Porcupine Tree-In Absentia (2002)

Con el séptimo álbum de Porcupine Tree, “In Absentia”, la banda liderada por Steven Wilson, no solo conseguía su mejor obra, si no también el punto culminante a la creatividad del genial compositor, cantante y guitarrista, sin duda uno de los músicos mas geniales de las ultimas dos décadas.
Si durante gran parte de los noventa, la banda se fue labrando una gran reputación entre la comunidad progresiva con álbumes tan enormes como “The Sky Moves Sideways”, “Signify” o “ Stupid Dreams”, en los cuales mantienen esos sonidos progresivos que los caracteriza, pero fusionados con diferentes matices y sonidos mas comerciales, en “In Absentia” consiguen de manera racional, fusionar los elementos psicodélicos y el prog con la potencia del heavy metal como queda demostrado en la inicial “Blackest Eyes”. El resto del álbum se mueve eclécticamente en distintas variaciones estilísticas, con composiciones complejas a la par que otras mas sencillas pero tremendamente adictivas, demostrado en piezas como “Trains”, “Prodigal” o “Strip The Soul”, mientras la vena hard progresiva están muy presentes en cortes como “Gravity Eyelids” o “Weeding Nails”, en ejercicios oscuros y poderosos como “ The Creator Has A Mastertape” o exquisiteces como “Heartattack In A Layby” o “Collapse The Light Into Earth”.
“In Absentia” se ha convertido en una de las obras fundamentales del nuevo siglo, no solo por contener unas memorables composiciones, si no también por la soberbia ejecución instrumental por parte de cada miembro de la banda, además de una producción impecable por parte del propio Steven Wilson.

Lou Reed-Rock´n´Roll Animal (1974)

En 1972 la figura de David Bowie aparecía en la carrera de Lou Reed y con el una de sus grandes influencias. El cantante británico instigo a Reed a acentuar sus textos y en sus actuaciones los comportamientos ambiguos y provocativos, facetas muy característicos de la factoría Andy Warhol, de la cual Lou Reed provenía.
Si hasta ese momento el músico neyorkino era uno de los percusores en poner en relieve los aspectos negativos e inquietantes de la subcultura juvenil, con la aparición de Bowie, se fue gradualmente convirtiendo en un andrógino personaje, apareciendo en el escenario con los ojos y labios pintados de negro y vistiendo trajes de terciopelo negro, adornados con falsos brillantes. Ya en su álbum “Transformer” (1972), introduce deliberadamente los temas de la homosexualidad y el travestismo, con los que Reed había mantenido hasta esos momentos las distancias a base de ironía y teatralidad, pero que de la noche a la mañana parecía identificarse. La colaboración de Bowie y Mick Ronson en las labores de producción, además de participar en la grabación del álbum, dio un gran impulso, coherencia y equilibrio a un trabajo que contenía arrebatadoras canciones como “Walk On The Wild Side”, “Vicious”, “Make Up” o “Satellite Of Love”.
Gracias a este Lp Lou Reed se convertía por fin en una estrella del rock, sin embargo su afianzamiento en la cúspide se vio truncada por su siguiente trabajo “Berlin” (1973), el cual fue producido por Bob Ezrin y contaría con un plantel antológico de músicos, entre los que estaban Steve Winwood, Michael Brecker, Aynsley Dunbar, Steve Hunter, Dick Wagner o Jack Bruce entre otros. Sin embargo este álbum fue despreciado por la prensa y perdió el interés del publico, motivado sin duda por una extraña música que alterna episodios orquestales muy intensos, con otros fragmentos de guitarra acústica y sonidos rock de manera desigual, suscitando las comparaciones con el primero de Velvet Underground.
Disgustado por esa mala recepción, Lou Reed conformo una banda de rock poderoso y contundente, en donde estaban los guitarristas Wagner y Hunter, mas el bajista Prakash John, el batería Pentti Glan, y el teclista Ray Colcord y publicaría los vigorosos y envolventes directos “Rock´n´Roll Animal” (1974) y “Lou Reed Live” (1975) en donde hacia un repaso en clave de casi hard rock de sus clásicos temas; “Sweet Jane”, “Heroin”, “Lady Day”, “Vicious” o “Walk On The Wild Side”, ambos discos, memorables documentos sonoros de la mejor época, al mismo tiempo que la mas convulsa del músico norteamericano.

Allan Holdsworth-Metal Fatigue (1985)

Allan Holdsworth esta considerado uno de los grandes guitarristas de la historia, sin embargo al mismo tempo es injustamente desconocido por gran parte de la comunidad rock. Sus comienzos en la década de los 70 le llevaría a participar como miembro de bandas tan emblemáticas como Tempest, U.K., Gong, Soft Machine o la banda de Jean Luc Ponty, además de múltiples colaboraciones en álbumes de artistas de gran renombre como Stanley Clarke, Jack Bruce, Carl Verheyen o John Wetton entre otros muchos. Ya en 1976 publicaría su primer trabajo en solitario “Velvet Darkness”, en donde ya mostraba su técnica al servicio del jazz progresivo. Con su segundo trabajo "I.O.U." de algunos años después, Holdsworth creaba una obra con un sonido impredecible y sorprendente repleto de una vasta variedad de complejas progresiones, acordes y escalas tonales atípicas.
En 1983 llegaba este “Metal Fatigue”, considerada una de las mejores obras del jazz rock de la década de los ochenta, en donde demostraba su excepcional dominio con la guitarra, logrando con este disco ir un poco mas lejos de los géneros y estilos, mezclando un album orientado hacia lo instrumental pero con voz en sus canciones.
“Metal Fatigue” contiene seis excelentes composiciones que están entre el limite del rock y del jazz, interpretadas de manera brillante no solo por el genial guitarrista, si no también por los músicos que le acompañan en esta grabación, empezando por el baterista Chad Wackerman, los bajistas Jimmy Johnson y Gary Willis, los vocalistas Paul Williams y Paul Korda y el teclista Alan Pasqua.
Temas impecablemente interpretados como las soberbias jazz rock “Devil Take The Hindmost”, “Home” y “Metal Fatigue” o ejercicios de virtuosismo como “The Un-Merry Go Round” o las mas accesibles “Panic Station” y “In The Mystery”, conforman un álbum ciertamente excelente de jazz rock, de una musicalidad absolutamente fantástica y una ejecución instrumental impecable.

Blind Guardian-Nightfall In Middle-Earth (1998)

El octavo álbum de los alemanes Blind Guardian significo el punto mas alto de su creatividad, al mismo tiempo que su disco menos accesible y el mas progresivo. Basado en el libro J.R.R. Tolkien, “El Silmarillion”, Blind Guardian se embarcaron en su mas ambicioso trabajo, repleto de armonías vocales y múltiples capas de guitarras con sonidos densos y complejos.
Para cuando grabaron este álbum, la banda llevaba tres años sin publicar ningún material nuevo, años en los que los habían ocupado en diferentes tours mundiales de enorme éxito en donde ya interpretaban complejas canciones de sus álbumes “Somewhere Far Beyond” o “Imaginations From The Other Side”, discos que sin ser claramente conceptuales, si siguen un patrón parecido con acercamientos al progresivo, si no tanto musicalmente hablando, si de manera estilística.
“Nightfall In Meddle-Earth” es un álbum de principio a fin emocionante, con grandes intros, unas sobresalientes composiciones épicas y con un claro regusto hacia la opera rock, con partes narradas, infinidad de coros y una instrumentación sublime compuesto por 22 temas, de las que la mitad son canciones y el resto interludios narrados o instrumentales.

