Yes-Tales from Topographic Oceans (1973)

Si “Close To The Edge” fue un álbum perfecto de rock progresivo y Yes hubieran dejado de hacer música en ese mismo instante, seguirán siendo una de las mas grandes bandas de la historia y podrán reclamar algunos de los mejores álbumes que jamás hayan salido de la música rock.
Pero lo que consolida firmemente el status de Yes como una de las grandes bandas de todos los tiempos, fueron los dos trabajos que le siguieron después, dos discos insuperables como fueron “Tales from Topographic Oceans” y “Relayer”. Ambos son exponencialmente mas profundos que el mencionado "Close To The Edge" en términos de alcance y maestría musical, que pese al recelo de muchos de sus fans e incluso algunos de los miembros del grupo, tuvieron sobre todo con el primero de ellos.
"Tales from Topographic Oceans" es una de las grabaciones mas mágicas, rotundas y antológicas de todos los tiempos y las criticas vacías del desconocimiento musical nunca podrán alcanzarlo.
Musicalmente hablando lo que este doble álbum ofrece son casi una hora y media de las exploraciones mas atrevidas y sofisticadas de Yes hasta esos momentos, solos extendidos, armonías vocales antológicas, secuencias instrumentales cuidadosamente arregladas, paisajes sonoros oceánicos e interpretaciones acústicas dignas de un verdadero clásico.
No hace falta ni mentar que este no es un álbum de una solo escucha, convirtiéndose en una experiencia musical cada vez que se le pone atención en una nueva escucha.
Por otro lado es controvertido, mientras millones de fans lo adoran, otros tantos lo detestan (empezando por el teclista Rick Wakeman), quien lo ha ridiculizado públicamente en mas de una ocasión y que dio lugar al celebre incidente del curry.
A diferencia del mencionado "Close To The Edge" en este caso cada pista (una por cada cara de las cuatro que conforman este disco), es una pieza completa, en donde no se componen de subdivisiones con títulos individuales. La historia detrás de este álbum conceptual es convenientemente oscuro e indulgente y esta inspirada en una nota al pie de la pagina 83 del libro "Autobiografía de un yogui" de Paramhansa Yoganda.

El álbum comienza con "The Reveling Science of God (Dance of the Dawn)" en donde los teclados de Rick Wakeman son muy evidentes y un Jon Anderson mostrando una gran forma vocal, con un amplio arsenal de desarrollos instrumentales acometido por el resto de la banda. La siguiente "The Remembering (High The Memory)", tiene una estructura bastante similar a la primera pieza, en donde una vez mas los teclados de Wakeman toman el rol protagonista, sin embargo la composición en general no es tan fuerte como la anterior, resultando una composición bastante mas edificante.
El segundo disco se abre con "Thge Ancient (Giants Under the Sun)", aquí es Steve Howe quien protagoniza los mejores momentos, desarrollando innumerables escalas con su guitarra y sus arabescos sonidos, desembocando en una segunda mitad mucho mas conmovedora y accesible.
La pista final "Ritual (Nous Sommes du Soleil)", es el tema mas puramente rock con una exuberante y dinámica percusión a cargo de Alan White y que en directo es particularmente impresionante.
En definitiva un álbum en donde Yes logra tejer grandes paisajes sonoros dinámicos a partir de alusiones melódicas y que a excepción de Chris Squire, bastante apagado en general, con menos peso especifico en lo instrumental de lo habitual, no le falta ni le sobra de nada, un trabajo tan inconmensurable como único y que esta considerado una de las obras cumbres de la historia del rock progresivo.

Kansas-Somewhere To Elsewhere (2000)

En el año 2000 y después de casi 20 años separados, los miembros originales de Kansas se volvían a reunir para grabar un nuevo álbum para regocijo de sus mas acérrimos fans. Ya había llovido mucho desde aquel “Audio-Visions” de 1980, el cual supuso el ultimo eslabón de una serie de trabajos todos ellos de memorable factura.
Si bien la banda con diferentes formaciones fueron publicando álbumes durante las décadas de los ochenta y noventa, todos ellos fueron en cierta medida rechazados por una parte de sus seguidores por el diferente rumbo musical que habían tomado, alejados de su propuesta original de rock progresivo y el rock norteamericano.
Así fueron sucediendo álbumes de menos envergadura como los mediocres “Vinyl Confessions” (1982) o “Drastic Measures” (1983), álbumes concepto como el meritorio “In The Spirit Of Things” (1988) o acercamientos a los sonidos AOR y hard rock como fueron “Power” (1986) y “Freaks of Nature”. (1995)
Durante todos esos años el continuo ir y venir de nuevos miembros era una de las constantes de Kansas, entre otros entraron el guitarrista Steve Morse, el cantante John Elefante, el violinista David Ragsdale o el bajista Billy Greer.
No es de extrañar por lo tanto la inusitada expectación que levantaría el volver a ver juntos a la formación mas clásica y exitosa de la banda de Topeka, empezando por su guitarrista y alma matter Kerry Livgren, seguido de su eterno vocalista Steve Walsh, el bajista Dave Hope, y el violinista y cantante Robbie Steinhardt, a los que hay que sumar los dos únicos miembros que habían permanecido todos estos años como eran el guitarrista Rich Williams y el batería Phil Ehart, con la colaboración de otro de sus ilustres miembros como era el bajista Billy Greer.
Centrándonos en “Somewhere to Elsewhere”, la banda intenta recrear su clásico sonido de los 70, retrocediendo a las raíces en sus días de gloria, o por lo menos momentáneamente. No sólo Kerry Livgren volvió al redil como autor de todo el material compuesto en este disco y como el máximo exponente de las guitarras y teclados, sino que también Robbie Steinhardt consolidó su regreso retomando un papel muy crucial en el nuevo repertorio de la banda, e incluso Dave Hope, asumió su crucial papel de bajista en un par de temas, aún así, es Billy Greer quien se encarga de tocar en este álbum en la mayoría de los cortes, incluso debutando como vocalista principal en "Look at the Time". Sería demasiado optimista afirmar que la banda iguala los mejores registros de los 70 con este trabajo, sin embargo este, es una brillante grabación que nos trae de vuelta el viejo sonido vintage de Kansas que todos pensábamos que ya había quedado enterrado para siempre. El álbum se inicia con "Icarus II", que a pesar de las referencias al tema original de "Icarus" perteneciente al álbum “'Masque” de 1975, no es una simple revisión, si no una nueva composición que además de mantener el toque épico del anterior, es más introspectivo y melancólica, incluso en el pesado interludio de balanceo final. Las siguientes “When The World Was Young” y “Grand Fun Alley”, son dos potentes rock bastantes melódicos y pegadizos, mientras “The Coming Dawn” es un bellísimo medio tiempo sinfónico que de alguna manera nos deja un sabor muy cercano a la clásica “Dust in The Wind” de finales de los 70.
Llegados a este punto aparecen dos de los temas que demuestran el esplendor épico de la banda como son “Myriad”, tema que en realidad se remonta a los primeros años de la banda, y que sin embargo nunca fue incluida en ninguno de sus álbumes y “Distant Vision”, que iguala a la anterior en belleza, complejidad, delicadeza orquestal y una pasión evocadora, ambas bajo el auspicio de las fuertes creencias cristianas de Livgren.
En estos dos temas, Walsh nos recuerda lo gran vocalista que es y siempre ha sido, con eso tonos emocionales que son el binomio perfecto a las percepciones intelectuales de Livgren. Por contra la beatle "Look at the Time" y "Bizancio" son los cortes mas extravagantes que de alguna manera se salen del sonido habitual de Kansas, esta ultima con sus ambientes exóticos inspirados en la tradición árabe y turca. En "DST Blues" la banda se recrea con un soberbio blues pegadizo, en donde brilla la voz y el violín de Reinhardt, mientras "Not Man Big" es el brillante cierre del álbum, un final enérgico propiamente dicho para un álbum lleno de material muy intenso, con diferentes matices sonoros, y que conformaron un trabajo magnifico tanto en el plano musical como lírico.

Echo And The Bunnymen- Ocean Rain (1984)

Echo And The Bunnymen son una de las bandas esenciales del sonido post punk británico de la década de los ochenta que pese a estar a la sombre de otras coetáneas, lograron alcanzar el status de banda de culto gracias a una serie de álbumes emblemáticos dentro de dicho género.
“Ocean Rain” su cuarto larga duración, supuso el espaldarazo definitivo de Echo And The Bunnymen, un álbum que se alejaba del sonido oscuro del post punk para derivarse hacia un estilo mas melódico muy cercano al pop rock y a la épica romántica.
Un disco que contiene luminosas melodías como “Silver”, “Cristal Days” o “Seven Seas”, las cuales contrastan con las épicas “Nocturnal Me”, “Ocean Rain” y The Killing Moon”, mientras que “Thom Of Crows” es un guiño al pasado sombrío y oscuro de la banda.

