Rick Wakeman-The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table Music (1975)

Dos años después de su grandilocuente debut discográfico (al margen de su banda madre, Yes), Rick Wakeman se aventuro en otro ambicioso trabajo, esta vez en torno al Rey Arturo y la espada de Excalibur. Ya Wakeman había explorado los sonidos y las texturas de una orquesta sinfónica fusionándola con el rock en el anterior y brillante "The Six Wives of Henry VIII", por lo que en esta nueva entrega intento seguir por un sendero parecido, pero otorgándole a los suntuosos arreglos orquestales y los envolventes coros, un mayor protagonismo, todo ello bajo el enérgico rock y fundamentalmente adornado con sus múltiples cascadas de Mellotron, moogs, teclados eléctricos y otros sintetizadores de ultima generación. Además de la New World Orchestra dirigida por David Measham, también esta presente la English Chamber Choir, dirigida por Guy Protheroe y una sección rock compuesta por Ashley Holt y Gary Pickford Hopkins (voces), Barney James (batería), Jeffrey Crampton (guitarras), Roger Newell (bajo), John Hodgson (percusiones) y Terry Taplin como narrador de la obra. La asombrosa orquestación, mas la narración que cuenta cada parte de la historia junto a la talentosa instrumentación por parte de todos los músicos involucrados, nos sumergen en una rica sonoridad de diferentes atmósferas musicales que en muchos momentos alcanza una gran grandilocuencia, confeccionado con todo ello un álbum tan triunfal como creativamente brillante.

Guns´N´Roses-Chinese Democracy (2008)

Quince años tardaría Guns´n´Roses en publicar su sexto álbum, "Chinese Democracy", el cual es también probablemente uno de los mas caros de la historia, costando alrededor de los 13 millones de dólares. Y es que el proceso de grabación de este álbum ha tenido de todo lo habido y por haber, desde la deserción de muchos músicos, suspensiones de lanzamientos, problemas con las discográficas...etc, todo esto sin contar con los habituales problemas de Axel Rose, un proceso de grabación que casi casi se asemeja al tiempo que se han construido grandes obras magnas en la historia de la humanidad.
Mas allá de esta exagerada consideración, el resultado de tanta espera (que a veces ocurre que a mayor expectación, mayor fracaso), es simplemente un buen disco sin mas, y es que el concepto tiempo se le ha ido de las manos al propio Rose, conformando un disco que mas bien parece grabado en la década de los 80, que en este nuevo siglo, a lo que referente al sonido se refiere, algo desfasado, aunque también deberíamos tener en cuenta que los Guns´n´Roses siempre han sido una clásica banda de rock atemporal. El álbum contiene buenos temas como por ejemplo "Street of Dreams", la hard rockera "Chinese Democracy", la blusera "Sorry", pero poco mas, ya que encontramos temas algo descolocados en el rol del grupo como "If The World" una especie de canción medio reggae y ambient, "Scrapped", un corte que no dice absolutamente nada y se manifiesta como un claro tema de relleno o "Madagascar", esta incluso parece que sin terminar de construir totalmente, una tónica que sigue el resto del álbum, que se antoja bastante frío y que no termina de cuajar. Y es que aquella fantástica formación que fueron los originales Guns´n´Roses, nunca habrían publicado este disco, mas que nada por que aquellos talentosos músicos hubiesen compuesto canciones con mucha mas calidad y corazón, que este nuevo disco de Axel Rose en solitario.

Hard Stuff-Bolex Dementia (1973)

Dos años después de publicar su primer álbum, Hard Stuff, la banda creada por varios ex miembros de Atomic Rooster, afrontaron una nueva grabación en donde se posicionaron en los arriesgados sonidos de la experimentación con tendencias funk y vanguardista. Con la misma formación que en la anterior álbum, aquí están presentes el guitarrista John Cann, el baterista Paul Hammond, el bajista y guitarra John Gustafson y el cantante Henry Shaw.

Sin embargo y debido al drástico cambio sustancial con respecto al estilo del inicial hard rock de su anterior entrega, tuvo cierto rechazo por parte de sus fans mas ortodoxos.

El álbum en si es una amalgama diversa de sonidos que va desde pegadizas canciones "Ragman", hasta enérgicos rock and roll "Roll a Rocket", "Spider´s Web", "Sick N´ Tired" o "Dazzle Dizzy", pasando por estrafalarias piezas experimentales como "Bolex Dementia".

Sin duda un muy buen álbum que mereció mucha mas atención que la obtenida en el momento de su publicación.

Herbie Mann-Memphis Underground (1969)

Herbie Mann es uno de los músicos más admirados del jazz, un hombre que ha influido de manera decisiva dentro del contexto del jazz y de la música en general a las siguientes generaciones de artistas del genero. Nacido en los años treinta en Brooklyn, en sus comienzos artísticos ya era un consumado intérprete de la flauta, el saxo, el piano y el clarinete. Durante las décadas de los cincuenta y sesenta, Mann vio publicados innumerables registros como solista o participando en diferentes orquestas y bandas, en las cuales mostraba su impresiónate dominio de la flauta. Con una descomunal discografía tras de si que abarca desde 1954 hasta el 2004, cuando se publicaría su ultimo álbum poco despues de fallecer, Herbie Man entro en los anales de gran mito musical con una extraordinaria serie de trabajos, en donde combinaba sabiamente las nuevas sonoridades que experimentaba con el jazz, mezclándola con las músicas étnicas africanas y latinas. En 1969 con su álbum "Memphis Underground", Herbie Mann entraría por la puerta grande en el mundo de la música de masas gracias a un LP sorprendente y básico en la música popular del siglo veinte. En esta ocasión Mann toco los palos del soul y del rhythm and blues, bajo los influjos del jazz del sur norteamericano. En "Memphis Underground" Herbie Mann obtendría la colaboración de sobresalientes músicos provenientes del mundo del jazz como Larry Coryell, Roy Ayers, Reggie Young, Gene Chrisman, Miroslav Vitouš, Bobby Emmons o Sonny Sharrock. Considerado una de las obras maestra del jazz, es al mismo tiempo uno de los registros del genero jazzistico mas exitosos de todos los tiempos.

AC/DC-Black Ice (2008)

Sin duda alguna este se ha convertido en el álbum mas esperado de los últimos años, sin contar con la ya aburrida y desesperante historia del "Chinese Democracy" de los Guns and Roses, y aunque la espera ha sido larguísima también es cierto que ha valido la pena, ya que los hermanos Young se han sacado de la manga otro de esos discos que marcaran historia a la larga ya trayectoria de esta considerada por muchos la mejor banda de rock de todos los tiempos.
Y han vuelto por donde saben hacerlo a la perfección con ese rock pesado y contundente que les hizo ya míticos en los años 70 cuando Bon Scott era el alma matter del grupo.
Además han contado esta vez con uno de esos productores (Brendan O´Brien), que parecen preferir estar en la sombra y no ser protagonista de la película y es que este nuevo disco suena perfecto, casi tanto que y salvando las distancias del tiempo con lo que eso conlleva (nuevas tecnologías), deja a míticos productores como John “Mutt" Lange o Rick Rubin en paños menores, sin desmerecer en absoluto la categoría de estos dos genios de la producción.
Un álbum donde el rock clásico toma el protagonismo perdido en trabajos como “Fly on The wall" o “The Razor´s Edge” donde el heavy metal era muy patente.
Temas como “Rock´n´train”, “Skies on Fire”, “Big Jack”, “War Machine” o “Smash n´ Grab” nos dejan tan buen sabor de boca que incluso parece estar escuchando canciones de la época gloriosa del "Back in Black", además de otras que sorprenden por su extraña relación con la banda como “Anything Goes" con ese toque “pop” o “Stormy may day” con un Angus utilizando por primera vez una slide guitar.
El resto de temas, quince en total, siguen la tónica general del álbum manteniendo intacta la leyenda de una banda que aunque tarden en editar nuevo material, nunca defraudan a los millones de seguidores que tienen por todo el planeta, sin duda alguna, una de los mejores noticias que le podían ocurrir al mundo del rock´n´roll.

