Kiss-Destroyer (1976)

Con su cuarto álbum en estudio, Kiss lograrían su máxima popularidad y un éxito a nivel mundial incuestionable, al mismo tiempo que su estilo se expandía hacia derroteros más ambiciosos y experimentales.
Producido por un experto en los controles de grabación como Bob Ezrin, un habitual en discos de Alice Cooper, Lou Reed, Pink Floyd o Peter Gabriel, le otorgaría al álbum diferentes efectos de sonido y unos puntuales arreglos orquestales, un hecho que enriquecen la paleta de colores del visceral heavy metal de la banda.
En esta nueva entrega aparecían algunas de las canciones más emblemáticas de la formación norteamericana como la tierna balada “Beth”, la apasionante “Detroit Rock City”, la espesa “God of Thunder” o las brillantes “Flaming Youth”, “Do You Love Me?”, "Rock and Roll Demons/Rock and Roll Party" y “Shout  It Out Loud”.
Además de la producción del mencionado Bob Ezrin, también aparecía como guitarrista invitado Dick Wagner, quien por entonces pertenecía a la banda de Alice Cooper y que años después repetiría su colaboración con el grupo en el álbum “Revenge” de 1992.
Un onceavo puesto en el Billboard y dos discos de platino por sus ventas, avalan una de las mejores obras de Kiss y uno de los fundamentales discos del heavy metal y el hard rock de los setenta.

Scorpions-World Wide Live (1985)

Durante gran parte de 1984, Scorpions se embarcaron en uno de los más apoteósicos tour mundiales que se recuerdan con su “Live At First Sting Tour”, gira en la cual presentaban su noveno álbum “Love At First Sting”.
De este gira se extrajeron un repertorio de temas que serían incluidos en el doble álbum en directo “World Wide Live”, publicado a mediados de 1985.
Por aquellos años la banda alemana gozaba de su máxima popularidad y venían precedidos de cuatro aplastantes álbumes de heavy metal contundente que relanzaron meteóricamente su carrera, discos como “Lovedrive” (1979), “Animal Magnetism” (1980), “Blackout” (1982) y el mencionado “Love At First Sting” (1984).
Compuesto por una atrayente colección de trepidantes canciones, todas ellas de las más aclamadas entre sus millones de fans como “Big City Nights”, “Rock You Like A Hurricane”, “Blackout”, “No One Like You”, “Loving You Sunday Morning” o “Another Piece Of Meat” o de exquisitas baladas como “Still Loving You” o “Holiday”.
El recibimiento de este directo se convirtió en uno de sus mayores logros comerciales, con varios discos de platino y de oro por sus ventas alrededor del mundo.

Mark Knopfler-Local Hero (1983) - Cal (1984)

En 1983 Mark Knopfler iniciaría su carrera en solitario de manera paralela a su banda madre Dire Straits y lo haría con el brillante “Local Hero”, que a su vez era la banda sonora de la película del mismo nombre.
En este debut, Knopfler estaba acompañado por parte de sus compañeros de banda como el teclista Alan Clarke, el bajista John Illsley y el batería Terry Williams, además de otros ilustres músicos como Michael Brecker, Mike Mainieri, Gerry Rafferty, Tony Levin o Steve Jordan.
Repleto de momentos que lo acercan al folk escoces con un sonido sutil y elegante, contiene temas memorables como “The way It Always Starts” con un sublime Rafferty a la voz, las exquisitas y ambientales “Wild Theme” y “The Mist Covered Mountains”, la folky “The Ceilidh Louis´Favorite Billy Tune”, la jazzística “Boomtown”, las espaciales “The Ceilidh and The Northern” y “Stargazer” o la extraordinaria “Going Home”.
Un año después repitió con una segunda banda sonora, esta vez perteneciente a la película irlandesa “Cal”, un trabajo más orientado hacia los sonidos celtas y en donde contaría con un plantel de músicos del folk irlandes como Paul Brady o Liam O´Flynn, además de sus compañeros de Dire Straits.
Bellisimos cortes como “The Road”, “The Long Road”, “Irish Boy”, “Irish Love” o "Father And Son”, mostraban la gran creatividad y la inspiración de Mark Knopfler para crear discos de hermosas melodías y cautivadoras atmósferas ambientales.

Van Der Graaf Generator-Godbluff (1975)

Después de un largo paréntesis de cuatro años y medio, Van Der Graaf Generator volvieron a reunirse y se dedicaron a componer y grabar una serie de temas que irían a parar a los álbumes "Godbluff" de 1975 y "Still Life" del año siguiente.
Esta vez se alejaron de la violencia sónica, las imágenes líricas apasionadas y las líneas melódicas delirantes del anterior "Pawn Hearts" (1971), y se orientaron hacia los temas más cortos e intrincados, aunque conservando la misma agresividad sonora.
Aquí también el rol de la guitarra de Peter Hammill es gradualmente más activa, mientras Banton, Jackson y Evans siguen mostrando sus inclinaciones jazzísticas en el manejo de sus instrumentos de manera fluida y precisa.
"Godbluff" está compuesto por cuatro temas empezando por el crescendo "The Undercover Man", un sólido corte que equilibra magníficamente los sonidos de teclados y vientos que lo convierten en una gran punto de partida.
La siguiente "Scorched Earth" muestra una mayor orientación sinfónica, con un gran interludio y una increíble sección final, la cual para muchos es la quintaesencia del sonido de VDGG.
La tour de forcé jazzística "Arrow", muestra la agresividad típica de la banda, la cual contrasta con el cierre del álbum "The Sleepwalkers", que muestra una alegría sostenida sobre un patrón rítmico marcial con acercamientos al latín jazz y al rhythm and blues.
Un año después la banda lanzaba "Still Life", el cual seguía por un patrón estilístico parecido, no en vano fue mayormente compuesto al mismo tiempo que el material de este antológico y fundamental "Godbluff".

Extreme-Extreme II Pornograffitti (1990)

A finales de la década de los ochenta en la ciudad de Boston surgiría Extreme, una banda que sería fundamental para el hard rock en los siguientes años.
Unos años en los cuales dicho estilo estaba pasando por una crisis creativa en detrimento de los sonidos del rock alternativo, el thrash metal, el grunge o los sonidos experimentales de muchas bandas que investigaban cualquier tipo de mestizaje para maquillarlos con el rock.
Formada bajo el núcleo del virtuoso guitarrista Nuno Bettencourt y del genial vocalista Gary Cherone, que junto al bajista Paul Mangone y al batería Paul Geary, tuvieron que lidiar en un escenario repleto de bandas de altísimo nivel como Warrant, Poison, Cinderella, Guns´n´Roses, Skid Row, Metallica, Motley Crue o Twisted Sister entre otras muchísimas más.
En medio de esta vorágine de bandas mediáticas y sus exitosos álbumes, Extreme lanzaría su primer álbum en 1989, en el cual mostraban una envidiable técnica instrumental, mucho feeling, un rock desenfadado y claras influencias funk.
Un año más tarde lanzaron "Pornograffitti", en donde confirmaban su tendencia de metal funk y su rabioso hard rock con multitud de influencias.
Cortes como las enfurecidas "Get the Funk Out" o "Li´l Jack Horny", incluían una sección de metales enriqueciendo su propuesta notablemente, mientras que otras como la pegadiza "Decadence Dance" o la sureña "Hole Hearted" mostraban lo diversificado de su estilo.
Sin embargo sería la tierna balada "More Than Words", la que catapultará al álbum hasta el décimo puesto del Billboard, con varios discos de platino y logrando unas ventas que superaron los tres millones de copias a nivel mundial.

