Jean-Michel Jarre-Magnetic Fields (1981)

En “Magnetic Fields”, Jean Michel Jarre actualizo su sonido para incorporar los últimos sintetizadores y unas nuevas técnicas de grabación, sin embargo lo adapto al enfoque compositivo general que había comenzado con “Oxygene” y “Equinoxe”, (la parte 5 del álbum, por ejemplo, es esencialmente una versión un poco más mainstream del tipo “facil escucha” que había agregado al final del álbum anterior). Como tal, forma el final de una trilogía de obras (“Oxigene”, “Equinoxe” y “Magnetic Fields”), que abarcan los últimos días de la era de los sintetizadores analógicos y en los albores de la era de los sintetizadores digitales; precisamente por esto, es de interés para cualquiera que tenga una apreciación por la historia de la música electrónica, y ayuda que sea un álbum muy agradable de escuchar por derecho propio.
De alguna manera este álbum supone también un ligero cambio en el sonido de Jean Michel Jarre, con una música más compacta, menos flotante, espacial y más centrado en el sampleo y el ritmo. Este fue uno de sus primeros trabajos en presentar muestras de voces humanas y elementos "cotidianos" en la música, algo que Jarre experimentaría masivamente en el siguiente "Zoolook", lanzado algunos años después de este.
La brillante suite de apertura de casi 18 minutos, (las cuales incluyen las "Partes I y IV"), supone uno de los temas absolutos de Jarre, una suite construida como una secuencia de dos motivos principales sucesivos, con un interludio de ensueño que proporciona una especie de espíritu cósmico. El primer motivo principal se basa en una serie dinámica de progresiones de acordes sintetizados, con muchas capas altísimas y armonías adicionales que continúan mostrándose en un crescendo sólido y elegante; el segundo tiene una sensación más orquestal, de esta manera con una arquitectura progresiva (lo más cercano al progresivo que puede ser el pop electrónico), siendo la "Parte IV" el momento más hermoso del álbum: con unas líneas melódicas evocadoras y sus capas relajantes que nos recuerdan a las "Partes IV" y "VII" de "Equinoxe”, pero con una atmósfera más serena. Mientras la "Parte V" es simplemente una rumba: Jarre aquí profundiza en lo latino y ofrece una interpretación de este prototipo de sensualidad criolla latinoamericana.
En definitiva este tercer trabajo del músico francés, (aunque en realidad era su quinta obra), resulto un trabajo extraordinario, tan ambicioso como sus predecesores y que sin llegar a sus ventas multitudinarias, si lograría encaramarse entre los primeros puestos de muchos países alrededor del mundo y unas ventas que superaron con creces los 4 millones de copias vendidas.

Black Sabbath-Sabotage (1975)

En 1975 Black Sabbath lanzaba su sexto álbum titulado "Sabotage", el cual esta considerado el trabajo mas progresivo y elaborado de toda la carrera del grupo.
En el encontramos épicas composiciones al mas puro estilo progresivo como "Megalomania" y "The Writ", que se alternan con otros seis cortes de excelente factura.
Tomando como referencia a estas dos épicas canciones, nos encontramos con "Megalomania" una extensa pieza de mas de 10 minutos magníficamente diseñada que trata conceptualmente sobre las locura y la enfermedad mental y que musicalmente muestra la faceta psicodélica y experimental de Black Sabbath con un soberbio tema de proto progresivo monumental. De igual manera "The Writ" es otra pieza progresiva, esta aún mas pesada y oscura que la anterior y que literariamente es una declaración contra el negocio de la música.
El resto del álbum se mueve entre el sonido clásico del grupo como la aplastante "Symptom Of The Universe", la instrumental y extraña "Supertzar", la pesada y evocadora "Hole In The Sky" , la fúnebre y pesada "Thrill Of It all" o la mas accesible "Am I Going Insane".
“Sabotage" pese a ser un soberbio disco y uno de sus trabajos mas intrincadamente elaborados, es al mismo tiempo uno de sus álbumes mas incomprendidos y menos apreciados de toda la discográfica del grupo de Birmingham y si bien no fue tan accesible de inmediato como los primeros tres álbumes, este fue en realidad la cima de la destreza creativa de la era Ozzy con Black Sabbath y el fin de la época mas esplendorosa de la banda.

Vangelis-El Greco (1998)

Para muchos, "El Greco" es el punto culminante de la enorme producción discográfica del griego Vangelis, confeccionado como álbum conceptual, fue publicado de manera oficial en 1998, como consecuencia de un relanzamiento aumentado de una obra titulada "Foros Timis Ston Greco", que había sido comercializada de manera limitada por un museo griego en 1995.
En esta ocasión el músico griego se recrea en la vida del pintor religioso heleno, afincado en España en el siglo XVI-XVII, Doménikos Theotokópoulos, apodado el Greco.
En este trabajo Vangelis sigue demostrando que es un verdadero artista que no le presta la menor atención a la comercialidad, mostrando un álbum sobrio y etéreo, emocionalmente profundo y espiritual, una música para los ojos de la mente.
Compuestos por diez extraordinarios movimientos en ejecución, muestra el sufrimiento del pintor y sus obras, casi de naturaleza opresiva, como representando la vida como un concepto y la mortalidad del sentido físico.
Durante los casi 73 minutos de duración, el teclista intenta transmitir una gran carga emocional muy profunda, y una estética musical agradable y sofisticada, en donde la música medieval, y bizantina van unidas de la mano de manera extraordinaria, la cual se asemeja por momentos a una poderosa banda sonora de película.
La música por otra parte posee una delicada esfera de misticismo y tristeza, lo que convierte a este trigésimo cuarto álbum del músico griego en una de sus grandes obras maestras.

Pat Metheny Group-Letter From Home (1989)

Finalizando la década de los ochenta, Pat Metheny nos dejaba otro gran álbum de jazz moderno y exótico con este “Letter From Home”, con el cual y al igual que ocurriría con todas sus obras anteriores ganaría el premio Grammy a la mejor interpretación de Jazz Fusión.
Sucesor del etéreo y refinado “Still Life” de varios años antes, en esta nueva entrega se muestra a un Pat Metheny mas versátil y dinámico, mostrando elementos anteriores al mencionado trabajo, aunque nunca abandona por completo el sonido predominante en el disco anterior “Still Life”, conteniendo en muchos de sus pasajes algunos de sus resquicios aunque de manera bastante sutil.
Los sonidos latinos están aquí y allá como queriendo asomar y convertirse en el sonido predominante, sin llegar a dominar nunca el estilo jazzistico del álbum, una buena muestra de ello es la inicial “Have You Heard”, en donde sobresale el dinamismo de los teclados de Lyle Mays y el impresionante credencial de Metheny con las seis cuerdas.
La ligera melodía jazzistica de “Every Summer Night” contrasta con la anterior y con la siguiente, deudora del sonido Bossa “Better Days Ahead”.
“Spring Ain´t Here” dedicada a Stanley Turrentine, es el momento mas sombrío y oscuro del álbum, que pese a su enorme complejidad se mantiene en un tono sutil y elegante marca del habitual sonido de Pat Methey Group.
La alegre con sonidos caribeños “Beat 70”, da paso a la sutileza de la pegadiza “Dream of The Return” y a la hipnótica y memorable “Are We There Yet”, uno de los momentos cumbres del álbum, en donde el sintetizador de Mays brilla de manera excelente y que es la antesala del momento mas elegante con “Letter From Home”, un tema pegadizo, melódico y relajante con el cual culmina de manera brillante un disco memorable y un digno muestrario del mejor jazz fusión de los años ochenta.

Curtis Mayfield-Curtis (1970)

Curtis Mayfield es uno de los grandes interpretes del Soul, casi a la misma altura que sus coetáneos Isaac Hayes, Stevie Wonder o Marvin Gaye, por solo nombrar unos pocos artistas de una gran pirámide de músicos imprescindibles del genero negro por excelencia junto al funk, el blues y el jazz.
Su carrera se cimentaría durante la década de los cincuenta y sesenta junto a la banda The Impressions con los cuales obtuvo un gran éxito gracias a los hits "It's All Right", "Keep On Pushing" o "Amen", todos ellos lanzados en la primera parte de la década de los sesenta.
Ya en 1970 Mayfield hastiado del soul pop que practicaba junto a su banda, decide comenzar su propia carrera en solitario, creando su propio sello discográfico Curtom y derivando su estilo hacia derroteros psicodélicos, con un sonido funk y soul que en cierta medida se acercaba a lo que por entonces hacia Isaac Hayes.
"Curtis" lanzado casi a finales de 1970, seria su primera obra en donde ya mostraba ese pudoroso funk impregnado de psicodélica y vanguardismo como queda demostrado en los cortes "Move On Up" o "We People Who Are Darker Than Blue", temas frenéticos en donde las guitarras fuzz, los imponentes arreglos de cuerda y vientos, son secundados por unas poderosas percusiones.  Sin embargo no deja de lado totalmente su lado soul, mostrando esa faceta con temas mas clásicos como "Miss Black America" o "Give It Up".
En el plano lírico Mayfield incluye aquí temáticas sociales y políticas enfocadas en temas como el racismo o la recurrente violencia policial de la época.
"Curtis" esta considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos en el cual se unen la elegancia, la lírica y la estética musical, de uno de los mejores artistas de raza negra de la historia de la música popular.