Led Zeppelin-Led Zeppelin IV (1971)

"Led Zeppelin IV" es el álbum definitivo de Led Zeppelin, el que define toda la amalgama de influencias de la banda, desde el blues hasta el hard rock, pasando por el folk, el rock and roll y los sonidos psicodélicos. Es además el álbum mas aclamado por la prensa especializada, por todas las generaciones rockeras y uno de los mas influyentes en cientos de bandas posteriores.
Si hasta ese momento Led Zeppelin habían revestido su poderoso rock con el blues y el folk, en esta ocasión la banda se rodea de cierto misticismo, que ya desde su icónica y enigmática portada, en donde ni aparece el nombre de la banda ni su titulo, presagia lo que sus surcos contienen en el interior.
Pese al enorme y monumental éxito de este álbum, no deja de ser paradójico que para muchos sea solo el conocido por albergar la mítica “Stairway To Heaven”, olvidándose que además de ello esta conformado de una colección de temas sobresalientes y apoteósicos, empezando por la contagiosa y enérgica “Black Dog”, a la que sigue la icónica “Rock and Roll”, y la épica y acústica “The Battle Of Evermore”. Para finalizar la primera cara del álbum nos encontramos la pieza mas emblemática de la historia del hard rock, “Stairway To Heaven”, que mas allá de su supuesto mensaje oculto y satánico, es sin duda la obra cumbre de Led Zeppelin, con ese comienzo suave y acústico que a medida que va avanzando se convierte en un verdadero clímax eléctrico y enloquecido de hard rock.
La segunda cara comienza con la vigorosa “Misty Mountain Hop”, para continuar con la mística “Four Sticks”, la preciosista balada “Going To California” y la oscura y cruda blues rock “When The Levee Breaks”, con la cual dan por finalizada la obra mas monumental de Led Zeppelin, la que hasta el día de hoy nadie ha superado dentro del genero del hard rock y el heavy metal, tanto en el plano comercial (mas de 40 millones de copias vendidas ), como musicalmente y que esta considerada una de las mejores obras maestras de la música contemporánea. 

Lito Vitale-Ese Amigo del Alma (1988)

Lito Vitale es un compositor y músico argentino de jazz, que ha compaginado su carrera solista con la de productor y arreglista participando en muchas colaboraciones para otros artistas.
En 1988 publicaba el álbum titulado "Ese amigo del alma", un disco tremendamente popular en países como Argentina o España
Algunas de las composiciones como "Recuerdo en MÍ Bemol" o "Estar entre Nosotros" que ya habían aparecido en su primer disco “Lito Vitale Cuarteto” (1987), aparecen aquí, pero grabadas con una formación diferente, lo que le da al disco la catalogación de recopilatorio. 
Sin embargo este álbum presenta algunos temas nuevos como "La vida es un tango", una bella melodía interpretada por la extraordinaria calidad de la banda o "Estar vivo Hoy", un corte ambiental ejecutado de manera sensacional.
Pero es sin duda la pieza "Ese Amigo del Alma", la joya de este álbum, una canción extraordinaria de sublime belleza, profunda, delicada y muy emotiva, mas de diez minutos memorables de épica ambiental de jazz fusión.
Vitale compuso esta sublime pieza en memoria de Lyle Mays, el teclista de Pat Metheny, quien sin duda es la principal influencia en su música.
Una de esas composiciones que después de haberla escuchado, nos cautiva y cuya melodía permanece en nuestra mente durante mucho tiempo o durante toda una vida.

Larry Carlton

Larry Carlton es uno de los grandes guitarristas del jazz, su estilo polivalente y su enorme talento lo ha demostrado en una fructífera carrera de mas de 50 años, dejando tras de si mas de treinta álbumes en solitario en donde a navegado entre el jazz fusión, jazz rock, el blues y el rock.
Además de sus discos en solitario, ha sido uno prolífico músico de sesión colaborando en cientos de grabaciones para otros artistas entre los que se encuentran Steely Dan, Al Jarreau, Michael Franks, Spyro Gyra o Randy Crawford entre otros muchos mas.
Incluso ha compuesto diferentes bandas sonoras para series de TV y del cine como la famosa serie “Hill Street Blues”, lo que que le valdría ganar el premio Grammy en 1981.
Su primer trabajo fue el álbum “With A Little Help From My Friends” lanzado en 1968, el cual tuvo una gran aceptación por parte del publico y la critica a nivel mundial. Ya a principios de los 70 pasa a formar parte de la banda de jazz rock The Crusaders, con quienes graba once álbumes empezando por “Crusaders 1” (1972), hasta “Those Southern Knights” (1976), sin embargo este ultimo ya como músico invitado, y participando en posteriores trabajos del grupo, aportando en todos ellos sus propias composiciones y su estilo melódico con su famosa guitarra Gibson ES-335.
Una guitarra que el propio Carlton le daría el apodo de “Mr.335”, creando incluso su propio estudio de grabación el cual llamaría “Room 335”.
Una vez abandono The Crusaders, Larry Carlton firmaría con la Warner Bros y lanzaría una retahíla de grandes álbumes enfocados al jazz fusión.
Entre esos álbumes destacan trabajos como el debut “Larry Carlton” (1978), el directo "Mr. 335: Live in Japan"(1979), o los brillantes "Sleepwalk" (1981), "Strikes Twice" (1981), "Eight Times Up” (1983) o "Friends"(1983).
Todos ellos con unas exquisitas producciones, repletas de ricos matices y una gran variedad de estilos en donde se dan cabida bajo el estilo jazzistico, el rock, el funk, el soul y el blues.
En 1985 con su noveno disco "Alone But Never Alone", logra alcanzar el número uno en el Billboard Jazz, e incluso consiguió otro premio Grammy por el tema "Minute by Minute" y recibió una nominación en la categoría "Mejor Interpretación de Jazz Fusión" por su álbum en directo "Last Nite" (1986).
A finales de la década de los ochenta publica su álbum mas rock hasta entonces “On Solid Ground”, pero antes de la salida de ese álbum tiene lugar un hecho que marcara la vida de Larry Carlton. Una noche a la salida del estudio de grabación, un individuo desconocido le propina varios disparos que esta a punto de acabar con su vida.
Este dramático hecho le llevaría a un largo proceso de hospitalización seguido de interminables y dolorosas sesiones de recuperación. Algún tiempo después el guitarrista empieza a reconstruir su vida personal y profesional disminuyendo drásticamente sus apariciones en vivo, aunque poco a poco retomaría su carrera como músico de sesión, llegando a la asombrosa cantidad de cerca de las tres mil colaboraciones a mediados de los noventa
A finales del siglo 20, participaría en el proyecto Fourplay, una súper banda de jazz formada por Bob James, Nathan East y Harvey Mason y con quienes ha grabado un total de diez álbumes.

Deep Purple-Perfect Strangers (1984)

A mediados de 1976 Deep Purple se disolverían, justo después de la gira posterior al álbum “Come Taste The Band” y a partir de aquí sus miembros supervivientes se enfocarían en diferentes proyectos.
Ya un año antes Ritchie Blackmore había fundado su propia banda Rainbow, y Ian Gillan había hecho lo mismo con su Ian Gillan Band, ambos habían abandonado Deep Purple algunos años antes.
Mientras Jon Lord y Ian Paice se unirían a David Coverdale y fundarían Whitesnake, y por ultimo Glenn Hughes y Tommy Bolin se dedicarían a diferentes proyectos en solitario.
Ocho años después la formación mas clásica de Deep Purple, la denominada Mark II, la que creara obras tan monumentales como “In Rock”, “Machine Head”, “Made In Japan” o “Fireball"” se volvían a reunir para grabar un nuevo y esperado álbum que fue motivo de una gran expectación a nivel mundial dentro del panorama rock.
Esa formación compuesta por los legendarios Ritchie Blakmore, Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord y Roger Glover se dirigieron a los estudios norteamericanos de Horizons en Vermont y grabarían el undécimo álbum de Deep Purple titulado “Perfect Strangers”.
Sin embargo el sonido dista de alguna manera del estilo tan característico de los 70 para derivarse a los sonidos mas modernos de la década de los ochenta, creando una obra elegante y sobria mas cercana al rock clásico que al hard rock.
La inicial “Knocking At You Back door” es la mejor muestra de todo lo dicho anteriormente,  lo mismo ocurre con la concisa “Under The Gun”, mientras la fiestera “Nobody´s home” muestra el sonido ochentero de la banda. La zeppeliana y épica “Perfect Strangers” es el momento cumbre que contrasta con las neoclásicas herederas de los sonidos de Rainbow “A Gypsy Kiss” y “Hungry Daze”, apara acabar con la arrebatadora balada “Wasted Sunsets”.
Como era de esperar el álbum cosecharía un enorme éxito a nivel mundial logrando varios discos de platino y unas ventas que superan los tres millones de copias vendidas.

