Home-The Alchemist (1973)

Home fue una efímera banda británica de rock progresivo que editó varios discos de escaso impacto comercial, pero no exentos de gran calidad. En 1973 publicaron su mejor trabajo, que hoy es considerado uno de los discos de culto del rock progresivo.
Pero los principales atractivos de esta banda estaban en que entre sus integrantes estuvieron varios músicos que posteriormente engrosarían a formar parte de bandas tan legendarias como Wishbone Ash, AC/DC, Man y The Groundhogs.
Fundados en Inglaterra en 1970, su formación estaba comprendida por Laurie Wisefield (guitarra), Cliff Williams (bajo), Mick Stubbs (voz y guitarra), Clive John (teclados), Mick Cook (batería) y Johnny Weider (violín). En 1971 y bajo el sello CBS, publican su primer álbum “Pause For A Hoarse Horse”, que los lleva a ser uno de los grupos mas prometedores del año en el Reino Unido. Esta nominación y su debut les lleva a telonear a Led Zeppelin en el Wembley Empire Pool en noviembre de 1971 y mas tarde harían  lo mismo con otras bandas punteras como Argent, The Jeff Beck Group y los Small Faces.
Un año después publican su segundo álbum titulado homónimamente como la banda, y consiguen mas actuaciones junto a bandas de gran renombre como Mott The Hoople o Slade, obteniendo grandes criticas por sus excelentes directos.
En 1973 llegaría “The Alchemist”, su obra mas completa, concebido a modo de disco conceptual, se inspiró en la novela "Dawn of Magic" de Louis Pauwels. Fue aclamado por la prensa especializada como "un trabajo de genios", pero sin embargo no tuvo el impacto comercial deseado.
“The Alchemist” fue concebida como una obra compleja, como si de una ópera rock se tratara, pero sin su dramatismo, con grandes riffs de guitarras muy elaborados y unas suaves melodías que pasan de momentos pastorales y calmados hasta sonidos mas duros y psicodélicos, con un sentido romántico al concepto general del disco.
Después de este álbum la banda se embarcaría en un extenso tour por los Estados Unidos junto a Al Stewart y mas tarde junto a Wishbone Ash.
Pero las escasas ventas de sus discos precipitaron que se disolvieran algún tiempo después. Luego de ello Laurie Wisefield pasaría a engrosar los mencionados Wishbone Ash, Cliff Williams reemplazaría a Mark Evans en AC/DC, Clive John volvería a grabar junto a la banda Man y por ultimo Mick Cook se uniría a The Groundhogs.

Dave Pike-Noise Silence-Gentle Noise Featuring Volker Kriegel (1969)

Para el gran público, Volker Kriegel es un completo desconocido, sin embargo a finales de los años sesenta era un guitarrista muy popular en Alemania y gran parte de Europa gracias a sus habilidades autodidactas con las seis cuerdas y otros instrumentos como el sitar hindú, y de hecho es denominado como uno de los padres del jazz-rock europeo.
Sociólogo de profesión, participaría en diferentes bandas de jazz e incluso publicaría varios discos en solitario, o participando en diferentes álbumes de otros artistas como “Keep On Driving” (1971) de Don “Sugarcane” Harris.
Una de sus mayores contribuciones fue para la banda del vibrafonista Dave Pike en el excelente álbum “Noisy Silence”, que tuvo un gran impacto a finales de los 60. Un álbum que proponía un gran recorrido de jazz sobre los sonidos de vanguardia del momento, en donde se incluye una rutilante versión de tema de Frank Zappa “Mother People”. Sin embargo es el tema “Mathar”, lo mas destacado de este disco, una extraña fusión sitar-rock-jazz la que engrandece la categoría visionaria de este Lp.
Posteriormente Kriegel fundaría su propia banda, la Orchestra Mild Maniac, con las que grabaría algunos álbumes muy bien recibidos.
Los años siguientes formaría otras bandas y además de colaborar con prestigiosos músicos y grabar varias decenas de buenos discos, hasta que años después se retiraría para fundar su propio sello discográfico y colaboraría con la banda Passport, además de dirigir películas, estaciones de radio, dedicarse a la escritura y de ilustrador de libros infantiles entre otras actividades.
Volker Kriegel baso su estilo en fusionar diferentes esquemas musicales de diferentes culturas, un estilo que podríamos clasificar como jazz progresivo.

Kerry Livgren-Seeds Of Change (1980)

Kerry Livgren ha pasado a la historia del rock por ser el compositor principal de una de las canciones más aclamadas de todos los tiempos como es "Dust in the Wind", escrita y compuesta en 1977 cuando pertenecía a Kansas e incluida en el álbum “Point Of Know Return”.
En su época como guitarrista principal de la banda originaria de Topeka, sus dotes como instrumentista y compositor le granjearon una gran reputación y en 1980 publicaría su primer álbum en solitario titulado "Seeds Of Change".
Un disco que se aleja casi totalmente del estilo progresivo de Kansas, dando rienda suelta a unas ideas sin una cohesión estilística muy definida.
Por aquellos años Livgren se había convertido a la religión Urantia (una especie de derivación del cristianismo), por lo que algunas de las canciones del álbum hacen algún tipo de referencia a esa situación peculiar, como "To Live For The King", una hipnótica y atractiva canción, y "The Mask Of The Great Deceiver", un extenso tema con ciertos aires progresivos, ambas con Ronnie James Dio en las voces. Este dato era cuanto menos curioso, ya que en ese momento Dio acababa de convertirse en el cantante de Black Sabbath, una banda que siempre estuvo "extraoficialmente" ligada a lo diabólico.
En cualquier caso, el disco contenía otros grandes momentos como el comercial "How Can You Live", cantado por su compañero de Kansas; Steve Walsh, el blues espiritual "Whiskey Seed", la emotiva soft pop “Down To The Care” o la progresiva "Ground Zero", esta ultima, la canción donde se acercó bastante al sonido característico de Kansas.
Pero aparte de Ronnie James Dio, Livgren se rodeo de un plantel de lujo para la grabación de este álbum, como el batería de Jethro Tull, Barriemore Barlow, sus compañeros de Kansas, el violinista Robby Steinhardt y el baterista Phil Ehart, o el vocalista de Ambrosia, David Pack.
En lo sucesivo, la carrera de Livgren seguiría ligada a Kansas al menos durante varios años mas, hasta 1983, año en que la abandonaría para formar su propia banda llamada AD, junto al bajista y también miembro de Kansas, Dave Hope.

Tom Petty-Full Moon Fever (1989)

Uno de los discos imprescindibles del rock americano, a la vez que uno de los mas exitosos, con temas tan radiados que es imposible que no haya alguien que no los haya escuchado alguna vez "I Won´t Back Down" o "Free Fallin".
"Full Moon Fever" fue el primer álbum en solitario de Tom Petty sin su banda los Heartbreakers, con quienes anteriormente había grabado siete álbumes. En 1989 Petty decidió experimentar con un álbum en solitario y comenzó así un período lleno de éxitos alejado de sus también exitosas épocas con los discos junto a su banda.
Sin embargo, a pesar de que los Heartbreakers aparecen como músicos invitados a lo largo del disco, este suena diferente a cualquier trabajo anterior, debido a la presencia del ex-líder de la ELO Jeff Lynne.
La labor de producción de Lynne se ve reflejado en un rock limpio y brillante, con capas de armonías vocales, teclados brillantes y guitarras acústicas, un sonido amable, digno de admiración y muy atractivo.
Además de Lynne, colaboran en el álbum otros dos miembros de la superbanda Travelling Wilburys, en los cuales Petty participaría mas tarde, George Harrison en "I Won't Back Down" y Roy Orbison en "Zombie Zoo", además de la colaboración de Jim Keltner en "Love Is A Long Road".
Este debut se convirtió en el mayor éxito comercial de Petty hasta la fecha, gracias a las críticas favorables y a tres singles de éxito soberbios, los mencionados "I Won't Back Down", "Free Fallin" y el hit "Runnin 'Down a Dream", alcanzando todos ellos el número uno absoluto en los charts americanos, mientras "Feel much better", "Love Is a Long Road", "A Face in the Crowd" y "Yer So Bad",  también alcanzaron posiciones altas en las listas. "Full Moon Fever" es una de las obras maestras de la música de los 80 y del rock norteamericano.

Walpurgis-Queen of Saba (1972)

Walpurgis fue una banda germana fundada a principios de la década de 1970 por músicos polacos y alemanes. Durante mayo y junio de 1972, Walpurgis grabó su primer y único álbum "Queen of Saba", publicado por el famoso sello alemán OHR en los Dierks Studios en Stommeln, propiedad del legendario productor Dieter Dierks. La banda toca un estilo de la Costa Oeste mezclado con Psychedelic e influenciado por otras bandas de Krautrock. Su música se basa en largas improvisaciones principalmente en guitarras, órgano y piano con grandes desarrollos.
En este álbum destacan la extensa psicodélica “My Last Illusion”, la melódica “Disappointment”, la pop psicodélica con influencias blues “Hey You Over There” y la progresiva envolvente “Daily”. Walpurgis posteriormente no tuvo continuación y nunca publicaron más álbumes, en parte debido a la desaparición del sello OHR en 1973.

