La extrañeza de este premio fue que seria otorgado a una banda eminentemente de folk rock progresivo y que a excepción de algunos momentos puntuales en su carrera, ellos nunca se habían desviado al genero hard rock como para catalogarla como banda de ese genero.
Así que de alguna manera con su siguiente trabajo publicado en los albores de la década de los noventa, Jethro Tull irónicamente se acercan descaradamente al hard rock con su trabajo “Rock Island” y de paso abandonan los "tecnológicos años 80", otorgando a Martin Barre y sus poderosos riffs de guitarra hard rock el protagonismo absoluto, dejando en parte de lado los habituales sonidos pastorales y las guitarras acústicas del folk británico.
Líricamente Ian Anderson sigue con sus metafóricas letras, esta vez tratando la soledad de la sociedad actual entre otros temas mas recurrentes como el hogar y la familia.
Pese a que en diferentes momentos aparece esa sensibilidad folk característica, son los sonidos vibrantes y enérgicos los que inundan este decimoctavo álbum de la banda británica como queda sentado en cortes como “Kissing Willie”, “The Rattlesnake Trail”, “Rock Island”, “Big Riff and Mando” o “Heavy Water”, mientras en “Ears of Tin” o “Another Christmas Song”, regresan a su peculiar y fascinante estilo.
Por otro lado son "The Whaler´s Dues" y "Strange Avenues" los cortes mas progresivos del álbum.
Formada originalmente bajo el nombre Aussenhorowitz en 1974 por el teclista Stephen Barber y el batería Bill Maddox, pronto se les unieron el bajista Kyle Brock y el guitarrista Eric Johnson, cambiando el nombre por el definitivo Electromagnets. Ese mismo año y bajo el sello EGM Records grabaron su homónimo álbum debut, y a la postre su único lanzamiento, en donde muestran el virtuosismo instrumental de los cuatro músicos, en especial los hábiles y sinuosos teclados jazzisticos de Barber y los sonidos eclécticos de la guitarra de Johnson.
Temas como la funk rock “Hawaiian Punch”, la enérgica jazz rock “Dry Ice” o la dinámica jazz fusión “Blackhole”, muestra la maestría sobresaliente de Electromagnets, que junto a una excelente producción se encuentra entre lo mas destacado del jazz rock de mediados de los setenta, casi a la altura de las grandes bandas del genero como Weather Report o Return to Forever.
Rebosante de cortes impresionantes, son interpretados por una banda de ensueño conformada por Ritchie Blackmore, Ronnie James Dio, Tony Carey, Cozy Powell y Jimmy Balin, bajo la producción de Martin Birch.
Desde la inicial “Tarot Woman” con una introducción hipnótica a base de sintetizadores para luego convertirse en un corte aplastante de hard rock, hasta la acelerada “A Light in the Black”, ocho minutos de ritmos frenéticos en donde los teclados de Carey y la batería de Powell despejan cualquier duda de las habilidades instrumentales de ambos músicos, el álbum se va desarrollando de manera incomparable y antológica.
El resto no le va a la zaga, ahí están la intrigante “Starstruck”, el tour de force “Stargazer” y la pegadiza “Do You Close Your Eyes”, todas ellas interpretadas de manera grandilocuente y hasta positivamente pretenciosa, con un Blackmore impresionante a las seis cuerdas y un Dio operístico y sublime, confirmando su liderazgo como uno de los cinco mejores vocalistas del heavy metal y el hard rock de toda su historia.
“Rising” es sin ninguna duda una de las llamadas “joyas de la corona” de la música contemporánea e imprescindible en cualquier colección de música rock que se precie.
Ambos ya tenían tras de si una amplia experiencia musical, por un lado la vocalista Patti Cathcart había pertenecido a diferentes bandas de la bahía de San Francisco, destacando una breve colaboración junto a los Kingfish, banda en donde coincidiría con el guitarrista de Grateful Dead, Bob Weir.
Por su parte Tuck Andress era un veterano guitarrista que pese a su juventud había participado en varias bandas de rock y jazz, entre las que destaca Sonny and Cher y otras bandas locales de la zona de Los Ángeles.
En 1978 y después de conocerse decidieron trabajar como dúo, y durante años fueron desarrollando su peculiar estilo que navegaba entre el jazz vocal, el pop intimista, el R&B, el folk y el gospel.