Rory Gallagher-Top Priority (1979)

El octavo álbum de Rory Gallagher, “Top Priority”, lanzando en 1979, venia precedido del que hasta aquel momento era su trabajo mas duro “Photo Finish”, aunque es cierto que aún se escuchaban tímidamente las influencias blues y jazz de sus primeras obras.
Repitiendo la misma formación que su predecesor; Gerry McAvoy al bajo y Ted McKenna a la batería junto a Rory que se encarga de las voces, la guitarra eléctrica y el sitar eléctrico que suena en el tema “Philby”.
Igualmente fue grabado en los mismos estudios Dierks situados en Colonia, Alemania, durante los meses de marzo y abril de 1979 y lanzado casi a finales del mismo año.
“Top Priority” es sin duda el trabajo mas crudo y vigoroso del irlandés, repleto de energía, potencia y fuerza. La contundente sección rítmica compuesta por McAvoy y McKenna, junto a la visceral guitarra de Gallagher, conforman un poderoso trío de hard rock.
La contundente “Follow Me”, es la encargada de abrir este soberbio trabajo, a esta le sigue la solida y gratificante “Philby”, mientras las incendiarias “Wayward Child”, “At The Depot” y “Just Hit Down”, aceleran el ritmo del álbum de manera frenética.
Con “Keychain”, el ritmo baja de intensión con ese toque de blues rock tan característico en el guitarrista irlandés, por una senda parecida nos encontramos con “Off The Handle”, en donde Rory muestra su faceta vocal al margen de su maestría con la guitarra.
Para acabar con la funky rock “Public Enemy no.1”, repleta de riffs guitarreros inconmensurables y la enorme "Bad Penny”, un mágico corte que se torna como el momento cumbre de este desbocado e incendiario álbum.

John Mayall-USA Union (1970)

A finales de los 60 John Mayall se había mudado a los Estados Unidos, seria al idílico lugar de Laurel Canyon en California. Ya con su álbum “Blues From Laurel Canyon”, expresaría su fascinación por ese lugar.
Influenciado por la música norteamericana pronto formaría una nueva banda compuesta en su totalidad por músicos estadounidenses. Entre ellos estaban los ex miembros de la banda de blues rock Canned Heat, Harvey Mandel (guitarra) y Larry Taylor al bajo, este ultimo ya había aparecido fugazmente como músico invitado en su álbum “Empty Rooms”, además del violinista Don “Sugarcane” Harris, quien venia de participar en la banda de Frank Zappa.
Antes en su directo “Turning Point” (1969), grabado en el mítico Fillmore East de Nueva York, Mayall había prescindido de la batería, un hecho que marcaría un punto de inflexión en su carrera.
Ese cambio hacia un estilo de blues de bajo volumen y sin guitarras pesadas y batería que triunfaban en esa época, parecía cuanto menos un suicidio comercial, creando con este y el anterior “Empty Rooms” (1970), una inteligente fusión de ritmos latinos, blues, jazz y boogie, junto a músicos como el guitarrista John Mark, el saxo Johnny Almond y el bajista Stephen Thompson, que complementaban la voz y la harmonía de Mayall.
“USA Union”, grabado con el cuarteto Mayall-Mandel-Taylor-Harris, recuperaba el solido sonido del jazz rock con composiciones mas libres y basadas en el conjunto en donde Taylor y Mandel hacen una gran aportación instrumental.
Este ultimo añade un gran color a la música con sus solos con la guitarra eléctrica, con un sonido mas sutil que los interpretados en las encarnaciones anteriores de la banda, (Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor). Sin embargo aquí no se repiten los esquemas de “Empty Rooms”, ya que aunque la idea original es bastante similar, los instrumentos son ligeramente diferentes (el violín y el papel fundamental de la guitarra eléctrica por el saxo y la flauta), cambian significativamente el carácter de la música. Otro dato importante es que todas las composiciones en si mismas son muy expresivas, están entremezcladas entre si. El típico blues cadencioso “Crying” es uno de los temas memorables del álbum, con el violín en primer plano que no se parece a ninguna otra canción que Mayall haya compuesto. Por su parte la jazzistica “The Jazz Off The Road” es pese a su corta duración un agradable paseo musical relajado y distendido. En “Nature´s Disappering” Mayall muestra su talento con la harmónica y la interpretación no menos talentosa del resto de instrumentistas. El resto de temas siguen manteniendo un nivel aceptable dentro de este experimento que supuso, debido a la instrumentación atípica por la falta de batería y los instrumentos de vientos, creando con ello una versión única y excitante del mejor blues que John Mayall haya hecho jamás, algo por otra parte muy complicado de afirmar después de tantos y geniales trabajos del llamado padre del blues blanco.

Dire Straits-Brothers In Arms (1985)

Si con álbumes como “Making Movies” (1980) y el posterior “Love Over Gold” (1982), Mark Knopfler y su banda Dire Straits habían llegado a la cúspide creativa y musical, con “Brothers In Arms” lograrían su cenit comercial y al mismo tiempo el principio del fin de la banda.
Sin embargo llegados a este punto la formación había sufrido varios cambios de integrantes, si ya en el tercer álbum no aparecía David Knopfler que había abandonada para seguir su carrera en solitario, en el siguiente álbum seria el batería Pick Whiters quien abandonaría cansado de las giras y del rumbo musical que el grupo estaba tomando.
Su sustituto seria Terry Williams que junto a los habituales músicos colaboradores de Mark Knopfler en sus discos en solitario, los teclistas Alan Clark y Guy Fletcher son junto a su inseparable amigo y fundador de la banda John Illsley, el plantel que conformaba los nuevos Dire Straits.
Knopfler también contaría con diferentes músicos invitados para esta nueva grabación como el saxofonistas Michael Brecker, el trompetista Randy Brecker, los bajistas Tony Levin y Neil Jason, el vibrafonista Mike Mainieri o la participación de Sting poniendo las voces en el tema “Money For Nothing”.
“Brothers in Arms” es el álbum mas variado y elaborado de toda la carrera de Dire Straits, en donde la guitarra de Mark Knopfler ya no es el hilo conductor como lo era en los anteriores trabajos. Aquí el uniforme sonido, la intachable producción y las rotundas melodías comerciales y adictivas son el denominador común como demuestran las irresistibles “Money For Nothing”, “So Far Away”, “Your Latest Trick”, “Why Whorry” o la eterna canción que da titulo al álbum.
Su recepción posterior le llevaría a alcanzar numerosos números uno alrededor del mundo, medio centenar de discos de platino y unas ventas que superan con creces los 30 millones de copias vendidas a nivel mundial.

