Jean-Michel Jarre-Equinoxe (1978)

Después de su antológico “Oxigene”, Jean-Michel Jarre dio un paso adelante con su siguiente obra “Equinoxe”, un álbum mas rítmico y soñador a través de diferentes paisajes sonoros, quizás no tan espacial como su predecesor muestra su lado más terrenal, como un viaje submarino en lugar de un viaje espacial, la música cambia para cada parte del álbum, desde ambientes atmosféricos hasta momentos más optimistas con capas de electrónica rítmica, presentada de tal manera que se vuelve extremadamente disfrutable y francamente adictiva.
Sin embargo Jean-Michel Jarre no abre con este trabajo nuevos caminos, pero lo que hace es más concretamente, lograr articular su ideología masiva basada en sintetizadores con un enfoque más sólido. Manteniendo la inteligencia para crear ambientes cautivadores y adornos sintetizados pegadizos, el renovado interés de Jarre en construir orquestaciones electrónicas bien elaboradas, le permite entregar y retratar un mayor sentido del orden y, por lo tanto, poner un mayor énfasis en las líneas melódicas básicas y su complementación con las armonías programadas y las capas de sintetizador etéreo.
Jarre también tiene especial cuidado en utilizar sub tonos percusivos en los arpegios programados y ambientar determinados pasajes. La producción de sonido también se siente un poco más fuerte, lo cual es bastante apropiado para la naturaleza del repertorio de este álbum. Las "Partes I y II" muestran esta tendencia bastante abiertamente, al igual que las "Partes IV y VII", los cuales son los momentos más poderosas del álbum. Los exquisitos motivos comprendidos en las "Partes IV y VII" alcanzan una postura casi épica, debido al constante despliegue de energía y al sutil uso de las reelaboraciones que van surgiendo, como la fuerte presencia de la Cuerda Solina que definitivamente ayuda a construir una sensación orquestal que parece estar flotando sobre las texturas y efectos electrónicos. "Part V" fue el sencillo del álbum, y no es de extrañar, ya que es bastante pegadizo y emana una vibra similar a la de 'Oxygene Part IV", mientras la "Parte VI" es básicamente una progresión minimalista de acordes secuenciados a lo "Radio-Activity" de Kraftwerk que establece un vínculo entre las "Partes V y VII". Finalmente, la "Part VIII", trae recuerdos ocasionales de un club bohemio en París (una sección que luego se llamaría 'Band in the Rain'), antes de que surja una grandilocuente repetición del tema principal de la "Part V" y el cual cierra un álbum de extraordinaria belleza y otro enorme éxito del músico francés.

The Outlaws-The Outlaws (1975)

Tres años después de su fundación, The Outlaws publicaron su primer álbum, un trabajo sorprendente y apoteósico de rock sureño que les abrían la puerta entre los grandes del genero.
Originalmente esta banda se formaría a finales de 1967 en Tampa, Florida, sin embargo durante años no tuvieron fortuna, incluso llegaron a grabar bastante material que nunca llegaría a ser publicado de manera oficial. En 1971 la banda se desintegraría por completo hasta que un año después el guitarrista Henry Paul, junto a Huhgie Thomasson (vocalista y guitarra), Billy Jones (guitarra), Monte Yoho (batería) y Frank O´Keefe (bajo) la reactivarían.
Ya a finales de 1974, The Outlaws logran firmar un contrato con el sello Arista quienes les producen su primer álbum lanzado a mediados de 1975.
En este primer trabajo, The Outlaws muestran su gran vitalidad y talento con un arsenal de composiciones legendarias como “There Goes Another Love Songs”, “Song For You”, “Song in the Breeze” o la fantástica “Green Grass & High Tides”, todo un himno del rock sureño y un clásico de la música rock.
Este primer álbum lograría un sorprendente top 20 en las listas norteamericanas, comenzando a partir de aquí una de las carreras mas brillantes y reconocidas dentro del rock norteamericano y del rock sureño en particular.

Billy Squier-Don´t Say No (1981)

Billy Squier es un guitarrista y vocalista de Boston que tuvo notables éxitos en la década de los ochenta, algunos de ellos números absolutos en el Billboard y puestos altos en las listas de numerosos países.
Ya en 1977 había abierto conciertos para Kiss junto a su banda Piper y un año antes su álbum "Piper", su debut discográfico, fue un disco de enorme calidad, lo mismo que su segundo y último álbum, "Can't Wait" de un año después.
Y es que Squier tenía un gran talento a las seis cuerdas y junto su particular voz, no pasarían desapercibidos para los caza talentos de Capitol Records, con quienes firmaba en 1979 para grabar su primer álbum en solitario; "The Tale Of The Tape", que publicado en 1980 iniciaba su meteórico ascenso gracias a temas como "You Should Be High Love". En 1981 Billy Squier lanzaría "Don't Say No", su segundo y mejor álbum. Para ello se deshizo de toda la banda con la que había grabado "The Tale Of The Tape" a excepción del excelente batería Bobby Chouinard. Curiosamente uno de los descartados sería el guitarrista Bruce Kulick, que algún tiempo después pasaría a formar parte de los míticos Kiss.
"Don't Say No", subió hasta lo mas más alto, abriendo las puertas a un género de rock cuya presencia en las emisoras de radio mas convencionales no era muy habitual.
Squier demostró con ese álbum que el rock duro melódico no estaba reñido con el éxito comercial. Un disco que también allanó el camino para las bandas que a mediados de los 80 reventaron el panorama del rock mundial.
Las imponentes y memorables melodías que se colaron entre el rock de las emisoras FM norteamericanas de los primeros ochenta y el nuevo hair metal que emergió a mediados de década merced al enorme trabajo de numerosos músicos como Billy Squier, con muchos riffs y solos contundentes pero muy accesibles para el gran público causaron furor en medio mundo por aquellos años.
Los siguientes años vendrían otros éxitos como "Everybody Wants You" (82) "Rock Me Tonite" (84) "Don't Say You Love Me" (89) o "She Goes Down" (91), su ultimo gran éxito antes de caer en el olvido con trabajos poco consistentes y mas previsibles.

Smokie-Greatest Hits (1977)

Smokie, es un grupo británico de pop y rock de gran éxito comercial, formados a mediados de los sesenta en la localidad inglesa de Yorkshire y que aún hoy en día siguen en activo, aunque sin embargo ya sin sus integrantes originales.
Su formación mas exitosa estuvo compuesta por Chris Norman (voz y guitarra), Alan Silson (guitarra y voces), Terry Uttley (bajo y voces) y Pete Spencer (batería).
No sería hasta casi diez años después de su fundación cuando publicaran su primer trabajo; “Pass it around” (1975), logrando a partir de aquí una serie de éxitos en las listas, con un estilo de pop rock simple pero muy efectivo gracias a temas como “If you think you know how to love me”, “Don’t play your rock ‘n’ roll to me”, “Something´s Been Making Me Blue”, “I´ll Meet You at Midnight”, “Living Next Door To Alice”, “Lady Back in the Arms of Someone”, “It´s Your Life” o “Oh Carol”, logrando con todos ellos entrar en el top 20 británico, convirtiendo al grupo en una de las mayores sensaciones del pop rock de los años 70.
Todos estos hits pertenecen a los álbumes; “Changing all the Time” (1975), “Midnight Café” (1976), “Bright Lights & Back Alleys”(1977), “The Montreux Album” (1978), “The Other Side of  the Road” (1979), “Solid Ground” (1981), “Strangers in Paradise” (1982) o “Midnight Delight” (1982).
En 1977 su álbum “Greatest Hits”, alcanzaría un tremendo éxito, logrando varios discos de platino y oro en diferentes países europeos.
Pero seria a partir de su trabajo “Midnight Delight”, cuando la banda comienza un trasiego de idas y venidas de integrantes, lo que merma la creatividad del grupo, publicando discos asiduamente pero muy alejados del impacto comercial y la calidad de sus primeras obras.
En 1995 tuvieron otro enorme éxito en las listas con una nueva versión del tema “Living Next Door to Alice” (Who the fuck is Alice)” grabado con la colaboración del humorista británico Roy 'Chubby' Brown.