Dave Greenslade-Cactus Choir (1976)

En 1976 la formación británica Greenslade daba por acabada su aventura después de cuatro excelentes álbumes de brillante rock progresivo, sin embargo su principal impulsor Dave Greenslade, decidió armar otro proyecto bajo su propio nombre y lo comenzaba publicando "Cactus Choir" casi a finales del mismo año.

Para este nueva experiencia Dave Greenslade se rodearía de algunos reputados músicos como el baterista Simon Phillips, los bajistas John Perry y Tony Reeves, el guitarrista Mick Grabham o los cantantes Lissa Gray y Steve Gould entre varios invitados mas.

Bajo una excelente portada diseñada por Roger Dean, Dave Greenslade presenta un álbum prácticamente instrumental, en donde su arsenal de teclados que van desde sintetizadores, Mellotron, Moogs, Pianos eléctricos o órganos Hammond, muestra su enorme destreza bajo a una sección rítmica ajustada.

Pese a que mantiene la misma actitud progresiva de su anterior banda, el teclista incursiona otros terrenos más surrealistas y elegantes, creando unas atmósferas en general bastante agradable y accesible.

Además de alguna pieza orientada a la voz como la refinada “Cactus Choir”,  destacan la sinfónica "Forever and Ever", la pretenciosa "Finale", la épica "Swings And Roundabouts-Time Takes My Time" o la jazz rock "Country Dance".

Vangelis-Albedo 0.39 (1976)

El séptimo álbum del griego Vangelis es una de las obras maestras de la música electrónica, un trabajo en donde el músico se afianza aun mucho más en la electrónica y en los conceptos más espaciales. Por esos años Vangelis comenzaría a explorar los sintetizadores Yamaha, con los cuales y junto a otros teclados electrónicos y sintetizadores, mas una serie de instrumentos de percusión acústicos y electrónicos, logra crear unos inconfundibles lienzos emparentados con el habitual rock progresivo y sinfónico. Con "Albedo 0.39" el músico griego completaba una espectacular trilogía que había comenzado con el terrenal "Earth" (1973), y con el siguiente y místico "Heaven and Hell" (1975), cerrándola magistralmente con un trabajo en donde su música es creada desde el punto de vista del espacio observando la tierra. Sobresalientes piezas como la espacial y poderosa "Pulsar", la grandilocuente "Alpha", la astronómica "Main Sequence", la exótica "Free Fall" o la progresiva dividida en dos partes "Nucleogenesis", conforman uno de los trabajos mas vanguardistas y sólidos creados por el mago griego de los teclados.

Queen + Paul Rodgers-The Cosmos Rocks (2008)

El show debe continuar, “The Show Must Go On”, fue aquella canción que pertenece al album "Innuendo" (1991) que firmo Freddy Mercury (junto a sus compañeros) poco antes de morir y ya sabiendo la terrible enfermedad que padecía y por eso Queen (o al menos dos de sus integrantes, Brian May y Roger Taylor) han seguido girando y dando conciertos por todo el mundo junto a otro de los grandes cantantes de la historia como es Paul Rodgers.
Ahora han ido mucho mas lejos editando un nuevo álbum, con nuevo material, que aunque este firmado como Queen and Paul Rodgers el resultado final esta alejado de la épica y majestuosidad de la Reina, y las influencias son quizás más cercanas a lo que Rodgers ya nos tiene acostumbrados.
Habría que matizar que este "The Cosmos Rocks" es un estupendo disco de rock clásico, hecho por tres grandes músicos, sin embargo no podemos de dejar echar la vista atrás y hacer las odiosas comparaciones, ya que ellos han hecho lo que mejor saben hacer, buena música y buen rock, lejos de los típicos clones y lejos de intentar emular una época gloriosa pero ya pasada.
Quizás y aunque fuese mucho menos comercial, deberían haber firmado este trabajo con sus propios nombres, pero el mercado es el mercado y por eso esta elección.
Pero siempre y como decíamos antes, estarán las odiosas comparaciones, y para el monumental enfado y rabieta de muchos de sus fans y al mismo tiempo para la alegría de otros, ellos no han intentado engañar a nadie y han editado un disco muy variado y profesional, con una estupenda producción y una impecable ejecución, en donde por momentos encontramos ese sonido de Queen de antaño, pero muy de pasada, quizás a muchos les suene mas a trabajos de Bad Company, y es que la mano de Rodgers se nota y es bastante larga.
Un álbum en donde se dan cabida temas hard rock como “C-lebrity” o “Still Burnin´”, clásicos rock & roll al estilo de los Status Quo como “Cosmos Rockin”, temas blues deudores de los mejores Free como “Voodoo” o sutiles esencias de los Queen, con las baladas casi épicas "We Believe" o "Shome Things That Glitter", además de temas country rock como "Call me", y así todo un disco que gana a medida cada vez que se le escucha y dejando constancia de que es sin duda uno de los mejores trabajos de rock de lo que va de año, aunque el lastre que arrastra de los tiempos de Queen junto a Freddy Mercury, al cual esta dedicado este trabajo, pesa y mucho.

Metallica-Death Magnetic (2008)

“Death Magnetic” es el noveno álbum de  Metallica, que lejos de la línea del mediocre "St Anger", publicado cinco años antes, los norteamericanos vuelven por sus fueros con este nuevo lanzamiento, un hecho por otra parte que se convirtió en uno de los lanzamientos mas mediáticos de aquellos años, algo que compartieron con el  álbum "Black Ice" de los AC/DC, publicado ese mismo año del 2008.
“Death Magnetic” contiene un repertorio de meritorios temas y aunque es cierto que adolece de la épica de su etapa dorada, también lo es que en algunos momentos parecen recordar ese añorado periodo.
Y es que “Death Magnetic” es la vuelta de Metallica al sonido que les hizo famosos en los 80, cuando álbumes como “Master of Puppets”, "Justice For All" o el multimillonario "Black Album", les colocaron como la máxima referencia del heavy metal mundial.
Con este nuevo trabajo se alejan por fin de los sonidos pop y alternativos de los últimos discos y que a la postre les sirvió para perder una amplia legión de seguidores descontentos con el rumbo que estaban tomando musicalmente.

Cortes como "That was just your life", "All nightmare long", "My apocalypse", "Suicide & Redemption" o "Broken, Beat & scarred", casi podrían pertenecer perfectamente al repertorio de cualquiera de sus primeros álbumes. 

Santana-3 (1971)

El tercer álbum del grupo Santana sigue siendo tan rutilante como sus predecesores, y de hecho en ciertos aspectos los supera, sin embargo se bajan del jazz rock para seguir la faceta de un enérgico rock accesible, fusionado con los sonidos latinos, bajo con un claro denominador común, la brillante guitarra de Carlos Santana.

En este entrega aparece un nuevo integrante, el guitarrista Neal Schon, el cual cerraba una formación que esta compuesta por Gregg Rolie (teclados), Jose "Chepito" Areas (batería, voz y percusión), Michael Shrieve (batería), David Brown (bajo), Michael Carabello (percusión y voces) y Carlos Santana (guitarra y voz).

Comenzando con la enérgica "Batuka", un arranque que muestra el adelanto por donde trascurrirán los derroteros del álbum, pasando por explosivas piezas como "Jungle Strut", hasta pasajes relajados "Taboo" y "Everything´s Coming Our Way", fantasías de puro ritmo "No One To Depend", atractivas instrumentales "Toussaint L´Overture", radiantes canciones como "Everybody´s Everything" o la irresistibles latinas-rock “Guajira” y “Para Los Rumberos”.

