y adoptar en 1983 el judaísmo, justo antes de la publicación de "Infidels" (1983), trabajo producido junto al mencionado Mark Knopfler y en el que aparecía el ex Rolling Stone Mick Taylor. En 1986 contrajo matrimonio con Carolyn Dennis, de quien terminaría divorciandose en 1992.
Los restantes discos de Dylan en los 80 fueron los directos "Real live" (1984) y "Dylan & Dead" (1989) y los meritorios trabajos en estudio "Empire burlesque" (1985), "Knocked out loaded" (1986), "Down on the groove" (1988) y "Oh mercy" (1989). Por esta epoca giro con Tom Petty & The Heartbreakers y The Grateful Dead, ademas de grabar dos soberbios albumes con los Travelling Willburys.
En su ultima etapa continuo trabajando con bastante regularidad y tras una serie de discos bastante aceptables con buenos temas como "Under the red sky" (1990), "Good as I been to you" (1991), "World gone wrong" (1993) o el directo grabado para la MTV "Umplugged" (1995, publico dos excelentes muestras de su talento inagotable como son "Time out of mind" (1997) y "Love and Theft" (2001).  

Años 60

La otra cara del de la moneda en el auge del blues en los 60, fue el resurgimiento del folk británico. El folk-rock llegó a Gran Bretaña mucho más tarde que a los Estados Unidos, pero absorbió las múltiples facetas del rock psicodélico, el blues y el jazz. Pentangle, formado por dos veteranos guitarristas de la escena folk británica como Bert Jansch y John Renbourn, fueron más allá del reciclaje de la música tradicional. Las extensas suites “Pentangling” (1968), “Jack Orion” (1970) y “Reflections” (1971) contienen más que un guiño pasajero al jazz y la música clásica.
Otra imprescindible banda fueron Fairport Convention, la cual incluyó músicos muy reconocidos, pero solo el guitarrista Richard Thompson resistiría la prueba del tiempo. En su mayoría tocaron versiones y temas tradicionales. Su álbum “Liege And Lief” (1969), y sus odas de folk" “Matty Groves” y “Tam Lin”, son típicos de los pros (ritmo de rock, interpretación virtuosa) y contras (material estéril) del folk y su movimiento de avivamiento. “Sloth”, de “Full House” (1970), y la ópera popular “Babbacombe Lee” (1971) fueron probablemente los logros más significativos (precisamente porque estaban menos alineados con el resurgimiento del folk).
Pentangle y Fairport Convention se convirtieron en los grupos líderes del folk-rock británico. Docenas de ellas siguieron sus pasos, pero el movimiento en su mayoría no logró producir un valor real. Shirley Collins, una figura fundamental desde el comienzo del movimiento de renacimiento del folk inglés, lanzó el álbum conceptual “Anthems In Eden” (1969), con arreglos casi orquestales, pero utilizando instrumentos antiguos.
La contribución más erudita a la reforma del folk-rock provino del ex vocalista de Them, Van Morrison, quien rápidamente se estableció como el músico más importante de su generación. Las jams largas, complejas, hipnóticas y soñadoras de “Astral Weeks” (1968) acuñaron un formato de canción abstracto y de forma libre que mezclaba soul, jazz, folk y psicodélia y se interpretaba con la austera intensidad de la música de cámara. Los elementos psicodélicos y de jazz pasaron a primer plano en “Moondance” (1970), que presumía de exuberantes arreglos barrocos. Tal vez sintiendo el final de una era, durante unos años Morrison abandonó esos experimentos audaces y se retiró a las canciones mas convencionales de rhythm 'n' blues, con la notable excepción de “Listen To The Lion”, del album “St Dominic's Preview” (1972). Luego en el siguiente “Veedon Fleece” (1974) aplicó el mismo tratamiento a un estado de ánimo pastoral, nostálgico y elegíaco. El estilo vocal de Morrison continuó evolucionando hacia una forma única de gorjeo que unió a los bardos celtas y los cantantes de soul. En álbumes como “Into The Music” (1979), “Common One” (1980), “Beautiful Vision” (1982) e “Inarticulate Speech Of The Heart” (1983), Morrison empleó elementos musicales dispares para moldear composiciones que son profundamente personales e incluso filosóficas, que son tanto meditaciones arduas como construcciones elaboradas, que son, en última instancia, más similares a "suites" clásicas que a canciones pop. Sus majestuosas odas mostraban una creciente afectación, a menudo sonando como sermones pretenciosos, pero nacidos de una dolorosa convergencia de autoflagelación espiritual, confesión torturada, trance chamánico, la corriente de conciencia de James Joyce, la poesía metafísica de John Donne y el simbolismo visionario de William Blake.