Edgar Broughton Band-Wasa Wasa (1969)

The Edgar Broughton Band fueron una de mas originales y al mismo tiempo infravaloradas bandas británicas de finales de los sesenta. Fundada en la localidad británica de Warwick, al sur de la ciudad de Coventry, en sus inicios fueron una banda de blues, que iniciaron su andadura tocando en pequeños clubs de su ciudad.
Después de establecerse en Londres, lograron un contrato con Blackhill Enterprise, los cuales les pusieron en contacto con el sello Harvest, la división progresiva de la EMI Records.
Después de grabar un single bastante esperanzador, publican su primer álbum titulado “Wasa Wasa”, que publicado en 1969 seria uno de los muchos discos que ese año elevaron el listón del rock progresivo hasta altas cotas de calidad.
En este primer álbum, la banda estaba formada por los hermanos Broughton, Edgar a la guitarra y voz y Steve a la batería, cerrando la formación el bajista y voces Arthur Grant.
En "Wasa Wasa" la banda mostraba un estilo progresivo muy oscuro como queda demostrado en la malhumorada “Death Of An Electric Citizen” o en la icónica "American Boy Soldier”, una de las canciones antimilitaristas contra la guerra del Vietnam mas poderosas jamás grabada por una banda británica.
El tono implacable y deprimente continua con las desoladoras “Why Can´t Somebody Love Me”, “Evil”, “Crying” o la tremendamente compleja y difícil “Dawn Crept Away”. El resultado final de este álbum es uno de los mas desafiantes nunca antes compuestos en Inglaterra, al mismo tiempo que es uno de los debuts mas impresionantes, repleto de un gran atractivo vocal y musicalmente ingenioso y memorable.
Después de un álbum continuista como fue “Sing Brother Sing”, con una temática mas enfocada hacia las reivindicaciones climáticas, en el cual se incluye la políticamente incorrecta “Aphrodite”, llegaría su tercera obra, y sin duda su obra magna “The Meat Album” (1971).
En esta tercera entrega la banda muestra un tour de force progresivo de principio a fin, desde la inicial, palpitante y apocalíptica “Evening Over Rooftops”, seguida por un repertorio cargado de temas que van desde el blues rock, hasta el country rock o acercamientos al folk progresivo, todo ellas superpuestas por la voz áspera y poderosa de Edgar, con un ingenio irónico y penetrante a lo largo de todas sus punzantes letras.

Santana-Borboletta (1974)

En 1972 Santana había lanzado su opera prima con "Caravanserai", con el cual el guitarrista norteamericano se terminaba de consagrar mundialmente después de otro monumental álbum como fue "Abraxas" (1970). Pero justo después de ese álbum la banda sufría las primeras bajas en su formación, por un lado el guitarrista Neal Schon y el teclista Gregg Rolie se irían para fundar el grupo de hard rock progresivo Journey y por otro entrarían a formar parte músicos como el cantante Leon Patillo y el teclista Tom Coster, después de algunas incorporaciones de escaso recorrido para el álbum posterior "Welcome" (1973), como el vocalista Leon Thomas o el teclista Richard Kermode.
Sin embargo y pese a la perdida de dos de sus mejores miembros como eran los mencionados Schon y Rolie, la banda no se resentiría musicalmente y en 1974 se lanzaba el quinto disco titulado "Borboletta", en el cual Santana lograría otro gran trabajo de jazz rock y jazz fusión que en parte se asemejaba a la percusión y la atmósfera del magistral "Caravanserai".
Tom Coster, teclista principal de la nueva formación, llenó perfectamente el hueco de Rolie; tocando abundantes sonidos de Hammond y órgano, y ocasionalmente algunos grandes rellenos de piano eléctrico. El resto de la banda es más o menos la misma que tocó en “Caravanserai”, con la única excepción del nuevo vocalista principal, el mencionado Leon Patillo, quien aquí hace un gran trabajo,
“Borboletta”, es otra demostración de primer nivel de jazz rock con incursiones a los sonidos latinos con grandes partes emocionales y todo ello bajo el prisma del funk. El álbum está destinado a ser escuchado en su totalidad sin restar valor a ninguna canción porque todas ellas fluyen una tras otra sin problemas, como ya ocurriera en “Caravanserai”. Sin embargo lo más destacado de Borboletta es sin duda el tema final compuesto por “Here and Now/Flor de Canela/Promise of a Fisherman”, en donde escuchamos 13 espléndidos minutos del mejor Santana en su máxima expresión.
Aún así es la primera parte del álbum con la sublime "Spring Manifestations", la brillante "Life Is Anew", la jazz rock "Give and Take" o la melódica "Aspirations", las que mas se acercan al sonido de "Caravanserai"
Una de las principales diferencias que reside aquí es el mencionado nuevo vocalista, León Patillo, quien presenta un sonido más accesible. Además, está la aparición ocasional del saxofón que agrega una sensación aún más jazzística.
Con “Borboletta” se cerraba la primera etapa de Santana, una etapa (1969-1974), en donde aparecieron sus trabajos mas clásicos, a partir de aquí su sonido se derivaría hacia un estilo mas accesible y comercial, sin que ello menguara la calidad de su música.

Kate Bush-Hounds Of Love (1985)

Descubierta por el guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour, Kate Bush es una de las grandes cantantes que Inglaterra haya dado, destacando por su extraño talento para la melodía y la imaginería poética, pero sobre todo por su voz única y peculiar, algo que nunca antes se había escuchado hasta esos momentos.
Ya en su primer álbum, producido por Andrew Powell y titulado “The Kick Inside” (1978), lograría uno de los discos mas apasionantes jamás escritos, demostrando con su voz inocente y los arreglos vistosos y matizados, un trabajo que en cierta medida se acercaba al rock progresivo con un estilo que la emparentaba con bandas coetáneas como The Alan Parsons Project.
En sus siguientes trabajos seguirá una línea parecida y se irían sucediendo obras de enorme calidad como el mágico y elegante “Lionheart” (1978), el menos progresivo pero mas romántico “Never For Ever” (1980) y el mas experimental “The Dreaming” (1982).
A mediados de los ochenta llegaria "Hounds Of Love", el cual aparece en muchas listas como uno de los mejores álbumes de la historia del rock, publicadas por revistas o sitios web de música. Por poco fiables que sean esas listas, en este caso particular no hay exageración, ya que el quinto trabajo de Kate Bush es una obra maestra indiscutible, un álbum casi perfecto que todavía suena fresco hoy como lo hizo en su momento, hace más de treinta años.
La música aquí es por turnos etérea, romántica, melancólica, a veces incluso agresiva e inquietante. "Running Up That Hill" abre el disco con un ritmo electrónico fuerte, casi dance, en cuyo fondo la voz dramática de Kate se eleva y emociona. La percusión oscura y cargante también ocupa un lugar destacado en "The Big Sky". La conmovedora "Mother Stands for Comfort" abre el camino para la épica "Cloudbusting", cuyo video (con Donald Sutherland), es tan profundamente conmovedor y hermoso como la canción misma. La segunda cara está totalmente ocupada por "The Ninth Wave” (el título está tomado de un poema de Lord Tennyson), una suite en siete movimientos separados, basado en un concepto fascinante: las últimas horas de una mujer atrapada bajo el hielo, sus pensamientos y recuerdos antes de la muerte. Puede sonar macabro, pero Kate trata este tema inquietante con su ligereza habitual. Musicalmente, es tan fascinante como la historia detrás de él, con la voz de Kate que suena desgarradoramente dulce en la apertura "And Dream of Sheep" y en "Hello Earth", amenazante en la siniestra "Waking the Witch", melódica en la tradicional irlandesa "Jig of Life", o melancólica en "Watching  You Without Me”.
En “Hounds Of Love”, al igual que ocurriera con su predecesor, "The Dreaming", los instrumentos étnicos se mezclan con los violines y el omnipresente piano Fairlight tocados por la propia Kate para crear una mezcla musical deslumbrante, que es al mismo tiempo aventurera y relajante para el oído. Sin duda alguna un álbum clásico para ser apreciado por todo el amante de la música de altísima calidad, que lograría media docena de discos de platino y numerosos Top Ten alrededor del mundo.