Durante esos años recibirían varias ofertas de diferentes sellos discográficos, los cuales fueron siempre rechazados por el dúo, al considerar que aún necesitaban perfeccionar mas su estilo.
Ya en 1988 el sello Windham Hill les ofreció un contrato por tres álbumes, una oferta que no rechazarían, publicando ese mismo año su primer álbum "Tears of Joy", el cual obtuvo buenas criticas y una meritorias ventas.
En la portada de este primer disco venia impresa una pegatina que rezaba "álbum grabado sin sobre grabaciones, ni músicos de acompañamiento, ni arreglos electrónicos, solo nosotros dos actuando en tiempo real".
Un año después aparecería "Love Warriors", un atractivo trabajo en donde se alternaban temas de cosecha propia con atractivas versiones como "Europa" de Santana, "Castles Made Of Sand/Little Wing" de Jimi Hendrix o "Honey Pie" de The Beatles.
Posteriormente este segundo disco seria elegido el mejor álbum de jazz contemporáneo en la costa oeste norteamericana, fortaleciendo así la carrera posterior de este brillante e imprescindible dúo.
En esta tercera entrega del grupo liderado por Alan Wilson y Bob Hite, muestran una clara evolución hacia el blues experimental, modernizando su sonido y demostrando la destreza y el conocimiento de las pasiones musicales de todos sus integrantes.
Llegados a este punto la banda ya estaba consolidada con su formación mas clásica, además de los citados Alan Wilson guitarra, voz y armónica y Bob Hite, vocalista, se encontraban Larry Taylor al bajo, Henry Vestine a la guitarra y Adolfo Fido de la Parra a la batería.
Este monumental doble álbum contiene algunos de los mejores logros del blues y boogie blues de toda su historia, impregnados de sonidos jazzisticos, acid rock y psicodélica, todo ello interpretado con una gran sabiduría, destreza, pasión y energía.
Desde la mencionada y fabulosa "Going Up The Country", hasta la jam vorágine "Refried Boogie", 40 minutos de alucinante blues rock, en cierta medida también algo indulgente, pasando por las tremendas versiones de artistas como Jimmy Rogers "Walking By Myself", o "Pony Blues", una revisión del clásico de Charly Patton, o apabullantes blues "Sandy´s Blues", "Boogie Music" y "One Kind Favor", sin olvidarnos del magnifico y talentoso medley "Parthenogenesis", toda una epopeya sublime de acid rock, experimentación y blues
"Living The Blues" es la obra cumbre de una banda como Canned Heat antes de que la muerte, las drogas y las disputas internas comenzasen a hacer mella entre sus integrantes. Pero antes de que esto sucediese aún tuvieron tiempo de publicar dos alucinantes álbumes mas como fueron "Hallelujah" (1969) y "Future Blues" (1970).
En este trabajo la banda lograba la madurez necesaria para mostrar el equilibrio perfecto entre el folk, el rock y la música clásica.
Desde la inicial "Can You Understand", Renaissance muestra perfectamente la síntesis atractiva de la música folclórica y el rock sinfónico emulando la filosofía de la música clásica con un énfasis muy poderoso.
Un tema que tiene influencias de los compositores clásicos rusos como Rachmaninov y Prokofiev. La dulce balada "Let it Grow", muestra las excelencias vocales de Annie Haslam en un gran estado de gracia, mientras que la arreglada y acústica "On The Frontier" nos deja ese regusto que la banda tiene por la música renacentista.
La melódica y orquestal "Carpet of the Sun" da paso a la mas ambiciosa "At The Harbour", que junto al cierre "Ashes Are Burning", en donde participa el guitarrista de Wishbone Ash, Andy Powell, con un soberbio solo de guitarra, son los momentos mas progresivos de uno de los álbumes mas brillantes del grupo británico, que culminaría con los posteriores y sobresalientes "Turn of the Cards" y "Scheherazade and Other Stories" .
Su estilo basado en los teclados, se anticipo a su tiempo creando sensaciones musicales que en su momento eran aún desconocidos.
Su formación estaba comprendida por Graham Field en el órgano, David Kaffinetti en el piano eléctrico, Steve Gould en la voz y el bajo y Mark Ashton en la batería.