Whitesnake-Trouble (1978)

Con la primera ruptura de Deep Purple surgió la llamada “Saga Purple”, compuesta por las huestes dirigidas por Ritchie Blackmore y sus Rainbow, la liderada por Ian Gillan y su banda Ian Gillan Band y la que formaría David Coverdale con sus Whitesnake.
Las tres fueron tremendamente populares a finales de los setenta, aunque sin embargo sería esta última quien tuviera mucha más continuidad y un mayor éxito comercial.
En 1977 David Coverdale lanzaría bajo la denominada David Coverdale Band, un EP de cuatro canciones titulado “White Snake”, una banda en donde además del vocalista se encontraban su ex compañero de los Purple Roger Glover, el guitarrista Micky Moody y el batería Simón Phillips.
Aquí ya aparecen dos de sus temas clásicos como son “Come On” y "Ain't No Love in the Heart of the City", si bien es cierto que son versiones bastante rudimentarias en comparación con los arreglos que posteriormente les serían añadidos.
“Trouble” aparecido un año después se considera oficialmente el primer álbum de Whitesnake, la cual fue reformada casi totalmente con la inclusión del ex Deep Purple, Jon Lord (teclados), Bernie Marsden (guitarra), Neil Murray (bajo) y Dave Dowle (batería), además de Coverdale (voces) y Micky Moody (guitarra).
En esta primera entrega la banda muestra el sonido que les caracterizaría durante gran parte de su carrera, con ese hard blues rock y boogie rock que los confirmaba como una de las punteras dentro del género de finales de los 70.
De entre sus surcos destacan la enérgica y seductora “Take Me with You”, la dinámica “Love To Keep You Warm” o las añejas con sabor Purple “Nighthawk (Vampire Blues) o “The Time Is Right For Love” sin olvidarnos de la poderosa “Don´t Mess With Me” o de la excepcional “Belgian Tom´s Hat Trick”. 

The Carpenters-Close To You (1970)

Este famoso dúo vocal norteamericano, fue durante gran parte de su carrera una de las formaciones más exitosas en el mundo de la música pop-rock, logrando cerca de la veintena de discos de platino y una cifra similar de discos de oro, además de numerosos puestos altos en los rankings de medio mundo, y unas ventas certificadas de más de cien millones de discos a nivel mundial.
Formado en Los Ángeles por los hermanos Karen (voz principal y batería) y Richard Carpenter (voz y teclados), empezaron su carrera artística a mediados de los 60, aunque no sería hasta 1969 cuando después de fichar con la discográfica A&M Records, lanzaron su primer álbum “Ticket To Ride”, el cual gracias a canciones como “Get Together”, “All Of My Love” o "Nowadays Clancy Can´t Even Sing”, obtienen cierta notoriedad lo que les favorece para que un año después alcancen un extraordinario impacto comercial con su segundo álbum “Close to You”.
En este segundo álbum seguían por una línea continuista al de su debut, canciones simples con una perfecta producción, precisos arreglos, unas letras idílicas y pacíficas y la magnética voz de Karen.
Brillantes composiciones como “We´ve Only Just Begun”, “Baby It´s You”, "(They Long To Be) Close To You" o "Reason to Believe”, le otorgaron su primer gran éxito, el primero de muchísimos otros que se irían sucediendo durante toda la década de los 70 y principios de los ochenta.
En 1983 Karen fallecería a causa de su anorexia, truncando así la meteórica carrera de este fundamental dúo del pop rock norteamericano y mundial.

It Bites-Once Around The World (1988)

Esta es una de las bandas que mejor supieron fusionar una gran variedad de estilos como el pop, el neo progresivo, el hard rock e incluso los sonidos new age tan presentes en la década de los ochenta.
It Bites fue formada a principios de los ochenta en la ciudad de Egremont en el Reino Unido, por el vocalista y guitarrista Francis Dunnery, el bajista Dick Nolan, el baterista Bob Dalton y el teclista John Beck.
En 1986 bajo el sello Virgin, lanzaron su álbum debut "The Big Lad In The Windmill", en el cual se aprecia su germinal estilo de art-pop refinado con grandes arreglos de teclados y ciertas dosis de sinfonismo como queda demostrado en cortes como "I Got You Eating Out Of My Hand".
Dos años después su propuesta progresiva se vería reforzada con su segundo álbum y a la postre su obra más aclamada por los aficionados al estilo, este "Once Around The World", un esfuerzo más maduro y equilibrado, con dosis de rock melódico, momentos de pop cristalino y elementos neo progresivos.
Las soberbias instrumentaciones de teclados y guitarras, pese a que están alejadas de las complejidades de sus coetáneos Marillion, IQ o Pendragon, están elegantemente estructuradas especialmente en la suite "Once Around The World".

Swans-Children Of God (1987)

Swans son una banda neoyorkina muy respetada y valorada por su visionario estilo experimental que durante varias décadas dejaron tras de si una serie de trabajos revolucionarios y vanguardistas. Liderados por Michael Gira, un músico y compositor que domina una gran cantidad de instrumentos y que además de productor tiene una enorme habilidad por crear unos lienzos musicales extraños, abrumadores y vanguardistas. Fundados a principios de los años 80, durante sus primeros años fabricaron una serie de trabajos de enorme calidad que permanecen como obras de culto para los eruditos a los sonidos más extraños e intrépidos. Sin embargo seria con su quinto lanzamiento "Children Of God" cuando la banda despunta creativamente con un trabajo inquietante a la par que accesible. La formación que grabaría este álbum estaba compuesta por Jarne Jarboe (voz y teclados), Norman Westberg (guitarras), Algis Kizys (bajo), Theodore Parsons (batería) y Michael Gira (voz, teclados y guitarras). Aquí se dan cabida desde su estilo industrial "New Mind", hasta el audaz “In My Garden", pasando por la intensa con influencias blues "Our Love Lies", la escalofriante "Blood And Honey", la preciosista "Blackmail" o la ostentosa "Beautiful Child", todas ellas bajo múltiples emociones y atmósferas, adornadas con unos potentes riffs de guitarra y una instrumentación oscura y temeraria.

The 5Th Dimension-The Age Of Aquarius (1969)

The 5Th Dimension son considerados una de las mas formidables bandas vocales de la historia, ellos lograron una veintena de hits en el Hot 100 del Billboard entre los años 1966 y 1976, con la particularidad de que su estilo estaba mas emparentado con los sonidos cercanos al flower power que al sonido negro del sello Motown (sus componentes eran todos afroamericanos).
Su formación estaba compuesta por los cantantes Billy Davis Jr, Florence LaRue, Marilyn McCoo, Lamonte McLemore y Ron Townson, mientras que en la banda de instrumentistas de apoyo sobresalen los guitarristas Mike Deasey, Bill Fulton y Tommy Tedesco, el batería Hal Blaine, el bajista Joe Osborn y el teclista Pete Jolly entre otros destacados músicos de sesión del área de Los Ángeles.
Sus arrebatadoras voces, el pop alegre y distendido, y unas grandes composiciones escritas por gente como Jimmy Webb, Gene Raskin o Laura Nyron les llevaron a estar en la cúspide del género hippie por excelencia de finales de los sesenta gracias a importantes hits como “Go Where You Wanna Go” (1966), “Up-Up and Away” (1967), “Ticket To Ride” (1967), “Stoned Soul Picnic” (1968), “California Soul” (1968) “Weeding Bell Blues” (1969) o “Medley: Aquarius/Let The Sunshine in (The Flesh Failures” (1969), esta última una versión perteneciente a la obra musical Hair que los llevaría al estrellato mundial, que incluida en su cuarto álbum “The Age Of Aquarius”, lograría un tremendo éxito en los rankings mundiales además de lograr dos premios Grammy. En este álbum además aparecían una irresistible colección de canciones, todas ellas versiones como “Blowing Away”, “Workin´On a Groovy Thing”, “Those Were The Days”, "Sunshine Of  Your Love", "Let It Be Me" o “Weeding Bell Blues”, interpretadas con esas fascinantes voces, secundadas por una instrumentación embriagadora y bañada por unos atrayentes vientos, el único indicio de soul que les acercaba a sus orígenes negros.