Durante esta era de "renacimiento", los músicos británicos incluso mezclaron el rock and roll con la música clásica. Moody Blues fue el prototipo de gran parte del rock sinfónico  de Gran Bretaña. El mellotrón, simulando el majestuoso sonido de la orquesta sinfónica y, en general, una confianza en los teclados y la flauta en lugar de la guitarra, así como la pasión por las armonías vocales a cuatro voces en lugar de los gritos de rhythm 'n' blues, hizo de “Nights In White Satin” (1967) la vanguardia de la música rock inspirada en la música sinfónica. La pompa y la pretensión, pero también producciones meticulosas que emplearon conscientemente el doblaje de estudio como una adición a la banda, impregnan el álbum conceptual “In Search Of The Lost Chord” (1968), un tributo al misticismo hippy y la psicodélia, junto a la fantasía melódica de “On The Threshold Of A Dream” (1969).
Procol Harum inventó un sonido basado en dos teclados (el equivalente a acoplar un órgano de iglesia y un órgano de gospel) pero lo usó solo para vestir arias majestuosas, elegantes y de sonido clásico como “A Whiter Shade Of Pale” (1967), “Homburg” ( 1967), “Conquistador” (1967) y “A Salty Dog” (1969). La suite de cinco movimientos “In Held Twas In I” (1968) mostró en cambio sus límites, pero no sus puntos fuertes.
la banda The Nice introdujo la idea de los arreglos de música clásica y jazz basados en el teclado. En lugar de escribir nuevas canciones y apegarse al formato pop, Nice se basó en los estándares del repertorio clásico y de jazz, pero los deformó a través de improvisaciones de estilo psicodélico. Pusieron énfasis en las interpretaciones virtuosas (particularmente del teclista Keith Emerson) y en solos extensos. Era la misma idea de Jimi Hendrix Experience y Cream, excepto que el instrumento principal era el órgano.

La Bonzo Dog Doo Dah Band, fue uno de los grupos más grandes de la historia del rock británico, a pesar de que eran esencialmente un cruce entre el music-hall de los años 50 y el teatro del absurdo. Sus canciones eran parodias de estilos musicales del pasado, con letras que se burlaban de varios aspectos de la vida británica, pero el ecléctico collage de su repertorio era, en conjunto, mucho más que una mera parodia. Álbumes como “Gorilla” (1967) y “Donut In Granny's Greenhouse” (1968) se basaron en todos los géneros que tuvieron a mano; y en particular de todo lo que era "kitsch", desde la opereta hasta el doo-wop, desde los comerciales de televisión hasta las bandas de música, desde las melodías de Broadway hasta el swing de las grandes bandas, desde las baladas folclóricas hasta los coros patrióticos, y empleando una asombrosa variedad de instrumentos y registros vocales. Su empeño fue, de hecho, muy similar al sabotaje posmodernista llevado a cabo en California por Frank Zappa. Milagrosamente, un caldero tan poco ortodoxo de ingredientes musicales se fusionó en canciones concisas y pegadizas. “Tadpoles” (1969) trató de vender a las masas ese atractivo pop oculto. Los mecanismos de relojería barrocos de “Keynsham” (1969) y “Let's Make Up And Be Friendly” (1972) estaban preparados para detonar una secuencia aleatoria de irresistibles melodías y efectos de sonido. “Men Opening Umbrellas Ahead” (1974), fue el primer álbum en solitario de la líder de Bonzo Band, Vivian Stanshall, el cual no fue menos anárquico. Fueron los mejores artistas sin sentido desde Dada, el equivalente musical de Monty Python y, quizás, los mejores arreglistas de su época. “Slush” (1972) es su testamento: alguien riendo en el cielo, rodeado de angelicales violines y órgano.