Black Widow-Black Widow (1970)

Con su segundo lanzamiento, la banda británica de heavy progresivo Black Widow, se despojaron de sus letras satánicas y lúgubres de su álbum predecesor, pero al mismo tiempo también perdieron la vitalidad y la frescura de su música, para entregar un trabajo más convencional y previsible. Este segundo álbum esta compuesto por una mezcla de piezas pesadas de heavy progresivo con otras mas melódicas, todas ellas impulsadas por una visceral sección rítmica, un predominante órgano Hammond y unos ritmos de guitarra bluesy y funk. El comienzo del álbum no puede ser mas alentador con la hard rock/blues "Tears and Wine", una interesante canción de dinámicas interacciones entre los riffs de guitarras y el Hammond. A esta la siguen piezas menos interesantes como la agridulce "The Gypsy", la rock and roll “When my Mind Was Young” o la irregular "The Journey", tres canciones que muestran una cierta falta de inspiración, creatividad y un mayor desarrollo instrumental. Por otro lado son la potente blues rock "Poser", la siniestra y conmovedora "Mary Clark", la heavy rock "Wait Until Tomorrow" y la galopante jazz progresiva "Legend of Creation", los cortes mas destacados de un álbum que pese a no superar creativamente su tremendo debut, es una interesante colección de canciones del típico hard rock pesado de principios de los años 70.

Richard Wright

Richard Wright fue fundamental para crear el sonido psicodélico pionero que convirtió a Pink Floyd en la mejor formación del mundo. Sus atmosféricos órganos y sintetizadores, cargados de influencias del jazz, estaban en el primer plano de los temas de la banda. Otras veces brindaban un trasfondo fantasioso en el que el resto del grupo se podía sumergir.
Wright estudiaba arquitectura en el "Regent Street Polythenic" de Londres cuando conoció a Nick Mason y Roger Waters. En 1965 formaron los Architechtural Abdabs y posteriormente se les unió el estudiante de Arte, Syd Barrett y fundaron Pink Floyd. Se dieron a conocer en la escena artística underground de Londres "tocando música que las compañías discográficas no podían entender", como más tarde lo señaló el propio Wright. "Nunca tuvimos el deseo de ser famosos, de ser estrellas de rock and roll", indicó. Según sus propias palabras, el estilo musical de grandes del jazz como Miles Davis fue lo que más influyó en su forma de tocar los teclados. Barrett fue la fuerza creativa que lideró al grupo en sus inicios, pero el consumo de drogas lo llevó a un deterioro mental. El resto de la banda, sin embargo, no cayó en el uso de drogas duras. Wright probó ácido dos veces. La primera fue antes de estar en la banda, en lo que describió como una experiencia "muy placentera". La segunda no lo fue y lo hizo alejarse de por vida. "Es un error pensar que las drogas suministraron la inspiración de Pink Floyd", dijo. "Los que tomaban las drogas eran los asistentes a los conciertos". Después de la salida de Barrett y la llegada del guitarrista Dave Gilmour, la banda comenzó a redefinirse a finales de los '60 y comienzo de los '70, alejándose del pop excéntrico hacia el rock progresivo. Además de participar con sus teclados y con su voz como acompañamiento, Wright escribió muchas de sus canciones. Entre ellas se incluyeron la pieza instrumental de 13 minutos “Susyphuis” del disco “Ummagumma” de 1969 y “Summer'68” del “Atom Heart Mother”, el primero de los álbumes de la banda que ocupó el número uno. El siguiente disco, “Dark Side of the Moon”, de 1973, fue el canto del cisne de la banda.
Wright fue coautor en la mayoría de temas del álbum, incluyendo los temas “Breathe”, “Time” y “Us and Them”, pero su contribución más importante fue “The Great Gig in the Sky”.
En el siguiente álbum “Wish You Were Here”, los teclados de Wright tuvieron aun si cabe mayor protagonismo, siendo este disco el mas electrónico de la banda y en donde por muchos momentos se convierte en el instrumento solista del trabajo. El grupo se había convertido en una de las grandes bandas de los setenta y siguieron editando grandes discos, mientras que Wright también prosiguió una carrera como solista, editando el álbum “Wet Dream” (1978). Sin embargo, las relaciones entre los miembros de la banda comenzaron a deteriorase después del disco "Animals” (1977) y Waters terminaría despidiendo a Wright después del apoteósico “The Wall” en 1979. Waters amenazó con no lanzar el álbum si Wright se negaba a renunciar. Los otros miembros de la banda también se pelearon con Waters y en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a trabajar en un nuevo disco sin él, “Momentary Lapse of reason”, Wright se reunió con ellos y continuaron grabando y dando giras con el nombre de Pink Floyd, luego de una larga batalla legal con Waters. Juntos hicieron dos discos más y dieron más de 100 conciertos en la gira para promocionar del álbum “The Division Bell” en 1994, que se convirtió en el tour más lucrativo del rock de la época. Después de eso, la banda entró en la inactividad. Wright lanzó otro disco como solista “Broken China” (1996), y terminó relajándose con su yate de 65 pies en las Islas Vírgenes. Navegar era su "terapia y consigue liberar todas las presiones que uno siente en este negocio", indicó. Wright se unió a su ex compañeros de grupo, con la excepción de Barrett, por última vez en el Festival Live 8 de Hyde Park en 2005. Desde entonces se especuló continuamente que el grupo podría volverse a reunir para hacer una gira. Pero con la muerte de Wright acontecida el 15 de septiembre del 2008, se cerro un capitulo de enorme importancia en la historia de la música rock.

The Ramones-Rocket To Russia (1977)

Para muchos esta es la obra definitiva del punk, un álbum perteneciente a la primera y más longeva formación de ese genero propiamente dicho y que junto a otras bandas con un estilo cercano al punk rock más antiguo, como The Stooges o New York Dolls, fueron la punta de lanza norteamericana de este sonido revolucionario. Sus influencias del rock and roll de los cincuenta y el pop rock de los sesenta las adecuaron a sus básicas estructuras instrumentales y compositivas. "Rocket To Russia" supuso el tercer lanzamiento de los neoyorkinos, el álbum que los confirmaría definitivamente como la "mejor banda de punk del planeta", mostrando un repertorio repleto de cortes joviales, directos y enérgicos. Con una retahíla de clásicos como "Here Today, Gone Tomorrow", "Surfin´Bird", "I Wanna Be Well", "Teenage Lobotomy", "Sheena Is A Punk Rocker", "Rockaway Beach" o "Cretin Hop", este álbum se convirtió en la obra cumbre del género y una clara influencia para las bandas británicas del punk de finales de los setenta y principios de los ochenta.

Journey-Revelation (2008)

"Revelation", es él decimo tercer álbum de Journey y el primero con su nuevo vocalista Arnel Pineda, que en sustitución del anterior Steve Augeri, debutaba exitosamente complaciendo con su extraordinaria voz a los millones de fans de la banda. En esta nueva entrega la banda sigue sonando como es habitual en ellos, con la grandilocuencia y la enorme brillantez que han mostrado siempre desde sus inicios a mediados de los setenta. La juventud y frescura del nuevo cantante es sin duda un soplo de aire fresco para los ya veteranos integrantes de la banda; Neal Schon, Ross Valory, Jonathan Cain y Deen Castronovo. Desde la magnifica hard rock melódica "Never Walk Away", hasta la contundente "Change For The Better", pasando por las preciosistas medios tiempos "Like a Sunshower" y "After All These Years", constituyen un trabajo repleto de composiciones brillantes, confirmándolos como una de las más grandes bandas de la historia del rock.

The Doors-Morrison Hotel (1970)

Con su quinto lanzamiento, el grupo californiano The Doors regresaban a sus raíces musicales ahondando en el blues y abandonando sutilmente la psicodélica y las experimentaciones anteriores. En esta entrega lanzada en 1970, el grupo liderado por Jim Morrison busco no cometer los mismos errores del anterior "The Soft Parade", en un intento de no perder la gran credibilidad que por entonces tenían. Conseguir ese objetivo fue una tarea ardua y difícil, teniendo en cuenta las circunstancias, ya que si mientras grababan el mencionado "The Soft Parade", apenas tuvieron tiempo para escribir y componer fuera del estudio de grabación, debido a las intensas giras y a las conductas problemáticas del irascible Morrison, menos aun lo tenían de cara a este quinto trabajo. Aún así lograron confeccionar un álbum realmente soberbio con algunas de las mejores canciones del grupo, canciones como el brillante blues "Roadhouse Blues", las rockeras "Ship Of Fools", "You Make Me Real" y "Land Ho!", las blueseras "The Spy", "Maggie M´Gill" y "Queen Of The Highway", la psicodélica "Waiting For The Sun" o la rítmica "Peace Frog". Con este "Morrison Hotel", The Doors reinventaron a los propios The Doors, mostrándolos en su pleno esplendor, volviendo los mas genuinos y explosivos y confeccionado una de sus mejores entregas y uno de los grandes discos de los años sesenta, pese a que fue publicado a principios de los setenta.