Steve Hackett-Voyage Of The Acolyte (1975)

Hasta 1975, Steve Hackett era sin ninguna duda el miembro mas distante y oscuro de Genesis, aún siendo reconocido como un guitarrista talentoso, siempre fue visto como el músico que se escondía detrás de su instrumento y apenas obtenía el protagonismo de los restantes integrantes de la banda.
Para ese año los componentes del grupo decidieron tomarse un tiempo para reflexionar debido a la marcha de Peter Gabriel y mientras buscaban una solución al rol del nuevo vocalista (algo que finalmente recaería en el propio batería de la banda, Phil Collins), Hackett lanzaba su primer álbum en solitario.
La publicación de este primer álbum (el primero lanzado por un miembro del grupo), significaría la demostración del enorme talento del guitarrista, bastante oscurecido a nivel compositivo en su banda madre.
“Voyage of the Acolyte” cuenta con la participación de varios de sus compañeros en Genesis, Mike Rutherford y el mencionado Phil Collins, además de ilustres nombres como Percy Jones, Robin Miller o Sally Oldfield, entre otros músicos de reconocida fama.
Para muchos, “Voyage of the Acolyte” es sin duda el mejor trabajo de un miembro de Genesis en solitario, considerado una joya del rock progresivo, con grandes similitudes al sonido de su banda o acercamientos a King Crimson por el uso masivo del mellotrón.
El abrupto inicio de “Ace Of Wands”, es la clara advertencia para mostrarnos que estamos ante un álbum muy fértil e imaginativo, un tema frenético de rock progresivo, en donde los cambios de ritmo continuos y los increíbles pasajes de guitarra confieren a esta pieza la categoría de notable. La encantadora “Hands Of The Priestess”, pone uno de los puntos bucólicos y pastorales, mientras “A Tower Struck Down” retoma la agresividad del primer corte con un esplendoroso tema progresivo.
Después del breve interludio que supone la segunda parte de “Hands Of The Priestess”, con un tono mas suave que la primera parte, llega otra melodía suave y melancólica “The Hermit”, que sirve como umbral a uno de los temas mas elaborados y complejos, “Star Of Sirius” donde las voces de Phil Collins suenan de manera celestial, acompañados de guitarras, mellotrones y una batería pletórica y contundente.
Para finalizar aparecen la breve y acústica “The Lovers”, que es la antesala a la epopeya de 14 minutos “Shadow Of The Hierophant”, sin duda el tema que mas se acerca al sonido mas puro de Genesis, en donde sobresale la dulce voz inicial de Sally Oldfield, para progresivamente convertirse en un tema con continuas atmósferas y cambios de ritmo y que es el epilogo perfecto para un disco pletórico de rock progresivo.

Rush-Signals (1982)

Después de ocho álbumes de estudio y dos directos, los sintetizadores ocupan por primera vez un lugar predominante por encima de las guitarras en un disco de Rush, incluso sustituyéndolas en gran parte de este noveno trabajo de los canadienses.
En “Signals” sigue estando presente la batería habitual e inconmensurable de Neil Peart, pero el rock progresivo y las guitarras heavy han desaparecido casi completamente, derivando el estilo hacia los sonidos de la new wave, aunque y todo hay que decirlo, de manera bastante sutil y compleja, con esos arreglos intrincados de gran clase y la personalidad ya acostumbrada del trio.
Abriendo el álbum nos encontramos con una de las mejores canciones de la época, "Subdivisions", tema que tuvo bastante éxito en las listas y que es todo un clásico de su repertorio, especialmente su intro con los teclados.
También destacan algunos temas recuperados en su época más reciente para los directos, como son "The Analog kid" y "The Weapon", esta ultima la tercera parte de la trilogía “Fear”.
El resto del álbum gira en torno a los avances tecnológicos con un aire de modernidad y futurismo, reflejado en temas como "Digital man", "Chemistry" o "New World man".
El álbum cierra con la fantástica "Losing it", que incluye como invitado a Ben Mink con un espectacular solo de violín eléctrico y con "Countdown", que trata de reproducir lo que supone un lanzamiento espacial y que da por finalizado un disco que les mantendría en la cúspide del rock mundial, pese al cambio tan radical de estilo que la banda imprimiera en esta meritoria nueva entrega, después de su opera prima como fue el antecesor “Moving Pictures”.

Frank Zappa-Zoot Allures (1976)

“Zoot Allures” supuso el decimoséptimo álbum que Frank Zappa firmaría en solitario y que fue publicado en medio de la efervescente época de la música disco de mediados de los setenta.
Para la grabación de este álbum Zappa recurriría a un gran plantel de músicos de sesión, (algunos de los cuales, mas tarde pasarían a ser habituales en sus posteriores grabaciones), entre otros se encontraban el batería Terry Bozzio, el bajista Roy Estrada, la teclista Ruth Underwood o el saxofonista Napoleón Murphy Brock, además de una sección de vocalistas en donde aparecían Davey Moire, Rubén Ladron de Guevara o Sparkie Lewis, mientras que el propio Zappa se encargaba de las guitarras, sintetizadores, teclados, voz principal y la producción del mismo.
En “Zoot Allures” Frank Zappa se alejo en cierta medida de su habitual sonido estándar para acercarse al rock mas directo y puro y si bien en muchos momentos del álbum alcanza ese estilo, también es cierto que en el fondo su música característica sigue estando presente en cada surco del disco.
Su peculiar humor sigue dominando la gran mayoría de cortes como la sórdida “The Torture Never Stops” o la humorística y divertida “Ms.Pinky”. Por otro lado “Wind Up Working In a Gas Station” y “Black Napkins”, son los momentos de rock directo antes mencionados, en donde los solos de guitarra de Zappa muestran su asombroso dominio con ese instrumento.
La instrumental “Zoot Allures” es uno de los momentos culminantes con su distintiva guitarra en primer plano, un lenta pieza mantenida de manera soberbia por un Terry Bozzio fuera de serie.
Para finalizar Zappa hace su particular guiño humorístico a la música disco, que por entonces estaba en un gran apogeo con su tema “Disco Boy”, otro espectacular numero de rock puro y un excelente cierre de un gran álbum de pura diversión y virtuosismo por parte de todo el plantel de músicos intervinientes.

Mike and The Mechanics-Mike and The Mechanics (1985)

En 1984 después de acabar la gira posterior al duodécimo álbum de Genesis, los miembros de la banda se tomarían un largo descanso y se dedicarían a sus propias carreras en solitario,
Mientras Phil Collins y Tony Banks publicaron sus albumes “No Jacket Required” y “Soundtracks”, respectivamente, Mike Rutherford en cambio fundaría una banda paralela a su banda madre, a la que denominaría Mike and The Mechanics, para lo cual reclutaría a los cantantes Paul Carrack y Paul Young, al teclista Adrian Lee y al batería Peter Van Hooke.
Con esta formación la banda lanzaría su álbum debut “Mike and The Mechanics” a finales de 1985, en el cual se reflejaba los sonidos eclécticos de su fundador, una inteligente mezcla de sofisticado pop y rock, y unas composiciones exquisitas repletas de grandes estribillos y irresistible melodías.
Temas como las adictivas “All I Need Is A Miracle”, “Silent Running” o “I Get The Feeling”, emocionales baladas “Par Avion” y “You Are The One” o medios tiempos cautivadores como “Taken In” o “A Call To Arms”, todo ello bajo una exquisita producción, catapultaron al álbum a ambos lados del Atlántico, consiguiendo un gran éxito y de paso consolidando la banda con grabaciones periódicas que obtendrían un notable éxito posterior y una carrera musical estable y muy respetada.

The Police-Regatta de Blanc (1979)

Durante su corta actividad, The Police fue considerada como una de las mejores bandas del planeta. En su intensa actividad durante los apenas seis años que estuvieron en la cúspide, crearon una serie de obras que hoy en día son fundamentales para entender la evolución lógica de la música rock de finales de los 70 y principios de los 80.
Este enorme trío compuesto por el guitarrista Andy Summers, el bajista Sting y el batería Stewart Copeland, supieron conjugar sabiamente el rock, el reggae, el pop y los ramalazos del punk de la época como quedo demostrado en sus dos primeras obras.
Con su segundo trabajo “Regatta de Blanc”, la banda confirmaba la tendencia iniciada en el anterior y explosivo “Outlands d´Amour”, con un disco repleto de grandes composiciones como la new wave “Message In A Bottle” todo un hit mundial y un clásico de la historia de la música rock o la reggae “Walking On The Moon”, secundadas por la excelente instrumental “Regatta de Blanc”, o las maravillosas “Bring on the Night” y “The Bed´s Too Big Without You”.
El tremendo éxito del álbum, logrando media docena de discos de platino,  arrastraría al anterior trabajo a conseguir una gran acogida comercial, y al mismo tiempo colocar a The Police en la cúspide del panorama rock de principios de los ochenta.