Rush-A Farewell To Kings (1977)

Con el quinto álbum de Rush “A Farewell To Kings”, daba comienzo a la etapa mas progresiva del grupo, un sonido que ya estaba presente en el anterior “2112”.
Sin embargo en esta nueva entrega la banda da un cambio de tuerca radical a su estilo, dejando de lado el visceral hard rock por un mayor refinamiento en sus composiciones a la par que potenciaron el sinfonismo utilizando una amplia variedad de instrumentos como los sintetizadores, la dualidad de las guitarras acústicas y eléctricas y unas texturas y desarrollos mas ambientales y atmosféricos
Este quinto lanzamiento muestra al trío en su plenitud creativa, con sobrias composiciones como la virtuosa “Xanadu” o la espectacular y progresiva “Cygnus X-1”, sin dejar de lado su característico sonido como demuestra la hard rock “Cinderella Man” o su faceta emotiva en “Madrigal”. Por otro lado la vena comercial y accesible esta presente en “Closer To The Heart”, el cual fue elegido como single promocional del álbum y que alcanzaría unos puestos altos en las listas de éxitos y popularizaría la banda entre el gran publico.

Blue Oyster Cult-Cultösaurus Erectus (1980)

El sexto álbum de los norteamericanos Blue Oyster Cult, “Mirrors” (1979), había supuesto un ligero paso atrás en el crecimiento creativo del grupo, y no por que fuera un mal trabajo, pero estar precedido de tres enormes obras como fueron “Secret Treaties” (1974), “Agents of Fortune” (1976) y "Spectres" (1977), lo mantuvieron relegado a una obra menor dentro de su discográfica.
Para remediar ese pequeño traspiés la banda contrata al productor Martin Birch, intentando con ello revalidar viejos laureles.
El resultado fue "Cultösaurus Erectus", un álbum que volvía a ponerles al frente del hard rock psicodélico, con un trabajo potente y una producción brillante e impecable.
Aquí la Blue Oyster Cult vuelven con esos desarrollos instrumentales, sin duda el principal recurso de este magnífico combo, y que se ve reflejado en la inicial hard rock “Black Blade” una de las canciones mas significativas del grupo, la dinámica “Monster” potencia ese camino de contundencia y sofisticación instrumental. También aparecen momentos mas progresivos como las excitantes “Divine Wind” y “Deadlines”, mientras la vena mas primitiva la encontramos en la rock´n´roll “The Marshall Plan”.
Pero es en las heavy rock “Hungry Eyes”, “Lips In The Hills” y “Fallen Angels” donde se observa la exquisita producción de Birch con poderosos hard rock adictivos no exentos de cierta comercialidad, para finalizar con la elaborada y psicodélica “Unknown Tongue”, el colofón perfecto a este sobresaliente trabajo.

AC/DC-Back In Black (1980)

El séptimo álbum de AC/DC es uno de los mas reseñados de la historia de la música rock, “Back In Black”, es un disco antológico, sublime y esencial dentro no solo del hard rock y el heavy metal si no también de la música contemporánea.
Fue lanzado en un momento crucial para la banda, pocos meses antes habían perdido a su carismático cantante Bon Scott, fallecido en trágicas circunstancias.
Tras su muerte los restantes miembros dudaron en seguir adelante o abandonar, pero sus ganas de continuar y como homenaje al propio Scott, decidieron continuar.
Sin embargo la banda tenia un problema muy serio por delante, quien seria el sustituto de alguien tan grande como Bon Scott?, quien seria el que podría cubrir medianamente su hueco sin entrar en burdas comparaciones ni en un mero imitador de tres al cuarto.
Durante semanas el grupo audiocionarian a muchísimos candidatos, entre los que estaban Allan Fryer, de la banda australiana Heaven, Gary Pickford-Hopkins, quien venia de trabajar con Rick Wakeman y que había formado parte de Wild Turkey, Stevie Wright cantante de los EasyBeats, Terry Slesser quien había pertenecido a la banda de Paul Kossof, Back Street Crawler, o el mítico miembro de Slade, el cantante y guitarrista Noody Holder entre otros muchos mas.
Sin embargo y gracias al productor Robert “Mutt” Lange, la banda conoce y termina aceptando a Brian Johnson, ex cantante de Geordie, un grupo británico que había publicado varios discos con cierto éxito durante los años 70 en las Islas Británicas.
El carisma campechano, su sentido del humor, su faceta de gran frontman con esa voz ronca y desenfadada y sobre todo su respeto hacia Bon Scott, son fundamentales para que fuera contratado como el nuevo vocalista de AC/DC.
Casi de inmediatamente la banda se dirige a las Bahamas en donde empezarían a grabar su próximo álbum, el lugar elegido tiene dos razones de peso, la primera la falta de disponibilidad en los estudios elegidos en Inglaterra, y en segundo lugar huyendo de los siempre altísimos impuestos británicos.
Finalmente y durante los meses de abril y mayo de 1980, completan el nuevo álbum en los Compass Point Studios de Nassau, bajo la producción de Robert “Mutt” Lange.
Lanzado oficialmente dos meses después “Back In Black” es un sentido homenaje a Bon Scott, empezando por portada negra de total luto, y con un contenido que sigue ofreciendo lo que AC/DC saben hacer mejor que nadie, puro y duro rock and roll.
Desde la monumental “Hells Bells” que inicia el álbum, la banda muestra con esos poderosos riffs y esa contundencia una rabia contenida, que están heridos y que la tragedia aun les afecta, pero esa misma rabia los catapultan y salen fortalecidos creando una de las mas grandes canciones de la música rock, la cruda y potente “Shoot To Thrill” muestra el clásico sonido de AC/DC, en “Given The Dog A Bone”, Johnson muestra su poderosa voz y deja claro que su elección fue la acertada, mientras la seductora hard rock “Let Me Put My Love Into You”, muestra el nivel optimo de todo el grupo con una pieza descomunal.
Con “Back In Black” alcanzan el universo, una canción que es patrimonio de la humanidad y de la cual no se necesitan ninguna presentación, simplemente es perfecta. La pesada y contundente “You Shook Me All Night Long”, la blues rock “Have A Drink On Me”, la frenética “Shake A Leg”, o la rock callejera con aires bluesy “Rock And Roll Ain´t Noise Pollution” terminan por completar un álbum grandioso y único, el cual conseguiría un éxito sin precedentes con casi 50 millones de copias vendidas en la actualidad, numerosos números unos alrededor del mundo y considerado uno de los 100 mejores álbumes de la historia de la música rock.

Black Widow-Sacrifice (1970)

A menudo comparados con Black Sabbath debido a su nombre y sus letras satánicas en su primer álbum, Black Widow había lanzado un disco bajo el nombre de Pesky Gee en 1969 antes de cambiar su nombre. Sin embargo esa comparación fue bastante injusta, porque su estilo a diferencia de los lúgubres y tenebrosos sonidos de la banda lidera por Tony Iommi y Ozzy Osbourne, era mas bulliciosa, alegre y con elementos proto-progresivos, aunque con unas letras ciertamente endemoniadas. Esa tendencia cambiaria en sus próximos dos álbumes, los cuales no irán en esa dirección, ya que su estilo se mantendrá dentro de los límites del hard rock y el progresivo mas convencional.
Originarios de Leicester al este de Inglaterra, esta banda fue fundada por el vocalista Kip Trevor, el guitarrista Jim Gannon y el teclista Zoot Taylor, cerrando la formación el baterista Clive Box, el bajista Bon Bond y el flautista y saxofonista Clive Jones.
Ya con el anterior grupo Pesky Gee habían llamado la atención considerablemente por sus satánicos conciertos en donde simulaban sacrificar a una mujer desnuda en el escenario.
En 1970 dejaron el sello Pye Records y firmarían con CBS con quienes publicaron el primer álbum bajo el nuevo nombre de Black Widow. Musicalmente este primer lanzamiento no es un canto fúnebre pese a sus controvertidas letras, aquí las melodías son edificantes con matices de prog folk y algunos elementos jazzisticos todo ello bajo el prisma del hard rock progresivo.
Un álbum que comienza con la progresiva “In Ancient Days” repleta de sonidos de órganos Hammond, mellotrones y instrumentos de cuerda. La comercial “Come To The Sabbat”, fue un sorprendente hit debido a sus siniestras y diabólicas letras. Por otra parte la agradable y mas terrenal “Seduction” y la extensa y compleja “Sacrifice”, completaron un soberbio trabajo del mejor proto metal progresivo de principios de los 70.
Pero a partir de aquí la banda, debido a las presiones de su propia discográfica y de ciertos estamentos muy poderosos e influyentes de cristianos fundamentalistas, dejaron de incluir letras satánicas en sus siguientes trabajos.