Neil Diamond-Home Before Dark (2008)

La asociación que Johnny Cash y Rick Rubin dejo patente en grandes discos en la ultima etapa del hombre de negro, vuelve ahora pero esta vez junto a Neil Diamond. Si ya antes los exquisitos "American Recordings" del duo-Cash-Rubin, fueron todo un éxito de criticas y ventas, con estas nuevas entregas junto a Neil Diamond no se quedan atrás, hay que decir que ya habían colaborado juntos en el álbum "12 songs", ahora con este nuevo trabajo titulado "Home before dark", volvemos a escuchar al gran Diamond con canciones honestas, con una voz impresionante y con la maestría de un reputado productor como es Rubin.
Además en el álbum colaboran músicos del calibre de Mike Campbell y Benmont Tench de los Heartbreakers de Tom Petty.
En definitiva un disco que recupera a uno de los grandes músicos de la historia con un trabajo exquisito y con una producción sencilla y con talento.

King Crimson-Beat (1982)

Para el líder de los King Crimson, Robert Fripp, no le seria nada fácil la tarea de grabar un nuevo álbum después del sorprendente "Discipline" de 1981, por lo que de alguna manera se volvía a repetir la misma historia de diez años atras, cuando en 1970 lanzaron "In The Wake Of Poseidon", un enorme y monumental disco que fue eclipsado por el anterior "In The Court of the Crimson King". Si en "Discipline" mostraban la nueva e innovadora cara del grupo adentrándose en el pop y la new wave, bajo los influjos de los sonidos complejos y progresivos, en "Beat", las influencias de Adrian Belew cobran mucho más protagonismo, acercando el sonido de la banda al estilo del funk pop-rock de su banda anterior Talking Heads. Pese a no mostrar la majestuosidad y el genio compositivo de sus mejores discos, en esta entrega aun hay elementos muy rescatables como la dinámica instrumental "Sartori in Tangier" o la frenética "Neurotica", piezas repletas de guitarras poli rítmicas cortesía de Belew y Fripp y una sección rítmica precisa y compleja, ejecutada por dos verdaderos maestros como son Bill Bruford y Tony Levin. Esas referencias mencionadas anteriormente a los Talking Heads, están presentes en las pegadizas "Neil and Jack and Me" y "Heartbeat", mientras que la inquietante "Two Hands" o la sofisticada "Waiting Man", muestra que en este noveno álbum la banda aun seguia muy interesada en concebir una música enigmática, atrayente y vanguardista, pese al varapalo que obtendría por una gran parte de sus fans mas ortodoxos, que lo tacharon de una mera copia descafeinada del anterior "Discipline".

Sunday Funnies-Benediction (1972)

Sunday Funnies son junto a Rare Earth, de las primeras bandas de músicos blancos que ficharon por el sello eminentemente negro Motown, con sede en Detroit. Formados en los años 60, tuvieron cierta relevancia al ser apadrinados por el productor y manager de The Rolling Stones en esos años, Andrew Loog Oldham. Su estilo psicodélico de influencias soul y gospel, se ven claramente reflejados en sus dos únicos lanzamientos. Su formación estaba compuesta por Richard Mitchell (batería), Richard Fidge (cantante), Ron Aiken (guitarra, bajo y voz), y Richard Kosinski (teclados y voz). Durante algún tiempo bajo el apoyo de la Motown, los Sunday Funnies realizaron varias giras abriendo para Deep Purple, Fleetwood Mac, Savoy Brown y James Gang, cosechando entre el publico una buena reputación como banda de directos. Siguiendo la estela del musculoso soul rock, con unas voces de grandes armonías y ritmos funk de su primer álbum, en 1972 publicaron su segundo lanzamiento, este "Benediction", en el cual incluso logran materializar unos mejores arreglos y unas atmósferas musicales aún mas psicodélicas. La voz gruñona de su cantante principal, la distorsionada guitarra, un bajo atronador y un agudo teclado, impulsan el contenido del disco como se aprecia en la funk "Get Funk", la enérgica "Double Grace", la reflexiva balada "Two Halves of a Whole", la bluesy "Keep on Trucking", la gospel "Power & The Glory", la conmovedora "The Pillow" o la reelaborada versión del clásico de la Motown "Reach Out I´ll Be There". Para cuando se lanzo el álbum, la Motown ya había perdido el poco interés que tenia en esta banda, hasta el punto de ni siquiera se molestaron en promocionarlos debidamente. Este hecho además de otras cuestiones, llevaría la banda a terminar sus días algún tiempo después perdiéndose en la inmensa oscuridad del túnel del tiempo.  