En Estados Unidos la reacción al rock político de Dylan y al acid-rock de San Francisco fue aún más fuerte. El "reajuste" involucró a casi todas las bandas y marcó un cambio repentino en el sonido y el formato. La música rock volvió a la canción bien estructurada, corta, melódica, y redescubrió su tradición, tanto blanca (country) como negra (blues).
En 1968 el "vaquero cósmico" Gram Parsons inventó el "country-rock": primero con “Safe At Home” (1968), junto a la International Submarine Band, y luego con “Sweetheart Of The Rodeo” (1968), de los Byrds, dos discos que interpretaban material de Nashville y que empleaban instrumentos country junto a instrumentos de rock y una actitud hippy. Parsons continuó el proyecto con una nueva banda, “Flying Burrito Brothers”, que debutó con “Gilded Palace Of Sin” (1969).
El country-rock de Parsons generó innumerables imitadores, en particular Seatrain, el nuevo nombre de la antigua banda de Al Kooper, Blues Project, cuyos álbumes “Planned Obsolescence” (1968) y “Sea Train” (1969) estaban aún mas más logrados (gracias al violinista Richard Greene y al guitarrista Peter Rowan).
The Band, la banda de acompañamiento de Dylan, inventó el "roots-rock" al fusionar folk, gospel, country y rock en los magníficos álbumes “Music From Big Pink” (1968) y “The Band” (1969). Las canciones bien elaboradas de estos álbumes capturaron una dimensión privada/doméstica y rústica que sonaba como una paradoja en la era del folk-rock (urbano) y los hippies (públicos, comunitarios). The Band recuperó los estilos norteamericanos más humildes: los cantantes folklóricos de los Apalaches, los predicadores de gospel de las denominaciones sureñas, los bluesmen, etc. un ambiente señorial, digno de música religiosa. La interacción entre el baterista Levon Helm, el bajista Rickie Danko, el pianista Richard Manuel, el teclista Garth Hudson y el guitarrista Robbie Robertson fue única en su equilibrio de tonos domésticos y épicos.

Lo que The Band hizo por el gospel, la Creedence Clearwater Revival lo haría por el swamp-blues de Luisiana. Uniendo los ritmos de los "pantanos" con las melodías del folk-rock, el fervor de la música religiosa, la fiebre rebelde del rock'n'roll y la angustia existencial de Bob Dylan. Sus mejores álbumes, “Bayou Country” (1969), “Green River” (1969), “Willy And The Poorboys” (1969) y “Cosmo's Factory” (1970), que es posiblemente su obra maestra, lograron una forma clásica de roots-rock lleno de premoniciones siniestras, evocando el gótico vudú pero proyectándolo a su época. De alguna manera, esta combinación improbable se fusionó en canciones sencillas y pegadizas que encarnaban la quintaesencia de la música estadounidense: “Proud Mary” (1968), “Bad Moon Rising” (1969), “Down On The Corner” (1969), “Run Thru The Jungle” (1970), “Looking Out My Backdoor” (1970), “Who´ll Stop The Rain” (1970) o “Have You Ever Seen The Rain” (1971).
The Flamin' Groovies, quienes autoprodujeron su EP debut, “Sneakers” (1968), años antes de que naciera el indie-rock, lanzaron un álbum de virulento rock'n'roll y estribillos pegadizos, “Flamingo” (1970), que influiría en las generaciones posteriores (el progenitor del power-pop).
The Shaggs eran tres hermanas de New Hampshire que tocaban dos guitarras y una batería, y que grabaron uno de los discos más "incompetentes" de la historia de la música, “Philosophy Of The World” (1969). Su estilo de "hágalo usted mismo" y el tono sincero e íntimo de sus canciones son anteriores al pop "lo-fi" (baja calidad) de la década de 1990 y el 2000.