Steve Marriott-Marriott (1976)

Como fundador y líder de los míticos Small Faces, pero sobre todo de la legendaria banda Humble Pie, Steve Marriott dejo un legado para la posteridad con un estilo que aparte de su fuerza vocal y su soberbio timbre, tenia una expresividad capaz de despertar cualquier sentimiento.
Nacido en Essex, cerca de Londres, en 1947, Marriott estuvo ligado con la música  desde muy temprana edad y a pesar de haber nacido en una familia de la clase trabajadora, su talento y una beca le permitieron participar incluso en el teatro musical con bastante éxito en los sesenta. Sin embargo su devoción por el blues fue su principal motivación y junto a Ronnie Lane y Kenney Jones, a quienes se sumaría más tarde Ian McLagan, fundaría una de las mejores bandas de la llamada invasión británica de la segunda mitad de los sesenta: Small Faces, con quienes en 1968 grabó un celebre álbum de pop y rock psicodélico, "Ogdens’ Nut Gone Flake".
Mas tarde el guitarrista se separó de sus compañeros para formar junto a Peter Frampton uno de los grupos de hard rock más explosivos de la historia, los extraordinarios Humble Pie. Fue a partir de aquí cuando Steve Marriott dio rienda suelta a su pasión por el blues y el rock. El sonido del Humble Pie era potente, duro, básico, e íntimamente ligado a la música negra estadounidense, con el extra de la fabulosa guitarra de Frampton y la poderosa voz de Marriott. Sus presentaciones resultaban espectaculares y de ellas hay un registro extraordinario en formato de doble álbum "Performance, Rocking the Fillmore" (1971), uno de los mejores directos de la historia del rock.
A mediados de la década Steve Marriott se decide publicar su primer álbum en solitario, titulado "Marriott" (1975), el cual se divide en dos partes bien diferenciadas, una británica y otra americana. En la cara británica, el hard rock es el predominante con trallazos del calibre de "East Side Struttin´", "Midnight Rollin´" o "Wam Bam Thank You Ma´ am", o la rock psicodélica "Help Me Tonight", todas ellas con sonidos dominados por las potentes guitarras. En cambio segunda cara el estilo se desvía hacia sonidos mas genuinamente americanos como queda demostrado en las soul "Star In Life", "You Don´t Know Me" o "Early Evening Light", y en las funky "Are You Lonely For Me Baby" y "Late Night Lady", en donde el mayor protagonismo están en las voces y en los teclados.
"Marriott" a pesar de este claro contraste musical es sin duda el mejor trabajo que Steve Marriott hizo en solitario y uno de los mas interesantes de la década de los 70.

Go-Go Live From Paris (1976)

Stomu Yamashta, quien a principios de la década de 1970 exploró las vanguardias y la música clásica moderna, interpretando composiciones de Toru Takemitsu y Hans Werner Henzel, tuvo un encuentro casual en 1970 con el baterista Morris Pert y puso a Yamashta en el camino del jazz y el rock. Luego se unió a la banda de Pert, Come to the Edge. La pieza “One Way” de su álbum ambiental “Music”, es un buen ejemplo de la capacidad de Yamashta para crear piezas de ambiente. En 1972 se involucró con bandas sonoras de películas, comenzando con “Images” de Robert Altman, compuesta por el famoso John Williams. La banda sonora fue nominada a un Oscar, en parte debido a las contribuciones de Yamashta y sus sonidos atonales esparcidos a lo largo de la película. Un año después formó East Wind con el teclista Brian Gascoigne, una banda que también incluía al icónico bajista de la escena de Canterbury, Hugh Hopper.
A partir de aquí y con un estilo difícil de catalogar, el percusionista y teclista Stomu Yamashta dejo su impronta clase en una docena de trabajos en la década de los setenta mostrando una sabia mezcla de suaves desarrollos atmosféricos de jazz y rock, una música muy agradable, con partes de jazz rock vital y accesible, pero también con ambientes mas oscuros y extraños. En 1975, Stomu formaría el supergrupo Go, compuesto Steve Winwood, Klaus Schulze, Al Di Meola y Michael Shrieve y grabaría los álbumes "Go" (1976), "Go Live From Paris" (1976) y "Go Too" (1977), considerados obras maestras de la música moderna.
Como la mayoría de los supergrupos, la historia de Go es corta. Tal colectivo de músicos talentosos provenientes de diferentes áreas del mundo, cada uno con su propia agenda apretada de grabaciones y giras, solo puede suceder cuando las estrellas se alinean y hay un fragmento de tiempo que lo hace posible. La mayoría de los músicos involucrados estaban en un estado de transición en aquellos momentos, y durante un período de aproximadamente un año produjeron una espectacular música juntos. Una banda formada por ex miembros de Blind Faith, Traffic, Santana, Tangerine Dream y Return to Forever podría haber chocado fácilmente en egos y diferencias artísticas y acabar con el proyecto incluso antes de que comenzara, pero un interés común en una nueva experiencia musical creó algo, que de hecho suena como un híbrido de todas estas bandas. Después de lanzar un álbum de estudio, Go alcanzó su punto máximo durante una corta gira en 1976 que produjo una de las grabaciones en vivo mas espectaculares de todos los tiempos, el excelente álbum doble "Go Live From Paris". 
El 12 de Junio de 1976 en un repleto Palais des Sports de Paris, se presentaba ante un eufórico publico este supergrupo. Con una actuación muy relajada e inspirada con una mezcla especial de estilos desde Soul (Steve Winwood) hasta el rock Electronico (Klaus Schulze y Stomu Yamashta) y el jazz fusion (Al DiMeola). Michael Shrieve, quien fuera batería de Santana, actúa como el reconocido percusionista competente y acentuado. También es destacable los brillantes intercambios vocales de Steve Winwood y Karen Friedman.
La banda que presentaba el álbum de estudio "Go" en vivo, era casi la misma pero ampliada, completándola con Jerome Rimson al bajo, Brother James a la percusión, y Pat Thrall como segundo guitarrista.
El doble álbum consta de 6 temas más extendidos que las originales de estudio, algunas de ellas con carácter de jam sessions, que se combinan con pausas electrónicas espaciosas e interludios de piano.
Largas y desarrolladas piezas como "Man Of Leo", repletas de ritmos y unos intensos solos de Di Meola, improvisaciones instrumentales como "Windspin" con un bajo funk llevando la batuta de manera sublime, sobresalientes jazz rock  como "Ghost Machine", o ejercicios de funk/soul como "Time Is Here", complementan una actuación antológica, en donde Stomu Yamashta se frena en sus virtudes instrumentales para permitir que los otros miembros se luzcan con sus instrumentos.

Sky-Sky 2 (1980)

A finales de la década de 1970, casi cuando la era más exitosa del rock progresivo estaba llegando a su fin, todavía habían muchos proyectos ambiciosos en la mente de infinidad de músicos dirigidos hacia ese estilo.
Así se formaría una súper banda llamada SKY, basada en una idea de unos músicos muy experimentados como el antiguo componente de Curved Air; Francis Monkman, el bajista de cientos de colaboraciones Herbie Flowers, el batería de sesión Tristan Fry, el guitarrista ex-Alan Parsons Project, Kevin Peek o el experimentado y renombrado músico de sesión John Williams.
Con un concepto original de fusionar el rock con la música barroca y romántica, el vanguardismo progresivo, el jazz y la sensibilidad pop.
Este mezcla de estilo derivo en una música muy elegante, ejecutada con gran habilidad y al mismo tiempo accesible.
Su primer disco “Sky” (1978), no precede la creatividad de sus dos siguientes trabajos, pero sin embargo es un trabajo exquisito que cumple a la perfección con los estándares de los parámetros más exigentes del rock progresivo.
Dos años mas tarde se publico “Sky 2” que fue editado como doble Lp  y era la perfecta continuación al tremendo debut del grupo, esta banda formada por los cinco experimentados y virtuosos músicos supieron incluso superar el anterior álbum, combinando perfectamente la música clásica con elementos rock, con soberbios temas de composición propia como "Hotta", "Dance Of The Liitle Fairies", largas suites como "Fifo" y "Scipio" o una estupenda revisión del "Vivaldi" de Curved Air,  todo ello junto a readaptaciones de la música clásica como "Toccata" de Bach, "Gavotte and Variations" de Rameau, o "Andante" de Vivaldi. Si ya con el álbum debut habían conseguido un gran éxito, con este llegaron a encaramarse en el numero uno de las listas británicas de álbumes, consiguiendo un asombroso disco de platino por sus enormes ventas.