Mötley Crüe-Dr.Feelgood (1989)

Mötley Crüe no necesitan ningún tipo de presentación, esta banda icónica y salvaje, fueron una de las máximas expresiones del heavy metal de la década de los ochenta.
Encuadrados dentro del glam del heavy metal californiano, lograron desde su primer álbum publicado en 1981, “Too Fast For Love”, alcanzar el estrellato mediático y comercial, consiguiendo un sorprendente disco de platino por sus abultadas ventas.
Sus siguientes álbumes; “Shout at the Devil” (1983), “Theatre Of Pain" (1985) y “Girls, Girls, Girls” (1987) triplicarían los registros de su álbum debut, pero también una fama desmadrada y desmesurada, los excesos de drogas, alcohol, las continuas peleas y sus monumentales escándalos comenzaban a mermar la calidad de sus composiciones.
Casi a finales de la década de los ochenta y una vez libres de las drogas y el alcohol, la banda se centra por primera vez desde sus inicios y se dedican a componer canciones solidas y de gran calidad que terminarían siendo incluidas en su quinto y mejor álbum y a la postre el mas exitoso “Dr Feelgood” (1989).
Aquí la banda formada por el vocalista Vince Neil, el guitarrista Mick Mars, el batería Tommy Lee y el bajista Nikki Six, lograron cuajar uno de los discos esenciales del metal de esa década y toda una obra maestra del genero.
Producido por Bob Rock, la banda tuvo la colaboración de diferentes músicos como Jack Blades (Night Ranger), Sebastian Bach (Skid Row), Bryan Adams, Steven Tyler (Aerosmith) o Robin Zinder (Cheap Trick), entre otros para su elaboración final.
Temas como las contundentes e irónicas “Dr Feelgood” y “Kickstart My Heart”, las divertidas “Rattlesnake Shake” y “S.O.S” o las brillantes “Home Sweet Home y “Don´t Go Away Mad (Just Go Away)”, catapultaron al álbum hasta el primer puesto en las listas del Billboard y cerca de los siete millones de copias vendidas, la mayoría de ellas solo en el mercado norteamericano.

Quintessence-In Blissful Company (1969)

Quintessence fueron una sorprendente y extraordinaria banda de rock psicodélico que tuvieron durante los primeros años de la década de los 70, su cima artística publicando una serie de álbumes en donde fusionaban el rock y las influencias espirituales de la música hindú.
Formados en Londres en 1969, sus fundadores fueron el australiano Ronald Rothfield (mas conocido por Raja Ram), a la flauta y percusión, el teclista Phil Jones (Shiva Shankar) y Richard Vaughan ( Sambhu Babaji) al bajo, completando la primera formación, los guitarristas Allan Mostert y Dave Codling, el cantante y teclista Shiva Shankar Jones y el batería Jake Milton.
Sus dos primeros álbumes, “In Blissful Company” (1969) y “Quintessence” (1970), causaron una gran sensación en el circuito psicodélico y hippie de Inglaterra gracias a su exótico y original estilo repleto de sonidos evocadores a los cantos sagrados de Shiva y salmos, además de canciones mas accesibles con sonidos jazzisticos mezclado con el rock psicodélico y vanguardista.
A partir de su tercer álbum “Dive Deep” (1971), el sonido de Quintessence se empieza a desviar hacia los terrenos aún mas jazzisticos, con unas instrumentaciones mas largas y complejas.
Después de dos discos mas en donde se alejaban sutilmente de su propuesta original, “Self” y “Indweller” (1972), terminan sucumbiendo a finales de los 70, no sin antes haber dejado varios discos en directo como “Infinite Love: Live at the Queen Elizabeth 1971” o “Cosmic Energy, Live At St.Pancras" (1970).
Es sin duda el primero de ellos, uno de sus mayores logros, confirmando lo que algunos críticos de la época llegaron afirmar como una de las mejores bandas en vivo por aquellos años.
En sus shows, Quintessence se mostraban como una banda de virtuosos con gran fervor místico, grandes y larguísimas improvisaciones psicodélicas, y soberbias interacciones de flauta y guitarras, evocando en muchos momentos a los mejores Grateful Dead.
 

The Beatles-Let It Be (1970)

Considerado el ultimo álbum publicado oficialmente por The Beatles, este “Let It Be” fue en realidad grabado meses antes que el anterior “Abbey Road”, por lo que oficiosamente seria este ultimo, lo que los fab four hicieran antes de su disolución definitiva.
La idea original de “Let it Be” era volver al sonido de sus primeros álbumes, alejados de las complejidades en los estudios y los arreglos de sus últimos trabajos.
Sin embargo las deterioradas relaciones entre los cuatro componentes se tradujeron en tensas horas de grabación con bastante hostilidad entre ellos.
Finalmente, no sin múltiples desacuerdos, optarían por la producción de Phil Spector, pese a la negativa de un Paul McCartney que prácticamente ya había abandonado la banda antes de finalizar la grabación.
Aún así y en términos generales, "Let It Be" puede considerarse un digno colofón a la carrera de la banda mas grande y popular del pop rock de la historia.
De entre sus surcos podemos destacar joyas imperecederas como las extraordinarias “The Long and Winding Road”, “Let It Be”, “Get Back”, “One After 909”, “Don´t Let Me Down” o “Two of Us”, que pese a los ampulosos arreglos de Phil Spector, son el perfecto testamento de la genialidad de esta única y irrepetible banda británica.

FM-No Electricity Required (1993)

FM son una de las grandes bandas británicas de rock melódico que surgieron en la segunda mitad de la década de los ochenta publicando algunos de los mejores discos del género como "Tough it Out" en 1989, "Takin' It to The Streets" en 1991 o “Dead Man´s Shoes” en 1995.
Fundada en Londres en 1984 por el guitarrista y cantante Steve Overland, el teclista Didge Digital, el guitarrista Chris Overland, el bajista Merv Goldsworthy y el batería Pete Jupp, si bien es cierto que con el devenir de los años se fueron sucediendo algunos cambios de integrantes como los guitarristas Andy Barnett y Jim Kirkpatrick o el teclista Jem Davis.
Después de un meritorio primer álbum “Indiscreet” (1986), la banda se centraría en el mercado norteamericano obteniendo algunos hits como "Bad Luck".
Una parte fundamental del éxito de la banda en esos años fue la colaboración con el compositor norteamericano Desmond Child, famoso por crear grandes hits para bandas como Kiss, Bon Jovi, John Waite, Michael Bolton, Alice Cooper, Bonfire, Robin Beck, Ratt, o Chicago entre otros muchos mas.
En estos primeros discos se van sucediendo temas de gran impacto como "Don´t Stop", "Someday", "Everytime I Think of You", "Only the Strong", "Dangerous Ground" o la magnífica versión del clásico de Marvin Gaye, "I Heard It Through The Grapevine", temas todos ellos con grandes arreglos y con unos estribillos tremendamente irresistibles.
En estos primeros años también se popularizaría el carisma de su cantante Steve Overland, convirtiéndose en un ícono del AOR y pieza fundamental en FM.
En 1993 se publicó el doble en directo "No Electricity Required", en donde en formato acústico hacen un repaso a diferentes temas de sus tres primeros álbumes además de la interpretación de brillantes versiones de clásicos del rock como “Rocky Mountain Way”, “Get Back”, “Enter Sandman” o “Tush” entre otras.
“No Electricity Required” tuvo una gran acogida en mercados como el norteamericano, el norte de Europa o el japonés, alcanzando un disco de oro por sus ventas y grandes reseñas en la prensa especializada.

Europe-The Final Countdown (1986)

Maltratados injustamente por la prensa especializada al considerarlos demasiados adulzorados, los suecos Europe son una formidable banda de hard rock melódico que durante la década de los ochenta tuvieron sus años de gloria gracias a los álbumes “Wings of Tomorrow” (1984), ”The Final Countdown” (1986) y “Out of This World” (1988).
Formados a las afueras de Estocolmo, su formación giraba principalmente en torno al talento compositivo del guitarrista John Norum y del vocalista Joey Tempest.
Ya desde su segundo álbum “Wings of Tomorrow”, Europe dejaba su impronta calidad con trallazos como “Stormwind” o “Scream of Anger” que junto a los medios tiempos “Dreamer” y “Open Your Heart”, lograrían el reconocimiento del publico y unas mas que aceptables ventas a nivel europeo.
Sin embargo seria con su tercera obra “The Final Countdown”, cuando la banda sueca alcanzaría estrellato mundial gracias a un soberbio trabajo en donde conjugaban perfectamente la dureza del heavy metal con las atractivas melodías del pop como queda refrendado en el tema que da titulo al álbum, todo un hit numero uno a nivel mundial o brillantes cortes adictivos como “Rock The Night”, “Carrie” o la poderosa “Cherokee”.
Con este tercer álbum, Europe se posesionaba entre las bandas punteras del heavy metal melódico de los ochenta, logrando la friolera de mas de quince millones de copias vendidas a nivel mundial.
Su siguiente lanzamiento, pese a contener una serie de temas relucientes como “Open Your Heart” o “Superstitions”, no lograría las excelencias ni el beneplácito del anterior, y pese a conseguir varios discos de platino, la banda ya mostraba signos de agotamiento creativo, comenzando así su época mas previsible y la perdida del interés por parte de sus millones de fans alrededor del mundo.