A finales de 1969 y bajo el recién estrenado sello Charisma, publicaron su primer álbum homónimo el cual contenía el hit mundial "Sympathy", un corte impregnado de órgano con unas letras significativas de tono oscuro y melancólico.
El resto estaba compuesto por una serie de temas tan atractivos como pegadizos como la relajante "Bird On A wing", la melodía gótica de "Gods Of War", la pegadiza "Nature´s Fruit”, la dinámica "Melanie" o la brillante "Beautiful Scarlet".
En definitiva un debut que brilla principalmente por la versatilidad de los dos instrumentos de teclados y un sonido exuberante y creativo, demostrando lo grandioso y diverso que fue el rock progresivo en sus comienzos.
Fundada por el ex Kingsmen Don Galluci, famoso por su atemporal riff de guitarra en la canción "Louie Louie" de 1963 y los ex integrantes de la banda Don & The Goodtimes; Jeff Hawks (cantante) y Joey Newman (guitarra), los cuales quisieron alejarse de las limitaciones de las típicas canciones pop de los sesenta para adentrase en composiciones mas arriesgadas y vanguardistas.
Como resultado de esta unión nació Touch, que con la incorporación del bajista Bruce Hauser y el batería John Bordorano, grabaron un álbum homónimo entre finales de 1967 y principios de 1968.
Este a la postre su único publicado, seria muy apreciado por figuras tan legendarias como el propio Jimi Hendrix, Jon Anderson (cantante de Yes) o el guitarrista de Kansas, Kerry Livgren, los cuales afirmaron que esta fue una de sus principales influencias al principio de sus carreras.
Compuesto por una amalgama de sonidos que se movían entre el rock psicodélico y el progresivo bastante pretencioso, con ramalazos del pop mas desenfadado pero al mismo tiempo con auto indulgencia, es todo un documento sonoro histórico que aunque hoy en día pueda sonar algo primitivo, contiene grandes interpretaciones y meritorios arreglos, conceptos estos que algún tiempo mas tarde se verían reflejados en los lanzamientos de muchas de las bandas británicas del rock progresivo y los sonidos underground.
Ellos edificaron un genero único con unos poderosos teclados, combinados con la música orquestal, una batería grandiosa y la emotividad de un prodigioso cantante.
Su álbum debut esta considerado entre los mayores logros de la música rock con un despliegue técnico descomunal, demostrando el poderío instrumental de cada uno de los músicos que componían esta legendaria formación.
Desde la introducción frenética y apoteósica "The Barbarian", hasta la calidez de la sensible balada "Lucky Man", pasando por la progresiva medio tiempo "Take A Pebble", la pesada "Knife-Edge", la monumental e instrumental "Tank" o la pretenciosa "The Three Fates", todo un escaparate del virtuosismo de Emerson con los teclados, conforman todas ellas un álbum esencial y único en el rock progresivo.
Sin embargo este seria el trabajo mas ecléctico y menos pretencioso del trío, a partir de aquí se sumergieron en complejos y sofisticados trabajos de intrincados arreglos como quedaría demostrado en los siguientes "Tarkus", "Trilogy" y "Brain Salad Surgery".
Grabado en la cima de su popularidad, (Hillage venia precedido de sus exuberantes trabajos junto a las bandas Khan y Gong y a su propia y brillante carrera en solitario), su repertorio esta basado principalmente en cortes pertenecientes a los álbumes “Fish Rising”, “L” y “Motivation Radio”, además de contener algunas interesantes versiones como “Hurdy Gurdy Man” de Donovan” o “It´s All too Much” del ex-Beatle George Harrison.
Con un sonido excelente, la interpretación de Hillage se torna ligeramente mas hard rock en contrapartida a los sonidos atmosféricos de sus discos en estudio, en donde su distintivo trabajo de guitarra apoyado por los tonos sinfónicos de los sintetizadores de cuerda, le otorgan una gran singularidad y un plus de diversidad estilística.
Cortes como "The Golden Vibe”, con un gran clímax apoteósico, la extensa “Searching for the Sparks” o la suite “Radiom/Lunar Musick Suite/Meditation of The Dragon”, confieren a este rutilante directo, el punto culminante a la carrera de uno de los mejores y mas reputados guitarristas británicos de todos los tiempos.