Hawkwind-Levitation (1980)

La década de los setenta fue para Hawkwind una época de gran creatividad con nueve formidables Lps de estudio y un doble directo memorable, pero también fue un ir y venir de muchos miembros que formaron su innumerables formaciones, de desordenes, de consumo de drogas y de continuos problemas internos.
Ya habían visto a Lemmy Kilmister (líder de los Motorhead) ir y venir y ser uno de los diez bajistas que Hawkwind tendría en esa década, algo parecido ocurriría con los baterías. Pero su líder Dave Brock siempre fue el único que se mantendría constante en la banda y decidió dar una cambio de tuerca al estilo de space rock psicodélico predominante en los 70, por unos sonidos mas accesibles. Para ello contrato al guitarrista Huw Lloyd-Langton, al famoso batería Ginger Baker y al teclista ex- Gong Tim Blake, que junto al bajista Harvey Bainbridge se dispusieron a grabar el décimo álbum del grupo. Publicado en 1980, el nuevo álbum se titulo "Levitation", con el resultado de estar considerado uno de los mejores trabajos del grupo, con un sonido muy equilibrado y una amplia variedad de instrumentos que enriquecieron enormemente su paleta instrumental, con abundantes contrastes entre guitarras pesadas y sintetizadores más ligeros y espaciales dando el toque a su inconfundible space rock, que aunque no sea predominante nunca abandonaron totalmente.
Con un comienzo arrollador con el tema homónimo en donde la labor de Baker es sencillamente magistral, se suceden los sonidos espaciales con unos poderosos riffs y un ritmo frenético, en "Motor Way City", la banda pone el pie en el freno, pero no así Baker que sigue demostrando el por que es uno de los mejores baterías de la historia, "Psychosis", "World of Tiers" y "Prelude", son ejercicios espaciales y relajados antes de volver a pisar el acelerador con la melódica y potente "Who´s Gonna Win the War", en donde la sección rítmica junto con el impecable trabajo de las guitarras, nos dejan un tema hipnótico, mientras "Dust of Time", es un hard progresivo con un Tim Blake sublime a los teclados. Como ultimo apunte hay que destacar que "Levitation" fue uno de los primeros álbumes de la historia que se grabo de forma totalmente digital.

GTR-GTR (1986)

Cuando a mediados de los 80 salto a la palestra que dos de los grandes héroes de la guitarra progresiva como Steve Howe y Steve Hackett se unirían para formar una banda, nadie hubiera imaginado que tal combinación “prog” tuviera como resultado, uno de los mayores éxitos comerciales de la década, al mismo tiempo que una propuesta musical elegante y acertadamente valida para los años que corrían.
A pesar de las dudas generadas cuando se tuvo noticia de esa reunión, siguieron adelante contra viento y marea y formaron un equipo para grabar un álbum y desafiar astutamente la delgada línea entre la melodía comercial y la sofisticación de ambos guitarristas.
Howe ya había demostrado su capacidad para hacer algo similar con Asia en 1982 y 1983 con sus dos primeros álbumes y había sido el ejemplo perfecto a seguir; este grupo había combinado el talento de cuatro gigantes del rock progresivo de los 70 para hacer lo que ellos hicieron, con melodías pegadizas, grandes composiciones y la dosis comercial justa y necesaria.
Pero Hackett estaba a otro nivel, ya que desde su salida de Genesis había lanzado una serie de discos muy enfocados en los sonidos muy poco comerciales y alejados de las masas del rock mas accesible.
El resultado fue el primer y único trabajo de una formación que llamarían GTR, y que fue formada además de Hackett y Howe por el baterista Jonathan Mover (ex-Marillion), el bajista Phil Spalding (ex-Mike Oldfield) y el cantante Max Bacon, así como Geoff Downes, quien fue el productor y compositor de "The Hunter" y Brain Lane, gerente de Yes, como asesor musical de la banda.
Este disco único y sorprendente tiene un estilo que combina matices del rock progresivo y del hard rock enmarcado dentro del AOR, contiene algunas canciones que fueron un éxito abrumador en muchos países como en Estados Unidos, donde "When The Hear Rules The Mind” o “The Hunter”, estuvieron varios meses entre los primeros puestos de las listas de éxitos.
Sin embargo, la versatilidad de Hackett y Howe se manifestó con otras canciones memorables como el rock melódico "Here I Wait", el progresivo "Jekyll and Hyde", el AOR "You Can Still Get Through" o la épica sinfónica y quizás la mejor composición del álbum "Imagining".

Bob Dylan-Street Legal (1978)

Entre 1975 y 1976 Bob Dylan se embarco en una larguísima gira llamada “Rolling Thunder Revue” que se dividio en dos partes bien diferencias, en la primera fue para promocionar su álbum “Blood On The Tracks” y en la segunda su disco “Desire. Para estas dos giras su banda se había ampliado sustancialmente, siendo su banda mas numerosa hasta esos momentos.

En ella estaban Gary Burke (batería), Mick Ronson (guitarras), Steven Soles (guitarras y voces), Rob Stoner (bajo y coros), Howard Wyeth (segundo batería), T-Bone Burnett (teclados y guitarra), Scarlet Rivera (violín) y David Mansfield (guitarra).
De la segunda parte de esta gira saldría el álbum en directo “Hard Rain”, publicado en 1976. Durante la primera parte de la gira y aprovechando el verano, Dylan se tomó un descanso y regresó a su granja de Minnesota. Allí comenzaría a componer temas para su próximo disco en estudio, entre otras compuso "Changing of the Guards", "No Time to Think" o "Where Are You Tonight?", finalmente seis de las nueve canciones compuestas en aquellos momentos fueron incluidas en "Street Legal".
"Street Legal" fue el decimoctavo álbum de estudio de Bob Dylan, lanzado por Columbia en 1978, y fue grabado en medio de la turbulenta vida personal de Dylan en aquellos meses, incluido su traumático divorcio en junio de 1977. Para colmo de males durante las grabaciones ocurrió otro hecho que afectaría profundamente a Dylan, el 16 de agosto salto la noticia; Elvis Presley había muerto.
Y para colmo de males cuando se publico “Street Legal”, sus fans mas puristas pusieron el grito en el cielo, acusando a Dylan de la "comercialidad" del álbum, así mismo la critica no dejaba en buen lugar este nuevo trabajo del músico de Minnesota.
Sin embargo años después muchos de estos fans y críticos reconocieron que temas como "Señor (Tales of Yankee Power)", “Changing Of The Guards” o "Baby, Stop Crying" eran composiciones monumentales merecedoras de cualquiera de los grandes trabajos de Dylan.
La temática del álbum trata una vez más de la religión, ya que Dylan seguía inmerso con el misticismo católico que se había apoderado de él años atrás, aunque el concepto aquí tiene un trasfondo más apocalíptico que en otros álbumes, haciendo referencia tanto al diablo en "New Pony". como a Dios en el mencionado "Señor (Tales of Yankee Power)".
El álbum obtuvo el tercer disco de oro en Estados Unidos para Dylan, antes lo habían conseguido "Blood on the Tracks" y "Desire".
Cuando Dylan se embarcó en su gira europea, el público lo recibió con una cálida recepción y sus dos sencillos, "Baby, Stop Crying", supuestamente inspirado en el tema "Stop Breaking Down" de Robert Johnson y el monumental "Changing of the Guards", fueron un éxito masivo en las listas de todo el mundo.

Jimmy Page-Outrider (1988)

Jimmy Page no necesita ningún tipo de presentación, aclamado como uno de los grandes guitarristas de la historia, ha escrito parte de la música rock con letras de oro, primero con The Yardbirds y luego con la considerada mas grande banda del planeta: Led Zeppelin. Pero después de la disolución de esta ultima, Page se dedico a prácticamente no hacer nada mas, su acomodada posición en la década de los ochenta le condujo a llevar a cabo diferentes y distanciados proyectos medio fallidos como The Honeydrippers junto a Robert Plant, The Firm con Paul Rodgers, esporádicas colaboraciones en discos de algunos artistas amigos o desastrosas actuaciones como la del famoso Live Aid de 1985 con los resucitados por un día Led Zeppelin (con la “estimable” y “nefasta” colaboración de Phil Collins a la batería), en una rocambolesca actuación digna de una de las mas lamentables paginas del rock.
En 1988 Jimmy Page finalmente se decidió publicar un álbum en solitario y a la postre el único que publicaría, "Outrider", que fue editado por el sello Geffen Records y que tendría un equipo de lujo entre los que se encontraban Robert Plant, Chris Farlowe, Jason Bonham, Barriemore Barlow, Tony Franklin o John Miles entre otros.
Un disco donde Page sin arriesgar en exceso o sin sorprender en demasía, nos deja un trabajo con sabor zeppeliano de buenas dosis de hard blues rock.
Grabado en los estudios propiedad de Page “Sun Studies” y con la colaboración del ingeniero de sonido Leif Masses, fue producido por el propio Jimmy Page.
Desde la inicial hard rock “Wasting My Time”, Page deja claro sus gustos por los sonidos que empapaba en los años finales a Led Zeppelin, en esa misma línea están “Wanna Make Love”, ambos con la voz de John Miles y “The Only One”, esta ultima con Robert Plant en donde salen a relucir las sombras del pasado. “Prision Blues”, por otra parte es un buen blues que nos remite a los clásicos del genero con un Chris Farlowe pletórico a las voces o la preciosa “Hummingbird”, una versión del clásico de Leon Rusell con un sonido cristalino y brillante. El resto del álbum la completan tres temas instrumentales en donde destaca “Emerald Eyes” con unos grandes riffs acústicos o el blues con aires folk “Blues Anthem”.