Blue Oyster Cult-Agents Of Fortune (1976)

Con “Agents Of Fortune”, la Blue Oyster Cult por fin conquistaba las listas de medio mundo gracias en parte a su canción “Don´t Fear The Reaper”, un tema de suaves melodías vocales, fusionadas con unas guitarras armoniosas, la cual por fin les catapultaba a la cima y les abría el mercado hacia el gran publico, un publico que hasta esos momentos era bastante reacio al poco convencional estilo del grupo, rescatándolos de esa cierta oscuridad que supone ser considerada una banda de culto.
Hasta ese año de 1976 cuando fue publicado este álbum, la banda tenia tras de si tres magnificas obras que se movían entre el metal pesado y el hard rock con unas letras inteligentes repletas de alusiones mitológicas y metafísicas, como el psicodélico debut de 1972 “BOC”, el mas duro “Tyranny and Mutation” (1973) o el vanguardista “Secret Treaties” de un año mas tarde.
Sin embargo y pese a aglutinar una amplia legión de fans por todos los Estados Unidos, la banda aún no alcanzaba lograr un gran impacto mediático.
Con “Agents of Fortune” la temática filosófica seguía siendo fundamental con sus profundas letras, pero su estilo musical se suavizaría hacia un rock mas melódico y adictivo como queda demostrado en la mencionada y sobresaliente “Don´t Fear The Reaper” o las brillantes composiciones “This Ain´t The Summer Love”, “ETI (Extra Terrestrial Intelligence)”, “Morning Final” o “The Revenge Of Vera Gemini”, todas ellas con los argumentos mas que necesarios para catalogar a este disco como una de las grandes obras del hard rock de los 70.

Arthur Brown´s Kingdom Come-Journey (1973)

En 1968 una exitosa canción titulada “Fire” de The Crazy World of Arthur Brown, dominaría las listas a ambos lados del Atlántico, convirtiéndose con el tiempo, en todo un clásico de la música rock.
Considerados uno de los principales impulsores del sonido underground progresivo británico, esta banda liderada por el extravagante Arthur Brown llamaría notablemente la atención por su Rhythm and Blues vanguardista y sus extravagantes shows repletos de maquillaje facial bizarro, cascos en llamas, disfraces estrafalarios y voces alocadas e incendiarias, todo ello, el complemento perfecto al sonido maniaco y psicodélico de la banda.
Cuando se separaron en 1969 tras dejar un único álbum publicado, el psicodélico, bizarro y experimental “The Crazy World of Arthur Brown”, Brown disolvía la banda para formar una nueva llamada Arthur Brown´s Kingdom Come, con un estilo mas rock y progresivo.
A lo largo de sus tres álbumes publicados, esta banda sufriría una incesante entrada y salida de miembros que sin embargo no tendría mucho éxito comercial.
Después de dos interesantes trabajos como el progresivo y psicodélico “Galactic Zoo Dossier” (1971) y el mas previsible e inconexo “Kingdom Come”, llegaría el tercer y su álbum mas logrado musicalmente titulado “Journey” (1973), un disco de rock progresivo espacial dominado por los sonidos del mellotron y los sintetizadores.
Con unas letras orientadas a la ciencia ficción, contiene gloriosos momentos musicales, con un sonido enigmático notable, en una especie de aventura espacial y extraña, como demuestran cortes como la opresiva “Times Captive”, la oscura con un tono medieval “Triangles”, la exótica y misteriosa “Gypsy” o las teatrales y sombrías “Spirit of Joy” y “Comes Alive”.

Vinnie Moore-Mind´s Eye (1986)

Considerado uno de los grandes guitarristas del llamado heavy metal neoclásico, la carrera de Vinnie Moore tuvo su mayor auge y popularidad a mediados de la década de los ochenta, rivalizando con otros grandes guitarristas coetáneos del mismo estilo como Paul Gilbert, Jason Becker, Greg Howe, Marty Friedman o Yngwie Malmsteen.
Con una altísima técnica guitarrística de gran dificultad, basada en pasajes de vertiginosa velocidad y unas escalas influenciadas por el neoclasicismo, sus primeros trabajos estaban repletos de composiciones de un alto nivel de complejidad instrumental muy vanguardista como queda demostrado en su espectacular álbum debut “Mind´s Eye”, publicado en 1986 por el sello “Shrapnel Records, y producido por Mike Varney.
En este primer trabajo Vinnie Moore contaría con la colaboración de Tony MacAlpine a los teclados, Tommy Aldridge a la batería y Andy West al bajo.
Considerado uno de los mejores discos enfocados a la guitarra eléctrica de todos los tiempos, le valdría a Vinnie Moore ser considerado el mejor guitarrista del año 1986 por varias revistas especializadas como Guitar Player o Guitar World, además de conseguir un disco de oro por sus ventas en el mercado norteamericano.

W.A.S.P.-W.A.S.P. (1984)

Esta popular banda norteamericana de heavy metal fundada a principios de la década de los ochenta, alcanzo con su álbum debut el status de banda de culto dentro del genero del metal gracias a un trabajo provocativo, perverso y salvaje, el cual fue uno de los principales causantes de la famosa etiqueta impresa en las portadas de los discos, “Parental Advisory”, debido al lenguaje y el contenido ofensivo que en el se contiene y también a sus sangrientos y en parte desproporcionados shows en vivo.
Fundada por el cantante, guitarra y bajo Blackie Lawless en los Ángeles, durante sus años de historia, la cual abarca desde 1982 hasta la actualidad, ha contado con numerosos integrantes, siendo la primera compuesta además del mencionado Lawless por los guitarristas Chris Holmes y Randy Piper y el batería Tony Richards, con la cual grabarían este primer álbum lanzado a mediados de 1984.
Este primer y sorprendente debut contiene latigazos de visceral heavy metal como “I Wanna Be Somebody”, “School Daze”, “Hellion” o “Tormentor”, mientras que la genial medio tiempo “Sleeping (In The Fire)” pone el momento pausado a un frenético y vertiginoso álbum con el cual W.A.S.P. alcanzarían el Olimpo del heavy metal apenas habían comenzado su relevante y estruendosa carrera artística.

Wishbone Ash-Front Page News (1977)

En 1977 Wishbone Ash lanzaron su octavo álbum “Front Page News”, en el cual ya con un Laurie Wisefield firmemente instalado como segundo guitarrista y en ocasiones vocalista principal, continuaron desarrollando el sonido y el estilo mas “comercial” que había comenzado con el anterior “New England”. Para este nuevo álbum contaron con la producción de los hermanos Ron y Howard Albert, y fue lanzado por el sello discográfico MCA. El resto de la banda seguía compuesto por Andy Powell (guitarras y voces), Martin Turner (bajo y voz) y Steve Upton (batería). Temas como la inicial “Mother of Pearl”, muestra además de las deliciosas voces y un pausado ritmo, un excelente trabajo de guitarra integral, la cual complementa esta estupenda composición en lugar de dominarla. Esa atmósfera relajada se repite en cortes como “Midnight Dancer”, aunque con un ritmo brioso y efectivo, mientras temas como la esplendida “Goodbye Baby, Hello Friend” o “The Day I Found Your Love”, muestran las influencias del folk rock de Crosby Stills and Nash. La soberbia y poderosa “Right Or Wrong”, o la delicada instrumental “714”, siguen esa tónica de armonías brillantes y melodías agradables, erigiéndose este "Front Page News", como uno de los discos menos agresivo de Wishbone Ash, pero al mismo tiempo uno de sus mayores logros musicales.