Black Hole-Land Of Mystery (1985)

Black Hole fueron una oscura banda italiana de heavy metal pesado y tenebroso que en 1985 publicaron una de las joyas del llamado subgénero Doom Metal.
Su formación estaba compuesta por el vocalista Robert Measles, el cual además tocaba el órgano y sintetizadores, el guitarrista Nicholas Murray y Luther Gordon a la batería y sus orígenes se remonta en la ciudad de Verona a principios de los ochenta.
"Land Of Mystery" fue el tercer trabajo de esta banda italiana, una grabación cruda con sonidos oscuros de sintetizadores y órganos atmosféricos al mas puro estilo de principios de la década de los 70, unas voces inquietantes cantadas en ingles, y unos poderosos riffs de guitarras hipnóticos y lúgubres.
Aquí aparecen connotaciones al heavy metal mas clásico como "Demoniac City", mientras "Land Of Mystery" esta cerca del stoner rock pesado y enérgico, la retorcida y excéntrica "All My Evil" da paso a la funesta "Bells Of Death" que al mismo tiempo da la bienvenida a los momentos mas atmosféricos y siniestros con "Blind Men And Occult Forces", la psicodélica "Spectral World" o la pesada rock instrumental "Obscurity In The Ethereal House" que da por finalizado un álbum lapidario y espeluznante de heavy metal surrealista e hipnótico.

Tramp-Tramp (1969)

Tramp fueron una banda de blues que estaba compuesta por algunos músicos que pertenecían a otras formaciones y que de manera paralela trabajaron en este proyecto unidos por su afición a los sonidos mas básicos del rock y el blues británico
Fundados por los hermanos Dave Kelly y Jo Ann Kelly, guitarrista y cantante respectivamente, en 1969 lograron convencer a los miembros de Fleetwood Mac, Mick Fleetwood (batería), Bob Brunning (bajo) y Danny Kirwan (guitarra), además del pianista Bob Hall, ex Groundhogs, al percusionista Ian Morton, al vocalista Memphis Lil y al saxofonista Dave Brooks para grabar un álbum, que fue publicado a finales de 1969.
Este primer disco contiene un repertorio compuesto por una solida mezcla de temas blues y rock como la inicial y galopante “Own Up”, mientras la instrumental “Hard Work”, también sigue esa tendencia rockera que contrastan con la bluesy parsimoniosa “Street Walking Blues”, la melancólica “Baby What You Want Me To Do”, o el funk ligero y pegajoso “Oh The Scene”. El resto del álbum esta orientado hacia los sonidos mas eclécticos que navegan entre el jazz y el R&B, y en donde aparecen cortes dinámicos como “Same Old Thing”, la eficaz “What You Gonna Do When The Road Comes Through”, el boggie jazz “Somebody Watching Me” o la elaborada “Another Day”.
En definitiva un buen álbum de blues y rock grabado por unos excelentes músicos, con un Danny Kirwan inconmensurable con la guitarra y que seria el punto culminante al sonido bluesy del grupo, a la vez que el más destacado de los ex miembros de Fleetwood Mac. 

Pat Benatar-Precious Time (1981)

Pat Benatar paso de vivir una tediosa vida domestica como cajera de banco a ser una de las mas icónicas cantantes de la música rock de toda su historia.
La vida de Pat Benatar estar marcada por la constancia, su talento y una pizca de suerte, una suerte que es tan necesaria como el ingenio, para poder triunfar en un mundo tan complicado y tremendamente competitivo como era el rock de los años 70.
Su nombre real es Patricia Mae Andrzejewski y empezaría probando suerte en un pequeño pub de su localidad interpretando versiones de otros artistas.
A medida que su popularidad iba en aumento decidió probar fortuna en la escena musical de Nueva York, donde su agudeza como cantante no pasaría inadvertida. Allí conocería al guitarrista Neil Giraldo, quien algún tiempo mas tarde se convirtiera en su futuro marido. Con la ayuda de Giraldo explotaría su voz brillante, su amplio rango vocal y unas interpretaciones desbordantes, facetas que llamaría la atención de las compañías discográficas.
Finalmente seria la Chrysalis quien se hiciera con sus derechos y Pat grabaría con ellos su primer álbum “In The Heat Of The Night” lanzado en 1979, que gracias al sencillo “Hearbreaker” o a la versión de John Cougar Mellencamp “I Need a Lover“, logra un éxito abrumador, con varios discos de platino y un increíble décimo segundo puesto en las listas del Billboard norteamericano.
Sin embargo este éxito se quedaría corto con su siguiente álbum “Crimes Of Passion”, multiplicando por cinco las ventas del anterior, impulsado por cortes como “Treat Me Right”, “You Better Run” o “Hit Me With Your Best Shot”.
Pero seria con su tercer trabajo, este “Precious Time”, publicado un año después, cuando Pat Benatar da el salto definitivo a nivel mundial, subiendo hasta la cima de las listas de éxito de medio mundo gracias a cortes irresistibles como “Promises in The Dark” o “Fire And Ice”.
Poseedora de varios hitos como haber ganado durante cuatro años consecutivos el premio Grammy a la mejor cantante, Pat Benatar esta considerada una de las mas grandes vocalistas de la historia de la música rock, que siguió publicando con bastante frecuencia, hasta completar once álbumes en estudio y numerosos recopilatorios, hasta el año 2003 cuando lanzaría su ultimo álbum titulado “Go”.

Praying Mantis-Time Tells No Lies (1981)

Praying Mantis esta considerada una de las bandas abanderas de la escena New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), sin embargo a diferencia de sus coetáneos, ellos siguieron una dirección musical mucho mas melódica y comercial.
Sus orígenes se remontan varios años antes de que el genero NWOBHM se oficializara, mas concretamente a mediados de los setenta. Sus fundadores fueron los hermanos Chris y Tyler Toy, bajo y guitarra respectivamente que junto al batería Dave Potts y al guitarrista Steve Carroll lanzaron el EP “Soundhouse Tapes” en 1979.
El siguiente año y debido a su gran reputación telonearon a Iron Maiden y Ronnie Montrose por el Reino Unido. Sus espectaculares conciertos les abrió las puertas del sello Arista con quienes publicaron su primer álbum y a la postre su obra mas mediática “Time Tells No Lies” en 1981.
Con una espectacular portada del famoso ilustrador Rodney Matthews (una tendencia que se convertiría en habitual en todas sus obras), este primer álbum contenía un explosiva mezcla de heavy metal épico y poderoso con grandes melodías y mucha complejidad instrumental, como queda demostrado en la inicial "Cheated", mostrando su lado épico en la sensacional "Lovers To The Grave" o sus enérgicos temas heavy melódicos en los cortes "Children Of The Eart" y "Beads of Ebony", mientras la furiosa versión del tema de The Kinks "All Day And All Out of the Night", pone la nota de comercialidad al álbum.
Sin embargo la inestabilidad de su formación y una pobre promoción por parte de Arista les lastraría un mayor éxito del que obtuvieron.
El año siguiente la banda cambia de sello firmando con Jet Records, publicando varios sencillos de escaso éxito por lo que terminarían disolviéndose hasta que volvieron a reunificarse en 1987.
Pero durante esos primeros años Praying Mantis habían conseguido una amplia legión de fans en Japón, un país donde eran venerados y sus trabajos tenían un gran éxito.
Como reconocimiento a sus miles de fans japoneses, en 1990 la banda se reforma entrando a formar parte de la misma los ex Iron Maiden, Dennis Stratton y Paul Di´Anno, para una gira nostálgica por el país nipón con una respuesta apoteósica por parte del publico japonés, lo que les motiva para publicar el álbum “Live At Last” y uno nuevo en estudio, “Predator In Disguise” (1991), consiguiendo un éxito arrollador de ventas y criticas por parte de la prensa. A partir de aquí la banda seguirá publicando una serie de trabajos muy bien recibidos y con bastante éxito como “A Cry For The New World” (1993), “To The Power Of Ten” (1995) o “Forever In Time” (1998), todos ellos con un denominador común, los continuos cambios de formación, que pese a ello no merma la calidad de todas sus obras.
En el 2007 llegaría una de sus trabajos mas celebres “Sanctuary”, el cual recibiría grandes elogios y unas ventas arrolladoras, lo mismo que ocurriría con los siguientes “Legacy” (2015) y “Gravity” (2018), con los que ganarían miles adeptos alrededor del mundo.
Actualmente Praying Mantis son una de las pocas bandas del movimiento NWOBHM que siguen en activo y que después de 40 años de carrera han vendido mas de 30 millones de álbumes alrededor del planeta.

