Crawler-Crawler (1977)

El 19 de marzo de 1976 Paul Kossoff fallecía a consecuencia de un edema pulmonar en un vuelo nocturno en los Estados Unidos, viajaba desde los Ángeles a Nueva York para preparar la gira que su banda Back Street Crawler haría junto a AC/DC y que estaba prevista iniciarla el 25 de abril. Para muchos en esos momentos, este hecho presagiaba el final de Back Street Crawler. Pero sin embargo y contra todo pronostico, los miembros restantes, John "Rabbit" Bundrick, Tony Braunagel, Terry Wilson y Terry Wilson-Slesser, decidieron continuar sin su líder, pero deseaban hacerlo con otro nombre.
Pero antes de llegar a hacerlo, tuvieron las presiones de Ahmet Ertegun, presidente de la compañía Atlantic, con quien Back Street Crawler tenia un contrato, para que continuaran como hasta esos momentos bajo su sello discográfico. Incluso el propio Ertegun les propuso al guitarrista Mick Taylor como sustituto de Paul Kossoff. Taylor quien por aquella época había abandonado a los Rolling Stones, se opuso tajantemente, no le sedujo ni le hizo ninguna gracia la idea de reemplazar a un músico que había muerto. Otro de los que se negarían en redondo seria el ex Fleetwood Mac, Peter Green, el cual argumento el no estar preparado para subirse a un escenario después de años alejado de ellos. Luego de varios descartes mas, finalmente fue la banda quien unilateralmente se decidió por el ex guitarrista de If, Geoff Whitehorn. Pero este hecho no fue aceptado por la Atlantic Records quien rompe fulminantemente los acuerdos con la banda, argumentando que era con Paul Kossoff con quien tenían el contrato legalmente. Poco después y gracias a un ejecutivo de la Swan Song, propiedad de Led Zeppelin, fichan con la Epic Records y deciden acortar el nombre de la banda por Crawler.
En sus inicios y para foguearse, la banda realizo una extensa gira por el Reino Unido, a lo que seguiría la grabación de su primer álbum "Crawler" (1977), que fue muy bien recibido en los Estados Unidos, en parte gracias al tema "Stone Cold Sober" que tuvo muchísima repercusión en las emisoras FM americanas.
A partir de aquí la banda se concentra en el mercado estadounidense y publican su segundo álbum "Snake, Rattle & Roll", que fue seguido por un extenso tour por los Estados Unidos junto a bandas como Foreigner, Cheap Trick, Kansas o Robin Trower. Al final de la misma, la banda termina disolviendo en parte debido al abandono de John "Rabbit" Bundrick, quien fue contratado por The Who para tocar en su gira mundial presentando el álbum "Who Are You".
Pese a que solo publicaron dos soberbios álbumes, es sin embargo el primero su mejor obra, todo un clásico del hard rock y blues rock, en donde destacaban la melódica "Without You Babe", el boogie "Sold On Down The Line", la dramática "You Are My Saviour", la robusta "Pastime Dreamer" o la irresistible "Stone Cold Sober" con ese sonido medio latino deudor del mejor Santana. Con este álbum la banda demostraba que podían seguir haciendo un gran rock sin Kossoff y pese a que el nuevo guitarrista Whitehorn no tenia sus excelencias guitarrísticas, si imprimía a su estilo un gran feeling, con gran talento, tocando tanto temas rock como blues, a lo que le sumaba la brillante voz de Wilson-Slesser y el gran trabajo instrumental del resto de la banda.

Mike Rutherford-Smallcreep´s Day (1980)

Una vez Genesis había concluido la gira mundial promocionando el álbum "...And Then There Were Three..." sus tres miembros, Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks, deciden tomarse una descanso lejos de la banda para acometer sus proyectos en solitario. Así en 1980 Mike Rutherford publicaba su primer trabajo en solitario "Smallcreep´s Day", para el cual tuvo las colaboraciones de su ex compañero en Genesis, Anthony Phillips, que aquí se encargaría de los teclados, lejos de su habitual guitarra, del baterista Simon Phillips, y del percusionista Morris Pert y el cantante Noel McCalla, mientras Rutherford se encargaba de las guitarras y el bajo. Grabado en los Polar Studios de Estocolmo, fue producido por el ingeniero habitual de los últimos trabajos de Genesis, David Hentschel, en los meses finales de 1977. Con "Smallcreep´s Day", Mike Rutherford demostraría su enorme talento a la hora de componer grandes piezas de excelentes melodías progresivas, junto a otras de claro acento pop sinfónico. En lo instrumental, la elección de un casi desconocido McCalla fue una acertada decisión, con unas interpretaciones vocales muy emotivas y convincentes, mientras Anthony Phillips realiza un trabajo excelente con un instrumento que no es el habitual suyo, mientras el resto muestra la solidez perfecta para la ejecución de las piezas de este álbum. Un disco que cuenta con dos partes bastante diferenciadas entre si, la primera esta compuesta por los sonidos progresivos y sinfónicos con la extensa suite "Smallcreeps´s Day", dividida en siete partes, aunque sin embargo ciertamente esta mas enfocada a piezas sueltas que a un tema conciso y cohesionado, pero en donde hay una gran variedad de ritmos, estilos y atmósferas progresivas, con muchos pasajes de guitarras de 12 cuerdas, solos de guitarras eléctricas y sublimes sintetizadores y mellotrón, todo ello secundado con un magnifico trabajo de una sección rítmica poderosa y las voces de Pert y McCalla que encajan perfectamente con la filosofía musical de este álbum y que finalizan con la maravillosa melodía "At The End Of The Day", una épica canción digna de cualquiera de las grandes de su banda madre. Mientras la segunda cara tiene una orientación mucho mas comercial con un trasfondo sinfónico, con temas potentes como "Moonshine", la apasionada "Time and Time Again" o la progresiva "Romani". Este es sin duda uno de los mejores álbumes en solitario de uno de los miembros de Genesis y uno de los grandes álbumes de la década de los ochenta, en donde aun se pueden escuchar los ecos de obras tan emblemáticas como "A Trick Of The Tail", "Wind & Wuthering" o " ...And Then There Were Three...".

West, Bruce and Laing -Why Dontcha (1972)

Mountain fueron una de las mas importantes bandas impulsoras del hard rock americano, compuesta por dos grandes leyendas como fueron Leslie West y Felix Pappalardi, que publicaron dos soberbios discos considerados parte fundamental del desarrollo del heavy metal; “Climbing!” (1970) y “Nantucket Sleighride" (1971).
Después de publicar este ultimo álbum en 1971, la banda se separa por algunos problemas de salud de Pappalardi. Sin embargo Leslie West decide continuar y llama al ex Cream Jack Bruce, que junto a su ex compañero de Mountain, Corky Laing funda la banda West, Bruce and Laing. Básicamente lo que West intento conseguir con ello, era la continuación de Mountain, con un estilo que bebiendo del blues y los sonidos sureños, se enfocaban en un potente hard rock de gran densidad y distorsión. Gracias a los manager de Jack Bruce y Leslie West (Robert Stigwood y Bud Prager respectivamente), consiguen un suculento contrato con la CBS/Polydor por un millón de dólares para la publicación de tres álbumes. Pero antes de entrar en los estudios la banda realiza varias giras interpretando temas de Cream y Mountain así como versiones de clásicos del rock y del blues. Ya en 1972 se publica el primer álbum y a la postre su mejor trabajo titulado "Why Dontcha", en el cual sobresalen las psicodélicas "Out Into The Fields" y "Pollution Woman", los rock and roll "The Doctor", "Pleasure" y "Shake Ma Thing", y los blues rock "Turn Me Over" y "Love Is Worth The Blues", conformando todas ellas un soberbio disco del mejor hard rock americano.