Man-Maximum Darkness (1975)

Junto a Budgie, Man son una de las bandas mas icónicas de Gales, con una carrera larga y muy respetada en el mundo del rock, con grandes álbumes de estudio y numerosos discos en directo, fruto estos últimos de sus giras interminables alrededor de medio mundo.
Por todo ello Man son mayormente conocidos por sus espectaculares shows en vivo, por lo que no sorprende que hayan lanzando tantos discos en directo.
"Maximum Darkness" su segundo álbum en vivo, fue grabado el 26 de mayo de 1975 en el The Roundhouse de Londres durante la gira promocionando el noveno en estudio "Slow Motion" (1974), y seria el ultimo publicado por el sello United Artists, lanzado originalmente casi a finales de 1975.
La formación de Man esa noche estaba compuesta por Micky Jones (guitarra, voz), Deke Leonard (guitarra, piano, voz), Martin Ace (bajo, voz), Terry Williams (batería, voz) y como invitado el legendario ex componente de Quicksilver Messenger Service, John Cipollina, a la guitarra.
El aporte de Cipollina influye decisivamente para que este directo muestre un sonido heredero de la psicodélica de la costa oeste norteamericana, con abundantes excursiones con su guitarra solista en temas como "7171-551" o "Codeine", esta ultima con un claro sabor al acid rock & blues americano, que no hubiese desencajado en cualquiera de los trabajos de los Grateful Dead o los mencionados Quicksilver Messenger.
El blues rock contundente esta presente en "Babe I´m Gonna Leave You", mientras las jams guitarreras aparecen en la excelsa "Man Are Called, But Few Get Up", un sobresaliente tema con solos de guitarra por parte de los tres guitarristas de la banda, para acabar este brillante álbum con la estimulante hard rock "Bananas" en donde vuelven a destacar las seis cuerdas del trío compuesto por Jones, Leonard y Cipollina.

Guru Guru–Känguru (1972)

Guru Guru fueron una de las primeras bandas del llamado Krautrock que surgieron a finales de los 60 de la mano del experimentado baterista Mani Neumeier, el cual tenia una amplia experiencia colaborando con bandas de jazz europeas durante gran parte de los años 60.
Desde sus orígenes, esta banda formada en la ciudad alemana de Heidelberg, e inducidos por el consumo del LSD, derivaron su estilo hacia los sonidos ácidos y espaciales con un gran predominio en la improvisación.
A lo largo de sus cuatro décadas en activo (en el año 2017, la banda aún seguía activa) han tenido innumerables cambios de formación, lo que la ha convertido en una sucesión interminable de diferentes bandas y conceptos musicales.
Después de un primer álbum experimental y creativo como fue “UFO” (1970), lanzaron “Hinten” (1971) en donde mostraban su faceta de blues rock psicodélico e improvisado.
Sin embargo seria con su tercer álbum “Känguru” (1972), con el cual obtendrían un mayor reconocimiento por parte de la comunidad progresiva creando una obra indispensable en el genero Krautrock y del rock progresivo en general.
“Känguru” esta compuesto por cuatro largos temas bastante estructurados a diferencia del repertorio de los caóticos álbumes anteriores, con largos desarrollos de rock acido, psicodélico y espacial, mostrando grandes influencias de Jimi Hendrix y los primeros Pink Floyd como queda demostrado en cortes como la sorprendente “Oxymoron”, mientras “Immer Lusting” muestra el sonido pesado y contundente de su estilo space rock con grandes solos de guitarra.
En tanto las originales “Baby Cake Walk” y “Ooga Booga” con las que finaliza este disco, evidencian por el contrario la alegre faceta jam del grupo, temas muy alejados de los irritantes temas de sus dos primeras obras y que mostraban la versatilidad de esta enorme y esencial banda germana.

Magnum-Goodnight L.A. (1990)

A mediados de los ochenta, la banda británica Magnum abandonaba casi por completo su estilo progresivo para adentrarse en los sonidos mas melódicos muy cercano al AOR, pero sin dejar por completo de lado su esencia progresiva y sus composiciones complejas y pomposas.
Fundados a principios de los 70 en Birmingham, el núcleo principal ha estado siempre formado por el guitarrista Tony Clarkin, el vocalista Bob Catley y el teclista Mark Stanway, sus tres miembros mas longevos. No seria hasta casi a finales de esa década cuando lanzarían su primera obra “Kingdom of Madness” (1978), donde demostraban su clara inclinación progresiva como queda demostrado en cortes como “In The Beginning” o “All Come Together”.
A este debut le siguieron obras conservadoras como “Magnum II” (1979), “Chase The Dragon” (1982), “The Eleventh Hour” (1983) o “On a Storyteller´s Night” (1985), todos ellos con un claro dominador común, los fastuosos arreglos y el gusto por los temas complejos y progresivos, pero con un estilo bastante accesible para el gran publico.
Con su sexto álbum “Vigilante” (1986), la banda ya empezaría a alejarse sutilmente de los parámetros progresivos conformando un trabajo repleto de temas adictivos como “Lonely Nights”, “Need A Lot Of Love” o la pegadiza “Midnight (You Won´t Be Sleeping)”.
Después de otro destacado y exitoso lanzamiento en el cual repetían la misma formula “Wings Of Heaven” (1988), llegaría “Goodnight L.A.” en 1990, en el cual otorgan a su estilo un sonido aún mas comercial y americano, en parte gracias al productor Keith Olsen.
Sin embargo pese a ello no tuvieron el éxito esperado al otro lado del Atlántico, aunque si por el contrario lo seria en Europa, consiguiendo unas ventas abrumadoras y un éxito contundente gracias a cortes tan brillantes como las irresistibles AOR, “Reckless Man”, “Shoot” y “Rockin Chair”, las poderosas hard rock “Mama” y “What Kind Of Love Is”, o medios tiempos fascinantes como “Matter Of Survival” y “Heartbroke and Busted”, mientras los atisbos progresivos de antaño aparecen en las memorables “Only a Memory” y “Born To Be King”.

Peter Frampton-Frampton Comes Alive (1976)

“Frampton Comes Alive” es el disco en directo mas vendido de la historia del rock y uno de los mayores impactos discográficos de la industria en toda su historia, realizado por un artista que aún teniendo muy buenas credenciales y habiendo demostrado sobradamente una gran calidad como guitarrista y compositor como miembro de los míticos Humble Pie, nunca se llego a intuir semejante impacto mediático cuando comenzaría su carrera en solitario a principios de los 70, la cual casi se va al traste al estar a punto de ser expulsado de su discográfica la A&M ante su escasa rentabilidad comercial.
Peter Frampton, fue un antiguo miembro fundador en los 60 de The Herd, una banda británica de pop para adolescentes con quien lograría algunos éxitos como “From The Underworld” a mediados de 1967, para posteriormente fundar junto con el guitarrista Steve Marriott los mencionados Humble Pie, logrando un mayor éxito y reconocimiento gracias a unos soberbios álbumes de potente hard blues rock como son “As Safe as Yesterday Is”, (1969), “Rock On” (1971) o el antológico directo “Performance Rockin´The Fillmore” (1971). Una vez abandono a los Pie a finales de 1971, Peter Frampton iniciaría su aventura en solitario de la mano del que había sido manager de su ex banda, Dee Anthony, quien gestionaría los primeros años de su carrera. Frampton había grabado antes de este “Frampton Comes Alive!”, cuatro álbumes en estudio de mediocre factura, empezando por “Wind Of Change” (1972), al que seguirán “Frampton´s Camel” (1973), “Something´s Happening” (1974) y “Frampton” (1975), sin embargo seria con este ultimo con el cual obtiene unos mejores resultados en cuanto a ventas, logrando un meritorio numero 32 en las listas del Billboard y un disco de oro.
Este éxito le llevaría fundar una banda estable junto al teclista y guitarra Bob Mayo, al batería John Siomos y al bajista y voces Stanley Sheldon y a presentar el disco en una larga gira por los Estados Unidos en el verano de 1975, la cual tuvo que prolongarse durante muchos meses mas ante el tremendo éxito que cosecharía.
El repertorio de “Comes Alive” fue extraído de diferentes conciertos celebrados el 14 de junio de 1975 en el mítico Winterland de San Francisco (un famoso lugar donde Humble Pie habían sido siempre muy bien recibidos y donde habían cosechado grandes éxitos en el pasado), el 19 de junio en el Marin Civic Center de San Rafael, California, el 24 de agosto en el Long Island Arena y el 22 de noviembre en Pittsburgh, en donde contaron como ingenieros de sonido, a dos leyendas de las mesas de mezclas como eran Eddie Kramer y Chris Kimsey, logrando producir un doble álbum de hard rock adictivo con canciones irresistibles, sabiamente producidas para la radio y potenciales hits como las  archiconocidas "Show Me The Way" o "Baby I Love Your Way", además de otros temas de gran calidad como "It´s a Plain Shame", “Shine On”, “I Wanna Go to the Sun” o una excitante versión de "Jumping Jack Flash" de los Rolling Stones, con un extraordinario resultado final, el cual se convertiría en un caso inaudito e inédito en la historia de la música rock de los años 70.
Entre los años 1976 y 1977 se vendieron un total de seis millones de copias solo en Norteamérica, y un total de 16 millones en todo el mundo y estuvo en el Top 10 del Billboard durante la friolera de 99 semanas consecutivas.

