Deep Purple-Burn (1974)

Octavo álbum de Deep Purple y su quinta obra maestra que su une a los magistrales “In Rock”, “Fireball”, “Machine Head” y el doble directo “Made In Japan”. En este se estrenaba la formación denominada “Mark III” con la entrada de David Coverdale y Glenn Hughes” quienes habían sustituido a Ian Gillan y Roger Glover respectivamente, además supuso un plus añadido al introducir junto al potente sonido de hard rock, sutiles toques de funk y soul. Con una pieza tan soberbia como sobresaliente como es “Burn” comienza este extraordinario disco, una de las canciones magistrales de Deep Purple, mientras ya en la segunda canción se advierte el cambio antes mencionado con la bluesy con tintes funk “Might Just Take Your Life”, sin duda  producto de las aportaciones de los nuevos miembros Coverdale y Hughes. La enérgica “Lay Down, Stay Down” muestra la irresistible faceta de las voces a dúo del binomio Coverdale-Hughes. “Sail Away” nos devuelven a los Purple clásicos con un riff de guitarra por parte de Blackmore antológico. En la trepidante “You Fool No One” vuelven a aparecer sonidos cercanos al funk fusionado con el potente hard rock. La hard blues “What´s Going On Here” es el momento de Lord y su piano hony tonk y el sobresaliente trabajo de Blackmore a la guitarra. Llegados a este punto la banda lo borda con la majestuosa “Mistreated”, toda una de las joyas del hard rock, casi ocho minutos de enigmáticos riffs y la poderosa voz de Coverdale que junto a la contundente sección rítmica comprendida por Paice y Hughes, elevan este álbum hasta el altar de las grandes obras de la música rock. Para finalizar la banda se permite la extravagante y experimental “A 200”, un tema instrumental muy cercano al rock progresivo en el cual el mayor protagonismo lo tiene Jon Lord y sus teclados atmosféricos y espaciales.

David Bowie-Low (1977)

En 1977 David Bowie llevaba varios años  alejado de su singladura glam, un tiempo en el que el duque blanco había coqueteado con otros estilos después de ese periplo de plumas y lentejuelas, como las influencias soul y rhtyhm and blues de sus álbumes anteriores “Young Americans” (1975) y “Station To Station” (1976). Para el siguiente álbum “Low”, Bowie tuvo la colaboración esencial de Brian Eno, el cual lo doto de un sonido mas electrónico, pero sin perder la frescura y el encanto de las composiciones del cantante británico. Además de Eno, en “Low” también participaron músicos como el guitarrista Carlos Alomar, un asiduo desde el mencionado “Young Americans”, el bajista George Murray, el baterista Dennis Davis, el teclista Roy Young o el guitarra Ricky Gardiner. Grabado entre los estudios Chateau d´Hérouville en Francia y los Hansa Studio de Berlin, durante los meses finales de 1976, este nuevo lanzamiento se componía de dos partes bien diferenciadas, una primera cara enfocada casi exclusivamente a los sonidos mas convencionales y una segunda enfocada a temas mas atmosféricos e instrumentales.
La oscura y rítmica “Speed Of Life”, con una irresistible melodía da comienzo a este trabajo considerado por muchos como uno de sus discos de transición, que sin embargo tiene como resultado una de sus joyas menos conocidas. La robótica “Breaking Glass”, la pop electrónica “Sound and Vision” o la atmosférica “Always Crashing in the Same Car”, concluyen una cara densa y bastante profunda de una música tan cautivadora como elegante. En la segunda cara destacan la oscura y espacial “Warszawa”, la ambiental “Art Decade” o las experimentales “Weeping Wall” y “Subterraneans”. Un álbum en donde Bowie volvía a demostrar sus diferentes facetas musicales, con una colección de temas geniales y diferentes a lo acostumbrado, logrando con ello otra obra imprescindible dentro de su amplia y ecléctica discográfica.

Whalefeathers-Whalefeathers (1971)

En sus cuatro años de carrera, Whalefeathers nos dejaron dos admirables álbumes para los seguidores al sonido del hard rock progresivo, con elementos improvisados de guitarras y órgano Hammond, con cierto regusto a los sesenta.
Fundados en Ohio, Estados Unidos, a finales de 1969 por Michael Jones como guitarrista y vocalista, Leonard Le Blanc, bajo y voces, Mike Wheeler guitarrista solista, Stephen Bacon, batería y voces y Ed Blackmom como teclista.
En 1971 llegaría su segundo álbum, titulado homónimamente como la banda en donde destacan la poderosa e inicial "World of Pain” con potentes y agudas guitarras, un espectacular órgano Hammond y un final bluesy, o la R&B “I Don´t Need No Doctor”, mientras el emocionante blues “I´ts a Hard Road (Back Home)”, nos conducen a lo mejor del álbum con la melódica y trepidante “Bastich”, la blues rock “Pretty Woman” o la extensa y progresiva “Shadows”, que con largos desarrollos de improvisación de toda la banda, es el punto culminante de este disfrutable trabajo.
Dos años mas tarde, Whalefeathers se disolvieron definitivamente, aunque antes habían abierto conciertos para algunas de las grandes bandas americanas como Grand Funk Railroad, The Allman Brothers Band o Edgar Winter Group. Su interesante legado se encuentra en sus dos únicas y meritorias obras, repletas de un excelente rock, muy adictivo con influencias psicodélicas, blues rock y sonidos progresivos .

Klaus Schulze-La Vie Electronique 15 (2014)

“La Vie Electronique” es una monumental serie de discos recopilatorios publicados por el teclista alemán Klaus Schulze, un músico y compositor considerado uno de los grandes gurús de la electrónica. Su paso por las emblemáticas bandas Tangerine Dream, Ash Ra Tempel y The Cosmic Jokers y su impresionante discografía en solitario, superando con creces el medio centenar, le ha valido para ser junto a genios como Vangelis o Jean Michel Jarre, uno de los mas grandes artistas de la música electrónica de toda su historia.
“La Vie Electronique 15” incluye tres discos, el primero de ellos dedicado exclusivamente al larguísimo tema “Nuff Siad” de casi una hora y media de duración, pieza que fue extraída de su álbum “Jubilee Edition 25” de 1997. El segundo esta compuesto por varios temas en directo, extraídos de un concierto en Bolonia en 1998, mientras en el tercer disco, Klaus Schulze junto al cellista Wolfang Tiepod, el cual ejecuta un violonchelo veneciano que data de 1722, interpretan tres composiciones que fueron originalmente grabadas en 1999.
En este colosal triple álbum, sobresalen piezas como la religiosa y solemne “Cum Cello Spiritu”, con un desarrollo tan fastuoso como extraordinario en donde además de los etéreos teclados de Schulze, destaca el violonchelo melodramático y oscuro de Tiepod. La suite “L ¨Opera Aperta” con sus cinco movimientos es otro de los puntos culminantes de la obra, con sonidos que nos retraen a la época de su aclamado álbum “Moondawn” de 1976. Una obra que no dista demasiado de lo que Klaus Schulze nos tiene acostumbrados con un gran repertorio de músicas electrónicas, que apoyándose en una asombrosa diversidad de sintetizadores y samplers, va creando una música espacial y meditativa, para transportarnos a sus asombrosos viajes sonoros por el infinito océano cósmico

Cactus-Restrictions (1971)

En 1971 Cactus publicaba su segundo álbum en un año y el tercero de la carrera del grupo. Sucesor del monumental “One Way...Or Another”, este “Restrictions” sin llegar a sus excelencias, es un potente trabajo en donde la banda sigue mostrando un contundente hard rock americano. “Restrictions” fue grabado con la misma formación de sus dos anteriores trabajos, es decir; Tim Bogert al bajo y voces, Rusty Day como vocalista y harmónica, Jim McCarty como guitarra y el batería Carmine Appice, además de las colaboraciones de los teclistas Duane Hitchings y Albhy Galuten y del guitarra slide Ron Leejack.
El enérgico tema que da titulo al álbum es un comienzo apabullante con unos poderosos riffs y solos del guitarrista McCarty, a la que sigue la southern rock “Token Chokin´en donde se luce espectacularmente el guitarrista Leejack, el hard rock con sonidos progresivos “Guiltless Glider”, muestra la fenomenal dupla que conformaban Bogert-Appice. El resto se mueve entre el hard rock vigoroso con las aplastantes “Evil”, y “Bag Drag”, el rock sureño “Sweet Sixteen”, el blues rock “Alaska” o la folky rural “Mean Night In Cleveland”. Este seria el ultimo gran álbum de Cactus, y al mismo tiempo el ultimo del vocalista Rusty Day y del guitarrista Jim McCarty, siendo sustituidos para el siguiente y mediocre “Ot ´n´ Sweaty” de un año mas tarde por el guitarrista Werner Fritzschings y el cantante Fred French. Después de ese desafortunado “Ot ´n´Sweaty”, Tim Bogert y Carmine Appice dan por finiquitada la banda y se integran junto a Jeff Beck en el trío Beck, Bogert & Appice, quienes publicaron los convincentes y rotundos esfuerzos de jazz y blues rock “Beck, Bogert & Appice” y el directo “Live In Japan” ambos publicados en 1973.