Man-Back Into The Future (1973)

En 1973 Man publicaban su octavo álbum, "Back Into The Future", que se convertiría en el de mayor creatividad a la vez que su trabajo mas exitoso. Publicado originalmente como un doble Lp, el cual esta dividido en uno en estudio y otro en directo.
Man por aquellos momentos se encontraban en el mejor momento de su carrera y venían de hacer los soberbios "Do You Like It Here Now, Are You Settling In? (1971) y “Be Good To Yourself At Least Once A Day” (1972), que les había servido para ser alabados por la prensa musical de medio mundo. Sin embargo después de este ultimo álbum, su teclista Clive John abandona y Deke Leonard es despedido por lo que la banda se quedaba reducido a trío con el guitarrista Micky Jones, el bajista Martin Lace y el baterista Terry Williams, un hecho algo extraño para una formación que estaba considerada una de las mas estables de la psicodélica.
Poco después el teclista Phil Ryan pasa a ingresar como el cuarto componente del grupo, el cual se convierte en pieza fundamental, además del apoyo del guitarrista Alan Lewis como segundo guitarrista para los temas en directo.
La primera cara de este "Back Into The Future", constaba de cuatro temas en donde destacan las melodías vocales y una banda en pleno estado de gracia, entre ellas la sugerente "Back Into the Future", la espacial funk "Just For You" o la emotiva "Don´t Go Away".  Le siguen en la rítmica y poderosa "Ain´t Their Fight" y la siniestra "Never Say Nups to Nepalese".
Pero es en el segundo disco donde vemos la dimensión de la música de Man. grabado en directo en el Roundhouse de Londres, desde la estratosférica "C´mon" con sus 20 minutos de jam antológica y la jam improvisada de 21 minutos "Jam Up Jelly Tight/Oh No Not Again" desembocando en el éxtasis instrumental de "Spunk Rock"
"Back Into The Future" esta considerado una obra maestra del rock, que aún hoy en día sigue tan vigente como documento sonoro histórico.

Zior-Zior (1971)

Psicodélia oscura, con unos siniestros sonidos heavy psych y pioneros del sonido “hidden dark rock”, Zior fueron una banda que tuvieron una corta carrera desde su fundación en 1969 hasta 1973, año de su disolución. Sus endemoniados directos incluían sacrificios simulados de chicas, imágenes de demonios, sangre y un show lleno de luces y parafernalia diversa que dejaba a los espectadores enloquecidos.
Esta banda estaba formada por Barry Skeels al bajo y voces, el baterista Peter Brewer, John Truba como guitarrista y el teclista Keith Bonsor.
Su salvaje propuesta sónica se vio refrendada por el mensaje satánico de su música, sin embargo sus raíces estaban en el blues rock como se demuestra en el tema "Now Im Sad" de su primer álbum “Zior” (1971), con una portada diseñada por Marcus Keef, el mismo que hizo la del primer álbum de Black Sabbath, de ahí su tremendo parecido estético.
Pero también hay sonidos galopantes y progresivos como "New Land", de clara influencia de Arthur Brown, mientras "Quabala" es un instrumental progresivo con un órgano galopante, otros temas son "Oh Mariya" con unos riffs excelentes,  la cansina y rítmica "Love´s Desire", la planeadora "Za Za Za Zilda" o la swamp rock "Before My Eyes Go Blind" con un toque psicodélico y progresivo.
Pero debido a la poca promoción y financiamiento, dos años después en 1973 Zior desaparecen para siempre dejando un gran legado para los seguidores de los sonidos oscuros y psicodélicos de los 70’s, no si antes publicar un segundo y excelente LP “Every inch a man” en 1972, el cual contiene material desechado del primer álbum y donde destacan la poderosa "Entrance of The Evil", o "The Chicago Spine", esta ultima una sobresaliente pieza de hard rock merecedora de haber aparecido en su primer álbum, además de la blues hipnótica "She´ll Take You Down", la psicodélica "Every Inch a Man", o la frenética "Angel Of The Highway".

Coney Hatch-Friction (1985)

Esta banda canadiense hacían un rock para paladares exquisitos, Coney Hatch surgieron a principios de los ochenta dentro del emergente rock melódico de la época, y que con su primer álbum "Coney Hatch" (1982) ya destacarían gracias a los temas "Devil´s Deck", "Hey Operator" y "Monkey Bars". Ellos se caracterizaban por sus múltiples riffs, sus envolventes teclados, unas melodías pegadizas y la voz de su cantante Carl Dixon. En 1985 llegaría su tercer álbum y a la postre su ultima publicación "Friction", compuesto por una selección de temas insuperables de rock melódico, empezando por la sublime balada "Fantasy", pero es la inicial "This Ain´t Love" un trallazo de hard rock la que pone la directa de este álbum, a la que le siguen otras como "Wrong Side Of Town" o "State Line", compartiendo mesa y mantel con temas soberbios de AOR "She´s Gone", "Girl From Last Night´s Dream" o la poderosa "He´s A Champion".
Como ya ha ocurrido en tantas ocasiones, la calidad no significa el éxito asegurado y pronto fueron pasto del olvido mas rotundo, hasta que en el 2013 volverían a publicar el álbum "Four", el cual los ha puesto en el lugar que les fue negado en aquellos años.

Nightwish-Dark Passion Play (2007)

"Dark Passion Play” sería el debut de Anette Olzon como la nueva cantante de los finlandeses Nightwish, después de la marcha o más bien el despido de Tarja Turunen y sexto disco de la banda.
Esta sería una de las razones por las que los fans estaban divididos y en parte le dieron la espalda a este nuevo trabajo que con el tiempo y la presión de los fans acabarían con la salud de Anette y su reemplazo por la actual cantante Floor Jansen.
Es comprensible que sea el disco menos valorado de la Nightwish, a pesar de que contiene grandes momentos de hard rock y metal sinfónico como el espectacular "The Poet And The Pendulum", la épica celta "The Last of the Wilds", el groove " Amaranth" o el dardo envenenado y mensaje directo a Tarja "Bye Bye Beautiful".
Aún así el álbum recibió grandes críticas y ventas millonarias y fue galardonado con varios premios, incluido el mejor álbum de metal y mejor álbum del año.

Kayak-Kayak (1974)

Otra banda de rock progresivo holandesa de renombre son Kayak, la cual fue denominada como “nuevo supergrupo de Holanda”, por la prensa naranja y su tremenda popularidad fue principalmente en los países del centro de Europa.
Fundada por el teclista Ton Scherpenzeel, el guitarrista Johan Slager, el baterista Pim Koopman, el bajista Kristoffer Gildenlöw y el vocalista Max Werner en Hilversum al norte de los Paises Bajos.
En 1973 lanzarían su primer álbum “See See The Sun”, que obtiene tres singles de tremendo impacto seguido de “Ruthless Queen”, con los que consiguen entrar en los primeros puestos de las listas de éxitos.
En 1974 publican su segundo álbum titulado de igual manera que la banda y siguen con un estilo idéntico al primero, sin embargo aquí las guitarras de Johan Slager cobran mucho mas protagonismo que los teclados de Tom Scherpenzeel, quien también interviene en los temas mas melódicos.
Un disco en donde destacan las progresivas “They Get To Know Me”, “Mireille” y “Trust In The Machine” o las melódicas “Woe And Alas” y "Mountain Too Rough”, mientras “Alibi” o “Serenades”, muestran la faceta mas comercial, con temas rock adictivos y pegadizos.

Happy The Man-Happy The Man (1977)

Happy The Man fueron una banda norteamericana de rock progresivo fundada a mediados de los setenta, que con su soberbio primer álbum llamaría la atención notoriamente, no en vano incluso Peter Gabriel se intereso en ellos para contratarlos como banda de apoyo para presentar su primer álbum en directo.
El primer trabajo de Happy The Man, titulado homónimamente, fue publicado a principios de 1977, y producido por Ken Scott, habitual de bandas como Supertramp o The Mahavishnu Orchestra. Este debut esta cargado de composiciones brillantes, grandes arreglos, una música fluida con una gran cantidad de diversidades desde el sonido Canterbury, hasta las disonancias armonizadas de Gentle Giant, o las preciosas melodías de Camel, pero todo ello con un sonido propio y personal. Temas reflexivos como la inicial “Starborne” o “Hidden Moods”, enérgicas progresivas “Stumpy Meets The Firecracker in Stencil Forest” y “Knee Bitten Nymphs In Limbo” o piezas evocadoras “Upon The Rainbow”, conforman uno de los mejores discos del progresivo norteamericano.
El resto de ese año la banda se embarco en continuas giras al lado de grupos como Foreigner, Renaissance o Hot Tuna.
Un año después de este primer álbum, Happy The Man volverían a gestar otra pequeña obra maestra del rock progresivo con su disco “Crafty Hands”, en donde sus evidentes influencias no eran ningún lastre para seguir con una línea ambiciosa y experimental.