Peter Gabriel-Peter Gabriel I (1977)

El primer álbum en solitario de Peter Gabriel, lanzado tres años después de su ultima grabación en estudio “The Lamb Lies Down On Broadway” junto a Genesis y dos años después de su salida definitiva de la banda, es sin duda uno de sus trabajos mas accesibles y versátiles.
Para este primer álbum Gabriel se apoyaría en una amplia legión de grandes músicos colaboradores empezando por los guitarristas Robert Fripp, Steve Hunter y Dick Wagner, el bajista Tony Levin, el batería Allan Schwartzberg, los teclistas Larry Fast y Jozef Chirowski, además de la Orquesta Sinfónica de Londres.
Grabado durante los meses finales de 1976 entre diferentes estudios de Canada y Londres, bajo la producción de Bob Ezrin, muestra a un Peter Gabriel alejado de todo lo que había hecho con Genesis en el pasado, a excepción del tema inicial “Moribund The Burgermeister”, el cual casi parece un descarte del mencionado “The Lamb Lies...”. El resto esta confeccionado eclécticamente, en donde cada corte tiene un estilo diferente.
Incursiones en el rock con la contundente “Slowburn”, el blues con “Waiting For The Big One”, el prog rock “Down The Dolce Vita”, la electrónica “Humdrum”, el pop rock “Solsbury Hill”, o la épica “Here Comes The Flood”.
Con todo ello, Peter Gabriel demostraría que podría fácilmente tener una vida sin su antigua banda. Incluso con la ayuda de algunos de los grandes músicos de los 70 como Robert Fripp (King Crimson) o el mago de los sintetizadores Larry Fast, Gabriel es la verdadera estrella del álbum. Con una poderosa y vibrante producción y unos exquisitos arreglos, es indudable que este prodigioso primer álbum es el testimonio de su grandeza como compositor, cantante y músico.

The Beatles-Rubber Soul (1965)

El sexto álbum de The Beatles, “Rubber Soul”, supuso el primer disco “convencional” y “sistemático” de la banda de Liverpool. Aquí ya no esta estructurado como una simple colección de singles de enorme éxito y magnificas canciones de “relleno”. La búsqueda incesante de nuevos sonidos les llevaría a tocar diferentes estilos como el folk, o los sonidos orientales, sin dejar de lado el irresistible pop.
De igual manera este nuevo trabajo marcaría una gran diferencia con respecto a todas sus anteriores obras, con una producción mas elaborada y unos arreglos mucho mas cuidados, complejos y precisos.
El ambiente folk incluyendo los sonidos del sitar aparecen en las hermosas “Norwegian Wood”, “Think for Yourself” y “If I Needed Someone”, estas dos ultimas escritas por George Harrison, mientras la rock “Drive My Car”, y las armoniosas “Nowhere Man” y “In My Life” son tres de los cortes mas brillantes. Siguiendo una estela parecida aparecen la preciosista “Michelle” y la elaborada “You Won´t See Me”, que son el contrapunto a las mas ordinarias y aceptables “Run For Your Life” y “Wait”.
Con “Rubber Soul”, The Beatles acallarían a un pequeño sector de la prensa que los acusaba de producir, después de cinco álbumes, simples cancioncillas pop (de incuestionable calidad, eso si) presentando una colección de canciones mas versátiles y eclécticas, logrando con ello otra de sus grandes obras maestras.

T.Rex-Electric Warrior (1971)

A finales de 1971, T.Rex, la banda liderada por el carismático Marc Bolan, llevaban mas de dos años de arrolladores éxitos, canciones como “Debora”, “Ride a White Swan”, “Hot Love”, o álbumes como “Prophets, Seers & Sages...”, “Unicorn”, “A Beard of Stars“ o “T.Rex”, (los tres primeros bajo Tyrannosaurus Rex), le llevaría uno tras otro a ser aclamado por una parte de la prensa sensacionalista y el publico británico como los sucesores naturales de The Beatles. Esta exagerada y magnificada afirmación, fue debida a la fiebre “T-Rexmania”, que fulgurantemente había surgido en Inglaterra por esos años. En medio de esa vorágine de éxitos, T. Rex publicaban su sexto álbum “Electric Warrior”, el cual supondría otro éxito absoluto en las listas británicas y aumentaba así su popularidad hasta cotas inimaginables.
Publicado a finales de 1971, “Electric Warrior”, se convertiría en su trabajo mas lucido hasta esos momentos, que con un repertorio en donde aparecían once temas brillantes, Marc Bolan no solo lograría permanecer durante semanas en el numero uno en las listas de éxitos, si no también en crear uno de los grandes álbumes del glam rock, al mismo tiempo que una de las obras maestra de la historia de la música rock.
Muchas de las canciones de este álbum se convirtieron de inmediato en clásicos emblemáticos como la archiconocida “Get It On”, o las deslumbrantes “Cosmic Dancer”, “Planet Queen”, “Jeepster”, “Mambo Sun”, “Rip Off” o “Girl”, todas ellas repletas de grandes arreglos de cuerdas, riffs poderosos, ritmos adictivos, juguetonas percusiones y atractivos estribillos vocales.

David Bowie-Diamond Dogs (1974)

El octavo álbum de David Bowie, es sin duda el tercer trabajo clásico de su período glam, si consideramos el anterior “Pin-Ups”, como un disco transitorio. Por lo que podríamos estimar a este “Diamond Dogs”, como la conclusión natural del espectro emocional que va desde “Ziggy Stardust” hasta “Aladdin Sane”. Mientras que “Ziggy Stardust”, vino del espacio con un mensaje de esperanza y descendió a la degeneración del rock and roll, y “Aladdin Sane” se deleito en el colapso resultante, “Diamond Dogs” por su parte presentaba una visión post glam de un futuro post apocalíptico habitado por bandas punk de jóvenes hambrientos, en el que surge una horrible sociedad totalitaria, la última de las cuales a menudo se relaciona con el abortado proyecto del propio Bowie “1984”, debido a su canibalización y salvaje tratamiento de las canciones.
Para la grabación de este nuevo trabajo Bowie realizaría varios cambios entre los músicos habituales de su banda, reemplazando a los asiduos Mick Ronson y Trevor Bolder por Alan Parker (guitarra) y Herbie Flowers (bajo), respectivamente, además de contar con un segundo batería, Tony Newman, mientras volvería a contar con el teclista Mike Gerson y el percusionista Aynsley Dunbar, en tanto Bowie se encargaría de la guitarra solista, el Mellotron y los sintetizadores Moog.
“Diamond Dogs” muestra diferentes canciones de glam rock engañosamente convencionales, como la homónima “Diamond Dogs” o “Rebel Rebel”, las cuales se alternan con otras irresistiblemente atrayentes como la arrolladora y majestuosa trilogía compuesta por “Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise)” o el canto fúnebre de “We Are the Dead”. Por otro lado la inclusión de las influencias funky de “1984”, prefigura la transformación de Bowie en un robot del soul moderno y electrónico que ya veríamos en el siguiente álbum “Young Americans”.
En conclusión este “Diamond Dogs” capturaba a un Bowie liberándose del modelo camaleónico de glam rock que el mismo había liderado hasta esos momentos, para incorporar a su ecléctico estilo, una gama más amplia de influencias musicales.

Glenn Frey-No Fun Aloud (1982)

Dos años después del ultimo álbum de The Eagles, "Eagles Live" (1980), uno de sus miembros fundadores, el guitarrista Glenn Frey publicaba su primer trabajo en solitario en el que seguía una línea conservadora con lo que hacia junto a su banda madre.
Grabado en diferentes estudios entre Los Ángeles, Alabama y Miami, Frey contó con una amplia legión de músicos para las grabaciones del mismo, así como con los productores Allan Blazek y Jim Ed Norman ademas de la coproducción del propio Glenn Frey.
“Not Fun Aloud” esta repleto de sonidos cercanos a su ex banda como las elegantes “I Found Somebody”, “I Volunteer” o “That Girl”, todas ellas bañadas de sutiles guiños country, poderosos rock dinámicos “Partytown”, “Don´t Give Up” y “I´Ve Been Born Again”, medios tiempos introspectivos “All Those Lies”, así como acercamientos al sonido sureño con la fronteriza “She Can¨t Let” Go” o al jazz con “Sea Cruise”.
Sin embargo esta amalgama de cortes rebosantes de insinuosos teclados, guitarras cristalinas y poderosas, secundada por una ambiciosa y cuidada producción, no lograría el beneplácito del gran publico, el cual fue tibiamente recibido, quedando oculto entre la gran maraña de discos de aquel año, por lo que en lo sucesivo Frey reorientó su estilo hacia los sonidos alejados del country rock de The Eagles.