Renaissance-Scheherazade and other Stories (1975)

Considerado un hito dentro de la música contemporánea y del rock progresivo en general. “Scheherazade and other Stories”, es uno de los mas grandes discos que se hayan grabado jamás, en el que se incluye la épica pieza de 24 minutos “Song Of Scheherazade”, la cual es para muchos, una de las suites mas grandiosas e impresionantes de todo el genero progresivo y sin duda la mas refinada.
Este fue el sexto álbum de los británicos, justo en un momento en donde su formación se había consolidado definitivamente, después de los desajustes y deserciones de sus primeros trabajos.
Aquí permanece la misma formación que había grabado los dos anteriores “Ashes Are Burning” (1973) y “Turn Of The Cards” (1974), y que estaba compuesta por la vocalista Annie Haslam, el guitarrista y voces Michael Dunford, el teclista y voces John Tout, el bajista Jon Camp y el batería Terence Sullivan, además de la colaboración para la grabación de este álbum de los arreglos orquestales de Tony Cox y la participación de la London Symphony Orchestra.
Ya desde su tema inicial “Trip To The Fail”, uno intuye que estamos ante un álbum antológico, confirmando esa intuición la mencionada y celebre “Song Of Scheherazade”, una suite con una orquestación clásica que participa activa y enérgicamente. La voz de Annie Haslam es la perfecta para este pieza, con una voz de altísima clase en una instrumentación de toda la banda de perfecta ejecución, con unas partes de piano increíbles y unos asombros instrumentos de viento, todo ello acompañado de suaves percusiones. El resto no desmerece en absoluto a esta sublime pieza, ahí están la progresiva “Ocean Gypsy” y la renacentista “The Vultures Fly High”, las cuales justifican el soberbio estilo romántico de este fabuloso y sorprendente trabajo de una banda única e irrepetible.

Black Sheep-Black Sheep (1975)

Black Sheep fue una fugaz banda norteamericana de hard rock americano y blues rock de mediados los años 70, que tuvo su centro de operaciones en la localidad de Rochestar cerca de Nueva York y que es conocida por ser una de las primeras bandas en la cual perteneció el vocalista Lou Gramm, que posteriormente encabezaría una de las mas grandes formaciones del rock melódico como fueron Foreigner, durante las dos siguientes décadas.
Pero antes de ello Black Sheep ya habían lanzado el exitoso sencillo "Stick Around" en 1974, y un año mas tarde el álbum homónimo “Black Sheep”, para ya posteriormente lanzar el epilogo de la banda “Encouraging Words”, publicado a finales de 1975, este ultimo en donde ya no aparecía Lou Gramm, que había abandonado una vez fue requerido por el guitarrista Mick Jones para unirse a los mencionados Foreigner a mediados de 1976.
Por entonces Black Sheep estaba formada por Donald Mancuso (guitarra), Larry Crozie (teclados), Ron Rocco (batería) y Bruce Turgon (bajo), además de Lou Gramm en la voces.
Fue en esta banda, donde Lou Gramm perfeccionaría las impresionantes habilidades vocales con las que luego se convertiría en uno de los mas grandes vocalistas del AOR, como quedo demostrado en las dos primeras obras multiplatino de Foreigner.
En este debut con Black Sheep, Gramm muestra una evidente e impecable maestría vocal en cortes como "Piano Interlude / Let Me Stay", con los que Black Sheep empezarían a cobrar cierta notoriedad en los clubs de Rochester y Nueva York.
Pero además de esta magnifica pieza, la banda muestra su talento con temas de gran calibre como las blues rock "Payin 'Yer Dues", "A Little or a Lot" y "Freight Train", o las melódicas "Broken Promises" y "Far Side of the Sun", mientras la excelsa “Woman” es un guiño al poderoso sonido de los incombustibles Free.
Después del segundo álbum, Black Sheep se disolvería, pasando Don Mancuso y Ron Rocco a engrosar la banda de Cheater, una desconocida formación local de hard rock, los cuales lanzaron un disco titulado "Ten Cent Love Affair" de escasa repercusión mediática en 1980.
Posteriormente el bajista Bruce Turgon, participaría en los álbumes en solitario de Lou Gramm, “Ready Or Not” (1987), en el cual también colaboraría Don Mancuso, y “Long Hard Look (1989).
Ya a mediados de la década de los noventa Turgon terminaría perteneciendo de pleno derecho a Foreigner, en sustitución del bajista Rick Willis, con quienes grabaría el octavo álbum del grupo “Mr. Moonlight”.

The Mick Abrahams Band-A Musical Evening With Mick Abrahams (1971)

Mick Abrahams es conocido por ser uno de los fundadores de la banda británica Jethro Tull en 1967, con quienes publicaría el álbum "This Was" en 1968.
No obstante las raíces en la carrera musical de Abrahams había comenzado algún tiempo antes participando en diferentes bandas de R&B como The Hustlers, The Toggerty Five o Screaming Lord Sutch.
Ya durante el año 1968, Jethro Tull se ganan una enorme reputación basada en la distintiva guitarra blues de Abrahams y la flauta y la feroz personalidad escénica de un Ian Anderson arrebatador. La mezcla original de blues, jazz y rock de Jethro Tull se verían reflejados en el mencionado "This Was", el cual alcanzaría un éxito casi de inmediato en las listas del Reino Unido.
Sin embargo el fuerte carisma de sus dos líderes y un diferente enfoque musical derivaría en el abandono de Abrahams a finales de 1968.
Algún tiempo mas tarde, Mick Abrahams funda una banda a su semejanza y antojo llamada Blodwyn Pig, en donde daba rienda suelta a su pasión por el blues autentico, dejando de lado las incursiones hacia los sonidos folk y jazz de su banda anterior.
Con esta banda se publicaron los excelentes "Ahead Rings Out" (1969) y "Getting To This" (1970). Pero por destino de los caprichos de la suerte, ambos álbumes pasan desapercibidos, pese a contener un exquisito repertorio de grandes temas enfocados al blues, el rock y el R&B.
Una vez acabada esta aventura, Abrahams fundaría The Mick Abrahams Band, para lo cual recluta al batería Ritchie Dharma, el teclista Bob Sargeant y al bajista Walt Monaghan, mostrando con esta nueva banda otros dos álbumes de gran factura como "A Musical Evening With Mick Abrahams" y "At Last", con los que disfruto de cierto éxito en el circuito de blues rock en toda Europa.
Pero esta vez fue el poco apoyo de su discográfica Chrysalis, lo que mermaría la promoción suficiente para obtener el éxito en Inglaterra y Estados Unidos, por lo que desilusionado Mick Abrahams decide abandonar el negocio musical a mediados de la década de los 70.
Centrándonos en su álbum "A Musical Evening With", Abrahams mostraba sus grandes habilidades con las seis cuerdas además de unas brillantes y efectivas composiciones como el tema de apertura "Greyhound Bus", en el cual el ritmo contagioso de sonidos funky, acompañado de los grandes fragmentos de guitarra, brillan junto al denso toque de teclados de Bob Sargeant. En "Awake" se presagia de manera lejana los sonidos progresivos debido a su ambiente oscuro, una voz tenue y la destreza instrumental de toda la banda, por su parte la acústica "Wind Of Change" se acercan a los sonidos folk de CSN con unas buenas melodías vocales, el blues rock asoma en "Why Do You Do Me This Way" y en la acelerada "Big Queen", para acabar con la extensa "Seasons", un blues rock progresivo en donde los teclados, las afiladas guitarras y los sonidos hipnóticos lo convierten en el mejor corte del álbum.

