Aerosmith-Permanent Vacation (1987)

A mediados de los ochenta Aerosmith estaban sumidos en la decadencia total, sus continuos excesos con las drogas y sus disputas y las idas y venidas de sus miembros, les habían llevado al mas completo oscurantismo.
En 1985 habían publicado el discreto “Done With Mirrors”, con el cual lograrían un disco de oro y lo que es aún mas importante, había vuelto a reunirse la formación original, después de los extraños experimentos que supusieron los álbumes “Nights In The Ruts” y “Rock In A Hard Place”, en los cuales aparecían unos miembros interinos como fueron los guitarristas Jimmy Crespo y Rick Dufay en sustitución de Bard Whitford y Joe Perry.
En “Done With Mirrors”, pese a ser un álbum de transición y no precisamente muy brillante, ya se intuye una notable mejoría con respecto a sus dos anteriores obras, en donde destacaban temas como la vibrante “My Fist Your Face”, la divertida “The Reason A Dog”, las bluesy “Shame On You” y “Shela” o la interesante “She´s On Fire”, las cuales contrastaban con otras mucho mas previsibles y de menor factura creativa.
Dos años después de “Done With Mirrors”, lanzaron el álbum “Permanent Vacation”, el cual supuso el punto de inflexión entre seguir o dar por acabada la carrera del grupo. Aquí y por primera vez, se utilizan composiciones ajenas a la banda de artistas como Desmond Child o Jim Vallance, además de un cambio casi radical en el sonido del grupo, buscando con todo ello una mayor aceptación por parte del publico, un publico que por cierto ya hacia tiempo les había dado la espalda.
Compuesto por una serie de canciones adictivas y enérgicas como la inicial “Heart´s Done Time”, la melódica “Magic Touch”, la rítmica “Rag Doll”, la bluesy “St. John”, la sureña “Hagman Jury” o la contundente “Girl Keeps Coming Apart”.
La recepción posterior de este álbum resucitaría a Aerosmith del ostracismo y los auparía hasta un onceavo puesto en las listas norteamericanas y unas ventas que superaron los cinco millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano y mas de un millón a nivel mundial, una cifra que se quedaría corta con el siguiente y sobresaliente “Pump” de varios años mas tarde.

The Who-Live At Leeds (1970)

“Live At Leeds” es una fantástica demostración de lo que un grupo como The Who eran capaces de hacer en vivo. Considerado uno de los grandes directos de la historia, es todo un documento histórico de la música rock.
Grabado durante la gira británica del doble álbum “Tommy” en el campus de la Universidad de Leeds el 14 de abril de 1970, cuenta con una repertorio cargado de temas emblemáticos de casi todos sus álbumes anteriores, desde la sublime “My Generation”, hasta el clásico de Eddie Cochran, “Summertime Blues”, pasando por “Happy Jack”, “I Can´t Explain”, la fabulosa versión de Mose Allison, “Young Man Blues” o la monumental “Magic Bus”.
Con este fantástico directo de 40 minutos de puro rock, The Who demostraron el por que fueron una de las bandas mas icónicas de la historia y una de las mas ruidosas de todos los tiempos.

Vinegar Joe-Rock´n´Roll Gypsies (1972)

Vinegar Joe fueron otra de esas grandes bandas británicas de corto recorrido de la década de los setenta, que sentaron cátedra con apenas tres álbumes publicados.
Formados en 1970 bajo el nombre de Dada, su primera formación estuvo comprendida por una docena de músicos entre los que destacaban la vocalista Elkie Brooks, el guitarrista Pete Gage, el bajista Steve York, el batería Conrad Isidore, el teclista Dave Thompson o el saxofonista Dave Brooks.
Con esta formación grabarían bajo el sello Atlantic Records, el álbum homónimo “Dada” en 1970, un trabajo repleto de sonidos de jazz, soul, psicodelia y blues, influenciados por el estilo negroide de los artistas del sello norteamericano Stax Records.
Después de una larga gira por Estados Unidos, la banda regresa al Reino Unido y cambia su nombre por el de Vinegar Joe, además de reestructurar la formación entrando el cantante Robert Palmer, el teclista Tim Hinkley y el bateria Rob Tait.
Con un nuevo contrato, esta vez con el sello Islands Records, graban su primer disco bajo su nuevo nombre y titulado “Vinegar Joe”, el cual se convierte en uno de los mejores álbumes del año 1972 en las islas británicas.
Pero después de este disco vuelven a producirse nuevos cambios de integrantes, entrando el guitarrista Jim Mullen, el teclista Mike Deacon y el ex batería de John Mayall, Keef Hartley.
Con esta nueva formación graban su segundo álbum, “Rock´n´Gypsies”, en donde el habitual estilo de la banda de soul y blues, es reforzado por un mayor énfasis en los elementos del rock. Temas como la bluesy “Angel” una versión de un tema de Jimi Hendrix o cortes como las brillantes rock “So Long”, “Buddy Can You Spare Me A Line”, “Falling” o “It´s Getting To The Point”, conforman un trabajo sobresaliente, en donde además de las soberbias interpretaciones vocales de Elkie Brooks y Robert Palmer, es apoyada por una banda excelente en un estado de gracia extraordinaria.
Luego de una exitosa gira por tierras norteamericanas, la banda publicaría el tercer y ultimo disco, “Six Star General”, el cual adolecía en parte de la energía y creatividad de sus dos primeras obras.
Algún tiempo después la banda se disuelve definitivamente, dedicándose casi todos sus integrantes a sus carreras en solitario, destacando sobre todos ellos Robert Palmer, el cual obtuvo un notable éxito con algunos de sus álbumes como “Secrets” (1979), el multi platino “Riptide” (1985) y “Heavy Nova” (1988) o Elkie Brooks, la cual iniciaría una larga y exitosa carrera muy prolífica, logrando situarse entre las mejores cantantes británicas de todos los tiempos.

 

 

Foreigner-Head Games (1979)

En 1979 llegaba el tercer álbum de Foreigner, el cual esta considerado una de sus obras cumbres y al mismo tiempo uno de sus trabajos mas elaborados.
En esta nueva entrega las huestes liderada por Lou Gramm y Mick Jones consiguieron otro notable trabajo que lograría encaramarse hasta la quinta posición en el US Billboard, con unas ventas que superaron con creces los cinco millones de copias.
Además de Lou Gramm (voz) y Mick Jones (guitarra y voces), el resto de la banda estaba formada por el bajista Rick Willis, el guitarrista y teclista Ian McDonald, el batería Dennis Elliott y el teclista Al Grennwood.
Grabado durante los meses de junio y julio de 1979, en los Atlantic Studios de Nueva York, el álbum fue lanzado a principios del mes de septiembre de ese mismo año.
Si bien es evidente que en cierta medida “Head Games” pierde el descaro y el instintivo natural de sus dos anteriores obras, también lo es que aquí nos encontramos con piezas de gran calibre como la pegadiza “Love On The Telephone”, la enérgica “Dirty White Boy”, la boogie rock “Women”, la atractiva hard rock “Seventeen”, la AOR “Head Games”, la preciosista balada “Blinded By Science” o la medio tiempo adictiva “Do What You Like”.
En todos ellas sobresale la sublime voz de Lou Gramm y el sobresaliente trabajo instrumental del resto de la banda, así como la magnifica producción realizada al unísono por Roy Thomas Baker y Mick Jones.

Al Stewart-Past, Present And Future (1974)

“Past, Present And Future”, fue el ultimo álbum de la primera etapa de la carrera de Al Stewart, un período en donde los sonidos acústicos inundaban su estilo de folk con sutiles acercamientos al rock.
Si ya en sus tres anteriores obras había empezado a electrificar su estilo con la colaboración de algunos de los mejores instrumentistas de la época como Jimmy Page, Rick Wakeman o John Paul Jones, en este quinto trabajo se aleja casi totalmente de esas influencias para adentrarse en los arreglos sofisticados y eléctricos con un estilo refinado de elegante folk rock.
Ya en este álbum aparecen varios de sus futuros colaboradores habituales como el guitarrista Tim Renwick y el teclista Peter Wood, además de otros prestigiosos músicos como el teclista de Yes, Rick Wakeman, B.J.Cole o el batería de Queen, Roger Taylor entre otros muchos mas.
Grabado durante los primeros meses de 1973 en los Estudios Trident de Londres, su publicación se produjo con fechas distintas, en octubre de 1973 para el mercado británico y mayo de 1974 para el norteamericano.
Creado a modo conceptual “Past, Prsenet And Future” hace un repaso a casi todas las décadas del siglo XX, en donde el musico escoces aprovecha su gran habilidad de narrador histórico.
Temas como la bellísima “Old Admirals”, la pegadiza “Soho (Needless to Say), la beatle “Terminal Eye”, la melódica “The Last Day Of June 1934” o las arregladas “Roads To Moscow” y “Nostradamus”, impulsaron de manera abrumadora al álbum en el siempre cotizado mercado norteamericano.