Molly Hatchet-Double Trouble Live (1985)

Fundada a principios de los 70, Molly Hatchet son otra de las bandas fundamentales del southern rock y al mismo tiempo una de las legendarias bandas norteamericanas, casi al mismo nivel que sus coetáneas ZZ Top, 38 Special, The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, The Outlaws, Blackfoot o Marshall Tucker Band.
Fundada a principios de los 70 en Jacksonville, Florida, por el guitarrista Dave Hlubek, no seria hasta casi finales esa década cuando publicaron su primer y homónimo álbum con el que consiguen vender un millón de copias y su correspondiente disco de platino.
Con una primera formación compuesta por el mencionado Hlubek, secundado por los guitarristas Steve Holland y Duane Roland, el bajista Banner Thomas, el batería Bruce Crump y el cantante Danny Joe Brown, su propuesta de rock sureño es las mas cercana al heavy con aproximaciones a los sonidos AOR y al hard rock, a diferencia de estilo mas tradicional con raíces en los sonidos americanos del blues, el country y el soul de las otras bandas.
Con esta misma formación, lanzarían un año después “Flirtin´ With Disaster”, con el que superan las ventas de su álbum debut, logrando un doble disco de platino.
La popularidad del grupo se incrementaría notablemente al girar durante esos primeros años junto a bandas como AC/DC, Aerosmith, Rush, Journey, Judas Priest o Bob Seger and The Silver Bullet Band por todos los Estados Unidos.
Pero a partir de su tercer álbum, comienza un constante ir y venir de integrantes, empezando por el vocalista Danny Joe Brown que abandona, y es sustituido por Jimmy Farr, con quien graban el continuista e igualmente exitoso “Beatin´The Odds” (1980).
Los siguientes “Take No Prisioners” (1981), “No Guts...No Glory” (1983) y “The Deed Is Done” (1984), no logran el mismo impacto comercial de sus primeras tres obras, pese a contener un repertorio de grandes temas cargados de incendiario rock sureño muy valorados por los fans del genero.
Seria precisamente durante la gira de este ultimo “The Deeds Is Done”, cuando se grabaría el álbum que hoy nos ocupa, el doble en directo “Double Trouble Live”, grabado en Jacksonville y Dallas durante 1985.
Por entonces la banda distaba considerablemente de la formación original, en la que aparecía el bajista Riff West, el teclista John Galvin y el guitarrista Dru Lombar, además de la reincorporación de su cantante original Joe Brown.
“Double Trouble Live” es un perfecto recorrido por lo mas granado de los seis primeros álbumes del grupo, empezando por la inicial y típicamente sureña "Whisky Man", a la que la siguen las clásicas del repertorio del grupo "Beatin 'the Odds" y "Bounty Hunter", la comercial "Stone in Your Head", el hard rock "Bloody Reunion", la incendiaria versión del tema de Lynyrd Skynyrd, “Freebird”, o el espectacular boogie rock "Boogie no More", conformando con todo ello, un show en vivo explosivo y contundente.

Fleetwood Mac-Tango In The Night (1987)

Después de un lustro de silencio discográfico, en 1987 Fleetwood Mac regresaban con un nuevo álbum, “Tango In The Night”, su décimo cuarto trabajo, que venia precedido del disco “Mirage” publicado en 1982.
A mediados de 1986 Lindsay Buckingham había iniciado la grabación de un álbum en solitario, sin embargo al poco tiempo de comenzar, reuniría a sus compañeros de la banda y les pediría participar en las grabaciones, convirtiendo esa colaboración finalmente en un nuevo trabajo bajo la firma de Fleetwood Mac.
El resultado de esta reunión fue una obra de extraordinaria producción, de un exquisito sonido cristalino y un repertorio cargado de canciones pegadizas y adictivas que se movían entre el pop cercano a la new wave y el rock.
Las irresistibles y rítmicas "Everywhere”, “Little Lies”, “Seven Wonders” o “Big Love”, la retro “Caroline”, la bellísima “Mystifield”, la rock “Isn´t It Midnight”, la hipnótica “Tango in The Night” o la pop rock “Family Man”, se convirtieron todas en unos clásicos de la banda y pese al rechazo de la prensa especializada por considerarlos excesivamente comerciales, obtuvo el beneplácito de sus fans y el publico en general, que auparon al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico, con un éxito arrollador en las listas de medio mundo.
“Tango In The Night” se convertiría en el disco mas vendido de Fleetwood Mac detrás de su obra cumbre “Rumours” (1977), logrando unas ventas que superan los quince millones de copias a nivel mundial.

Argent-Encore: Live In Concert (1974)

El sexto álbum de Argent, la banda liderada por los ingeniosos Rod Argent (teclados y voz) y Russ Ballard (guitarra y voz), fue el doble en directo “Encore”, grabado en la gira posterior al disco “Nexus” y que fue lanzado oficialmente a finales de 1974 por la discográfica Epic Records.
Compuesto por un repertorio extraído de varios conciertos por el Reino Unido durante los primeros meses de 1974, cerraban la formación de la banda, el batería Robert Henrit y el bajista Jim Rodford.
En este doble álbum se observa la tendencia sinfónica y progresiva de Rod Argent, la cual contrasta claramente con la faceta mas accesible y comercial de Ballard.
Compuesto por momentos de largos desarrollos instrumentales como la inicial “The Coming Of Kohoutek”, o las progresivas “God Gave Rock and Roll to You” y “Music From The Spheres”, todas ellas con los teclados y el órgano de Rod Argent como protagonista principal, muestra también la vertiente mas asequible de Ballard, como queda demostrado en las hard rock “It´s Only Money (Parts 1 y 2)” y “Thunder and Lightning”.
El resto de temas mantiene un altísimo nivel, como queda evidenciado en la bluesy con tintes progresivos “I Am The Dance Of Ages”, el desenfadado rock and roll “Keep On Rollin´”, con un acelerado estilo boogie rock irresistible o en sus dos grandes clásicos, la inconmensurable “Hold Your Head Up” y la contagiosa “Time Of The Seasons”, argumentando con todo ello, el inagotable talento de dos de los mas grandes genios que la música británica haya dado jamás, tanto en el plano creativo como instrumental.

The Soft Machine-Land Of Cockayne (1981)

A finales de los setenta, Soft Machine se había convertido en una especie de asilo en donde algunos de los mejores y venerables músicos británicos de las dos ultimas décadas, la mayoría de ellos libres de contratos contractuales, encontraron su refugio al margen de los modernos estilos que por la época proliferaban.
Aún bajo la dirección y el amparo del eterno Karl Jenkins (teclados) y de John Marshall (batería y percusión), el grupo alcanza la magnitud de super banda formada por el mas selecto elenco de instrumentistas: Dick Morrisey (saxofón tenor), Alan Holdsworth (guitarra), Alan Parker (guitarra rítmica), John Taylor (Fender Rhodes), Jack Bruce (bajo) y Ray Warleigh (saxofón alto y flauta), además de los vocalistas Stu Calver, John Perry, Tony Rivers y Bill Harman.
Con esta asombrosa formación, grabarían el ultimo álbum de Soft Machine “Land Of Cockayne”, al mismo tiempo que se convertiría en su epitafio final apenas había comenzado la década de los ochenta.
Este ultimo lanzamiento viene a ser un agradable ejercicio ecléctico de sonidos clásicos, de excelente jazz-funky y jazz-rock, en donde los músicos están simplemente perfectos, sin desmadres ni protagonismo, extraordinariamente conjuntados y realizando únicamente música, una música fluida y ligera, en la cual cada uno de ellos aporta su peculiar virtuosismo.
Escrito y compuesto en su totalidad por Jenkins, la tónica del álbum es de relajada y envolvente exquisitez, mas dominada por la insinuación melódica, (que por momentos se aproxima a los esquemas sinfónicos), que por el desmán improvisa torio habitual de todos los trabajos anteriores de Soft Machine.
Cortes como la floydiana “Over And Above” o la ambiental “Lotus Groves” nos conducen a la corta y orquestada “Isle Of The Blessed”, antesala de las jazz fusión “Panoramia”, “Hot-Biscuit Slim” y “Sky Monkey”, los cuales son los temas mas destacados de uno de los mejores trabajos del jazz-rock de los ochenta.