Sweet Smoke-Just A Poke (1970)

Al igual que ocurriría con otras bandas como Nektar o Barclay James Harvest, las cuales tuvieron que emigrar de Inglaterra a Alemania para que les llegara el exito masivo, Sweet Smoke se trasladaron hacia el pais teutón para ser enormemente reconocidos. Sweet Smoke se fundo en los Estados Unidos a finales de los sesenta por un grupo de jóvenes afincados en Nueva York, ellos eran Andy Dershin al bajo, Jay Dorfman a la batería, Marvin Kaminowitz como vocalista y guitarra, Michael Paris al saxo y voz y Steve Rosenstein a la guitarra. Su estilo era una de las mas holgados y arregladas del rock psicodélico. Su primer álbum fue lanzado bajo la subsidiaria alemana Columbia en 1970 con el titulo "Just A Poke", el cual contenía solo dos temas, uno por cada cara del LP. Ambas piezas son "Baby Night" en la cara A y "Silly Sally" en la B, sin embargo en realidad era al revés y por un error en la fabricación del disco fueron imprimidos en ese orden. Ambos temas tiene una duración que sobrepasa los 16 minutos, el primero "Silly Sally" es una especie de jam psicodélico con un comienzo medieval de sonidos jazzisticos y el predominio de la flauta para ir poco a poco en crescendo hacia una jam extendida con riffs de guitarras y una potente sección rítmica acida y desenfrenada. Mientras en "Baby Night" predominan  los sonidos mas groove y blues, con incluso un buen solo de batería, diferentes percusiones y grandes riffs de guitarras y instrumentos de viento. Debido a su localización desde la cual se dieron a conocer, a esta banda se le encuadro dentro del genero del Krautrock, sin embargo ellos nunca sonaron a ese movimiento alemán, debido principalmente a la falta de teclados, en donde las guitarras y los instrumentos de vientos eran los que dominaban la música de Sweet Smoke. Algún tiempo después publicarían dos álbumes mas "Darkness To Light" (1973) y "Live" (1974), antes de disolverse definitivamente, para terminar retornando a los Estados Unidos a mediados de la década de los 70.

Y&T-Earthshaker (1981)

Yestarday & Today son un famosa banda norteamericana de hard rock por haber contado entre sus filas al guitarrista Dave Meniketti y por algunos de los hits mas impactantes de los años 70 y 80 como “Don´t Wanna Lose”, “Black Tiger” o “Mean Streak”. Fundada en Oakland en 1974 por el guitarrista Dave Meniketti, el guitarra rítmico Joey Alves, el bajista Phil Kennemore y el batería Leonard Haze, consiguieron su primer contrato con el sello London con quienes publican su primer álbum en 1976. En este debut homónimo, Yesterday & Today muestran un interesante estilo de hard rock con pinceladas de heavy rock con un genuino sonido americano, fundamentados principalmente por la guitarra de un joven Meniketti, que muestra su demoledor estilo secundado las excelencias del resto del grupo. Ya en 1981 llegaría “Earthshaker”, su tercer larga duración, en el cual acortan su nombre por el de Y&T. Un álbum que logra captar la energía y el poder del hard rock norteamericano de manera simple y efectiva con enérgicas canciones como “Hungry For Rock”, “Shake It Loose”, “Hurricane”, “Knock You Out” o “Rescue Me” o épicas baladas como “I Believe In You”, en la cual Meniketti demuestra sus impresionantes dotes con las seis cuerdas.
Durante el resto de la década Y&T seguirán publicando grandes álbumes como “Black Tiger” (1982), “Mean Streak” (1983) o “In Rock We Trust” (1984), que sin embargo no contienen las excelencias musicales de este estupendo “Earthshaker”.

The Chick Corea Elektric Band-The Chick Corea Elektric Band (1986)

Cerca de diez años después del ultimo baluarte de Return To Forever, Chick Corea fundo una nueva banda, casi a semejanza de aquella pero con nuevos protagonistas en sus filas, un nuevo estilo de jazz (y no tan nuevo) y una forma diferente de enfocar un genero en el cual era un consumado maestro.
Estamos a mitad de los ochenta y el pianista originario de Massachusetts funda The Chick Corea Elektric Band junto al guitarrista Scott Henderson, el bajista John Patitucci y el batería Dave Welck, con los que publica el álbum homónimo “The Chick Corea Elektric Band” en 1986. En este primer trabajo aún no estaba conformada la banda mas clásica que estaría formada además de Welck y Patitucci, por el guitarrista Frank Gambale y el saxofonista Eric Marienthal, aparte de como es obvio, Chick Corea. A diferencia del estilo de Return to Forever, esta versión “electrificada” de la banda no mostraba el jazz rock con sonidos vanguardistas de RTF, aunque si conservaba de alguna manera la experimentación tan característica de casi todas las obras de Corea. En este debut destacaban sobremanera la latín jazz “Rumble” en donde Welck y Patitucci hacían un soberbio trabajo en la sección rítmica mientras Corea emulaba el estilo de Joe Zawinul. La jazz fusión “Cool Weasel Boogie” la jazz rock “King Cockroach”, la hipnótica “Side Walk”, o el ejercicio guitarrero de “Go Match?” con un Welck pletórico, dan paso a la mas solemne “India Town”, con unos sonidos exóticos y pasajes ambientales de sintetizador.

After Crying-After Crying 6 (1997)

Esta es una de esas bandas "raras" que son demasiado progresivos para los seguidores del rock convencional y demasiado extraños para los seguidores del progresivo, y es que After Crying hacen un prog rock tan complicado y de difícil acceso al oyente medio que es dificultoso cogerles el punto intermedio a su música, al menos si no le damos bastantes escuchas detenidas a sus discos. Uno de sus principales atractivos es precisamente la negativa a quedarse estancados en un estilo definido, por lo que constantemente están experimentando nuevas ideas y reconfigurando su sonido
Esta banda húngara fue formada a mediados de los ochenta y en el 2017 aún seguían activos, y la componen una pléyade de músicos que usan todo tipo de instrumentos, casi todos miembros de la Sinfónica de Bruselas. Con un estilo tan variado, no es de extrañar que su extensa discográfica esta repleta de discos de diferentes signos, unos mas conservadores y otros mas experimentales, sin embargo su principal influencia esta en el progresivo de los 70, el folk, la música clásica, el pop y casi cualquier otro genero.
Su primer álbum fue publicado en 1990 y lejos de contener una música sinfónica, es mas bien un disco vanguardista, la falta de una melodía consistente es la dinámica de este lanzamiento. El uso ecléctico de los temas le da un sentido mas vanguardista que sinfónico.
En 1997 publicaron “After Crying 6”, uno de sus trabajos mas “accesibles”, donde aparecen algunos elementos de jazz, grandes baterías, pasajes pastorales, voces siniestras y teclados sublimes al mas puro estilo Keith Emerson. A pesar de que sigue sonando excéntricos, su música se vuelve mas melódica y incluso adictiva en ciertas partes del disco. Aún así tienen álbumes de rock progresivo mas convencional como “Struggle For Life” (2000) o “Show” (2003).

Lynyrd Skynyrd-One More From The Road (1976)

“One More From The Road” de los Lynyrd Skynyrd es otro de esos legendarios dobles en directo de la historia del rock. Grabado íntegramente en el Fabulous Fox Theatre de Atlanta en julio de 1976, documenta fielmente a la banda de Jacksonville en la cima de su popularidad. Para cuando apareció este disco, Lynyrd Skynyrd ya había publicado cuatro soberbios álbumes de estudio, e incluso habían obtenido tres exitosos singles en las listas del Billboard; "Sweet Home Alabama", "Free Bird" y "Saturday Night Special". Incansables trovadores de la carretera, esta mítica agrupación se gano una amplísima legión de seguidores leales en todos los Estados Unidos, elevándolos hasta los altares de banda icónica y mediática.
Con un estilo en donde tomaban prestado el estilo sureño de The Allman Brothers, fusionado con sutiles dosis de gospel, el sonido pantanoso de los Creedence, el blues descarado de los Rolling y el hard rock de Steppenwolf, Lynyrd Skynyrd consiguió crear un rock melódico único y accesible. Por aquel entonces tuvieron que lidiar su estilo con grandes como Led Zeppelin, Deep Purple, Gran Funk, Foghat, Aerosmith o la Blue Oyster Cult entre otras muchísimas mas, todas ellas con un gran predominio de las guitarras, sin embargo gracias al talento, el impulso y la determinación, los Lynyrd Skynyrd consiguieron salir airosos. "One More From The Road" es la confirmación sonora de sus explosivos directos, de sus enérgicas actuaciones, con un sonido abrumador, en donde se absorbe el sudor y el entusiasmo, con esas jams de guitarras, con preciosos pasajes de piano y coros cautivadores que impregnan este directo.
Desde la oda áspera y enérgica de "Workin ´For MCA", el sombrío sentimiento de "Tuesday´s Gone", la divertida sureña "Gimme Three Steps", el grasiento rock "Whisky Rock´n´Roller" o las abrasadoras versiones de "Crossroads" del gran Robert Johnson y "Call Me The Breeze" de J.J.Cale, Lynyrd Skynyrd se las fuman, se las beben y las despachan con un hambre de gran ferocidad.
Para culminar el álbum, la banda acomete de manera vibrante las clásicas "Free Bird", "Sweet Home Alabama" y "Saturday Night Special", dejándonos un directo absolutamente increíble y magistral. El recibimiento del álbum fue apoteósico, con un triple disco de platino certificado casi diez años mas tarde. Un año después el destino golpeo a la banda con la tragedia; el 20 de octubre el cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y la cantante Cassie Gaines murieron en un trágico accidente aéreo, mientras que los miembros supervivientes resultaron gravemente heridos. Algún tiempo después y a pesar de estas horribles perdidas, la banda finalmente continuarían grabando álbumes y ofreciendo multitudinarios conciertos por todos los Estados Unidos hasta prácticamente hoy en día. “One More From The Road” representa la era de oro de esta insuperable y legendaria banda de rock sureño.