Electric Light Orchestra-ELO 2 (1972)

Tras la salida de Ron Wood, Jeff Lynne quedaría a cargo de la Electric Light Orchestra como líder absoluto, derivando su estilo hacia un sonido más accesible y comercial. Sin embargo en su segundo álbum aún se encontraba Roy Wood y existían atisbos del lado experimental que habían mostrado en su álbum debut. Además la banda se ampliaba con un nuevo bajista, Mike de Albuquerque, y una sección de cuerdas compuesta por Mike Edwards, Wilf Gibson y Colin Walker. El resto seguía compuesto por el teclista Richard Tandy, el batería Bev Bevan y el propio Jeff Lynne quien además de las guitarras y los sintetizadores, volvería tomar los controles de la producción. Los sonidos de los violonchelos y celos se erigen como los grandes protagonistas como queda patente en la oscura y pesimista "In Old England Town", una clara mirada negativa a los problemas del mundo en 1972. En contrapunto a esta nos encontramos con "Mama", un preludio del sonido futuro de la ELO, una canción rock simplista y adictiva. Esta última es la antesala de uno de los temas clásicos del progresivo, la versión de Chuck Berry "Roll Over Beethoven", ocho minutos enérgicos de largas secciones instrumentales con soberbios solos de violín y grandes percusiones. La majestuosa "From The Sun To The World", muestra un sonido sinfónico con grandes y hermosos pasajes de Moog y una interacción instrumental dinámica y enérgica. El final está reservado para la epopeya "Kuiama", repleta de emociones oscuras sobre la guerra del Vietnam, y que instrumentalmente se convierte en el momento cumbre de este álbum, demostrando la gran creatividad de Jeff Lynne que gracias a la adicción de dos violonchelistas y un violinista, creó un sonido único que no se parecía en nada a ninguno de sus contemporáneos.

Spin Doctors-Pocket Full Of Kryptonite (1991)

Surgidos en plena fiebre grunge a finales de los ochenta, Spin Doctors tuvieron unos comienzos fulgurantes gracias a un debut discográfico repleto de sonidos alternativos, funk, rock y pop.
Sus distendidas y divertidas canciones les llevarían a obtener media docena de discos de platino con su primer álbum “Pocket Full Of Kryptonite”, un irónico titulo que hace referencia directa a los cómics de Superman.
Fundada en New York en 1988, su primera y mas exitosa formación estaba comprendida el vocalista Chris Barron, el guitarrista Eric Schenkman, el bajista Mark White y el batería Aaron Comes.
No seria hasta 1990 cuando bajo la Epic Records graban este “Pocket Full Of Kryptonite”, el cual fue publicado a mediados del siguiente año.
Compuesto por una repertorio desenfadado de canciones que van desde los sonidos pop rock “Two Princes” o “Little Miss Can´t Be Wrong”, hasta cautivadoras funk rock “Come Off My Line” o “What Time Is It?”, pasando por la tour de force rock “Shinbone Alley/Hard to Exist”, la rítmica “Jimmy Olsen´s Blues” o la jazzistica “Forty Or Fifty”.

Miles Davis Quintet-Miles Smiles (1966)

Pocos años antes de que Miles Davis comenzara a explorar los sonidos mas vanguardistas del jazz fusionándolo con el rock, la electrónica y el funk, publicaría otro de sus legendarios álbumes enfocados en el bebop melódico y en cierta medida futurista, adelantándose casi una década a lo que mas tarde se denominaría jazz fusión. Rodeados de uno de sus legendarios quintetos comprendido por Wayne Shorter (saxofón), Anthony Williams (batería), Ron Carter (contrabajo) y Herbie Hancock (piano), Miles Davis se inclina por un jazz con un claro predominio en los extendidos solos de algunos de sus compañeros. La enorme flexibilidad de los músicos conlleva a fabulosos ritmos marcados por la perfecta sección rítmica de Carter y Wayne y el intercambio ajustado de solos entre la trompeta de Davis y el saxo de Shorter. Las vibrantes notas del piano de Hancock, la brillante percusión, el trepidante ritmo de los instrumentos de vientos y las inspiradas notas que están presentes en todos los surcos del disco, reflejan un álbum de jazz en su máxima expresión y toda una obra maestra de generó.

Tracy Chapman-Tracy Chapman (1988)

La música de Tracy Chapman esta cargada de historias ásperas sobre la vida real, su compromiso social y político le llevaría en contra de lo habitual entre los cantautores de la canción protesta, lograr vender su mensaje bajo un manto de folk intimista y sincero.
Curtida en las calles y clubs de la ciudad de Cambridge en Massachussets, lograría que la Elektra Records se fijara en su talento y publicara su primer álbum a mediados de 1988.
En este primer disco, la cantante afroamericana va relatando de manera sobria, intimista y melancólica, los sinsabores de la vida empezando por la pobreza "Fast Car", la incomunicación de la pareja "Baby I Can Hold You", las miserias del ser humano "Why", la rebelión de los perdedores "Talkin´Bout a Revolution", el racismo "Across The Lines" o el exagerado consumismo "Mountain O´Things", todas ellas narradas a modo de angustioso lamento y teñidas en un mágico envoltorio de folk y pop atractivo.
Cerca de los veinte millones de copias vendidas alrededor del mundo y tres premios Grammy, avalaron este sorprendente y antológico debut de esta cantautora norteamericana.

Neil Young-Harvest (1972)

El álbum mas aclamado y exitoso de Neil Young es al mismo tiempo una de sus obras musicalmente hablando mas regulares.
Lanzado a principios de 1972, “Harvest” es el cuarto trabajo del compositor, guitarrista, productor y cantante canadiense, en donde además de la colaboración de sus ex compañeros David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, también participaron en su elaboración Linda Ronstadt, James Taylor, la London Symphony Orchestra, Jack Nitzsche o Kenny Buttrey entre otros músicos.
A medio camino entre su lado acústico y rockero, Neil Young dejaría un trabajo que esta marcado por el tema estrella de disco, la inmensa y emotiva “Heart Of Gold”, que en parte sepulta otros cortes de gran mérito como las country rock “Are You Ready For The Country” y “Alabama”, la elaborada “Old Man”, o la melancólica “The Needle And The Damage Done”.
Sin embargo son la previsible y fuera de lugar “A Man Needs A Maid” y la orquestada “There´s A Word”, las que de alguna manera dejan cierto sabor agridulce a un álbum que cosecharía un irrefutable éxito comercial con cerca de los diez millones de copias vendidas a nivel mundial.

Nazareth-2XS (1982)

En 1982 y en plena moda por los sonidos AOR, la banda escocesa Nazareth lanzaron su mejor obra de la década de los ochenta, un álbum en donde conjugan perfectamente los sonidos del rock melódico con el habitual hard rock marca de la casa.
Llegados a este punto Nazareth ya habían probado fortuna con ese estilo orientado hacia las FM con los brillantes álbumes “Close Enough For Rock´n´Roll” (1976), “Expect No Mercy" (1977) y “Malice In Wonderland” (1980), discos los cuales fueron bien recibidos por sus fans y obtuvieron una gran notoriedad en los rankings americanos y europeos.
Con “2XS”, el decimotercer álbum de la banda, volvieron a esa formula reflejando ese carismático rock que siempre los ha caracterizado en temas como “Take The Rap” o “Black To The Trenches”, alternado con otros mas experimentales y eclécticos “Mexico” y “Gatecrash”, mientras que la vena mas melódica están presentes en las pegadizas “Loves Leads To Madness”, “Games”, “Dream On” y “Lonely In The Night”.
Pese a que no lograría el mismo triunfo comercial que los anteriores, dos de sus sencillos “Love Leads To Madness” y “Dream On”, escalaron puestos altos en las listas del Billboard, en el Reino Unido y en otros países alrededor del mundo.