Porcupine Tree-Stupid Dream (1998)

Con “Stupid Dream”, el carismático líder de Porcupine Tree, Steve Wilson, le dio la espalda a gran parte de su sonido anterior y intento una nueva dirección musical, dejando atrás los largos desarrollos instrumentales, a veces un tanto indulgentes, para centrarse en un vía mas comercial y accesible.
Sin embargo todo ello bajo la relatividad que supone sus estructuras musicales complejas y el talentoso trabajo instrumental de todos los componentes del grupo, los sofisticados arreglos y sus enrevesadas composiciones.
La formación que grabaría este quinto álbum sigue siendo la misma de los tres anteriores, compuesta por Steve Wilson (guitarras, teclados, voces y otros instrumentos, además de la producción), Colin Edwin (bajo), Chris Maitland (batería) y Richard Barbieri (toda clase de teclados y sintetizadores).
Temas como “Piano Lessons” o “This Is No Rehearsal” son una clara apuesta hacia las radio formulas, sin embargo la majestuosidad de los sonidos progresivos de antaño están presentes en “Even Less”, “Pure Narcotic” y “Don´t Hate Me”, introduciendo incluso en todas ellas unas letras menos controvertidas a lo habitual en las composiciones de Wilson.
El resto mantiene un alto nivel como queda demostrado en la floydiana “Strange By The Minute” o en la melancólica “Stop Swimming”.
Con este álbum, Porcupine Tree ascendió considerablemente en términos de atractivo comercial, obteniendo mas accesibilidad a otros sectores de fans, al mismo tiempo que retuvo gran parte de su esencia original, aquella que los habían hecho muy populares entre sus principales seguidores.

Neil Young and Crazy Horse-Re·ac·tor (1981)

“Señor, dame la serenidad para aceptar lo que no puedo cambiar, fortaleza para cambiar lo que puede ser cambiado, y la sabiduría para conocer la diferencia”. Con esta plegaria en latín, se inicia el undécimo álbum de Neil Young, flanqueado por sus inseparables Crazy Horse.
Si su titulo no estuviera ya ocupado por Bob Dylan, en lugar de “Re·ac·tor”, hubiera sido mas apropiado el de “Blood On The Tracks”, por que difícilmente se puede encontrar un álbum tan guerrero y con tanto coraje en sus surcos como este.
Con alusiones a temas poco recurrentes en los años ochenta como la Guerra del Vietnam, “Re·ac·tor”, fue lanzado a finales de 1981 bajo el sello Reprise, el ultimo con esta discográfica antes de que firmara un nuevo contrato con la Geffen Records, con la cual estaría gran parte de la década de los ochenta, iniciando con ello su época mas oscura y mediocre.
“Opera Star” de claro manifiesto rock en perfecta continuidad con “Rust Never Sleeps”, es el corte que inicia de manera abrumada este álbum, mientras en “Surfer Joe And Moe The Sleaze”, la personalísima guitarra de Young  juguetea sobre un fondo de voces para contarnos historias de borracheras, despilfarros y excesos obscenos en un tono mas tranquilo y melódico.
“T-Bone” y “Get Back On It”, son obsesivos y rítmicos homenajes a las raíces negras del rock, la primera en un tono histérico y la segunda mas cercano al boogie blues, con la que ponen punto y seguido a la primera cara del álbum.
La cara B es el desmadre rockero de Neil Young y su banda, empezando con la asesina “Rapid Transit”, a la que le siguen la machacona “Southern Pacific”, la sureña “Motor City” y esa pesadilla visceral titulada “Shots”.
Puro y duro rock, así es como mejor se define este álbum, el ultimo gran trabajo del canadiense hasta su resurgimiento musical de finales de la década de los ochenta con el soberbio “Freedom”, después de sus extraños meandros musicales que ocuparon todo su periplo bajo la mencionada y polémica discográfica comandada por David Geffen.

Iron Maiden-The Number Of The Beast (1982)

El tercer álbum de Iron Maiden supuso el alejamiento de los sonidos punk de los anteriores trabajos del grupo, para adentrarse en un estilo mas complejo con alusiones a momentos históricos y épicos con un heavy metal mas sofisticado y en cierta medida mucho mas virtuoso y progresivo.
El primero donde ya aparece Bruce Dickinson en el rol de vocalista, sustituyendo a Paul Di´Anno, el resto seguía formado por el bajista Steve Harris, ademas de los guitarristas Dave Murray y Adrian Smith y el batería Clive Burr.
Grabado en los meses finales de 1981 y principios de 1982 en los estudios Battery de Londres, tuvieron como productor al afamado Martin Birch en los controles de grabación.
“The Number Of The Beast”, es un álbum vibrante y asombroso de virtuosismo por parte de todos sus componentes, que se inicia con la acelerada y poderosa “Invaders”, a la que le siguen la dinámica “Children Of The Damned”, la melódica “The Prisoner”, la potente “22 Acacia Avenue”, la asombrosa “The Number Of The Beast”, la pegadiza “Run To The Hills” o la demoledora y sensacional “Hallowed Be Thy Name”.
Considerado uno de los grandes álbumes del llamado NWOBHM y del heavy metal en general, “The Number Of The Beast” logro colarse hasta las primeras posiciones en numerosos países alrededor del mundo, logrando unas ventas que superaron con creces los trece millones de copias a nivel mundial.

The Allman Brothers Band-Idlewild South (1970)

En su segundo disco, The Allman Brothers Band apostaron por un estilo mas complejo y sofisticado, un claro anticipo de lo que la banda haría en los sucesivos años.
La sabia fusión de blues, rock y funk se ve reforzada en este “Idlewild South” por una esencia country como queda demostrado en la maravillosa e entusiasta “Revival”, la magnifica blues “Please Call Home” y el folk rock “Midnight Rider”, que contrastan con las poderosas  bluesy “Don´t Keep Me Wonderin´” y “Leave My Blues At Home”, sin olvidarnos de la incendiaria versión del tema del gran Willie Dixon, “Hoochie Coochie Man”, mientras “In Memory Of Elizabeth Reed”, es el clásico tour de force de la banda, en donde cada miembro tiene su momento de lucidez con solos de guitarras, percusiones y órgano, la cual la convierten en el punto culminante de otra de las obras maestras del grupo originario de Jacksonville.

Electric Light Orchestra-Time (1981)

En 1981 Jeff Lynne volvía a demostrar su enorme talento creativo entregando otra obra maestra del pop sinfónico, como fue el noveno álbum de la Electric Light Orchestra, “Time”, que diseñado a modo conceptual, contiene algunas de las composiciones mas rotundas y contundentes de toda la carrera del grupo.
Una banda que por entonces seguía estando formada por los mismos miembros que habían grabado las anteriores obras “Discovery” y “Xanadu”, compuesta por el propio Lynne (guitarras, voz y teclados), Kelly Groucutt (bajo), Bev Bevan (batería) y Richard Tandy (teclados y guitarras).
“Time” es un atractivo álbum concepto muy avanzado para su época, basado en un viaje al futuro en donde las orquestaciones encantadoras, crean un trabajo repleto de grandes canciones pop sinfónicos individuales, que sin embargo en donde realmente destacan, es en el resultado final como conjunto, en un disco que exige ser escuchado como una pieza completa y única.
Temas vigorosos y dinámicos “Twilight”, “Yours Truly, 2095”, “Hold On Tight” o “From The End Of The World”, contrastan con las bellas melodías “Ticket To The Moon” y “21st Century Man”, mientras las adictivas “Rain Is Falling” o “The Way Life´s Meant To Be” conforman un trabajo soberbio en donde los sintetizadores cobran un mayor protagonismo creando con ello, la ambientación perfecta para plasmar la historia aquí expuesta.

Judas Priest-Sad Wings Of Destiny (1976)

El segundo álbum de Judas Priest, fue la antesala de la base de su característico estilo heavy metal que llegaría en los años siguientes, un disco este tan transcendental como icónico en la carrera del grupo de Birmingham.
Con un núcleo solido formado por los hachas guitarrísticos Glenn Tipton y K.K. Downing, el bajista Ian Hill y la portentosa voz de Rob Halford, en esta segunda entrega se alejan de los sonidos psicodélicos y las influencias del heavy blues para adentrarse definitivamente en el heavy metal mas contundente con elementos épicos como demuestra la sensacional “Victim Of Changes”, mientras “The Ripper” muestra la faceta mas accesible con un tema irresistible y un símbolo dentro del genero del metal. Sin embargo también contiene momentos mas oscuros como demuestra “Genocide” o germinales cortes muy cercanos al hard rock progresivo como “Epitaph” o “Dream Deceiver”, mientras en “Tyrant” nos adelantan por donde seguirá el devenir futuro del grupo con un tema que será un denominador común de los Judas Priest en la década de los ochenta.
Como ocurriría durante gran parte de la carrera del grupo, el rol de batería aquí esta representado por Alan Moore, quien había sustituido a John Hinch, pero que ya no tendría mas continuidad, siendo reemplazado por tres baterístas (Simon Phillips, Les Binks y Dave Holland), para el siguiente álbum “Sin After Sin” de un año mas tarde.