Genesis-Genesis (1983)

En 1983 Genesis ya se casi se habían convertido en la banda de acompañamiento de Phil Collins, o por lo menos, sus éxitos en solitario arrastraban de manera parcial, el estilo de la que en la década anterior, fue considerada una de las máximas expresiones del rock progresivo mundial.
“Genesis” como fue titulado este décimo segundo álbum de la banda, fue precedido del anterior trabajo “Abacab”, publicado varios años antes y en donde como ya habían mostrado, se orientaban hacia un estilo enfocado en los sonidos pop rock que el baterista mostraba en sus trabajos en solitario.
Aún así, “Genesis” conserva algunos atisbos del rico pasado progresivo del grupo en algunas de las composiciones del álbum como queda demostrado en los cortes “Second Home By The Sea” o en la oscura “Mama”, e incluso en la compleja “Silver Rainbow”.
En contrapunto a estas, se encuentras las mas pegadizas y comerciales “That´s All”, “It´s Gonna Get Better” o la elaborada “Taking It All Too Hard”.
Al igual que sucedería con el anterior álbum, “Genesis” lograría colocarse en el numero uno de las listas británicas con unas ventas que superaron con creces los seis millones de copias a nivel mundial, logrando un tremendo éxito que sin embargo, seria ampliamente superado por el siguiente “Invisible Touch” de tres años mas tarde.

Scorpions-Tokyo Tapes (1978)

Tokyo Tapes es la culminación de la etapa de los años setenta de la banda germana Scorpions, si bien es cierto que antes de que acabara esta década, publicarían un álbum más como fue “Lovedrive” (1979).
Este fue el primer álbum en directo y el sexto en la discográfica del grupo, así mismo seria el ultimo grabado bajo el sello RCA y el ultimo de su guitarrista Uli Jon Roth quien ya había manifestado la intención de abandonar el grupo.
Grabado durante la gira posterior al álbum “Taken By Force” por tierras niponas, y mas concretamente en el Nakano Sun Plaza de Tokyo los días 24 y 27 de abril de 1978.
Además de Uli Jon Roth, el resto de la banda estaba formada por el vocalista Klaus Meine, el bajista Francis Buchholz, y el batería Herman Rareball, cerrando la formación el guitarrista Rudolf Schenker.
A diferencia del sonido del heavy metal característico de la década de los ochenta, aquí se puede observar el hard rock setentero de la banda con piezas como las monumentales “Pictured Life”, “Polar Nihts”, “In Trance”, “We´ll Burn The Sky”, “Fly The Rainbow”, “Top of the Bill” o “Dark Lady”, además de algunas versiones incendiarias como los clásicos “Hound Dog” y “Long Tall Sally” o el tema tradicional japonés “Kojo no Tsuki”.

Miles Davis-Kind Of Blue (1959)

Este es uno de los discos capitales del jazz, una obra maestra ejecutada por una serie de músicos talentosos.
Para esta grabación Miles Davis formaría una de las bandas mas icónicas de la historia del jazz, compuesta por John Coltrane en el saxo tenor, Jimmy Cobb a la batería, Paul Chambers en el contrabajo, Cannonball Adderley en el saxofón alto, Bill Evans y Wynton Kelly a los pianos, además de Miles Davis a la trompeta.
Grabado durante los meses de marzo y abril de 1959 en los estudios 30th Street de Nueva York contaría con los productores Irving Townsend y Teo Macero.
Grabado de manera espontánea, este álbum marcaría el inicio del llamado jazz modal, caracterizado por las improvisaciones en las que se utilizan modos o escalas en lugar de los habituales acordes.
Desde su publicación, este es uno de los álbumes mas reeditados de la historia, con constantes ediciones en todos los formatos de audio y al mismo tiempo uno de los discos mas exitosos del mundo del jazz, con unas ventas aproximadas de 6 millones de copias a nivel mundial.

Pot Liquor-First Taste (1970)

Originarios de Baton Rouge en Louisiana, Potliquor fueron una banda que publicaron dos excelentes álbumes enfocados al rock sureño, que sin embargo nunca tuvieron el merecido reconocimiento al competir con muchísimas bandas mas punteras a nivel nacional en su época.
Sus inicios se remontan a 1969, cuando el cantante George Ratzlaff, además de guitarrista y teclados se une al bajista Guy Schaeffer, al guitarrista Les Wallace y al batería Jerry Amoroso y fundan Potliquor.
Poco después un conocido manager de la zona de Baton Rouge llamado Jim Brown, comienza a representarles y les consigue un contrato con un sello local llamado Janus Records, con quienes en 1970 lanzan su primer álbum, “First Taste”.
Producido por el propio Jim Brown, en este debut Potliquor muestra un estilo de boogie rock sureño temprano con acercamientos a los sonidos mas crudos del rock americano y pinceladas de blues y gospel.
Este primer disco contiene una serie de meritorias e interesantes propuestas como la inicial southern boogie rock “Down The River Boogie”, en donde muestran sus ricas armonías vocales, en “Ol´Man River” la banda abraza su educación religiosa con una soberbia interpretación gospel, el rock´n´roll empapado de sonidos criollos aparece en “Riverboat” y el sonido pesado de órgano y blues esta presente en la alucinante instrumental “Toballby”, en la cual utilizan unas exuberantes percusiones al mas puro estilo de Santana.
Los sonidos lisérgicos y ácidos aparecen con “The Raven”, sin duda uno de los momentos cumbres del álbum, una canción épica de sonidos psicodélicos y oscuros.
El blues rock pesado bañado en grandes coros gospel “You´re No Good”, la excelsa “Price 20 cents a Copy” y la stoniana “Driftin”, dejaron un álbum que fue bien recibido y que dio pie a que tres años después volvieran a grabar un segundo titulado “Leeve Blues”, el cual seguía por una senda similar pero con un ligero enfoque mas blues.
Sin embargo estos padrinos del rock sureño no volverían a publicar ningún nuevo disco, pese a que siguieron activos hasta finales de los setenta ofreciendo conciertos por todo el estado de Louisiana, en donde tenían una amplia legión de fans.
 

CCS-CCS (1970)

