The Alan Parsons Project-I Robot (1977)

Si ya a mediados de los 70, Alan Parsons se había convertido en uno de los mas famosos ingenieros de sonido con algunos de los mejores y mas aclamados álbumes en los que pondría su talento en las labores de producción, como “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd o “Year Of the Cat” de Al Stewart, entre otros muchos, con su proyecto The Alan Parsons Project su popularidad se dispararía definitivamente.
“Tales Of Mystery And Imagination” su primera obra, había impresionado al mundo con un pop pomposo, grandes arreglos y con una dosis de rock progresivo no exento de cierta comercialidad. El éxito de este álbum llevaría a dúo Parsons y Woolfson a crear otro álbum conceptual siguiendo la estela del anterior trabajo. Si en “Tales Of Mystery...” el concepto giraba alrededor del escritor Edgar Allan Poe, esta vez seria sobre Isaac Asimov y su libro futurista y aclamado “I, Robot”. Para esta obra Alan Parsons volvía a contar con parte de los músicos que habían intervenido en la grabación del álbum anterior como David Paton (bajo y guitarras acústicas), Stuart Tosh (batería), y Ian Bairnson (guitarras), además de nuevas incorporaciones como el teclista Duncan Mackay, el guitarrista B.J.Cole o los cantantes Lenny Zakatek, Allan Clarke, Steve Harley y Dave Townsend. También repetiría Andrew Powell en los arreglos orquestales y por supuesto Eric Woolfson y el propio Alan Parsons, ambos encargados de diferentes instrumentos como los teclados, guitarras y voces.
Grabado en los estudios Abbey Road de Londres a finales de 1976 y principios de 1977, “I Robot” fue publicado en junio de 1977 por el sello Arista, su recepción fue mejor que su predecesor, llegando a entrar entre los diez primeros puestos de las listas de varios países, con varios discos de oro y platino además de unas ventas que superaron con creces el millón de copias. Musicalmente el álbum cuenta con complejos arreglos instrumentales, que sin embargo son tremendamente adictivos y aunque adolece de la solemnidad de su debut con un tono mucho menos épico, también es cierto que resulta un trabajo mucho mas melódico.
Casi 45 años después, obras como esta, se mantienen como un hito y han superado el tiempo transcurrido, hasta el punto de que perfectamente podría haber sido grabada en la actualidad, gracias a la producción tan adelantada a su tiempo que tuvo este imprescindible álbum.

Ten Years After-Cricklewood Green (1970)

“Cricklewood Green” es uno de los momentos cumbres del blues rock británico, un álbum tan grande como lo es la banda que creo esta maravillosa obra descomunal; Ten Years After. Publicado a mediados de 1970, este fue su quinto álbum, en donde lograban la madurez compositiva y en parte se alejaban de la onda psicodélica de sus obras anteriores, combinando dinamismo y versatilidad a la par que cierta dosis de comercialidad. Sin embargo su inconfundible esencia blues se muestra en gran parte del disco, el cual contiene enormes cortes como la potente “Sugar The Road”, la dinámica “Working on The Road”, las espléndidas “50.000 Miles Beneath My Brian” y “Love Like A Man”, la jazzistica “Me And My Baby” o la sureña “Year 3000 Blues”. "Cricklewood Green” es la mejor muestra de una de las esenciales bandas de blues rock de la historia y la de su líder el carismático y fabuloso guitarrista Alvin Lee.

Led Zeppelin-Houses Of The Holy (1973)

Cuando una banda crea una serie de joyas insuperables, poco o nada le queda por demostrar, y eso mas o menos fue lo que ocurriría con Led Zeppelin después de sus cuatro primeros discos, considerados todos ellos obras maestras absolutas del hard rock.
En 1973 Led Zeppelin estaban en la cima de su popularidad a nivel mundial, ellos habían dejado tras de si unas obras que hoy en día son estudiadas por los eruditos en la materia, plenos de energía, creatividad, magia, fuerza y sobre todo originales. Llegados a este punto la banda se relajaría y publicaría su álbum mas variado y experimental, en donde se dan cabida sonidos tan dispares como el funk, el soul o el reggae. Como ya había sucedido en sus anteriores discos, “Houses Of The Holy” lograría encaramarse hasta el numero uno en las listas de medio mundo con unas ventas que superan al día de hoy los 13 millones de copias. Publicado a finales del mes de marzo de 1973, de entre sus surcos habría que destacar primero los temas mas experimentales como la funky “The Crunge”, la reggae “D´Yer Mak´er´”, la folk “Over The Hills And Far Away”, y la comercial y rítmica “Dancing Days”. Mientras en el resto, salía a relucir el sonido característico y peculiar de la banda al encontrarnos con las clásicas “The Song Remains The Same”, “No Quarter” y “The Ocean”, tres temas de hard rock que se convirtieron en piezas imprescindibles de sus directos. Con “House Of The Holy” la banda volvía a dejar el listón muy alto, y si bien esta a un nivel inferior con respecto a sus primeras cuatro obras, esta podíamos considerarla una pequeña obra maestra y un digno sucesor de un álbum tan mítico e insuperable como es “Led Zeppelin IV”.

Electric Light Orchestra-A New World Record (1976)

El titulo de este álbum parecía presagiar el éxito que le esperaba, y es que “A New World Record” fue un trabajo solemne y grandioso de la Electric Light Orchestra, en donde su líder indiscutible, Jeff Lynne conseguía la consonancia inmejorable entre la comercialidad y la calidad. Repleto de hits tremendamente exitosos, mostraba un sincronismo total con elegantes arreglos, temas con la fuerza y la mesura perfecta y unas melodías tan irresistibles como adictivas. Empezando por la soberbia fusión de opera y rock en “Rockaria” con un resultado sencillamente magistral, a la que le siguen un retahíla de fantásticas canciones como la contundente “Livin Thing”, la sinfónica “Tightrope”, la exótica “Shangri-La” o la eterna y maravillosa melodía de “Telephone Line”, demostrando con todas ellas el talento y la originalidad de un genio de la composición, los arreglos y la producción como es Jeff Lynne, además de que tantísima calidad no pasaría desapercibida para el gran publico, catapultándolo hasta la enorme cifra de mas de un millón de copias vendidos solo en los Estados Unidos, en el primer año de su publicación, dando muestras con ello, el enorme impacto musical y comercial que supuso este soberbio “A New World Record”.

Colosseum II-Wardance (1977)

Tras acabar la primera aventura con los germinales Colosseum, John Hiseman fundaría junto a Allan Holdsworth y Mark Clarke el grupo progresivo Tempest, sin embargo pese a dos muy buenos esfuerzos con esta banda, el baterista no quedo muy satisfecho con el resultado, por lo que en 1975 reflotaría Colosseum, con la que había grabado cinco discos en el período de 1969 a 1971, rebautizando esta segunda parte como Colosseum II, pero desviando el sonido hacia un estilo más jazzisticos en detrimento del rock progresivo de la primera etapa del grupo.
Para este nuevo proyecto Hiseman recluta a Gary Moore, Don Airey, Neil Murray, Mike Sarrs y John Mole, con quienes grabó y publicó "Strange New Flesh" a mediados de 1976, un álbum muy intenso, enérgico y algo complejo que aún se encontraba dentro de los parámetros del rock progresivo.
A éste le seguirá un año después "Electric Savage" con una línea similar al anterior y a finales de ese mismo año "Wardance", último trabajo del grupo y el considerado el mejor de esta segunda etapa, donde la banda muestra un jazz progresivo plenamente ejercitado, con una evolución siguiendo en la línea del trabajo anterior pero con los desarrollos y la una elaboración más acentuada.
La épica "Wardance" inicia este disco de una manera enérgica, mientras que "The Inquisition" es un ejemplo del poder del jazz rock de Colosseum, el ambicioso "Star Maiden / Mysterioso / Quasar", se convierte en el tema más interesante musical y compositivamente hablando, "Major Keys" en cambio es una canción funk muy adictiva por su melodía y el toque de guitarra de Gary Moore y la blues "Fighting Talk", con ese ritmo cadencioso, define el enorme eclecticismo de esta formidable banda.