U2-The Unforgettable Fire (1984)

“The Unforgettable Fire” fue el cuarto álbum de la banda irlandesa U2 (el quinto si contamos el directo publicado a finales de 1983 “Under A Blood Red Sky”)
Grabado como todos los anteriores en los Windmill Lane de Dublin, este cuarto disco supuso la metamorfosis perfecta de la banda entre los álbumes “War” (1983) y “The Joshua Tree” (1987), un trabajo tan apoteósico como brillante en donde ya solo por el emblemático y extraordinario “Pride (In The Name Of Love) lo engrandece. Sin embargo el resto no le va a la zaga, como demuestran los cortes “The Unforgettable Fire” con ese aire nostálgico, la atmosférica “A Sort Of Homecoming”, la épica “Bad” o la poderosa “Indian Summer City”.
Con este álbum, U2 mostraban su época de mayor esplendor, en donde su faceta creativa y ambiciosa estaba en el punto culminante de su meteórica carrera.

10cc-Deceptive Bends (1977)

En 1976 la banda británica 10cc habían sufrido la perdida de dos de sus máximos compositores, como fueron Kevin Godley y Lol Creme que decidieron abandonar para iniciar su propia carrera en solitario, un hecho que para muchos significaba el fin de la era creativa de la banda. Sin embargo, 10cc tenia los suficientes argumentos para seguir adelante de manera exitosa con la otra pareja de grandes compositores como eran Eric Stewart y Graham Gouldman y así lo demostraron en el primer álbum post Godley & Creme.
Lanzado a mediados de 1977, el nuevo álbum de la banda llevaba por titulo “Deceptive Bands”, un titulo irónico tomado de una señal de trafico en la autopista A24 entre las localidades británicas de Leathehead y Dorking en Surrey, advirtiendo de las peligrosos curvas que se avecinaban mas adelante.
“Decepctive Bends” fue sin duda la mejor demostración del gran talento de binomio Stewart-Gouldman para seguir creando grandes obras, aunque también es cierto que pierden el encanto de las excentricidades y la experimentación que los desertores Godley y Creme imprimían al estilo del grupo, pero al mismo tiempo descubrimos la grandeza de Stewart y Gouldman como compositores, que por esa época estaban en un gran estado de forma creativa e instrumental.
Composiciones majestuosas como la bluesy “Modern Man Blues”, la rock and roll juguetona “Good Morning Judge”, la deudora Beatle “The Things We Do For Love”, las melódicas “Don´t Squeeze Me Like Toothpaste” y “People In Love” o la progresiva y dinámica “Feel The Benefit”, confirmaba pese a la perdida los mencionados y geniales Godley y Creme, que la banda podía perfectamente salir adelante facturando un trabajo soberbio y antológico como este, el cual conseguiría un merecido reconocimiento comercial en las listas de numerosos países alrededor del mundo.

Aerosmith-Permanent Vacation (1987)

A mediados de los ochenta Aerosmith estaban sumidos en la decadencia total, sus continuos excesos con las drogas y sus disputas y las idas y venidas de sus miembros, les habían llevado al mas completo oscurantismo.
En 1985 habían publicado el discreto “Done With Mirrors”, con el cual lograrían un disco de oro y lo que es aún mas importante, había vuelto a reunirse la formación original, después de los extraños experimentos que supusieron los álbumes “Nights In The Ruts” y “Rock In A Hard Place”, en los cuales aparecían unos miembros interinos como fueron los guitarristas Jimmy Crespo y Rick Dufay en sustitución de Bard Whitford y Joe Perry.
En “Done With Mirrors”, pese a ser un álbum de transición y no precisamente muy brillante, ya se intuye una notable mejoría con respecto a sus dos anteriores obras, en donde destacaban temas como la vibrante “My Fist Your Face”, la divertida “The Reason A Dog”, las bluesy “Shame On You” y “Shela” o la interesante “She´s On Fire”, las cuales contrastaban con otras mucho mas previsibles y de menor factura creativa.
Dos años después de “Done With Mirrors”, lanzaron el álbum “Permanent Vacation”, el cual supuso el punto de inflexión entre seguir o dar por acabada la carrera del grupo. Aquí y por primera vez, se utilizan composiciones ajenas a la banda de artistas como Desmond Child o Jim Vallance, además de un cambio casi radical en el sonido del grupo, buscando con todo ello una mayor aceptación por parte del publico, un publico que por cierto ya hacia tiempo les había dado la espalda.
Compuesto por una serie de canciones adictivas y enérgicas como la inicial “Heart´s Done Time”, la melódica “Magic Touch”, la rítmica “Rag Doll”, la bluesy “St. John”, la sureña “Hagman Jury” o la contundente “Girl Keeps Coming Apart”.
La recepción posterior de este álbum resucitaría a Aerosmith del ostracismo y los auparía hasta un onceavo puesto en las listas norteamericanas y unas ventas que superaron los cinco millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano y mas de un millón a nivel mundial, una cifra que se quedaría corta con el siguiente y sobresaliente “Pump” de varios años mas tarde.

The Who-Live At Leeds (1970)

“Live At Leeds” es una fantástica demostración de lo que un grupo como The Who eran capaces de hacer en vivo. Considerado uno de los grandes directos de la historia, es todo un documento histórico de la música rock.
Grabado durante la gira británica del doble álbum “Tommy” en el campus de la Universidad de Leeds el 14 de abril de 1970, cuenta con una repertorio cargado de temas emblemáticos de casi todos sus álbumes anteriores, desde la sublime “My Generation”, hasta el clásico de Eddie Cochran, “Summertime Blues”, pasando por “Happy Jack”, “I Can´t Explain”, la fabulosa versión de Mose Allison, “Young Man Blues” o la monumental “Magic Bus”.
Con este fantástico directo de 40 minutos de puro rock, The Who demostraron el por que fueron una de las bandas mas icónicas de la historia y una de las mas ruidosas de todos los tiempos.

Vinegar Joe-Rock´n´Roll Gypsies (1972)

Vinegar Joe fueron otra de esas grandes bandas británicas de corto recorrido de la década de los setenta, que sentaron cátedra con apenas tres álbumes publicados.
Formados en 1970 bajo el nombre de Dada, su primera formación estuvo comprendida por una docena de músicos entre los que destacaban la vocalista Elkie Brooks, el guitarrista Pete Gage, el bajista Steve York, el batería Conrad Isidore, el teclista Dave Thompson o el saxofonista Dave Brooks.
Con esta formación grabarían bajo el sello Atlantic Records, el álbum homónimo “Dada” en 1970, un trabajo repleto de sonidos de jazz, soul, psicodelia y blues, influenciados por el estilo negroide de los artistas del sello norteamericano Stax Records.
Después de una larga gira por Estados Unidos, la banda regresa al Reino Unido y cambia su nombre por el de Vinegar Joe, además de reestructurar la formación entrando el cantante Robert Palmer, el teclista Tim Hinkley y el bateria Rob Tait.
Con un nuevo contrato, esta vez con el sello Islands Records, graban su primer disco bajo su nuevo nombre y titulado “Vinegar Joe”, el cual se convierte en uno de los mejores álbumes del año 1972 en las islas británicas.
Pero después de este disco vuelven a producirse nuevos cambios de integrantes, entrando el guitarrista Jim Mullen, el teclista Mike Deacon y el ex batería de John Mayall, Keef Hartley.
Con esta nueva formación graban su segundo álbum, “Rock´n´Gypsies”, en donde el habitual estilo de la banda de soul y blues, es reforzado por un mayor énfasis en los elementos del rock. Temas como la bluesy “Angel” una versión de un tema de Jimi Hendrix o cortes como las brillantes rock “So Long”, “Buddy Can You Spare Me A Line”, “Falling” o “It´s Getting To The Point”, conforman un trabajo sobresaliente, en donde además de las soberbias interpretaciones vocales de Elkie Brooks y Robert Palmer, es apoyada por una banda excelente en un estado de gracia extraordinaria.
Luego de una exitosa gira por tierras norteamericanas, la banda publicaría el tercer y ultimo disco, “Six Star General”, el cual adolecía en parte de la energía y creatividad de sus dos primeras obras.
Algún tiempo después la banda se disuelve definitivamente, dedicándose casi todos sus integrantes a sus carreras en solitario, destacando sobre todos ellos Robert Palmer, el cual obtuvo un notable éxito con algunos de sus álbumes como “Secrets” (1979), el multi platino “Riptide” (1985) y “Heavy Nova” (1988) o Elkie Brooks, la cual iniciaría una larga y exitosa carrera muy prolífica, logrando situarse entre las mejores cantantes británicas de todos los tiempos.