Bighorn-Bighorn (1978)

A finales de los setenta el pomp rock vivía su mejor época en los Estados Unidos, bandas como Styx, Kansas, Angel, Magnum o Reo Speedwagon entre otros, copaban las listas de éxitos y sus álbumes estaban entre los mas aclamados y vendidos.
Sin embargo también existían otras muchas bandas que se movían en la escena underground, bandas que no lograban el éxito o la notoriedad deseada debido al predominio de esas otras bandas mas famosas y mediáticas, las cuales les cerraban el paso involuntariamente hacia las listas de éxito.
Una de ellas eran Bighorn, una banda formada a principios de los setenta en Seattle, los cuales habían ya lanzado un single en 1974, “I Get High"/“Takin´Me Down”, que pasaría totalmente desapercibido.
Después de un constante ir y venir de componentes, casi a finales de la década, esta banda realizaría una extensa gira por el oeste de Estados Unidos y el sur de Canadá y tuvieron la suerte de firmar con un pequeño sello canadienses de Vancouver subsidiaria de la Columbia canadiense, quienes les financian y publicaron su primer y único álbum lanzado a finales de 1978.
En este debut, Bighorn mostraba su estilo AOR fusionado con sonidos de hard rock progresivo, destacando sus irresistibles arreglos vocales y unas pegadizas melodías muy adictivas y comerciales.
La formación que grabaría este álbum estaba compuesta por el vocalista Bon Marcy, el guitarrista Joe Shikany, el teclista Peter Davis, el bajista Michael Ipsen y el batería Steve Adams, con la particularidad de que todos ellos eran vocalistas, algo que contribuía enormemente en los estupendos arreglos vocales.
Producido por el británico Martin Shaer, el álbum es una brillante colección de cortes que van desde el hard rock "Triad Every Trick" o "Helen Betty", hasta el rock melódico "Stand Up" y "Mary-Anne", pasando por temas mas complejos como "Sparrow" o "Penny For Your Dreams", sin dejar de mencionar medios tiempos pegadizos como "( I Love You) I´m Not Afraid Anymore" o el hard progresivo "Star Rocker".
Después de este álbum algunos de sus miembros deciden abandonar para integrarse en otros proyectos, por lo que Bighorn sucumbiría definitivamente a finales de 1979 sin dejar rastro, pero dejando para la posteridad este brillante y olvidado disco de rock melódico.

The Pretty Things-S.F. Sorrow (1968)

The Pretty Things fueron uno de los grupos pioneros en desarrollar el sonido psicodélico en Inglaterra a principios de la década de los sesenta.
En 1964 y debido a unos artículos de prensa destacando su lisérgica puesta en escena, tuvieron la oportunidad de entrar en los estudios y grabar su primera canción “Rosalyn”, obteniendo un meteórico triunfo en las listas británicas, lo que les colocaría en la cima de los grupos británicos en esos años de gran hegemonía beat.
The Pretty Things giraba en torno a la figura de su líder y vocalista Phil May, secundado por Dick Taylor (guitarra), Wally Waller (bajo), Twink (batería) y el teclista Jon Povey.
“Don´t Bring Me Down”, lanzada pocos meses después, lograría superar su disco debut, alcanzando un top ten en las listas y a partir de aquí sus discos se fueron sucediendo con buena presencia en los charts y con ellos su fama iría prosperando paulatinamente, aunque limitada al ámbito ingles, sin demasiada transcendencia fuera de las Islas Británicas.
Después de una serie de singles exitosos y varios álbumes de mediocre recibimiento, en 1968 publicarían su obra cumbre, “S.F. Sorrow”, uno de los pináculos de la psicodelia y para muchos la primera opera rock de la historia.
En “S.F. Sorrow”, The Pretty Things narran la vida de "Sebastian F. Sorrow", un personaje ficticio inventado por el guitarrista Phil May en donde estructurado en un ciclo de canciones, se va narrando su vida desde su nacimiento, hasta la vejez, pasando por el amor, las guerras, las tragedias y la locura.
El resultado final es una viaje lisérgico repleto de sonidos orientales, secciones de vientos, de mellotron y pop rock psicodélico a raudales, todo ello con gran creatividad compositiva e instrumental.
A partir de aquí otras bandas tomaron prestada esta idea y publicarían una serie de obras siguiendo un patrón similar, como por ejemplo The Who y su opera rock “Tommy” o The Kinks y su “Arthur Or The Decline and Fall of the British Empire” ambas de un año mas tarde, entre otras muchas lanzadas en la posterior década de los 70.
 

Shotgun Ltd-Shotgun Ltd (1971)

Shotgun Ltd fueron otra de esas oscuras y olvidas bandas de corto recorrido que dejaron su impronta con un soberbio y único álbum publicado a principios de la década de los 70 y que por los caprichos del destino quedaría olvidado en el oscuro túnel de la historia del rock and roll.
Formada en Los Ángeles, fue producto de las cenizas de otras bandas llamadas The Twilighters y The Ash, y estaba compuesta por el organista Dave Norup, el guitarrista Jack Schoolar, el cantante Joe Gutierrez, el bajista Ruben Dominguez y el batería Buzie Buchanan, todos ellos con edades que oscilaban entre los 17 y 21 años.
Durante sus conciertos en uno de los locales mas famosos de Los Ángeles, The Galaxy en Sunset Strip, son descubiertos por un cazatalentos llamado Delaney Bramlett quien les logra conseguir un contrato con un pequeño sello local llamado Prophesy Records.
Bajo este sello y producido por el conocido teclista de la banda Delaney and Bonnie, Jim Gordon, publican su primer y único trabajo titulado homónimamente como la banda.
Además en el proceso de grabación también participaron varios músicos de apoyo como el guitarrista Ben Benay y el saxofonista Jerry Jumonville e incluso el propio Jim Gordon tocando los teclados.
Este único álbum esta repleto de sonidos de blues hard rock con algunas influencias psicodélicas y sombríos sonidos progresivas, esto ultimo debido al uso de los sonidos del sintetizadores moog ejecutados por Jim Gordon.
Cortes como la inicial “Bard Road” dejan bien claro el sonido pesado de blues rock de la banda, mientras la intrincada “Number Two” es un corte con aires psicodélicos bastantes complejos.
Otros cortes como la brillante “I Don´t Mind” , la vigorosa “Mixed Nuts” y la rítmica “Trials” demuestran el enorme potencial de esta fenomenal banda. Sin embargo también demuestran sus grandes dotes vocales como queda demostrado en la exquisita “Feeling Bad” o en la irresistible “River of Hope”.
Pese a la enorme calidad del álbum, este pasa totalmente desapercibido como ocurriera con otros muchísimos publicados por la misma época, quedando relegados al mas puro olvido, provocando la disolución de Shotgun Ltd. algún tiempo mas tarde, debido a la falta de interés por el publico mas interesados en las centenares de bandas y los artistas mas mediáticos de aquellos años.

Weather Report-Heavy Weather (1977)

“Heavy Weather”, el séptimo álbum de la banda Weather Report, supuso un formidable ejemplo del equilibrio del mejor jazz rock, que mostraba todas las facetas de esta banda extraordinariamente talentosa, fusionando brillantemente no solo el jazz con el rock, sino también con sonidos de la world music, como la africana, la oriental o la brasileña.
Esta alternancia entre diferentes estilos y composiciones es lo que diferencia este soberbio álbum con todas las obras de sus coetáneos, considerado uno de los discos mas emblemáticos del jazz rock, al mismo tiempo que se convirtió en el momento cumbre de esta banda neoyorkina.
En este nueva entrega Joe Zawinul y Wayne Shorter reclutaron a uno de los mejores y más imaginativos bajistas de la historia como fue Jaco Pastorious, el cual ya había colaborado en el anterior “Black Market” como músico invitado.
El resto estaba formado por el batería Alex Acuña y el percusionista Manolo Badrena, este ultimo en sustitución de los anteriores componentes Don Alias, Chester Thompson y Narada Michael Walden, quienes habían participado en la grabación del mencionado “Black Market” de un año antes.
“Heavy Weather” es uno de los hitos en la música de jazz-fusión, el cual contiene música magistral y variada, que va desde lo virtuoso hasta lo plácido. El álbum se divide en ocho composiciones con una amplia gama de sonidos y estilos presentados a lo largo de sus 38 minutos en donde cada nota está impregnada de sentimientos comenzando por la sublime y gloriosa "Birdland", que con su tempo infeccioso, su inconfundible melodía y la notable instrumentación se ha convertido legítimamente en un estándar del jazz y el tema cumbre de este trabajo. En contrapunto a está, aparece la aterciopelada "A Remark You Made", mientras el lado funk la encontramos en “Teen Town”, en la cual Jaco Pastorious toma el total protagonismo de esta pieza escueta, la siguiente "Harlequin" mantiene el sonido de la pista anterior pero adoptando un ritmo más suave y dinámico,
Después de la descartable "Rumba Mama", una muestra del talento de Manolo Badrena, pero nada más reseñable, llega el turno de la vigorosa "Palladium", la vanguardista y compleja "The Juggler" y la vivaz "Havona", un fantástico colofón a tan sobresaliente trabajo.
Cuando Weather Report lanzó este exitoso "Heavy Weather" en 1977, la era del jazz fusión ya estaba comenzando a perder una cierta popularidad. Ellos fueron considerados una de las 5 bandas de fusión de jazz/rock más influyentes de la época y de la historia junto con la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, Return to Forever de Chick Corea, los proyectos de Miles Davis o The Headhunters de Herbie Hancock, pero sin embargo cada una de esas bandas ya había tenido sus picos de popularidad en los años anteriores (1970-1976) y estaban en la inevitable cuesta abajo. A diferencia de todas ellas, Weather Report todavía estaban en pleno ascenso y "Heavy Weather" terminaría siendo su álbum más popular, impulsado principalmente por temas como el mencionado "Birdland", además del sonido memorable pero complejo, al mismo tiempo accesible al gran publico, que acapararía la atención de los amantes del jazz, del pop y del rock en general.