Supertramp-Crisis? What Crisis? (1975)

Después del monumental “Crime Of The Century”, Supertramp lanzaba el siguiente año “Crisis? What Crisis?, el cual supuso un paso atrás en el plano comercial, pero un digno sucesor musicalmente a su mencionada obra maestra. Compuesto en parte de material exento para el anterior álbum, Crisis? What Crisis? fue en cierto modo producto de la ansiedad por superar al “Crime Of The Century”, esto sin contar con la presión que la propia compañía ejerció sobre la banda en esos momentos en busca de un nuevo éxito comercial inmediato. A diferencia de todos sus anteriores álbumes, este seria el primero en ser grabado íntegramente en los Estados Unidos, concretamente en los estudios de la A&M Records en Los Ángeles. También es el álbum en donde las composiciones de Rick Davies superan a las de Roger Hodgson, o por lo menos las que con el tiempo mejor han sabido envejecer. Con una producción magnifica, el sonido cobra mucha mas madurez que su predecesor, además de ese toque comercial gracias a las pegadizas melodías vocales e irresistibles. Un disco que contiene un repleto torrente de temas emblemáticos como la melódica “Easy Does It”, la blusera “Aint Nobody But Me”, las progresivas “A Soapbox Opera” y “Another Man´s Woman”, las comerciales “Lady” y “Sister Moonshine”, la pop sinfónica “Poor Boy”, la soberbia balada “Just A Norman Day”, o las excelentes “The Meaning” y “Two Of Us”. Crisis? What Crisis? es a menudo considerado un álbum menor, lastrado injustamente por obras como el mencionado “Crime Of The Century”, “Even In The Quistest Moments” y “Breakfast In America”, sin embargo es sin duda uno de los mejores trabajos de la década de los setenta, con unas grandiosas melodías, unos sublimes arreglos y con una de las mas famosas portadas de los años 70.

Blue Goose-Blue Goose (1974)

Blue Goose fue una banda británica que surgió de las cenizas de una formación llamada Zeus, en la cual militaban el teclista Nicky Hogarth y el baterista Chris Perry que junto a los guitarrista Allan Callan y Eddie Clark, (este ultimo mas tarde pasaría a formar parte de Motorhead), constituiría el primer núcleo del grupo. Posteriormente y antes de grabar su primer y único álbum el guitarrista Mike Todman sustituye a Clarke, que junto al vocalista Joey Molland graban el debut homónimo "Blue Goose", bajo el sello Anchor Records en 1974.
Aún sin pertenecer a la banda, Clarke participaría brevemente en la grabación del disco tocando en la instrumental "Over The Top", tema compuesto por el propio guitarrista, también en la elaboración de este trabajo contribuyeron los músicos Alexis Corner y Steve Marriott. Con una fuerte influencia de boogie rock y el hard rock blues británico, con mucho hincapié en los potentes riffs de dobles guitarras, las slider guitars, y los sonidos de órgano hammond, este debut constituyo un interesante disco, muy apreciado por la critica del momento. Ya desde el inicio se pone patente el estilo de Blue Goose con la jam rock blues "Stuffin´Stuff" con una interacción de toda la banda, mientras en "The Chorus" la banda deja evidencia de sus grandes dotes vocales y melódicos, de igual manera ocurre con la acústica "Call On Me", por otro lado "Loretta" y "Snowman" muestran la faceta mas potente con dos excelentes temas de hard blues. El resto es igualmente muy meritorio con la reposada "Inside Yourself", la mencionada instrumental "Over The Top" o la poderosa "Let Me Know".
A pesar de que la posterior presentación del álbum en vivo tuvo bastante aceptación, el disco en estudio no lograría el éxito esperado, por lo que todos sus integrantes decidieron seguir carreras independientes, terminando así la corta trayectoria de esta interesante banda.

Steps Ahead-Modern Times (1984)

Steps Ahead son una de las bandas icónicas del jazz fusión de los años 80 y parte de los 90. Formada en 1979 por Michael Brecker, Don Groinick, Mike Manieri y Eddie Gomez, que junto al baterista Steve Gadd lanzaron su primer álbum en 1980 titulado "Step By Step". En este debut la banda mostraba un estilo de fusión básicamente acústico, que tendría continuación con su segundo larga duración titulado "Steps Ahead" (1983), en el cual ya no aparecería Steve Gadd, quien seria reemplazado por el ex batería de Weather Report, Peter Erskine. Si bien ambos álbumes fueron inicialmente concebidos para el mercado japonés, el cual era sin duda junto al norteamericano, el mas interesante en este genero musical, finalmente serian publicados a nivel mundial gracias al éxito que obtuvieron en USA y Japón. En su tercer álbum "Modern Times", la banda incluye los avances electrónicos de la década de 1980 y lo hace con finura y una gran inteligencia.
Capitaneados por el vibrafonista Mike Manieri, la banda coordina sobriamente las influencias del jazz y el rock utilizando todo tipo de nuevas ideas adaptadas a la música, como el saxo sintetizado (expertamente manejado por Michael Brecker), el Stick de Tony Levin, además de diferentes sintetizadores y baterías programadas y las estimables colaboraciones del guitarrista y en adelante nuevo miembro de la banda Chuck Loeb y el programador Craig Peyton.
Temas como el hipnótico "Safari", el clásico jazz fusión "Oops", la exquisita "Now You Know", el magistral "Self Portrait" o las eclécticas "Old Town" y "Radio Active", constituyen un disco de jazz indispensable y una obra maestra de fusión de alta tecnología, futurista y que hasta el día de hoy nadie ha conseguido utilizar los secuenciadores, los bajos sintetizados y vibrantes y esas percusiones programadas dentro del contexto del jazz fusión, como ellos los hicieron en este insuperable álbum.

Pink Floyd-Meddle (1971)

“Meddle” esta considerado por muchos fans de Pink Floyd, como un mero álbum de transición, y si bien es un trabajo que esta justo entre la época psicodélica y el rock progresivo de la banda, también es cierto que constituye uno de sus álbumes mejor logrados, por lo cual es excesivamente desmesurado catalogarlo como simplemente un trabajo “menor”.
También es cierto que después de su experimental “Ummagumma” y del extravagante “Atom Heart Mother”, Pink Floyd se encontraban en plena travesía buscando un sonido propio y distintivo, sin embargo, ello no suponía que estuvieran musicalmente perdidos.
Para este nuevo trabajo Rogers Waters y David Gilmour y en menor medida Richard Wright y Nick Mason, buscaron la síntesis de su pasado psicodélico de manera sutil, con unas atmósferas progresivas cada vez mas evidentes.
Claro síntoma de ello esta en su inmensa suite “Echoes”, una de sus obras mas emblemáticas, con una instrumentación soberbia y una de las mejores composiciones musicalmente de la banda, con 23 minutos de música intensa en donde hay cabida para momentos psicodélicos y progresivos, y para que todos los integrantes muestran su faceta de músicos talentosos. El resto no le va a la zaga desde la espacial “One Of These Days”, con un desempeño sensacional de Waters al bajo y Gilmour con la slide guitar, hasta la extraña blues “Seamus”, pasando por la sensibilidad de “San Tropez”, la acústica y evocadora “Fearless” o la melancólica “A Pillow Of Winds”. Con este álbum Pink Floyd daba el pistoletazo de salida a lo que vendría poco después, su obra maestra absoluta; “The Dark Side Of The Moon”.

Dog Soldier-Dog Soldier (1975)

Otra de esas cientos de bandas de oscuro pasado fueron Dog Soldier,  formada por el mítico baterista Keef Hartley en 1975 junto a los talentos de otros músicos de la escena británica del blues y del rock. Lo cierto es que no es fácil encontrar una formación con mas experiencia colectiva junta como en este banda, que además de Hartley estaba comprendida por el cantante y guitarrista Miller Anderson (Jon Lord Blues Band, Savoy Brown, Keff Hartley Band o Spencer Davis Group), el bajista Paul Bliss (The Bliss Band, The David Essex Band), el teclista Mel Simpson (Gerald Wilson & His Orchestra) y el guitarrista Derek Griffiths (Argent, Chuck Berry Band). Sin embargo tanto talento colectivo resultaría en cierta manera y pese a la innegable calidad del grupo, una efímera sensación de que podrían haber hecho algo mucho mas brillante si hubieran tenido mas continuidad. Los cinco miembros del grupo contribuyeron en las composiciones de este único álbum, algo que de alguna forma le daba mucha diversidad musical al grupo.
Temas de gran blues rock como la inicial "Pillar To Post", las rock contenidas "Several People" y "You Are My Spark", la tierna balada country "Long and Lonely Night", la pegadiza "Giving As Good You Get", la excelente y melódica "Thieves and Robbers" o la blues progresiva "Looks Like Rain", sorprenden por su enorme calidad, pero que desgraciadamente no sirvió para que esta banda siguiera explorando el talento de todos sus componentes con nuevas entregas y terminara cayendo en la inmensa oscuridad de las agrupaciones de corto recorrido de finales de los años 60 y principios de la década de los 70.