David Sancious And Tone-Transformation (Speed Of Love) (1976)

Por la E Street Band de Bruce Springsteen han pasado algunos de los mejores músicos norteamericanos como por ejemplo Steven Van Zant, Nils Lofgren, Ernest Carter o Max Weinberg entre otros muchos, pero también ha sido el semillero de otros para iniciar su propia carrera en solitario, como Clarence Clemons o David Sancious. El trabajo de este ultimo quedaría plasmado en los tres primeros trabajos de Bruce Springsteen “Greetings from Asbury Park, N.J.”, “The Wild, The Innocent and the E Street Band” y “Born To Run”. Luego de ello Sancious formaría la banda David Sancious and Tone junto al batería Ernest Carter, también ex miembro de la banda de Springsteen, y el bajista Gerald Carboy. La música de Tone era una fusión de rock progresivo y jazz muy emparentado con los sonidos de Return to Forever o Jean Luc Ponty y otras bandas coetáneas del jazz rock de los años 70. La interpretación de los teclados de Sancious revelaría las muchas influencias que tenia en mente, como el piano neoclásico francés, la música gospel y los sonidos envolventes de los sintetizadores con un estilo muy cercano a los teclistas predominantes del genero del jazz rock como Jan Hammer o Chick Corea, pero también le dio la oportunidad de mostrar su talento con la guitarra eléctrica deudora de Jimi Hendrix o Jeff Beck.
“Transformation (The Speed Love)” apareció en 1976 y era la continuación de su primer álbum “Forest Of Feelings”, en esta nueva entrega a diferencia del primero, Sancious le da un mayor protagonismo a los sonidos de guitarras, estructurando el álbum en cuatro largos desarrollos centrado en el jazz rock con ligeros sonidos progresivos. La inicial “Metamorphosis” muestra una melodía jazz rock con muchas partes de teclados, mientras  “Sky Church Hymn # 9” es un tributo a Jimi Hendrix, aquí Sancious demuestra su grandes habilidades con la guitarra, por otro lado la suite con el nombre que da titulo al trabajo, es un ejercicio de 18 minutos de pleno jazz fusión, con un mayor protagonismo en el lucimiento de cada uno de los músicos de la banda. Este es en general un trabajo con grandes momentos de enérgico jazz, de enorme clase, demostrando una gran musicalidad, que pese a no tener un nexo común entre todos sus temas, el resultado final lo convierten en una obra completa.

Modrý Efekt-Svět Hledačů (1979)

Modrý Efekt es una de las bandas mas importantes de la antigua Checoslovaquia, que fue formada en 1968 y se disolvieron en 1990, posteriormente se reunirían en el 2004 hasta el 2016.
Originalmente llamados Blue Effect, tuvieron que cambiar el nombre por el de Modrý Efekt debido a las presiones del gobierno comunista checo, que desaprobaba enérgicamente los nombres en ingles en aquellos tiempos.
Fundados alrededor del guitarrista Radim Hladik, el resto estaba compuesto por Lesek Semelka teclados y voces, Oldřich Veselý teclados y el batería Vladimir Cech. En 1979 publicaron su sexto álbum "Svet Hledacu", considerado el trabajo mas progresivo del grupo junto al anterior “Svitanie (1977). Su estilo era una mezcla de rock sinfónico y jazz fusión, con hincapié en el trabajo del guitarrista Hladik, (considerado el mejor guitarrista checo), con intrincados cambios de ritmos, enfatizando los sintetizadores con sonidos espaciales y las guitarras. Su estilo a veces nos recuerdan a grupos como Yes por sus complejas composiciones, pero sin llegar ni de lejos a las excelencias de los británicos. 

Comus-Firts Utterance (1971)

Comus son otra de esas bandas británicas muy extrañas de principio de los 70, tanto que es casi imposible comparar su estilo con otras coetáneas debido a su temática única y original, por lo que fueron parte de la escena oscura de ese periodo. Aún así Comus son una de las bandas mas interesantes que surgieron de la escena del folk progresivo. Por buscar una supuesta comparación se podría decir que son una versión trastornada y experimental de Jethro Tull, sin embargo esta ambigua comparación no les haría justicia.
Comus se formo en Kent en 1967 por el guitarrista y voz Roger Wootton, el bajista Andy Hellaby, el violinista Colin Pearson, el baterista Bobby Watson, el flautista Rob Young y el guitarrista Glen Goring. Su único trabajo sin ser una obra conceptual al uso, habla de la fragilidad de la inocencia cuando se presenta al poder abusivo, (violencia, violaciones y terapias de choque). Dicho esto su música a menudo discurre entre los pasajes idílicos hasta los mas extraños sonidos tribales, con unas letras brutales y muy gráficas.
Su primer álbum y a la postre una creación monumental fue “Firts Utterance” (1971), considerado por los seguidores del prog rock como una obra alucinante y uno de los mejores discos del folk progresivo de los 70, con una letras demoniacas y oscuras junto a una música acústica y pastoral por momentos, lo cual contrasta enormemente con lo anterior. Aquí se mezclan lo pagano, los asesinatos brutales, el erotismo gótico, las enfermedades mentales, todo ello descrito con una inquietante franqueza. Su música es un rara amalgama de folk psicodélico, con retazos de música clásica y los sonidos inclasificables.

Jan Dukes de Grey-Mice And Rats In The Loft (1971)

Esta banda fue una de las mas originales surgidas en la escena del folk progresivo británico de principio de los setenta. Formada en Leeds en 1968, su núcleo principal eran el saxofonista y vientos Michael Bairstow y el guitarrista y otros instrumentos Derek Noy. Este dúo en un principio hacían un folk con sonidos ácidos y eran uno de los principales competidores de la banda Tyrannosaurus Rex. Ellos fueron una de las ultimas formaciones del estilo progresivo que ficharían con Decca en 1969. Con un primer álbum “Sorcerer” (1970), de folk extravagante con algún acercamiento a los sonidos progresivos, ambos músicos usan un arsenal de instrumentos de vientos y percusiones, con un estilo acústico en casi toda la grabación en donde se respira los aires hippies de la época con relatos interesantes y las cómplices voces de ambos músicos. Un año mas tarde llegaría el brillante “Mice And Rats In The Loft”, que cuenta con la incorporación del baterista Denis Conlan, en el cual la banda amplia sus horizontes con sonidos mas complejos y arriesgados. Aquí se sumergen en extensos desarrollos instrumentales y pasajes en ocasiones épicos y sinfónicos. Con solo tres temas, este lanzamiento se abría con la épica “Sun Symphonica”, 20 minutos en los que encarnan todas las excelencias de Jan Dukes de Grey, un tema brillante con muchas sonoridades, con el uso de una gran cantidad de instrumentos e incluso incorporaron una orquesta, con pasajes atmosféricos, extraños, siniestros y un final con sonidos improvisados, mientras en “Call Of The Wild” se utilizan armonías de múltiples voces para crear un sonido inquietante, con unas guitarras acústicas distorsionadas, riffs improvisados y solos atmosféricos brillantemente ejecutados. El ultimo corte es el tema homónimo, un ejercicio maestro de psicología musical, con una guitarra al mas puro estilo Hendrix que va llevando el sonido hacia los terrenos de la psicodelia, mientras se va narrando una escalofriante historia de sacrificios religiosos, lo que potencia el pasaje musical en sonidos muy intensos y atmosféricos. 

Goblin-Roller (1976)

Goblin fue una banda italiana que oriento su música principalmente a las bandas sonoras de películas de terror, con unos sonidos oscuros, intrigantes y progresivos, pero que también publico algunos discos al margen de la industria del cine.
Formados en Roma en 1972, durante su carrera se han disuelto en varias ocasiones y vuelto a reunirse durante los últimos 40 años.
Su primera y mas clásica formación estaba comprendida por el guitarrista Massimo Morante, el teclista Claudio Simonetti, el bajista Fabio Pignatelli y el baterista Walter Martino, sin embargo a lo largo de su larga carrera han habido innumerables cambios de formación, hasta el punto de que han habido discos que han sido grabados por alineaciones totalmente diferentes. Su primer trabajo fue para la banda sonora de la película “Profondo Rosso” de 1975, un trabajo de escasa duración, apenas 30 minutos, pero en donde ya se intuían los sonidos lúgubres repletos de órganos con un acercamientos a los sonidos jazz, pasajes atmosféricos y grandes momentos de guitarras, bajo y batería.
“Roller” publicado un año después ya era un álbum convencional sin la presión de un Dario Argento a sus espaldas, y mostraba un estilo progresivo influenciado por las bandas británicas del genero. Atmósferas pinkfloydianas, sonidos en la onda al “Tubular Bells” de Mike Oldfield, largos pasajes espaciosos con tonalidades funk y rock, todo ello con grandes interpretaciones instrumentales por los músicos de la banda. Convertido en un álbum de culto por los fans del progresivo, Goblin ha continuado publicando tanto discos dirigidos a las películas, como obras paralelas convencionales, hasta llegar a casi la veintena en todo estos años.