The Traveling Wilburys-Traveling Wilburys Vol.1 (1988)

Una rocambolesca sucesión de hechos casuales llevaría a que cinco de los mas grandes artistas del rock mundial coincidieran y unieran sus fuerzas para fundar la banda The Traveling Wilburys y lanzar varios álbumes entre finales de los 80 y principios de los 90.
Todo empezaría en cuando George Harrison (The Beatles) y Jeff Lynne (Electric Light Orchestra), finalizaban de componer y producir una canción para el decimoprimer álbum del ex Beatle “Cloud Nine”.
Lynne casualmente también trabajaba en los mismos estudios de grabación situados en Malibú en California, propiedad de Bob Dylan, produciendo el álbum “Mystery Girl” de Roy Orbison, por lo que ambos terminarían involucrándose en la composición de Harrison.
Poco después aparecerían en escena Tom Petty y Bob Dylan quienes igualmente colaboran en dicha grabación.
Esta asombrosa reunión de “amigos”, terminaría componiendo material para completar un álbum independiente que terminaría titulado “Vol 1” y firmado bajo el nombre de The Traveling Wilburys.
Publicado en octubre de 1988, este primer álbum, que estuvo compuesto por diez cortes de enorme calidad, era una fusión de los estilos de sus integrantes como el country, el folk o el rock entre los que destacaban las adictivas “Handle With Care”, “Dirty World”, “Tweeter And The Monkey Man” o “End Of The Line”.
Su recepción posterior fue tremendamente exitosa con mas de dos millones de copias vendidas en los primeros meses después de publicarse.
Sin embargo la carrera de The Traveling Wilburys fue breve. Dos meses después del lanzamiento de este primer disco, en diciembre de 1988, Roy Orbison fallecería de un ataque al corazón a sus 52 años.
Dos años más tarde, los cuatro restantes músicos publicaron un nuevo y a la postre su último trabajo, “Traveling Wilburys Vol. 3”, el cual se lo dedicaron a Roy Orbison. Finalmente, tras años de especulaciones sobre una nueva reunión, The Traveling Wilburys terminarían desapareciendo en el 2001, con el fallecimiento de George Harrison víctima de un cáncer de pulmón.

Crosby Stills & Nash-Daylight Again (1982)

En 1982, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, volvieron a reunirse para la grabación de su cuarto álbum en trece años, un brillantísimo trabajo que demostraba el talento único de estos legendarios músicos norteamericanos.
Seria a finales de los sesenta cuando Crosby fue invitado a salir de The Byrds debido al rechazo de sus compañeros de banda por sus canciones contraculturales como por ejemplo la controvertida "Triad", Nash por su parte estaba bastante frustrado debido a los derroteros musicales que su banda Hollies estaban tomando alejados de su esencia hippie inicial.
Mientras que Stills que ya había cumplido su etapa frente a la banda folk-rock Buffalo Springfield, decidiría abrir nuevos horizontes musicales.
La unión de estos tres genios fue considerado el primer supergrupo de la historia, la cual se vería reforzada en 1970 con la inclusión del canadiense Neil Young, otro de los grandes genios del movimiento hippie de finales de los 60.
"Daylight Again" fue originalmente concebido como un álbum del dúo Stills and Nash, para el cual recibieron la colaboración de un amplio plantel de grandes artistas entre los que se encontraban Art Garfunkel, Timothy B. Schmit o Jeff Porcaro entre una veintena de celebres músicos de la costa oeste norteamericana.
Sin embargo por presiones de la Atlantic Records, terminarían por incluir a David Crosby, el cual se incorporaría casi al final del proceso de grabación del álbum.
"Daylight Again" sin llegar a las excelencias ni a la creatividad de sus tres primeros álbumes, es un gran ejercicio de folk y rock americano, con un repertorio rico y variado como la inicial "Turn Your Back On Love", un adictivo rock melódico, la melancólica folk "Wasted On The Way", la brillante y armónica “Southern Cross”, las rock "Into The Darkness" y "Too Much Love To Hide", la rítmica “Since I Met You”, la bellísima “Song For Susan” o la introspectiva canción acústica que da título al álbum “Daylight Again”.
“Daylight Again” sería certificado con un disco de platino por haber vendido mas de un millón de copias en el mercado norteamericano y cerca de ochocientas mil a nivel mundial.

Faith No More-The Real Thing (1989)

Volvamos a los años 80, aquella década en donde los gustos y estilos variaban constantemente abriendo y cerrando multitud de horizontes musicales.
Otra de las bandas que fueron encuadrados en el rock alternativo y el heavy metal, fueron los norteamericanos Faith No More, que formados a finales de los 70 tuvieron como característica principal el combinar sabiamente multitud de estilos como el heavy, el funk metal, el rap o el hard rock vanguardista.
Su primera formación estaba compuesta por Mike Bordin (batería), Billy Gould (bajo), Chuck Mosley (voz), Jim Martin (guitarra) y Roddy Bottum (teclados).
Después del primer y meritorio "We Care a lot" (1985), y el mas elaborado "Introduce Yourself" (1987), cambian de vocalista, un puesto que recaería en Mike Patton, personaje que seria crucial para el exitoso devenir de Faith No More.
Con esta nueva formación publican su mejor obra “The Real Thing”, en donde la banda californiana ya muestra su ecléctico estilo mostrando sus influencias de trash metal, punk, rap y los sonidos mas accesibles como demuestran los cortes enérgicos "Epic", "Falling To Pieces" o "Surprise ! You´re Dead".
A estas le siguen medios tiempos cautivadores como "Zombie Eaters" y "Underwater", la instrumental "Woodpecker From Mars" o la excitante versión del tema de Black Sabbath "War Pigs", confeccionado entre todas ellas un soberbio repertorio que los llevaría a conseguir varios discos de platino por sus multimillonarias ventas a nivel mundial.

The Nitty Gritty Dirt Band-The Rest Of The Dream (1990)

The Nitty Gritty Dirt Band son una de las legendarias bandas del folk y el country rock norteamericano, que tienen tras de si una treintena de álbumes en estudio, algunos de ellos galardonados con los premios Grammy, además de haber sido elegidos la mejor banda de country durante años o haber sido inducidos al salón de la Fama de la música country.
Nacidos en la costa Oeste norteamericana a finales de los 60 por Jeff Hanna (guitarra y voz) y Jimmie Fadden (batería), durante mas de 50 años de carrera artística han sufrido innumerables cambios de formación.
Con un estilo que encuadraba los sonidos tradicionales americanos como el folk, el bluegrass, el country, el blues o el cajun, fusionados con el rock, cosecharon sus mayores éxitos en la década de los 70 y 80 con canciones como "Mr Bojangles", "House at Pooh Corner", "I Saw the Light", "Dance Little Jean", "Long Hard Road (The Sharecropper´s Dream", "Modern Day Romance" o "Fishin´in the Dark", entre otras muchas mas.
Así mismo algunos de sus álbumes son considerados obras maestras del country y el folk como "Uncle Charlie & His Dog Teddy" (1970), "Will The Circle Be Unbroken" (1972), "An American Dream" (1979), "Plain Dirt Fashion" (1984), "Will The Circle Be Unbroken: Volumen Two" (1989) o "The Rest of The Dream" (1990).
Centrándonos en este ultimo, "The Rest of The Dream", que venia precedido del antológico "Will The Circle Be Unbroken Vol.2", se convirtió todo un desafío al intentar conseguir una obra que tuviera tanta notoriedad como aquella.
El resultado fue un solido regreso al genuino country rock dejando aparcado las raíces con canciones clásicas de country, folk y bluegrass.
Aquí mostraron su lado mas amable, accesible y comercial con una serie de canciones agradables y pegadizas como "From Small Things (Big Things One Day Come)", "Just Enough Ashland City", "Waiting On A Dark Eyed Girl" o "Blow Out The Stars, Turn Off The Moon", demostrando con todas ellas, que además del profundo estilo de raíces, también podían hacer fácilmente canciones para las radios FM que emitían los nuevos sonidos de country-pop tan de moda a finales de los ochenta y principios de los noventa.