 

 

Foreigner-Head Games (1979)

En 1979 llegaba el tercer álbum de Foreigner, el cual esta considerado una de sus obras cumbres y al mismo tiempo uno de sus trabajos mas elaborados.
En esta nueva entrega las huestes liderada por Lou Gramm y Mick Jones consiguieron otro notable trabajo que lograría encaramarse hasta la quinta posición en el US Billboard, con unas ventas que superaron con creces los cinco millones de copias.
Además de Lou Gramm (voz) y Mick Jones (guitarra y voces), el resto de la banda estaba formada por el bajista Rick Willis, el guitarrista y teclista Ian McDonald, el batería Dennis Elliott y el teclista Al Grennwood.
Grabado durante los meses de junio y julio de 1979, en los Atlantic Studios de Nueva York, el álbum fue lanzado a principios del mes de septiembre de ese mismo año.
Si bien es evidente que en cierta medida “Head Games” pierde el descaro y el instintivo natural de sus dos anteriores obras, también lo es que aquí nos encontramos con piezas de gran calibre como la pegadiza “Love On The Telephone”, la enérgica “Dirty White Boy”, la boogie rock “Women”, la atractiva hard rock “Seventeen”, la AOR “Head Games”, la preciosista balada “Blinded By Science” o la medio tiempo adictiva “Do What You Like”.
En todos ellas sobresale la sublime voz de Lou Gramm y el sobresaliente trabajo instrumental del resto de la banda, así como la magnifica producción realizada al unísono por Roy Thomas Baker y Mick Jones.

Al Stewart-Past, Present And Future (1974)

“Past, Present And Future”, fue el ultimo álbum de la primera etapa de la carrera de Al Stewart, un período en donde los sonidos acústicos inundaban su estilo de folk con sutiles acercamientos al rock.
Si ya en sus tres anteriores obras había empezado a electrificar su estilo con la colaboración de algunos de los mejores instrumentistas de la época como Jimmy Page, Rick Wakeman o John Paul Jones, en este quinto trabajo se aleja casi totalmente de esas influencias para adentrarse en los arreglos sofisticados y eléctricos con un estilo refinado de elegante folk rock.
Ya en este álbum aparecen varios de sus futuros colaboradores habituales como el guitarrista Tim Renwick y el teclista Peter Wood, además de otros prestigiosos músicos como el teclista de Yes, Rick Wakeman, B.J.Cole o el batería de Queen, Roger Taylor entre otros muchos mas.
Grabado durante los primeros meses de 1973 en los Estudios Trident de Londres, su publicación se produjo con fechas distintas, en octubre de 1973 para el mercado británico y mayo de 1974 para el norteamericano.
Creado a modo conceptual “Past, Prsenet And Future” hace un repaso a casi todas las décadas del siglo XX, en donde el musico escoces aprovecha su gran habilidad de narrador histórico.
Temas como la bellísima “Old Admirals”, la pegadiza “Soho (Needless to Say), la beatle “Terminal Eye”, la melódica “The Last Day Of June 1934” o las arregladas “Roads To Moscow” y “Nostradamus”, impulsaron de manera abrumadora al álbum en el siempre cotizado mercado norteamericano.

Genesis-Genesis (1983)

En 1983 Genesis ya se casi se habían convertido en la banda de acompañamiento de Phil Collins, o por lo menos, sus éxitos en solitario arrastraban de manera parcial, el estilo de la que en la década anterior, fue considerada una de las máximas expresiones del rock progresivo mundial.
“Genesis” como fue titulado este décimo segundo álbum de la banda, fue precedido del anterior trabajo “Abacab”, publicado varios años antes y en donde como ya habían mostrado, se orientaban hacia un estilo enfocado en los sonidos pop rock que el baterista mostraba en sus trabajos en solitario.
Aún así, “Genesis” conserva algunos atisbos del rico pasado progresivo del grupo en algunas de las composiciones del álbum como queda demostrado en los cortes “Second Home By The Sea” o en la oscura “Mama”, e incluso en la compleja “Silver Rainbow”.
En contrapunto a estas, se encuentras las mas pegadizas y comerciales “That´s All”, “It´s Gonna Get Better” o la elaborada “Taking It All Too Hard”.
Al igual que sucedería con el anterior álbum, “Genesis” lograría colocarse en el numero uno de las listas británicas con unas ventas que superaron con creces los seis millones de copias a nivel mundial, logrando un tremendo éxito que sin embargo, seria ampliamente superado por el siguiente “Invisible Touch” de tres años mas tarde.

Scorpions-Tokyo Tapes (1978)

Tokyo Tapes es la culminación de la etapa de los años setenta de la banda germana Scorpions, si bien es cierto que antes de que acabara esta década, publicarían un álbum más como fue “Lovedrive” (1979).
Este fue el primer álbum en directo y el sexto en la discográfica del grupo, así mismo seria el ultimo grabado bajo el sello RCA y el ultimo de su guitarrista Uli Jon Roth quien ya había manifestado la intención de abandonar el grupo.
Grabado durante la gira posterior al álbum “Taken By Force” por tierras niponas, y mas concretamente en el Nakano Sun Plaza de Tokyo los días 24 y 27 de abril de 1978.
Además de Uli Jon Roth, el resto de la banda estaba formada por el vocalista Klaus Meine, el bajista Francis Buchholz, y el batería Herman Rareball, cerrando la formación el guitarrista Rudolf Schenker.
A diferencia del sonido del heavy metal característico de la década de los ochenta, aquí se puede observar el hard rock setentero de la banda con piezas como las monumentales “Pictured Life”, “Polar Nihts”, “In Trance”, “We´ll Burn The Sky”, “Fly The Rainbow”, “Top of the Bill” o “Dark Lady”, además de algunas versiones incendiarias como los clásicos “Hound Dog” y “Long Tall Sally” o el tema tradicional japonés “Kojo no Tsuki”.

Miles Davis-Kind Of Blue (1959)

Este es uno de los discos capitales del jazz, una obra maestra ejecutada por una serie de músicos talentosos.
Para esta grabación Miles Davis formaría una de las bandas mas icónicas de la historia del jazz, compuesta por John Coltrane en el saxo tenor, Jimmy Cobb a la batería, Paul Chambers en el contrabajo, Cannonball Adderley en el saxofón alto, Bill Evans y Wynton Kelly a los pianos, además de Miles Davis a la trompeta.
Grabado durante los meses de marzo y abril de 1959 en los estudios 30th Street de Nueva York contaría con los productores Irving Townsend y Teo Macero.
Grabado de manera espontánea, este álbum marcaría el inicio del llamado jazz modal, caracterizado por las improvisaciones en las que se utilizan modos o escalas en lugar de los habituales acordes.
Desde su publicación, este es uno de los álbumes mas reeditados de la historia, con constantes ediciones en todos los formatos de audio y al mismo tiempo uno de los discos mas exitosos del mundo del jazz, con unas ventas aproximadas de 6 millones de copias a nivel mundial.

Pot Liquor-First Taste (1970)

Originarios de Baton Rouge en Louisiana, Potliquor fueron una banda que publicaron dos excelentes álbumes enfocados al rock sureño, que sin embargo nunca tuvieron el merecido reconocimiento al competir con muchísimas bandas mas punteras a nivel nacional en su época.
Sus inicios se remontan a 1969, cuando el cantante George Ratzlaff, además de guitarrista y teclados se une al bajista Guy Schaeffer, al guitarrista Les Wallace y al batería Jerry Amoroso y fundan Potliquor.
Poco después un conocido manager de la zona de Baton Rouge llamado Jim Brown, comienza a representarles y les consigue un contrato con un sello local llamado Janus Records, con quienes en 1970 lanzan su primer álbum, “First Taste”.
Producido por el propio Jim Brown, en este debut Potliquor muestra un estilo de boogie rock sureño temprano con acercamientos a los sonidos mas crudos del rock americano y pinceladas de blues y gospel.
Este primer disco contiene una serie de meritorias e interesantes propuestas como la inicial southern boogie rock “Down The River Boogie”, en donde muestran sus ricas armonías vocales, en “Ol´Man River” la banda abraza su educación religiosa con una soberbia interpretación gospel, el rock´n´roll empapado de sonidos criollos aparece en “Riverboat” y el sonido pesado de órgano y blues esta presente en la alucinante instrumental “Toballby”, en la cual utilizan unas exuberantes percusiones al mas puro estilo de Santana.
Los sonidos lisérgicos y ácidos aparecen con “The Raven”, sin duda uno de los momentos cumbres del álbum, una canción épica de sonidos psicodélicos y oscuros.
El blues rock pesado bañado en grandes coros gospel “You´re No Good”, la excelsa “Price 20 cents a Copy” y la stoniana “Driftin”, dejaron un álbum que fue bien recibido y que dio pie a que tres años después volvieran a grabar un segundo titulado “Leeve Blues”, el cual seguía por una senda similar pero con un ligero enfoque mas blues.
Sin embargo estos padrinos del rock sureño no volverían a publicar ningún nuevo disco, pese a que siguieron activos hasta finales de los setenta ofreciendo conciertos por todo el estado de Louisiana, en donde tenían una amplia legión de fans.
 