Robben Ford-Talk To Your Daughter (1988)

Robben Ford siempre tendrá un lugar prioritario en el Olimpo de los grandes guitarristas del jazz y del blues, y al igual que ocurre con otros grandes guitarristas como Larry Carlton, llego a lograr que tocar la guitarra suene algo tremendamente simple, por muy complicados que sean los cambios de acordes que imprime con las seis cuerdas.
Curtido en cientos de colaboraciones entre las que destacan Steely Dan, Miles Davis, David Sanborn, Randy Crawford, Yellowjackets o Al Jarreau, entre otros muchos, su carrera en solitario ha estado marcada por grandes álbumes de jazz, blues y otros enfocados al rock. En 1988 publicaba su segundo trabajo titulado "Talk To Your Daughter", un pletórico trabajo de jazz rock que fue nominado a la mejor grabación del género en los premios Grammy. En "Talk To Your Daughter", Robben Ford mostró una tendencia aumentada hacia el jazz fusión, debido en cierta medida a la inclusión de un nuevo miembro a su banda, el teclista Russell Ferrante, que unido a los habituales Roscoe Beck (bajo) y Vinnie Colaiuta (baterista), conformaban que su Robben Ford Trio se convirtiera en un cuarteto. En esta grabación Ford contó además con las colaboraciones de Brandon Fields (saxofón), Mark ford (harmónica), el teclista de Little Feat, Bill Payne y el miembro de Toto, Jeff Porcaro a las percusiones.
En este segundo álbum, Robben Ford muestra un sonido sobrio y solido, demostrando su gran talento con las seis cuerdas como el medio tiempo “Ain´t Got Nothin´But The Blues”, la inicial “Talk To Your Daughter”, la contundente “I Got Over It” o su original versión del clásico de Albert King “Born Under A Bad Sign”.

Steve Winwood-Arc Of A Diver (1980)

Con el apelativo de “niño prodigio”, Steve Winwood es uno de los arquitectos y grandes genios del pop británico de los sesenta, pieza fundamental en las bandas de Rhyhthm and Blues y los estilos vanguardistas posteriores; The Spencer Davis Group, Traffic y Blind Faith. Después de esas aventuras Winwood intervendría en multitud de proyectos durante la década de los setenta antes de comenzar una carrera en solitario repleta de éxitos con algún altibajo en el plano comercial, pero de grandes obras musicales. Este cantante, guitarrista, teclista, letrista y productor, lanzaría en 1977 su primer álbum homónimo que a pesar de las altas expectativas comerciales, solo alcanzaría un discreto numero 22 en las lista del Billboard. Sin embargo el éxito comercialmente hablando le llegaría con su enorme segundo álbum “Arc Of A Diver”, lanzado en 1980, con el que consigue varios discos de platino por sus enormes ventas. Para la grabación Steve Winwood no contaría con ningún músico adicional, ocupándose personalmente de todos los instrumentos, además de los arreglos, las mezclas y la producción.
Parte de este éxito estuvo en el tema “While You See A Chance”, el cual obtendría un rotundo impacto en los Estados Unidos y el inteligente manejo de los sintetizadores y teclados electrónicos. En “Arc Of A Diver” el músico actualiza su estilo evolucionando gracias al uso de los mas modernos instrumentos electrónicos de la década de los 80, que además de los teclados incluía las percusiones, conformando un trabajo ameno y desenfadado, con agradables melodías que cautivaron al publico con una música irresistible. Sin contar la mencionada “While You See A Chance”, destacaban otras contagiosas piezas como “Arc Of A Diver”, “Second-Hand Woman” y “Spanish Dancer”, mientras las mas convencionales “Slowdown Sundown” y “Dust”, eran en cierto modo un sutil guiño a su pasado reciente.

Orion the Hunter-Orion the Hunter (1984)

Considerado uno de los mejores álbumes del AOR de la primera mitad de los años ochenta, el homónimo de Orion The Hunter se ha convertido en todo un clásico del rock de todos los tiempos.
Liderada por el ex guitarrista de Boston, Barry Goudreau, quien fundaría la banda después de abandonar el grupo liderado por Tom Scholz. Este abandono fue producto de que a la espera de un tercer álbum de Boston, por problemas de litigio con el sello Epic Records, se previa que tardaría algunos años en publicarse, por lo que Tom Scholz recomendó al resto de integrantes que era el momento para que cada uno pudiera dedicarse a proyectos paralelos, lo que aprovecharía Goudreau para grabar su primer álbum en 1980. Sin embargo después de este disco, el cual tiene un estilo inconfundible al sonido Boston, Tom Scholz expulsa a Barry Goudreau acusando de suplantar y plagiar su proyecto musical.
A pesar de las grandes criticas favorables y el éxito de ese álbum en solitario, Barry Goudreau estaba decidido en tener una banda propia por lo que funda Orion The Hunter y para ello recluta al bajista Bruce Smith, al guitarrista Fran Cosmo y al ex batería de Heart, Michael DeRosier. Durante casi un año el grupo se dedica a componer y elaborar una selección de canciones que formarían parte de su primer lanzamiento. Grabado en los Power Station Studios de Nueva York, también participarían una serie de músicos como su ex compañero en Boston, Brad Delp en las voces, y los teclistas Jimmy Bralower, Steve Baker, Peter Wood y John Schuller y fue producido por Lennie Petze junto al propio Goudreau. El resultado fue un álbum elogiado a nivel mundial por su grandísima calidad, con unas espléndidas canciones, unos fantásticos arreglos melódicos y un sonido que claramente estaba fundamentado sobre el estilo de Boston. El trabajo de guitarra de Goudreau en particular suena con ese tono inconfundible a su banda madre además de demostrar una impresionante habilidad para las composiciones sublimes. A diferencia de las composiciones de Tom Scholz, Barry muestra su perfecto equilibrio en la estructura del álbum, con una mayor espontaneidad y menos complejidad en la producción. Desde la inicial y majestuosa "All Those Years" ya nos empieza a mostrar lo que este Lp contiene en sus surcos, las melodías precisas y pegadizas contrastan con la poderosa voz de Fran Cosmo y los sonidos hard rock muy adictivos. Temas como la melódica "So You Ran", la trepidante "Dreamin´", la balada "Dark And Stormy", los potentes rock "Stand Up" y "Fast Talk", o las preciosas "I Call It Love" y "Joanne" fueron tan impresionantes como efímeras. Este seria el único álbum de Orion The Hunter, justo un año después terminaría desintegrando, para años después reaparecer el propio Goudreau junto a Brad Delp en otra nueva formación de gran impacto como fueron RTZ.

Camel-The Single Factor (1982)

Denostado por los fans mas puristas de Camel, “The Single Factor” constituyo un punto de inflexión en la carrera posterior de la banda marcada hasta entonces en una serie de joyas del rock progresivo, que sin bien fueron siempre catalogados de segundones comparado con los grandes dinosaurios del genero, les ortigaría un status de banda mágica y hasta cierto punto de culto, para los seguidores del rock sinfónico.
Camel como banda prácticamente había desaparecido después del álbum “Nude” (1981), debido a la desbandada de todos sus integrantes a excepción de su líder Andy Latimer, que quedaría como único miembro oficial de la mítica formación.
Aún así el carismático guitarrista decidió seguir adelante y formaría una banda para su siguiente movimiento discográfico, contratando a parte del plantel de músicos que estaban bajo el auspicio de The Alan Parsons Project, como David Patton o Chris Rainbow a los que se sumaría los integrantes de la banda SKY Francis Monkman y Tristan Fry además del baterista Simon Phillips, el ex guitarrista de Genesis Anthony Phillips, el teclista Duncan McKay, el cual ya había colaborando con Latimer en la elaboración del mencionado “Nude” y volvería a contar con su viejo amigo Pete Bardens a los teclados, quien había dejado la banda cuatro años antes después del espléndido “Breathless”. Semejante variedad de músicos se vería reflejado en una interesante amalgama de sonidos dispares, que iban desde el clásico estilo de pop sinfónico de APP, hasta el sonido clásico de Camel, pasando por los arreglos mas complejos de SKY. Muestra de este ecléctico estilo esta en temas como “A Heart´s Desire” o “Heroes”. Pero lo mas sorprendente de este “The Single Factor” era la duración de las piezas aquí expuestas, a diferencia de sus largos desarrollos de los álbumes anteriores, aquí la duración apenas excedía de los cinco minutos cada una. El disco al completo parece mas una sucesión de temas sin demasiada cohesión musical y estilística entre ellos, que un álbum de rock progresivo en si mismo, tal vez y a toro pasado podemos pensar que Latimer intento a la desesperada lograr un éxito inmediato con un álbum mas accesible al gran publico y así conseguir un mayor impacto comercial. Habría que matizar que en esos años el rock progresivo había perdido gran parte del fervor que poseía en la década anterior. Pese a ello, el álbum pasaría bastante desapercibido injustamente dada su enorme calidad. Solo debemos darle una escucha a mágicas y espléndidas composiciones como “No Easy Answer”, la melódica y excelente “Camelogue”, la atmosférica “Heart´s Desire/End Peace”, o la hipnótica “Selva”, para darnos cuenta del potencial de este exquisito trabajo. Después de este disco, muchos vaticinaron el final de Camel, y aunque el siguiente “Stationary Traveller”, tuvo mas o menos una acogida similar a este, Andy Latimer mostraba al mundo que la grandeza de su talento no se había evaporado realizando fantásticos trabajos como “Dust and Dreams” (1992), “Harbour Of Tears” (1996), “Rajaz” (1999) o “A Nod And A Wink” (2002).