Michael Hoenig-Departure From The Northern Wasteland (1978)

Michael Hoenig es uno de los teclistas mas arraigados de la llamada escuela de Berlin, que comenzaría su andadura a principios de los 70 en la banda de krautrock Agitation Free, con los que aportaría notablemente un sonido electrónico gracias a sus sintetizadores, otorgando esa peculiaridad hipnótica y espacial que se reflejan en los álbumes "Malesch" (1972) y "Second" (1973), aunque su contribución mas notable la encontramos en el monumental "Last", disco en vivo publicado en 1974. Un año después Hoenig pasa a engrosar en los míticos Tangerine Dream, sustituyendo temporalmente a Peter Baumann, con los cuales realiza una extensa gira por Australia terminado en el Royal Albert Hall de Londres. Luego de retornar Peter Baumann a Tangerine Dream, Hoenig publicaría su primer trabajo en solitario "Departure From The Northern Wasteland" en 1978, el primero de los dos únicos que el músico ha publicado.
En este primer esfuerzo discográfico, Hoenig mantiene al oyente pegado a la música con continua atención debido a las secuencias musicales aquí expuestas, con un estilo electrónico melodramático, una clara mezcla del "Oxigene" de Jean Michel Jarre y el "Richochet" de Tangerine Dream", aunque a diferencia del primero, menos melódico y del segundo con una dimensión menos rock, debido a la inexistencia de una guitarra eléctrica como la que utiliza Edgar Froese en ese álbum. Una obra en donde predominan los ritmos de sintetizador de bajo omnipresente o lo que es lo mismo, los secuenciadores, que va cambiando su patrón continuamente, encontrándonos notas de teclados mas agudas que hacen determinadas melodías y unos teclados flotantes de fondo, tres capas que no necesariamente se reproducen simultáneamente. El corte que da nombre al álbum es la pieza principal, un delicioso desarrollo progresivo, con multitud de capas superpuestas y una atmósfera oscura. También destacan "Voices Of Where" un tema mas corto pero de gran belleza instrumental y "Sun and Moon" un tema con claro acento a la escuela de Berlín.
Casi diez años después Hoenig publicaría el mas previsible "XCEPT One", trabajando de manera paralela durante todo ese tiempo en componer la música para diferentes películas y algunos videojuegos para ordenadores como la destacada "Baldur´s Gate 2".

Leonard Cohen-Popular Problems (2014)

Leonard Cohen es uno de los cantautores mas influyentes de la historia de la música popular, su condición de poeta, escritor y cantante le ha llevado a crear obras de máxima elegancia, sobriedad y sencillez, con su característica voz grave y sus canciones repletas de desamores, historias pesimistas sobre el mundo actual y temas que profundizan sobre la religiosidad y otros asuntos reflexivos. Desde el ya lejano 1967, Cohen fue escribiendo una serie de obras que han pasado a la historia como parte fundamental de la poesía hecha música con álbumes tan emblemáticos como aquellos “Songs of Leonard Cohen”, “Songs from a Room”, “Songs of Love and Hate” o tantos otros.
“Popular Problems” fue su décimo tercer esfuerzo lanzado en el 2014, cuando el viejo truhan canadiense contaba con ochenta años y en donde volvía a demostrar al mundo de que es un mito, mas allá de los estilos, las listas y la fama. Un álbum tan delicioso como reflexivo, al mismo tiempo de una gran sencillez, sin que hayan grandes alardes de instrumentación ni fuegos de artificio para hacer solo y simplemente canciones.
Todo el álbum es un exquisito recorrido por las entrañas del propio Cohen, empezando por la fascinante “Almost Like The Blues”, la cruda y nostálgica “Slow”, la soberbia “A Street” o las magnificas “My Oh My” y “Did I Ever Love You”, sin desmerecer piezas como la oscura “Nevermind” o las sobrecogedoras “Born In Chains” y “You Got Me Singing”, todas ellas con la inconfundible voz de serie de Cohen y unos irresistible coros acompañados por una instrumentación sencilla, efectiva, evocadora y refinada.
A estas alturas cualquier calificativo sobre la obra de Cohen es manifestar aquello de...sobran las palabras!.

Harmonium-Si On Avait Besoin D´Une Cinquieme Saison (1975)

Detrás del largo titulo “Si On Avait Besoin D´Une Cinquieme Saison”, se encuentra la banda canadiense Harmonium, una formación de folk progresivo que publico varios álbumes de gran interés para los fans del genero por sus melodías dulces, y sus exquisitos arreglos sinfónicos. Fundados en Quebec, este trío estaba formado por los guitarristas Serge Fiori y Michael Normandeu que junto al bajista Louis Valois tuvieron una corta carrera que comprendió entre 1972 y 1977, con tres álbumes de estudio y un directo. Sus comienzos estuvieron encuadrados dentro del jazz y el folk con influencias de la música francesa, cantando igualmente en francés. Ya con su segundo disco, este "Si On Avait...” comenzarían a abordar en sonidos mas complejos y progresivos, siempre dentro de los cánones del folk tradicional francés.
Para este álbum la banda se había ampliado con el teclista, además de sintetizadores y mellotrón, Serge Locat, y el flautista y otros instrumentos de viento Pierre Daigneault.
Este segundo lanzamiento muestra de manera brillante una clara interacción entre el rock sinfónico y el folk rock, una combinación que claramente esta reflejada en “Histories Sans Parole”, un tema progresivo en donde utilizan instrumentos clásicos y mellotrón, de la misma manera destaca “Depuis L´Automne", un folk progresivo soberbio, el resto del álbum esta repleto de sonidos de guitarras acústicas y eléctricas, piano, mellotrón, flautas, arreglos orquestales y unas irresistibles melodías vocales, demostrando con todo ello, una brillantez apabullante en casi todos los cortes de este sensacional trabajo.

Yes-Close to the Edge (1972)

Con “Close To The Edge”, Yes se posesionaban como la mejor formación del rock progresivo a nivel mundial junto a ELP, Genesis y Pink Floyd, con un trabajo sobresaliente en donde muestran unas complejas composiciones repletas de sonidos nunca antes visto. Un álbum perfecto en donde cada nota esta en su sitio, que junto a la ambición, la complejidad y el virtuosismo de sus cinco integrantes lo elevan hasta el status de obra de arte.
Compuesto por tres extensos temas, en la primera cara encontramos la suite “Close To The Edge”, 18 minutos de una elaboradísima música con cientos de matices y continuos cambios rítmicos con una total precisión instrumental. En la segunda cara aparecen la delicada al mismo tiempo que elaborada “And You And I”, donde con un principio acústico se va desarrollando hacia momentos mas enérgicos y apoteósicos. Para acabar con la contundente y poderosa “Siberian Kathru” que con 9 minutos es el tema de mas corta duración, pero que de alguna manera continua con los mismo parámetros de las anteriores con continuos interludios entre los enérgico y lo mas bucólico, para terminar en un éxtasis instrumental total.
Un álbum de obligada escucha para todos los fans del progresivo, una obra que esta considerada una de las mas grandes gestas de la historia de la música rock.