Anyone´s Daughter-Adonis (1979)

Anyone´s Daughter es una excelente banda alemana que hasta bien entrado el siglo 21 estaban aún activos. Fundados en 1972 en Stuttgart, su primera época estuvo enmarcada por los sonidos progresivos de los años 70, con una música compleja, arreglos enrevesados con grandes guitarras melódicas, una batería contundente y sofisticadas líneas de bajo.
Su formación estaba comprendida por el bajista y vocalista Harald Bareth, el guitarrista Uwe Karpa, el teclista Matthias Ulmer y el baterista Kono Konopick. En 1979 llegaría su primer álbum “Adonis” publicado por el progresivo sello alemán Brain, en donde la banda muestra un rock progresivo melancólico en una línea similar a los británicos Camel. La suite “Adonis” dividida en cuatro partes, contiene un delicioso estilo sinfónico con grandes solos de guitarras, colchones de teclados y complejos arreglos. El resto del álbum es una perfecta combinación de solos de moogs y guitarras como “The Blue House” o la sofisticada y acelerada “Anyone Daughter´s”. Durante los siguientes años seguirán publicando interesantísimos trabajos como “ Piktors Verwandlungen” (1981) “In Blau” (1982) o “Neue Sterne” (1983), hasta llegar a “Living The Future”, su ultimo álbum publicado en el 2018.

East Of Eden-Snafu (1970)

East Of Eden fue una interesantísima banda de rock progresivo digna de mención que tuvo una dilatada carrera de casi dos décadas. Formada en Bristol, Reino Unido en 1967, su formación estaba formada por Dave Arbus (violín eléctrico, flauta, saxofón), Ron Caines (saxo alto), Geoff Nicholson (guitarra y voz), Steve York (bajo) y Dave Dufont (baterísta). En 1969 son contratados por el sello Decca con quienes publicaron sus primeros discos "Mercator Projected" (1969) y "Snafu" (1970), ambos excelentes trabajos donde logran un gran sonido de violín eléctrico, flauta y saxofón combinado con Bela Bartok y otras melodías clásicas, orientales e incluso gitanas siempre sobre una base de hard rock. “Snafu” fue la continuación de la tendencia musical iniciada con su álbum debut con un sonido mas solido con una combinación de blues rock, música psicodélica y fusión. Aunque fueron etiquetados como proto-prog como otras bandas coetáneas, ellos mostraban menos interés en lo sofisticado y en el clasicismo para centrarse en sonidos mas ásperos y complejos. Ello esta demostrado en temas como la blues rock pegadiza “Have To Whack It Up”, la exótica “Leaping Beauties For Rudy/Marcus Junior”, las complejas “Xhorkhom” y “Ramadhan”, ambas con influencias árabes o la jazz-blues “In The Snow For A Blow”. La banda seguirá publicando discos hasta 1978 cuando se disuelven y volverían a reunificarse en 1996.

Status Quo-Live! (1977)

Durante el mes de octubre de 1976, Status Quo actuaron durante tres días seguidos en el Apollo Theatre de Glasgow como presentación de su noveno álbum de estudio “Blue For You”. De esos maratonianos conciertos se extrajeron el material que fue publicado un año después, y que seria el primer disco en directo de la banda; “Status Quo-Live!” el cual se convirtió en otra de esas imprescindibles grabaciones en directo de los años 70. Unos espectaculares conciertos basados en el sudoroso rock and roll y boogie rock que esta legendaria banda hacia en aquellos mágicos años, mostrando lo divertidos que eran sus enormes shows en donde la clase, el feeling, el ritmo y el publico con sus rugidos histéricos hacen de esta grabación un documento histórico. Desde la entusiasta presentación del speaker Jackie Lynton, este directo va transmitiendo durante los 90 minutos de duración, la grandeza de los grandes espectáculos. Compuesto por un repertorio de infarto, Status Quo desgranan lo mejor de su catalogo hasta esa fecha como las contundentes "Big Fat Mama" y "Is There a Better Way", la eterna y clásica "Caroline" o el medley "Blackwater / Just Like Me", sin olvidar los extensos “Forty Five Hundred Times" y "Roadhose Blues", esta ultima una vibrante versión del clásico de The Doors, que nos muestran lo geniales, viscerales y ardorosos directos que hacía esta inolvidable banda en la década de los setenta.

Triode-On N´A Pas Fini D´Avoir Tout Vu (1971)

Triode fueron una banda francesa de la que apenas se tiene mucha información. Formados a principios de los 70 lograrían grabar un solo álbum bajo el sello Futura Red, el cual hoy en día es muy cotizado entre los fans del rock progresivo.
Este único álbum publicado en 1971 es “On N´A Pas Fini D´Avoir Tout Vu”, que compuesto por temas totalmente instrumentales, esta dominado por los sonidos excelentes de la flauta de Michel Edelin, con un estilo muy cercano a Ian Anderson de Jethro Tull y deudora del sonido Canterbury. Los interludios de flauta y el progresivo instrumental esta mas enfocado al jazz con tonos psicodélicos de guitarras. Un álbum muy rítmico y versátil en donde ninguno de sus cortes son piezas de relleno, con animadas instrumentaciones que demuestran la plenitud de una banda con talento y buenas ideas musicales. La versión del tema de The Beatles “Come Together”, es sencillamente original y perfectamente ejecutada con un sonido psicodélico y progresivo de gran nivel.

Five Day Rain-Five Day Rain (1970)

Five Day Rain fue una banda británica de psicodélica y prog rock que están encuadrados dentro de la transición de esos sonidos de finales de los sesenta y principios de los setenta. Formado por el guitarrista Rick Sharpe, el bajista Clive Shepherd y el batería Dick Hawkes que ya actuaban bajo el nombre de Iron Prophet, reclutan al organista Graham Maitland y denominan a este nuevo grupo como Five Day Rain. Su único álbum grabado y publicado en 1970 contaría con la ayuda del guitarrista adicional John Holbrook, además de la cantante Sharon Tandy y los miembros del grupo America, que colaboraron en las canciones con tendencia folk "Goodyear" y "Sea Song" en las voces y coros.
En este álbum sobresalen los sonidos potentes y psicodélicos “Mariés A Woman” o la extensa instrumental “Rough Cut Marmalade” con unas guitarras abrasivas y distorsionadas y unos sonidos de Hammond punzantes y estelares. Originalmente lanzando como una edición limitada no será hasta casi 20 años después cuando se descubren el prensado original del álbum y empezaron a aparecer ediciones piratas destinado al mercado de coleccionistas. Años mas tarde el sello italiano Nightwings lo publicaría en edición remasterizada con la participación de los miembros originales de la banda.

Led Zeppelin-In Through The Out Door (1979)

En 1978 Led Zeppelin se dirigieron a los Polar estudios de Estocolmo para grabar el que se convertiría en el ultimo álbum de la banda. Por aquella época Led Zeppelin estaba inmersa en serios problemas, por un lado Robert Plant aún no había superado la muerte de su hijo Karat ocurrido un año antes, por otra lado Jimmy Page y John Bonham seguían con sus adiciones a las drogas y al alcohol, y por si esto fuera poco, en ese año la explosión del movimiento punk amenazaba por destruir todas aquellas bandas consideradas dinosaurios. Llegados a este punto el nuevo álbum “In Through The Out Door”, publicado en agosto de 1979, supuso el primer trabajo de la banda en donde Jimmy Page, el principal compositor del grupo, tuvo menos participación en la composición de los temas que cualquier otro disco de Led Zeppelin, lo que ocasionaría que fuera John Paul Jones el autor de la mayoría de los temas junto a Robert Plant.
La primera consecuencia de esa autoría, fue la atractiva variedad de sonidos con algunos ritmos orientales y latinos (de manera muy sutil), fusionados con el hard rock como base principal, con una mayor importancia en los teclados. Esas reminiscencias orientales se perciben en la inicial y épica “In The Evening” mientras los sonidos zeppelianos están presentes en muchos momentos de la extensa “Carouselambra”, por su parte el tono blues de “I´m Gonna Crawl” con una base en los teclados, es junto a la exquisita balada “All My Love”, lo mas destacado de este álbum. El resto sin ser temas de relleno resultan mas previsibles como la rockabilly “Hot Dog” o “Fool In The Rain”, un hard rock orientado a las radio formulas con cierto sonido latino.
“In Through the Out Door” ha quedado como la muestra final de Led Zeppelin, que pese a ser considerado un disco menor en comparación con sus cinco primeros discos, fue un digno epitafio que comercialmente ha vendido cerca de 8 millones de copias a nivel mundial, y que en su momento ocupo el numero uno absoluto en las listas de UK y Estados Unidos.