Alcatrazz-No Parole From Rock ´n´ Roll (1983)

Esta banda norteamericana de hard rock y heavy metal fue fundada en Los Ángeles a principios de 1983 y tenían el aliciente de contar con el vocalista Graham Bonnet y el guitarrista Yngwie Malmsteen. Ambos músicos por aquella época venían de dos de las mejores bandas del heavy metal de finales de los 70 y principio de los 80 como eran Rainbow y Steeler. Sin embargo el resto no le iba a la zaga, con el ex batería de Iron Butterfly Jan Uvena, y los antiguos integrantes del grupo New England Gary Shea y Jimmy Waldo, bajo y teclados respectivamente.
Ese mismo año de 1983 llegaría el debut de la banda “No Parole From Rock´n´Roll” bajo el sello Polydor, en donde destacaban la enorme voz de un brillante Bonnet y la insuperable creatividad guitarrística de Malmsteen con sus trepidantes solos y su sofisticada melodía que imprimía a su estilo con las seis cuerdas. El talento abrumador de ambos músicos se ven reflejados en una serie de grandes temas de hard rock con acercamientos al estilo neoclásico como “Island In The Sun”, “Hiroshima Mon Amour”, “Jet To Jet”, “Incubus” o “Suffer Me”.
Dos años después y con Steve Vai como guitarrista principal en sustitución de Yngwie Malmsteen, publicarían “Disturbing The Peace”, mientras Danny Johnson haría lo mismo reemplazando a Vai para el siguiente “Dangerous Games” en 1986. Ambos discos sin llegar a las excelencias de su debut fueron unos dignos sucesores, pero ya sin el impacto que supuso este espléndido “No Parole From Rock´n´Roll”.

Flower Travellin´Band-Anywhere (1970)

Segunda vez que aparece en este blog la banda japonesa Flower Travellin´Band, esta vez para reseñar su primer álbum, "Anywhere", aunque ya antes habían publicado el álbum “Challenge” firmado junto a Yuya Uchida en 1969. Para este debut la banda optaría por sonidos mas contundentes y ásperos, impregnado con la psicodelia imperante en la época y mucha improvisación. Con un estilo muy enmarcado hacia el rock duro que ya hacían las bandas británicas en aquellos años como Cream, Deep Purple o Black Sabbath. Todo el álbum esta enfocado hacia una serie de versiones como el tema “Black Sabbath” del grupo de Birmingham, la acústica versión de “House Of The Rising Sun” de The Animals, la lisérgica “Louisiana Blues” de Muddy Waters o la visceral versión de “21st Century Schizoid Man” de King Crimson. Como ocurriría con la portada del mencionado “Challenge”, el grupo volvía a escandalizar a la puritana sociedad japonesa al aparecer totalmente desnudos, esta vez encima de unas Harley Davidson, algo que transgredía las normas establecidas en su país, convirtiendo esta portada en una obscenidad y una falta de respeto para la gran mayoría de la sociedad nipona, demostrando con este hecho, que este radical grupo se saltaba a la torera sin ninguna ética ni pudor, las normas establecidas en la cultura nipona.

Paul Rodgers-Now (1997)

Tercer álbum en solitario de Paul Rodgers, uno de los grandes vocalistas del rock que comandara agrupaciones tan legendarias como Free y Bad Company y que compartió junto a Jimmy Page la autoría de aquella superbanda llamada The Firm. “Now” fue publicado en el año 1997 y fue precedido de los discos tributo que el propio Rodgers había hecho a Muddy Waters y Jimi Hendrix en sendos álbumes titulados “Muddy Waters Blues” y “The Hendrix Set” ambos publicados en 1993. Luego de un tiempo con numerosas giras mundiales, en 1997 Rodgers tenia ya compuesto el suficiente material además de una solida banda tras de si y se dispuso a grabar un nuevo álbum que fue titulado irónicamente “Now”. La mencionada banda estaba compuesta por el guitarrista Geoff Whitehorn, el batería Jim Copley y el bajista Jaz Lochrie. Lo primero que llama la atención de este tercer trabajo de Paul Rodgers es su excelente estado de forma, rejuvenecido vocalmente y mostrando su particular voz como en su época dorada, temas como la inicial y potente “Soul Of Love” ya demuestran la excelente producción de Eddie Kramer y la perfecta cohesión de la banda al completo. El resto lo conforman la blusera “Overloaded”, la añeja “Heart Of Fire”, un guiño a su pasado con Bad Company, la  pegadiza “Saving Grace”, la soul blues “Love Is All i Need” o el sublime blues “I Lost It All”, conformando todas ellas un álbum elegante, realizado de manera excelente con un gran feeling por las excelencias vocales y las soberbias ejecuciones instrumentales, constatando con ello la enorme calidad de una de las grandes voces de la historia del rock.

Ram Jam-Ram Jam (1977)

Ram Jam fueron una banda norteamericana de hard rock que se hicieron mundialmente famosos por su versión del tema “Black Betty” del mítico bluesman Leadbelly.
Fundada en la ciudad de Nueva York en 1977, por el guitarrista Bill Barteltt, el teclista Bob Nave, el bajista David Goldflies, el batería Pete Charles y el guitarra rítmico Jimmy Santoro. Gracias al patrocinio de los productores Jerry Kasenetz y Jeff Katz, los cuales eran los dueños del sello Buddah Records, les consiguen un contrato con la Epic Records y publican su primer álbum “Ram Jam” casi a finales de ese mismo año. En este álbum homónimo aparecería la celebre y mencionada “Black Betty”, la cual se encarama hacia los primeros puestos de las listas de éxitos de medio mundo. Sin embargo también supuso una sonora controversia con algunas organizaciones interraciales norteamericanas, alegando que el tema era una apología contra las mujeres de color. Pero polémicas aparte, este álbum contenía grandes dosis de hard rock americano no exentas de comercialidad enfocadas a las radios FM como “Keep Your Hands On The Wheel”, temas contundentes como “404”, la zeppeliana “Right On The Money”, o la soberbia “All For The Love of Rock´n´Roll”. Un año mas tarde repetirían el éxito con el álbum “Portrait Of The Artist As a Young Ram”, otra colección de grandes temas de hard rock adictivo y ritmos pegadizos como “Please, Please, Please (Please Me)”, “Gone Wild”, “Saturday Night” o la melódica “Turnpike”, pero que sin embargo al no contar con un sencillo tan exitoso como fue “Black Betty”, seria la principal causa para la separación del grupo a finales de 1978.

Hard Stuff-Bulletproof (1972)

Bullet fue una banda formada por los ex miembros de Atomic Rooster John Cann (guitarra) y Paul Hammond (batería), que después del álbum "In Hearing Of" publicado en 1971, decidieron crear una banda de hard rock pesado junto al ex guitarrista de los Quatermass, John Gustafson. Después de conseguir un contrato con el sub sello de EMI, Purple Records, graban una serie de temas enfocados en su primer álbum, publicado en 1971 como "Entrance To Hell". Sin embargo después de la publicación de este disco son denunciados por una banda norteamericana del mismo nombre que estaba registrada mucho antes que ellos, por lo que el sello discográfico les obliga cambiar de nombre el cual queda definitivamente como Hard Stuff. Todo ello les lleva a volver a grabar el álbum al completo con el vocalista Henry Shaw, quien interpreta una serie de temas que no habían sido incluidos en el anterior álbum. Finalmente seria publicado con el titulo de "Bulletproof" en junio de 1972. Este lanzamiento es un clásico de hard rock oscuro de los años 70, que contiene una serie de temas enérgicos de contundente heavy rock poderoso, que a diferencia del original "The Entrance To Hell", su grabación es mas primorosa, mejores arreglos y una notable mejoría en la producción.
Ni que decir tiene que el álbum publicado como Bullet “The Entrance To Hell”, es hoy en día una pieza de coleccionista muy codiciada por los fans del rock psicodélico de los años 70.