Eric Clapton

Eric Clapton esta considerado uno de los mas extraordinarios guitarrista de la historia,
tenaz defensor y apasionado del blues, ha sido un personaje fundamental en la historia de la música rock durante las ultimas cinco décadas.
Nacido el 30 de marzo de 1945 en la localidad británica de Ripley, perteneciente al condado de Surrey, Eric Clapton creció con sus abuelos, quienes le regalaron su primera guitarra cuando cumplió catorce años, comenzando así su innata senda artística, devorando y emulando a sus ídolos del blues como Muddy Waters, Robert Johnson o B.B. King. Con su progreso instrumental, el adolescente Eric fue perdiendo interés en los estudios y tras dejar el Kingston College of Art, volcaría sus esfuerzos y aptitudes en la creación de su primera banda, llamada The Roosters, un grupo de R&B con el que dio sus primeros conciertos en los clubes londinenses. Posteriormente se uniría al grupo Casey Jones & The Engineers.
Su primera gran banda serian los Yardbirds, grupo al que se incorporo en 1963 para sustituir a Tony Topham. En esta influyente formación profundizaría en sus raíces blues y conseguiría una meteórica fama gracias a su depurada técnica guitarrística entre los aficionados al R&B y a la música negra que asistían al Crawdaddy Club. Sus seguidores le terminarían apodando "Slowhand" (Mano Lenta). El compromiso con los Yardbirds se romperÌa tras grabar el grupo el single escrito por Graham Gouldman "For your love", al no estar de acuerdo con el cambio de sonido efectuado por la banda, pues abandonaban las raíces blues a favor de posturas pop mas comerciales.
Para continuar desarrollando su dirección blues se unió a los Bluesbreakers de John Mayall, uno de los grandes artífices del blues británico. Ahora su nuevo apelativo vendría determinado por una popular pintada en una calle de Londres, realizada por un seguidor que expresaba "Clapton is God". Nacía de esta manera el dios británico de la guitarra. Tras participar en multitud de conciertos y en la grabación de un álbum con los Bluesbreakers, “Bluesbreakers With Eric Clapton” (1966), Eric dejo a Mayall para crear en 1966 el grupo Cream, su banda mas representativa e importante, pues asentó los cimientos del power trío con una espectacular fusión ente rock, blues y los sonidos psicodélicos. Los otros integrantes del trío eran el bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, ex miembros de la Graham Bond Organisation que se convirtieron en los complementos ideales para que Cream se erigiese en una de las formaciones mas importantes y exitosas de su época, grabando imprescindibles álbumes como "Fresh Cream" (1966), "Disreali Gears" (1967) o "Wheels of Fire" (1968). Tristemente y debido a disputas personales, el trío se separaría en 1969 tras una triunfal y apoteósica gira de despedida.
Ese mismo año, Eric, Ginger Baker y dos importantes miembros del rock británico de todos los tiempos como Steve Winwood (Spencer Davis Group y Traffic) y Rick Grech (Family y Traffic) formaron el supergrupo Blind Faith, proyecto que no tuvo continuidad a pesar de grabar un fenomenal álbum de titulo homónimo “Blind Faith” (1969). En 1970 y harto de su talante de estrella, Clapton decidió formar parte como simple guitarrista de la Plastic Ono Band de John Lennon y colaborar con la pareja Delaney & Bonnie, quienes habían actuado como teloneros de Blind Faith. Con su ayuda, Eric publico su primer álbum en solitario titulado simplemente "Eric Clapton" (1970), con canciones co-escritas en su mayoría con Delaney Bramlett, desde unos cimientos R&B y elementos de rock'n'roll, pop y country.
Con los músicos que acompañaban a Delaney & Boney, Clapton formaría Derek & The Dominos, grupo que obtuvo un gran éxito con la composición "Layla", incluido en el álbum “Layla & Other Assorted Love Songs” (1970), un clásico que contó con la participación de Duane Allman, acompañando a Eric en la guitarra. Esta canción estaba dedicada a Pattie, la por entonces mujer de George Harrison de la que Eric se había enamorado mientras colaboraba con el ex Beatle en la grabación del álbum "All things Must Pass" (1970).
Por esa época comenzaría un largo calvario para el gran guitarrista, al ser atrapado por las drogas y su adicción a la heroína, que incluso le llevaría a vender parte de sus emblemáticas guitarras para la adquisición de la droga. Cuando se encontraba al borde de la muerte, surgieron muchos compañeros de profesión en apoyo de Clapton, especialmente el líder de los Who, Pete Townshend, que organizo en su ayuda el concierto Eric Clapton At The Rainbow. Un multitudinario concierto que contaría con la participación de Ronnie Wood, Ric Grech, Jim Capaldi, Steve Winwood o Rebop Kwaku Baah y que algún tiempo después seria lanzando como “Eric Clapton´s Rainbow Concert” (1973).
Posteriormente se internaría en la clínica Harley Street para desintoxicarse de su dependencia. Años después el propio Clapton fundaría un centro de desintoxicación para drogo-dependientes al que llamaría Crossroads.
En 1974 regresaría los estudios para grabar el estupendo "461 Ocean Boulevard" (1974), disco que presentaba la exitosa versión de Bob Marley "I Shot the Sheriff", la cual llegaría al numero uno en las listas de éxitos. A este álbum le seguirían "There's One in Every Crowd" (1975), "No Reason to Cry" (1976), “Slowhand” (1977) o “Backless” (1980).
Antes había participado en la despedida de The Band, documentado en el triple álbum y la película “The Last Waltz” (1978). La década de los ochenta comenzaría con la publicación del doble en directo “Just One Night”, grabado en el mítico Budokan de Tokio.
Un año después llegaría “Another Ticket”, con el que vuelve a obtener un gran éxito, mientras los siguientes “Behind The Sun” (1985), y “August” (1986), obtienen un moderado impacto, pero manteniendo su estatus de gran guitarrista.
Ya casi al final de la década llegaría su mejor álbum de los ochenta “Journeyman” (1989), logrando dos discos de platino por sus ventas.
La década de los noventa empezaría trágicamente para Eric Clapton, el 27 de agosto de 1990, y mientras realizaba una gira junto al guitarrista Stevie Ray Vaughan, el helicóptero que los traslada después de uno de los conciertos se estrella, falleciendo el propio Stevie y varios de sus técnicos. Casi un año después, volvería a suceder otro trágico acontecimiento, su hijo Connor, el cual contaba con cuatro años de edad se precipita desde el piso 53 del rascacielos donde residía junto a su madre en Manhattan, falleciendo al instante.
Algún tiempo después Eric Clapton compondría uno de sus temas mas melancólicos y sentidos en memoria de su hijo Connor titulado “Tears of Heaven”.
Este corte fue incluido en su álbum “Unplugged” (1992), con el cual consigue unas asombrosas ventas de mas de 25 millones de copias a nivel mundial.
Varios años después el guitarrista vuelve a la senda de sus raíces blues con el soberbio “From the cradle" (1994) y posteriormente con el notable "Riding with the king" (2000), un trabajo en el cual que contaría con la colaboración de uno de sus grandes ídolos de juventud como B.B.King.
Posteriormente publicaría el diverso "Pilgrim" (1998) en donde coqueteaba con el soul y volvía a conseguir un enorme éxito gracias a los hits "Changes the World" o "My Father's Eyes". Su ultimo lanzamiento seria "Reptile" (2001), un álbum que le mantenía con éxito en la cúspide del rock en el nuevo milenio.

Brewer & Shipley-Weeds (1969)

Vinculados a la contracultura norteamericana de finales de los sesenta, Brewer and Shipley es uno de los dúos mas respetados del folk rock melódico. 

Con un estilo a semejanza de otro de los grandes dúos norteamericanos como los míticos Seals and Crofts, su música estaba impregnada de melodías atractivas muy reflexivas, con temas recurrentes sobre los derechos humanos, el sueño americano, o referencias a las drogas como queda patente en su polémica canción de 1970 "One Toke Over The Line".

En 1968 bajo el sello A&M Records, debutaron con el álbum "Down in L.A.", en el cual la discográfica puso a su disposición, una serie de talentosos músicos como Leon Russell, Jim Messina o Jim Gordon, entre otros destacados artistas de la escena musical californiana.

"Weeds" lanzado un año mas tarde tenia la particularidad de publicarse bajo un nuevo sello discográfico, Karma Sutra Records, con la colaboración de Mike Bloomfield o Nicky Hopkins.

En esta segunda entrega destacaban varias versiones en clave folk rock, como "All Along The Watchtower" de Bob Dylan o "Witchi-Tai-To" de Jim Pepper.

Sin embargo seria con su tercera entrega "Tarkio" (1970), cuando lograron su mejor obra, una colección de canciones enérgicas y vibrantes de folk rock como la mencionada "One Take Over the Line", o las logradísimas "Song From Platte River" y "Fifty States of Freedom", en donde relatan entre otros asuntos, la perdida de las libertades personales, todo ello interpretado de manera excelente con un gran trabajo vocal armonioso.

"Shake Off The Demon" (1971) y "Rural Space" (1972), fueron sus siguientes movimientos discográficos, en donde siguieron produciendo brillantes colecciones de folk rock pese a no aportar hits relevantes, pero si algunas meritorias versiones como "Rock Me On The Water" de Jackson Browne, o "Blues Highway", del guitarrista de la Electric Flag, Nick Gravenites.  

Con todos estos álbumes, Brewer and Shipley lograron situarse entre los grandes del folk rock estadounidense, justo cuando el estilo estaba en la cúspide de popularidad, creando una exquisita musicalidad, con unas refinadas melodías armoniosas, muy atractivas para el gran publico.