Marillion-Holidays In Eden (1991)

Con el sexto álbum de Marillion, el segundo sin su cantante original Fish, se confirmaba definitivamente la aportación de Steve Hogarth como compositor además de su faceta de extraordinario vocalista. Al mismo tiempo seria el álbum que dividiría a una parte de los ortodoxos fans del grupo al considerarlo demasiado “comercial” y decididamente mas cercano a los sonidos del pop.
Si bien es cierto que es imposible hacer una comparación con cualquiera de los discos anteriores de la banda, también lo es que Marillion lograrían mantener una calidad bastante solida de principio a fin, con un repertorio equilibrado que marcaría otro de sus lanzamientos excelentes como es este “Holidays In Eden”.
Sus esfuerzos progresivos se ven en cortes como la inicial “Splintering Heart”, con esa estructura épica y poderosa, o en la melódica prog “100 Nights”, las cuales conviven con otras de arreglos mas simples aunque repletas de enorme calidad como “No One Can”, “The Party”, la hermosa “Dry Land” o la formidable “Waiting To Happen”.
Injustamente subestimado por los fans mas radicales, “Holidays In Eden”, es un álbum magnifico que pese a alejarse de los cánones del neoprogresivo, conserva una maestría musical excelente y una notable producción como es habitual en los trabajos de esta fundamental banda británica. 

Camel-The Snow Goose (1975)

Después del esplendoroso segundo álbum de Camel, "Mirage", el cuarteto británico lanzaría su segunda obra maestra consecutiva; el álbum conceptual "The Snow Goose". Basado en la clásica novela de Paul Gallico, Latimer y Bardens escribieron bastante material con la idea de explorar profundamente la tendencia sinfónica y clásica incluyendo los arreglos y los aportes orquestales.
El despliegue de melancolía e introspección es mucho mas abundante que en la obra anterior, relatando instrumentalmente un cuento traducido literalmente al lenguaje de la música.
El lírico "Rhayader" o el expresionista "Rhayader Goes to Town”, son clásicos eternos de Camel, mientras que la majestuosa canción que da titulo al álbum, la dramática "Dunkirk" y la sentida "Fritha Alone", están confeccionadas para ser disfrutadas como una unidad armonizada.
Con "The Snow Goose", Camel lograrían producir un disco de sofisticadísimo rock progresivo, de gran reflexión y con una instrumentación perfecta, mágica e inteligente.

Savoy Brown-Street Corner Talking (1971)

Savoy Brown fueron una de las genuinas bandas del British-blues, con una evidente aproximación al estilo de los Ten Years After de Alvin Lee, pero con una compenetración instrumental mas cercana a los Fleetwood Mac de Peter Green e incluso a los Heartbreaker de John Mayall.
En 1970 esta banda originaria de la pequeña ciudad de Battersea al sudoeste de Inglaterra, se enfrentaba a su primer gran contratiempo al perder al unísono a casi todos los miembros fundadores; Lonesome Dave, Roger Earl y Tony Stevens, los cuales la abandonarían para fundar la banda de boogie rock Foghat.
Así las cosas el único superviviente, el guitarrista Kim Simmonds, tuvo que reorganizar la banda reclutando a una nueva formación al completo empezando por el cantante Dave Walker, al bajista Andy Silvester y al batería Dave Bidwell, además de incluir al pianista Paul Raymond, todos ellos ex miembros de la banda de blues Chicken Shack.
Aprovechando la ferviente voz de Walker que contrarrestaba la enérgica y robusta guitarra de Simmonds, esta nueva formación grabaría el séptimo álbum de Savoy Brown, “Street Corner Talking”, un poderoso y solido ejemplo del mejor blues rock británico de principios de los 70. Cortes como las elegantes versiones de Willie Dixon “Wang Dang Doodle”, y la clásica del sello Motown “I Can´t Get Next To You”, mas la oscura y excelsa “All I can Do” o la sutileza bluesy de “Tell Mama”, son el suficiente crédito para un álbum atractivo y multifacético, en donde cada músico contribuye con su talento de manera uniforme al resultado final, demostrando con ello que la perdida que habían sufrido no les mermaron ni en calidad ni en grandilocuencia.

Sutherland Brothers & Quiver-Reach For The Sky (1975)

El debut de este cuarteto escocés a principios de 1972, les colocarían fulgurantemente como una de las bandas mas prometedoras del folk rock, influenciados del estilo heredero de las irresistibles melodías vocales de The Beatles y la sonoridad instrumental de The Byrds.
Formado por los hermanos Iain y Gavin Sutherland, ambos guitarristas y voces, Kim Ludman bajista y Neil Hopwood batería, tuvieron sus inicios a principios de los 70 cuando lograron fichar por el sello Island Récords con quienes publicaron su primer álbum "The Sutherland Brothers Band" en 1972, el cual contenía el sencillo "Sailing", un tema que versionaría algún tiempo mas tarde Rod Stewart, obteniendo un rotundo éxito en las listas británicas.
Poco después la banda se disuelve y los hermanos Sutherland deciden continuar como dúo publicando el disco "Lifeboat" (1973), que pasa totalmente desapercibido.
Sin embargo en un intento de diversificar su estilo del folk rock, el dúo se uniría a una banda de rock local llamada Quiver que estaba formada por el guitarrista Tim Renwick, el bajista Bruce Thomas y el batería Willie Wilson.
De esta unión surgirían los álbumes "Dream Kid" (1973), "Beat of The Street", "Reach For The Sky", "Slipstream" (1976) y "Down To Earth" (1977).
Con una serie de importantes hits que alcanzaron bastante notoriedad como "Ain´t Too Proud", "Arms of Mary", When the Train Comes", "Secrets" o "Easy Come Easy Go", la banda se confirmaba como una de las grandes sensaciones del folk rock británico de mediados de los 70.
Sin embargo después del álbum "Down to Earth", la banda terminaría desapareciendo al abandonarla algunos de sus integrantes como Renwick, quien pasaría a colaborar con Al Stewart y con el cual ya había trabajado en los años anteriores o Bruce Thomas que acudiría a la llamada de Elvis Costello para ingresar en su grupo The Attractions, mientras que Willie Wilson pasaría a participar activamente en los proyectos del guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour.

Bill Withers-Bill Withers´ Greatest Hits (1981)

Este icónico cantante y compositor de soul y R&B, pasaría a la historia por una serie de impactantes hits que se encuentran entre los mas exitosos de ambos géneros como las archiconocidas "Ain´t No Sunshine", "Use Me", "Lovely Day" o "Just The Two Of Us".
Bill Withers nació y se crío en Virginia a finales de la década de los año 30, años mas tarde y después de licenciarse de la Armada norteamericana se instalaría en Los Ángeles con la intención de iniciar una carrera musical.
Durante algún tiempo compone y escribe canciones principalmente enfocadas en el soul y el rhythm and blues.
Su estilo basado en las ricas melodías y los refinados arreglos llamaría la atención de la escudería de la música negra Stax Records, quienes le propusieron grabar un álbum con parte de las demos que había compuesto durante esos años.
Producido por uno de los legendarios músicos de Stax Records, como fue Booker T. Jones, el álbum resultante titulado "Just As I Am" (1971), lograría un quinto puesto en las listas del Billboard Black Album Music, mientras que el single elegido "Ain´t No Sunshine", se convertiría en todo un gran éxito, logrando varios discos de platino y un tercer puesto en Hot Billboard.
En los sucesivos años Bill Withers obtendría otros éxitos de parecido impacto comercial con los temas "Grandma´s Hands", "Lean On Me", "Us Me", "Lovely Day" o "Just The Two Of Us", este ultimo junto al saxofonista de jazz fusión Grover Washington Jr.
Sin embargo sus álbumes en estudio no correrían la misma suerte si exceptuamos los lanzados en 1972 "Still Bill" y en 1977 "Menagerie", los cuales fueron certificados con varios discos de oro.
Casi a finales de 1981 se publicaría el álbum recopilatorio "Bill Withers´Greatest Hits", un estupendo recorrido por todos sus grandes éxitos, y el cual se convertiría en su mayor hito comercial, logrando cerca del millón de copias vendidas y reafirmando la brillante carrera de este extraordinario cantante y compositor. Con el paso de los años su figura se ha visto reforzada gracias a diferentes películas y series de TV muy populares que han incluido la canción “Ain´t No Sunshine” en sus bandas sonoras, como “Third Watch”, “Notting Hill”, “When We Were Kings” o “Flight”.