CCS, abrievatura de Collective Consciousness Society, fue una importante y fundamental banda de brass rock británica de principios de los años 70.
Este enorme grupo, tanto por su calidad como por la cantidad de miembros que la formaban, fue una creación de uno de los padres del blues británico como fue Alexis Korner, quien junto al cantante Peter Thorup y al arreglista John Cameron, quisieron emular los sonidos que provenían de bandas norteamericanas como Blood Sweat and Tears, pero introduciendo elementos de los sonidos británicos del hard rock y el blues rock.
Esta Big Band y al mismo tiempo supergrupo, contaría con varias secciones bien diferenciadas, por un lado, la banda puramente rock y por otra la sección de vientos. Para ello tanto John Cameron como el productor Mickie Most seleccionaron un plantel de músicos entre los mejores de esos géneros que por entonces tocaban en el Reino Unido, empezando por una sección rítmica compuesta por los integrantes de la banda Blue Mink; Herbie Flowers (bajo), Alan Parker (guitarra) y Barry Morgan (batería). Para reforzar aún mas esta sección y otorgarle un sonido mas pesado y contundente también reclutaron al contrabajista Spike Heatley y a Tony Carr como segundo batería, el cual por entonces tocaba en la banda de Donovan.
Sobre esta base de rock se formaría una sección de metales como si de una Big Band se tratase, empezando por una sección de trompetas compuesta por Greg Bowen, Les Condon, Harold Becekktt y Henry Lowther, estos dos últimos sustituidos en el segundo álbum por Tony Fisher y Kenny Wheeler, que por entonces era un joven experimentador y que, unos años después, se convertiría en uno de los mas destacados trompetistas británicos, gracias a sus grabaciones para el sello alemán ECM.
A esta sección se les unirían tres trombonistas; Don Lusher, Bill Geldard y John Marscall, este ultimo también mas tarde seria sustituido por Brian Perrin, cerrando esta sección el trompetista, Neil Sanders, los cuales completaban los metales.
En cuanto a la sección de maderas, (saxos, clarinetes y flautas), reclutaron a algunos de los mas brillantes músicos de la escena jazzistica británica como Harold McNair, Pete King, Danny Moss, Bob Efford y el barítono Ronnie Ross.
En 1970 llegaría el primer álbum de CCS, titulado homónimamente “CCS”, publicado por el sello propiedad de Most, Rak Records y distribuido a nivel internacional por la EMI/Columbia, y el cual contenía composiciones de Cameron, Korner y Thorup, además de algunas versiones como “Living In The Past” de Jethro Tull, “(I Can´t Get No) Satisfaction)" de los Rolling Stones o “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, y de una frenética versión del tradicional “Vade In The Water”, todo un clásico de la música espiritual negra.
Musicalmente este álbum es una de las joyas del sonido jazz rock de principios de los setenta, con una complicada y compleja estructura de composiciones enfocadas al brass rock con sonidos pesados y enérgicos y que en cierta medida le otorgan un tono progresivo a su estilo.
Sin embargo, el tema que los colocó en los charts británicos, fue la mencionada versión de “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin.
Un año después lanzarían un segundo trabajo “CCS II” y en 1973 el tercero y ultimo álbum “The Best Band in The Land”.
Sin embargo poco después y debido a las obligaciones contractuales de muchos de sus miembros con sus bandas respectivas o sus proyectos en solitario además de la dificultad económica de mantener un grupo tan numeroso, desembocaría en la disolución de la banda a principios de 1974.

James Rutledge-Hooray For Good Times (1976)

James Rutledge es conocido por haber pertenecido a una de las bandas mas exitosas del rock sureño como fueron Boodrock, con quienes grabaría los soberbios álbumes “Bloodrock” (1970), “Bloodrock 2” (1971) y “Bloodrock 3” (1971). Una vez terminado la grabación de este ultimo, James decide iniciar su propia carrera en solitario junto al guitarrista John Nitzinger, el cual era uno de los compositores de los propios Bloodrock, quien además ya había lanzado su primer álbum en solitario en 1972.
Sin embargo el proyecto del Rutledge-Nitzinger no consigue el beneplácito de la Capitol Records, discográfica a la cual pertenecían ambos músicos, dejando aparcado un álbum que ya habían terminado sin que este nunca fuera publicado de manera oficial.
Varios años después Rutledge lo vuelve a intentar, esta vez firmando un disco en solitario, en el cual cuenta con la colaboración de los guitarristas, Michael Rabon, Lee Pickins y Tommy Sabona, los bajistas Thom Caccetta y Jim Grant, el batería Dahrell Norris y el teclista Kenneth Whitfield. En esta ocasión tiene mas suerte y la Capitol le produce el álbum titulado “Hooray For Good Times”, que seria publicado en 1976.
En este su único trabajo, Rutledge nos deja un interesante álbum de fusión de diferentes estilos que van desde el country rock, hasta los sonidos polvorientos del rock sureño y algún ritmo funk como queda demostrado en cortes como “Brown Paper Bag”, “Laughin´and Cryin´”, “Sole Survivor”, “Drivin´You Insane” o “Star Trackin´”.

Steve Winwood-Refugees Of The Heart (1990)

Lastrado por su predecesor y multi-platino “Roll With It” (1988), el sexto álbum de Steve Winwood " Refugees Of The Heart", fue injustamente menospreciado por parte de un sector de la critica y de sus fans, al reprocharle la repetición de los esquemas musicales del anterior álbum.
Sin embargo y a pesar de que en cierta medida Steve Winwood continuo explotando los mismos conceptos musicales, no es menos cierto que este sexto disco rebosa de una enorme calidad, con un repertorio cargado de temas accesibles con grandes arreglos instrumentales y con una extraordinaria clase en todas sus composiciones.
Para este nuevo trabajo Winwood contaría con la colaboración de su ex compañero en Traffic, Jim Capaldi, entre otros músicos invitados, la gran mayoría de ellos instrumentistas norteamericanos, como los guitarristas Mike Lawler (The Allman Brothers Band) y Larry Brown (Steppenwolf), el batería Russ Kunkel, el bajista Michael Rhodes, o el saxofonista Jim Horn.
Producido y arreglado por el propio Winwood, además de encargarse de los sintetizadores, teclados y voz, fue grabado entre Nashville en Tennessee, Estados Unidos y Gloucestershire en Inglaterra durante los meses finales de 1989 y principios de 1990.
Un álbum que contiene canciones de un gran refinamiento instrumental como la majestuosa “You´ll Keep on Searching”, la atractiva “Every Day (Oh Lord”, la irresistible “One And Only Man”, la atmosférica “I Will Be Here”, la bluesy “Another Deal Goes Down” o la funk “Come Out And Dance”, para acabar este extraordinario trabajo con la dinámica y extensa “In The Light of Day”.
En definitiva una gran obra injustamente subestimada en su momento, que con el paso del tiempo ha sido reconocida como una de las mayores aportaciones en la carrera de Steve Winwood, sin duda uno de los grandes genios que ha dado el rock a lo largo de toda su historia.

Papa Zoot Band-SWF Session´73 (1973)

Esta desconocida banda alemana ni siquiera llegaron a publicar ningún álbum de manera oficial, y es difícil creer (o no, observando la gran cantidad de grandes y talentosos grupos que en aquellos momentos existían), que no obtuvieran un sello discográfico que les hiciera un contrato.
Originarios de la ciudad de Frankfurt, su fundación se remonta a principios de la década de los 70 y estaba formada por el bajista Robby Matthes, el organista Reinhard Grohe, el batería Christian Engel, el guitarra Lutz Sommer y el cantante Ernst Nadler.
Su único documento sonoro es este “SWF Session”, extraído de unas sesiones en la radio alemana SWF en 1973.
Su estilo emparentado con los sonidos del hard rock británico y el vanguardismo alemán del krautrock, les haria ganar cierta popularidad actuando en diferentes conciertos junto a bandas mas punteras como Creation, Can o Guru Guru.
Después de actuar en la mencionada radio alemana con una amplia difusión por todo el país teutón, logran participar en uno de los mas grandes festivales de la época en la localidad de Essen al noroeste de Alemania.
Su estilo a medio camino entre los sonidos de las bandas británicas como los primeros Pink Floyd, se fusionan con elementos del vanguardismo alemán con unos sonidos dramáticos y teatrales muy cercanos a sus compatriotas Eloy, Nektar o Jane, pero con un ápice instrumental mas melódico que todos estos.
Cortes como la suite “Fly Away”, es un extraordinario viaje lisérgico y espacial de sonidos progresivos que nos recuerdan a obras tan magnas como “Echoes” de los mencionados PF.
Otros cortes como “Driving High” o “Hear Me When I´m Crying”, están mas cercanos al hard rock de Uriah Heep o Deep Purple, con un imponente órgano pesado que imprime unos contundentes ritmos abrasadores y oscuros, mientras la psicodélica “All The Girls”, se asemeja a los sonidos de finales de los sesenta, para acabar con la bluesy y deudora de The Doors “Can´t Be Myself”.