King Crimson-In The Court Of The Crimson King (1969)

Aunque antes de la publicación de este álbum, hubieron otros que contenían elementos del genero progresivo, es este “In The Court Of The Crimson King”, el que esta considerado oficialmente el primer álbum del rock progresivo. 
En este primera encarnación del rey carmesí, aparecían además de su líder indiscutible Robert Fripp, los músicos Greg Lake, Ian McDonald, Michael Giles, Peter Sinfield, Mel Collins y Jakko Jakszyk.
Aquí KC mostraba momentos de calma que contrastaban con mucha agresividad, instantes oscuros y siniestros con elementos de jazz y vanguardismo, en un trabajo que sin duda definió el genero. Un disco perfecto de principio a fin, que pasa de momentos frenéticos y poderosos a sinfónicos y progresivos en cuestión de segundos, como demuestra la frenética y caótica “21st Century Schizoid Man (Mirrors)”, en donde la banda al completo transmite una sensación de enfado y frustración con multitud de cambios abruptos, todo ello con una instrumentación compleja e innovadora y al mismo tiempo muy brillante.
Este contrasta con bucólica “Talk To The Wind”, con un Greg Lake inconmensurable en la voz, un trabajo soberbio de McDonald con la flauta, y un sonido que en muchos momentos nos dejan un regusto jazzistico. La pesimista y oscura “Epitaph”, es la muestra de la mejor característica de KC, con los sonidos melancólicos de la guitarra y el mellotrón, en un desarrollo musical atmosférico y muy complejo. La jazzistica “Moonchild”, es una de las antesalas de lo que luego se denominaría el jazz rock y fusión, con un gran trabajo instrumental de la guitarra de Robert Fripp y del resto de la banda.
El álbum acaba con el corte homónimo que incluye las partes “The Return Of The Fire” y “Witch And The Dance Of The Puppets”, una pieza con una atmósfera medieval, unas letras increíblemente descriptivas y mostrando mucha complejidad instrumental, imaginación, un gran ritmo y belleza incontenida.
"In The Court of the Crimson King" sigue siendo la piedra angular del templo progresivo y, por tanto una de sus piezas fundamentales dejando el camino abierto para que otras bandas posteriores tuvieran aquí su principal libro de influencias.

Gary Glitter-Remember Me This Way (1974)

La historia de Gary Glitter esta marcada por ser un eterno segundón dentro del Glam Rock, y pese a que durante un corto periodo de tiempo rivalizo con coetáneos como T.Rex o Sweet, el nunca lograría el éxito masivo ni el reconocimiento de estos o otros artistas encuadrados dentro de ese genero musical ambiguo de disfraces y lentejuelas.
Gary Glitter se llamaba en realidad Paul Gadd y solía salir al escenario disfrazado de Elvis Presley, con unos trajes esperpénticos repletos de lentejuelas, demostrando con ello su poco sentido del ridículo y al mismo tiempo su gran sentido del humor.
Su época gloriosa apenas duraría varios años en donde algunos de sus singles tuvieron éxito en las listas británicas, sin embargo su mayor aportación fue “Remember Me This Way” su tercer álbum, que ante la sorpresa general se colaría hasta el numero cinco de las listas. Grabado en directo en el mítico Rainbow Theatre de Londres, contenía parte de sus éxitos que estaban incluidos en sus dos primeras obras, como las divertidas “I´m The Leader of The Gang”, “I Love You Love Me Love”, “Do You Wanna Touch Me (Oh Yeah)”, o “Hello! Hello! I´m Black Again”.

Eric Martin

Eric Martín comenzó su carrera al final de los 70 en una banda de San Francisco llamada 415. Con ella teloneo a gente como Billy Squire, Hall & Oats, Journey, ZZ Top o Foreigner entre otros. La banda firmó por el sello Elektra, para grabar “Sucker for a pretty face” que fue lanzado con el nombre de Eric Martin Band en la que entre otros músicos estaba Troy Luccketta que posteriormente perteneció a Tesla, después de una exitosa gira como teloneros de ZZ TOP en 1985 con el “Afterburner Tour”, la banda se separa. Ese mismo año Eric saca su primer disco en solitario “Eric Martin”, con colaboraciones de lujo como Steve Lukater de Toto o Randy Jackson, muy conocido por haber participado con Journey o Bon Jovi entre otros. Sigue escribiendo y colaborando para músicos como Michael Bolton y en el año 1987 ve la luz un nuevo disco en solitario llamado “I’m only fooling Myself”, su mejor obra. En el periodo 1988-1989 Eric se asocia con Billy Sheehan, Pat Torpey y Paul Gilbert para formar Mr. Big. Pronto se convierte en una de las bandas más frescas del hard rock de la época que a pesar de estar llena de virtuosos talentos desarrollaron canciones accesibles a todos los públicos, basándose en un rock enérgico, alegre y con cadencia. Con dicha formación graban 4 discos de estudio- "Mr. Big", "Lean Into It", "Bump Ahead" y "Hey Man", consiguiendo su mayor éxito con el hit “To be With You” escrito por el propio Martín. En 1998 ve la luz su tercer disco en solitario, “Somewhere in the Middle”, este álbum tuvo muy buena aceptación en Europa y, sobre todo, en Asia, donde Martin tiene una amplísima legión de seguidores. Al año siguiente Mr. Big, con Richie Kotzen a la guitarra como sustituto de Paul Gilbert, lanzan “Get Over It” y posteriormente, en el 2001, lo que seria su último lanzamiento discográfico hasta la fecha “Actual Size”, un disco que los llevó a una exitosa gira entre 2001 y 2002 llamada “Farewell Tour”. Después de 6 álbumes de estudio, numerosos singles, 6 discos en vivo y varios DVD´s publicados, la banda se separa, dejando más de siete millones de discos vendidos. A finales de 2002, Eric publica su cuarto disco solista “I’m Goin’ Sane” con el que se gana la aprobación de críticos y fans y con el que se lanza en una gira por Japón con notable éxito. Al año siguiente el EP “Pure”, en donde repasa varios de sus clásicos en acústico, le da la posibilidad de girar por 23 ciudades de los Estados Unidos. En 2004 “Destroy All Monsters” es editado en Europa, Japón y más tarde en los Estados Unidos, según Eric este es un disco de “Pop Rock distorsionado”, donde se mezclan canciones easy listening con temas rockeros que aderezados con la bluesy voz del cantante generando ambientes muy agradables, donde los ritmos y las melodías mandan. A finales de 2004 Eric Martín se embarca en un interesante proyecto con la super estrella nipona Tak Matsumoto, guitarrista de la mítica banda B´z que ha vendido más de 80 millones discos, junto a Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees ) en el bajo y Chris Frasier (Steve Vai/Edgar Winter/Eddie Money) en la batería para crear una banda de rock duro, rítmico y directo llamada Tak Matsumoto Group. Hoy en día Eric Martin sigue activo y dando conciertos en los Estados Unidos, Japón, Sudamérica y Europa acompañado de una banda de lujo, compuesta por Fabio Cerrone (Virtual Dream, Twin Dragons y Tony Martin band.- ex Black Sabbath - ), y Don Roxx (Uli Jon Roth). 

Passport-Doldinger (1971)

La banda alemana Passport se convirtieron en una de las mas grandes formaciones del jazz rock europeo gracias a su inteligente combinación entre el jazz fusion del sonido Canterbury británico y los elementos atmosféricos y espaciales del krautrock alemán.

Con su primer álbum, considerado toda una obra maestra, esta banda liderada por el saxofonista y teclista Klaus Doldinger, ya dejaba entrever su peculiar estilo repleto de teclados, solos de saxo, reminiscencias psicodélicas y una sutil base bluesy, todo ello bajo una milimétrica precisión instrumental con grandes dosis de accesibilidad.

Pese a que en algunas fases del álbum el enérgico jazz rock esta presente en piezas como "Uranus" o "Madhouse Jam", en general el estilo aquí es mas reposado y lineal que sus coetáneas norteamericanas, otorgando a la música un sonido mas cósmico y espacial, ("Lemuria´s Dance", "Schirokko", "Hexensabbat", "Nostalgia" o "Continuation"), sin duda debido al uso intensivo de los modernos sintetizadores digitales, una innovación que los distingue con respecto a los demás discos de jazz rock/fusión lanzados en esa época, en los cuales se utilizaban teclados analógicos como el órgano Hammond, los pianos eléctricos o los sintetizadores de primera generación.