The Bellamy Brothers-Let Your Love Flow (1976)

The Bellamy Brothers son uno de los dúos mas longevos, aclamados y exitosos del country norteamericano, los cuales alcanzaron numerosos éxitos a nivel mundial en las décadas de los 70 y 80 con hits como "Let Your Love Flow" o "If I Said You Have A Beautiful Body Would You Hold it Against Me".
Formado por los hermanos David Milton y Homer Howard Bellamy, sus comienzos se remontan a finales de los 60 en su Florida natal donde participan en diferentes conciertos en la Universidad de dicha ciudad.
Durante algunos años se mueven entre Atlanta y Los Ángeles, donde son contratados por el sello Curb Records con quienes graban varios singles y su primer álbum, el cual contenía el hit "Let Your love Flow" (1976), que lograría encaramarse hasta el numero uno indiscutible de las listas norteamericanas del pop y el country, además de conseguir un notable éxito en una docena de países alrededor del mundo.
A partir de aquí la carrera del dúo se dispara meteóricamente logrando 10 hits en lo mas alto de las listas de éxitos y medio centenar mas en el top 100 del Billboard country y pop.
Entre ellas destacan "Bird Dog" (1978), "You Ain´t Just Whistlin´Dixie" (1979), "Sugar Daddy" (1980), "Dancing Cowboys" (1980), "Do You Love as Good as You Look" (1981), "For all the Wrong Reasons” (1982), “Redneck Girl” (1982), “When I'm Away from You” (1983), “I Need More of You”, “Hold Hippie”(1985), “Too Much Is Not Enough” (1986), “Kids of the Baby Boom”, “Crazy from the Heart” (1987) o “Big Love” (1989).
Durante todos esos años sus giras alrededor del mundo incluyeron Europa, Oriente Medio, Asia, Oceanía y África, además de todos los Estados Unidos y Canadá.
Hasta el año 2019 habían publicado mas de 50 álbumes, logrando multitud de galardones entre los que destacan las nominaciones a los premios Grammy, nominados el mejor dúo del country por el Billboard, o el ser incluidos en los salones de la fama de la música country de Florida y de la Asociación de la música Country de los Estados Unidos.

Deep Purple-Concerto For Group and Orchestra (1969)

Este fue el primer trabajo de Deep Purple firmado con la formación denominada “Mark II”, la cual estaba comprendida por Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (órgano), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo) y Ian Gillan (voz).
Este directo surgiría de una idea original del teclista Jon Lord, un apasionado de la música clásica, al mismo tiempo que un estudioso de dicho genero.
Esa idea de fusionar los elementos de la música rock con la música clásica, había surgido algún tiempo antes cuando grupos como The Nice en su álbum “Five Bridges” o The Moody Blues en “Days Of Future Passed” ya lo habían experimentado con bastante éxito y originalidad.
Así que en 1969, concretamente el 24 de septiembre, Deep Purple realizaría su “concierto para grupo y orquesta” junto a la Royal Philarmonic Orchestra dirigida por el famoso director Malcolm Arnold, en el Royal Albert Hall de Londres.
La cadencia sinfónica de la orquesta junto al potente sonido del quinteto liderado por los poderosos sonidos del órgano Hammond de Jon Lord, los grandes solos del guitarrista Blackmore, y la contundente sección rítmica de Glover y Paice, evocan a clásicos como Gustav Mahler, John Barry o Max Steiner y que de alguna manera, ya muestra el anticipo del poderío que pronto Deep Purple desplegarían en sus geniales álbumes y en sus apoteósicos conciertos.

The Incredible String Band-The Hangman´s Beautiful Daughter (1968)

La Incredible String Band fueron una de las agrupaciones más complejas que han existido, principalmente por la versátil capacidad que tenían dos de sus miembros originales de dominar múltiples instrumentos y con una sensibilidad casi extrasensorial para llegar a crear una amplia variedad de estilos, todos ellos bajo el prisma del folk.
Las raíces de esta formidable banda residía en el dúo Robin Williams y Clive Palmer, ambos multinstrumentistas que comenzaron su trayectoria en el área de Edimburgo a principios de los años 60.
Algunos años más tarde reclutarían al guitarrista y voz Mike Heron y la vocalista Licorice McKenzie, además de diferentes miembros ocasionales que demostrarían ser músicos bastantes prolíficos y talentosos.
En 1966 y después de lograr un contrato con el sello Elektra grabaron su primer álbum "Incredible String Band", muy aclamado por la critica de la época.
En esta primera entrega muestran unas grandes líneas vocales y una instrumentación bien elaborada de música con influencias medievales y folk tradicional, aunque aún bastante rudimentaria.
Después de un segundo álbum mas experimental con grandes influencias del espiritualismo oriental e hindú y acercamientos al acid folk titulado "5000 Spirit Or The Layers Of The Onion" (1967), lanzan su obra más ambiciosa, este "The Hangman´s Beautiful Daughter", en donde introducen elementos psicodélicos y dosis vanguardistas.
La extensa "A Very Cellular Song", es el mejor ejemplo del lado progresivo de este álbum, con una amplia variedad de instrumentos acústicos y exóticos, bañados con un sutil órgano Hammond, creando un paisaje sonoro variado y cálido con tintes orientales no exentos de cierto tono oscuro.
A partir de aquí la banda realizaría una docena de álbumes más y emprendería numerosas giras por medio mundo, fortaleciendo su reputación de banda icónica del temprano folk vanguardista, hasta que en 1974 se desmembraron definitivamente para seguir cada uno de sus miembros carreras independientes dentro de género del folk intimista y progresivo.

Alice Cooper-Killer (1971)

Con el cuarto álbum de Alice Cooper “Killer”, comenzaba su trilogía que formaría junto a los álbumes “School Out” (1972) y “Billion Dollar Babies” (1973), (los cuales ya se han reseñado en anteriores entradas del blog), en donde el músico norteamericano originario de Detroit, creaba sus mejores obras artísticas, considerados clásicos dentro de su extensa y variada discografía.
Grabado en los estudios de la RCA en Chicago, Cooper volvería a contar con la producción de Bob Ezrin y el respaldo de su extraordinaria banda compuesta por el guitarrista Glen Buxton, el teclista Michael Bruce, el bajista Dennis Dunaway y el batería Neal Smith, mientras el guitarrista invitado Rick Derringer pondría su enorme talento al servicio de varios de los temas del álbum.
Precedido del exitoso “Love It To Death” (1971), en esta nueva entrega Alice Cooper se afianzaría creando uno de sus trabajos mas ambiciosos abandonando el rock crudo y tosco de sus inicios por un estilo mas polivalente y complejo.
Todo ello se ve reflejado cortes como “Halo Of Flies”, “Be My Lover” o “Under My Wheels”.
Sin embargo mantiene cierto paralelismo con el pasado reciente mostrando su estilo mas impetuoso en las rudimentarias “You Drive Me Nervous” o “Yeah. Yeah, Yeah”.
Con “Killer” Alice Cooper volvería a igualar su mejor marca comercial hasta esos momentos, logrando un disco de platino por el millón de copias vendidas en el mercado norteamericano.

Traffic-Shoot Out At The Fantasy Factory (1973)

En 1973 el rock progresivo estaba en su mayor apogeo en el plano creativo, mediático y comercial. Ese año se lanzarían muchas de las obras maestras del género y los británicos Traffic no se quedaron atrás con su octavo álbum, este "Shoot Out At The Fantasy Factory". Siguiendo el mismo patrón estilístico y visual que su predecesor, no en vano incluso volvieron a presentar una portada muy similar al anterior "The Low Spark Of High Heeled Boys", con una carpeta del Lp original recortada y mostrando en su interior un seductor trabajo en donde las inteligentes composiciones de Steve Winwood, Jim Capaldi y Chris Wood nos conducen por una serie de canciones perfectas entre el jazz y el rock fusionadas magistralmente con elementos progresivos. Temas como el que da titulo al álbum es toda una perfecta síntesis de la genialidad del grupo, once esplendidos minutos de fusión vanguardista, mientras que la creatividad sin limites esta presente en la grandiosa "Tragic Magic". El clímax musical llega con la country/funk/blues "Roll Right Stones", la cual va evolucionando desde un sonido pastoral hasta un final de puro éxtasis glorioso. La frágil "Evening Blue" sirve como una especie de interludio para la melancólica y tema estelar de este álbum "(Sometimes  I Feel So) Uninspired", con un Steve Winwood solemne en su peculiar voz soul y realizando un estremecedor solo de guitarra. En definitiva con esta entrega Traffic dejaba otro memorable registro que se sumaba a todos los extraordinarios álbumes que esta banda público durante los ocho años que duro su brillante historia.