Aerosmith-Rock In A Hard Place (1982)

El séptimo álbum de Aerosmith “Rock in a Hard Place”, es el trabajo mas extraño de la banda de Boston, al ser el único que fue grabado con una formación diferente a la original.
Publicado en 1982 y en medio de las salidas de tono por parte de su cantante Steve Tyler, la banda había sufrido las bajas de sus dos guitarristas principales Joe Perry y Brad Whitford, quienes habían abandonado, el primero después del anterior “Night in the Ruts” (1979) y el segundo justo al comienzo de este “Rock In A Hard Place”.
Para su sustitución la banda optaría por reclutar al guitarrista Jimmy Crespo, quien ya había participado en el mencionado “Night in The Ruts” y al guitarrista Rick Dufay.
Con esta extraña e insólita formación, la cual se cerraba con los habituales Tom Hamilton, Joey Kramer y Steve Tyler, graban un álbum que pese a conservar la esencia de los Aerosmith clásicos en algunos momentos, también es cierto que su sonido final dista bastante a todo lo hecho anteriormente por la banda dirigida por la dupla Tyler-Perry.
Aún así hay momentos brillantes como la acelerada rock “Jailbeat”, la rítmica “Lightning Strikes”, la psicodélica “Joanie´s Butterfly” o la pausada heavy rock “Jig Is Up”, mientras que su sonido característico asoma en los cortes “Bitch´s Brew”, “Bolivian Ragamuffin” o en la hard rock “Push Comes to Shove”.

Kingdom Come-Live & Unplugged (1996)

Kingdom Come surgió a finales de los 80 como consecuencia de la continuación de la extinta banda Stone Fury dirigida por el guitarrista alemán Lenny Wolf.
Para ello el guitarrista germano reclutaría al bajista Johnny B.Frank, al batería James Kottak, al teclista y guitarra Rick Steier y al también guitarrista Danny Stag, por lo que Lenny Wolf dejaría de lado las labores de guitarrista pasando encargarse solo de las voces.
Después de firmar con Polydor, la banda entraría en los Little Mountain Studios de Vancouver en Canadá y grabaron su primer y homónimo álbum.
El éxito de temas como “Get It On” y “What Love Can Be”, junto a un irresistible hard rock moderno y pegadizo influenciado por los sonidos de Led Zeppelin, les aúpa hasta los primeros puestos en las listas norteamericanas consiguiendo un disco de oro por sus ventas.
Sin embargo al mismo tiempo los medios especializados empiezan a acusarles de ser unos meros clones de los mencionados Led Zeppelin y a su sonido extremadamente similar al de la mítica banda británica.
En el siguiente álbum “In Your Face”, Kingdom Come seguirán con la misma pospuesta enfocada en un hard rock espontáneo siempre bajo una notable y exquisita producción con unos formidables arreglos instrumentales.
En 1996 la banda publicó el álbum "Live & Unplugged", el sexto cronológicamente de su carrera, el cual es una especie de repaso a sus mejores y mas celebres temas en directo, además de un segundo álbum donde la banda interpretaba una serie de canciones en versión acústica.
Aquí están los elementos perfectos para los que fueron considerados los sucesores de las huestes lideradas por Jimmy Page, consolidado por un repertorio repleto de canciones zeppelianas con esa inconfundible voz de Lenny Wof, que tiene un rango asombrosamente similar al de Robert Plant, una sección rítmica poderosa y contundente y el sonido de unas guitarras tremendamente intensas y afiladas.
Cortes como las apasionadas y potentes “Living Out Of Touch”, “Blood On The Land”, “Always On The Run”, las zeppelianas “Hope Is On Fire”, “Don´t Care” y “Waht Love Can Be”, contrastan con las apasionadas y sentidas acústicas “Friends”, “Rather Be On My Own”, “Janine”, o la soberbia versión del tema de The Beatles “And I Love Her”.

Roger Hodgson-Hai Hai (1987)

Cinco años después de su epilogo con Supertramp (...Famous Last Words) y tres desde la publicación de su primer album en solitario (In The Eye Of The Storm), Roger Hodgson volvía a lanzar un nuevo trabajo, esta vez mas empujado por los asuntos contractuales con su compañía discográfica, que por su propio deseo.
“Hai Hai”, un titulo que irónicamente significa en japonés “sí, sí”, fue en parte un álbum medio experimental en donde el compositor, vocalista y multiinstrumentista británico se alejaba de la propuesta musical de su banda madre, para adentrarse en sonidos mas cercanos al synth pop-rock vanguardista de finales de la década de los 80.
Sin embargo es inevitable encontrar aquí muchos momentos con similitudes al sonido Supertramp, como en el tema “London” o en “Land Ho”, esta ultima compuesta junto a Rick Davies en 1974, que originalmente iba a ir destinada al álbum “Crime Of The Century” y que nunca fue incluida en ese legendario disco.
No obstante Hodgson quiso dejar claro con este trabajo la idea de desvincularse en cierta medida del sonido de la pesada losa como era el de su banda madre y las lógicas y continuas comparaciones con su carrera en solitario.
Grabado durante gran parte del año 1986 y principios de 1987 en diferentes estudios de California, Roger Hodgson contó con la colaboración de un lujoso plantel de músicos como los baterías Jeff Porcaro, Omar Hakim y Carlos Vega, el bajista Leland Sklar, los teclistas David Paich y Robbie Buchanan o el guitarrista Dan Huff entre otros muchos mas.
“Hai Hai” esta compuesto por una serie de canciones menos comerciales sin dejar de lado su tremenda calidad como las mencionadas y asequibles “Land Ho” y “London”, la rítmica “Who´s Afraid” o la atrayente “Desert Love”, mientras otras como la rock “My Magazine”, la melódica “You Make Me Love You”, la intrigante “Puppet Dance” o la adictiva “House On The Corner”, son temas todos ellos en donde inevitablemente su voz y los inconfundibles teclados de Hodgson dejan un guiño al sonido Supertramp, aunque ciertamente de manera muy sutil y lejana.

The Rolling Stones-Black And Blue (1976)

En 1974 The Rolling Stones lanzaban su duodécimo álbum “It´s Only Rock´n´Roll”, el cual supuso la despedida de su guitarrista Mick Taylor. Este hecho llevaría a que Mick Jagger y Keith Richards buscaran un sustituto ideal para afrontar el futuro de la banda.
Durante algún tiempo se rumorearon los nombres de Rory Gallagher, Jeff Beck o Peter Frampton quienes declinaron la oferta, otros como Harvey Mandel o Wayne Perkins también estuvieron entre los nominados, recayendo el puesto finalmente en Ron Wood.
Ron Wood por entonces aún pertenecía a la banda The Faces y como tal solo podría colaborar como musico invitado en el siguiente álbum de los Rolling, “Black and Blue” publicado a mediados de 1976.
Por lo tanto la formación oficial de la banda en esos momentos estaba compuesta por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Bill Wyman, mientras que Ron Wood aparecería como músico invitado, donde además también se encontraban Billy Preston, Nicky Hopkins, Ian Stewart y los mencionados Harvey Mandel y Wayne Perkins.
“Black and Blue” fue grabado en diferentes estudios de Múnich, Nueva York y Florida bajo la producción de los propios Jagger y Richards y otros productores entre los que se encontraban Glyn Johns. Este nuevo lanzamiento contiene un repertorio basado en un estilo algo alejado del habitual e inconfundible rock´and´roll de los Rolling Stones, con una colección de temas diversos en donde salen a relucir sonidos como el reggae y el funk, además de una serie de canciones enfocadas a la jam instrumental.
Una faceta instrumental que opacaba de alguna manera las melodías vocales y que le llevaría ser considerado un álbum controvertido y transitorio, siendo recibido con cierto estupor por una parte de sus millones de fans.
Sin embargo terminaría logrando un disco de platino por sus ventas, un meritorio numero uno en las listas norteamericanas y un segundo lugar en las británicas.
La funky “Hot Stuff” abre esta nueva entrega con un ritmo discotequero, mientras el sonido clásico de los Stones esta presente en “Hand Of Fate”, con la siguiente “Cherry Oh Baby” vuelven a adentrarse en otros meandros musicales, esta vez con el reggae, finalizando la primera cara de la placa con la vibrante y espléndida jam “Memory Motel”. La segunda cara comienza de igual manera con la jam “Hey Negrita”, que sin embargo no tiene la intensidad de la anterior. Para acabar este versátil y atractivo disco, aparecen la stoniana “Melody”, la sentida balada “Fool To Cry” y la chulesca rock´n´roll “Crazy Mama” .