Lift-Caverns Of Your Brain (1977)

Procedentes de Norteamérica, Lift fue un portentoso y entusiasta grupo de rock progresivo a la vieja usanza que publico su único álbum en 1977, con un repertorio de canciones que habían sido compuestas y ensambladas algunos años antes. Su estilo estaba basado en las influencias de bandas británicas como Yes o Nektar, con ambientes oscuros de la era mas psicodélica de los primeros Pink Floyd. Sus ideas estaban mas centradas en la dinámica musical sinfónica clásica, que se alejaba de sus compatriotas coetáneos como Kansas o Journey, bandas estas que imprimían un progresivo aderezado con el típico rock americano, Lift por su parte profundizaban en las robustas jams instrumentales de manera mas ordenada, con amplios espacios para el lucimiento de cada miembro de la banda.
Formados a principios de los 70 por el teclista Chip Gremillion, el bajista Cody Kelleher y el batería Chip Grevemberg, quienes algún tiempo después reclutarían al guitarrista Chris Young y al vocalista Courtenay Hilton-Green. Pasado un cierto tiempo el puesto de guitarrista iría a parar definitivamente a Richard Huxen con la marcha de Young. Con esta formación la banda lograría una amplia legión de seguidores gracias a sus actuaciones por diferentes zonas del sur de los Estados Unidos, especialmente con conciertos en las diferentes universidades.
Ya en 1974 la banda entraría en los estudios y grabaría una serie de canciones que no fueron publicadas, quedado almacenadas e incluso grabando diferentes conciertos que igualmente no fueron publicados oficialmente. Un año después se trasladaron a Atlanta y mas tarde a Filadelfia donde volverían a regrabar el material que tenían registrado anteriormente y que fue publicado mas tarde de manera oficial con el titulo de "Caverns Of Your Brain", de modo unilateral por el sello Brian, cuando Lift ya se habían disuelto definitivamente. En este único y singular álbum, el teclista Gremillion es el líder instrumental de la banda, gracias a sus arreglos orquestales de teclados y sus solos de sintetizadores y órgano, pero que no por ello el resto de los músicos dejen de mostrar una gran fluidez en sus correspondientes instrumentos. Las influencias de Chris Squire se ven reflejadas en el bajo, mientras ese toque swing del batería proporciona sonidos muy interesantes en cada corte. La inicial "Simplicity" es una composición alegre a la vez que compleja, por su parte "Caverns” es mas solemne, con grandes capas de mellotrón y sintetizadores. "Buttercup Boogie" es como su nombre indica la única concesión al sonido americano, con un boogie rock construido a base de un órgano muy bluesy y un ritmo frenético. Pero es la mini suite "Trippin´Over The Rainbow", lo mas destacado, alternado los pasajes serenos y atmosféricos con momentos mas rock de manera muy equilibrada. "Caverns Of Your Brain", sin llegar a ser un esfuerzo novedoso para cuando fue publicado, (algo tardío para ese estilo progresivo), es un disco de colección para los fans mas puristas del rock progresivo y una pequeña joya perdida del genero.

Iron Maiden-Iron Maiden (1980)

Una de las joyas del heavy metal y al mismo tiempo infravalorado por las nuevas hordas de seguidores de la doncella de la época con Bruce Dickinson como frontman. Considerado una de las obras capitales de la llamada “NWOBHM” ( New Wave of British Heavy Metal ), en este primer álbum Iron Maiden mostraban todas las cualidades de dicho movimiento, con el ápice añadido de los ecos del punk aderezado con sonidos mas complejos y épicos.
Una banda que aún estaba por reafirmar su alineación mas clásica, exitosa y duradera, conformada por entonces por el bajista Steve Harris, los guitarristas Dave Murray y Dennis Stratton, el batería Clive Burr y el vocalista Paul Di´Anno. Una formación que a partir de tercer álbum tendría significativos cambios como la entrada del mencionado Bruce Dickinson, y un año antes con la del guitarrista Adrian Smith y posteriormente con la del baterista Nicko McBrain, es decir la que seria su formación mas clásica y longeva.
Pero centrándonos en este primer y germinal álbum, estos jóvenes músicos demostraban una gran virtuosidad instrumental y una ideas preconcebidas muy claras, todo ello revelado en la poderosa “Prowler”, la épica instrumental “Transylvania”, la maratoniana progresiva “Phantom Of The Opera”, las viscerales y punks “Running Free" y “Sanctuary” o la gloriosa “Iron Maiden”. A partir de aquí empezaría la leyenda de una banda tan icónica como fundamental en la historia del heavy metal y del rock en general.

Journey-Frontiers (1983)

El octavo álbum de Journey, “Frontiers”, supuso el incremento de su sonido hacia un estilo mas duro a diferencia del anterior y melódico “Escape”, pero sin dejar atrás la faceta armónica y melodiosa tan singular del grupo. Sin embargo Journey tenían antes de este álbum, el complicado desafío de al menos igualar los cinco millones de copias que se habían vendido de ese disco en aquellos momentos, (cifra que en la actualidad roza los veinte millones). Con ese panorama, la banda optaría por un álbum repleto de temas enérgicos como la inicial “Separate Ways ( Worlds Apart)”, que pronto se convirtiera en uno de sus clásicos, a la que sigue la melódica y sentimental “Send Her My Love”, en donde vuelven a demostrar el por que Journey, han sido unos verdaderos genios para componer preciosas e irresistible baladas, el contundente rock llega con “Chain Reaction” que da paso a la melódica AOR “After The Fall”, mientras la encantadora balada “Faithfully”, vuelve a poner otro momento melancólico de manera admirable. A partir de aquí prácticamente el resto de temas son los mas duros del álbum, como las contundentes “Edge Of The Blade”, “Back Talk”, o las medio tiempo melódicas, “Ask The Lonely”, “Frontiers” y “Troubled Child”, donde conjugan la energía y la melodía al mismo tiempo, mención aparte merece la adictiva “Only The Young”, uno de los hits del lanzamiento.
Como era de esperar, “Frontiers” no alcanzaría las cotas asombrosas de “Escape”, aunque si un numero dos en las listas norteamericanas y unas ventas globales que superaron con creces los 7 millones de copias vendidas.

Grannie-Grannie (1971)

Este es uno de esos extraños y oscuros álbumes de lanzamiento limitado, que originalmente solo apareció en forma de disco promocional y del cual solo consta un tirada de 100 copias disponibles de manera oficial y con una portada austera fabricada de manera artesanal.
Esta banda británica fue formada por el guitarrista Phil Newton a finales de los sesenta. Apenas se conoce mucho mas de la historia de esta efímera agrupación, que de forma privada y sin un sello que los financiara, consiguieron grabar un disco en 1971 y poco tiempo después se desvanecieron sin más.
Grannie eran inicialmente una banda de versiones que actuaba en diferentes locales de Londres como The Marquee o The Roadhouse y que además de Phil Newton estaba formada por el cantante Fred Liley, el flautista Jan Chandler, el bajo Dave Holland, y el batería Johnny Clark.
Aprovechando un anuncio en donde se ofrecían ocho horas de estudio, la grabación de un master y un álbum por 99 £, Newton empezaría a componer temas propios para el grupo y así incluirlos en dicha grabación.
El resultado fue un disco compuesto por seis temas de rock vanguardista y progresivo con unas guitarras pesadas y buenas melodías como queda demostrado en temas como "Coloured Armageddon", "Saga Of A Sad Jestar and Leaving", "Romany Of Return" o la acústica "Dawn".
Después de la grabación de este álbum, la banda sufriría el robo de todo su equipo antes de una de sus actuaciones, incluido su primer y costoso mellotrón, desapareciendo con ello el rastro posterior de esta banda.
Ya en la década de los noventa, la prestigiosa revista Record Collector, incluyo a este disco entre los 100 mas valiosos de todos los tiempos por su gran calidad, rareza y su limitada tirada.

Tom Petty and The Heartbreakers-Into The Great Wide Open (1991)

Dos años después del enorme y soberbio “Full Moon Fever”, Tom Petty volvió a dejarnos otro asombroso álbum de la mejor música americana con este “Into The Great Wide Open”, para el cual repite con los mismos protagonistas que grabaron el anterior. En las labores de producción vuelve a aparecer Jeff Lynne, quien sin duda fue uno de los artífices del enorme éxito de “Full Moon Fever”, por su pulcro sonido, su inconfundible brillantez en las guitarras y esas melodías vocales tan irresistibles, además de tocar diferentes instrumentos como la guitarra, sintetizadores o el bajo. Este nuevo álbum volvía a poner a Tom Petty a la altura de los mas grandes de la época, rivalizando con cualquier banda o artista. Un álbum que contiene una encantadora colección de temas como las adictivas y pegadizas “Learning To Fly”, “Into The Great Wide Open”, “All Or Nothin´”, “Too Good To Be True”, “Out In The Cold” o “Makin´Some Noise”, conformando con todos ellas un trabajo magistral y tremendamente disfrutable.