Otro "supergrupo" lideró el movimiento hacia un sonido más suave: Crosby Stills Nash & Young, formado por dos ex miembros de Buffalo Springfield, un ex Byrds y un ex Hollies, popularizaron armonías vocales intrincadas, contrapuntos lánguidos y ritmos suaves. “Dejà Vu” (1970) suena como la versión relajada, atmosférica y ligeramente psicodélica de lo que los tres habían hecho con sus bandas anteriores. Prácticamente inventaron un nuevo género: el country/blues/soul soleado, melancólico y reflexivo que se llamaría "sonido de la costa oeste".
Este estilo se hizo popular en todo el mundo, como lo demuestran éxitos "suaves" como el del grupo America y su canción “Horse With No Name” (1972).
Irónicamente, justo cuando la música rock comenzaba a "rendirse", a ceder a la presión del establishment ya renunciar a su ethos revolucionario, también protagonizó su triunfo definitivo. 1969 fue el año de Woodstock en EE.UU. (300.000 personas asistieron al festival de tres días) y de la Isla de Wight (150.000 personas asistieron al festival más grande jamás realizado en Europa). El mercado mundial de la música valía dos mil millones de dólares: una vez más, la música rock había provocado un auge en la industria discográfica. Una vez más, una música nacida para rebelarse contra el establecimiento había ayudado al propio establecimiento a registrar ganancias récord.

Steve Jones-Fire And Gasoline (1989)

Steve Jones es un famoso guitarrista que saltaría a la palestra como miembro fundador de los Sex Pistols a finales de los 70. Una vez acabada su aventura con esa formación, Jones se uniría a la banda Chequered Past con los cuales incluso grabaría un álbum antes de su disolución. En 1987 Jones publicaría su primer registro "Mercy", un trabajo de enérgico rock callejero que apenas tendría repercusión. Varios años mas tarde volvería con su segundo lanzamiento, este "Fire And Gasoline", en el cual participan varios miembros de The Cult como el guitarrista Billy Duffy y el cantante Ian Astbury, además de Axl Rose de los Guns´n´Roses y Nikky Sixx de Mötley Crüe. "Fire And Gasoline" muestra un soberbio y brillante set list de hard rock visceral y pegadizo muy alejado de su propuesta de inicial punk rock de su banda madre. Cortes con poderosos riffs de guitarras y unas voces adictivas como "We´re Not Saints" o "Fire And Gasoline", se alternan con acercamientos al heavy rock con "Wild Wheels" o "I Did U No Wrong", o pesados hard rock como "Trouble Maker" y "Gimme Love", las cuales mostraban su faceta de gran compositor y de gran guitarrista, una faceta que acallaban a quienes le acusaban de ser un mediocre instrumentista de apenas cuatro acordes.