Atomic Rooster-Death Walks Behind You (1970)

Atomic Rooster son una de las mas formidables bandas del hard rock de todos los tiempos, surgida de las cenizas de la legendaria banda The Crazy World Arthur Brown.
El líder musical este ultima banda era Vincent Crane que en 1969 formaría Atomic Rooster junto al batería Carl Palmer y al bajista y voz Nick Graham. Poco después de publicar su primer álbum homónimo bajo el sello ABC, un soberbio disco de hard progresivo, esta formación se desintegra, al abandonar Palmer para ingresar en el trío Emerson, Lake and Palmer. Para sustituirlo Crane contrata al batería Paul Hammond y amplia la banda con el guitarrista John Du Cann, y con esta nueva formación graban una de las obras maestras del hard rock germinal “Death Walks Behind You” (1970). En este álbum el sonido es grandilocuente y disparatado, pesado y poderoso en donde cada músico se luce de manera espectacular gracias a su virtuosismo, el poderío y la fuerza de la música aquí mostrada, lo cual convierten a este disco en una obra indispensable del rock. Un álbum que ha influido en bandas punteras como Iron Maiden y otras del heavy metal en las décadas posteriores.

Manuel Göttsching-Inventions For Electric Guitar (1975)

Manuel Göttsching es uno de los grandes músicos del krautrock y uno de los pioneros de la música electrónica, que ha influido a generaciones de músicos posteriores con piezas tan emblemáticas como “Inventions For Electric Guitar”. Fundador de las míticas bandas Ash Ra Tempel y Ashra, sus comienzos fueron junto a Klaus Schulze y Harmut Enke con sonidos psicodélicos y cósmicos dentro del genero del krautrock. “Inventions For Electric Guitar” fue su segundo álbum en solitario aunque lo atribuiría a Ash Ra Tempel como el sexto álbum de la banda. En este ambicioso trabajo Manuel Göttsching hizo un experimento minimalista con la guitarra muy avanzado para su época. Publicado en 1975 es una obra en donde el músico explora todos los tratamientos de este instrumento usando para ello infinidad de efectos como ecos, dobles velocidades o bucles, consiguiendo con ello sonidos hipnóticos y envolventes con un resultado asombroso y hasta majestuoso. Un álbum que es sin duda una obra que aún hoy en día tiene total vigencia por su originalidad y su importancia como documento histórico.

David Lanz & Paul Speer-Natural States (1985)

David Lanz y Paul Speer publicaron en 1985 uno de los mejores trabajos del género de las llamadas nuevas músicas o "new age", el cual es ya un clásico de este estilo, y que también se convirtió en uno de los mayores éxitos del sello Narada.
Anteriormente, David Lanz había logrado el reconocimiento popular con los álbumes "Heartsounds"  (1983) y "Nightfalls" (1984), en donde este pianista estadounidense mostraba su enorme talento para “crear viñetas domesticas, basadas en melodías folkies” en palabras de un critico musical de la época.  
Un año después del mencionado “Nightfalls”, este virtuoso pianista se uniría al compositor, guitarrista y productor Paul Speer y juntos empezaron a explorar otros sonidos más electrónicos. De esta colaboración surgió "Natural States" que gracias a una fantástica base melódica de teclados electrónicos y piano de Lanz junto con los hipnóticos sonidos de las guitarras eléctricas de Speer lograron crear un disco inolvidable. “Natural States” contiene momentos realmente cautivadores como el delicioso "Behind the Waterfall", una melodía que se ha emitido miles de veces y que ha sido la sintonía de programas de televisión o la música de documentales y spots publicitarios, pero además también aquí el dúo interpreta temas mas enérgicos como "Miranova", sutiles pasajes melancólicos "Faces of the Forest”, sonidos atmosféricos "Allegro 985" o el enorme y etéreo "First Light", culminando todos ellos una de las grandes obras del género.

Jimmy Page & The Black Crowes-Live At The Greek (2000)

“Live At The Greek” es un doble en directo publicado en el año 2000, en donde la banda norteamericana de hard rock blues, The Black Crowes, en compañía de Jimmy Page, les dedicaban un tributo a Led Zeppelin y algunos grandes del blues.
En ese año de 1999, The Black Crowes y Jimmy Page se embarcaron en un tour de varios meses en el que no solo interpretaban temas de Led Zeppelin, si no también clásicos de blues y el rock, alternándolos con sus propios temas. Sin embargo la Columbia Records, discográfica de The Black Crowes, no vio con buenos ojos que el material de estos compartieran el mismo espacio que los de Led Zeppelin y esto provocaría que en un momento dado, los temas de The Black Crowes desaparecieran del set list de los conciertos que fueron grabados.
Esto no fue de agrado de la banda de Georgia que pesa a todo siguieron adelante cumpliendo así el contrato que tenían firmado para dicha gira. Este “Live At The Greek” fue grabado en el mítico The Greek Theatre de los Ángeles durante los días 19 y 20 de octubre de 1999. El repertorio esta compuesto por versiones de Led Zeppelin y grandes del blues como B.B.King, Peter Green, Sonny Boy Williamson, Elmore James, Willie Dixon y Jimmy Rogers, además del clásico de The Yardbirds “Shapes of Things”.
En este doble álbum la banda de los hermanos Robinson lograron llevar las versiones a su terreno, cubriendo la música de su estilo de hard rock y blues inconfundible con esos matices únicos y aún así respetando al máximo el espíritu original de cada tema. Por su parte Jimmy Page demuestra un gran estado de forma, rejuvenecido y tremendamente hiperactivo demostrando el por que es uno de los grandes de la guitarra y mas aún en su terrenal cielo musical. “Live At The Greek” volvería a cubrirles de gloria, además darles unas ventas millonarias. Un doble álbum del mejor rock interpretado por un grupo de talentosos músicos que saben percibir el color y el olor de la mejor música rock.

Visitor 2035-Visitor 2035 (1978)

Visitor 2035 fue una banda británica de nombre futurista de mediados de los 70, que con una corta duración mostrarían una interesante propuesta musical de jazz rock progresivo. Formados por el irlandés John Mason ex- Fruupp (teclados) y Craig Pruess (trompeta), ex- Mike Oldfield, el resto la completaban Ray Deefholts (guitarra), Nigel Robinson (percusión) y Peter Stroud (bajo).
En 1976 la banda se había auto producido su primer álbum “Can! A Modern Mysery Play"
y dos años después consiguen un contrato con el sello alemán Hansa quienes les publica el álbum homónimo “Visitor 2035”. Con un estilo basado fuertemente en el jazz rock y el jazz fusión con elementos de teclados progresivos y unos desarrollos que combinan los sonidos relajados con momentos mas enérgicos, mostrando un buen equilibrio entre los sintetizadores, la percusión y las guitarras con sutiles sonidos de funk y rock progresivo.

Holding Pattern-Holding Pattern (1981)

Holding Pattern fue una banda de rock sinfónico progresivo que bajo la tutela del guitarrista Tony Spada fue fundada en 1981 en Connecticut, Estados Unidos. Junto a Spada también estaban el experto batería Robert Hutchinson, un veterano de la escena progresiva norteamericana que había pertenecido a bandas como Elysin Field, el bajista Jerry Lalancette y el teclista Mark Tannenbaum. Esta banda mostró una gran propuesta progresiva sinfónica, una fuerte vibración melódica en sus composiciones y mucha energía en sus directos. Spada era el líder absoluto escribiendo prácticamente todas las composiciones, sin embargo pese a que su guitarra siempre esta presente en todas ellas, el sonido se basa en las interacciones de los teclados y los sonidos de guitarras fuertemente apoyados por una sección rítmica solida. Su enfoque melódico esta influenciado en grupos como Camel, los Genesis post Gabriel y los sonidos de bandas como Happy The Man. Su único álbum fue publicado en 1981, aunque en realidad fue un EP con cuatro extensos temas. En este álbum la destreza instrumental es excelente con toques nítidos y pulidos, pero que sin embargo carece de una buena producción. La contundente "Another Point Of View", es una canción con una estructura compleja. El ejercicio inquietante de melancolía "Honor Before Glory", posee el característico sonido que Steve Hackett presenta en sus álbumes de finales de los 70. La ágil "Jigsaw Dream", se mueve entre las cadencias de funk y los desarrollos sinfónicos muy dinámicos. Mientras en el epitafio final "Out Of The Tunnels", encontramos sutiles sonidos crimsonianos y también la faceta mas rockera de Holding Pattern.