The Soft Machine-Volumen Two (1969)

Este es uno de los álbumes del sonido de Canterbury por excelencia, superando ligeramente a otras obras tan magnas como "In the Land of Grey and Pink" de Caravan o "Rotter's Club" de Hatfield and The North por poner solo dos ejemplos.
Pese a su corta duración (treinta y tres minutos ), este álbum tuvo un gran impacto en la época, con diecisiete temas vertiginosos. Publicado en 1969, “Vol. II” es un poco menos pop y más complejo que su predecesor, el impactante debut “The Soft Machine” (1968), y pese a que en este nuevo trabajo ya no aparece uno de sus máximos exponentes como era Kevin Ayers, francamente no se le echa de menos aquí.
El álbum cambia sin esfuerzo (y con bastante rapidez) entre cortes divertidos de pop como "Hulloder", "As Long as He Lies Perfectly Still" y "Pig" y piezas bastante mas complejas de jazz-rock (aunque no de fusión), como "Hibou, Anemone and Bear" y el free-jazz de "Out of Tunes". El álbum se divide en dos caras bien diferenciadas; El lado A está escrito principalmente por el bajista Hugh Hopper y arreglado por Robert Wyatt. El lado B es totalmente escrito por el teclista Mike Ratledge. Así pues mientras esta segunda cara está mucho más orientada al jazz y con un estilo abstracto, lo que es sorprendente dado el trabajo posterior de Hopper. El Lado A, esta más orientado pop, al mismo tiempo que es mucho mas accesible, sin embargo ambas caras muestran momentos increíbles y de enorme calidad. Wyatt, aunque chirriante a veces, esta impecable aquí: su entrega descuidada, entrecortada y ligeramente aguda encaja perfectamente con la música caprichosa. Este álbum también supuso la primera vez que The Soft Machine usaría una sección de vientos en una de sus grabaciones con un brillante resultado.
En definitiva “Vol II” es la cúspide de la variada e ilustre carrera de Soft Machine, una mezcla perfecta y suave de jazz, psicodélica, pop y rock.

Eden-Erwartung (1978)

Eden fueron una enorme banda germana de finales de la década de los setenta y uno de los primeros grupos de rock cristiano de su país. Fundados en 1977 en Lüdenscheid, Nordrhein-Westfalen por tres miembros de una organización llamada ''Christian Youth Association Free Community'', ellos se basaban en un estilo inspirado en folk/rock y la música clásica y publicaron su primer trabajo titulado ''Erwartung'' a mediados de 1978.
Sin embargo en realidad, el álbum está más cerca del rock sinfónico que del folk/rock común, por lo que su estilo encajaría mas dentro del folk progresivo. ''Erwartung'' funciona como un álbum conceptual con una historia que comienza desde la creación de Dios y la vida y los milagros de Jesús y termina en la resurrección y la salvación de la humanidad. Repleto de magníficas partes de flauta, violín y piano que coquetean con la música folclórica y clásica. Las letras se cantan en alemán con cantantes masculinos y femeninos que ofrecen grandes coros de estilo gospel y secciones multi vocales. Las guitarras eléctricas también suenan increíbles con similitudes a bandas coetáneas como los también germanos Eloy y Anyone´s Daughter. Las partes de la flauta también nos retraen al sonido de bandas como la británica Camel, aunque el sonido general esta más cercano a otras bandas alemanas de folk progresivo como fueron Rebekka o Hoelderlin.
El álbum se abre con su pista menos interesante, "Spatregen", que si bien contiene la mayoría de los elementos comentados anteriormente, suena bastante inconsistente, casi como una composición temprana que debería haber sido mas trabajada antes de su inclusión final en el álbum. El resto de temas son por el contrario mucho mas esplendorosos y presentan, además de las características mencionadas anteriormente, muchas flautas, saxos, guitarras acústicas, algunas pistas estridentes y melodías brillantes,
El punto culminante del álbum es el tema "Ein Anderes Land", más de 16 minutos de excelsa progresividad sinfónica, con continuos cambios de ritmo y muy dinámica, centrados en las armonías más intrincadas e impresionantes, así como en la extraordinaria instrumentación técnica y con unos soberbios arreglos que culminan así un álbum que esta considerado una de las grandes obras del rock progresivo alemán.

Rush-Permanent Waves (1980)

Recién estrenada la década de los ochenta, Rush publicarían el álbum "Permanent Waves", en el cual comenzaron a alejarse paulatinamente de los sonidos progresivos de los trabajos anteriores como fueron "2112", "A Farewell to Kings" o "Hemispheres", para sin olvidarse por completo de ese genero, adentrarse en los sonidos mas accesibles y mainstream, si bien es cierto que siempre bajo el prisma de las composiciones complejas de gran calidad instrumental.
"Permanent Waves" supuso el trabajo mas evidente de esa transición, en donde podemos apreciar a los Rush mas épicos y progresivos y al mismo tiempo que los mas accesibles.
Temas como la larga y experimental "Jacob´s Ladder" o la épica y excelsa progresiva "Natural Science”, se combinan con otras de claro corte comercial como "The Spirit of Radio" o "Freewill", con unos profundos medios tiempos de impecable ejecución técnica e instrumental.
Incluso muchas de los temas aquí tienen una temática mas real a diferencia de los esplendorosos relatos de ciencia ficción de los álbumes anteriores, en donde aparecen la reflexiones filosóficas bañadas en detalles épicos pero mas terrenales.
Los reveladores sueños de un profeta (Jacob´s Ladders), las criticas sobre el sistema (Natural Science), o las que tratan sobre las afirmaciones de los individuos y sus relaciones "Different Strings" y "Entre Nous", son una clara muestra de todo ello, en contrapunto a las mencionadas y mas adictivas cercanas a los sonidos AOR aparecen "The Spirit of Radio" y "Freewill" .
En definitiva este séptimo álbum de los canadienses supuso uno de sus mejores logros, en el cual combinaron de manera antológica los ecos del pasado con los sonidos mas modernos, que pronto reflejarían en sus discos posteriores como el monumental “Moving Pictures” de un año después.

Triana-El Patio (1975)

El primer álbum de Triana pese a ser un fracaso comercial en los primeros meses después de su lanzamiento, fue sin embargo el que los catapultaría como banda de culto y de paso establecerse como la mejor banda de la historia del rock español.
Formado por tres músicos experimentados, tanto en el plano del rock como en el de la fusión con el flamenco, como eran Jesús de la Rosa (voz y teclados), Eduardo Rodríguez (guitarra y voz) y Juan José Palacios (batería y percusiones).
"El Patio" es un álbum fundamental que abriría las puertas a la invasión de docenas de bandas posteriores, todas ellas fusionando el estilo flamenco y el rock progresivo y que surgieron principalmente de Andalucía.
Un álbum que respira grandes aires de misticismo, fascinación, repleto de dosis de emoción y ese espíritu que únicamente tiene el folklore flamenco.
En el "El Patio" hay una regeneración progresiva del flamenco, basada en un dialogo continuo entre frases de la guitarra española, los arreglos orquestales y los teclados habituales en el rock progresivo como el órgano, los sintetizadores y el mellotrón, todo ello bajo una base rítmica con cierto sabor jazzistico.
A todo ello contribuye la guitarra eléctrica solista interpretada por Antonio Pérez que sirve como atractivo final al potente sonido puramente rock y al bajo eléctrico (Manolo Rosa) el cual es el apoyo perfecto a la mencionada base rítmica liderada por la soberbia batería de José Palacios.
"El Patio" emana por los cuatro costados ecos a Pink Floyd o King Crimson, y ello queda patente en la impresionante e inicial "Abre la puerta", una fusión perfecta entre el flamenco y el progresivo, mientras "Se de un Lugar" tiene una ligera orientación hacia los sonidos psicodélicos, por otro lado "En El Lago" la banda se relaja ofreciendo una especie de balada sinfónica de pura antología.
Después de estos tres ambiciosos y complejos cortes la banda muestra su lado mas terrenal con temas como "Luminosa Mañana" o "Dialogo", que pese a su sencillez resultan de gran brillantez.
Para acabar con la sencillez acústica del mas puro flamenco con "Todo es de color" o la animada "Recuerdos de una noche".
"El Patio" es sin duda una de las obras mas grandiosas e impresionantes del rock español y uno de los mejores álbumes del rock progresivo europeo.