The Shadows-20 Golden Greats (1977)

The Shadows han sido una de las agrupaciones británicas mas longevas de la música rock, que pasaron de grupo de acompañamiento de Cliff Richard, a banda independiente plagada de éxitos, con mas de 50 canciones que han estado en el top 20 del Reino Unido desde finales de la década de los cincuenta hasta principios de los noventa.
Esta banda siempre giro alrededor de su líder el carismático Hank Marvin y de Bruce Welch, ambos guitarristas de un gran talento instrumental.
Pioneros de la vanguardia instrumental, han probado con todos los estilos musicales posibles, desde el rhythm and blues hasta el surf, pasando por el pop o el rock and roll.
Con casi un centenar de álbumes publicados entre discos en estudio, directos, recopilatorios y singles, esta banda ha llegado a vender casi 50 millones de copias a nivel mundial sin contar los que publicaron junto a Cliff Richard.
Entre 1960 y 1989 fueron asiduos en las listas de éxitos con temas del calibre de “Apache”, “F.B.I.”, “Man of Mystery”, “Kon-Tiki”, “The Savage”, “Wonderful Land”, “Guitar Tango”, “Dance On!”, “Foot Tapper” o “Geronimo”, situándose como uno de los cinco mayores vendedores históricos de singles del Reino Unido.
En 1977, la Emi Records publicaría el doble álbum recopilatorio “20 Golden Greats”, un extraordinario repaso a parte de su arsenal de hits, la gran mayoría instrumentales, el cual lograría otro arrollador éxito en las listas de medio mundo con varios discos de platino.

Miles Davis-Miles In The Sky (1968)

"Miles In the Sky” supuso el primer acercamiento real de Miles Davis al jazz rock. Aqui algunos de los integrantes de su banda utilizan instrumentos eléctricos, como Herbie Hancock y su piano Fender Rhodes, Ron Carter y el bajo eléctrico y el baterista Tony Williams utiliza unos ritmos de rock durante algunas partes del álbum. Además de todo ello, Davis utiliza la guitarra eléctrica cortesía de George Benson, lo que le da una amplísima variedad a su estilo de jazz habitual. Sin embargo aun hay muchos resquicios del jazz clásico y convencional aquí y allá, un dato que nos hace pensar que en esta entrega Davis solo quiso observar hasta donde podía llegar con esas nuevas exploraciones vanguardistas. Ese intento de desarrollar la direccionalidad de la música le lleva a no arriesgar en demasía, manteniéndose en su zona de confort como queda demostrado en cortes como "Country Son", "Black Comedy" o "Paraphernalia", mientras que "Stuff" se convierte en lo más cercano a lo que pronto Davis exploraría en trabajos posteriores como "In A Silent Way" o "Bitches Brew".

Donovan-A Gift From A Flower To A Garden (1967)

Fue durante el popular programa de la televisión británica “Ready Steady Go!”, cuando un joven desmelenado, una gorra a lo Bob Dylan, una voz acompasada y acompañado solamente de una guitarra acústica y una armónica, haría enloquecer a millones de telespectadores a comienzos de 1965.
Este joven de nombre Donovan Leitch, escocés de nacimiento, creció rodeado de poetas insatisfechos post-beat y el movimiento pre-hippie del entorno de su ciudad natal St.Albans.
Su clara influencia de Dylan y sus buenas maneras hacen que el sello Pye Records se fije en el, comenzando de esta manera su dilatada y meteórica carrera artística. Ese mismo año de 1965 publica sus primeros álbumes, “What´s Bin Did And What´s Bin Hid” y “Fairytale”, en donde presenta versiones de clásicos del folk y melancólicas canciones propias.
A partir de aquí, una serie de singles conquistan las listas de éxitos, temas como “Mellow Yellow”, “Sunshine Superman” o “There Is A Mountain”, o álbumes como “Sunshine Superman”, obtienen un rotundo éxito a ambos lados del Atlántico.
Algunos de los músicos que participaron en las grabaciones de esos discos eran jóvenes talentos que pronto se convertirían en estrellas como Jimmy Page y John Paul Jones (Led Zeppelin) o Jack Bruce (Cream).
Pese a que los sonidos psicodélicos y el flower power estaban de moda hacia la segunda mitad de los sesenta, Donovan continuaba con su vaga aspiración de la felicidad espiritual del folk, con un estilo que seguía manteniendo una lírica poética cautivadora.
Sin embargo Donovan se terminaría rindiendo al status quo musical de la época y se embarcaría en un ambicioso doble álbum titulado “A Gift From A Flower To A Garden” (1967), que recogía cierta complicidad con los sonidos flower power y las canciones poéticas celtas.
A la postre este seria su mejor registro comercial y artístico, pese a que en los sucesivos años publicaría trabajos de enorme calidad como “The Hurdy-Gurdy Man” (1968), “Barabajagal” (1969), “Open Road” (1970) o “7-Tease” (1975).

Ry Cooder-Paris,Texas-Original Motion Picture Soundtrack (1985)

Ry Cooder nunca será famoso por el computo habitual de los millones de discos vendidos, pero sin embargo lo es por haber sido uno de los grandes artesanos de la música rock, profundizando en los sonidos mestizos y de exploración y sus raíces mas profundas de la música americana.
Su discográfica es extensa y rica, desde sus múltiples composiciones para bandas sonoras, hasta sus proyectos en solitario, pasando por sus trabajos para otros artistas.
Ganador de seis Grammy, además de otros galardones importantes como el doctorado honorario en las Universidades de Queen en Canadá o el de las Artes de California, Cooder ha dejado para la posteridad obras de gran envergadura, consideradas como fundamentales en el devenir de la música contemporánea.
Una de ellas es la banda sonora de la película de Win Wenders, “Paris Texas”, un memorable recorrido por los paisajes tejanos en donde imprime a su guitarra esos sonidos áridos y polvorientos típicos del sur de los Estados Unidos, en un álbum tan emocionante como brillante y con el cual su popularidad se dispararía aún mas, demostrando su enorme talento y su genialidad.

Muddy Waters-The London Muddy Waters Sessions (1972)

Hablar del blues de Chicago es hablar de Muddy Waters, que afianzado en las raíces del profundo blues del Mississippi, siempre mantuvo viva la esencia del genero a través de las todas las modas musicales de su época, desde el rock´n´roll, hasta el boom del folk, pasando por el flower power, la psicodelia o los sonidos del pop británico de los 60.
Nacido y criado en el delta del Mississippi en 1913, su comienzo fue junto algunos bluesman de la talla de Son House o Robert Johnson a mediados de los años 30.
En 1947 lograría firmar con el sello especializado en el blues, Chess Records, con los que empezaría a grabar junto a Little Walter, Jimmy Rogers y Otis Spann.
Después de una interminable sucesión de discos sencillos y álbumes, grabaría el disco “The London Muddy Waters Sessions” en 1972, junto a una serie de músicos blancos de gran prestigio.
Estos músicos eran Rory Gallagher, Georgie Fame, Rick Grech, Steve Winwood o Mitch Mitchell entre otros. De esta legendaria grabación salieron unas arrebatadoras sesiones de gran blues como las versiones de Wliie Dixon “Young Fashioned Ways”, “Walkin´ Blues” y “I´m Ready” o “Key To The Highway” del legendario Big Bill Broonzy.
“The London Muddy Waters Sessions”, es uno de los documentos históricos del blues que hoy en día esta considerado como uno de los momentos cumbres del genero.  