Savoy Brown-Raw Sienna (1970)

Savoy Brown son una banda fundamental e imprescindible para entender la corriente del blues rock británico y su posterior evolución. Fundada en Londres en 1965, su carrera ha estado marcada por los innumerables cambios de formación siendo la mas exitosa y a la postre la mas clásica, la comprendida entre los años 1968 y 1970, con cuatro imprescindibles álbumes publicados dentro del genero. En ese periodo la banda giraría principalmente alrededor del núcleo formado por el guitarrista Kim Simmonds y el cantante Chris Youlden los cuales eran los principales compositores y los que crearon un estilo único de blues rock repleto de sonidos psicodélicos no exentos de atmósferas progresivas, jazz y hard rock. El resto estaba compuesto por el guitarrista Lonesome Dave Peverett, el batería Roger Earl, el bajista Tony Stevens y el pianista Bon Hall. Con esta formación se grabaron los álbumes "Getting To The Point" (1968), "Blue Matter" y "A Step Further", ambos de 1969 y este que nos ocupa "Raw Sienna" (1970). Composiciones como la jazz blues progresiva "Is That So", la comercial y accesible "A Hard Way To" la jazzistica psicodélica "That Same Feelin´", la acelerada blues rock "Master Hare", la soul "I´m Crying" o la acústica "When I Was A Young Boy", dieron por acabada la mejor época de esta banda que se desintegraría casi al completo al abandonar Dave Peverett, Tony Stevens y Roger Earl para fundar el grupo de hard rock & boogie Foghat al año siguiente.   
Sin embargo estos tres músicos aún grabarían junto a Simmonds el interesante "Looking In", grabado casi a finales de ese mismo año de 1970. Posteriormente Simmonds armaría una nueva formación en la cual destacaban el vocalista Dave Walker y el teclista y futuro miembro de UFO, Paul Raymond, con los cuales grabaron los álbumes "Street Corner Talking" (1971) y "Hellbound Train" (1972). A partir de ahí y hasta el año 2020, Savoy Brown había publicado casi medio centenar de discos entre álbumes de estudio, directos y recopilatorios, lo que la convierte en una de las bandas mas longevas de la historia del rock.

Lady Lake-No Pictures (1977)

Este grupo holandés fue fundado en pleno auge del rock progresivo en 1973 en la localidad de Daventer. Formado por Leendert Korstanje, teclados, Eddie Bakker, bajo, Joop Van Leeuwen, batería y el guitarrista Fred Rosenkramp. A finales de 1977 graban su primer álbum "No Pictures", con una tirada limitada de 1500 copias, de las cuales muchas fueron a parar a otros países del norte de Europa como como Suecia, Noruega e incluso  Alemania, motivo el cual es hoy en día considerada una banda de culto en esos países. En este álbum debut Lady Lake muestra unas influencias muy variadas y ricas que van desde el prog rock con toques jazzisticos y pinceladas psicodélicas, y las influencias del progresivo mas bucólico y melódico británico de bandas como Camel o Genesis, con un estilo original que contiene atmósferas agradables y melódicas que por momentos nos recuerdan a los sonidos del estilo Canterbury. "No Pictures" es un álbum el cual esta magistralmente ejecutado y perfectamente elaborado con unos arreglos exquisitos. Después de este lanzamiento esta banda se disolvería hasta varias décadas mas tarde cuando volvieron en puntuales reuniones, en una de ellas (2005), grabaron su segundo disco “Supercleandreammachine", el cual obtuvo muy buenas criticas en los circuitos del progresivo europeo.

Nazareth-Malice In Wonderland (1980)

En 1980 Nazareth estaban sumergidos en los sonidos típicos del rock melódico de manera abrumadora, y ello se vio refrendado en su undécimo álbum “Malice In Wonderland”. Para este nuevo disco la formación no había variado desde el anterior “No Mean City”, estando conformada por Dan McCafferty, Zal Cleminson, Darrell Sweet, Manny Charlton y Pete Agnew, por lo tanto se habían afianzado en la configuración de quinteto con la entrada del guitarrista Cleminson un año antes. “Malice in Wonderland” pese a estar encuadrado como uno de sus trabajos enfocados al AOR, en realidad dista mucho del estilo habitual de la época, ellos se caracterizaron por un sonido original con diferentes matices musicales, los cuales fusionaban con su peculiar hard rock, mostrando un sonido muy atractivo y de enorme calidad. Desde la inicial y tremendamente comercial “Holiday”, pasando por las poderosas “Turning a New Leaf” o “Showdown At The Border”, las adictivas “Talkin´on One of The Boys” o “Fats Cars” y las melódicas y atractivas “Ship Of Dreams”, “Heart´s Grown Cold” o “Fallen Angel”, los escoceses dejaron un álbum con el cual seguían permaneciendo en la cúspide del hard rock y su status de gran banda intacta.

Triumph-Rock & Roll Machine (1977)

Eternos segundones de sus compatriotas Rush, esta banda canadiense ha dejado tras de si una serie de álbumes tan soberbios como sorprendentes de hard rock vibrante y poderoso con algunas influencias progresivas, que si bien nunca han llegado a la magnitud y excelencia de los mencionados Rush, si es cierto que ocupan un lugar de honor en la historia del rock.
Este power trío estaba formado por el guitarrista y vocalista Rick Emmett, el batería Gil Moore y el bajista y teclados Michael Leviney y sus inicios se remontan a 1975 en Toronto, donde empezaron a actuar en clubs y locales hasta que a finales de 1976 publicaron su primer álbum “Triumph” bajo el sello Attic Records. En este debut la banda aún mostraba un sonido sin definir, sin embargo sus influencias de las bandas icónicas británicas como Led Zeppelin, eran mas que evidentes, gracias a temas poderosos como “Let Me Get Next To You”. En 1977 llegaría su segunda obra “Rock and Roll Machine”, en donde empiezan a mostrar un interés por los sonidos progresivos que se ven reflejados en la suite “The City” o en “New York City Streets”, mientras por otro lado el trio sigue mostrando su lado mas contundente con las poderosas “Rock and Roll Machine”, “Little Texas Shaker” o “Takes Times”, e incluso se atreven con la excelente versión del tema de Joe Walsh “Rocky Mountain Way”, ejecutada magistralmente con un sonido cercano al blues rock.

Roger Hodgson-In The Eye Of The Storm (1984)

Después del álbum “Famous Last Words”, Roger Hodgson abandonaría Supertramp motivado por las continuas diferencias musicales con Rick Davis. Dos años después de su marcha Hodgson recuperaba la mejor versión del sonido Supertramp con su primer trabajo en solitario, este “In The Eye Of The Storm”, en donde lejos del pop sofisticado y comercial de “Breakfast in America” y del previsible y continuista “Famous Last Words”, el musico se acercaba a la esencia de álbumes como “Even In The Quietest Moments...” con un entrega sensacional y ambiciosa dejando constancia de que el era sin duda el alma del sonido de Supertramp, sin que ello desmerezca en absoluto a su ex compañero Rick Davis. Para la grabación de este álbum, Hodgson se encargaría prácticamente de todos los instrumentos (guitarras, bajos, baterías, teclados, además de los arreglos y la producción del mismo) con la colaboración puntual en diferentes piezas del baterista Michael Shrieve, el saxofonista Scott Page o la vocalista Claire Diament.
Un álbum con unos ambientes progresivos y épicos como “Only Because Of You”, un soberbio tema que perfectamente podría haber encajado en cualquiera de los discos de la mejor época de su banda madre, mientras la vena comercial del musico esta en las adictivas y pegadizas “In Jeopardy” y “Hooked On A Problem”, además de sonidos sublimes como la melancólica “Lovers In The wind” o temas poderosos como la inicial y tremenda “Had A Dream ( Sleeping With Enemy)”.

Tropea-Short Trip To Space (1977)

Mayoritariamente desconocido en Europa, John Tropea es uno de los mas importantes guitarristas del jazz fusión norteamericano de los años 70. La carrera de este guitarrista ha estado marcada tanto por la suya propia, con mas de una docena de discos publicados, como la de músico de sesión en medio centenar de colaboraciones de diferentes artistas como Van Morrison, Deodato, Michael Franks o Eric Clapton. "Short Trip To Space" (1977), supuso su segundo álbum en solitario, en donde su estilo de jazz fusión con sonidos funk de influencia psicodélica se refleja en un trabajo deslumbrante de jazz sofisticado elegante y dinámico. Sin llegar a las complejidades del jazz progresivo, Tropea se acerca al jazz fusión con atmósferas espaciales y grandes desarrollos instrumentales de piano, guitarra, vientos y percusión, ejecutados sin muchas pretensiones de manera adictiva, tanto para los mas puristas como para los fans del jazz mas comercial.
Para este segundo álbum, Tropea contaría con varios colaboradores de lujo de la talla de Larry Fast, Michael Brecker, Lou Marini o Randy Brecker entre otros músicos de la incipiente escena jazz norteamericana de la época.