Manfred Mann´s Earth Band-Solar Fire (1973)

A finales de los sesenta el teclista sudafricano Manfred Lubowitz, mas conocido como Manfred Mann, había publicado dos buenos discos de jazz rock con su banda Manfred Mann Chapter Three, en ellos el músico dio rienda suelta a sus inquietudes mas jazzisticas y progresivas con un estilo que por la época estaba en plena efervescencia. Después de esta aventura, en 1971 funda Manfred Mann´s Earth Band con un sonido mas actualizado y enfocado a los sonidos puramente progresivos. "Solar Fire" (1973), fue el cuarto álbum de esta banda y esta considerado una de sus mejores obras y el que más orientado esta hacia al rock.
Para este nuevo disco además de Manfred Mann, el grupo estaba compuesto por el batería Chris Slade, el bajista Colin Pattenden, el guitarrista Mick Rogers y las coristas Irene y Doreen Chanter.
En “Solar Fire” los teclados de su lider se erigen como los protagonistas indiscutibles, además de las guitarras y los arreglos instrumentales, algunos de ellos inspirados en la suite clásica de Gustav Holst, “The Planets”. Manfred Mann siempre ha sido un músico que gustaba de hacer versiones de otros artistas y en sus álbumes solía incluir algunas de ellas. Este se iniciaba con la versión del tema de Bob Dylan “Father Of Day, Father Of Night”, que Manfred Mann lleva hasta los nueve minutos en donde ilustra a la perfección el sonido característico de esta banda, una especie de rock progresivo con predominio de teclados y guitarras eléctricas. También están presentes en este disco los coros femeninos que le dan un aire clásico y sombrío. “In The Beginning, Darkness”, sigue la estela del tema anterior, un poco más cercano al hard rock progresivo y en el que las mejores partes siguen siendo las improvisaciones de teclados y guitarra, el ritmo de “Pluto the Dog”, nos recuerda a los pasajes hipnóticos de Pink Floyd, mientras en la espacial “Solar Fire”, destaca ese peculiar sonido de órganos y sintetizadores y las guitarras. 'Saturn, Lord of the Ring/Mercury, The Winged Messenger” es mas solemne, dividido en tres partes, con momentos más rítmicos, otros mas pausados y una última parte improvisada. Finalmente “Earth the Circle” dividida en dos partes, son ejercicios de improvisación y diferentes variaciones para el lucimiento del propio Manfred Mann.

Metamorfosis-Papallones I Elefants (1982)

Esta formación española fue fundada en la localidad de Tarragona en 1979, aunque originalmente se denominaban Companyia Oliva Negra, para posteriormente cambiar el nombre por Metamorfosis (existen dos bandas mas con el mismo nombre, una checa y otra suiza). Su formación estaba comprendida por el teclista y principal compositor Jaume Montcusi, el guitarrista Luis García, el también guitarrista además de percusión Joan Ramos, el bajista Jordi Papaseit y el batería Joan Grimau.
Metamorfosis solo publicaron un álbum en 1982, titulado “Papallones i Elefants”, el cual era totalmente instrumental. Su estilo era un interesante estilo híbrido entre el jazz rock y el jazz fusión con elementos progresivos, una instrumentación competente y muy acertada, destacando el trabajo de los teclados de Montcusi. Después de este álbum la banda se desintegro y el propio Montcusi se dedicaría a la producción de otras bandas de toda Cataluña, participando en discos de grupos regionales, mientras el guitarrista Joan Ramos pasaría a engrosar en la banda UCCAT.

Osiris-Osiris (1981)

Hay cosas que si me la cuentan hace 35 años, hubiese tildado de quien lo hizo de fantasioso o embustero, esto viene a cuento de una de las bandas surgidas en el oriente próximo, (hay algunas cuantas mas, por muy extraño que nos pueda parecer hoy en dia), en la década de los setenta. Pues bien, una de ellas es Osiris, creada en Bahrein a finales de los 70 y compuesta por una serie de jóvenes abiertos a la cultura musical occidental, principalmente británica y europea. Su primera formación estaba compuesta por Mohamed Al-Sadequi como guitarra y voz, Mohamed Abdul Razak-Aryan como teclista, Nabil Alsedeqi, batería, Sabah Alsedqi como principal vocalista, Abdul Razzak Arian, teclados, Nader Sharif, teclados y Ali Knonji bajista. Llama poderosamente la atención que esta banda tuviera tres teclistas en su formación, algo que por otra parte y de alguna manera les otorga un solido sonido a su estilo progresivo. Su producción no es la mejor que digamos, pero tampoco podemos pedir mucho mas si nos fijamos de donde provenían, en cuanto a su música, esta claro que en su país era fácil conseguir los discos de Camel, por que sus influencias son mayormente de la mítica banda británica. Su primer álbum fue lanzado en 1981, y en el este grupo alterna excelentes solos de guitarra y teclados rápidos y emocionantes, con desarrollos complejos de órganos y sintetizadores muy llamativos. Es curioso como una banda de esa remota parte del mundo en aquella época, hiciera una música tan increíble y excelentemente compuesta.

Canamii-Concept (1980)

Este proyecto fue inspirado en la “temática” musical de The Alan Parsons Project, donde junto a músicos de sesión crearon un álbum de excelente musicalidad. Canamii fue fundado en Sudáfrica por los descendientes británicos Phil Nel (teclados) y Claire Whitakker (voz) que junto a el guitarrista Paul Woodley son los creadores de su primer y único álbum. Este lanzamiento fue en el año 1980, y si bien el concepto general es un progresivo sinfónico, realmente se ajustan mejor al sonido crossover. La música se podría catalogar entre un hibrido entre los sonidos del barroquismo y el sinfónico, con una excelente influencia clásica. El poder de este grupo esta en la voz de Whittaker (con un timbre de voz muy parecida a la de Annie Haslam de Renaissance), con unas agradables superposiciones vocales y excelentes, como se puede escuchar en el tema “The Jester”, otros temas como “Spiral” trae un sentimiento de prog jazz, “Afrok” es la síntesis del sonido del grupo, mientras las melancólicas e hipnóticas “Rain” y “Feelings” muestran el rico sonido de teclados y la voz melodiosa de su cantante. En su faceta mas progresiva aparecen los temas “And The Moon Be As Bright”, “Children” y “Tri”.

Try-Just A Try (1980)

Try surgió como consecuencia de la colaboración de los músicos alemanes Amadeus Reineck (guitarras y cuerdas) y Michael Lapp (teclados y guitarras), que entablaron amistad en 1976 y que junto con el bajista Dieter Bauer formaron la banda de folk rock Marzipan de escaso recorrido. Ya en 1980 volverían a intentarlo con el grupo Try, pero esta vez con un enfoque mas progresivo, con una fusión de elementos acústicos y electrónicos, en un claro ejemplo de lo que artistas como el ex Genesis, Anthony Phillips o Cluster, hacían por la época. Su único álbum es una de las joyas menores del progresivo pastoral, principalmente en los sonidos mas bucólicos con grandes momentos de guitarras eléctricas. Una buena fusión de momentos sinfónicos, folclóricos y electrónicos. Tanto Reineck como Lapp tenían una amplia experiencia en la ingeniería musical en estudio en Berlín, gracias a ello consiguen una exquisita producción que incluso hoy en día suena de manera sorprendente. Composiciones como la extensa “Wreck On The Wire”, con la voz encantadora de la cantante Carolyne McCombs y unas guitarras agresivas, demuestran la calidad de esta banda que después de este álbum se disolverían definitivamente dejando tras de si una carrera que podría haber sido mucho mas proclive e interesante.

Lethe-Lethe (1981)

Una vez terminada la aventura de un solo álbum de la banda Mirror y después de una extensa gira por Holanda, se separan y tres de sus miembros fundan Lethe en 1978. Estos músicos fueron Philip De Goey (piano, flauta y oboe), Johan Saanen (bajo) y Kees Walravens (guitarra), a los que se les añadirán el batería Hans Lambers y el teclista Thuur Feyen. Al igual que ocurriría con Mirror, Lethe también tendría un corta carrera de apenas un año, el tiempo suficiente para publicar el álbum “Lethe” en 1981. Un disco que consta de cuatro extensas piezas instrumentales, empezando por el tema homónimo, un folk de elegantes guitarras acústicas sutilmente secundado por un delicado piano y oboe, y algunos sonidos ambientales y de sintetizador, un comienzo este que nos recuerdan al estilo inconfundible de la banda norteamericana Oregon. La siguiente “Avbury Circle”, con un comienzo de similar estructura musical, se deriva en un final vibrante con ciertos acercamientos al jazz, un órgano Hammond brillante y unas guitarras puramente rock. La segunda cara del vinilo comienza con la infecciosa y vivaz “Cold In Fingers” y termina con la progresiva “Le Tombeau”, repleto de gloriosos sonidos de órganos, una gran línea de guitarra y ciertos sonidos jazzisticos secundados por una poderosos sección rítmica.