Wings-Back To The Egg (1979)

Genio y figura, Paul McCartney ha sido el ex-Beatle mas exitoso, el ha creado algunas de las obras mas importantes de la historia de la música y ha mantenido como ninguno la esencia de su banda madre durante cinco décadas.
Casi a finales de los 70, Paul McCartney llevaba tras de si ocho álbumes divididos entre sus discos en solitario y los publicados con su banda Wings.
La mayoría de ellos habían sido unos éxitos absolutos, como su debut “McCartney” (1970), o el siguiente “Ram” (1971), ambos firmados en solitario o los lanzados con los Wings; “Red Rose Speedway” (1973), “Band Of The Run” (1973), “Venus and Mars” (1975) o “Wings At The Speed of Sound” (1976).
En medio de los sonidos disco, punk y heavy metal imperantes de finales de los 70, lanzaría el séptimo y a la postre ultimo álbum junto a los Wings, y para ello se rodearía de un plantel de lujosos músicos entre los que estaban Tony Ashton, David Gilmour (Pink Floyd), Hank Marvin (The Shadows), Pete Townshend y Kenny Jones (The Who), Gary Brooker (Procol Harum), John Paul Jones y John Bonham (Led Zeppelin) o Ronnie Lane (Small Faces), además de los integrantes de su banda, empezando por Denny Laine, su esposa Linda McCartney, Laurence Juber y Steve Holley.
Este séptimo álbum titulado “Back To The Egg”, contiene una irresistible colección de canciones como las herederas a los sonidos beatle “Getting Closer” y “Baby´s Request”, las rock “So Glad To See You Here”, “To You” y “Rockestra Theme” o las melódicas “After The Ball/ Million Miles” y “Arrow Through Me”.
Pese a unas feroces criticas por parte de la prensa británica acusándolo del ecléctico sonido y la falta de inspiración, el álbum lograría un top ten en las listas norteamericanas y británicas, varios discos de platino y un Grammy por la canción “Rockestra Theme”.

Livin´Blues-Live ´75 (1975)

Livin´Blues fueron una famosa banda holandesa de blues rock que durante toda su carrera, que abarca desde finales de los 60 hasta bien adentrado el siglo 21, se han caracterizado por sus innumerables integrantes, publicando una docena de álbumes que siempre han sido bien recibidos por los puristas del blues rock de todo el mundo.
Fundada alrededor del núcleo formado por el guitarrista Ted Oberg y el bajista Ruud Franssen, lograron atraer la atención del sello Phonogram quienes les conseguirán que telonearan a bandas como los Fleetwood Mac de Peter Green a finales de 1969, un hecho que les reportaría mucha notoriedad a nivel internacional.
Ese mismo año lanzaron su aclamado primer álbum "Hell´s Session" y un año mas tarde su mejor registro "Wang Dang Doodle", al que siguieron los meritorios "Bamboozie" (1972), "Rocking At The Tweed Mill" y "Ram Jam Josey", ambos de 1973.
Llegados a este punto la banda había sufrido un continuo ir y venir de músicos, siendo Ted Oberg el único miembro estable durante todo ese tiempo.
En 1975 la banda publicaba el sensacional "Livin´Blues Live ´75", una formidable muestra del poderío del combo en directo.
En este disco en vivo, Livin´Blues estaba formado por el vocalista John Frederiksz, el guitarrista Ted Oberg, el bajista Henk Smithskamp y el batería Cor Van Der Beek.
Compuesto por temas propios y versiones, este directo es toda una delicia para quienes disfrutan del poderoso blues rock de mediados de los 70 con cortes como la frenética "Black Spider Woman", el hipnótico blues "I´m a Rambler", la rock´n´roll "Crazy Joe”, la pesada hard rock blues "I Wonder" o la extensa boogie blues sureña "L.B. Boogie".
En los sucesivos años la banda seguirá con la tónica de los continuos cambios de integrantes, publicando álbumes como el interesante "Blue Breeze" (1976), y los encomiables "Now" (1987) y "A Blues Legend" (1992).

Nancy Sinatra-Boots (1966)

Nancy Sinatra a pesar de su ilustre apellido nunca intento llegar a la fama ni al éxito gracias a los favores de su padre Frank Sinatra, de hecho el mismo le llego a decir en alguna ocasión que siguiera su propio camino sin intentar ni siquiera emularlo.
Durante toda su carrera, Nancy Sinatra llegaría a grabar diez álbumes empezando por su impresionante debut "Boots" lanzado en 1966, el cual contenía su hit mas importante "These Boots Are Made For Walking", una canción la cual se considera todo un símbolo de la emancipación de la mujer en los años 60.
Compuesto y producido por Lee Hazlewood, su letra se hubiera considerado hoy en día como machista por su controvertido mensaje, si hubiese sido cantada por el propio compositor.
Este primer álbum además contenía una serie de encantadores temas catalogados como "sunshine pop", entre los que estaban versiones de The Beatles "Day Tripper" y "Run For Your Life", de The Rolling Stones "As Tears Go By", o de Bob Dylan "It Ain´t Me Babe", entre otras compuestas por Hazlewood como "I Move Around" o la mencionada y exitosa "These Boots Are Made For Walking".
El álbum impulsado por el mencionado hit, lograría un top ten en las listas a ambos lados del Atlántico, pero sin embargo "These Boots Are Made For Walking", lograría encaramarse hasta el primer puesto en numerosos países alrededor del mundo logrando unas cifras multimillonarias en ventas.
En lo sucesivo Nancy Sinatra no lograría superar este monumental éxito, pese a colocar varios hits números uno como "You Only Live Twice" (1967), el tema principal de la quinta película de la serie de James Bond o "Somethin´ Stupid" junto a su padre Frank Sinatra. "These Boots Are Made For Walking" volvería a recalar en las listas de éxitos muchos años después cuando fue incluida en la banda sonora de la famosa película de Stanley Kubrick "Full Metal Jacket" en 1987.

Norman Greenbaum-Spirit In The Sky (1969)

En 1969 una canción conseguiría ser un mega éxito a nivel mundial y a la postre ingresaría en los anales de la música rock, hasta el punto de que aún hoy en día es utilizada en multitud de recopilatorios, series, películas y anuncios publicitarios, además de ser versionada continuamente por otros muchos artistas.
Esta canción es "Spirit in the Sky" de Norman Greenbaum, que con un cadencioso ritmo y unos riffs de guitarra proto-glam-fuzz rock, lograría la friolera de dos millones de copias vendidas entre 1969 y 1970.
Greenbaum, que es un judío practicante, se inspiró para escribir su versión en una canción gospel de Porter Waggoner, aunque la versión de Greenbaum pretendía ser más sobre un pistolero del viejo oeste que quería morir con las botas puestas, que a la referencia original de tener “un amigo en Jesús”.
La canción pertenecía a su primer álbum titulado con el mismo nombre que la canción "Spirit in the Sky", que sin embargo no tuvo el mismo impacto comercial, pese a contener un interesante muestra de canciones folk rock y psicodélica como "Mercy", "Canned Ham", "Skyline" o "The Power".
Después de publicar dos álbumes mas "Back Home Again" (1970) y "Petulama" (1972), Greenbaum se retiraría de la música durante la década de los 70, aunque realizaría algunos conciertos ocasionales durante los años siguientes.
"Spirit in the Sky" se ha utilizado en el videojuego "Rock Band 2" y en las bandas sonoras de las películas “Forrest Gump”, “Evan Almighty”, “Saving Grace”, “Ocean´s Eleven”, “Contact”, “Apollo 13”, “Remember the Titans”, “Oliver Stone's W”, “Wayne's World 2”, “The Longest Yard”, “The Challenge” y muchas otras mas. Mientras en la televisión ha sido utilizada para las series “Big Love”, “House”, “Law & Order”, “Third Watch” o “My Name Is Earl”, además de docenas de anuncios de “Gatorade”, “Nike” o “American Express”.
"Spirit the Sky" seguirá siendo escuchada y autorizada por los supervisores de las banda sonoras de Hollywood y de las series y comerciales de TV de todo el planeta hasta el final de los tiempos, convirtiéndola en una de las 100 canciones mas conocidas mundialmente.