ICU-Now And Here (1997)

ICU fueron una banda alemana del genero neo progresivo, que durante la década de los 90 publicaron tres álbumes antes de disolverse definitivamente en 1997.
Esta banda tuvo su origen en la ciudad alemana de Sindelfingen en 1989, y su formación estaba compuesta por Ralf Großmann, vocalista y guitarras, Thomas Glönkler, guitarrista,  Steffen Herrmann, teclados, Eva-Marie Baumann, flauta, harmónica y voces, Hartwig Dieterich, bajo y Joachim Lauber, batería.  En 1993 publicaron su primer álbum bajo el sello germano Gaumoggel Records titulado "Moonlight Flit", el cual les da cierta popularidad en Alemania y Europa. Con el siguiente "Now And Here", lanzado varios años después ICU consigue su mejor obra, considerada por muchos críticos como una joya del rock progresivo de los noventa. "Now And Here", demuestra con ello las excelencias de este magnifico y excelente álbum, el cual esta repleto de melodiosas voces que se integran perfectamente con los extensos pasajes instrumentales, de complejos arreglos de guitarras y teclados atmosféricos. Un álbum que de principio a fin es un soberbio trabajo de rock progresivo sinfónico, con una producción impecable y ejecutado de manera magistral por unos músicos de un gran nivel instrumental.

Chris Squire-Fish Out Of Water (1975)

El primer álbum de Chirs Squire, es para muchos la continuación lógica, musicalmente hablando del álbum “Relayer” de Yes, en el cual se observaba el rumbo que tal vez hubieran seguido de haber publicado un disco en esos momentos. Y es que tras la publicación y la posterior gira del mencionado “Relayer”, Yes hicieron un paréntesis de dos años en los cuales aprovecharían para que cada integrante se dedicara a sus proyectos en solitario. Así mientras Alan White publicaba “Ramshackled”, Patrick Moraz haría lo mismo con “The Story Of I”, por su parte Steve Howe entregaba su “Beginnings” y Jon Anderson grabaría “Olias Of Sunhillow”. Sin embargo seria Chris Squire con su “Fish Out Of Water” quien obtendría las mejores criticas, junto al álbum de Jon Anderson, con un disco que seguía de alguna manera con el estilo inconfundible de su banda madre. Para esta grabación Squire se rodearía de algunos de los mejores músicos de la escena progresiva británica de la época, como el flautista Jimmy Hastings, reconocido músico de bandas como Caravan, Soft Machine o Hatfield and The North, el batería Bill Bruford, curtido en bandas como King Crimson o los propios Yes, su compañero de banda Patrick Moraz, Mel Collins, saxofonista en cientos de grabaciones y integrante de bandas como King Crimson o Camel, además de otros afamados músicos como Barry Rose o Andrew Pryce Jackman. Temas como la orquestal “Safe”, la bucólica “Silent Falling”, la jazzistica “Lucky Seven” o la progresiva “Hold Out Your Hand” certificaron un álbum que casi se encuentra a la misma altura que algunas de las obras del quinteto británico y una pequeña obra maestra del rock sinfónico.

Genesis-Seconds Out (1977)

La partida de Peter Gabriel había significado la perdida de la parte teatral y simbólica de Genesis, pero también significaría el reto que la banda tenia que superar para continuar hacia adelante sin que su ausencia fuera un lastre demasiado grande para dejar de seguir estando en la cumbre del rock progresivo.
Fue cuando entonces el resto del grupo movió ficha y en vez de buscar un nuevo vocalista (realmente sondearon el mercado, sin encontrar al vocalista ideal), optaron por darle ese rol al batería Phil Collins, el cual ya había mostrado en alguna ocasión su talento y carisma para ello. Sus dos álbumes posteriores post Gabriel fueron dos inmensos ejercicios de gran rock progresivo como son "A Trick Of The Tail" y "Wind and Wuthering". En ambos no solo la calidad instrumental se mantiene intacta, si no que incluso en muchos momentos igualan las obras realizadas con Peter Gabriel. Sin embargo ambos discos tuvieron una víctima colateral, Steve Hackett, el cual veía su protagonismo muy mermado tanto en las composiciones como en la instrumentación de ambas obras. Pero antes y para las giras posteriores de los álbumes mencionados, la banda optaría por contratar a un batería, quien liberara a Collins de esa tarea en los conciertos, el primer elegido seria Bill Bruford, el cual apenas estuvo una serie de conciertos, siendo posteriormente sustituido por Chester Thompson.
En 1977 la banda decidió publicar su segundo álbum en vivo  justo después de la gira mundial del mencionado "Wind and Wuthering", sin embargo en este doble álbum aparecen temas pertenecientes a la gira del "A Trick Of the Tail". De esta gira en concreto aparece "Cinema Show", la cual pertenece al concierto en el Pavillon de Paris el 23 de junio de 1976, con Bill Bruford a las baquetas, el resto fue extraído de los conciertos ofrecidos por la banda los días 11 y 14 de junio de 1977 durante el “Wind and Wuthering Tour" con Chester Thompson a la batería.
Por entonces la banda se había inclinado por unos shows con una puesta en escena espectacular, con un juego de luces apoteósico y diferente parafernalia, para acentuar la siempre dramática y latente música del grupo y una mayor importancia instrumental en el aspecto individual de cada músico, en contrapunto a los conciertos de la era Gabriel mas enfocados al aspecto teatral y casi monopolizados por las dotes interpretativas del cantante. Para muchos este directo incluso superaría las grabaciones originales de estudio de algunas de las piezas aquí recogidas. El repertorio grabado es sencillamente magistral desde la teatral "Robbery, Assault and Battery" hasta la instrumental "Los Endos". Las ejecuciones magistralmente ejecutadas se van sucediendo una tras otra; "Firth Of Fifth", "I Know What I Like", "The Lamb Lies Down On Broadway" o "The Musical Box". Sin embargo la banda lo borda en las omnipresentes "Dance on A Volcano", "The Cinema Show" y especialmente en la suite "Supper´s Ready", 20 minutos de excelsa instrumentación por parte de todos los integrantes, con una soberbia interpretación por parte de Collins que suple perfectamente a Gabriel en el rol de frontman en esta mítica pieza icónica del rock progresivo. "Seconds Out" se ha convertido en uno de los directos mas populares y grandiosos del siglo XX y un documento histórico del rock progresivo.

Bliss Band-Dinner With Raoul (1978)

Bliss Band fue una banda británica de finales de los 70 que lanzó dos álbumes hasta que se disolvieron en 1980. La banda fue formada por el vocalista y teclista Paul Bliss en 1976 después de su salida de los Dog Soldier, con quienes lanzó un álbum en 1975 e incluso participaría en varios trabajos de los Moody Blues. Para las labores de producción de este primer álbum publicado en 1978 “Dinner With Raoul”, Paul Bliss contaría con el guitarrista de Steely Dan y The Doobie Brothers, Jeff Baxter, además de Michael McDonald a las voces, Andy Brown al bajo, Alan Park a los teclados, Phil Plamer a las guitarras y Nigel Elliott a la batería. Este primer disco esta repleto de grandes composiciones al estilo mas puro del west coast, pasando por momentos más jazzísticos, rebosantes de melodías adictivas y agradables, con partes melódicas combinadas gracias a la calidad vocal de Bliss y McDonald y los elementos de los teclados que hacen que este álbum sea un excelente disco de rock californiano de finales de los setenta. El resultado final es sorprendente, y no es de extrañar dado que el sonido se beneficia de la mano en la producción de Jeff "Skunk" Baxter, y las enormes apariciones de Michael McDonald, ("Slipaway" y "Stay A Little Longer"), las cuales nos dejan un sabor entre los primeros Steely Dan y The Doobies Brothers, lo que lo convierte en una joya perdida del rock melódico de la costa oeste. Temas como "Over The Hill", "Don't Do Me Any Favors", "Right Place, Right Time" o "Here Goes" solo les haria falta que estuviera Donald Fagen para convertir este “Dinner With Raoul” en un “Katy Lied” perdido, con esa suave, llamativa y sutil música que contiene entre sus surcos. Incomprensiblemente cómo les ocurriría a tantos otros, este álbum se perdió en el abismo, y es que tal vez habían demasiadas cosas de este estilo por esa época, (que las hubo sin duda alguna), motivo por el cual muchos de estos trabajos pasaban desapercibidos irremediablemente.