Solution-...It´s Only Just Begun..(1980)

Otra gran banda procedente de Holanda son Solution que formados originalmente a principios de los 70, estuvieron activos hasta 1983, publicando seis álbumes de estudio muy considerados en los ambientes del rock progresivo, el jazz rock y el pop sinfónico.
Ya desde su primer álbum esta banda demostraría grandes dotes en la composición y una gran instrumentación. Este primer disco se componía principalmente de temas instrumentales, complejos arreglos jazz rock con acercamientos al prog, con claras influencias de bandas como Soft Machine, Frank Zappa o el jazz de John Coltrane. En 1975 el sello de Elton John "The Rocket Record Company" es el encargado de publicarles los álbumes "Cordon Bleu" y "Fully Interlocking" (1977), en donde gracias a la producción de John Gus Dudgeon su sonido se vuelve mucho mas nítido y conciso con un soul y jazz rock muy sofisticado. A partir de aquí la banda deriva su estilo hacia unos sonidos mas comerciales pero de gran complejidad en donde los grandes desarrollos instrumentales se mezclan con temas de rock melódico y soul/jazz de gran creatividad compositiva. Así los álbumes "…It´s Only Just Begun…" y el posterior "Runaway" son considerados su mejores obras.
"It´s Only Just Begun" es donde la banda muestra mejor sus diversas influencias, desde el soft jazz al estilo Steely Dan con las destacadas "On My Own", "It Happened In September" y "It´s Only Just Begun", hasta ejercicios progresivos como "Captain Willie" o temas genuinamente jazz fusión como "Logic".

Heaven-Brass Rock 1 (1971)

Heaven fue una banda británica que hacia una visceral mezcla de estilos que iban desde el blues, hasta el progresivo con dosis de R&B, rock y sonidos mas pastorales, con una fuerte tendencia a las improvisaciones y que tuvieron sus cinco minutos de gloria cuando participaron en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, justo el ultimo día cuando actuaban Jimi Hendrix, Leonard Cohen, Free, Donovan, Jethro Tull y The Moody Blues. Formados a finales de 1968, esta banda puede considerarse como un proyecto inicial que no tuvo mas continuación, mas allá de un solo álbum publicado y que debido en parte a su gran tamaño, el grupo tuvo grandes dificultades con las giras y básicamente se concentro en las grabaciones en estudio. Como sugiere el nombre de su álbum debut “Brass Brock 1", su música es lo que se puede esperar de una formación con cinco integrantes tocando diferentes instrumentos de viento (saxofones, trompetas, trombones, clarinetes, flautas ...), además de piano, batería, guitarras y bajo sin contar las voces. Con un estilo bastante variado, Heaven hacían un rock enérgico donde las guitarras y la batería son los instrumentos dominantes, secundados por una furiosa sección de viento.
“Brass Rock 1”, fue publicado como un ambicioso álbum doble con una lujosa portada plegable por el sello CBS, quienes pensaron en ellos como una nueva banda triunfadora al estilo Chicago Transit Authority o Blood Sweat and Tears, ambos grupos bajo la misma discográfica. A pesar de la aclamación positiva de la critica especializada, el álbum apenas tuvo repercusión comercial, mas allá de unas miles de copias vendidas, por lo que posteriormente la banda se disolvería definitivamente.

Tempest-Tempest (1973)

Una vez fue finiquitada la primera versión de Colosseum, dos de sus miembros, el batería John Hiseman y el bajista Mark Clarke se unieron a Allan Holdsworth y Paul Williams (guitarra y teclados) y fundan la banda de heavy prog Tempest publicando los magníficos álbumes, "Tempest" (1973) y "Living Fear" (1974).
Publicado por el sello Bronze, el debut de esta banda fue sorprendente con un estilo en donde el virtuosismo y la destreza de los integrantes sobresalían de manera apabullante. Los ritmos, la composición y las melodías junto a una producción impecable, convirtió a este primer disco en uno de los mejores considerados del genero progresivo en el año 1973.
En este primer álbum destacaban la progresiva "Upon Tomorrow", el hard rock "Strangeher", la heavy prog "Gorgon" o la hipnótica "Dark House".
Un año después se publicaría "Living In Fear", en donde la banda se había reducido a trio, al haber abandonado Holdsworth y Williams, completando el grupo el guitarrista y teclista Ollie Halsall. Este segundo trabajo sin llegar a las excelencias del anterior mantenía un estilo continuista de gran nivel, con destacados temas como "Stargazer", “Dance To My Tune", "Waiting For a Miracle” o "Time Around", todas ellas grandes ejercicios de poderosos rock progresivo.

High Tide-She Shanties (1969)

Casi a finales de los sesenta, el proto-metal encontraría un hueco entre el brillo del pop de The Beatles, la acústica del folk, rock psicodélico y los estándares de una filosofía musical que empezaba su repentina disolución de las reglas establecidas hasta entonces. De repente parte de la música se torno mas oscura, mas afilada, mas densa, rompiendo las costuras y al mismo tiempo, la música se convertía en un arma peligrosa para quienes establecían esas reglas.
Tomando la psicodélica de The Doors, pero remplazando el órgano imperante en su sonido, por el violín con unas abrasadoras guitarras y una esquizofrénica voz al mas puro estilo Jim Morrison, High Tides se adelantaron a todos con un rock tan pesado como contundente con su primer y mítico álbum "She Shanties" (1969), un clásico absoluto de la psicodelia y el proto-metal oscuro cargado de sonidos progresivos.
Con este álbum, High Tide desataron una brutal cacofonía empezando por la densa metáfora "Futilist Lament", las furiosas guitarras se tornan devastadoramente pesadas en una vorágine en donde el violín suena tan cortante que incluso amputa la respiración. Por los mismos derroteros sigue "Death Warmed Up", mientras el tiempo se detiene en "Pushed, But Not Forgotten", dando un respiro a este caos sonoro. En "Walking Down Their Outlook", se evocan los sonidos psicodélicos de Jim Morrison y su banda, la cual dan paso a la épica "Missing Out", con su distorsionada melodía entre bajo, guitarra y violín y "Dilemma", que cierra el disco con unos acelerados sonidos de violín, una guitarras crudas y un visceral ritmo que conducen a unos sonidos mas progresivos.
"She Shanties" no es un álbum apto para todas las mentes, solo aquellas que son fanáticos de la mas dura psicodélica, mezclado con poderosos, oscuros, densos y distorsionados riffs de guitarras y violín con el blues y el metal progresivo. 

Roger Waters-Amused To Death (1992)