Ambrosia-Ambrosia (1975)

Ambrosia son sin duda una de las bandas mas exquisitas y refinadas que hayan existido jamás, sus fabulosas armonías vocales, sus melodías pegadizas, a la vez que complejas y arregladas y sus composiciones impactantes los colocaron en la cúspide de los sonidos del pop sinfónico de los setenta.
Ya en un anterior post se relata una pequeña biografía de esta sobria y exquisita banda, por lo que aquí solo vamos a centrarnos en su primer y antológico álbum debut.
Publicado en 1975 bajo el sello Warner Bros. y bajo la supervisión en las labores de producción de Alan Parsons, en esta primera entrega Ambrosía muestra un híbrido entre las complejidades instrumentales de bandas como Yes y las armonías vocales y melódicas de The Eagles.
Con un soberbio trabajo de guitarras y teclados, Ambrosia muestra en este debut una gran creatividad que navega entre el sincronismo mas arraigado y el pop mas adictivo.
La psicodélica y a la postre su tema mas emblemático "Nice, Nice, Very Nice", es la que inicia este álbum de manera extraordinaria, mientras la melódica "Time Waits For No One", pone el color folk con esos sonidos de las balalaikas y el sabor inconfundible de la década de los sesenta, la funk pop "Holdin´On To Yesterday" y la country acid rock "World Leave Me Alone", son el contrapunto a la bucólica "Make Us All Aware". De entre el resto de cortes destacan, la mas cercana a los sonidos blues "Mama Frog", con un ritmo bluesy y funk sobre unas estructuras jazzisticas y la deudora de los sonidos sureños "Drink Of Water", un himno pacifista y que se convierte en el mejor epilogo para cerrar este álbum.
Este seria el lanzamiento de Ambrosia mas creativo y progresivo, que poco a poco se iría derivando hacia sonidos mas comerciales e intensos pero de innegable calidad hasta 1982, año en el que lanzaron el quinto y ultimo álbum.

Manassas-Manassas (1972)

Una vez había acabado la multitudinaria, (al mismo tiempo que conflictiva entre sus integrantes), gira posterior al álbum “Deja Vu” de Crosby, Stills, Nash and Young, cada uno de sus miembros decidió seguir sus propios caminos, dejando atrás y de manera momentánea una de las mayores súper bandas jamás creadas.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.

Pure Prairie League-Bustin´Out (1972)

Pure Prairie League son una de las bandas mas importantes del country rock norteamericano que a menudo es olvidada en los anales del rock, pese a contener una carrera llena de grandes obras, algunas de ellas indispensables dentro de la historia de la música popular americana
Originarios de Columbus en Ohio, su orígenes se remontan a mediados de 1969 cuando el guitarrista Craig Fuller, el bajista Jim Lanham y el batería Tom McGrail fundan una banda a la cual denominan Pure Prairie League.
Después de conseguir un contrato con el sello RCA, reclutan al guitarrista John David Call y graban su álbum debut que fue lanzado a principios de 1972.
Ya en este primer lanzamiento aparece en la portada el icónico “Luke”, un personaje ficticio, obra del famoso ilustrador Norman Rockwell, el cual se convierte en el distintivo del grupo.
Pese al buen repertorio de country rock de este primer álbum, este pasa totalmente desapercibido, lo que anima a la banda a componer y grabar un segundo álbum “Bustin´Out”, que saldría publicado a finales del mismo año 1972.
Sin embargo para este segundo disco la banda había sufrido algunos cambios, quedando solo Fuller como miembro fundador, conformado el resto por el baterista William Frank Hinds y el guitarrista George Ed Powell, además de las colaboraciones del guitarrista de la banda de David Bowie, Mick Ronson, el teclista Michael Connor o el bajista James Rolleston entre otros músicos.
Este vez lograrían mejores resultados gracias a su single “Amie” que alcanzaría entrar en las listas y a un repertorio de grandes canciones.
En los sucesivos años la banda mantendría una privilegiada posición en el mundo del country rock norteamericano publicando una serie de álbumes interesantes como “Two Lane Highway” (1975), “If The Shoes Fits” (1976), “Just Fly” (1978) o “Firin ´Up” (1981), en este ultimo suavizaban su propuesta con un country rock mas comercial logrando su mejor posición en las listas de éxitos.
Un año después llegaría su ultimo trabajo “Something In The Night”, con el cual la banda se disolvería hasta el año 2005, cuando volverían a reunirse para publicar “All In Good Time...”, la ultima obra de esta banda norteamericana.
Durante todos estos años Pure Prairie League han dejado tras de si una serie de álbumes y canciones que son parte de la historia del country rock como “Amie”, “Two Lane Highway”, “That´ll Be Tha Day”, “I Can´t Stop The Feelin” o “Let Me Love You Tonight”, convirtiéndola en una de las indiscutibles bandas de culto norteamericanas.

Led Zeppelin-Led Zeppelin I (1969)

El primer álbum de Led Zeppelin fue su trabajo menos variado musicalmente con respecto a todos sus siguientes lanzamientos, sin embargo eso no supone que este no sea uno de los debut mas antológicos de la historia de la música rock.
Hasta la llegada de este disco, nadie había sonado como Led Zeppelin lo logran aquí, basado en unos simples riffs de guitarras, solos imborrables, unas voces frenéticas y gritonas y un ritmo de batería y bajo enérgico y explosivo.
Sin embargo, también levantaría cierta polémica al usar Jimmy Page, algunas partes de varias composiciones ajenas para armar pasajes de temas como el concepto básico utilizado en ”Danzed and Confused”, que tomaría prestado de Jake Holmes.
Las raíces blues son el denominador común de prácticamente todo el álbum, como la bluesy psicodélica “Danzed and Confused”, además de “You Shook Me” y “I Can´t Quit You Baby”, la folky blues “Babe i´m Gonna Leave You”, o las blues rock “How Many More Times” y “Good Times Bad Times”, mientras la cara poderosa de la banda esta presente en la hard rock “Communication Breakdown”, al mismo tiempo aparecen momentos mas idílicos como la reposada e hipnótica “Your Time Is Gonna Come”, o la folk instrumental “Black Mountain Side”. Considerado uno de los mejores 50 álbumes de la música rock, entre otras cuestiones por introducir nuevos conceptos, es al mismo tiempo uno de los discos mas vendidos de la historia, con unas ventas que superan con creces los 20 millones de copias a nivel mundial.

Jethro Tull-Aqualung (1971)

En 1971 Jethro Tull publicaron su cuarto álbum “Aqualung”, un trabajo que dejaría huella y que marco un hito en la historia de la banda y de la música rock en general.
En esta nueva entrega la banda presentaba varias novedades con respeto a su anterior formación, para empezar su bajista fundador Glenn Cornick había sido sustituido por Jeffrey Hammond-Hammond, además se había ampliado con el teclista John Evan y por otro lado el arreglista David Palmer pasaba a pertenecer por derecho propio como miembro oficial de Jethro Tull después de varios trabajos como músico colaborador.
Estructurado a modo conceptual, “Aqualung" se divide en dos partes bien diferenciadas, una primera que trata la decadencia de la moralidad y el empobrecimiento de una parte de la población y una segunda en donde la religión y la hipocresía de la iglesia son dianas en el punto de mira de las sarcásticas letras de Ian Anderson.
Grabado en los reformados estudios de la Island en Londres, los cuales se habían dotado de la mas alta tecnología punta de la época, fue producido por el propio Ian Anderson junto a Terry Ellis.
Musicalmente se alternan los temas eléctricos con los acústicos, con un acercamiento en las primeras hacia los temas duros del hard rock progresivo como “Hymn 43”, “Cross-Eyed Mary”, “Locomotive Breath”, “My God”, “Wind Up” y el homónimo “Aqualung”, mientras la faceta folk esta presente en los cortes “Mother Goose”, “Cheap Day Return”, “Wond´ring Aloud” y “Slipstream”.
Con varios discos de platino por sus enormes ventas, alcanzando los primeros puestos en las listas a ambos lados del Atlántico, “Aqualung” se convirtió en su álbum mas aclamado para los fans del progresivo y recibiría las alabanzas de la critica musical de la época.