Bob Seger & The Silver Bullet Band-Live Bullet (1976)

En 1975 Bob Seger emprendería su primera gran gira por todos los Estados Unidos y para ello formó su primer grupo de apoyo; The Silver Bullet Band.
Fruto de esa agotadora gira es el disco "Live Bullet", grabado íntegramente durante uno de los conciertos en el Cobo Hall de Detroit, las noches del 4 y 5 de septiembre de 1975, siendo el primero de sus trabajos firmado con la banda.
La Silver Bullet Band estaba compuesta por el guitarrista Drew Abbott, el batería Charlie Allen Martin, el bajista Chris Campbell, el teclista Robyn Robinson y Alto Reed a los vientos. En este doble en directo se recoge parte de los grandes éxitos de su carrera hasta ese momento y terminaría convirtiéndose en uno de los álbumes en vivo clásicos de los setenta. Este mítico álbum contiene temas legendarios como la inicial y rabiosa versión de Tina Turner "Nutbush City Limits", la encantadora "Turn The Page" o la soberbia y exitosa "Ramblin Gamblin Man". También hay lugar para temas de rock poderoso como “Heavy Music”, la rock and roll "Get Out Of Denver" o las versiones "Let It Rock" de Chuck Berry, y "Bo Diddley" del mítico guitarrista de Rhythm and Blues.
Este álbum marco un hito en las radios FM norteamericanas al ser masivamente radiado por todo el país durante el año 1976 y ello le ayudaría a conseguir un disco de platino algún tiempo después por sus ventas, cantidad que se multiplicaría con los años hasta cerca de los 7 millones de copias vendidas a nivel mundial.
Un directo mítico donde el contenido emociona a un público con un Bob Seger y su banda en estado de gracia, haciéndoles disfrutar del mejor rock norteamericano.

Black Sabbath-Paranoid (1970)

Para cuando Black Sabbath lanzó su primer disco, introdujeron la parafernalia del género heavy metal como luego fue conocido, es decir,; el culto por el color negro, las indumentarias de cuero, el interés por todo lo satánico, lo lúgubre y funesto o las cruces invertidas en el escenario, y en esta banda en particular una afinación de una octava por debajo de lo habitual, debido al estilo de su guitarrista Tony Iommi, quien producto de un antiguo accidente en sus dedos, usaba una prótesis de goma, obteniendo con ello esa tonalidad tan característica en sus riffs y solos de guitarra. Con todo esto anteriormente mencionado, el público no salió de su asombro y estupor, y eso se tradujo en la primera posición que ocuparía su segundo disco "Paranoid" (1970), en las listas británicas, estando más de un año entre los cien primeros y a la postre su álbum mas vendido hasta la fecha, con mas de cinco millones de copias vendidas. Pero dejando atrás su enorme éxito comercial, "Paranoid" es uno de los discos de heavy metal más icónicos de la historia, con un repertorio tan siniestro como infernal, desde la lugrube "War Pigs" una reprobación a la guerra del Vietnam, hasta el heavy rock "Paranoid", sin olvidar himnos generacionales del heavy metal como la siniestra "Electric Funeral", el lisérgico "Planet Caravan", la instrumental “Rat Salad”, la apología a las drogas “Hand Of Doom” o la icónica "Iron Man".

Agitation Free-Malesch (1972)

Agitation Free fueron uno de los clásicos del genero krautrock alemán, realizando un estilo muy original con sonidos que combinaban la música electrónica repetitiva, elementos de la world music y la vanguardia europea con grandes solos de guitarra, música espacial y improvisaciones atmosféricas alucinantes.
Formados en 1967 en Berlin por Jörg Schwenke, guitarra, Lutz Ulbrich, guitarras, guitarra de 12 cuerdas y órgano Hammond, Michael Hoenig, sintetizadores, steel guitar y electrónica, Michael Günther, bajo y Burghard Rausch, batería, percusión y voces. En 1972 publicaron su primer álbum "Malesch" cuyo estilo esta fundamentado en los sonidos étnicos del medio oriente, producto de los extensos viajes que hizo la banda durante años por algunos de países como Egipto o Libia, todo ello empapado de psicodélica británica y norteamericana con solos de guitarras y sonidos hipnóticos. Un años después llegaría "Second" (1973) el segundo álbum, que a diferencia del primero los sonidos se vuelven mas “occidentales”, predominando el space rock con elementos de múltiples teclados y unas guitarras acidas muy cercanas hacia los sonidos de Ash Ra Tempel. Después de estos elocuentes y aterradores dos álbumes, se publicaría el directo "Last" en 1976, un disco mucho mas experimental que daba por acabada la primera aventura de esta magnifica banda hasta casi 25 años después cuando volverían a reunirse para grabar una serie de álbumes los cuales fueron bien recibidos por la comunidad progresiva.

Damn Yankees-Damn Yankees (1990)

Si ya antes habíamos hablado de algunas alianzas de grandes músicos para formar superbandas en la década de los ochenta, en los noventa ocurrirían casos muy parecidos, y Damn Yankees fueron un claro ejemplo de ello. Formada por el guitarrista de Styx, Tommy Shaw, el bajista de Night Ranger, Jack Blades, el batería Michael Cartellone y el icónico guitarrista Ted Nugent. Ellos publicaron dos de los mas exitosos álbumes de hard rock melódico de los años noventa. Con un estilo en donde las excelentes voces melódicas de Shaw y Blades fueron el contrapunto perfecto a los riffs incendiarios y viscerales de Ted Nugent como quedaba demostrado en su primer álbum publicado en 1990, el cual contenía memorables temas de hard rock como “Runaway”, “Bad Reputation” o Coming Of Age”, o explosivas y poderosas canciones como “Rock City”, “Pile Driver”, “Damn Yankees” o “Mystified”. Mientras la melódica “High Enough” les reportaría junto al resto del álbum, varios discos de platino y un segundo puesto en las listas de éxitos norteamericanas, lo que les llevaría a una extensa gira mundial, durante gran parte del año 1990 junto a Bad Company, Poison y Jackyl.
Dos años después llegaría el segundo álbum de la banda “Don´t Tread” el cual y pese a no conseguir el impacto de su debut, alcanzan el doble disco de platino por sus ventas. A partir de aquí Ted Nugent retomaría su carrera en solitario, mientras Shaw y Blades publicaron un álbum juntos “Hallucination” (1995), el cual obtuvo bastante notoriedad en los circuitos del AOR, para luego cada uno volver a sus bandas de origen y el batería Cartellone pasaría a engrosar parte de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd.

Far Corporation-Division One (1985)

Durante la década de los ochenta hubieron muchos proyectos y reuniones paralelas de grandes músicos de diferentes bandas que formaron alianzas para crear discos o hacer giras, muchas de las veces por el simple hecho de diversión y liberar las tensiones habituales de sus grupos de origen o sus carreras en solitario.
Uno de esos grandes proyectos fue este "Far Corporation", formado por los componentes de Toto; Steve Lukather, Bobby Kimball y David Paich a mediados de los ochenta.
A ellos se unirán Curt Cress de Saga y el experimentado bateria Simon Phillips, el cual curiosamente se convertiría en parte de Toto algún tiempo después como baterista oficial para reemplazar al fallecido Jeff Porcaro. El resto de componentes fue un equipo de lujo donde destacaban Mel Collins, (Camel, King Crimson, Alan Parsons) o Robin McAuley de Michael Shenker Group, y fue producido por Frank Farian.
Este proyecto tendría un éxito abrumador en diferentes países europeos y Estados Unidos gracias en parte a una versión "modernizada" del clásico de Led Zeppelin "Stairway To Heaven". En este álbum el sonido era heredero del estilo de Toto, con grandes armonías, unas melodías perfectas y un AOR de alta calidad gracias a temas como la adictiva "One Of Your Lovers", la operística "Johnny Don't Go The Distance", el rock ochentero "Fire and Water” o la trepidante "Rock´n´Roll Connection”. Más tarde este lanzamiento se convirtió en un artículo de colección y de culto para los amantes del AOR y el rock clásico.
Nueve años después lanzarían otro álbum bajo el nombre de "Solitude", pero no obtendrían el mismo éxito que con este soberbio "Division One".

AC/DC-Let There Be Rock (1977)

“Let There Be Rock” es uno de los discos magistrales del hard rock, una obra maestra que catapultaría definitivamente a los australianos AC/DC hasta el estrellato mundial.
Para cuando se publico esta obra, AC/DC ya habian sorprendido al mundo con sus álbumes “High Voltage” y “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, ambos de 1976, y los primeros que se habían lanzado a nivel mundial, ya que sus anteriores trabajos publicados en el año anterior solo fueron lanzados en tierras australianas, “T.N.T” y “High Voltage”, este ultimo con un repertorio diferente a la versión internacional. En “Let There Be Rock” la banda demostraría la experiencia y madurez suficiente para crear una obra soberbia de magistrales riffs de guitarras, fantásticos acordes y unas sorprendentes composiciones de hard rock y heavy metal. Desde la inicial rock and roll “Go Down” pasando por la soberbia “Let There Be Rock”, con la voz salvaje de Bon Scott y unos riffs demoledores, hasta el blues “Problem Child”, que pone el freno al frenético devenir de los temas que se van sucediendo: “Dog Eat Dog”, “Hell Ain´t A Bad Place to Be” y “Whole Lotta Rosie”, mientras “Overdose” se torna el tema “suave” de este magistral álbum, sin duda una de las mejores obras de la historia del heavy metal y el hard rock.