The Mahavishnu Orchestra-Visions Of The Emerald Beyond (1975)

Después de tres intensos álbumes como fueron “The Inner Mounting Flame” (1971), “Birds of Fire” (1973) y “Apocalypse” (1974), el grupo liderado por John McLaughlin repetía la misma formación que este ultimo trabajo y suponía el segundo bajo esta segunda versión de la Mahavishnu Orchestra.
Habría que recordar que ya en el anterior “Apocalypse”, aparecían nuevos miembros como eran el violinista Jean-Luc Ponty, el teclista Gayle Moran, el bajista Ralphe Armostrong y el batería Michael Walden, en sustitución de los antiguos miembros Jan Hammer, Jerry Goodman, Rick Laird y Billy Cobham.
Con esta nueva formación se grabaría este cuarto álbum que hoy nos ocupa: “Visions of the Emerald Beyond”, grabado en los Electric Lady Studios de Nueva York a finales de 1974 y publicado en febrero de 1975.
En esta nueva entrega la banda aún mantiene su enfoque y estilo musical con respecto al anterior trabajo, sin embargo de manera muy sutil se deriva hacia terrenos mas blues como podemos comprobar en la inicial “Eternity´s Breath Part 1” y “Eternity´s Breath Part 2” , que con una solida base de bluesy, unos ingeniosos solos de violín y la excelente línea vocal de Gayle Moran, junto a la exploración de la guitarra de McLaughlin, dan como resultado un tema muy armonioso y equilibrado.
En “Lila´s Dance”, la banda continua por la senda de la anterior pista con un enfoque aún mas blusero si cabe, en donde McLaughlin toma el protagonismo con un largo y soberbio solo de guitarra. Por su parte “Can´t Stand Your Funk”, tal y como implica su titulo, es un claro corte de funk jazz rock con una gran combinación de bajo, guitarra rítmica y la poderosa sección de metales. La melódica “Pastoral”, el coherente y muy bien estructurado jazz rock “Faith”, la espeluznante “Pegasus” o la soberbia y espacial “Earth Ship”, conforman un excelente álbum que sin llegar a las excelencias de sus dos primeras obras, si les mantendrían como una de las bandas punteras dentro del panorama del jazz rock mundial, junto a bandas coetáneas como Weather Report y Return To Forever y de paso cerraba una cuatrilogia esencial dentro del mencionado estilo.
 

Frob-Frob (1976)

Otra de esas bandas desconocidas para el gran publico, fueron los germanos Frob, que procedentes del este de Westfalia, en Alemania, grabarían un solo álbum, el cual esta considerado uno de los trabajos de culto del rock alemán.
La formación original de Frob estaba compuesta por el guitarrista Philippe Caillat, el teclista Peter Schmits, el bajista Klaus-Dieter Ritcher y el batería Peter Meuffels. Su único álbum es un trabajo del mejor jazz rock progresivo alemán de todos los tiempos, con un estilo propio en donde demostraban una gran capacidad de improvisación, creatividad y dinamismo.
Temas como la inicial “Wassertropfen” en donde se acercan a los sonidos del krautrock con continuas fases rítmicas y sus improvisaciones, el intenso jazz “Spaces”, la progresiva “Calypso”, con ese hiperdinamico ritmo o la fascinante melodía de “Spheres”, conforman junto con la vigorosidad y la creatividad del resto del disco, un trabajo muy cohesionado del mejor kraut-jazz underground alemán de todos los tiempos.

Jackie McAuley-Jackie McAuley (1971)

Este es otro de esos álbumes injustamente pasados por alto dentro de la historia de la música rock, una obra maestra menor de diversos estilos fusionado con maestría como el jazz, el folk rock y el blues.
Jackie McAuley es un personaje bastante desconocido para la gran mayoría, sin embargo fue uno de los miembros de los míticos Them de Van Morrison y con ellos publicaría algunos de los mejores discos de la banda irlandesa.
Después de abandonar Them, McAuley participaría en dispares proyectos como por ejemplo el dúo Trade Home junto a la ex componente de Fairport Convention, Judy Dyble con la cual grabaría el estupendo “Morning Way” en 1970.
En 1971 lanzaría su primer álbum en solitario junto algunos de los jóvenes prometedores músicos del jazz británico de la época. Músicos como Tony Roberts, Mike Travis o Mike McNaught, todos ellos pertenecientes a la Henry Lowther Band.
En este debut McAuley muestra un ecléctico sonido en donde las melodías agradables y sus sutiles ritmos hacen de este álbum un compendio de canciones repletas de calidad e ingenio.
Ya desde la inicial y portentosa “Turning Green”, nos muestra las capacidades instrumentales y compositivas de este guitarrista y teclista algo olvidado hoy en día.
El resto sigue por una tónica parecida con cortes como la hipnótica “Boy On The Bayou” o la medio progresiva “Away”, conformando un álbum delicioso y una obra que se mereció mucho mas reconocimiento que el que tuvo en su época.

Yes-Tales from Topographic Oceans (1973)

Si “Close To The Edge” fue un álbum perfecto de rock progresivo y Yes hubieran dejado de hacer música en ese mismo instante, seguirán siendo una de las mas grandes bandas de la historia y podrán reclamar algunos de los mejores álbumes que jamás hayan salido de la música rock.
Pero lo que consolida firmemente el status de Yes como una de las grandes bandas de todos los tiempos, fueron los dos trabajos que le siguieron después, dos discos insuperables como fueron “Tales from Topographic Oceans” y “Relayer”. Ambos son exponencialmente mas profundos que el mencionado "Close To The Edge" en términos de alcance y maestría musical, que pese al recelo de muchos de sus fans e incluso algunos de los miembros del grupo, tuvieron sobre todo con el primero de ellos.
"Tales from Topographic Oceans" es una de las grabaciones mas mágicas, rotundas y antológicas de todos los tiempos y las criticas vacías del desconocimiento musical nunca podrán alcanzarlo.
Musicalmente hablando lo que este doble álbum ofrece son casi una hora y media de las exploraciones mas atrevidas y sofisticadas de Yes hasta esos momentos, solos extendidos, armonías vocales antológicas, secuencias instrumentales cuidadosamente arregladas, paisajes sonoros oceánicos e interpretaciones acústicas dignas de un verdadero clásico.
No hace falta ni mentar que este no es un álbum de una solo escucha, convirtiéndose en una experiencia musical cada vez que se le pone atención en una nueva escucha.
Por otro lado es controvertido, mientras millones de fans lo adoran, otros tantos lo detestan (empezando por el teclista Rick Wakeman), quien lo ha ridiculizado públicamente en mas de una ocasión y que dio lugar al celebre incidente del curry.
A diferencia del mencionado "Close To The Edge" en este caso cada pista (una por cada cara de las cuatro que conforman este disco), es una pieza completa, en donde no se componen de subdivisiones con títulos individuales. La historia detrás de este álbum conceptual es convenientemente oscuro e indulgente y esta inspirada en una nota al pie de la pagina 83 del libro "Autobiografía de un yogui" de Paramhansa Yoganda.

El álbum comienza con "The Reveling Science of God (Dance of the Dawn)" en donde los teclados de Rick Wakeman son muy evidentes y un Jon Anderson mostrando una gran forma vocal, con un amplio arsenal de desarrollos instrumentales acometido por el resto de la banda. La siguiente "The Remembering (High The Memory)", tiene una estructura bastante similar a la primera pieza, en donde una vez mas los teclados de Wakeman toman el rol protagonista, sin embargo la composición en general no es tan fuerte como la anterior, resultando una composición bastante mas edificante.
El segundo disco se abre con "Thge Ancient (Giants Under the Sun)", aquí es Steve Howe quien protagoniza los mejores momentos, desarrollando innumerables escalas con su guitarra y sus arabescos sonidos, desembocando en una segunda mitad mucho mas conmovedora y accesible.
La pista final "Ritual (Nous Sommes du Soleil)", es el tema mas puramente rock con una exuberante y dinámica percusión a cargo de Alan White y que en directo es particularmente impresionante.
En definitiva un álbum en donde Yes logra tejer grandes paisajes sonoros dinámicos a partir de alusiones melódicas y que a excepción de Chris Squire, bastante apagado en general, con menos peso especifico en lo instrumental de lo habitual, no le falta ni le sobra de nada, un trabajo tan inconmensurable como único y que esta considerado una de las obras cumbres de la historia del rock progresivo.