Para lo que resultó ser su último álbum de estudio en solitario, Roger Waters compuso un álbum conceptual complejo (y a menudo algo confuso), llamado “Amused to Death”. El título proviene de un libro del autor Neil Postman, que exploró la historia de los medios de comunicación y el concepto turbio de unos extraterrestres que llegan después de la extinción de los humanos y encuentran todos nuestros esqueletos sentados alrededor de los televisores y tratando de averiguar el por qué, ¿fue que acaso nuestro final llegó antes de tiempo?. Finalmente llegan a la conclusión de que “nos divertimos hasta la muerte”. Si bien el álbum sigue un mismo concepto de narrativa y musical de los dos trabajos en solitario anteriores, este sin embargo parece ser el más directamente influenciado por ese material de la antigua banda de Waters, Pink Floyd. De hecho, parece haber una conexión indirecta a piezas tan emblemáticas como "Take Up Thy Stethoscope and Walk", "Echoes" y "Shine On You Crazy Diamond".
Líricamente, el álbum está lleno de odio sobre una gran variedad de temas, desde el capitalismo hasta los Estados Unidos, desde la religión, hasta la guerra, o desde la televisión, a personajes como Stanley Kubrick o Andrew Lloyd Weber. Waters hace claros énfasis sobre estos temas variados, con un mejor uso del sarcasmo en estos casos. También aplica el relativismo moral a los "alemanes que matan a los judíos" y los "judíos que matan a los árabes". Pero la mayor ofensa puede ser el mero hecho de que gran parte del material lírico parece anticuado e irrelevante, a diferencia de los temas que trato en el pasado que parecen atemporales y relevantes para cualquier época. Tomemos el ejemplo de Waters insistiendo en los hábitos televisivos desde su perspectiva en los albores de la era de Internet. Y es que futurista, el Sr. Waters precisamente aquí, no lo fue.
Por el contrario el álbum es excelente musicalmente. Waters reclutó al legendario guitarrista Jeff Beck para tocar la guitarra principal y una gran cantidad de talentos para fortalecer el apoyo musical y vocal adicional; Michael Kamen, Randy Jackson, Steve Lukather, Jeff Porcaro, Don Henley, Rita Coolidge, Andy Fairweather Low, P.P.Arnold o Patrick Leonard entre otros muchos.
 “Amused to Death” se mezclo en QSound, un sonido envolvente virtual, que mejoraba la sensación espacial del audio junto con los diversos efectos de sonido esparcidos por todo el álbum. La calidad de la producción de Waters, Nick Griffiths y Patrick Leonard es simplemente excelente y hace que este álbum valga la pena para cualquier audiófolo, "The Ballad of Bill Hubbard" comienza el álbum con una historia hablada de la desesperación de tratar de salvar a un compañero en la primera línea de batalla durante la Primera Guerra Mundial, recitado en primera persona por Alf Razell, después de algunos motivos introductorios de guitarra al estilo de David Gilmour por parte de Jeff Beck, quien continúa agregando solos incluso después de que comience el recital. La canción cambia de canal abruptamente hacia la alegre y funky "What God Wants, Part I", el primer sencillo del álbum, prohibido por la BBC debido a sus letras controvertidas, impulsado por el bajo de Randy Jackson, escuchamos la voz de Waters por primera vez en esta canción y está bastante claro que su voz es muy áspera y cortante. "Perfect Sense, Part I", contiene un hermoso piano cambiante y la voz principal de Waters y de la cantante de soul P.P. Arnold, mientras que “Perfect Sense, Part II”, contiene una secuencia en la que el comentarista deportivo Marv Albert, simula oscuramente un ataque con misiles nucleares como un evento deportivo. “The Bravery of Being Out of Range”, es musicalmente la mejor canción del álbum, con un fuerte arreglo de rock progresiva de acordes interesantes.
El álbum vuelve a normalizarse con “Late Home Tonight”, con algunas cuerdas interesantes y guitarras acústicas que acompañan a Waters hablando antes de que la calma se rompa con el sonido de una gran explosión. "Too Much Rope" presenta al guitarrista Andy Fairweather Low, quien ya había participado en el anterior álbum de estudio de Waters, “Radio K.A.O.S”, así como muchos tours en vivo. “Watching TV” está arreglado como una canción country folk acústica despreocupada con el tema lírico muy oscuro de la masacre de Tienanmen Square, mientras Waters canta sobre su rosa amarilla y su ropa manchada de sangre, Don Henley luego secunda la voz principal de la canción.
El álbum concluye con tres piezas extendidas, que muchos consideran el clímax del álbum. "It's a Miracle", la que tiene un contenido muy sarcástico, con una composición ajustada y una melodía pegadiza, destacando la sátira muy aguda de Waters con letras punzantes, “Three Wishes” es una canción más personal, una cualidad evidente en los trabajos anteriores de Waters, con música de calidad y letras tristes. Mientras el título de cierre, "Amused to Death", es un ejercicio de nueve minutos de cinismo y sarcasmo, con un toque de esperanza al final. El tema cierra el círculo cuando se sepulta y se conmemora a Bill Hubbard.
Waters no quiso hacer ningún tour en apoyo de “Amused to Death” y algunas de las canciones del álbum se interpretaron en las futuras giras de Waters.

HSAS-Through The Fire (1984)

Casi a mediados de los ochenta, el guitarrista de Journey, Neal Schon, se unió al guitarrista y cantante Sammy Hagar para trabajar en un nuevo proyecto, el primero paralelamente a su banda y el segundo a su carrera en solitario.
Tras reclutar al baterista Michael Shrieve que había trabajado en bandas como Santana o Trapeze y al bajista Kenny Aaroson ex Rick Derringer Band, complementaron un grupo al que nombraron con las iniciales de los apellidos de todos sus componentes; HSAS.
Después de un tiempo escribiendo y ensayando nuevas canciones, actúan en varias ocasiones en salas de conciertos de San Francisco, grabando parte de esas actuaciones para su posterior publicación.
Finalmente Geffen Records se encargaría de publicar dicho material pero con sutiles retoques eliminando el sonido ambiental para que pareciera un disco de estudio.
Ese dato no fue impedimento para que "Through The Fire" fuera considerado un gran disco con un título tan apropiado como significativo.
El riff monolítico del comercial "Top of the Rock" el AOR "Missing You", las zepelíanas "Animation" o "Valley of the Kinks" o el rítmico "My Home Town" ponen el broche de oro a un disco magistral que ha pasado desapercibido a pesar de la incuestionable calidad del mismo y de sus ilustres componentes.

Methuselah-Matthew, Mark, Luke And John (1969)

Esta efímera banda británica solo publicaron un álbum “Matthew, Mark Luke And John”, el cual y pese a contener grandes momentos no tuvo ni la mas mínima repercusión comercial e incluso el sello Elektra solo lo publico en los Estados Unidos, desechando hacerlo en el país de origen de la banda. Pese a este titulo tan bíblico muchos se preguntaron en su momento que tenia que ver su música con el cristianismo, aparte de las referencias a los nombres de algunas de las canciones y poco mas. El cantante John Gladwin escribió y compuso la mayor parte del material de este álbum dotándolo con un sonido que nos recuerdan a los Fairport Convention mas primitivos y duros, mezclando folk tradicional británico con el blues y las influencias psicodélicas de la costa oeste. Es sin duda la vibrante y ardiente "High in the Tower of Coombie", con ciertos aires medievales, la excelente "Fireball Woman", una balada triste y funesta, o la jazzistica “Frere Jaques”, lo mas destacado de un álbum a rescatar.
Methuselah se disolvió poco después, y Gladwin y el guitarrista rítmico Terry Wincott se marcharon para formar el grupo de folk medieval Amazing Blondel, que perduró hasta bien entrado el siglo XXI.

Leonard Cohen-I´m Your Man (1988)

El Leonard Cohen de los 70 fue un cantante muy particular y diferente a lo establecido políticamente, su estilo destacaba y se alejaba de las tendencias pop y rock de la época con propuestas únicas y originales. El día de la Marmota (2 de febrero de 1988), Leonard Cohen trazó la bifurcación definitiva en su camino hacia la inmortalidad creativa,  alcanzando su máximo esplendor y finalmente su mayor éxito comercial con el disco "I´m Your Man”, trabajo que llevó a muchos a descubrir un nuevo Leonard Cohen que, que de todos modos no abandonó sus viejas propuestas. Y aunque Cohen había estado experimentando con arreglos más complejos para sus oscuras canciones folk antes de este álbum con “Death of a Ladies´Man” de 1977, producido por Phil Spector, y en “Various Positions “de 1984, el cambio dinámico en el sonido, alcanzaba la mayoría de edad con esta nueva obra, en donde un cambio hacia el synthpop, marcó una dirección significativa en el enfoque que comenzó a tomar cuerpo en sus composiciones después de descubrir los sonidos de los teclados mas modernos de la década de los 80. Era algo que ya había introducido en los aspectos más destacados de “Various Positions” pero que sin embargo en “I'm Your Man”, los empapó en sus sentimientos con esos tonos digitales que contrastaban con la crudeza de clásicos tan tempranos como “Songs of Leonard Cohen” y “Songs From A Room”.
Compuesto por ocho canciones que estaban llenas de romance y humor con solo un toque de maldad, su tema más memorable, es la profética "Everybody Knows", que sirvió como tema de apertura de la transmisión canalla de la personalidad en la radio pirata encubierta de Christian Slater, en “Pump Up the Volume” de 1990. El disco contenía algunas canciones que se convirtieron en éxitos de tremendo impacto comercial y que pasaron inmediatamente a estar entre las mejores de Cohen.
En una encuesta de la revista Rolling Stone de las diez mejores canciones del cantante canadiense en toda su carrera, tres pertenecen a este soberbio álbum, "I'm your man", "Tower of song" y "Everybody knows".
 