CCS-CCS (1970)

CCS, abrievatura de Collective Consciousness Society, fue una importante y fundamental banda de brass rock británica de principios de los años 70.
Este enorme grupo, tanto por su calidad como por la cantidad de miembros que la formaban, fue una creación de uno de los padres del blues británico como fue Alexis Korner, quien junto al cantante Peter Thorup y al arreglista John Cameron, quisieron emular los sonidos que provenían de bandas norteamericanas como Blood Sweat and Tears, pero introduciendo elementos de los sonidos británicos del hard rock y el blues rock.
Esta Big Band y al mismo tiempo supergrupo, contaría con varias secciones bien diferenciadas, por un lado, la banda puramente rock y por otra la sección de vientos. Para ello tanto John Cameron como el productor Mickie Most seleccionaron un plantel de músicos entre los mejores de esos géneros que por entonces tocaban en el Reino Unido, empezando por una sección rítmica compuesta por los integrantes de la banda Blue Mink; Herbie Flowers (bajo), Alan Parker (guitarra) y Barry Morgan (batería). Para reforzar aún mas esta sección y otorgarle un sonido mas pesado y contundente también reclutaron al contrabajista Spike Heatley y a Tony Carr como segundo batería, el cual por entonces tocaba en la banda de Donovan.
Sobre esta base de rock se formaría una sección de metales como si de una Big Band se tratase, empezando por una sección de trompetas compuesta por Greg Bowen, Les Condon, Harold Becekktt y Henry Lowther, estos dos últimos sustituidos en el segundo álbum por Tony Fisher y Kenny Wheeler, que por entonces era un joven experimentador y que, unos años después, se convertiría en uno de los mas destacados trompetistas británicos, gracias a sus grabaciones para el sello alemán ECM.
A esta sección se les unirían tres trombonistas; Don Lusher, Bill Geldard y John Marscall, este ultimo también mas tarde seria sustituido por Brian Perrin, cerrando esta sección el trompetista, Neil Sanders, los cuales completaban los metales.
En cuanto a la sección de maderas, (saxos, clarinetes y flautas), reclutaron a algunos de los mas brillantes músicos de la escena jazzistica británica como Harold McNair, Pete King, Danny Moss, Bob Efford y el barítono Ronnie Ross.
En 1970 llegaría el primer álbum de CCS, titulado homónimamente “CCS”, publicado por el sello propiedad de Most, Rak Records y distribuido a nivel internacional por la EMI/Columbia, y el cual contenía composiciones de Cameron, Korner y Thorup, además de algunas versiones como “Living In The Past” de Jethro Tull, “(I Can´t Get No) Satisfaction)" de los Rolling Stones o “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, y de una frenética versión del tradicional “Vade In The Water”, todo un clásico de la música espiritual negra.
Musicalmente este álbum es una de las joyas del sonido jazz rock de principios de los setenta, con una complicada y compleja estructura de composiciones enfocadas al brass rock con sonidos pesados y enérgicos y que en cierta medida le otorgan un tono progresivo a su estilo.
Sin embargo, el tema que los colocó en los charts británicos, fue la mencionada versión de “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin.
Un año después lanzarían un segundo trabajo “CCS II” y en 1973 el tercero y ultimo álbum “The Best Band in The Land”.
Sin embargo poco después y debido a las obligaciones contractuales de muchos de sus miembros con sus bandas respectivas o sus proyectos en solitario además de la dificultad económica de mantener un grupo tan numeroso, desembocaría en la disolución de la banda a principios de 1974.

James Rutledge-Hooray For Good Times (1976)

James Rutledge es conocido por haber pertenecido a una de las bandas mas exitosas del rock sureño como fueron Boodrock, con quienes grabaría los soberbios álbumes “Bloodrock” (1970), “Bloodrock 2” (1971) y “Bloodrock 3” (1971). Una vez terminado la grabación de este ultimo, James decide iniciar su propia carrera en solitario junto al guitarrista John Nitzinger, el cual era uno de los compositores de los propios Bloodrock, quien además ya había lanzado su primer álbum en solitario en 1972.
Sin embargo el proyecto del Rutledge-Nitzinger no consigue el beneplácito de la Capitol Records, discográfica a la cual pertenecían ambos músicos, dejando aparcado un álbum que ya habían terminado sin que este nunca fuera publicado de manera oficial.
Varios años después Rutledge lo vuelve a intentar, esta vez firmando un disco en solitario, en el cual cuenta con la colaboración de los guitarristas, Michael Rabon, Lee Pickins y Tommy Sabona, los bajistas Thom Caccetta y Jim Grant, el batería Dahrell Norris y el teclista Kenneth Whitfield. En esta ocasión tiene mas suerte y la Capitol le produce el álbum titulado “Hooray For Good Times”, que seria publicado en 1976.
En este su único trabajo, Rutledge nos deja un interesante álbum de fusión de diferentes estilos que van desde el country rock, hasta los sonidos polvorientos del rock sureño y algún ritmo funk como queda demostrado en cortes como “Brown Paper Bag”, “Laughin´and Cryin´”, “Sole Survivor”, “Drivin´You Insane” o “Star Trackin´”.

Steve Winwood-Refugees Of The Heart (1990)

Lastrado por su predecesor y multi-platino “Roll With It” (1988), el sexto álbum de Steve Winwood " Refugees Of The Heart", fue injustamente menospreciado por parte de un sector de la critica y de sus fans, al reprocharle la repetición de los esquemas musicales del anterior álbum.
Sin embargo y a pesar de que en cierta medida Steve Winwood continuo explotando los mismos conceptos musicales, no es menos cierto que este sexto disco rebosa de una enorme calidad, con un repertorio cargado de temas accesibles con grandes arreglos instrumentales y con una extraordinaria clase en todas sus composiciones.
Para este nuevo trabajo Winwood contaría con la colaboración de su ex compañero en Traffic, Jim Capaldi, entre otros músicos invitados, la gran mayoría de ellos instrumentistas norteamericanos, como los guitarristas Mike Lawler (The Allman Brothers Band) y Larry Brown (Steppenwolf), el batería Russ Kunkel, el bajista Michael Rhodes, o el saxofonista Jim Horn.
Producido y arreglado por el propio Winwood, además de encargarse de los sintetizadores, teclados y voz, fue grabado entre Nashville en Tennessee, Estados Unidos y Gloucestershire en Inglaterra durante los meses finales de 1989 y principios de 1990.
Un álbum que contiene canciones de un gran refinamiento instrumental como la majestuosa “You´ll Keep on Searching”, la atractiva “Every Day (Oh Lord”, la irresistible “One And Only Man”, la atmosférica “I Will Be Here”, la bluesy “Another Deal Goes Down” o la funk “Come Out And Dance”, para acabar este extraordinario trabajo con la dinámica y extensa “In The Light of Day”.
En definitiva una gran obra injustamente subestimada en su momento, que con el paso del tiempo ha sido reconocida como una de las mayores aportaciones en la carrera de Steve Winwood, sin duda uno de los grandes genios que ha dado el rock a lo largo de toda su historia.

Papa Zoot Band-SWF Session´73 (1973)

Esta desconocida banda alemana ni siquiera llegaron a publicar ningún álbum de manera oficial, y es difícil creer (o no, observando la gran cantidad de grandes y talentosos grupos que en aquellos momentos existían), que no obtuvieran un sello discográfico que les hiciera un contrato.
Originarios de la ciudad de Frankfurt, su fundación se remonta a principios de la década de los 70 y estaba formada por el bajista Robby Matthes, el organista Reinhard Grohe, el batería Christian Engel, el guitarra Lutz Sommer y el cantante Ernst Nadler.
Su único documento sonoro es este “SWF Session”, extraído de unas sesiones en la radio alemana SWF en 1973.
Su estilo emparentado con los sonidos del hard rock británico y el vanguardismo alemán del krautrock, les haria ganar cierta popularidad actuando en diferentes conciertos junto a bandas mas punteras como Creation, Can o Guru Guru.
Después de actuar en la mencionada radio alemana con una amplia difusión por todo el país teutón, logran participar en uno de los mas grandes festivales de la época en la localidad de Essen al noroeste de Alemania.
Su estilo a medio camino entre los sonidos de las bandas británicas como los primeros Pink Floyd, se fusionan con elementos del vanguardismo alemán con unos sonidos dramáticos y teatrales muy cercanos a sus compatriotas Eloy, Nektar o Jane, pero con un ápice instrumental mas melódico que todos estos.
Cortes como la suite “Fly Away”, es un extraordinario viaje lisérgico y espacial de sonidos progresivos que nos recuerdan a obras tan magnas como “Echoes” de los mencionados PF.
Otros cortes como “Driving High” o “Hear Me When I´m Crying”, están mas cercanos al hard rock de Uriah Heep o Deep Purple, con un imponente órgano pesado que imprime unos contundentes ritmos abrasadores y oscuros, mientras la psicodélica “All The Girls”, se asemeja a los sonidos de finales de los sesenta, para acabar con la bluesy y deudora de The Doors “Can´t Be Myself”.