Elvis Presley

Elvis Aaron Presley, mas conocido mundialmente como ELVIS, es considerado como una de las figuras mas sobresalientes del Siglo XX en lo que a música y a la cultura popular se refiere.
El fue quien modifico la música para siempre, con un sonido y un estilo que, singularmente, combino las influencias musicales mas diversas introduciendo a la humanidad en una revolución que transformo la cultura mundial.
Elvis era un apasionado de una serie extensa y variada de estilos. Sus influencias incluyeron, las baladas, la música country, el góspel y el R&B que absorbió en la histórica Beale Street en su adolescencia. Nadie podría predecir el éxito de Elvis ni el impacto que generaría tanto en la música como en la sociedad. Elvis se empapo de una amplia gama de influencias musicales, creando un sonido y un estilo nunca antes escuchado. Fue así como se convirtió en el primer icono del rock & roll, proporcionando a toda una nueva generación un ritmo que nunca antes habían palpitado.
La carrera de Elvis experimentó alzas y bajas, pero hay dos periodos que definieron su historia musical: 1955-1956, cuando logra el reconocimiento a nivel internacional; y en los 70 cuando, después de dos regresos, se transformo en un exponente a través de sus extensas giras.
Este año se cumplen, 30 años de su muerte y pese a que ha pasado mucha agua bajo el puente, su éxito como artista ha permanecido intacto manteniendo bien alto su gran cartel como el Rey indiscutible de rock & roll. Pero la carrera de Elvis no se inclino hacia el Rock & Roll desde el principio. En sus primeras grabaciones con Sam Phillips en los estudios de Sun Records en 1954, Elvis solía cantar inicialmente baladas. Sin embargo fallo al querer impresionar a Phillips de ese modo, quien pensó que su talento no podría competir con el de Eddie Fisher, Dean Martin y Johnny Ray, algunos de los muchos artistas de renombre ese momento.
Elvis se involucró entonces en una versión inédita del tema de Arthur Crudups "That's All Right", el resultado fue precisamente lo que Phillips estaba esperando.
La música de Elvis entre 1954-1955, un año antes de que explotara en la escena musical, fue sencillamente revolucionaria. En sus primeros shows, el astro, mezclaba el R&B con la música country, uniendo géneros musicales que inicialmente se habían considerado incompatibles. Estaba preparando, de esta manera, la introducción a un nuevo estilo musical que fue conocido algún tiempo mas tarde como Rock & Roll. Por 1956, Elvis se había convertido en una estrella nacional y era considerado como el líder del movimiento del rock & roll.
El nuevo género encontró su hogar en la RCA, sello al que Elvis se unió ese mismo año. Con el lanzamiento de "Hound Dog" en el año 1956, solidifico el rock & roll como el sonido mas novedoso del momento. Pero este no fue el único género en el que se incursiono durante sus primeros pasos por esa compañía discográfica. El rey del rock & roll, continuo incorporando a sus grabaciones los estilos musicales que lo motivaban, como el pop, el R&B y el góspel. Con su trabajo consiguió un nivel de éxitos nunca antes alcanzado por ningún otro artista. En su primer lanzamiento para la RCA, Elvis Presley, se mantuvo en el numero 1 durante 10 semanas consecutivas en los charts y se convirtió en el álbum mas vendido hasta ese momento. Pero eso no fue todo, sus singles ocuparon el primer puesto en los charts de ese formato por el espacio de mas de 24 semanas. Fue así como durante 1956 Elvis mantuvo 10 temas de diferentes géneros musicales en el Top 100 simultáneamente.
El rock & roll se convirtió rápidamente en un catalizador para el cambio. Elvis le proporciono a la juventud de los 50's (una generación joven, inquieta y sedienta de nuevas alternativas musicales diferentes a la de sus padres), un sonido que adquirieron como propio de esa nueva era. Se alejo así de las baladas que lo hicieron conocido en sus comienzos, y le dio a sus fans el estilo fresco y novedoso que llevaban buscando durante largo tiempo. Al mismo tiempo las criticas (por parte de los padres, medios de comunicación y otros artistas), lo tildaron de lujurioso, rebelde y peligroso. Irónicamente, Elvis, no estaba haciendo una música para fomentar un cambio social o encender una revolución musical, el tenia simplemente una meta: que su música entretuviese a la gente.
La revolución del rock & roll comenzó a decaer en 1958, cuando el Elvis se alisto en el ejercito. Ambos eventos no están de todos modos relacionados, de hecho RCA lanzo tres singles que se convirtieron en hit mientras Elvis estaba en el ejercito. La popularidad del rock & roll decayó como género revolucionario y los fans se vieron expuestos a nuevas voces. Luego de abandonar la Armada en 1960, el estilo de Elvis cambio. Su primer álbum del post-ejercito, “Elvis Is Back”, reflejó una nueva voz, mas madura. Este hecho, en combinación con las nuevas técnicas de grabación, hicieron que Elvis sonara mejor que nunca.
Lanzo su siguiente álbum tras dos años, con un repertorio de música mucho mas madura, que no solo incluyo rock & roll, sino también R&B, pop y góspel.