Jimmy Page & Robert Plant-No Quarter (1994)

En 1994 se producía la tan esperada reunión de parte de los míticos Led Zeppelin, ello llegaría gracias al álbum en vivo grabado por Jimmy Page y Robert Plant titulado “No Quarter”.
Los temas de este directo pertenecen a varias actuaciones en Londres, Gales y Marruecos durante mediados el año 1994, con una orquestación árabe en varios de los temas, y con un repertorio basado en un estilo orientado al folk y al blues mas tradicional, y que pese a estar muy alejados del genero habitual de hard rock y blues rock de su banda madre, este nuevo álbum se convirtió en una obra magnifica y en un gran éxito comercial.
Compuesto por versiones de clásicos de Led Zeppelin, mas algunas nuevas canciones, en el podemos disfrutar de la vertiente mas tradicional del folk y el blues de Page y Plant, estilos que siempre fueron un aspecto muy presente en toda la carrera de Led Zeppelin, todo ello aderezado con sutiles sonidos arabescos.
Escuchar en formato acústico, con apariciones esporádicas de la guitarra eléctrica y los inconfundibles riffs y solos de guitarra de Page, temas como”Nobody´s Fault But Mine”, “Thank You”, “Since I´ve Been Loving You” o “Kashmir”, son una verdadera gozada para los oídos de todos los fans de la banda y los amantes de la música en general. Estos temas contrastan con las mas exóticas “Friends”, “City Don´t Cry” o ”Wah Wah”, mientras cortes como “That´s The Way” y “Gallows Pole”, son los mas potentes de este sobresaliente disco en vivo de dos de las mas grandes leyendas de la música rock.

UFO-UFO 1 (1970)

UFO son una de las mas grandes bandas del heavy metal y el hard rock de la historia: La carrera de este grupo ha estado marcada por álbumes emblemáticos, algunos de ellos obras maestras absolutas del genero. Sin embargo si nos remontamos a sus inicios observamos que comenzaron como una banda de hard rock psicodélico, algo muy habitual para la época cuando se fundaron en Inglaterra a finales de los sesenta.
Su primera formación estaba compuesta por tres músicos que constituirían la base fundamental de esta banda en los años posteriores, Phil Moog (voz), Pete Way (bajo) y Andy Parker (batería), junto a ellos también se encontraba el guitarrista Mick Bolton, el cual solo aparecería en los dos primeros álbumes, siendo sustituido en 1974 por Michael Schenker. Pero centrándonos en este su primer álbum, fue publicado a finales de 1970, en donde la banda muestra su faceta de psicodelia impregnado de hard rock con tintes de blues y rock espacial. Pese a una mediocre producción, en este debut podemos apreciar un magnifico trabajo de Pete Way al bajo y una soberbia labor en la guitarra de Bolton, algo que queda demostrado en la blues instrumental “Unidentified Flying Object” o en la mas comercial “Boogie”, sin embargo son dos versiones las mas apreciadas de este magnifico álbum, por un lado el clásico “C´mon Everybody” de Eddie Cochran y por otro “Who Do You Love" de Willie Dixon, ambas interpretadas de manera notable. El resto se mueve por los parámetros habituales del estilo psicodélico, como la lisérgica “Shake It About”, la space rock “Melinda”, la hard rock “Timothy” o las pesadas hard blues “Treacle People” y “Evil”.

Marillion-Fugazi (1984)

Segundo álbum de Marillion y el primero en donde ya muestran su propio estilo, alejados de las influencias tan notorias a los primeros Genesis de su debut. Sin embargo y pese a que la banda desarrolla grandes partes instrumentales muy vanguardistas de su propia escuela, no pierden de vista el sonido clásico que estaban presentes anteriormente. Para este nuevo álbum la banda presentaba a un nuevo batería Ian Mosley, quien se acoplaría perfectamente a la cohesión instrumental de sus compañeros.
Por otra parte los textos de Fish son mas dinámicos y su estilo vocal no profundiza en las entonaciones vocales del estilo de Peter Gabriel. La inicial “Assasing” representa de alguna manera la particular visión de Fish sobre la música oriental, un tema edificante y enérgico, con una batería vigorosa, con interludios con el bajo y grandes riffs de guitarra.
La contundente “Punch and Judy”, se torna en uno de los temas mas comerciales a la vez que de gran dureza que la banda haya grabado jamás, repleto de riffs poderosos, fabulosas melodías y un gancho pegadizo que la hace tremendamente irresistible. Quizás sea “Jigsaw” el momento que mas se acerca al estilo de Genesis, un oscuro tema con grandes pasajes y unos solos de guitarra por parte de Rothery sublimes.
La soberbia “Emeral Lies”, con un aire siniestro a la vez que con unas letras poéticas, dan paso a la brillante y melódica “She Chamaleon”, en donde el órgano toma el protagonismo absoluto de la pieza. Para terminar el corte dinámico y progresivo, “Incubus”, que con unas suaves transiciones entre las diferentes melodías dentro del mismo tema, la confieren en un tema soberbio y brillantísimo y una de las favoritas de los fans en los directos del grupo y la mas intima y delicada “Fugazi”, un digno colofón a un extraordinario álbum de neo progresivo, considerado una de las obras cumbres del genero.

Thin Lizzy-Bad Reputation (1977)

Thin Lizzy son considerados hoy en día como una de las mas grandes bandas de hard rock de la historia, pero sin embargo no siempre fue así. Durante gran parte de su carrera, fueron asiduamente infravalorados y vapuleados por la prensa británica en comparación con otras bandas coetáneas.
Liderados por el irlandés Phil Lynott, durante sus primeros años hubieron diferentes cambios de formación, desde la primera que publicaría sus primeras tres obras compuesta por el guitarrista Eric Bell y el batería Brain Downey, junto al mencionado Phil Lynott al bajo y voz, hasta su ultimo álbum publicado en 1983, pasaron ilustres guitarristas como Gary Moore, Scott Gorham, Brian Robertson, Snowy White, John Sykes o el teclista Darren Wharton. “Bad Reputation” fue el octavo trabajo del grupo que venia precedido del meritorio “Johnny The Fox”, un álbum que no obtuvo el mismo reconocimiento que el anterior “Jailbreak”, en parte debido a los experimentos conceptuales. Para este “Bad Reputation”, la banda contaba además de Downey y Lynott con los guitarristas Robertson y Gorham y fue producido por Tony Visconti, quien venia de producir el álbum “Heroes” de David Bowie de aquel mismo año. Este es sin duda el trabajo mas duro y agresivo de Thin Lizzy de toda su carrera, sin embargo toda esa contundencia no esta exenta de las atractivas melodías. como demuestra la emocionante “Soldier Of Fortune”, además de esta icónica canción destacan la hipnótica “Southbound”, la irresistible “Dancing In The Moonlight”,con ese ritmo pop, la cruda “Bad Reputation”, la frenética “Killer Without A Cause”, la medio tiempo “Downtown Sundown”, o la enorme “Opium Trail”, que dan como resultado final un disco tan brillante como indispensable dentro del hard rock.

Hawkwind-Warrior On The Edge Of Time (1975)

Con su quinto álbum, Hawkwind continuaron por su viaje progresivo y lisérgico que ya habían comenzado con el anterior “Hall Of The Mountain Grill”. En este “Warrior On The Edge Of Time”, aglutinan todo lo atractivo que Hawkwind habían hecho hasta ese momento, aquí están presentes, cargados siempre de pura letra poética (exagerada si se me permite), temas repletos de sonidos de flautas, ecos, saxos, guitarras lisérgicas y cortantes, bajos difusos, electrónica diversa con sintetizadores apabullantes y mellotrones por doquier, en un asombroso álbum conceptual basado en historias de magos y guerras espaciales, todo ello inundado de música psicodélica.
Pero además del siempre enrevesado estilo de la banda, estaban sus continuos cambios de formación, y para este no seria diferente con el abandono del teclista Del Dettmar y la incorporación de un segundo batería, Alan Powell, factor que se vería reflejado en los contundentes y variados sonidos de percusión en gran parte de los temas. La inicial y deudora del mejor krautrock “Assault & Battery/ The Golden Void”, nos sumerge en una compleja composición con una tormentosa lluvia de sonidos de mellotrón combinados con un pesado ritmo donde aparecen flautas y órganos y una gran línea de bajo. “The Wizard Blew His Horn”, es básicamente unas palabras de introducción del escritor de ciencia ficción Moorlock bajo un manto de sonidos estridentes y surrealistas y es la antesala de la hipnótica y espacial “Opa-Loka”, a esta le sigue la frenética progresiva “Magnu”, con unos excelentes riffs y grandes percusiones que dan paso a la mas espacial y electrónica “Spiral Galaxy 28948”, para terminar con los cortes mas puramente rock “Dying Seas” y “Kings Of Speed”.
“Warrior On The Edge Of Time” esta considerado una de las mejores aportaciones de Hawkwind a la historia y una pequeña obra maestra del space rock. A partir de aquí y siguiendo la estela de las continuas deserciones, el bajista Lemmy Kilmister abandonaría la banda, (en realidad fue expulsado por contrabando de drogas, y por sus enfrentamientos con el resto de los miembros por diferencias musicales), para algún tiempo mas tarde fundar la icónica formación de heavy metal, Motorhead.