Bob Downes-Electric City (1970)

Bob Downes fue un afamado saxofonista y flautista de sesión que en 1970 reclutaría  algunos de los mejores músicos del incipiente jazz británico como Ian Carr (trompeta), Chris Spedding (guitarra), Kenny Wheeler (trompeta) o Harry Miller (bajo) y grabaron un album de jazz rock que se titulo “Electric City”.
Todos estos músicos tenían tras de si o tendrían en lo sucesivo, carreras muy prolíficas en bandas como Nucleus, (Ian Carr), extensas colaboraciones con otros artistas (Chris Speeding y Harry Miller) o laboriosas carreras en solitario (Kenny Wheeler).
Lejos de las extensas e intrincadas composiciones habituales en los discos de jazz rock de la época, en este álbum la banda opta por temas cortos repletos de grandes riffs de guitarra contagiosos, una enérgica sección rítmica y sobresalientes solos de flauta y saxo. Cortes como la soberbia instrumental “Dawn Until Dawn”, las vigorosas “Walking On” o “Picadilly Circles" o la sobresaliente “No Time Like The Presente” conformaron un álbum único y olvidado del mejor jazz rock británico de los setenta.

Pearl Jam-Ten (1991)

1991 seria el año de la explosión grunge, ese año se publicaron tres de las mas grandes obras del genero empezando por “Nevermind” de Nirvana en donde exploraban los sonidos mas crudos y primitivos del punk rock y el rock alternativo, el menos accesible y crudo “Badmotorfinger” de Soundgarden y “Ten” de Pearl Jam, el álbum que mostraba la cara mas hard rock heredero de los sonidos de finales de los 60 de Led Zeppelin o Jimi Hendrix.
Sin embargo este ultimo también aportaba una clara diferencia con respecto a las otras obras, su estructura es mas compleja y sofisticada, sin que ello suponga la inaccesibilidad como queda demostrado en temas como la irresistible con sabor tejana “Even Flow”.
La vigorosa “Alive”, la melódica y gallarda “Jeremy”, la psicodélica “Deep”, la zeppeliana “Garden”, la punk rock “Oceans” o ese remanso atmosférico que es “Release”, conforman un álbum enérgico y musculoso, que pese a su lento ascenso en las listas de éxitos, lograría colarse hasta la segunda posición en el Billboard norteamericano, logrando cerca de los veinte discos de platino y unas ventas superiores a los 14 millones de copias a nivel mundial.

Robin Trower-Bridge Of Sighs (1974)

En 1974 Robin Trower publicaba su segundo álbum en solitario, “Bridge Of Sighs”, que como el anterior y debut discográfico “Twice Removed From Yesterday”, estaba enfocado a la guitarra eléctrica.
Sin embargo el aura con la cual le comparaban con Jimi Hendrix, mas que beneficiarle le estaba pasando factura, obligando con ello a superarse continuamente.
Para este segundo trabajo Trower sigue confiando en su banda compuesta por el batería Reg Isidore y el bajista James Dewar, mientras que a los mandos de la producción volvía a repetir Matthew Fisher, e incluso fue grabado en los mismos estudios de grabación; los Olympic Studios de Londres.
Aquí Robin Trower conseguiría el difícil reto de superar su antológico debut, con un álbum que tuvo el masivo respaldo del publico y la critica, elevándolo a Olimpo de los grandes guitarristas de todos los tiempos y catalogando el álbum como un clásico de la música rock .
Un álbum con una enorme calidad de principio a fin en donde aparecen cortes como la antológica “Day Of The Eagle”, la contenida “Bridge Of Sighs”, la desenfadada “Too Rolling Stoned”, la hipnótica “About To Begin”, las rítmicas “Lady Love" y “The Fool and Me” o la soberbia “A Little Bit Of Sympathy”.
El disco lograría escalar las primeras posiciones en las listas de éxitos, y lo que fue aún mas importante, le abriría el siempre difícil mercado norteamericano, conquistándolo exitosamente.

Ashbury-Endless Skies (1983)

Ashbury son otra de esas bandas olvidadas y enterradas en el tiempo, que publicaron un legendario álbum debut en 1983, una verdadera joya para los fanáticos del hard rock clásico de los 70.
Emparentados al sonido épico de Wishbone Ash, a las melodías vocales de Eagles o CSN, y al misticismo prog folk de Jethro Tull, esta banda era en realidad un dúo fundado en Tucson, Arizona por los hermanos Randy y Rob Davies, ambos guitarristas y cantantes,
Ellos fundarían Ashbury (no confundir con la banda de rock alternativo del mismo nombre fundada en el 2005), después de la disolución de la banda de rock sureño Rigid Spur, en la cual formaba parte Randy Davies a finales de los setenta.
Una vez disuelta, parte de su formación fundarían Ashbury South en donde contaban como técnico de iluminación con Rob Davis. La banda obtendría en los años siguientes una gran reputación en Arizona actuando en clubs y locales de conciertos e incluso ganarían un prestigioso premio organizado por una emisora de radio de Phoenix a la mejor banda de directos de todo ese Estado norteamericano.
Ya en 1980 los hermanos Davis deciden continuar por su cuenta y planean grabar un álbum, aprovechando el material que ambos habían estado componiendo juntos durante los últimos años mientras pertenecían a los Ashbury South.
El álbum que finalmente seria publicado en 1983 y que se titularía "Endless Skies", les otorgaría otro importante premio, esta vez fue otra famosa emisora de radio de Phoenix la que proclama al álbum como el mejor disco de rock del año 1983.
"Endless Skies" esta compuesto por una inteligente mezcla del rock sureño, hard rock y sonidos muy cercanos al heavy metal con ligeros toques progresivos como queda demostrado en "The Warning", en donde muestran su tendencia por los Jethro Tull mas duros, mientras en la melódica "Take Your Love Away" asoman los aires épicos y guitarrísticos de los Wishbone Ash. La heavy rock "Vengeance", la country rock "Madman", la épica y progresiva "Hard Fight", o la sureña "Mystery Man", conforman un disco tan brillante como antológico. Mención aparte es el tema que da titulo al álbum, un magnífico ejercicio de hard rock progresivo y dinámico, en donde se dan cabida influencias dispares, con grandes armonías vocales, momentos delicados y melódicos y el pesado heavy rock de finales de lo 70.