Taj Mahal-Giant Step/De Ole Folks at Home (1969)

Taj Mahal es uno de los grandes pilares del blues, sin embargo nunca ha tenido la fama ni el mismo reconocimiento que otros bluesman mas mediáticos como B.B.King, John Lee Hooker o Muddy Waters.
Nacido a mediados de la década de los 40, sus inicios artísticos fueron bastantes dubitativos practicando un estilo de blues que no tenia demasiado relación con el estilo habitual, impregnado de sonidos gospel, jazz, swamp o zydeco, siendo por lo tanto los mas puristas los primeros en minimizar su estilo al comienzo de su carrera.
Sin embargo todas esas opiniones quedaron desfasadas cuando los propios The Rolling Stones le invitaron a participar en su show “Rolling Stones Rock and Roll Circus” en 1968. Este transcendental hecho fue el principio de la reconsideración de su particular estilo, lo que contribuiría a la difusión masiva de su obra y el reconocimiento de los primeros discos de Taj Mahal de finales de los 60.
Ya con su segundo álbum “The Natch´t Blues”, adquirió la suficiente fama para arriesgarse a lanzar un doble disco que acabaría encumbrando definitivamente su carrera entre los grandes bluesman de la época.
Titulado genéricamente “Giant Step/De Ole Folks at Home” (1969), este doble álbum contaba con dos discos bien diferenciados, en el primero “The Gian Step”, Taj Mahal (voz, armónica, banjo y steel-guitar), acompañado del potente trío compuesto por Jesse Ed Davis a la guitarra eléctrica y acústica y el órgano, Gary Gilmore al bajo y Chuck Blackwell a la batería, muestra su ecléctica esencia blues en cortes como la rock and roll “Keep Your Hands Off Her”, los clásicos blues “Give Your Woman What She Want”, “Good Morning Little Schoolgirl” o “Bacon Fat”, la sureña “Six Days On The Road” o la fronteriza “Further On Down The Road”.
Mientras el segundo disco es un tour de forcé de Taj Mahal en solitario con su guitarra, su armónica y su voz, reviviendo el primitivo blues de principios de siglo con varias influencias como el gospel o diferentes sonidos tribales.
Con este doble álbum considerado uno de los mejores de la historia del blues,
Taj Mahal entraría en la leyenda del genero y de paso su carrera se revalorizaría, convirtiéndose en uno de los iconos del genero en las siguientes tres décadas.

The Doors-An American Prayer (1978)

El noveno álbum de The Doors, publicado seis años después de la disolución de la banda y ocho desde la muerte de su cantante, es una colección póstuma de las obras poéticas del propio Jim Morrison, mientras que el resto de la banda contribuyó en la composición musical. Fue lanzado a finales de 1978 y esta considerado como el canto del cisne de la mítica banda californiana.
En el momento de la publicación de este álbum, para muchos críticos y fans fue bastante discutible, alegando entre otras cuestiones, hasta qué punto este lanzamiento era de interés para el publico en general. En el caso de este álbum, la música está más en segundo plano que en un primero, por razones obvias. Sin embargo, hay algunas notables excepciones, y por lo general son bastante brillantes.
Para otros, este registro es un buen ejemplo de la posible evolución de la banda y su sonido, si hubieran logrado seguir en activo algunos años mas, ya que la música se distancia de la psicodelia de la costa oeste de finales de los sesenta y se mueve hacia un sonido más moderno, mezclando el rock con los sutiles sonidos latinos, ("Black Polished Chrome/Latino Chrome"), el funk (“Newborn Awakening”), el jazz (“Curses, Invocations”), el blues (“Stoned Immaculate”), los sonidos vanguardistas (“An American Prayer” o “Hour For Magic”), la música clásica (“A Feast of Friends”), e incluso rastros de los sonidos de la imperante música disco de finales de la década de los 70, (“The Ghost Song”). El sonido y la producción son realmente exquisitos, especialmente considerando el hecho de que la banda estaba usando cintas grabadas con la voz de Jim Morrison de 1970.
Además de todo ello Ray Manzarek reemplazó su órgano Vox por un órgano Hammond y los sintetizadores modernos también están muy presentes, además ya no hay un piano bajo Fender, (hay un bajo real tocado por varios músicos de sesión; Jerry Scheff y Bob Glaub), y la guitarra de Krieger ya no es tan psicodélica y difusa como antaño, sonando en todo momento mas jazzistica y melódica.
El énfasis principal del álbum es la poesía de Jim Morrison, y eso es realmente, de lo que se trata este álbum. Sin entrar en los detalles sobre los textos poéticos, lo cierto es que encajan muy bien con la música (en realidad, mejor seria decir a la viceversa), creando atmósferas diferentes y efectivas a lo largo de todo el álbum. Ciertamente, esta es una obra de arte sin paliativos.
Ninguna de las pistas aquí está cantada a diferencia de la música habitual de The Doors, excepto una curiosa versión en vivo de “Roadhouse Blues”, en donde Morrison canta improvisando con alusiones poéticas ya que se había olvidado de la letra debido a su estado de embriaguez durante ese concierto.
Uno de los puntos principales de este álbum, es subrayar y resaltar algunas de las poesías más llamativas de Morrison, y se usaron algunos de sus pasajes más impactantes, principalmente cuando expresaba su odio por el puesto de almirante de la marina norteamericana de su padre. Otros pasajes contienen algunos pensamientos inquietantes sobre la muerte y su vínculo con el sexo, mientras que una larga búsqueda del alma parece ser el hilo conductor del álbum.
Pese a lo inusual de este álbum, “American Prayer” lograría alcanzar un disco de oro, una nominación a los premios Grammy y años después obtendría un disco de platino por sus millonarias ventas en el mercado norteamericano.

 

Return To Forever-Where Have I Known You Before (1974)

1974 seria el año en el cual la banda liderada por el teclista Chick Corea, Return To Forever, publicaban su cuarto álbum “Where Have I Known You Before”, en el que dejaban atrás sus influencias de jazz latino para adentrase en los sonidos mas complejos del jazz rock y fusión que otros grupos como The Mashavishnu Orchestra hacían por entonces.
Además ya aquí aparecía la formación mas clásica de RTF, comandada por el mencionado Chick Corea y secundada por el batería Lenny White, el bajista Stanley Clarke y el guitarrista Al Di Meola, este ultimo sustituyendo a Bill Connors, que abandonaría la nave justo al inicio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa.
“Where Have I Known You Before” es un trabajo que ofrece un jazz rock de primer nivel, en donde los cuatro músicos aportan su propia singularidad en términos de estilo y sonido.
Cortes como la dinámica “Vulcan Words” ya demuestra la perfecta sincronización entre todos los integrantes del grupo, mientras “Shadow Of Lo” es la contrapartida a la anterior, con grandes texturas de teclados atmosféricos y un ritmo pausado que a medida que pasan los minutos cobra una gran intensidad.
La entusiasta “Beyond The Seventh Galaxy” vuelve a contrastar con la melodía de “Earth Juice”, mostrando la accesibilidad de la música del grupo, mientras que la excelsa “Song to the Pharoah Kings”, es el momento mas elaborado del álbum, con grandes secuencias de sintetizadores, sonidos exóticos inclinados a los sonidos latinos y en donde sobresale la enérgica guitarra de Di Meola.
Con “Where Have I Known You Before”, Return To Forever iniciaría su antológica trilogía de imprescindible discos del jazz rock, junto al deslumbrante “No Mystery” (1975) y al apoteósico “Romantic Warrior” (1976).