Nazareth-No Mean City (1979)

A mediados de los setenta, Nazareth derivaba su sonido hacia derroteros mas melódicos, lo que les restaría cierta credibilidad entre la comunidad del hard rock y entre sus propios fans, por lo que con “Expect No Mercy” (1977), volvieron a endurecer su sonido con álbum repleto de temas de potente hard rock. Un año después volverían a repetir la formula con “No Mean City”, el décimo trabajo cronológicamente de la banda. Por entonces los escoceses se habían ampliado con la incorporación del guitarrista y ex miembro de The Sensational Alex Harvey Band, Zal Cleminson, dándole con ello una mayor profundidad al estilo inconfundible de Nazareth. Repleto de momentos memorables como la hard rock irresistible “Simple Solution”, que de alguna manera nos recuerda estructuralmente al tema “Free Wheeler” del legendario “Loud ´n´ Proud” de años atrás, mientras la enérgica “Just To Get Into It” y la oscura y pesada “Claim To Fame”, vuelven a dejar ese regusto de la banda por el hard rock contundente y poderoso. Por su parte la rítmica “No Mean City (Parts 1 & 2)”, nos devuelven a los Nazareth mas dinámicos. En el lado opuesto están “May The Sunshine” y “Star”, piezas con acercamientos al folk donde alternan los sonidos acústicos con estribillos pegadizos.
Pese a la buena recepción por parte de sus fans, la banda optaría con el siguiente álbum "Malice In Wonderland" volver a juguetear con los sonidos AOR, combinando el sonido del rock melódico con potentes temas de hard rock y que supuso la aceptación o resignación (según se mire), de algunos sectores de su amplia legión de seguidores.

Toto-Hydra (1979)

Después del enorme pelotazo que supuso el debut de Toto con su álbum homónimo, la banda norteamericana se decantaría por seguir explorando sonidos y no estancarse en el rock melódico orientado a los hits de las radio formulas. Al contrario que ocurriera con su debut, en su segundo larga duración no seria el teclista David Paich quien tomara las riendas de las composiciones de manera unilateral, como había ocurrido en aquel, aquí de los ocho temas que componen el álbum, cuatro de ellos están firmados por el resto de la banda, mientras el propio Paich escribiría las cuatro restantes, y participaría como co-escritor en las otras cuatro.
Debido a las preferencias por parte de David Paich por el rock progresivo, en “Hydra” se observan temas mas complejos y ambiciosos como la inicial y progresiva “Hydra” que concluye en la siguiente “St George and The Dragon”, en una especie de pequeña suite conceptual. Con “99” la banda vuelve en donde mejor saber nadar, el AOR melódico y adictivo, acabando la primera cara con la épica y dinámica “Lorraine”. Para la segunda cara del álbum la banda se reserva los temas mas rock como “All Us Boys”, un híbrido entre el hard rock y el rock melódico, la enorme “Mama”, la potente “White Sister” y la balada “A Secret Love”, que dan por finalizado un lanzamiento que tuvo una menor recepción comercial que su debut, pese a que musicalmente es muy superior. Aún así, “Hydra” alcanzaría altos puestos en las listas con un disco de oro y otro de platino .

Budgie-Squawk (1972)

Ya estaba tardando en hablar de una de las mejores formaciones del hard rock británico como fueron los galeses Budgie, los cuales publicaron una serie de discos casi todos hoy en día considerados obras de culto en la comunidad del proto hard rock y heavy metal germinal.
Fundados casi a finales de los sesenta en Cardiff, su primera formación estaba comprendida por el bajista Burke Shelley, el batería Ray Phillips, y los guitarristas Brian Goddard y Tony Bourge. Ya en 1971 publicaron su primer álbum bajo el sello MCA en donde ya no aparecería Goddard, reafirmando con ello la configuración de potente power trío. En este primer álbum Budgie muestra de manera aun muy temprana su efervescente hard rock con poderosos riffs de guitarras y continuos cambios rítmicos. Un año después y bajo el mismo sello llega “Squawk”, que con una estupenda portada de Roger Dean, es la confirmación definitiva a la progresión y madurez del grupo, con sobresalientes cortes como la progresiva “Young Is A World”, con grandes pasajes de teclados, o las poderosas “Whisky River”, “Hot As A Docker´s Armpit”, “Drugstore Woman” o la pesada “Stranted”, mientras la bucólica “Make Me Happy, pone el acento melódico a este interesante disco de los galeses. Un año después llegaría la obra cumbre de la banda y uno de los mejores discos de la década de los 70, el monumental “Never Turn Your Back On A Friend”.

Bad Company-Bad Company (1974)

No cabe duda de que Bad Company fueron uno de los acontecimientos mas impactantes de la música rock en la década de los setenta. El glorioso pasado de sus cuatro componentes era ya de por si un reto que difícilmente seria irresistible al publico en general. Esta superbanda surgió de las cenizas de los incombustibles Free, en ella estaban el vocalista Paul Rodgers y el batería Simon Kirke, a los que se unieron el ex bajista de King Crimson, Boz Burrell y el ex guitarrista de los Mott The Hopple Mick Ralphs. Esta banda de hard rock era una dura competencia para coetáneas como Humble Pie, Nazareth, Ten Years After, Deep Purple o Led Zeppelin y seria precisamente el sello propiedad de esta ultima, la Swan Song, quienes les contratarían y les publicaron su primer y antológico debut. Grabado durante los meses de finales de 1973 en los Headley Grange en Inglaterra, su recepción seria todo un acontecimiento, logrando un sorprendente numero uno en las listas norteamericanas y un tercer puesto en las británicas, en parte debido al bombazo que supuso el hit “Can´t Get Enough” todo un clásico de la música rock. Sin embargo este álbum no solo vivía de este magnifico y poderoso tema, en el aparecían otras canciones de gran calibre como la soberbia “Rock Steady”, la bluesy “Ready For Love”, la soul rock “Don´t Let Me Down”, la melódica “Bad Company”, la blues “The Way I Choose” o la contundente “Movin´On”. A partir de aquí la carrera del grupo seria meteórica, con cinco álbumes mas que superaron los 11 millones de copias vendidas. Ya entrada la nueva década de los ochenta Paul Rodgers decidiría dar por terminada su aventura con Bad Company para dedicarse a otros proyectos de menor envergadura y el resto seguir con la banda y continuos cambios de formación, derivando su clásico estilo de blues rock, hacia derroteros mas orientados hacia el hard rock melódico, con un éxito moderado, pero lejos de las excelencias de sus primeras obras.

The Moody Blues-Long Distance Voyager (1981)

Durante gran parte de la segunda mitad de los setenta, The Moody Blues apenas tuvieron actividad, mas allá de la publicación del álbum “Octave” en 1978 y algunos trabajos en solitario de varios de sus integrantes. Y es que después de casi quince años de actividad con ocho álbumes publicados y millones de discos vendidos, la banda se había tomado su carrera con parsimonia y tranquilidad. Pero seria justo cuando muchos vaticinaban su desaparición y que ya no volverían a saber de aquella fantástica banda que había asombrado al mundo a finales de los sesenta y principios de los setenta, con obras fundamentales dentro del panorama del rock progresivo, volvieron a verles publicando su noveno álbum titulado “Long Distance Voyager”, un titulo cuanto menos reflexivo y regresando con ello y de manera triunfal al mundo del rock.
Por entonces la banda ya no contaba entre sus filas con el teclista Mick Pinder, que fue sustituido por el ex componente de Yes, Patrick Moraz, el resto lo componían los habituales Justin Hayward a las guitarras y voz, John Lodge, bajo y voz, Ray Thomas, flauta, harmónica y voz y Graeme Edge a la batería. En este nuevo álbum la banda mostraba una gran vitalidad, producto principalmente de la participación de los sintetizadores de Moraz, dotando a la música de un gran sonido vibrante y espectacular, en donde además de los teclados, son las guitarras, las principales protagonistas, todo ello junto a las irresistibles voces de sus tres cantantes principales, Hayward, Lodge y Thomas.
Desde el inicio con las vibrantes “The Voice” y “Gemini Dream”, la banda demuestra que no han perdido el talento para hacer formidables canciones, pese a su casi eterno retiro. Otros temas como las sublimes “Taking Out Of The Turn”, “In My World”, "Nervous" o la épica “22,000 Days”, auparon al álbum hasta las primeras posiciones de las listas norteamericanas, canadienses y británicas, con una ventas que superaron con creces los dos millones de discos a nivel mundial.