Gordon Giltrap-The Peacock Party (1979)

Gordon Giltrap es uno de los mas reconocidos interpretes de la guitarra acústica con un estilo orientado hacia el folk rock, y que junto a contemporáneos como Bert Jansch o John Renbourn son leyenda en el folk británico. Nacido en 1948 en Brenchley en el condado de Kent en Inglaterra, comenzó su andadura musical en 1968, y que bajo su propio nombre o como parte de notables colaboraciones tiene tras de si un vasto catalogo de grabaciones. A mediados de los 70 Giltrap publicaría sus álbumes mas reconocidos al mismo tiempo que los mas progresivos de su carrera  “Visionary” (1976), “Perilous Journey” (1977) y “Fear Of The Dark” (1978), catalogada como la trilogía progresiva del músico. En 1979 llegaría "The Peacock Party", inspirado en las obras del artista y diseñador Alan Aldridge, conocido por su libro "The Butterfly Ball And The Grasshopper Feast", del cual Roger Glover hizo su particular opera rock y que hace algún tiempo fue comentado en este mismo blog. Además Aldridge es famoso por sus portadas de álbumes de la música pop y rock como  "Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy" de Elton John o "A Quick One" de The Who, y también fue el responsable del logo del Hard Rock Café.
Para cuando se publico "The Peacock Party", el principal reto que afrontaría Giltrap después de la trilogía mencionada, era estar a su misma altura y a pesar de ello continuo apostando por los sonidos progresivos y eléctricos con los que impregnaba sus canciones de carácter marcadamente de folk acústico, siguiendo el paralelismo de lo que hacían músicos como Mike Oldfield o Anthony Phillips.
Un álbum que con un cierto ambiente jovial y sin dejar de recurrir a la música tradicional inglesa con sutiles acercamientos a la medieval, consigue un trabajo fantástico empezando por la feroz "Headwind-The Eagle" en donde la banda compuesta por Rod Edwards (teclados), John Etheridge (guitarra eléctrica), John Gustafson (bajo) y Ian Mosley (batería), nos acercan a los sonidos jazz progresivo de la época, contrastando con ella "Magpie Rag" es una alegre composición danzante, la cautivadora "Tailor Bird" es una bella canción con innumerables arreglos, mientras la emocionante "Black Rose-The Raven", cobra una singular vida gracias a la guitarra de 12 cuerdas de Giltrap y los teclados y flautas de Rod Edwards o "Dodo Dreams", una pieza antológica interpretada en solitario y que va en crescendo con una estructura básica de acordes melódicos antes de agregar capas de elegantes líneas de guitarra, saxo y teclados.

Pete Brown And Piblokto!-Things May Come And Things May Go, But The Art School Dance Goes On Forever (1970)

Este es uno de los mejores ejemplos del espíritu creativo de la música de los años 60. Peter Brown es conocido por ser un asiduo colaborador de Jack Bruce, con el que comparte la autoría de grandes temas como "White Room" o "I Feel Free" de Cream. Además Brown fue famoso por ser un poeta muy creativo en la escena beat británica y uno de los personajes mas importantes en el negocio musical europeo durante años. Después de abandonar su primera banda, The Battered Ornaments por discrepancias con otro grande de la escena del rock británico como es Chris Speeding, formo Piblokto! en 1970, cuyo primer álbum tiene uno de los títulos mas largos en la historia del rock "Things May Come And Things May Go, But The Art School Dance Goes On Forever". Su banda estaba formada por Rob Tait a la batería, Roger Bunn al bajo, Dave Thompson a los teclados y saxo y Jim Mullen a la guitarra, mientras Peter Brown lleva las riendas como  vocalista.
La facilidad con el lenguaje y las imágenes ingeniosas y surrealistas son la inspiración para una colección de canciones que navegan entre el jazz y el rock, entre el rhythm and blues y las melodías pop, todo ello enriquecido por las letras poéticas de Brown. Un disco que es considerado uno de los mejores de la era progresiva underground en las islas británicas.

Utopia-Ra (1977)

“Ra” fue segundo álbum de Utopia, la banda liderada por Todd Rundgren.

Publicado en 1977, es una obra realmente impresionante, en donde el space rock, el rock progresivo y la sensibilidad pop van juntas de la mano.
Para aquel entonces la banda se había reducido a cuatro componentes; además de Rundgren que se hacia cargo de las guitarras, estaban Roger Powell a los teclados, Kasim Sulton al bajo y John Wilcox a la batería y los cuatro ejercían de vocalistas según las exigencias de cada tema.
Si ya en el álbum debut la banda había experimentado los sonidos cercanos al jazz progresivo de alto nivel con suites de 30 minutos, demostrando la gran habilidad como ingeniero de grabación de Rundgren, aquí el sonido es mas ecléctico y variado con ricos matices sonoros.
Con un comienzo aplastante como la pretenciosa instrumental “Overture: Mountaintop And Sunrise” que enlaza con la rítmica “Communion With The Sun”, en donde destacan las melodías vocales, los teclados y los arabescos solos de Rundgren. “Magic Dragon Theatre”, nos deja el gusto de la banda por el pop pomposo con aires al glam de la época y que es continuada por la poderosa pop rock “Jealousy”, mientras “Eternal Love” es un tema que se acerca al pop sinfónico, "Sunburst Finish” y “Hiroshima” son los temas mas potentes y viscerales del álbum, acabando con la suite “Singring And The Glass Guitar (An Electrified)", en donde hay cabida para el lucimiento de todos los integrantes de la banda, con bellas armonías vocales y unos endiablados cambios de ritmo complejos, demostrando el virtuosismo de todos los músicos. En los siguientes meses la banda presentaba este álbum en vivo en un alarde de sofisticación con una enorme pirámide en el escenario de 7 metros de altura y una gran esfinge dorada que requirió 18 meses de preparación y unos 250 mil dólares de coste.

Coven-Witchcraft (Destroys Minds And Reaps Souls) (1969)

Pioneros en usar los elementos del aquelarre en la música rock, Coven usaron la imaginería satánica antes que bandas como Black Sabbath o Black Widow. Pero, si para estos últimos aquella temática era solo un elemento teatral, para Coven era su filosofía y su modo de vida real, incluso usaron su propia sangre para firmar su primer contrato con Mercury Records. Y aunque parezca las típicas estupideces de tres jóvenes, lo cierto es que la imagen satánica y ocultista de este grupo fue mucho mas allá de lo que en un principio parece a simple vista.
A ellos ya se les atribuía las imágenes de las manos con los cuernos (esa que tan celebre hizo Ronnie James Dio una década después), así como los símbolos satánicos de la cruz invertida.
Una banda que antes de publicar su primer trabajo ya habían participado en diferentes conciertos abriendo para Alice Cooper o The Yardbirds. Su primer álbum "Witchcraft (Destroys Minds And Reaps Souls)", fue publicado en 1969, casi al mismo tiempo que ocurriría el asesinato de la mujer de Román Polanski y varias personas mas a manos de los miembros de la secta de Charles Manson. Esto supuso el rechazo del disco por muchos sectores de la sociedad norteamericana.
Un álbum que contiene temas como la inicial "Black Sabbath", de sonidos y ambientes oscuros, con acercamientos al folk psicodélico, "White Wich Of Rose Hall" es una macabra historia real sobre una mansión en donde ocurrían ritos vudú, mientras en "Coven In Charing Cross" el ambiente ocultista sigue presente, pero es sin duda la extraña "Satanic Mass", con sus referencias demoniacas y sus cánticos y rezos a modo de dialogo la que mas llama la atención de este disco.
"Witchcraft (Destroys Minds And Reaps Souls", es sin duda uno de los trabajos mas interesantes de finales de los 60, tal vez mas por su temática que por su música en si, pero con una irrepetible creatividad y experimentación.

Arthur Lee-Vindicator (1972)

Después de seis álbumes con su banda Love, en 1972 su líder Arthur Lee, completamente frustrado, disolvió el grupo y comenzó una carrera en solitario que resultaría corta y desapercibida.
Sin embargo su único álbum en solitario, "Vindicator", publicado ese mismo año de 1972 por el sello A&M Records, sorprendido a propios y extraños por alejarse radicalmente del estilo frágil y melódico de su banda. En este álbum Lee se orienta hacia un rock duro y descarnado con acercamientos al rock psicodélico al estilo de Jimi Hendrix como queda demostrado en temas como "Sad Song”, "Love Jumped Through My Window", o "Everytime I Look Up I´m Down Or White Dog", además de realizar el magnifico blues rock "You Want Change For You Re-Run" o la melódica "Everybody´s Gotta Live", una de sus composiciones mas recordadas o la genial "Busted Feet", en donde llega a canalizar sus habilidades hacia el estilo de Hendrix tanto vocal como instrumentalmente, con unos riffs de blues sobresalientes y perfectos.
Lamentablemente este álbum pasaría totalmente desapercibido hundiéndose sin dejar rastro, por lo que algún tiempo después Lee volvería resucitar a sus Love con un nuevo trabajo titulado irónicamente "False Start" (1974).