Queen-Jazz (1978)

Jazz fue el séptimo álbum de Queen y a la postre su ultima gran obra, después de aquí la banda se perdería en meandros discográficos, algunos de gran calibre y otros para olvidar sin pestañear.
Por aquel año de 1978, Queen venían de publicar el grandioso “News Of The World”, por lo que habían dejado el listón muy alto y que difícilmente podrían superar esa obra y mas complicado aún las anteriores “Night At The Opera” (1975) y “A Day At The Races (1976).
“Jazz” fue lanzado casi a finales de 1978 y en un principio fue bastante vapuleado por la prensa y tuvo una menor acogida por parte de publico en comparación a las obras antes mencionadas. Sin embargo Freddie Mercury y compañía tuvieron la capacidad de sorprender con una selección de canciones bastante eclécticas, como la inicial “Mustapha”, en donde Freddie Mercury utiliza una indescifrable letra improvisada imitando la fonética árabe, un tema que interpretado por cualquier otro artista hubiese sido de un ridículo espantoso, aquí se convierte en una fantástica manera de iniciar un álbum. La rock “Bicycle Race”, nos vuelve a poner en la onda característica del grupo, a renglón seguido llega la descarada “Fat Bottomed Girls”, la versátil y el tema mas exitoso del álbum “Don´t Stop Me Now”, la hard rock “Let Me Entertain You” y las poderosas “If You Can´t Beat Them” y “Dead On Time”. Por el lado melancólico están las baladas “Jealousy”, con ese extraño sonido exótico, además de “In Only Seven Days” y “Leaving Home Ain´t Easy”, estas ultimas las composiciones de menor impacto pese a su innegable calidad. Con este álbum se acabaría la mejor época, la de mayor esplendor musical del grupo, y empezara otra de menor calidad compositiva, pero sin embargo de mayor éxito comercial, con algunos momentos de gran rock, pero muy alejados de sus obras de los 70.

Meat Loaf-Dead Ringer (1981)

La carrera de Meat Loaf es bien conocida por todos, este cantante y actor no solo es famoso por la trilogía de álbumes “Ball Out Hell”, de la cual ha vendido cerca de los cincuenta millones de copias, sino también por una carrera repleta de otros enormes trabajos enfocados al rock pomposo y épico. Nacido en 1947 en Dallas, este cantante ha publicado cerca de la treintena de discos entre estudios, directos y recopilatorios y ha participado en un centenar de películas entre el cine y la TV.
En 1981 publicaría su segundo álbum, “Dead Ringer”, que antes de su publicación ya venia lastrado por el predecesor y monumental “Ball Out Of Hell”, considerado una de las obras maestras del rock de todos los tiempos. Para este segundo trabajo el cantante ya no contaría con el productor y uno de los principales artífices del éxito del anterior álbum, Todd Rundgren, sin embargo eso no fue un impedimento para que Meat Loaf no volviera a crear otro grandioso disco, si bien es cierto que sin llegar a las excelencias del anterior, pero sin duda de un nivel sobresaliente.
Su mano derecha, el compositor Jim Steinman volvería a ser parte fundamental en este disco, dotando el sonido de este trabajo hacia derroteros mas comerciales y menos épicos.
Para este nuevo lanzamiento Loaf se rodearía de un selecto grupo de músicos como los guitarristas Mick Ronson y Davey Johnstone, los teclistas Roy Bittan, Larry Fast y Nicky Hopkins, los baterías Max Weinberg y Liberty DeVito o la cantante Cher.
Menos complejo que la anterior obra, “Dead Ringer” muestra otro álbum soberbio en donde destacan los duetos vocales “Dead Ringer For Love” o “Peel Out” o poderosos rock con majestuosos coros como “I´m Gonna Love Her For Both Of Us”, o "I´ll Kill You If You Don´t Come Back” o la crescendo y hermosa “Everything Is Permitted”.

Appaloosa-Appaloosa (1969)

El único álbum de Appaloosa fue uno de los mas sobrios ejercicios de folk barroco de finales de los 60, un estilo que estaba muy extendido en esa época y que describía perfectamente un folk fusionado con la música clásica sinfónica. Surgidos de la escena folk de Boston, este grupo estaba compuesto por el guitarrista y vocalista John Parker, el cual también era el principal compositor, el bajo David Raiser y Robin Batteau y Eugene Rosov, ambos instrumentos de cuerda. Durante algún tiempo esta banda se concentro en pequeños conciertos en las Universidades de Cambridge en Boston e incluso llegaron a telonear a Tim Hardin en alguna ocasión antes de mudarse a Nueva York en donde se pusieron en contacto con Al Kooper quien después de escucharlos les ofrece un contrato con la Columbia para grabar un LP. Publicado en 1969, el álbum homónimo contaría con la producción del propio Al Kooper quien incluso participaría en la grabación tocando varios instrumentos, además de otros músicos de sesión de los estudios de la propia Columbia en Nueva York. Las once canciones que se incluyen personifican el folk rock de la zona de Boston, con ciertas similitudes a lo que hacían Earth Opera o James Taylor. El tema inicial "Tulu Rogers" es una deliciosa pieza de folk campestre con influencias de Bach, en esa misma onda aparece "Pascal´s Paradox", mientras la nostálgica "Yesterday´s Road" o las jazzisticas "Thoughts Of Polly", "Billy-Weekly" o "Now That I Want You", llevan el sello inconfundible de Al Kooper, "Rosalie" por su parte es un folk con acercamientos al country. Pese a la increíble calidad de este álbum, pasaría totalmente desapercibido, aunque su legado quedaría como un modelo a seguir para algunos artistas posteriores del folk barroco.

The Outlaws Blues Band-The Outlaws Blues Band And The People (1968)

The Outlaws Blues Band fueron otra de las bandas punteras de blues rock de finales de los sesenta, rivales directos de coetáneas como Canned Heat, que pese a ello han sido olvidados durante décadas y están siendo redescubiertas por los fanáticos del blues y el jazz.
Formados en los Ángeles a principios de los 60 por el batería Victor Alemán, el bajista Joe Francis Gonzalez y el guitarrista Phillip John Diaz, ellos estaban influenciados por los grandes del blues, el R&B y el soul como Sam Cooke o Muddy Waters, al que les agregaron sonidos provenientes de la invasión británica. Un tiempo mas tarde cuando se empezaron a construir una solida reputación gracias a sus dinámicos directos, la banda firmo un contrato con el sello Bluesway Records, subsidiaria de ABC y graban los álbumes "The Outlaw Blues Band and The People" en 1968 y "Breaking In" en 1969, ambos con el legendario productor Bob Thiele. Su álbum debut se iniciaba con una versión particularmente funky del blues grasiento "Tobacco Road", a continuación mostraban la faceta mas blues con "Tried To Be A Good Boy", con sonidos jazzisticos gracias a la flauta del tenor Joe Whiteman. Mientras tanto la banda demuestra su ecléctico estilo con la soul blues "How Bad Love Can Be", la abrasadora "Lost In The Blues" , o la caótica instrumental "Death Dog Of Doom" de ocho minutos, en donde combinan perfectamente blues, rock, jazz, funk y soul con influencias latinas y un toque salvaje. La versión del tema de B.B.King "Sweet Sixteen", tocada de manera sedosa y ahumada y la cacofónica "Two Tranes Running", cierran un disco memorable, una mezcla viva y única de blues, rock, jazz y soul , con unas composiciones multirraciales y una profunda influencia y mezcla de los sonidos de la Electric Flag, Paul Butterfield Blues Band, Santana o The Allman Brothers Band.