Bo Diddley

Bo Diddley fue un único e irrepetible musico considerado toda una leyenda de la música rock. Muy pocas veces un músico ha merecido tanto un calificativo de tal envergadura en el mundo del rock’n’roll como este cantante y guitarrista nacido en Mississippi, que apenas alcanzó la repercusión de otros compañeros de época, y que ha muerto a la edad de 79 años en su residencia de Florida a consecuencia de un fallo cardíaco, el segundo en pocos meses. Él fue un auténtico pionero. Inventó su propio nombre, se inventó su guitarra pero sobre todo inventó un sonido, el que ayudó a definir el rock’n’roll, tal y como hoy lo conocemos, el mismo que llena ahora la imaginería popular de eternos sueños adolescentes y desinhibidos, y el mismo que sacó a bailar a negros y blancos, mujeres y hombres, a un espacio compartido por primera vez en la historia del siglo XX. Bo Diddley realmente se llamaba Elias Mac Daniels pero pronto en la escuela decidió tener su propio nombre artístico, que tomó de una guitarra de origen africano. Los sonidos de ese continente más el propio devenir urbano en EE UU serían los que marcarían su vida. En Chicago, una de las mecas del blues, Diddley empezó tocando en esquinas y garitos de poca monta, pero sin éxito. Lo suyo no era el blues de primera generación. Tampoco lo clásico. Excéntrico e independiente, se hizo fabricar una guitarra rectangular que terminó convirtiéndose en todo un símbolo. Lo que este guitarrista versátil ofrecía era algo distinto, único e imperecedero, que él mismo llamó jungle sound (sonido de la jungla), y aprendido según sus palabras de tocar el violín de chaval con unos dedos demasiado grandes. Una especie de latido eléctrico, que liberaba el cuerpo y la mente con la misma fuerza. Insistentes fraseos y poderosas distorsiones acompañados de un verbo escurridizo y provocador, que dejaba con las faldas en la cabeza a la sociedad puritana de Estados Unidos, mientras los jóvenes de medio país, ellos y ellas, rompían el molde y desgastaban las suelas de sus zapatos con la misma emoción inocente con la que pedían su sitio en los nuevos tiempos. Temas como "Bo Diddley", "Hey Good Looking", "Mona" o "I'm a Man" rebosaban de ese espíritu. Sin embargo, este rhythm and blues primigenio y exuberante alcanzó aún más repercusión entre los suyos. Al poco de sacar sus primeros sencillos, Bo Diddley se convirtió en referencia absoluta de todo lo que estaba por venir. La rebelión juvenil que protagonizó Elvis Presley y el resto de alumnos de la clase del 55 contó con sus ritmos de la selva. Chuck Berry colaboró con él más que con ninguno y Buddy Holly interpretó sus canciones para llevarlas a un mercado más amplio. Poco después la conocida British Invasion (Invasión Británica), que revolvió con más ímpetu si cabe las cosas en los sesenta, escribió su nombre con letras mayúsculas. Los Rolling Stones le adoraban, los Animals le dedicaron una de sus mejores composiciones y el autobús mágico de los Who llevaba su gasolina. La estela no se apagó con el tiempo. Eric Clapton, tan receptivo a las buenas influencias, hizo por sonar como él en los Yardbirds y en solitario. Bruce Springsteen también le rindió tributo en su obra maestra, “Born To Run”, al incluir la canción “She’s the one”, que se ha convertido en una de las mejores interpretaciones en directo del músico que más corazones arrebata sobre un escenario. Los Pretenders hicieron lo propio con “Cuban Slide”. Incluso el punk se rindió a la sacudida de sus riffs. La mejor banda de aquel movimiento, The Clash, giró con él por EE UU en 1979. Más tarde llegó el nuevo rock norteamericano y grupos del underground como Long Ryders recuperaron sus sonidos. Una lista interminable. Su ritmo sincopado y vicioso ha sido posiblemente el más copiado de la historia del rock. Y seguirá así hasta que exista alguien con ganas agarrar una guitarra y producir sonidos excitantes, que celebren sin reservas la liberación individual y colectiva. El rock’n’roll siempre estará en deuda con Bo Diddley.

Uriah Heep

La historia de Uriah Heep comienza a finales del año 1969 y tardarán en encontrar su formación ideal en los primeros años de su carrera. El núcleo de la banda lo forman inicialmente el cantante David Byron y el guitarra Mick Box que inicialmente se llaman The Spice, posteriormente y con la entrada del bajista Paul Newton y el teclista, Ken Hensley pasan a denominarse como Uriah Heep. La búsqueda de un batería hará que por este puesto pasen varios nombres en esta epoca; el primer álbum, “…Very ‘eavy …very ‘umble” (70), lo graban con Ollie Olsson como batería, aunque también interviene Alex Napier. El segundo LP, “Salisbury”, que cuenta con un tema de más de 16 minutos respaldado por una sección orquestal, es el primer éxito del grupo; sin embargo, la agresiva contundencia del primer álbum se pierde en aras de una mayor brillantez musical, no exenta de sofisticación, y aunque su sonido es hard-rock, muchos en la época los catalogan como hard-progresivo. En “Salisbury”, el batería es Keith Baker, que será miembro fijo por poco tiempo.
En 1971, el álbum “Look at yourself” introduce a Uriah Heep en Estados Unidos con unas ventas bastantes buenas. El LP no tiene un batería fijo y el grupo parece formado por los 4 miembros fundadores. Este año, Paul Newton les deja y es reemplazado por Mark Clarke, que proviene de Colosseum, pero tampoco cuajará. Ian Clarke es batería durante otro breve período. Finalmente, Byron, Box y Hensley encuentran a los dos hombres clave de la mejor etapa del grupo: Lee Kerslake (batería) y Gary Thain (bajo). Con esta formación se suceden los álbumes de mayor éxito, que colocan a Uriah Heep entre las bandas favoritas de la primera mitad de los años 70: “Demons and wizards” (72), “The Magician´s birthday” (72), el doble álbum grabado en vivo “Live” (73), “Sweet freedom” (73) y “Wonderworld” (74), los que les lleva a competir con otras bandas del mismo genero como Deep Purple, Black Sabbath o Nazareth. Esta excelente y continua línea de grabaciones se amplia con los álbumes de Ken Hensley en solitario: “Proud words on a dusty shelf” (73) y “Eager to please” (75).También Byron editara en 1976 un álbum “Take no prisioners”.
En 1974, Gary Thain estuvo a punto de morir en Dallas a causa de una descarga eléctrica mientras actuaba bajo una copiosa lluvia.
A raíz del accidente surgen divergencias entre el y el resto del grupo, que finalmente le despiden a comienzos de 1975.
El sustituto de Thain fue John Wetton, ex-bajista de Family, King Crimson y Roxy Music.
Curiosamente Thian moriría poco después a causa de las drogas, concretamente el 19 de marzo de 1976.
Los nuevos Uriah Heep debutan con el álbum “Return to fantasy” (75), que mantuvo la cohesión de las ultimas grabaciones; pero, poco después justo cuando se edita el recopilatorio “The Best of...”(75) la banda entra en declive con el álbum “High and Mighty” (76).
Tras ese álbum, Wetton y Byron dejan el grupo. Ambos seguirían por su cuenta con desigual carrera. Trevor Bolder y John Lawton serán los encargados de sustituirles.
Esta nueva formación editara tres álbumes de mediocre factura; “Firefly” (77), “Innocent victim” (77) y “Fallen angel” (78).
En 1980 la banda vuelve con John Sloman y Chris Slade para editar el álbum “Conquest” que sigue la tónica de sus últimos trabajos, posteriormente el álbum “Abominog” (80) les devuelve a la actualidad, aunque su sonido dista bastante de sus primeros álbumes, este será mas enfocado al rock mainstream, pero consigue buenas criticas y unas aceptables ventas.
En lo sucesivo irán apareciendo nuevos trabajos de la banda, la mayoría de ellos alejados de los de su mejor época; “Head First” (83), “Equator” (85), “Raging Silence” (89) o “Sea of Light” (95)... con continuos cambios de formación, manteniéndose Mick Box como el único superviviente de la formación original.

Bob James & Earl Klugh-One On One (1979)

La primera colaboración entre el teclista y compositor de jazz Bob James y el experimentado guitarrista de jazz Earl Klugh, trajo consigo uno de los mejores trabajos del genero del jazz fusión, el cual fue galardonado con un Grammy y un numero uno absoluto en las listas del Billboard Jazz Álbums.

Ambos músicos ya tenían tras de si una amplísima experiencia que los había llevado a consolidar unas carreras muy respetadas.