Incredible Hog-Volume 1 (1973)

Incredible Hog fueron una efímera banda británica, que solo publicaron un álbum repleto de grandes dosis de blues rock a principios de la década de los setenta. Formado por el guitarrista y cantante Ken Gordon, el bajista Jim Holmes y el batería Tony Awin, ellos lograron publicar un solido disco en donde las influencias bluesy y el hard rock se dan la mano en laboriosos temas como la soberbia “Lame”, mientras la hipnótica “Execution” da un respiro al acelerado ritmo que a continuación suscriben con poderosos temas hard blues como “Tadpole”, “Another Time” o “Warning” , para bajar unos decibelios con las mas pausadas “Walk The Road” y “Theres A Man”. Sin embargo como ya hemos comentado en cientos de ocasiones, esta fue otra banda que pasaría sin pena ni gloria por los anales del rock y que en la actualidad son tan reivindicadas por los fans afanosos de buscar oscuros grupos de poca repercusión mediática pero de enorme calidad.

Jim Capaldi-Let The Thunder Cry (1981)

A estas alturas es difícil encontrar a alguien quien no conozca a Jim Capaldi, el legendario batería de los míticos Traffic, con quien publico obras tan emblemáticas como “Mr Fantasy”, “John Barleycorn Must Die” o “The Low Spark Of High Heeled Boys”, además de colaborar para otros grandes artistas como su ex compañero en los Traffic, Steve Winwood, o grandes como Eric Clapton o George Harrison entre otros.
Su carrera en solitario comenzaría aún estando inmerso en Traffic con el álbum “Oh How We Danced”, en donde mostraba su gran talento como compositor y multiinstrumentista, creando álbumes brillantes con estupendas composiciones que sin definirse por un estilo concreto, siempre fueron bien recibidos por los fans y la critica.
En 1981 llegaría su octavo álbum “Let The Thunder Cry”, en donde Capaldi obtendría la ayuda de sus ex compañeros de Traffic, Steve Winwood y Rebop Kwaku Baah, además de Mel Collins y Andy Newmark, ocupándose Capaldi de las voces, guitarras y la producción.
Un disco que resalta por su exquisita producción y en donde temas como la inicial y poderosa “Let The Thunder Cry” contrastan con las pausadas y brillantes baladas “Child In The Storm”, “Warm”, “Old Photographs” o “Bright Fighter”, mientras su faceta melódica la encontramos en la rítmicas “Favela Music”, “Only Love”, “Dreams Do Come True” o “We Don´t Need”, todos ellos con la arrebatadora voz de Capaldi y unos coros irresistibles, constituyendo con todo ello un trabajo esencial en la música rock.

The Alan Parsons Project-Pyramid (1978)

El tercer álbum de The Alan Parsons Project "Pyramid", es sin duda su obra mas compleja en el plano de producción y arreglos por parte de Alan Parsons. Como ya era habitual en los trabajos de este proyecto, esta tercera entrega también es una obra conceptual, esta vez enfocado en las pirámides de Egipto y toda la magia que rodea esos espectaculares símbolos de la humanidad y sus leyendas.
Para esta tercera entrega Parsons contaría de nuevo con gran parte de su habitual equipo de colaboradores, empezando como no podía ser de otra manera por su mano derecha Eric Woolfson, en la composición, teclados y voces, además de los asiduos Ian Bairnson a las guitarras, David Patton al bajo y voz, Stuart Elliot a la batería, Duncan Mackay a los sintetizadores y los vocalistas John Miles, Colin Blunstone y Lenny Zakatek, entre otros músicos no tan habituales como los cantantes Dean Ford y Jack Harris. Dejando de lado la trama conceptual del álbum, musicalmente Parsons logra aquí un esfuerzo musical cargado de múltiples efectos de sonidos que proporcionan al oyente una fascinación permanente en su escucha, con algunos de los mejores pasajes de la banda en toda su carrera. La instrumental “Voyager” da inicio con un maravilloso tono fascinante y un ritmo palpitante, este tema deriva en la brillante “What Goes Up” cantado por David Patton de manera sublime. “The Eagles Will Rise Again” por su parte es un tema de gran belleza melancólica e irresistible cantada por Colin Blunstone, quien repetiría algún tiempo después en la maravillosa “Old & Wise” del álbum “Eye In The Sky”. La también brillante “One More River”, esta rodeada de abundantes arreglos espectaculares y unas grandes guitarras. La efectiva “Can´t Take It With You” es el colofón final a una primera cara sublime. La segunda cara comienza con la épica instrumental “In The lap Of The Gods”, en donde pese a su pomposidad carece de la fascinación de la primera parte del disco, “Hyper Gamma-Spaces”, el tema mas emblemático del álbum, es un corte de claro acento space rock con una gran variedad de sonidos electrónicos y un ritmo frenético, esta ultima seguía a la intranscendental y hasta cierto punto fuera de lugar “Pyromania”, acabando con las soberbias “In The Lap Of The Gods” y la preciosista y melancólica “Shadow Of The Lonely Man”.
Hoy en día "Pyramid" esta valorado en su justa medida, sin embargo en su momento tanto la critica como los fans, lo consideraron un álbum de menor envergadura comparado con otras obras de mayor impacto como fueron “I Robot” o “The Turn Of A Fiendly Card”, sin dejar de nombrar su obra maestra “Tales of Mystery and Imagination” o el mas comercial y adictivo “Eye In The Sky”,  aunque finalmente este "Pyramid" ha terminado siendo reconocido como uno de los mayores aportes a la discográfica del grupo.

David Bowie-The Man Who Sold The World (1970)

El tercer álbum de David Bowie supuso entre otras cosas el inicio de su singladura glam, aunque en cierta medida también es uno de sus trabajos mas duros, dotando su música con un contundente hard rock, un estilo que por aquellos años era el máximo exponente en el mundo del rock. En este nuevo álbum el duque blanco empezaba a decantarse por los sonidos que en los siguientes años lo encumbrarían para siempre, como pronto se comprobaría con el icónico “Ziggy Stardust”. Para empezar en “The Man Who Sold The World”, ya aparecen varios de los futuros miembros de los Spiders and Mars, por un lado el guitarrista Mick Ronson y por otro el bajista y arreglista además de productor, Tony Visconti, ambos serian piezas fundamentales en este lanzamiento. Publicado por el sello Mercury en los Estados Unidos, fue publicado casi a finales de 1970, mientras el sello RCA lo publicaría en el Reino Unido (y a la postre a nivel mundial), seis meses después en abril de 1971.
Un álbum que se inicia de manera arrolladora con “The Width Of A Circle”, un titánico tema de cerca de nueve minutos de poderoso rock, en donde Ronson da muestras de sus cualidades con las seis cuerdas, en un tono parecido esta la frenética “Black Country Rock”, y la orquestal y melódica “All The Madmen”, por otra parte “Saviour Machine” es una extraña pieza entre lo gótico y lo psicodélico, mientras que “She Shook Me Cold” es la rara excepción, un extraño instrumental caótico que podría pensarse que fue grabado como tema de relleno para cumplimentar el minutaje final del álbum. Las dos ultimas piezas son la hechizadora “The Man Who Sold The World” y la poderosa “The Supermen”.
Este tercer álbum se convirtió en una de las mejores obras de David Bowie y el preludio de sus trabajos de mayor creatividad musical como el mencionado “Ziggy Stardust” o los fantásticos “Aladin Sane”, “Hunky Dory” y “The Rise And Fall Of Zigyy Stardust And The Spiders Of Mars”.