Kansas-Somewhere To Elsewhere (2000)

En el año 2000 y después de casi 20 años separados, los miembros originales de Kansas se volvían a reunir para grabar un nuevo álbum para regocijo de sus mas acérrimos fans. Ya había llovido mucho desde aquel “Audio-Visions” de 1980, el cual supuso el ultimo eslabón de una serie de trabajos todos ellos de memorable factura.
Si bien la banda con diferentes formaciones fueron publicando álbumes durante las décadas de los ochenta y noventa, todos ellos fueron en cierta medida rechazados por una parte de sus seguidores por el diferente rumbo musical que habían tomado, alejados de su propuesta original de rock progresivo y el rock norteamericano.
Así fueron sucediendo álbumes de menos envergadura como los mediocres “Vinyl Confessions” (1982) o “Drastic Measures” (1983), álbumes concepto como el meritorio “In The Spirit Of Things” (1988) o acercamientos a los sonidos AOR y hard rock como fueron “Power” (1986) y “Freaks of Nature”. (1995)
Durante todos esos años el continuo ir y venir de nuevos miembros era una de las constantes de Kansas, entre otros entraron el guitarrista Steve Morse, el cantante John Elefante, el violinista David Ragsdale o el bajista Billy Greer.
No es de extrañar por lo tanto la inusitada expectación que levantaría el volver a ver juntos a la formación mas clásica y exitosa de la banda de Topeka, empezando por su guitarrista y alma matter Kerry Livgren, seguido de su eterno vocalista Steve Walsh, el bajista Dave Hope, y el violinista y cantante Robbie Steinhardt, a los que hay que sumar los dos únicos miembros que habían permanecido todos estos años como eran el guitarrista Rich Williams y el batería Phil Ehart, con la colaboración de otro de sus ilustres miembros como era el bajista Billy Greer.
Centrándonos en “Somewhere to Elsewhere”, la banda intenta recrear su clásico sonido de los 70, retrocediendo a las raíces en sus días de gloria, o por lo menos momentáneamente. No sólo Kerry Livgren volvió al redil como autor de todo el material compuesto en este disco y como el máximo exponente de las guitarras y teclados, sino que también Robbie Steinhardt consolidó su regreso retomando un papel muy crucial en el nuevo repertorio de la banda, e incluso Dave Hope, asumió su crucial papel de bajista en un par de temas, aún así, es Billy Greer quien se encarga de tocar en este álbum en la mayoría de los cortes, incluso debutando como vocalista principal en "Look at the Time". Sería demasiado optimista afirmar que la banda iguala los mejores registros de los 70 con este trabajo, sin embargo este, es una brillante grabación que nos trae de vuelta el viejo sonido vintage de Kansas que todos pensábamos que ya había quedado enterrado para siempre. El álbum se inicia con "Icarus II", que a pesar de las referencias al tema original de "Icarus" perteneciente al álbum “'Masque” de 1975, no es una simple revisión, si no una nueva composición que además de mantener el toque épico del anterior, es más introspectivo y melancólica, incluso en el pesado interludio de balanceo final. Las siguientes “When The World Was Young” y “Grand Fun Alley”, son dos potentes rock bastantes melódicos y pegadizos, mientras “The Coming Dawn” es un bellísimo medio tiempo sinfónico que de alguna manera nos deja un sabor muy cercano a la clásica “Dust in The Wind” de finales de los 70.
Llegados a este punto aparecen dos de los temas que demuestran el esplendor épico de la banda como son “Myriad”, tema que en realidad se remonta a los primeros años de la banda, y que sin embargo nunca fue incluida en ninguno de sus álbumes y “Distant Vision”, que iguala a la anterior en belleza, complejidad, delicadeza orquestal y una pasión evocadora, ambas bajo el auspicio de las fuertes creencias cristianas de Livgren.
En estos dos temas, Walsh nos recuerda lo gran vocalista que es y siempre ha sido, con eso tonos emocionales que son el binomio perfecto a las percepciones intelectuales de Livgren. Por contra la beatle "Look at the Time" y "Bizancio" son los cortes mas extravagantes que de alguna manera se salen del sonido habitual de Kansas, esta ultima con sus ambientes exóticos inspirados en la tradición árabe y turca. En "DST Blues" la banda se recrea con un soberbio blues pegadizo, en donde brilla la voz y el violín de Reinhardt, mientras "Not Man Big" es el brillante cierre del álbum, un final enérgico propiamente dicho para un álbum lleno de material muy intenso, con diferentes matices sonoros, y que conformaron un trabajo magnifico tanto en el plano musical como lírico.

Echo And The Bunnymen- Ocean Rain (1984)

Echo And The Bunnymen son una de las bandas esenciales del sonido post punk británico de la década de los ochenta que pese a estar a la sombre de otras coetáneas, lograron alcanzar el status de banda de culto gracias a una serie de álbumes emblemáticos dentro de dicho género.
“Ocean Rain” su cuarto larga duración, supuso el espaldarazo definitivo de Echo And The Bunnymen, un álbum que se alejaba del sonido oscuro del post punk para derivarse hacia un estilo mas melódico muy cercano al pop rock y a la épica romántica.
Un disco que contiene luminosas melodías como “Silver”, “Cristal Days” o “Seven Seas”, las cuales contrastan con las épicas “Nocturnal Me”, “Ocean Rain” y The Killing Moon”, mientras que “Thom Of Crows” es un guiño al pasado sombrío y oscuro de la banda.

Steve Hackett-Voyage Of The Acolyte (1975)

Hasta 1975, Steve Hackett era sin ninguna duda el miembro mas distante y oscuro de Genesis, aún siendo reconocido como un guitarrista talentoso, siempre fue visto como el músico que se escondía detrás de su instrumento y apenas obtenía el protagonismo de los restantes integrantes de la banda.
Para ese año los componentes del grupo decidieron tomarse un tiempo para reflexionar debido a la marcha de Peter Gabriel y mientras buscaban una solución al rol del nuevo vocalista (algo que finalmente recaería en el propio batería de la banda, Phil Collins), Hackett lanzaba su primer álbum en solitario.
La publicación de este primer álbum (el primero lanzado por un miembro del grupo), significaría la demostración del enorme talento del guitarrista, bastante oscurecido a nivel compositivo en su banda madre.
“Voyage of the Acolyte” cuenta con la participación de varios de sus compañeros en Genesis, Mike Rutherford y el mencionado Phil Collins, además de ilustres nombres como Percy Jones, Robin Miller o Sally Oldfield, entre otros músicos de reconocida fama.
Para muchos, “Voyage of the Acolyte” es sin duda el mejor trabajo de un miembro de Genesis en solitario, considerado una joya del rock progresivo, con grandes similitudes al sonido de su banda o acercamientos a King Crimson por el uso masivo del mellotrón.
El abrupto inicio de “Ace Of Wands”, es la clara advertencia para mostrarnos que estamos ante un álbum muy fértil e imaginativo, un tema frenético de rock progresivo, en donde los cambios de ritmo continuos y los increíbles pasajes de guitarra confieren a esta pieza la categoría de notable. La encantadora “Hands Of The Priestess”, pone uno de los puntos bucólicos y pastorales, mientras “A Tower Struck Down” retoma la agresividad del primer corte con un esplendoroso tema progresivo.
Después del breve interludio que supone la segunda parte de “Hands Of The Priestess”, con un tono mas suave que la primera parte, llega otra melodía suave y melancólica “The Hermit”, que sirve como umbral a uno de los temas mas elaborados y complejos, “Star Of Sirius” donde las voces de Phil Collins suenan de manera celestial, acompañados de guitarras, mellotrones y una batería pletórica y contundente.
Para finalizar aparecen la breve y acústica “The Lovers”, que es la antesala a la epopeya de 14 minutos “Shadow Of The Hierophant”, sin duda el tema que mas se acerca al sonido mas puro de Genesis, en donde sobresale la dulce voz inicial de Sally Oldfield, para progresivamente convertirse en un tema con continuas atmósferas y cambios de ritmo y que es el epilogo perfecto para un disco pletórico de rock progresivo.