Thin Lizzy-Live And Dangerous (1978)

“Live And Dangerous” es otro de esos míticos dobles en directo de la década de los 70. Grabado en la mejor época de la banda irlandesa Thin Lizzy, justo en las giras de presentación de su séptimo y octavo álbum, “Johnny The Fox” (1976) y “Bad Reputation” (1977).
Por entones la banda liderada por el bajista y cantante Phil Lynott contaba en sus filas con el batería Brian Downey y los guitarristas Robbie Robertson y Scott Gorham, es decir la misma que había entrado en los estudios para los dos anteriores discos.
El repertorio de este doble fue extraído de diferentes conciertos ofrecidos durante finales de 1976 y los meses finales de 1977 durante las giras británicas y en Canadá y fue producido, no sin cierta polémica, (fue acusado de estar demasiado retocado en los estudios), por el productor Tony Visconti.
El repertorio que completa este doble Lp esta repleto de clásicos del grupo cargados de enérgico y explosivo hard rock, en donde las guitarras al unísono de Roberston y Gorham suenan poderosas y afiladas, mientras la sección rítmica contundente y precisa de Lynott y Downey, muestran el por que esta banda fue una de las mas grandes del genero. Cortes como “Emerald”, “Cowboy”, “Jailbreak”, “The Boys Are Back in Town”, “Dancing in the Moonlight” o “Still in Love With You”, conforman un directo espectacular y repleto de feeling, vigorosidad y poderío a raudales.
“Live And Dangerous” lograría colarse hasta la segunda posición en las listas británicas, consiguiendo varios discos de platino y unas ventas a nivel mundial que superaron el millón de copias, obteniendo con ello la obra mas exitosa de toda la carrera de Thin Lizzy y de paso convertirse en uno de los directos mas aclamados de la historia del hard rock.

Black Pearl-Black Pearl (1969)

Otra oscura banda de finales de los 60 fueron Black Pearl, originarios de Boston, tuvieron que trasladarse a las soleadas costas de San Francisco en donde tuvieron un moderado éxito a finales de 1969 y principios de los 70 con varias publicaciones muy buscadas por los coleccionistas en la actualidad.
Esta banda con una formación de tres guitarristas fueron una de las primeras que se movieron en el hard rock psicodélico con unas fuertes raíces en el R&B y en las sustancias como el LSD.
Parte de su formación venia precedida de otra banda bostoniana llamada The Barbarians, y estaba compuesta por el enérgico y visceral cantante B.B. Fieldings, el batería Oak O´Connor, los guitarristas Tom Mulcahy, Jeff Mackay y Bruce Benson y el bajista Geoffrey Morris.
Una vez instalados en San Francisco lograron grabar un álbum bajo el sello Atlantic que lograría colarse entre los 100 primeros en el Billboard, para posteriormente grabar su epitafio "Black Pearl Live", con el cual daban por finalizado su periplo musical regresando a Boston y desapareciendo en la inmensidad del tiempo.
Este primer álbum contenía nueve pistas entre las que destacaban las lisérgicas rock "Crazy Chicken" y "Thinkin´Bout The Good Times", la R&B "White Devil”, la psicodélica "Mr Soul Satisfaction" o la rítmica "Climbing Up The Walls", todas ellas con un claro denominador común; la interacción de los tres guitarristas con enérgicos y pesados riffs y solos de guitarras y la poderosa voz de Fieldings.
Posteriormente la revista Rolling Stone History of Rock and Roll, los catalogaría como una de las primeras bandas del temprano hard rock lisérgico norteamericano.

Manfred Mann Chapter Three-Manfred Mann Chapter Three (1969)

Manfred Mann Chapter Three, fue la continuación de la banda de pop Chapter Two, que encabezaron las listas de éxitos durante gran parte de la década de lo 60.
Este tercera dinastía estaba mas enfocada a los sonidos jazzisticos y progresivos, la cual solo lanzaron dos álbumes, este “Manfred Mann Chapter Three” (1969) y el siguiente “Volumen Two” (1970).
Fundada en 1969, su formación además del núcleo principal y líderes de la banda eran Manfred Mann y Mike Hugg (ambos teclados, voces y arreglos de cuerda), y el resto estaba compuesto por el baterista Craig Collinge, el bajista y arpa eléctrica Steve York y el saxo y flauta Bernie Living.
Igualmente en sus dos álbumes participarían diferentes músicos colaboradores como el guitarrista Brian Hugg, o una amplia sección de vientos.
Esta segunda encarnación es un claro ejemplo de como la banda fue progresando estilísticamente de los sonidos pop de principios de los 60 con éxitos como “Do Wah Diddy” o “Sha La la”, hacia un estilo progresivo y espacial con la versión posterior y definitiva denominada Manfred Mann´s Earth Band.
Por lo tanto podríamos definir estos dos álbumes como transitorios, pero con un fascinante sonido de jazz rock progresivo, con grandes metales y órganos fuzz distorsionados, que le otorgan una gran profundidad musical.
El estilo de su primer álbum esta basado fundamentalmente en temas de formato verso y coro antes de explotar en excursiones instrumentales, lo que las hace mas inteligentes que llamativas.
El tono blues de la inicial “Travelling Lady”, ya nos deja de entrada entrever el sendero por el cual discurrirá el resto del álbum, en donde sobresalen la psicodélica “You´re A Better Man Than I”, la instrumental jazzistica y progresiva “Konekuff”, la siniestra free jazz “Devil Woman”, o la blues jazz “Time”, con esos segmentos vocales y una instrumentación de vientos y metales magníficos. El resto mantiene el tono psicodélico, aunque con menos complejidad instrumental, como “One Way Glass” o “Ain´t It Sad”, que le otorgan bastante variedad y equilibrio.
Un año después saldría el segundo y ultimo álbum, en donde seguían en una línea musical continuista, antes de reconvertirse en los mencionados Manfred Mann´s Earth Band.

Gravy Train-(A Ballad Of) A Peaceful Man (1971)

En 1971 Gravy Train lanzaba su segundo larga duración, ”(A Ballad Of) A Peaceful Man”, el cual fue grabado con los mismos componentes del debut “Gavy Train”.
Esa formación estaba compuesta por el guitarrista y cantante Norman Barrett, el teclista J.D. Hughes, el batería Barry Davenport y el bajista Lester Williams.
Publicado bajo el sello progresivo Vertigo y grabado en los famosos Olympic Sound Studios de Londres, fue producido por Jonathan Peel.
En este segundo álbum, Gravy Train lograría completar uno de los grandes trabajos del rock progresivo de principios de la década, que pese a la inicial y alejada de su proposición sinfónica como es la comercial “Alone In Gerogia”, pronto la banda se reactiva y lo constatan con la siguiente y homónima pieza, con unas sobresalientes melodías bajo la voz inconmensurable de Norman Barrett, con sonidos de flautas, mucho dinamismo entre momentos pausados y otros mas acelerados y unas grandes orquestaciones.
La acústica “Jules Delight”, muestra su faceta folk, mientras “Messenger” electrifican ese folk en una de los momentos cumbres del disco con una instrumentación sublime de flautas, mellotrones, guitarras y unas preciosas melodías vocales.
En la parte final del álbum aparecen las rock “Anybody Hear Me” y “Won´t Talk About It” que se convierten en los momentos mas enérgicos, acabando con la jazz rock “Old Tin Box” y la suave y exótica “Home Again”, con la cual perfeccionan un magnifico disco del genero progresivo de principios de los 70.

Trettioåriga Kriget-Krigssång (1976)

Trettioåriga Kriget es una de las legendarias bandas del rock sueco, fundada a principios de 1970 cerca de Estocolmo, que se han hecho muy populares en su pais y en el resto de la Europa central gracias a una docena de meritorios álbumes, algunos de ellos considerados entre los mas interesantes de la escena progresiva de su país. Fue creada cuando sus integrantes aun eran adolescentes, ellos eran  Christer Åkerberg (guitarras), Stefan Fredin (bajo), Dag Lundqvist (batería y Mellotron) y Robert Zima (guitarra y voz). Con la suficiente madurez musical lanzaron su álbum debut en 1974, en el cual mostraban su propuesta enfocada en el heavy prog orientado a las guitarras pesadas y caóticas, todo ello bañado en dosis de dramatismo y psicodélica producto de los matices del Mellotron. Dos años mas tarde llegaria "Krigssång" su segunda entrega, la cual esta considerada su obra cumbre, un álbum en donde logran equilibrar su enfoque de rock progresivo enérgico y visceral con unas exploraciones sonoras menos explicitas. El álbum al completo es un gran ejemplo del vigoroso rock progresivo y psicodélico habitual en esos años, pero es sin duda la suite lateral "Krigssång II" el momento cumbre del disco, una epopeya con ciertas similitudes a los Yes mas grandilocuentes mostrando una gran sección rítmica propulsora, unas brillantes guitarras y unos sintetizadores y Mellotron ejecutados de manera soberbia. Durante todos estos años la banda ha mantenido una constante publicando esporádicamente discos hasta el año 2021, cuando lanzaron su última obra titulada “Till Horisonten”.