The Eagles-The Long Run (1979)

Pocas bandas pueden presumir de vender 10 millones de copias de un disco y considerarlo un pequeño traspiés o lo que es lo mismo un fracaso. Eso mismo fue lo que ocurrió con “The Long Run”, el sexto álbum de The Eagles, publicado en 1979 y sucesor del monumental “Hotel California”, álbum este que por entonces, justo cuando se publicaba su sucesor, ya llevaba la friolera de cerca de los 7 millones de copias vendidas, con un total de mas de 35 millones de copias a nivel mundial hoy en día. Pero no solo en el plano comercial, este “The Long Run” supuso un paso atrás en la carrera del grupo, sin dejar de ser un gran álbum y en muchas faces del mismo incluso soberbio, perdería parte de las excelencias del “Hotel California” y en cierto modo la frescura y la creatividad del mencionado trabajo.
Un lanzamiento que por otra parte fue duramente maltratado por la critica norteamericana y que lejos de las injustas criticas, es cierto que contiene una serie de temas que son bastante previsibles, mientras otras pudieron perfectamente haber pertenecido a cualquiera de sus grandes obras. Temas del calibre de “Heartache Tonight”, “The Long Run”, “The Sad Cafe” o “I Can´t Tell You Why” son parte de las mejores canciones de The Eagles y que definieron a este álbum de manera brillante al mismo tiempo que injustamente infravalorado por parte de sus fans. El principal hándicap de este trabajo fue sin duda el mayor protagonismo a la hora de experimentar con la electrónica, con un uso mucho mas pronunciado de los teclados, pero aun así la banda sigue mostrando grandes pasajes instrumentales y unas sobresalientes armonías vocales como queda demostrado en “In The City”, mientras su faceta rock la tenemos en la magnifica y oscura  “King Of Hollywwod”, la hipnótica “Those Shoes” o en la cadenciosa “Teenage Jail”.

Burning Candle-Burning Candle (1981)

Interesante banda alemana de claro corte progresivo fundada a mediados de los 70 por Hans Neuber (teclados), Rolf Vitzthum (batería) y Klaus Scmidt (guitarras y bajo). Ellos se convirtieron durante algún tiempo en una de las sensaciones del rock alemán.
Su sonido estaba claramente emparentado por sus coetáneos británicos Emerson, Lake and Palmer, sin duda gracias al teclista Neuber, músico de formación clásica, por lo que también hay muchos elementos del jazz y la música clásica en todo su trabajo. Su único álbum se convirtió en un articulo de colección debido a las pocas copias que se pusieron a la venta y al enorme potencial musical que ellos ofrecían. Publicado en 1981, las composiciones contenidas en este disco datan de mucho años antes, la banda se había separado en 1978 y se volverían a reunir para la grabación de este brillante álbum, en un momento en el que el rock progresivo no estaba en su mejor momento, lo que resulta curioso observar como música compuesta en plena fiebre de la música progresiva fue lanzado justo cuando ese genero había perdido parte de su encanto.
En este destacan temas como "Stranger", una clara muestra de la escuela alemana del prog sinfónico donde aparecen elementos que nos recuerdan a los mencionados ELP, el resto se acercan a sonidos mas emparentados a lo que otras bandas germanas hacían la década anterior como Eloy, Ramses o Novalis. El órgano esta presente en la mayoría de los cortes con movimientos que se asemejan a Keith Emerson como queda demostrado en la soberbia "Eternal Faith". En "The Appearance Of The Ghosts" demuestran su poderoso rock sinfónico con vibrantes guitarras y sintetizadores con continuos cambios rítmicos, para acabar con la acústica " Mosella" un claro guiño al "Mood for a Day" de Yes y con la epopeya progresiva "Expedition To The Sun" una clara muestra de la fusión de todos los estilos y géneros influenciados.
Burning Candle es otro de esos ejemplos de que por alguna extraña razón no tuvieron la suerte de cruzar las fronteras y llegar al poderoso e influyente mercado británico y tener el merecido éxito que le correspondía en su momento a este magnifico y olvidado grupo.

Genesis-A Trick Of The Tail (1976)

"A Trick Of The Tail” supuso la primera prueba de fuego de Genesis tras la marcha de Peter Gabriel, y no solo resulto un paso adelante en la carrera del grupo, si no también su álbum mas exitoso hasta ese momento. Y es que lejos de los rumores de la separación de la banda después de la marcha de su carismático vocalista, la banda optaría por no reclutar a uno nuevo que se ajustara a sus necesidades, sino que fuera Phil Collins, hasta ese momento el baterista del grupo, quien tomara ese rol aprovechando las dotes de buen cantante que ya había mostrado anteriormente en temas como “More Fool Me” o “ For Absent Friends” de los álbumes “Selling England By The Pound” y “Nursery Cryme”. Además Collins podía ejercer de frontman en directo de manera ideal, debido a su experiencia como actor teatral que había ejercido algunos años antes de dedicarse al mundo de la música. Sin embargo también habría que matizar que de alguna manera, el abandono de Peter Gabriel supondría una especie de alivio para el resto de la banda, debido a las ya deterioradas relaciones personales que el cantante tenia con sus compañeros. “A Trick Of The Tail” fue grabado durante los últimos meses de 1975 en los estudios Trident de Londres y el resultado final fue un magnifico álbum de rock progresivo muy influenciado por los sonidos del folk británico, manteniendo intactas sus habilidades como banda de altísimo nivel. Phil Collins demostraría que no solo podía suplir a Gabriel, sino también que podía asumir el rol de líder aunque aún de manera muy sutil.
También en el plano compositivo la banda sale reforzada con un mayor protagonismo de todos sus integrantes y una mayor relevancia instrumental de cada uno de ellos, empezando por los teclados de Tony Banks y la guitarra de Steve Hackett.
Musicalmente el álbum en si es una pequeña obra maestra, que sin compararlos con sus obras anteriores, muestra a un grupo que mantiene una calidad altísima, tanto instrumentalmente como a la hora de componer nuevo material, todo ello queda demostrada en la inicial y majestuosa “Dance on a Volcano”, un soberbio tema que deja claro las intenciones del grupo queriendo decir con ello que no estaban acabados. El resto es una amalgama colección de sobresalientes piezas como la encantadora balada “Entrangled”, la rock “Squonk”, la intimista “Mad Man Moon”, la teatral y dinámica “Robbery, Assault and Battery”, o la emotiva “Ripples”, para terminar con la refinada y comercial “ A Trick Of the Tail” y la progresiva “Los Endos”.
Contra todo pronostico, (principalmente desde el punto de vista de los mas puristas y ortodoxos ), este álbum alcanzaría grandes elogios por parte de la prensa especializada y una enorme recepción comercial por parte del publico, logrando varios discos de oro a ambos lados del Atlántico.

Universe-Universe (1971)

La historia de esta banda es bastante intrigante, relegados a un segundo plano en su país natal Inglaterra, se dedicaron a dar conciertos por el norte de Europa y durante una gira por Noruega, coincidieron con un extraño personaje que se ofreció a grabarles un disco en su estudio casero, el cual fue publicado en una limitadísima edición de unos pocos cientos de copias, hoy en día muy cotizado para los avispados coleccionistas de vinilos y de la música blues y rock.
Originarios de Cardiff, esta banda se había formado a finales de 1968 como una formación de blues llamada Spoonful. Varios años después cambian su nombre por el definitivo de Universe y seria en 1971, cuando estando de gira por Noruega grabaron y lanzaron su único álbum titulado homónimamente.
Universe estaba formado por el guitarrista, vocalista y harmónica Steve Finn, el guitarrista Mike Lloyd, el bajista John Healan, el baterista Rob Reynolds y el organista Mike Blanche.
Ellos practicaban un heavy rock progresivo como bien lo demuestran en su único trabajo, donde sobresalen la blues psicodélica "Twilight Winter", la heavy blues "Universe", la blues progresiva "Spanish Feeling", con ese regusto andaluz que aporta la interacción de la guitarra española y el ritmo criollo o la blues cadenciosa "The Annexe".
Ya de vuelta en el Reino Unido y con el álbum bajo los brazos, giraron con bandas punteras como Fleetwood Mac, Rory Gallagher, Jethro Tull, Yes o Black Sabbath entre otras muchas mas.
La edición original de este disco se convirtió en uno de los álbumes de blues progresivo mas extraños de la historia, para empezar por la limitada tirada y en segundo lugar por el extraño sello que fue publicado (Experience Records), de cual nunca se supo nada mas, de hecho solo edito y publico este, además de que apenas ofrecía información alguna sobre los músicos y otros datos de interés en su escueta y minimalista portada. Posteriormente ya en 1972 esta banda se disolvería definitivamente sin dejar rastro de la suerte posterior de todos sus integrantes.