Aerosmith-Rock In A Hard Place (1982)

El séptimo álbum de Aerosmith “Rock in a Hard Place”, es el trabajo mas extraño de la banda de Boston, al ser el único que fue grabado con una formación diferente a la original.
Publicado en 1982 y en medio de las salidas de tono por parte de su cantante Steve Tyler, la banda había sufrido las bajas de sus dos guitarristas principales Joe Perry y Brad Whitford, quienes habían abandonado, el primero después del anterior “Night in the Ruts” (1979) y el segundo justo al comienzo de este “Rock In A Hard Place”.
Para su sustitución la banda optaría por reclutar al guitarrista Jimmy Crespo, quien ya había participado en el mencionado “Night in The Ruts” y al guitarrista Rick Dufay.
Con esta extraña e insólita formación, la cual se cerraba con los habituales Tom Hamilton, Joey Kramer y Steve Tyler, graban un álbum que pese a conservar la esencia de los Aerosmith clásicos en algunos momentos, también es cierto que su sonido final dista bastante a todo lo hecho anteriormente por la banda dirigida por la dupla Tyler-Perry.
Aún así hay momentos brillantes como la acelerada rock “Jailbeat”, la rítmica “Lightning Strikes”, la psicodélica “Joanie´s Butterfly” o la pausada heavy rock “Jig Is Up”, mientras que su sonido característico asoma en los cortes “Bitch´s Brew”, “Bolivian Ragamuffin” o en la hard rock “Push Comes to Shove”.

Kingdom Come-Live & Unplugged (1996)

Kingdom Come surgió a finales de los 80 como consecuencia de la continuación de la extinta banda Stone Fury dirigida por el guitarrista alemán Lenny Wolf.
Para ello el guitarrista germano reclutaría al bajista Johnny B.Frank, al batería James Kottak, al teclista y guitarra Rick Steier y al también guitarrista Danny Stag, por lo que Lenny Wolf dejaría de lado las labores de guitarrista pasando encargarse solo de las voces.
Después de firmar con Polydor, la banda entraría en los Little Mountain Studios de Vancouver en Canadá y grabaron su primer y homónimo álbum.
El éxito de temas como “Get It On” y “What Love Can Be”, junto a un irresistible hard rock moderno y pegadizo influenciado por los sonidos de Led Zeppelin, les aúpa hasta los primeros puestos en las listas norteamericanas consiguiendo un disco de oro por sus ventas.
Sin embargo al mismo tiempo los medios especializados empiezan a acusarles de ser unos meros clones de los mencionados Led Zeppelin y a su sonido extremadamente similar al de la mítica banda británica.
En el siguiente álbum “In Your Face”, Kingdom Come seguirán con la misma pospuesta enfocada en un hard rock espontáneo siempre bajo una notable y exquisita producción con unos formidables arreglos instrumentales.
En 1996 la banda publicó el álbum "Live & Unplugged", el sexto cronológicamente de su carrera, el cual es una especie de repaso a sus mejores y mas celebres temas en directo, además de un segundo álbum donde la banda interpretaba una serie de canciones en versión acústica.
Aquí están los elementos perfectos para los que fueron considerados los sucesores de las huestes lideradas por Jimmy Page, consolidado por un repertorio repleto de canciones zeppelianas con esa inconfundible voz de Lenny Wof, que tiene un rango asombrosamente similar al de Robert Plant, una sección rítmica poderosa y contundente y el sonido de unas guitarras tremendamente intensas y afiladas.
Cortes como las apasionadas y potentes “Living Out Of Touch”, “Blood On The Land”, “Always On The Run”, las zeppelianas “Hope Is On Fire”, “Don´t Care” y “Waht Love Can Be”, contrastan con las apasionadas y sentidas acústicas “Friends”, “Rather Be On My Own”, “Janine”, o la soberbia versión del tema de The Beatles “And I Love Her”.

Roger Hodgson-Hai Hai (1987)

Cinco años después de su epilogo con Supertramp (...Famous Last Words) y tres desde la publicación de su primer album en solitario (In The Eye Of The Storm), Roger Hodgson volvía a lanzar un nuevo trabajo, esta vez mas empujado por los asuntos contractuales con su compañía discográfica, que por su propio deseo.
“Hai Hai”, un titulo que irónicamente significa en japonés “sí, sí”, fue en parte un álbum medio experimental en donde el compositor, vocalista y multiinstrumentista británico se alejaba de la propuesta musical de su banda madre, para adentrarse en sonidos mas cercanos al synth pop-rock vanguardista de finales de la década de los 80.
Sin embargo es inevitable encontrar aquí muchos momentos con similitudes al sonido Supertramp, como en el tema “London” o en “Land Ho”, esta ultima compuesta junto a Rick Davies en 1974, que originalmente iba a ir destinada al álbum “Crime Of The Century” y que nunca fue incluida en ese legendario disco.
No obstante Hodgson quiso dejar claro con este trabajo la idea de desvincularse en cierta medida del sonido de la pesada losa como era el de su banda madre y las lógicas y continuas comparaciones con su carrera en solitario.
Grabado durante gran parte del año 1986 y principios de 1987 en diferentes estudios de California, Roger Hodgson contó con la colaboración de un lujoso plantel de músicos como los baterías Jeff Porcaro, Omar Hakim y Carlos Vega, el bajista Leland Sklar, los teclistas David Paich y Robbie Buchanan o el guitarrista Dan Huff entre otros muchos mas.
“Hai Hai” esta compuesto por una serie de canciones menos comerciales sin dejar de lado su tremenda calidad como las mencionadas y asequibles “Land Ho” y “London”, la rítmica “Who´s Afraid” o la atrayente “Desert Love”, mientras otras como la rock “My Magazine”, la melódica “You Make Me Love You”, la intrigante “Puppet Dance” o la adictiva “House On The Corner”, son temas todos ellos en donde inevitablemente su voz y los inconfundibles teclados de Hodgson dejan un guiño al sonido Supertramp, aunque ciertamente de manera muy sutil y lejana.

The Rolling Stones-Black And Blue (1976)

En 1974 The Rolling Stones lanzaban su duodécimo álbum “It´s Only Rock´n´Roll”, el cual supuso la despedida de su guitarrista Mick Taylor. Este hecho llevaría a que Mick Jagger y Keith Richards buscaran un sustituto ideal para afrontar el futuro de la banda.
Durante algún tiempo se rumorearon los nombres de Rory Gallagher, Jeff Beck o Peter Frampton quienes declinaron la oferta, otros como Harvey Mandel o Wayne Perkins también estuvieron entre los nominados, recayendo el puesto finalmente en Ron Wood.
Ron Wood por entonces aún pertenecía a la banda The Faces y como tal solo podría colaborar como musico invitado en el siguiente álbum de los Rolling, “Black and Blue” publicado a mediados de 1976.
Por lo tanto la formación oficial de la banda en esos momentos estaba compuesta por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Bill Wyman, mientras que Ron Wood aparecería como músico invitado, donde además también se encontraban Billy Preston, Nicky Hopkins, Ian Stewart y los mencionados Harvey Mandel y Wayne Perkins.
“Black and Blue” fue grabado en diferentes estudios de Múnich, Nueva York y Florida bajo la producción de los propios Jagger y Richards y otros productores entre los que se encontraban Glyn Johns. Este nuevo lanzamiento contiene un repertorio basado en un estilo algo alejado del habitual e inconfundible rock´and´roll de los Rolling Stones, con una colección de temas diversos en donde salen a relucir sonidos como el reggae y el funk, además de una serie de canciones enfocadas a la jam instrumental.
Una faceta instrumental que opacaba de alguna manera las melodías vocales y que le llevaría ser considerado un álbum controvertido y transitorio, siendo recibido con cierto estupor por una parte de sus millones de fans.
Sin embargo terminaría logrando un disco de platino por sus ventas, un meritorio numero uno en las listas norteamericanas y un segundo lugar en las británicas.
La funky “Hot Stuff” abre esta nueva entrega con un ritmo discotequero, mientras el sonido clásico de los Stones esta presente en “Hand Of Fate”, con la siguiente “Cherry Oh Baby” vuelven a adentrarse en otros meandros musicales, esta vez con el reggae, finalizando la primera cara de la placa con la vibrante y espléndida jam “Memory Motel”. La segunda cara comienza de igual manera con la jam “Hey Negrita”, que sin embargo no tiene la intensidad de la anterior. Para acabar este versátil y atractivo disco, aparecen la stoniana “Melody”, la sentida balada “Fool To Cry” y la chulesca rock´n´roll “Crazy Mama” .