Bob James había debutado en los sesenta lanzando una serie de discos en solitario, sin embargo no seria hasta mediados de los setenta y ochenta cuando llegarían sus obras mas aclamadas como "One" (1974), "Two" (1975), "Heads" (1977) o "Double Vision", este ultimo junto a David Sanborn y elegido el mejor álbum de jazz en los Grammy de 1986. Por su parte, Earl Klugh comenzaría su larga carrera profesional en 1976, publicando a partir de ese año álbumes enfocados a los sonidos del jazz ligero, con una veintena de discos publicados hasta la actualidad, casi siempre interpretados con la guitarra acústica de cuerdas de nylon.

Álbumes como "Dream Come True" (1980), "Nightsongs" (1985), "Whispers and Promises" (1989) o "Naked Guitar" (2005), fueron igualmente nominados a los mejores registros de jazz en los premios Grammy.

En esta primera entrega titulada "One On One", el dúo muestra un estilo cercano a los sonidos del jazz-pop, con un repertorio cargado de exquisitas composiciones melódicas y sedosas e irresistibles piezas perfectas para las easy listening.

A.B. Skhy-A.B. Skhy (1969)

A.B. Skhy son un claro exponente del brass rock de finales de los sesenta, que siguiendo la estela de bandas coetáneas como Blood, Sweat and Tears o Chicago Transit Authority, lograron publicar dos interesantes álbumes muy apreciados por los fanáticos al jazz rock de la época.

Originalmente conocidos como The New Blues, fue fundada en 1968 en Milwaukee, Wisconsin, por el teclista Howard Wales, quien ya tenia una amplia experiencia a sus espaldas colaborando con artistas como Freddie King o James Brown.

Además de Howard, el resto de la banda estaba formada por el guitarrista Dennis Geyer, el bajo Jim Marcotte, y el baterista Terry Anderson, asimismo también participaban los músicos adicionales Russell Dashiell (guitarra), Otis Hale (flauta), Jim Liban (harmónica), Phillip Pruden (saxo tenor), Jim Horn (saxo), los trompetistas Marvin Brown, Larron Holt y Bud Brisbois, y los trombonistas David Thomas Roberts y Donald Waldrop. A principios de 1969, esta numerosa banda se traslado a San Francisco donde obtuvieron un gran prestigio actuando en diferentes conciertos a lo largo y ancho de la ciudad, un hecho que les reportaría fichar con el sello MGM Records.

Poco después y bajo la producción de Richard Delvy publicaron su álbum debut a mediados del mismo año. Gracias al hit "Camel Back", alcanzarían entrar en las listas del Billboard y les animaría a publicar un segundo álbum, que fue lanzado a principios de 1970, con el titulo de "Ramblin´ On".

En ambos discos, A.B. Skhy muestran un vigoroso estilo de blues rock con grandes influencias jazz, que se reflejan en las estructuras instrumentales, sobresaliendo la enérgica sección de vientos combinado con el poderoso grupo de rock.

Cortes como la blues "Understand", el pseudo jazz "Of All Sad Words", o la versión en clave jazz rock del blues de B.B. King, "You Upset Me Baby", avalaban la enorme calidad instrumental del álbum y la de esta estupenda y olvidada banda norteamericana.

Elvis Costello-Momofuku (2008)

En el año 2008 Elvis Costello decidió que su ultimo trabajo no fuera editado en cd. Costello honraba así con este lanzamiento al vinilo, puesto que este nuevo album titulado "Momofuku" sólo se publico en ese formato. En un corte de mangas a la industria, que dificultó cuanto pudo la distribución en vinilo para que le sustituyese el cd (y poder ganar así más dinero por cada copia vendida), Costello incluiría en la carpeta del disco un código para descargar este nuevo trabajo en versión digital.
Mientras tanto la Universal reeditaba todo el fondo de su catálogo en cd bajo la supervisión del propio Costello y convirtiendo esta historia en una clara contradicción.
"Momofuku" muestra un trabajo de grandes melodías, elaboradas y ejecutadas por una serie de músicos expertos como Steve Nieve (piano y órgano), Pete Thomas (batería) o Davey Faragher (bajo).

Canciones extrovertidas y reflexivas como "No Hiding Place", "American Gangster Time", "Stella Hurt", "Harry Worth" o sencillas baladas con un trasfondo conmovedor como "Flutter and Wow" y "My Three Sons" convierten a este vigésimo album de Elvis Costello en otro de sus destacados registros.

Three Dog Night-Around the World with Three Dog Night (1973)

Pese a que su género musical no sea precisamente el más destacado dentro de la música rock, Three Dog Night llegaron a triunfar masivamente gracias a la manera que tenían de interpretar una música cuya valía y talento superaron en mucho a cientos de solitas únicos de otros tantos grupos en la década de los sesenta y setenta.

Ellos eran el atípico grupo multirracial con tres vocalistas solistas que llegaron a los máximos honores discográficos con mas de una treintena de hits en las listas, muchos de ellos versiones de otros artistas.

Ellos son Danny Hutton, Cory Wells y Chuck Negron. El estilo nacido de la unión de estos tres cantantes habría que calificarlo como de "estilo vocal", pero al hacerlo nos vendría a la mente formaciones como Crosby, Stills and Nash y otros famosos grupos de grandes armonías vocales.

Sin embargo Three Dog Night a diferencia de todos ellos, tienen en las voces de sus tres solistas, la parte fundamental de su arrollador triunfo, gracias a unas elaboradas voces que interpretan desde rhythm and blues, hasta rock mainstream, pasando por el pop, el funk o el soul, combinando sabiamente lo comercial con la clase y el refinamiento musical.

No obstante el sonido del grupo estaba respaldado por otros cuatro excelentes instrumentistas que figuran junto a los tres lideres, empezando por el guitarrista Mike Allsup, el bajista Joe Schermie, el baterista Floyd Sneed y el teclista Jimmy Greenspoon. En 1971 Three Dog Night logro permanecer durante varios meses en el n1º de las listas de medio mundo gracias a su impactante "Joy To The World", y ello daría el que fuera elegida como la canción del año, no solo en Estados Unidos, sino también en medio centenar de países alrededor del mundo.

Esa canción, junto a otras y sus álbumes "It Ain´t Easy" (1970), "Golden Bisquits" (1971), "Naturally" (1970), "Harmony" (1971), "Seven Separate Fools" (1972) o el espectacular directo "Around The World With Three Dog Night" (1973), es el resultado de una trayectoria magistral, con todos sus discos en la cima de los charts y convirtiéndolos en una de las mejores formaciones vocales que han existido jamás.

Passport-Oceanliner (1980)

Por regla general los álbumes de Passport suelen reflejar de alguna manera la época en los cuales fueron publicados y eso precisamente es lo que "Oceanliner" lanzado en 1980, muestra claramente en su interior.

En ese año Klaus Doldinger había hecho algunos cambios sustanciales en la banda, siguen estando la enérgica guitarra de Kevin Mulligan, los sinuosos teclados de Hendrik Schaper y el juguetón bajo de Dieter Petereit, mientras que David Crigger se hacia cargo de la batería y percusión en detrimento de Willy Ketzer. "Oceanliner" constituye el décimo álbum cronológico de los germanos y al mismo tiempo en el que ya presenta sus primeras influencias del synth-jazz de los ochenta, con diferentes matices funk e incluso acercamientos al pop rock melódico.

En las iniciales "Departure" y "Allegory" se dejan ver las influencias antes mencionadas, con un Doldinger interpretando el Lyricon, un instrumento de viento sintetizado, en contrapunto a estas aparece "Ancient Saga", en la cual Mulligan ofrece un gran trabajo de guitarra. 

La atractiva con un ritmo funk "Oceanliner", la pegadiza fusión con voz "Uptown Rendezvouz", la galopante jazz rock "Rub-A-Dub" o la dinámica y atmosférica "Bassride" de brillante ejecución por parte de Petereit al bajo, cierran otro meritorio album de jazz rock/fusion de esta legendaria formación alemana.