Nutz-Hard Nutz (1977)

Fundados en 1970, Nutz fueron una banda de hard rock que tuvieron sus momentos de gloria cuando fueron elegidos para telonear algunos conciertos de UFO, Black Sabbath y Budgie a mediados de los 70 y una memorable actuación en el Reading de 1976.
Originarios de Liverpool, esta banda fue creada por el guitarrista Mick Davenport que junto al batería Jon Maylett y al bajista Keith Mulholand se fomentaron una amplia legión de seguidores actuando de manera fija en el mítico Cavern Club. Casi al mismo tiempo y gracias a un anuncio de televisión localizaron al cantante Dave Lloyd quien a partir de este momento se convierte en el vocalista principal. Durante un tiempo la banda establecería su residencia en el propio Cavern Club, grabando durante el día y actuando por las noches. Gracias a sus actuaciones son requeridos por la A&M Records con quienes publican su primer álbum que no obtiene la expectativas depositadas en ellos. Su siguiente álbum “Nuz Too” publicado en 1975, obtiene mejores resultados gracias en parte a una mejor producción y a los extraordinarios temas “Changes Coming” y “The Love That You Lost”, esta ultima con la colaboración del ex miembro de Free, John “Rabbit”. A Partir de aquí la banda se embarca en una larga gira por los Estados Unidos a pesar de que ninguno de sus dos álbumes habían sido publicados en el mercado norteamericano.
De vuelta a Inglaterra son los elegidos para telonear a Black Sabbath en su tour británico apoyando al álbum “Technical Ecstasy”, esta gira les beneficia para ser incluidos en el Festival Reading de ese mismo año. Para entonces la banda se había ampliado con el teclista Kenny Newton, con quien graban su tercer álbum y a la postre su mejor obra, “Hard Nutz”. Este tercer lanzamiento presentaba a una banda mucho mas madura, con unas composiciones que rebozan de gran calidad y al mismo tiempo de potente hard rock. Además de los poderosos riffs de guitarra, unas voces adictivas y la contundente sección rítmica, son los teclados los que dan una cohesión irresistible a un álbum memorable. Temas frenéticos como “Seeing Is Believing” y “Wallbanger” contrastan con los hard rock melódicos “Down On My Kness”, “Beast Of The Field”, “Loser” y “I Know The Feeling”, mientras en “From Here To Anywhere” la banda se acerca a sonidos mas complejos y progresivos. Una posterior gira con Budgie, la grabación del tema “Bootliggers” para la legendaria recopilación de la NWOBHM “Metal For Muthas” y la publicación de varios álbumes en vivo, fueron las ultimas aportaciones discográficas de esta magnifica y olvidada banda británica.

Jethro Tull-Stand Up (1969)

“This Was” había supuesto un gran éxito para Jethro Tull y era evidente que la carrera del grupo empezaba con buen pie tanto en el plano comercial como en las criticas favorables vertidas con ese debut. Sin embargo para su segundo álbum publicado casi un año después, “Stand Up”, la banda sufriría su primera baja, el guitarrista Mick Abrahams, uno de sus líderes, abandonaba por sus continuas discrepancias con el otro líder de la banda, Ian Anderson. Así pues, con el abandono de Abrahams, Anderson se consolidaba absolutamente con la tutela del grupo, con ello el multifacético flautista y cantante del grupo, tenia la total libertad para cantar, componer y incluso co-producir el nuevo álbum. Para la sustitución de Abrahams, se recurriría a Martin Barre, un joven guitarrista que procedía de una banda londinense de blues rock llamada Gethsemane, además de la colaboración del arreglista y posteriormente miembro oficial de la banda, David Palmer.
Para este nuevo trabajo Anderson conduce su música hacia nuevos horizontes, como el folk y la música clásica sin olvidarse de las raíces de blues y jazz de su primer álbum. La contribución de Martin Barre también es primordial en el cambio estilístico, otorgándole el toque rock a los estilos que Anderson imprime en este nuevo lanzamiento. “Stand Up” comienza dejando la impronta de su anterior obra, con el blues rock “A New Day Yesterday”, el folk viene de la mano de “Jeffrey Goes To Leicester”, mientras en el plano mas bucólico y acústico están presentes en “Look Into The Sun” y “We Used To Know”, (este tema por cierto con ciertas similitudes al famoso “Hotel California” de The Eagles de siete años después...), por otra parte son “Bouree”, “Back To The Family” y la rock blues “For A Thousand Mothers”, los cortes mas potentes del álbum, dejando a “Nothing Is Easy” como la pieza mas compleja y progresiva.
“Stand Up” se convertiría en uno de los grandes álbumes de Jethro Tull, obviamente por debajo de sus grandes obras, teniendo en cuenta de que aún Ian Anderson estaba empezando a consolidar un estilo que con los años seria único e inconfundible.

Clear Blue Sky-Clear Blue Sky (1970)

Clear Blue Sky eran un power trío británico de corto recorrido que publicaron un solo álbum en los setenta, pero que sin embargo fueron durante algún tiempo la sensación en el circuito  del blues rock británico. Formado por el guitarrista John Sims, el batería Ken White y el bajista Mark Shealther, tuvieron su primer gran éxito en un concurso de talentos celebrado en Londres. A partir de aquí, telonearon a artistas de gran renombre como el irlandés Rory Gallagher o los británicos Free. Sus excelentes cualidades instrumentales no pasaron inadvertidas para la bajista Ashley Kozak, por aquel entonces, además de su faceta como instrumentista, también ejercía como manager de diferentes artistas para el sello NEMS, propiedad de Brian Epstein. Finalmente ella conseguiría ficharlos para el sello Vertigo y les financia su álbum debut y homónimo que fue publicado en 1970. Bajo la producción del por entonces experimentado Patrick Campbell-Lyons y con una portada de un desconocido Roger Dean, la banda mostraba un interesante estilo de hard rock psicodélico con pasajes muy elaborados en donde la guitarra toma siempre el protagonismo con sus incendiarios riffs.
Un álbum que comienza de manera arrolladora con la saturada “Journey To The Inside” que dividida en varias partes es el tema mas extenso del disco con continuos cambios de ritmo, para seguir con cortes como la psicodélica "You Mystify” o las mas melódicas y relajadas “Tool Of My Trade” y “My Heaven”, para terminar con la hard rock “Birdcatcher”. Sin embargo pese a la gran calidad de la banda y de este enorme debut, las escasas ventas y el poco interés de publico en general hizo desistir a estos tres jóvenes músicos a seguir adelante, disolviéndose poco tiempo después. Muchos años mas tarde, en la década de los noventa volverían a publicar nuevo material en una serie de discos que no tuvieron repercusión mediática.

Chicago-V (1972)

En 1972 Chicago llevaba tres dobles álbumes publicados y un cuádruple directo, todos ellos números unos en las listas norteamericanas y todo esto en apenas tres años desde la fundación de la banda en 1969.
Para su cuarto álbum decidieron abandonar el formato de doble LP y centrarse en uno sencillo, además de ello, optaron por acortar los largos temas de improvisación y las largas suites, por unos temas mas cortos, siempre dentro del estilo inconfundible de jazz y rock tan característico de Chicago.
También aquí Robert Lamm tomo mucho mas protagonismo a la hora de componer, suyas son ocho de los diez temas del álbum, mientras Terry Kath y James Pankow se reparten las dos restantes. Otro de los cambios significativos es que ya aquí aparecen temas orientados hacia los sonidos mas comerciales que en los años sucesivos serian su seña de identidad, con un estilo enfocado hacia el soft rock como “Dialoque (Part.I)”, mientras el tema compuesto por Pankow “Now That You´ve Gone” sigue una la línea continuista a los anteriores trabajos del grupo. En esa misma onda de jazz rock se encuentran “A Hit By Varése”, “Saturday In The Park” o “State Of The Union”. Por otro lado las aterciopeladas “All Is Well” y “Goodbye” muestran la faceta melódica del grupo. “Alma Mater”, la única composición de Terry Kath, es un gran ejercicio de gospel con los sonidos de los metales contundentes tan habituales en sus primeros álbumes.
Con este cuarto lanzamiento Chicago volvieron a situarse en el numero uno de las listas del Billboard con varios discos de platino por sus enormes ventas.

Metallica-Ride The Lightning (1984)

If their debut album had subtly revealed the musical direction Metallica was heading in, their second album left no doubt about it. The intensity and raw power remained in this second release, but they also became more versatile, creating more complex and intelligent music. This shift is evident in the epic and brilliant "Fade to Black" and "Call of Ktulu", two tracks of great instrumental complexity that border on progressive sounds. However, glimpses of the frenetic thrash metal of their first album still lingered in the incredible and intricate "Creeping Death", "Fight Fire with Me", and "For Whom the Bell Tolls". This second album would put Metallica's name on the lips of millions of heavy metal fans around the world and pave the way for them to explore new horizons with great works in the years to come.