Jefferson Starship-Spitfire (1976)

“Spitfire” fue el tercer álbum de Jefferson Starship y décimo de la saga Jefferson, sin contar con los trabajos de Hot Tuna, la otra banda paralela de la dinastía compuesta por Jack Cassidy y Jorma Kaukonen. En esta tercera entrega su guitarrista Craig Chaquico cobra un gran protagonismo al componer cuatro de las nueve canciones que componen el álbum, además de ser una de las piezas destacadas con su inconfundible guitarra en el resultado final de la obra.
Sin embargo el estilo del grupo cada vez se va derivando hacia los sonidos mas pegadizos y comerciales, sin dejar de lado la complejidad característica de los temas que Paul Katner solía imprimir al estilo de Starship. Aún así, aquí encontramos piezas muy destacadas como la psicodélica “Cruisin´”, la oscura con aires gospel “Hot Water” con la voz sensible de Grace Slick, la compleja “St. Charles”, la progresiva “Song To The Sun / Ozymandies / Don´t Let It Rain”, o las melódicas “With Your Love” y “Switchblade”.
Para acabar con la country rock “Big City” y la vigorosa “Love Lovely Love”, consiguiendo con todas ellas un álbum ecléctico pero al mismo tiempo homogéneo y muy cohesionado.
“Spitfire” no lograría las ventas ni el mismo éxito que el anterior “Red Octopus”, pero si alcanzaría un disco de platino y un tercer puesto en las listas del Billboard norteamericano.

J.J. Cale-Troubadour (1976)

Este fue el álbum que influiría de manera decisiva en Mark Knopfler y sus Dire Straits (al menos en sus dos primeros álbumes), pero también el que contiene una de las canciones míticas de J.J.Cale, “Cocaine”, que posteriormente Eric Clapton  popularizara a nivel mundial.

Al mismo tiempo este trabajo es el que consolidaría el estilo “Tulsa Sound”, un subgénero basado en el folk, el blues, el country, el jazz y el rockabilly y que convirtió a J.J.Cale en una de las leyendas de la música norteamericana del siglo 20.
Pero hasta llegar aquí J.J.Cale ya llevaba tras de si mas de una década de carrera musical, la cual había empezado a principios de los sesenta junto al ilustre Leon Russell.
En 1965 una canción suya “After Midnight”, se convierte en un pequeño éxito y al año siguiente llegaría su primera publicación con el grupo The Leathercoated, que sin embargo no obtiene el éxito deseado.
Esta decepción le lleva a mudarse a Tulsa en Oklahoma, en donde después de firmar con el sello local Shelter grabaría su primera obra en solitario “Naturally” aparecido en 1971.
En este primer álbum J.J.Cale mostraba su enorme sensibilidad con un trabajo repleto de aires blues, jazz, folk y country, con una serie de canciones intensas y contenidas, y que contiene dos de sus clásicos “Call Me The Breeze” y la mencionada “After Midnight”.
En los siguientes años Cale publicaría el mas dinámico “Really” (1972), y mas tarde “Okie” (1974), en donde de manera progresiva incluye otros géneros musicales como el gospel pero sin perder un ápice su personalidad, continuando con sus exploraciones en las raíces de la música norteamericana.
Dos años después con “Troubadour”, culmina su madurez compositiva mostrando su álbum mas versátil y al mismo tiempo mas consolidado en su propuesta musical.
Repleto de canciones inspiradas y brillantes como la mencionada “Cocaine”, la juguetona “I´m A Gypsy Man”, la rítmica "Let Me Do It To You”, la planeadora “Hey Baby”, la atmosférica bluesy “Super Blue” o la ágil “Ride Me High”.

Hookfoot-Live In Memphis 1972 (1990)

Formados a finales de los 60 en Gran Bretaña, Hookoot fue una banda que surgió como consecuencia de la unión de unos músicos de sesión del sello discográfico DJM Records. Pese a que no llegarían a lograr ningún éxito relevante en las listas, ni sus álbumes tuvieran ninguna repercusión mediática, esta banda fueron un claro ejemplo del rock and roll y el blues de principio de los 70.
Su formación estaba compuesta por Ian Duck (voz, armónica), Dave Glover (bajo), Roger Pope (batería), y Caleb Quaye (guitarra). Algún tiempo después se les uniría el guitarrista Bob Kulick y el bajista Mick Grabham.
Todos estos músicos habian participado en la mayoría de las grabaciones del mencionado sello, entre los que se encontraban los primeros álbumes de Elton John como “Empty Sky” de 1969.
Después de firmar con la A&M Records, publicaron cinco LP´s, que solo fueron comercializados en los Estados Unidos, empezando por "A Pie Of Pye" (1969), al que seguirán "Turn The Radio" (1970), "Hookfoot" (1971), "Good Times A´Comin" (1972), "Communication" (1972) y "Roarin´", con el cual daban por finalizado su periplo musical.
Posteriormente la A&M Records publicaría el doble recopilatorio "Headlines" y algunos años mas tarde el álbum en directo grabado en 1972 "Live In Memphis".
Este directo es una brillante muestra del estilo de Hookfoot, con ese sabor sureño impregnado de rock and roll, blues eléctrico y acústico, con elementos funky.
Temas como la funk rock “Bluebird”, la épica sureña “Mystic Lady”, la polvorienta “Movies”, la country rock “Natures Changes”, la rítmica jazz rock “Wim-Wom” o la melódica "Crazy Fool”, junto a la brillante y lograda interpretación del tema de Neil Young “Don´t let it Bring You Down”, o el blues acústico “Coombe Gallows”, demuestran el talento que esta olvidada banda tenían tras de si, combinando una excelente musicalidad con unas letras comprometidas y un estilo ecléctico cautivador y sugestivo.

The Who-Who´s Next (1971)

Con el álbum “Who´s Next”, la banda británica The Who se consagraban mundialmente, y si bien ya antes habían dejado su huella con obras tan emblemáticas como la opera rock “Tommy” o himnos intergeneracionales como “My Generation”, no seria hasta este trabajo cuando por fin consiguieran estar en la vanguardia mundial de la música rock.
Un álbum que en un principio estaba destinado a ser la segunda opera rock de The Who, ya que su guitarrista y líder Pete Townshend quiso continuar con ese formato después del éxito del mencionado "Tommy”. Sin embargo este complejo y ambicioso proyecto el cual llevaría de nombre “Lifehouse", fue desechado y gran parte de los temas compuestos para esa ocasión fueron a parar a este “Who´s Next”.
El estilo de la banda en este álbum es en parte diferente a lo hecho hasta esos momentos, con grandes dosis de experimentación, agregando los sonidos mas vanguardistas de la época como los sintetizadores, vigorosos sonidos de hard rock y sutiles arreglos progresivos, todo ello sumado a los grandes riffs de guitarra del propio Townshend, la tremenda voz de Roger Daltrey y la demoledora sección rítmica compuesta por Keith Moon y John Entwistle.
Un álbum que esta repleto de temas míticos como la inicial “Baba O´Riley” con esos ya conocidos sonidos de sintetizador, tema principal de la serie de TV “CSI Las Vegas”, a la que le siguen la poderosa y adictiva “Bargain”, la progresiva “My Wife”, la épica “The Song Is Over”, la sentida “Getting In Tune”, la preciosista “Going Mobile” o la excelsa rock con tintes progresivos “Won´t Get Fooled Again”.
“Who´s Next” tuvo una gran acogida por parte del publico, con unas ventas que les llevaron a obtener tres discos de platino y al mismo tiempo convertirse en la mejor obra de The Who y una de las obras maestras de la música rock.