Kraan-Live´75 (1975)

Kraan fueron junto a Embryo una de las bandas germanas que incluyeron los elementos psicodélicos y un innovador jazz rock con influencias étnicas a su estilo distintivo de krautrock.
Formados en la pequeña ciudad del sur de Alemania, Baden-Württemberg, a finales de los sesenta, su primera y mas longeva formación estaba comprendida por el batería Jan Fride, el bajista Hellmut Hattler, el saxofonista Johannes Papper y el guitarrista y voz Peter Wolbrandt.
En 1970 logran firmar con la subsidiaria alemana de EMI Electrola, con quienes lanzaron su primer álbum “Kraan” en 1972.
Después de tres álbumes mas publicados, “Wintrup” (1972), “Andy Nogger” (1974) y “Let It Out” (1975), el grupo lanzaría el directo “Live´75”, en donde mostraban su ecléctico enfoque de la música progresiva, que difería bastante a lo habitual en el genero.
Su estilo basado en las jam sessions, muestra ese sonido psicodélico impregnado de funk, fusión y rock progresivo, con interacciones entre todos sus componentes, con una total desenvoltura instrumental muy cercana al free jazz.
Grabado íntegramente en Berlín en el año 1974, este directo muestra el excelente trabajo instrumental de la banda con una gran base rítmica que son el sostén perfecto para las melodías de guitarra y saxo.
El álbum presenta algunas versiones ampliadas y extendidas de sus tres primeros trabajos de estudio publicados hasta ese año de 1974.
Rebosante de memorables momentos, todo el repertorio es muy destacable, empezando por la improvisada “Holiday Am Maryerhorn”, en donde Wolbrant se supera a si mismo con la guitarra.
La faceta jazz rock esta presente en las funk “Jerk Of Life” y en la agresiva "Sarah's Ritt durch den Schwarzwald", mientras la tour de force “Nam Nam” pone la nota culminante de este directo.
Aquí aparecen también dos temas nunca antes publicados "Hallo Ja Ja, I Don't Know" y "Lonesome Liftboy", ambas piezas melódicas de extraordinaria belleza.
Acabando con la extensa “Kraan Arabia”, en donde muestran su sello exótico y oriental, en otra pieza en donde hay bastante improvisación con solos de saxo y guitarras, secundada por una sección rítmica demoledora.

Procol Harum-Shine On Brightly (1968)

Percusores del rock progresivo, Procol Harum fueron una de las sensaciones mas importantes dentro de la música rock en la década de los sesenta.
Sus orígenes estaban en una banda de finales de los cincuenta llamada Paramounts liderada por el organista Gary Brooker, quien junto al letrista Keith Reid y al extraordinario guitarrista Robin Trower, serian el núcleo principal de la banda, secundados por el bajista David Knights, el batería Barrie James Wilson y el teclista Matthew Fisher.
Junto a The Nice y The Moody Blues, Procol Harum fueron de las primeras bandas en fusionar la música clásica con el rock, además de crear algunas de las canciones mas emblemáticas de la historia de la música pop como la inolvidable y extraordinaria “A Whiter Shade Of Pale”.
Ellos fueron la primera banda en construir una suite de varios movimientos a principios de 1968 con su segundo álbum “Shine On Brightly”, el cual se convertiría en una fundamental influencia para todos los grupos progresivos que vendrían en los años sucesivos.
Para muchos críticos y estudiosos, la suite “In Held Twas In I”, es la primera gran epopeya progresiva de la historia, 17 minutos de música esplendorosa y vibrante que inspiraría años mas tarde a Genesis con su enorme suite “Supper´s Ready”.
El resto del álbum sin llegar a la brillantez de tan tamaña obra maestra, sigue estando a gran altura como la blues “Wish Me Well” o la épica “Skip Softly”, mientras en “Rambling On” y “Quite Rightly So”, intentar emular sin el mismo éxito sus apoteósicos hits anteriores “A Whiter Shade Of Pale” y "Homburg” de 1967.

Alexis Korner´s Blues Incorporated-R&B From The Marquee (1962)

Si en el anterior post hablamos de Graham Bond, un alumno aventajado de Alexis Korner, que mejor manera el dedicarle unas letras al músico que esta considerado el impulsor del resurgimiento del blues británico.
Alexis Korner es uno de los músicos que mas han influido en las generaciones de los bluesman ingleses de la primera mitad de la década de los sesenta. Su obra por desgracia no ha sido difundida tan ampliamente fuera del Reino Unido y Norteamérica, todo lo contrario que ha ocurrido con toda la serie de músicos que estuvieron bajo su influencia directa como Jack Bruce y Ginger Baker (Cream), Charlie Watts (Rolling Stones), Long John Baldry, un cantante de un talento impresionante, Dick Heckstall-Smith (Colosseum) o el mencionado Graham Bond, o repercutir indirectamente en músicos como John Mayall o Al Kooper, entre otros muchos mas.
Sin embargo la carrera de Korner había empezado una década antes cuando junto a Cyril Davies formaría un dúo de blues y jazz, comenzando actuar con mucha frecuencia en el circuito de clubs de Londres.
Posteriormente ambos músicos abrirían su propio club, el “London Blues and Barrelhousem”, en donde solían invitar a tocar a jóvenes músicos británicos y norteamericanos de jazz y blues.
Fue entonces cuando conocerían a Jack Bruce, Charlie Watts y Long John Bladry, lo que les animaría a fundar su propia banda llamada Blues Incorporated (1961), la cual se convirtió en la primera banda banda amplificada de blues de Inglaterra.
Con la incorporación del saxofonista Dick Heckstall-Smith, la banda se labraría una gran reputación en toda Inglaterra gracias a sus famosos conciertos y era frecuente ver entre su publico a prometedores músicos como Mick Jagger, Brian Jones y Keith Richards (Rolling Stones), Jimmy Page y Paul Jones (Led Zeppelin), Rod Stewart, Eric Clapton o John Mayall, entre otros muchos mas.
Blues Incorporated se concentró principalmente en actuar en vivo en lugar de grabar discos y el grupo solo lanzó dos sencillos en Parlophone, "I Need Your Loving"  (1964) y "Little Baby" (1965).
Ese mismo año Graham Bond decide abandonar y fundar su propia banda para lo cual recluta a todos sus compañeros de la Blues Incorporated.
En 1964, Alexis Korner con una nueva versión de sus Blues Incorporated, publicaría los álbumes “At The Cavern” y “Red Hot From Alex”, con el estadounidense Herbie Goins como cantante principal y Danny Thompson, más tarde miembro del grupo de folk Pentangle al bajo. Después del tercer y ultimo trabajo para el grupo, “Sky High” lanzado en 1965,  con un nuevo cantante, Duffy Power, Alexis Korner disolvería definitivamente el grupo un año mas tarde en 1966.
En 1967 Korner fundaría la banda de corto recorrido Free At Last junto al ex batería de los Bluesbreakers, Hughie Flint y el bajista Binky McKenzie, sin apenas repercusión mediática.
No seria hasta 1971 cuando Alexis Korner volviera a estar de actualidad al pasar a engrosar la numerosa banda de jazz, rock y blues, C.C.S, formada a semejanza de las bandas de jazz rock norteamericanas, Chicago Transit Authority y Blood Sweat and Tears.
Con esta banda Korner lograría algunos éxitos notables en las listas británicas basados principalmente en versiones en clave de jazz rock, como “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin o “Walking” de Donovan.
En 1973 una vez disuelta C.C.S., Korner fundaría otra superbanda junto a Mel Collins, Boz Burrell y Ian Wallace, todos ellos ex King Crimson, con la cual lanzaría dos álbumes, además de comenzar su propia carrera en solitario y dedicarse a la radio fusión en la BBC, dirigiendo programas de blues, soul y jazz con una gran aceptación de audiencia.
En 1978 se celebraría un multitudinario concierto para festejar su 50 aniversario con un plantel de grandes estrellas como Eric Clapton, Chris Farlowe, Zoot Money o Paul Jones entre otros.
En 1981 Korner se uniría al grupo liderado por Ian Stewart, Rocket 88, en donde se encontraría con viejos compañeros como Jack Bruce o Colin Hodgkinson. Tres años mas tarde Korner fallecería a la edad de 55 años en Londres, dejando tras de si una de las mas intensas e influyentes carreras dentro de la historia de la música rock.