Howlin´Wolf-Rockin´ Chair (1962)

Si hay un músico que inspiro a casi todas las grandes bandas de los sesenta fue Howlin´Wolf, un espectacular cantante, guitarrista y armonicista del blues y uno de los mas admirados bluesman de la historia.
Chester Arthur Burnett (ese era su nombre real), había nacido en West Point en Mississippi en 1910, era un tipo de mirada pétrea que pesaba 130 kilos y medía casi dos metros, hijo de plantadores de algodón, trabajaría de granjero hasta finales de la década de los años 30, cuando se decide emigrar a Chicago en la década de los 40. Después de servir en el ejercito durante la Segunda Guerra Mundial, formaría su propia banda de blues y algún tiempo después incluso actuaría asiduamente en una radio de West Memphis de Arkansas.
En 1962 publicaría el álbum "Rockin´Chair", considerado una de las Biblias del blues y es que Wolf fue un genuino cantante y un creador infatigable, que con su rudo blues forjo un expositor de rabia y vitalidad. A través de su voz, dura e hipnótica, Wolf escupía toda la ira y sus miedos, todo lo que vivió en su época de trabajador del campo en los parajes del sur de los Estados Unidos.
Su música era una sincera expresión, capaz de transmitir todos los sentimientos, y su blues era la exacta medida de si mismo. De ahí el inmenso poder y la fuerza de su música, de un bluesman indestructible y que ha dejado huella tan profunda como perdurable.
Su legado ha quedado marcado en cientos de bandas, desde Led Zeppelin, hasta los Rolling Stones, pasando por The Doors, Grateful Dead, Cream, Creedence y un largo etcétera  
En “Rockin´Chair”, Howlin Wolf hace un repaso a parte de sus grandes clásicos como “Spoonful”, “Black Door Man”, “The Red Rooster”, “Whos Been Talking?”, “Wang Dang Doodle”, “Little Baby”, “Going´Down Slow” o “Howlin´For My Darlin´”, todos ellos versionados hasta la saciedad por multitud de artistas durante los últimos 60 años.

Reo Speedwagon-You Can Tune A Piano, But You Can´t Tuna Fish (1978)

A diferencia de las bandas de AOR que triunfaron de la mitad de los setenta hacia adelante, como Boston, Foreigner o Journey, y que bien entrado los ochenta tenían una discográfica relativamente corta, Reo Speedwagon ya llevaban tras de si, siete álbumes desde que lanzaran su primer disco en 1971 y no seria hasta casi 10 años después cuando alcanzaran el éxito definitivo.
Desde sus inicios Reo Speedwagon se habían movido entre el rock americano con dosis de hard rock y algún guiño al rock progresivo con grandes habilidades para crear medios tiempos y poderosas baladas como queda demostrado ya desde su primer trabajo de 1971 con la balada "Five Men Were Killed Today", álbum que incluso se acerca a los sonidos progresivos con el tema "Dead At Last".
Los siguientes lanzamientos "T.W.O." (1972), "Ridin´The Storm Out" (1973), "Lost In a Dream" (1974), "This Time We Mean It" (1975) y "R.E.O." (1976), mantendrían la tónica evolutiva del grupo en donde facturarían soberbias canciones como "Being Kind", "Ridin´The Storm Out", "Lost In A Dream", "Keep Pushin´" o "Lightning".
En 1978 llegaría "You Can Tune A Piano, But You Can´t Tuna Fish", en donde la banda imprime mas dureza a sus composiciones y que supone el equilibrio perfecto entre las dulces melodías vocales, las poderosas guitarras y los envolventes teclados. Con un repertorio mas solido se van sucediendo los temas como los rock melódicos "Roll With The Changes" o "Say You Love Me Or Say Goodnight", que junto a las acústicas "Time For Me To Fly", "Blazin´Your Own Trail Again" o "Sign To Me" dejan claro ese equilibrio de manera sobresaliente.
Dos años después llegaría el monumental "Hi Infedelity" (1980), que los encumbraría teniendo su época de gloria, al menos durante la primera parte de la década de los ochenta.

Bill Bruford-One Of A Kind (1979)

El historial de Bill Bruford en la década de 1970 fue impresionante; batería de los míticos Yes, King Crimson y U.K., tocando en una decena de discos, además de haber participado en álbumes de Rick Wakeman, Steve Howe, Chris Squire, Roy Harper o Absolute Elsewhere entre otros.
Nacido en 1947 en Kent al sureste de Inglaterra, sus orígenes en el mundo de la música se remontan a principios de los sesenta cuando influenciado por los grandes baterías del jazz como Art Blakey o Max Roach, decidió dedicarse profesionalmente al mundo del jazz y el rock, siendo incluso instruido para ampliar sus conocimientos y sus dotes instrumentales por el percusionista Lou Pocock, miembro de la Royal Philarmonica de Londres.
Su primera banda fue un cuarteto de jazz llamado The Breed con los que estuvo tocando en diferentes clubs de jazz de 1966 a 1967. Un año después pasaría a engrosar la primera formación de Yes con los que grabaría los álbumes “Yes” (1969), “Time and Word” (1970), “The Yes Album” (1971), “Fragile” (1971) y “Close to the Edge” (1972), además de aparecer en el triple en directo “Yessongs” (1973). Justo después del mencionado “Close to the Edge”, recibe la llamada de Robert Fripp para unirse a los King Crimson con los que grabaría cuatro álbumes hasta 1975; “Lark´s Tongues in Aspic” (1973), “Starless and Bible Black” (1974), “Red” (1974) y “USA” (1975), reiniciando su aventura con los King Crimson años después con una serie de discos en la década de los ochenta y noventa, al igual que haría con Yes.
Aún así tuvo tiempo de publicar varios discos en solitario, "One Of A Kind" editado en 1979 fue su segundo trabajo donde contó con las colaboraciones de Allan Holdsworth a la guitarra, Dave Stewart a los teclados y Jeff Berlin al bajo.
El talento de todos estos músicos, las melodías variables y los solos de teclado de Dave Stewart, junto con la sensacional guitarra de Holdsworth bien apoyada por la sección rítmica de Bruford y Berlin, conforman una colección de piezas progresivas aderezadas con mucha experimentación jazzística, con un resultado magnífico entre el jazz rock y rock progresivo.

Amon Düül II-Yeti (1970)

Originados a partir de la comuna hippie alemana llamada Amon Düül, ellos profesaban las protestas políticas, la música y las artes plásticas. De esta especie de “organizacion” pacifica, surgieron dos de las bandas germinales del krautrock, Amon Düül y Amon Düül II, siendo la segunda la que mas creatividad tuvo, llamando desde un primer momento la atención del publico y la prensa de su país, gracias al gran derroche musical que exponían.
"Yeti" fue el segundo álbum de Amon Düül II y probablemente su mejor trabajo, un disco donde predominan los temas largos y la improvisación, con ello cumplían así una de las características de esta etapa temprana del rock alemán. En parte esta tendencia a la improvisación era como una forma de 'atacar' al establishment musical anglosajón. Sin embargo en álbumes posteriores abandonarían por completo esta tendencia. El misticismo predomina sobre todo, en sus dos primeros álbumes: "Phallus Dei" y "Yeti". Este último es un trabajo imprescindible para todos los amantes del rock progresivo. Música complicada, temas místicos (aunque alejado del estilo de Popol Vuh) y bastante oscuros en sus letras y en su música que se combinan para dar lugar a este disco, considerado una obra maestra del krautrock.
“Yeti” supone la lógica progresión natural de su debut “Phallus Dei”, mejorando musicalmente sus estructuras, concebido como un doble álbum, el primer disco estaba basado en canciones simples mientras que el segundo contenía improvisados temas, todo ello envuelto en una especie de concepto. Algunos de los temas aparecidos aquí se convirtieron en elementos básicos en sus conciertos en los próximos años, con una amalgama fusión de blues, rock acido, opera, raga, música psicodélica y folk, todo ello aderezado con un toque humorístico casi medieval.

Little Feat-Sailin´ Shoes (1972)

Originarios de Burbank en California, Little Feat ha sido una de las más grandes bandas de rock norteamericanas de los setenta por su técnica, inventiva, vitalidad, inspiración y sonoridad. Su secreto residía en el surrealismo bizarro, a veces desgarrado de sus letras irónicas y con gusto por el sinsentido, y en su sonido, una síntesis particular.
Liderado por Lowell George, un personaje de gran carisma que comenzó su carrera en Los Ángeles tocando para varios grupos, entre ellos Standells y Factory, para posteriormente pasar a formar parte de Mothers of Invention de Frank Zappa.
Tras dejar la banda de Frank Zappa y junto al bajista de la misma banda, Roy Estrada fundaría Little Feat, además del baterista Richard Hayward y el pianista Bill Payne.
El grupo actuaría durante algún tiempo en Los Ángeles y en Houston, atrayendo rápidamente la atención del público, en parte gracias a la gran reputación de Lowell George.
La música de Little Feat es densa y cuidada, una síntesis original de blues, boogie, country, gospel, rhythm and blues de Nueva Orleans y Memphis y ecos del rock californiano.
Su consagración definitiva vendría con su segundo disco "Sailin´Shoes", un magnífico disco que contiene el angustiado "Trouble", el boogie-country "Tripe Face Boogie", el country blues "A Apocalitical Blues" y "Willin´", una de las clásicas folk del grupo. Este álbum elogiado con entusiasmo por la prensa especializada y especialmente por la revista Rolling Stone, cuenta con la colaboración del estudio gráfico Neon Park, que ilustraría todas sus portadas con una extravagante imaginación popular.