Black Cat Bones-Barbed Wire Sandwich (1970)

"Barbed Wire Sandwich" fue la única grabación de Black Cat Bones, una banda británica formada en 1966, que se forjaría durante algún tiempo como banda de apoyo de algunos viejos bluesman norteamericanos que vivieron una segunda juventud en Inglaterra, gracias al fenómeno revival del blues, en particular Champion Jack Dupree. En la primera formación de Black Cat Bones se encontraban el guitarrista Paul Kossoff, el batería Terry Sims, el vocalista Paul Tiller, el bajista Stuart Brooks y su hermano el guitarrista Derek Brooks. Algún tiempo después el baterista Simon Kirke reemplazaría a Sims. Gracias al dueño del sello Blues Horizon Mike Vernon, consiguen ser la banda de apoyo del mencionado Champion Jack Dupree en un tour por el Reino Unido. Una vez acabada Simon Kirke y Paul Kossoff abandonan la banda para junto a Paul Rodgers y Andy Fraser formar el núcleo de Free. Con una nueva alineación formada por Brian Short como vocalista, Rod Price como guitarra, el batería Phil Lenoir, Stu Books al bajo y el guitarrista rítmico Derek Brooks, Black Cat Bones entran a grabar su álbum debut que seria publicado por el sello Deram, la división progresiva de la discográfica Decca. "Barbed Wire Sandwich" publicado en 1970, es un álbum que esta sostenido en una serie de composiciones de estructuras simples pero efectivas e irresistibles. El trabajo de Price con la guitarra es encomiable, con un sonido que se vuelve refinado al mismo tiempo que agudo, áspero y saturado, con unos riffs pesados y contundentes. Desde la inicial "Chaffeur" un robusto heavy blues, seguido por el soberbio "Death Valley Blues" o los densos "Save My Love" y "Good Lookin´Woman", Black Cat Bones muestra una consistencia envidiable y una solida compenetración entre todos sus miembros. Sin embargo la psicodélica "Four Women" y el blues acústico "Sylverrster´s Blues" difieren bastante del resto del álbum, restando algo de coherencia y equilibrio al resultado final. Aún así "Barbed Wire Sandwich" es uno de los discos mas interesantes del heavy blues británico de finales de los 60, y pese a su horrenda portada (una de las mas feas que se conocen), su legado a perdurado como el germen en muchas bandas posteriores y nostálgicas de una época que nunca vivieron.

Roxy Music-Avalon (1982)

"Avalon" fue el ultimo álbum de Roxy Music y a la postre su obra maestra, un trabajo tan exquisito como elegante, al mismo tiempo seria su disco mas exitoso a ambos lados del Atlántico. Pero para llegar hasta este álbum perfecto de sofisticación musical, Roxy Music había navegado durante casi 10 años por las aguas de diferentes estilos, desde sus inicios con cierta pluma glam, hasta el pop rock, pasando por la música vanguardista o el art rock, y pese a que sus publicaciones siempre fueron bien recibidos por los fans y la critica, también es cierto que alternaron obras de gran calidad con otras mas previsibles. Liderados por el refinado y tremendamente primoroso Bryan Ferry, la banda se había convertido en trío junto a los inseparables Phil Manzanera y Andy Mackay, los tres únicos miembros que siempre permanecieron desde sus inicios. Para este álbum contarían además con la colaboración de Paul Carrack, Rick Marotta, Neil Hubbard, Neil Jason o Andy Newmark, entre otros y con la producción de Rhett Davis, afamado ingeniero que ya había estado al frente de obras tan emblemáticas como “Selling England By The Pound” de Genesis, “Snow Goose” o “Moonmadness” de Camel o el debut de Dire Straits. “Avalon” es un disco que reboza de excelentes armonías con unas insuperables melodías, empezando por la hipnótica y adictiva “More Than This”, o la irresistible” The Main Thing”, mientras temas como la serena “Avalon”, con una sugerente instrumentación, la contagiosa “Take A Chance With Me”, la apasionada “White My Heart Is Still Beating”, la atmosférica “True To Life” o la rítmica “The Space Between” constituyen un trabajo magistral e imprescindible.

Pretty Maids-Future World (1987)

"Future World" fue el segundo álbum de los daneses Pretty Maids, la obra que les abriría el mercado americano y junto a su debut "Red, Hot And Heavy", sus dos mejores contribuciones al hard rock y al heavy metal, al mismo tiempo que sus mas exitosos discos. Publicado en 1987, tres años después del mencionado debut, Pretty Maids orientan aquí su estilo hacia un sonido americanizado con grandes estribillos, guitarras contundentes y afiladas, que junto con la interacción de los teclados consiguen estar entre los mejores del genero heavy metal de finales de los ochenta. Temas como las soberbias "Needles In The Dark" o "Loud N´Proud" se alternan con temas de corte mas melódicos como "Eye Of The Storm" o "Long Way Go", claros temas AOR "Rodeo", o baladas heavy de claro signo épico como "Yellow Rain". A partir de aquí la banda publicaría grandes discos como el siguiente "Jump The Gun" (1990), en donde contaron con la colaboración de Roger Glover en la producción, que triunfaría masivamente en Japón o el laborioso "Pandemonium (2010), con el que consiguieron realizar un álbum realmente envidiable de gran heavy metal.

Duncan Mackay-Chimera (1974)

Injusta y tristemente olvidado, Duncan Mackay es un teclista británico que grabaría varios álbumes de rock progresivo sinfónico de gran calidad y que además participaría en significativas obras de Camel o de Steve Harley & Cockney Rabel. Sus orígenes se encuentran en 1967 cuando finaliza sus estudios en la escuela de Shrewsbury en el condado de Shropshire al oeste de Inglaterra, allí consiguió graduarse en el violín, y pronto seria nominado como el violinista mas prometedor del Reino Unido. Sin embargo pronto cambiara ese instrumento por los teclados con los que también obtendría una gran notoriedad. Ya en 1970 fue invitado a unirse a la banda del pianista brasileño de jazz Sergio Mendez. En 1974 Mackay consigue que el sello Vertigo le publique su primer y su mejor obra "Chimera", un debut donde demuestra sus influencias mas notorias que estaban en los sonidos de ELP y The Nice, con unos sobresalientes teclados Hammond que envolvían toda su música. Compuesto por tres extensas suites, "Chimera" comenzaba con la épica "Morpheus", en la cual el teclista muestra sus buenas dotes vocales en una pieza alegre y rítmica con momentos mas ásperos y viscerales, con pasajes orientados hacia terrenos jazzisticos e incluso cercanos al pop. La progresiva "12 Tone Nostalgia", es una brillante composición dominada por musculosos sonidos de Hammond, mientras la mastodóntica "Song For Witches", es una memorable suite de pasajes progresivos al mas puro estilo de las primeras obras de los citados ELP, con sonidos psicodélicos y enigmáticos.
Tres años después Mackay publicaría su siguiente obra “Score”, otro formidable ejercicio de rock progresivo, pero a partir de ahí sus siguientes publicaciones serian de menor entidad, dedicando su carrera posterior a colaborar con grupos como The Alan Parsons Project, Budgie o Camel, en donde puso sus extraordinarios sonidos de teclados en el mítico álbum “Nude”.
"Chimera" es una de las joyas ocultas del rock progresivo que ha pasado totalmente inadvertida ante tantas obras maestras de grupos y artistas coetáneos mas mediáticos y consagrados. 

Deep Purple-Made In Europe (1976)

Para cuando se publico el álbum en vivo “Made In Europe”, Deep Purple ya prácticamente se habían disuelto, de hecho este disco fue publicado a modo de epitafio por la Purple Records y publicado por EMI meses después del ultimo disco de la banda en los años 70, “Come Taste The Band”. Si la denominada Mark II ( Glover, Blackmore, Gillan, Lord y Paice) habían publicado su directo, el fabuloso “Made In Japan”, esta formación, la Mark III, compuesta por Blackmore, Lord, Paice, Coverdale y Hughes también tendría su disco en vivo, grabado durante la gira del álbum “Stormbringer”, en el mes de abril de 1975 en Alemania y Austria. Concretamente serian los tres últimos shows que la banda daría y por lo tanto los últimos del guitarrista Ritchie Blackmore antes de largarse para fundar Rainbow ese mismo año. Lastrado continuamente por el mencionado  “Made In Japan”, este directo muestra aún la grandeza que Deep Purple conservaba por entonces. Las soberbias interpretaciones de las gloriosas “Burn” y “Mistreated” son por si solas motivo para considerar este epitafio como digno colofón a la carrera del grupo en esa década. El resto de temas que componen este directo no le va a la zaga, la frenética “Lady Double Dealer”, muestra las capacidades vocales de Coverdale y Hughes con un Blackmore pletórico a las seis cuerdas, “You Fool No One”, se convierte en una especie de jam para las diabluras de un excelso Blackmore y las extraordinarias capacidades de Paice a las baquetas, acabando con la portentosa “Stormbringer”. Con esta obra se acabaría Deep Purple en los 70, dejando así huérfanos a los fans de la banda...al menos durante diez años cuando volverían a reunirse para el esperado regreso con el portentoso “Perfect Strangers”, pero mientras tanto la saga Purple seguria adelante con los mencionados Rainbow, Whitesnake o Ian Gillan Band que llenarían ese hueco de manera extraordinaria, hasta el mencionado retorno de la mejor formación de los Purple en 1984.