Winterhawk-There And Back Again (1979)

Winterhawk fueron una arrogante banda de hard rock de finales de los setenta que nada tenían que envidiar a sus coetáneas de mayor reconocimiento mediático.
Originarios de la ciudad de Chicago, esta banda solo publicaría un álbum en 1982, pero mucho antes de su lanzamiento, ofrecieron una serie de conciertos en el Aragon Ballromm de Chicago entre 1977 y 1978, que muchos años años después en el 2002, fueron rescatados y reeditados como "There and Back Again".
La formación de Winterhawk estaba compuesta por el guitarrista Jordan Macarus, el bajista Doug Brown, el guitarra Steve Brown y el batería Steve Tsokatos.
En esos años y gracias a sus incendiarios directos, son reclamados para telonear a bandas de primer nivel como Black Oak Arkansas, Steppenwolf o Budgie entre otras.
Parte de los temas interpretados en este directo fueron a parar al mencionado y único álbum publicado cuatro años después y que llevaría por titulo “Revival”.
En esta espectacular grabación en directo ya muestra el dominio del inconmensurable Jordan Macarus con las seis cuerdas, repartiendo toneladas de riffs y solos de guitarra por doquier, y con el resto de la banda mostrando una musculosa instrumentación de poderío y contundencia.
Potentes y enérgicos temas de hard rock como "Sanctuary", "In The Wake Of Things Yet to Come", "Hammer And The Axe", "Creatures Of The Sea" o "Off The Bat", conforman esta colosal grabación.
"There and Back Again", es en definitiva uno de los álbumes imprescindibles para todos los amantes del oscuro y olvidado hard rock clásico de los 70.

Ethos-Ardour (1976)

Ethos fueron una banda norteamericana de rock progresivo bastante olvidada hoy en día y
que sobresalieron por una excelente técnica instrumental y una gran imaginación y talento en sus logradas composiciones.
Con un estilo que estaba influenciado por una gran variedad de sonidos, entre los que estaban el folk, el pop y el jazz, en sus dos únicos álbumes se observan de manera bastante obvia la sombra de las grandes del genero británico como KC, Yes o Genesis, pero también la de sus compatriotas Kansas, con ese regusto por el rock norteamericano.
Fundada en Fort Wayne en Indiana en 1973, su formación estaba compuesta por Duncan Hammond; órgano, moog, Mellotron y demás teclados, el también teclista Michael Ponczek, el guitarrista y voz, Wils Sharpe, el bajo Brad Stephenson y el batería Mark Richards, además de Gerg Riker en otros instrumentos.
En 1974 tuvieron la suerte de fichar por una de las grandes discográficas como la Capitol Records y se trasladan a Nueva York donde graban su primer álbum, el cual esta compuesto por ocho cortes escritos en su totalidad por Sharpe.
Este primer lanzamiento titulado “Ardour”, es un ejemplo de una perfección instrumental muy equilibrada, en donde también se observa el talento de todos sus miembros con sus interpretaciones instrumentales.
Aunque su sonido sinfónico es evidente, la variedad de instrumentos utilizados y la alternancia de sonidos es bastante elocuente, con grandes sonidos de mellotron, flautas, órgano y guitarras, creando atmósferas en algunos casos caóticas por la gran cantidad de sonoridades. Las armonías vocales se asemejan a Yes o Gentle Giant, mientras que las partes de teclados tiene ese sabor a los Genesis mas añejos, sin dejar de mencionar los arabescos riffs de guitarras en clara sintonía con Steve Howe de Yes.
La inicial “Intrepid Traveler” es una buena muestra al sonido complejo heredado de los mencionados Yes, mientras otros cortes como las progresivas “Atlantes”, “The Spirit Of Music”, “Sapce Brothers” o la melódica “E´Mocean” completan un álbum que pese a su enorme calidad paso desapercibido para la comunidad progresiva de la época.
Un año mas tarde llegaría su segundo y ultimo trabajo “Open Up” el cual sigue por una senda continuista ofreciendo temas de gran calibre como la crimsoniana “Pimp City”, la soberbia “Star Anew”, la espesa “Memories” o la compleja “The Players (Of The Game)”.

Pink Floyd-The Dark Side Of The Moon (1973)

Este es el álbum que encumbro para siempre a Pink Floyd y de paso el que elevo el genero progresivo hasta las cotas imprescindibles como el estilo por antonomasia de los primeros años de la década de los 70.
Del “The Dark Side Of The Moon” se ha hablado y comentado hasta la saciedad, quien no conoce o no ha oído hablar de esta obra maestra absoluta de la música contemporánea?.
Su legado ha traspasado las fronteras de estilos y modas, logrando con ello ser una de las diez mayores obras maestras musicales del siglo 20.
Para ello la banda se encomendaría a los astros galácticos y mas concretamente a la luna y su lado oscuro, un álbum que muestra una célula sideral fecundada de arte por los cuatro costados, donde hay cabida para la experimentación y la vanguardia, una obra maestra de la creación, capaz de transmitir un universo de sensaciones y vivencias, la cual logra manipular los estados de animo de los que descubren su música.
Musicalmente esta repleto de texturas, pasajes sorprendentes de pasmosa intensidad y una cristalina delicadez, que lograría al mismo tiempo, crear una nueva concepción del sonido.
Un álbum que batió todos los récords posibles, los cuales muchos aún no han sido superados, además de sus asombrosas ventas, lo cual lo coloca como uno de los mas vendidos de la historia (mas de 50 millones), numerosos números unos alrededor del mundo, con muchos años en las listas de éxitos, una gira posterior apoteósica, con mas de 14 meses consecutivos por medio centenar de países presentando el álbum, infinidad de premios entre los que están el que fuera premiado como el mejor disco del año, la mejor producción, la mejor portada o el mejor single ("Money"), y sus cuatro miembros los mejores en sus respectivos instrumentos.
Además fue el primer álbum en la historia en ser grabado totalmente en formato cuadrafónico.
Estructurado a modo conceptual, esta repleto de efectos de sonido, desde la inicial “Eclipse” hasta el epilogo “Speak To Me”, pasando por la apabullante y rítmica “Money”, la soberbia “Time”, la hermosa “Us and Them” o la sugerente “Breathe". En definitiva un fascinante recorrido por una trama de un hombre condenado a la locura. Detrás de los controles de grabación estuvieron algunos de los mas grandes ingenieros de la historia como Alan Parsons o Chris Thomas, además de los estudios Hipgnosis, quienes fueron los encargados del diseño futurista de su icónica portada.

Jeff Beck-Wired (1976)

“Wired” fue la continuación lógica del anterior y segundo álbum en solitario de Jeff Beck, “Blow By Blow”, después de sus aventuras con The Jeff Beck Group, con los cual nos dejaría los soberbios “Beck-Ola” (1969), enfocado al hard rock, el siguiente orientado al jazz rock con tintes funk “Rough and Ready” (1971) y el homónimo “Jeff  Beck Group” (1972), sin dejar de mencionar el efímero proyecto Beck, Bogart & Appice, en donde regreso a sus orígenes con un intenso rock con raíces blues.
Si “Blow by Blow” había supuesto una combinación de sus dos facetas en las que fusionaba el poderoso rock con el blues aderezado con elementos de jazz y funk, en este “Wired”, Beck sigue en esa tónica pero cediendo el protagonismo a la hora de componer el nuevo material a otros músicos, como en este caso al teclista Max Middleton y al baterista Narada Michael Walden, que junto a Jan Hammer en los sintetizadores y al bajista Wilbur Bascomb cerraban la formación con la que grabaría este álbum.
Un disco que cuenta con temas del calibre de “Led Boots”, intenso y poderoso, o la jazz rock “Blue Wind”, la lograda versión de Charles Mingus “Goodbye Pork Pie Hat”, la sentida “Love Is Green”, o las jazz funk “Come Dancing” y “Head For Backstage Pass”, todas ellas con prodigiosas intervenciones de Jan Hammer, Narada Walden y la técnica virtuosa con las seis cuerdas del propio Jeff Beck.
Como ocurriría con el anterior “Blow By Blow”, alcanzaría el disco de platino por sus ventas, aunque no lograría superarlo en las listas del Billboard.