Además de su pasión por la música, Elvis tenía el ardiente deseo de convertirse en actor. Su manager, el Coronel Parker, apoyo esta aspiración como un mecanismo por reforzar la popularidad de Elvis, aspiro a ser un actor dramático entre finales los años 50's y principios de los 60's; sin embargo, el publico solo anhelaba su música. Fue por eso que los productores solo lo convocaron para papeles en comedias musicales, sintiendo como consecuencia, una gran decepción. En el transcurso de los 60's, alterno sus energías entre el cine y la música. Pero mientras su carrera como actor crecía, la música que grababa para sus películas no eran precisamente unos éxitos. Para compensar esta situación, Elvis, continuo grabando su material musical de un modo completamente independiente al de sus películas.
Entre 1961-1968 Elvis se encontró manejando ambas carreras con un éxito relativo. Pero con el tiempo, el interés por este artista comenzó a caer. Su música ya no mostraba la originalidad y espontaneidad de sus inicios. Simultáneamente, la invasión de música proveniente de Inglaterra en 1963, que le debía mucho al surgimiento de Elvis en los 50's, y la nueva música Americana barrieron con la próxima generación de fans. Bandas como The Beatles, The Animals, The Rolling Stones y The Doors y muchas mas o cantantes y compositores como Bob Dylan, inundaron la escena musical presentando una nueva alternativa para los jóvenes. 
En el año 1968, esta situación cambio con el regreso de un Elvis totalmente renovado. Lo que originalmente iba a ser un especial de Navidad para TV en 1968, "Elvis", fue el camino hacia una nueva etapa en su carrera. Apoyado principalmente en el repertorio de rock & roll de sus comienzos en los 50's, junto con un puñado de nuevas canciones, su actuación fue un retrospección de su primera imagen, tanto en el sonido como en estilo. Enfundado en ropa de cuero negra, Elvis mostró el mismo carisma y la energía que cautivó a toda una generación una década atrás. Esta actuación lo llevo a conquistar nuevamente al publico que lo había olvidado. La reacción de los fans y la critica inspiraron a Elvis a recobrar su prominencia musical. Y comenzó a cambiar su rutina de grabación por primera vez en casi 10 años.
Abandonando los estudios Nashville, que fueron como su hogar durante los años 1960-1968, Elvis comenzó a grabar en Memphis un mes después del show especial de 1968. busco una nueva banda de músicos y, una vez mas, se negó a ser restringido por las barreras musicales del momento y se comprometió a crear música que lo identificara. El álbum, “From Elvis in Memphis”, incorporo muchísimos géneros musicales. Liderado por los temas "In the Ghetto" y "Suspicious Minds", su música mostró en este álbum letras mucho mas maduras y con un alto contenido social.
Elvis había entrado en otra fase de su carrera. Su regreso en 1968 con el show especial de Navidad para la televisión también le había proporcionado una interacción con el publico que realmente había extrañado durante su estadía en el ámbito de Hollywood.
En agosto de 1969, Elvis regreso a un periodo de éxitos con una serie de presentaciones en vivo, comenzando con 4 semanas de shows absolutamente sold-out, en el International Hotel de Las Vegas, algo que rompió con todos los moldes de la estructura de ese lugar. Posteriormente se embarco en una impresionante y exitosa gira a lo largo de los Estados Unidos. Paralelamente a sus actuaciones en vivo continuo grabando. Y una vez mas, sus singles y discos vendieron millones de copias.
En enero de 1973 Elvis marco un hito en la historia de la televisión y el entretenimiento con el especial "Elvis: Aloha From Hawaii", esta transmisión fue vista por mas de mil millones de espectadores en 40 países en directo vía satélite. A lo largo de los 70's, su performance fue decayendo gradualmente. Durante esta etapa en su música predominaban las baladas que reflejaban las dificultades de vida, incluyendo el fracaso de su propio matrimonio. Elvis y Priscilla Presley se divorciaron en 1973.
Camino al fin de su carrera, Elvis todavía disfrutaba de hacer presentaciones en vivo, pero comenzó a cansarse del proceso de grabación y lo que esto implicaba, (hasta el punto en que insistía en grabar en los estudios de su casa). De hecho, Elvis nunca asistió a su ultima sesión en los estudios de Nashville en enero de 1977. Finalmente, habiendo logrado un éxito mayor al que cualquier artista podría haber aspirado, Elvis se volvió firmemente aburrido, y fue a partir de este sentimiento que se esforzó por encontrar nuevos desafíos. Su salud también empeoro tras numerosos problemas médicos y una dependencia creciente a las drogas prescritas.
A pesar de su trágica muerte y la consecuente muerte súbita de su carrera, los logros musicales de Elvis han marcado su paso por la historia. Sus álbumes en América han sido galardonados con Disco de Oro, Platino, Multi-platino y Diamantes gracias a los altos volúmenes de venta de sus mas de 132 singles y álbumes, mucho mas que cualquier otro artista y que prácticamente es imposible que nadie jamás los supere.