Rush-Signals (1982)

Después de ocho álbumes de estudio y dos directos, los sintetizadores ocupan por primera vez un lugar predominante por encima de las guitarras en un disco de Rush, incluso sustituyéndolas en gran parte de este noveno trabajo de los canadienses.
En “Signals” sigue estando presente la batería habitual e inconmensurable de Neil Peart, pero el rock progresivo y las guitarras heavy han desaparecido casi completamente, derivando el estilo hacia los sonidos de la new wave, aunque y todo hay que decirlo, de manera bastante sutil y compleja, con esos arreglos intrincados de gran clase y la personalidad ya acostumbrada del trio.
Abriendo el álbum nos encontramos con una de las mejores canciones de la época, "Subdivisions", tema que tuvo bastante éxito en las listas y que es todo un clásico de su repertorio, especialmente su intro con los teclados.
También destacan algunos temas recuperados en su época más reciente para los directos, como son "The Analog kid" y "The Weapon", esta ultima la tercera parte de la trilogía “Fear”.
El resto del álbum gira en torno a los avances tecnológicos con un aire de modernidad y futurismo, reflejado en temas como "Digital man", "Chemistry" o "New World man".
El álbum cierra con la fantástica "Losing it", que incluye como invitado a Ben Mink con un espectacular solo de violín eléctrico y con "Countdown", que trata de reproducir lo que supone un lanzamiento espacial y que da por finalizado un disco que les mantendría en la cúspide del rock mundial, pese al cambio tan radical de estilo que la banda imprimiera en esta meritoria nueva entrega, después de su opera prima como fue el antecesor “Moving Pictures”.

Frank Zappa-Zoot Allures (1976)

“Zoot Allures” supuso el decimoséptimo álbum que Frank Zappa firmaría en solitario y que fue publicado en medio de la efervescente época de la música disco de mediados de los setenta.
Para la grabación de este álbum Zappa recurriría a un gran plantel de músicos de sesión, (algunos de los cuales, mas tarde pasarían a ser habituales en sus posteriores grabaciones), entre otros se encontraban el batería Terry Bozzio, el bajista Roy Estrada, la teclista Ruth Underwood o el saxofonista Napoleón Murphy Brock, además de una sección de vocalistas en donde aparecían Davey Moire, Rubén Ladron de Guevara o Sparkie Lewis, mientras que el propio Zappa se encargaba de las guitarras, sintetizadores, teclados, voz principal y la producción del mismo.
En “Zoot Allures” Frank Zappa se alejo en cierta medida de su habitual sonido estándar para acercarse al rock mas directo y puro y si bien en muchos momentos del álbum alcanza ese estilo, también es cierto que en el fondo su música característica sigue estando presente en cada surco del disco.
Su peculiar humor sigue dominando la gran mayoría de cortes como la sórdida “The Torture Never Stops” o la humorística y divertida “Ms.Pinky”. Por otro lado “Wind Up Working In a Gas Station” y “Black Napkins”, son los momentos de rock directo antes mencionados, en donde los solos de guitarra de Zappa muestran su asombroso dominio con ese instrumento.
La instrumental “Zoot Allures” es uno de los momentos culminantes con su distintiva guitarra en primer plano, un lenta pieza mantenida de manera soberbia por un Terry Bozzio fuera de serie.
Para finalizar Zappa hace su particular guiño humorístico a la música disco, que por entonces estaba en un gran apogeo con su tema “Disco Boy”, otro espectacular numero de rock puro y un excelente cierre de un gran álbum de pura diversión y virtuosismo por parte de todo el plantel de músicos intervinientes.

Mike and The Mechanics-Mike and The Mechanics (1985)

En 1984 después de acabar la gira posterior al duodécimo álbum de Genesis, los miembros de la banda se tomarían un largo descanso y se dedicarían a sus propias carreras en solitario,
Mientras Phil Collins y Tony Banks publicaron sus albumes “No Jacket Required” y “Soundtracks”, respectivamente, Mike Rutherford en cambio fundaría una banda paralela a su banda madre, a la que denominaría Mike and The Mechanics, para lo cual reclutaría a los cantantes Paul Carrack y Paul Young, al teclista Adrian Lee y al batería Peter Van Hooke.
Con esta formación la banda lanzaría su álbum debut “Mike and The Mechanics” a finales de 1985, en el cual se reflejaba los sonidos eclécticos de su fundador, una inteligente mezcla de sofisticado pop y rock, y unas composiciones exquisitas repletas de grandes estribillos y irresistible melodías.
Temas como las adictivas “All I Need Is A Miracle”, “Silent Running” o “I Get The Feeling”, emocionales baladas “Par Avion” y “You Are The One” o medios tiempos cautivadores como “Taken In” o “A Call To Arms”, todo ello bajo una exquisita producción, catapultaron al álbum a ambos lados del Atlántico, consiguiendo un gran éxito y de paso consolidando la banda con grabaciones periódicas que obtendrían un notable éxito posterior y una carrera musical estable y muy respetada.

The Police-Regatta de Blanc (1979)

Durante su corta actividad, The Police fue considerada como una de las mejores bandas del planeta. En su intensa actividad durante los apenas seis años que estuvieron en la cúspide, crearon una serie de obras que hoy en día son fundamentales para entender la evolución lógica de la música rock de finales de los 70 y principios de los 80.
Este enorme trío compuesto por el guitarrista Andy Summers, el bajista Sting y el batería Stewart Copeland, supieron conjugar sabiamente el rock, el reggae, el pop y los ramalazos del punk de la época como quedo demostrado en sus dos primeras obras.
Con su segundo trabajo “Regatta de Blanc”, la banda confirmaba la tendencia iniciada en el anterior y explosivo “Outlands d´Amour”, con un disco repleto de grandes composiciones como la new wave “Message In A Bottle” todo un hit mundial y un clásico de la historia de la música rock o la reggae “Walking On The Moon”, secundadas por la excelente instrumental “Regatta de Blanc”, o las maravillosas “Bring on the Night” y “The Bed´s Too Big Without You”.
El tremendo éxito del álbum, logrando media docena de discos de platino,  arrastraría al anterior trabajo a conseguir una gran acogida comercial, y al mismo tiempo colocar a The Police en la cúspide del panorama rock de principios de los ochenta.

Molly Hatchet-Double Trouble Live (1985)

Fundada a principios de los 70, Molly Hatchet son otra de las bandas fundamentales del southern rock y al mismo tiempo una de las legendarias bandas norteamericanas, casi al mismo nivel que sus coetáneas ZZ Top, 38 Special, The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, The Outlaws, Blackfoot o Marshall Tucker Band.
Fundada a principios de los 70 en Jacksonville, Florida, por el guitarrista Dave Hlubek, no seria hasta casi finales esa década cuando publicaron su primer y homónimo álbum con el que consiguen vender un millón de copias y su correspondiente disco de platino.
Con una primera formación compuesta por el mencionado Hlubek, secundado por los guitarristas Steve Holland y Duane Roland, el bajista Banner Thomas, el batería Bruce Crump y el cantante Danny Joe Brown, su propuesta de rock sureño es las mas cercana al heavy con aproximaciones a los sonidos AOR y al hard rock, a diferencia de estilo mas tradicional con raíces en los sonidos americanos del blues, el country y el soul de las otras bandas.
Con esta misma formación, lanzarían un año después “Flirtin´ With Disaster”, con el que superan las ventas de su álbum debut, logrando un doble disco de platino.
La popularidad del grupo se incrementaría notablemente al girar durante esos primeros años junto a bandas como AC/DC, Aerosmith, Rush, Journey, Judas Priest o Bob Seger and The Silver Bullet Band por todos los Estados Unidos.
Pero a partir de su tercer álbum, comienza un constante ir y venir de integrantes, empezando por el vocalista Danny Joe Brown que abandona, y es sustituido por Jimmy Farr, con quien graban el continuista e igualmente exitoso “Beatin´The Odds” (1980).
Los siguientes “Take No Prisioners” (1981), “No Guts...No Glory” (1983) y “The Deed Is Done” (1984), no logran el mismo impacto comercial de sus primeras tres obras, pese a contener un repertorio de grandes temas cargados de incendiario rock sureño muy valorados por los fans del genero.
Seria precisamente durante la gira de este ultimo “The Deeds Is Done”, cuando se grabaría el álbum que hoy nos ocupa, el doble en directo “Double Trouble Live”, grabado en Jacksonville y Dallas durante 1985.
Por entonces la banda distaba considerablemente de la formación original, en la que aparecía el bajista Riff West, el teclista John Galvin y el guitarrista Dru Lombar, además de la reincorporación de su cantante original Joe Brown.
“Double Trouble Live” es un perfecto recorrido por lo mas granado de los seis primeros álbumes del grupo, empezando por la inicial y típicamente sureña "Whisky Man", a la que la siguen las clásicas del repertorio del grupo "Beatin 'the Odds" y "Bounty Hunter", la comercial "Stone in Your Head", el hard rock "Bloody Reunion", la incendiaria versión del tema de Lynyrd Skynyrd, “Freebird”, o el espectacular boogie rock "Boogie no More", conformando con todo ello, un show en vivo explosivo y contundente.