Taste Of Blues-Schizofrenia (1969)

Taste of Blues fue una banda sueca formada a finales de los 60 en la ciudad de Malmoe, y que con un estilo que estaba encuadrado entre el sonido psicodélico de la época con elementos del krautrock alemán y sutiles sonidos orientales, les labraría una gran reputación en el ámbito progresivo europeo de aquellos años. Su primera formación estaba comprendida por el vocalista Anders Stridsberg, el guitarrista Fred Rolf Berg, el bajista Robert Moller y el batería Patrick Erixson, además del teclista Claes Ericsson. En 1969 grabarían su único álbum "Schizofrenia", en el cual ya no aparecería Stridberg sustituido por el cantante de color norteamericano Don Washington. Este único álbum pertenece a los clásicos discos de culto de la psicodelia de los sesenta, su tema principal es el inicial "Schizofrenia", un viaje épico de diecisiete minutos de sonidos cósmicos, metales, ritmos endiablados de groove, música hipnótica y apocalíptica. El resto son ejercicios mas convencionales basado en el blues psicodélico, incluida una versión del tema de John Mayall "Another Kinda Love". Una vez grabado este álbum algunos miembros se fueron para formar la banda de hard rock Asoka y el grupo de rock Lotus, terminando aquí la aventura de esta magnifica banda sueca.

From-0611 Cat Quarter (1971)

From fueron una banda oscura de jazz rock progresivo surgida en Alemania a principios de la década de los 70, que fue influenciada por los sonidos mas eclécticos de Miles Davis, fusionados con el estilo del jazz británico de la escuela de Canterbury. Formado por el bajista Dieter Von Goetze, el batería Kurt Bong, el saxofonista y otros instrumentos de viento, Gustl Mayr y el teclista Klaus Göbel. Ya en el Festival de Jazz de Frankfurt de 1970, causan una gran sensación, lo que les proporciona que un año después publiquen su primer álbum "0611 Cat Quarter" y al año siguiente "Power On!", bajo el sello CBS. Ambos discos son considerados dos joyas ocultas de rock fusión germinal con pasajes progresivos. Su estilo es un jazz progresivo, muy vivo y de una escucha agradable y sus desarrollos instrumentales demuestran la virtuosidad de todos sus miembros, desde Mayr quien marca unos parámetros muy en la onda al mencionado Miles Davis, hasta el organista Göbel, con un uso del piano eléctrico y del órgano Hammond espectacular, mientras el batería Bong extrae unas sonoridades muy cercanas al jazz clásico.

3-To The Power Of Three (1988)

Este proyecto nació siguiendo la estela de las grandes bandas de los 70 que se reinventaron para sonar mas accesibles al gran publico en la década de los 80, (Yes, Genesis, Kansas, King Crimson o Pink Floyd) o sus bandas herederas como Asia o GTR. En 1986 Keith Emerson y Greg Lake intentaron resucitar a Emerson Lake and Palmer con un sonido en donde los elementos progresivos se fusionasen con el rock mas melódico. Sin embargo esta reunión no pudo completarse por la negativa de Carl Palmer, inmerso contractualmente con el grupo Asia. Así las cosas la banda lo sustituiría por el batería Cozy Powell, mítico percusionista de bandas tan legendarias como Rainbow, Black Sabbath o Whitesnake entre otras muchas mas. De aquella reunión salió el disco homónimo publicado en 1986 "Emerson, Lake and Powell". Después de ese álbum el trío se disolvería, pero Keith Emerson seguirá empeñado en mantener el status de su power trío aún latente y así dos años después y ya liberado Carl Palmer de sus obligaciones con Asia deciden reactivar el grupo. Sin embargo seria Greg Lake quien esta vez no estaba por la labor, ocupando su lugar el guitarrista y bajo, Robert Berry quien se había dado a conocer en la banda Hush de principios de la década de los ochenta y en GTR, sustituyendo a Steve Hackett.
Esta vez Emerson, Palmer y Berry decidieron llamarse "3", tal vez por la imposibilidad de repetir las siglas ELP, y bajo este nombre publicaron el álbum "To The Power of Three" que apareció en 1988, en donde como era de esperar su música tiene un claro sonido a los mencionados ELP, pero también a un decidido rock corporativo y melódico, muy característico de los años 80. Un álbum que contiene momentos muy dignos y en algunos casos grandilocuentes, con ciertas partes que nos recuerdan a las epopeyas progresivas de los años 70 del clásico trío, especialmente en los sonidos de los omnipresentes teclados. Desde la inicial y dinámica "Talkin´About" un tema firmado por Berry que originalmente iba destinado al segundo álbum de GTR, las AOR "Chains", "Eight Miles High" y "Runaway", las cuales sutilmente tienes resquicios progresivos, hasta la soberbia e inmensa "De La vida", que dividida en tres partes, crean una pieza de autentico rock progresivo, con fantásticos fragmentos instrumentales y que junto con "On My Way Home" aparece de manera tenue el espíritu ELP y su época dorada de los 70.

Crawler-Crawler (1977)

El 19 de marzo de 1976 Paul Kossoff fallecía a consecuencia de un edema pulmonar en un vuelo nocturno en los Estados Unidos, viajaba desde los Ángeles a Nueva York para preparar la gira que su banda Back Street Crawler haría junto a AC/DC y que estaba prevista iniciarla el 25 de abril. Para muchos en esos momentos, este hecho presagiaba el final de Back Street Crawler. Pero sin embargo y contra todo pronostico, los miembros restantes, John "Rabbit" Bundrick, Tony Braunagel, Terry Wilson y Terry Wilson-Slesser, decidieron continuar sin su líder, pero deseaban hacerlo con otro nombre.
Pero antes de llegar a hacerlo, tuvieron las presiones de Ahmet Ertegun, presidente de la compañía Atlantic, con quien Back Street Crawler tenia un contrato, para que continuaran como hasta esos momentos bajo su sello discográfico. Incluso el propio Ertegun les propuso al guitarrista Mick Taylor como sustituto de Paul Kossoff. Taylor quien por aquella época había abandonado a los Rolling Stones, se opuso tajantemente, no le sedujo ni le hizo ninguna gracia la idea de reemplazar a un músico que había muerto. Otro de los que se negarían en redondo seria el ex Fleetwood Mac, Peter Green, el cual argumento el no estar preparado para subirse a un escenario después de años alejado de ellos. Luego de varios descartes mas, finalmente fue la banda quien unilateralmente se decidió por el ex guitarrista de If, Geoff Whitehorn. Pero este hecho no fue aceptado por la Atlantic Records quien rompe fulminantemente los acuerdos con la banda, argumentando que era con Paul Kossoff con quien tenían el contrato legalmente. Poco después y gracias a un ejecutivo de la Swan Song, propiedad de Led Zeppelin, fichan con la Epic Records y deciden acortar el nombre de la banda por Crawler.
En sus inicios y para foguearse, la banda realizo una extensa gira por el Reino Unido, a lo que seguiría la grabación de su primer álbum "Crawler" (1977), que fue muy bien recibido en los Estados Unidos, en parte gracias al tema "Stone Cold Sober" que tuvo muchísima repercusión en las emisoras FM americanas.
A partir de aquí la banda se concentra en el mercado estadounidense y publican su segundo álbum "Snake, Rattle & Roll", que fue seguido por un extenso tour por los Estados Unidos junto a bandas como Foreigner, Cheap Trick, Kansas o Robin Trower. Al final de la misma, la banda termina disolviendo en parte debido al abandono de John "Rabbit" Bundrick, quien fue contratado por The Who para tocar en su gira mundial presentando el álbum "Who Are You".
Pese a que solo publicaron dos soberbios álbumes, es sin embargo el primero su mejor obra, todo un clásico del hard rock y blues rock, en donde destacaban la melódica "Without You Babe", el boogie "Sold On Down The Line", la dramática "You Are My Saviour", la robusta "Pastime Dreamer" o la irresistible "Stone Cold Sober" con ese sonido medio latino deudor del mejor Santana. Con este álbum la banda demostraba que podían seguir haciendo un gran rock sin Kossoff y pese a que el nuevo guitarrista Whitehorn no tenia sus excelencias guitarrísticas, si imprimía a su estilo un gran feeling, con gran talento, tocando tanto temas rock como blues, a lo que le sumaba la brillante voz de Wilson-Slesser y el gran trabajo instrumental del resto de la banda.