Fleetwood Mac-Tango In The Night (1987)

Después de un lustro de silencio discográfico, en 1987 Fleetwood Mac regresaban con un nuevo álbum, “Tango In The Night”, su décimo cuarto trabajo, que venia precedido del disco “Mirage” publicado en 1982.
A mediados de 1986 Lindsay Buckingham había iniciado la grabación de un álbum en solitario, sin embargo al poco tiempo de comenzar, reuniría a sus compañeros de la banda y les pediría participar en las grabaciones, convirtiendo esa colaboración finalmente en un nuevo trabajo bajo la firma de Fleetwood Mac.
El resultado de esta reunión fue una obra de extraordinaria producción, de un exquisito sonido cristalino y un repertorio cargado de canciones pegadizas y adictivas que se movían entre el pop cercano a la new wave y el rock.
Las irresistibles y rítmicas "Everywhere”, “Little Lies”, “Seven Wonders” o “Big Love”, la retro “Caroline”, la bellísima “Mystifield”, la rock “Isn´t It Midnight”, la hipnótica “Tango in The Night” o la pop rock “Family Man”, se convirtieron todas en unos clásicos de la banda y pese al rechazo de la prensa especializada por considerarlos excesivamente comerciales, obtuvo el beneplácito de sus fans y el publico en general, que auparon al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico, con un éxito arrollador en las listas de medio mundo.
“Tango In The Night” se convertiría en el disco mas vendido de Fleetwood Mac detrás de su obra cumbre “Rumours” (1977), logrando unas ventas que superan los quince millones de copias a nivel mundial.

Argent-Encore: Live In Concert (1974)

El sexto álbum de Argent, la banda liderada por los ingeniosos Rod Argent (teclados y voz) y Russ Ballard (guitarra y voz), fue el doble en directo “Encore”, grabado en la gira posterior al disco “Nexus” y que fue lanzado oficialmente a finales de 1974 por la discográfica Epic Records.
Compuesto por un repertorio extraído de varios conciertos por el Reino Unido durante los primeros meses de 1974, cerraban la formación de la banda, el batería Robert Henrit y el bajista Jim Rodford.
En este doble álbum se observa la tendencia sinfónica y progresiva de Rod Argent, la cual contrasta claramente con la faceta mas accesible y comercial de Ballard.
Compuesto por momentos de largos desarrollos instrumentales como la inicial “The Coming Of Kohoutek”, o las progresivas “God Gave Rock and Roll to You” y “Music From The Spheres”, todas ellas con los teclados y el órgano de Rod Argent como protagonista principal, muestra también la vertiente mas asequible de Ballard, como queda demostrado en las hard rock “It´s Only Money (Parts 1 y 2)” y “Thunder and Lightning”.
El resto de temas mantiene un altísimo nivel, como queda evidenciado en la bluesy con tintes progresivos “I Am The Dance Of Ages”, el desenfadado rock and roll “Keep On Rollin´”, con un acelerado estilo boogie rock irresistible o en sus dos grandes clásicos, la inconmensurable “Hold Your Head Up” y la contagiosa “Time Of The Seasons”, argumentando con todo ello, el inagotable talento de dos de los mas grandes genios que la música británica haya dado jamás, tanto en el plano creativo como instrumental.

The Soft Machine-Land Of Cockayne (1981)

A finales de los setenta, Soft Machine se había convertido en una especie de asilo en donde algunos de los mejores y venerables músicos británicos de las dos ultimas décadas, la mayoría de ellos libres de contratos contractuales, encontraron su refugio al margen de los modernos estilos que por la época proliferaban.
Aún bajo la dirección y el amparo del eterno Karl Jenkins (teclados) y de John Marshall (batería y percusión), el grupo alcanza la magnitud de super banda formada por el mas selecto elenco de instrumentistas: Dick Morrisey (saxofón tenor), Alan Holdsworth (guitarra), Alan Parker (guitarra rítmica), John Taylor (Fender Rhodes), Jack Bruce (bajo) y Ray Warleigh (saxofón alto y flauta), además de los vocalistas Stu Calver, John Perry, Tony Rivers y Bill Harman.
Con esta asombrosa formación, grabarían el ultimo álbum de Soft Machine “Land Of Cockayne”, al mismo tiempo que se convertiría en su epitafio final apenas había comenzado la década de los ochenta.
Este ultimo lanzamiento viene a ser un agradable ejercicio ecléctico de sonidos clásicos, de excelente jazz-funky y jazz-rock, en donde los músicos están simplemente perfectos, sin desmadres ni protagonismo, extraordinariamente conjuntados y realizando únicamente música, una música fluida y ligera, en la cual cada uno de ellos aporta su peculiar virtuosismo.
Escrito y compuesto en su totalidad por Jenkins, la tónica del álbum es de relajada y envolvente exquisitez, mas dominada por la insinuación melódica, (que por momentos se aproxima a los esquemas sinfónicos), que por el desmán improvisa torio habitual de todos los trabajos anteriores de Soft Machine.
Cortes como la floydiana “Over And Above” o la ambiental “Lotus Groves” nos conducen a la corta y orquestada “Isle Of The Blessed”, antesala de las jazz fusión “Panoramia”, “Hot-Biscuit Slim” y “Sky Monkey”, los cuales son los temas mas destacados de uno de los mejores trabajos del jazz-rock de los ochenta.

Porcupine Tree-Stupid Dream (1998)

Con “Stupid Dream”, el carismático líder de Porcupine Tree, Steve Wilson, le dio la espalda a gran parte de su sonido anterior y intento una nueva dirección musical, dejando atrás los largos desarrollos instrumentales, a veces un tanto indulgentes, para centrarse en un vía mas comercial y accesible.
Sin embargo todo ello bajo la relatividad que supone sus estructuras musicales complejas y el talentoso trabajo instrumental de todos los componentes del grupo, los sofisticados arreglos y sus enrevesadas composiciones.
La formación que grabaría este quinto álbum sigue siendo la misma de los tres anteriores, compuesta por Steve Wilson (guitarras, teclados, voces y otros instrumentos, además de la producción), Colin Edwin (bajo), Chris Maitland (batería) y Richard Barbieri (toda clase de teclados y sintetizadores).
Temas como “Piano Lessons” o “This Is No Rehearsal” son una clara apuesta hacia las radio formulas, sin embargo la majestuosidad de los sonidos progresivos de antaño están presentes en “Even Less”, “Pure Narcotic” y “Don´t Hate Me”, introduciendo incluso en todas ellas unas letras menos controvertidas a lo habitual en las composiciones de Wilson.
El resto mantiene un alto nivel como queda demostrado en la floydiana “Strange By The Minute” o en la melancólica “Stop Swimming”.
Con este álbum, Porcupine Tree ascendió considerablemente en términos de atractivo comercial, obteniendo mas accesibilidad a otros sectores de fans, al mismo tiempo que retuvo gran parte de su esencia original, aquella que los habían hecho muy populares entre sus principales seguidores.

Neil Young and Crazy Horse-Re·ac·tor (1981)

“Señor, dame la serenidad para aceptar lo que no puedo cambiar, fortaleza para cambiar lo que puede ser cambiado, y la sabiduría para conocer la diferencia”. Con esta plegaria en latín, se inicia el undécimo álbum de Neil Young, flanqueado por sus inseparables Crazy Horse.
Si su titulo no estuviera ya ocupado por Bob Dylan, en lugar de “Re·ac·tor”, hubiera sido mas apropiado el de “Blood On The Tracks”, por que difícilmente se puede encontrar un álbum tan guerrero y con tanto coraje en sus surcos como este.
Con alusiones a temas poco recurrentes en los años ochenta como la Guerra del Vietnam, “Re·ac·tor”, fue lanzado a finales de 1981 bajo el sello Reprise, el ultimo con esta discográfica antes de que firmara un nuevo contrato con la Geffen Records, con la cual estaría gran parte de la década de los ochenta, iniciando con ello su época mas oscura y mediocre.
“Opera Star” de claro manifiesto rock en perfecta continuidad con “Rust Never Sleeps”, es el corte que inicia de manera abrumada este álbum, mientras en “Surfer Joe And Moe The Sleaze”, la personalísima guitarra de Young  juguetea sobre un fondo de voces para contarnos historias de borracheras, despilfarros y excesos obscenos en un tono mas tranquilo y melódico.
“T-Bone” y “Get Back On It”, son obsesivos y rítmicos homenajes a las raíces negras del rock, la primera en un tono histérico y la segunda mas cercano al boogie blues, con la que ponen punto y seguido a la primera cara del álbum.
La cara B es el desmadre rockero de Neil Young y su banda, empezando con la asesina “Rapid Transit”, a la que le siguen la machacona “Southern Pacific”, la sureña “Motor City” y esa pesadilla visceral titulada “Shots”.
Puro y duro rock, así es como mejor se define este álbum, el ultimo gran trabajo del canadiense hasta su resurgimiento musical de finales de la década de los ochenta con el soberbio “Freedom”, después de sus extraños meandros musicales que ocuparon todo su periplo bajo la mencionada y polémica discográfica comandada por David Geffen.

Iron Maiden-The Number Of The Beast (1982)

El tercer álbum de Iron Maiden supuso el alejamiento de los sonidos punk de los anteriores trabajos del grupo, para adentrarse en un estilo mas complejo con alusiones a momentos históricos y épicos con un heavy metal mas sofisticado y en cierta medida mucho mas virtuoso y progresivo.
El primero donde ya aparece Bruce Dickinson en el rol de vocalista, sustituyendo a Paul Di´Anno, el resto seguía formado por el bajista Steve Harris, ademas de los guitarristas Dave Murray y Adrian Smith y el batería Clive Burr.
Grabado en los meses finales de 1981 y principios de 1982 en los estudios Battery de Londres, tuvieron como productor al afamado Martin Birch en los controles de grabación.
“The Number Of The Beast”, es un álbum vibrante y asombroso de virtuosismo por parte de todos sus componentes, que se inicia con la acelerada y poderosa “Invaders”, a la que le siguen la dinámica “Children Of The Damned”, la melódica “The Prisoner”, la potente “22 Acacia Avenue”, la asombrosa “The Number Of The Beast”, la pegadiza “Run To The Hills” o la demoledora y sensacional “Hallowed Be Thy Name”.
Considerado uno de los grandes álbumes del llamado NWOBHM y del heavy metal en general, “The Number Of The Beast” logro colarse hasta las primeras posiciones en numerosos países alrededor del mundo, logrando unas ventas que superaron con creces los trece millones de copias a nivel mundial.

The Allman Brothers Band-Idlewild South (1970)

En su segundo disco, The Allman Brothers Band apostaron por un estilo mas complejo y sofisticado, un claro anticipo de lo que la banda haría en los sucesivos años.
La sabia fusión de blues, rock y funk se ve reforzada en este “Idlewild South” por una esencia country como queda demostrado en la maravillosa e entusiasta “Revival”, la magnifica blues “Please Call Home” y el folk rock “Midnight Rider”, que contrastan con las poderosas  bluesy “Don´t Keep Me Wonderin´” y “Leave My Blues At Home”, sin olvidarnos de la incendiaria versión del tema del gran Willie Dixon, “Hoochie Coochie Man”, mientras “In Memory Of Elizabeth Reed”, es el clásico tour de force de la banda, en donde cada miembro tiene su momento de lucidez con solos de guitarras, percusiones y órgano, la cual la convierten en el punto culminante de otra de las obras maestras del grupo originario de Jacksonville.

Electric Light Orchestra-Time (1981)

En 1981 Jeff Lynne volvía a demostrar su enorme talento creativo entregando otra obra maestra del pop sinfónico, como fue el noveno álbum de la Electric Light Orchestra, “Time”, que diseñado a modo conceptual, contiene algunas de las composiciones mas rotundas y contundentes de toda la carrera del grupo.
Una banda que por entonces seguía estando formada por los mismos miembros que habían grabado las anteriores obras “Discovery” y “Xanadu”, compuesta por el propio Lynne (guitarras, voz y teclados), Kelly Groucutt (bajo), Bev Bevan (batería) y Richard Tandy (teclados y guitarras).
“Time” es un atractivo álbum concepto muy avanzado para su época, basado en un viaje al futuro en donde las orquestaciones encantadoras, crean un trabajo repleto de grandes canciones pop sinfónicos individuales, que sin embargo en donde realmente destacan, es en el resultado final como conjunto, en un disco que exige ser escuchado como una pieza completa y única.
Temas vigorosos y dinámicos “Twilight”, “Yours Truly, 2095”, “Hold On Tight” o “From The End Of The World”, contrastan con las bellas melodías “Ticket To The Moon” y “21st Century Man”, mientras las adictivas “Rain Is Falling” o “The Way Life´s Meant To Be” conforman un trabajo soberbio en donde los sintetizadores cobran un mayor protagonismo creando con ello, la ambientación perfecta para plasmar la historia aquí expuesta.

Judas Priest-Sad Wings Of Destiny (1976)

El segundo álbum de Judas Priest, fue la antesala de la base de su característico estilo heavy metal que llegaría en los años siguientes, un disco este tan transcendental como icónico en la carrera del grupo de Birmingham.
Con un núcleo solido formado por los hachas guitarrísticos Glenn Tipton y K.K. Downing, el bajista Ian Hill y la portentosa voz de Rob Halford, en esta segunda entrega se alejan de los sonidos psicodélicos y las influencias del heavy blues para adentrarse definitivamente en el heavy metal mas contundente con elementos épicos como demuestra la sensacional “Victim Of Changes”, mientras “The Ripper” muestra la faceta mas accesible con un tema irresistible y un símbolo dentro del genero del metal. Sin embargo también contiene momentos mas oscuros como demuestra “Genocide” o germinales cortes muy cercanos al hard rock progresivo como “Epitaph” o “Dream Deceiver”, mientras en “Tyrant” nos adelantan por donde seguirá el devenir futuro del grupo con un tema que será un denominador común de los Judas Priest en la década de los ochenta.
Como ocurriría durante gran parte de la carrera del grupo, el rol de batería aquí esta representado por Alan Moore, quien había sustituido a John Hinch, pero que ya no tendría mas continuidad, siendo reemplazado por tres baterístas (Simon Phillips, Les Binks y Dave Holland), para el siguiente álbum “Sin After Sin” de un año mas tarde.

U2-The Unforgettable Fire (1984)

“The Unforgettable Fire” fue el cuarto álbum de la banda irlandesa U2 (el quinto si contamos el directo publicado a finales de 1983 “Under A Blood Red Sky”)
Grabado como todos los anteriores en los Windmill Lane de Dublin, este cuarto disco supuso la metamorfosis perfecta de la banda entre los álbumes “War” (1983) y “The Joshua Tree” (1987), un trabajo tan apoteósico como brillante en donde ya solo por el emblemático y extraordinario “Pride (In The Name Of Love) lo engrandece. Sin embargo el resto no le va a la zaga, como demuestran los cortes “The Unforgettable Fire” con ese aire nostálgico, la atmosférica “A Sort Of Homecoming”, la épica “Bad” o la poderosa “Indian Summer City”.
Con este álbum, U2 mostraban su época de mayor esplendor, en donde su faceta creativa y ambiciosa estaba en el punto culminante de su meteórica carrera.

10cc-Deceptive Bends (1977)

En 1976 la banda británica 10cc habían sufrido la perdida de dos de sus máximos compositores, como fueron Kevin Godley y Lol Creme que decidieron abandonar para iniciar su propia carrera en solitario, un hecho que para muchos significaba el fin de la era creativa de la banda. Sin embargo, 10cc tenia los suficientes argumentos para seguir adelante de manera exitosa con la otra pareja de grandes compositores como eran Eric Stewart y Graham Gouldman y así lo demostraron en el primer álbum post Godley & Creme.
Lanzado a mediados de 1977, el nuevo álbum de la banda llevaba por titulo “Deceptive Bands”, un titulo irónico tomado de una señal de trafico en la autopista A24 entre las localidades británicas de Leathehead y Dorking en Surrey, advirtiendo de las peligrosos curvas que se avecinaban mas adelante.
“Decepctive Bends” fue sin duda la mejor demostración del gran talento de binomio Stewart-Gouldman para seguir creando grandes obras, aunque también es cierto que pierden el encanto de las excentricidades y la experimentación que los desertores Godley y Creme imprimían al estilo del grupo, pero al mismo tiempo descubrimos la grandeza de Stewart y Gouldman como compositores, que por esa época estaban en un gran estado de forma creativa e instrumental.
Composiciones majestuosas como la bluesy “Modern Man Blues”, la rock and roll juguetona “Good Morning Judge”, la deudora Beatle “The Things We Do For Love”, las melódicas “Don´t Squeeze Me Like Toothpaste” y “People In Love” o la progresiva y dinámica “Feel The Benefit”, confirmaba pese a la perdida los mencionados y geniales Godley y Creme, que la banda podía perfectamente salir adelante facturando un trabajo soberbio y antológico como este, el cual conseguiría un merecido reconocimiento comercial en las listas de numerosos países alrededor del mundo.