The Dirty Blues Band-Stone Dirt (1968)

The Dirty Blues Band fue una banda de blues rock fundada en Riverside, California, a principios de 1967 por el vocalista y harmonicista Rod Piazza, que lanzaron dos soberbios álbumes "Dirty Blues Band" (1967) y "Stone Dirt" (1968), los cuales fueron muy celebrados por los seguidores del genero.
Esta legendaria banda, estaba formada por el guitarrista Glenn Roos Campbell, el organista Pat Malone, el batería John Milliken, el bajista Less Morrison y el steel guitar Robert Sandell, además del mencionado Rod Piazza.
Ya en 1967 y bajo el sello Bluesway, lanzaron su primer álbum en donde fusionaban el blues con elementos jazzisticos y sonidos de funk y soul, todo ello con el aporte de la enérgica voz de Piazza y su harmónica.
En ese primer álbum destacaban la blues funk "Checkin´Up On My Baby", la jazzistica "New Orleans Woman", o las magnificas versiones de Elvis Presley "Hound Dog" y de Sonny Boy Williamsom "Don´t Start Me To Talkin".
Un año después aparecería "Stone Dirt", publicado por el mismo sello discografico, el cual contenía un irresistible repertorio como las boogie blues "Bring It On Home" y "My Baby", el blues cadencioso (una versión de John Lee Hooker"), "It´s My Own Fault", las rhythm and blues "I Can´t Quit You Baby" y "Tell Me", la rock and roll "She´s The One" o la hipnótica "Sittin´Down Wonderin".
Después de este álbum Piazza disolvería definitivamente la banda y formaría otra a semejanza a esta llamada Bacon Fat, con los que publicaría el enorme "Tough Dude" en 1971, otro sobresaliente ejercicio de blues eléctrico y que fue debidamente comentado hace algún tiempo en este blog.

Pot Liquor-Levee Blues (1971)

Pot Liquor fueron una efímera banda originaria de Baton Rouge en Lousiana, que publicaron varios discos de claro corte de boogie blues y southern rock durante los primeros años de la década de los 70.
Su formación inicial estaba compuesta por George Ratzlaff, teclista y voz, el guitarrista Les Wallace, el batería Jerry Amoroso y el bajista Guy Shaeffer. Después de un primer álbum titulado “First Taste”, lanzado en 1970, el cual tendría una buena acogida en los estados del sur norteamericano, publicarían un año mas tarde “Levee Blues”, considerada su mejor obra, en el cual amplían su característico sonido de southern rock con elementos de country, blues y gospel.
La voz y el órgano de Ratzlaff  junto a la inclusión de un grupo de coristas femeninas, otorgan ese toque gospel y original al sonido del final del álbum.
Las animadas “Cheer”, “River Jordan”, “The Train” o “Chattanooga”, son junto al pesado y hipnótico blues “Rooster Blues” y a las magnificas versiones “Lady Madonna” de The Beatles  y “You ´re No Good” de Linda Ronstadt, lo mas destacado de un interesante pero olvidado disco del mejor rock sureño.
Sin embargo y a pesar de su calidad y de su exquisita producción, este no conseguiría el éxito deseado comercialmente. No obstante la banda seguiría ofreciendo conciertos durante bastante tiempo por todo el estado de Lousiana, con una buena aceptación por parte del publico, algo que no contribuiría demasiado a la continuación de la banda, desapareciendo definitivamente Pot Liquor algunos años mas tarde.

Wild Turkey-Battle Hymn (1971)

En 1970, el bajista Glenn Cornick abandonaba Jethro Tull, con los que había grabado los formidables “This Was”, “Stand Up”, “Benefit” y “Living in the Past” y con los que estaría durante el periplo comprendido entre 1968 y 1971, siendo considerado el mejor bajista que ha formado parte de la mítica banda británica.
Ya a principios de 1971 forma su propia banda, Wild Turkey, en la que se alejaba de la propuesta blues y folk progresivo de la formación liderada por Ian Anderson.
Cornick reclutaría para esta nueva aventura al vocalista Gary Pickford-Hopkins, el batería John Weathers y al guitarrista Jon Blackmore.
Sin embargo en medio de la grabación del primer álbum, Jeff Jones sustituye a Weathers al frente de las baquetas, que abandona para integrarse en la banda Gentle Giant
Wild Turkey publicaría dos interesantes álbumes de escaso reconocimiento comercial, pero sin embargo su debut fue una buena muestra del hard rock que por la época de su lanzamiento se hacia en las Islas británicas.
“Battle Hymn”, como así se titula este primer álbum, es un trabajo orientado al sonido poderoso del hard rock con ciertos elementos progresivos como queda demostrado en cortes como las mordaces “Twelve Streets of Cobbled Back” y “One Sole Survivor”, la apasionada “Sentinel”, la meritoria “Butterfly”, la bucólica “To The Stars” o las melódicas “Sanctuary” y “Gentle Rain”.
Después de este primer álbum, la banda publicaría el discreto “Turkey”, el cual daba por finalizado el periplo del grupo. Posteriormente algunos de sus miembros tomaron rumbos dispares como el propio Cornick que terminaría recalando en la banda germana Karthago, mientras Gary Pickford-Hopkins participaría activamente como vocalista en los álbumes de Rick Wakeman “Journey to the Centre of the Earth” y “The Myths and Legends Of King Arthur and the Knights of The Round Table”, entre otras colaboraciones y por ultimo Jeff Jones terminaría ingresando en el grupo de rock psicodélico y vanguardista, Man.

The Mahavishnu Orchestra-Birds Of Fire (1973)

Dos años después de su espectacular álbum debut, la Mahavishnu Orchestra volvía con otro fantástico trabajo de jazz rock pletórico y contundente.
En "Birds Of Fire" aparece la misma formación que había firmado su predecesor "The Inner Mounting Flame", compuesta por John McLaughlin (guitarra), Billy Cobham (batería y percusión), Jan Hammer (teclados), Jerry Goodman (violin) y Rick Laird (bajo) y fue grabado entre los estudios Trident de Londres y los CBS Studios de Nueva York durante el mes de agosto de 1972. En este segundo álbum, estos virtuosos músicos lograron fusionar de manera asombrosa la improvisación del potente rock, con el blues, el country y los sonidos exóticos, todo ello bajo aires de funk, logrando con todo ello la cohesión y el perfecto equilibrio a su estilo de jazz progresivo. La homónima “Bird Of Fire”, con esos elementos de exóticos, se convierte en uno de los temas mas progresivos de toda la carrera del grupo, mientras la majestuosa instrumental “Hope”, confirma la enorme calidad de todos sus integrantes. La dinámica versión del tema de Miles Davis, “Miles Beyond”, es otro de los puntos culminantes del disco. Por su parte las extravagancias instrumentales de McLaughlin y Cobham se ven reflejadas en “Celestial Terrestrial Commuters”. El resto muestra una serie de temas elaborados de gran técnica instrumental, pero al mismo tiempo emocionales y con grandes dosis de feeling debido a la interacción de todos los músicos aquí intervinientes. “Birds Of Fire” esta considerado una de los obras maestras absolutas del jazz rock y que junto a la cuatrilogia que supuso el anterior “The Inner Mounting Flame” y los posteriores “Apocalypse” y “Visions of the Emerald Beyond”, conformaron una de las bandas legendarias del genero.

The Allman Brothers Band-Brothers and Sisters (1973)

El 29 de Octubre de 1971 fue una de las fechas fatídicas para The Allman Brothers Band y la música rock en general. Ese día, su líder Duane Allman, fallecía tras un gravísimo accidente de motocicleta cerca de Macon, en Georgia, lo que ocasionaría que la banda se cuestionase seguir adelante.
Algún tiempo después y tras unas intensas reuniones entre los restantes miembros de la banda, decidieron continuar y meses después completarían el tercer álbum de estudio “Eat a Peach”, que saldría a la venta a principios de 1972.
Después de unos meses de constantes conciertos, en noviembre de 1972, la banda volvería a enfrentarse a otra tragedia, (en medio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa), esta vez seria el bajista Berry Oakley, que fallecía de manera parecida en otro accidente de motocicleta a escasos metros donde Duanne había perdido la vida.
Después de volver meditar la continuación de la banda, los miembros restantes, Gregg Allman, Dickey Betts, Jai Johanny Johanson, Butch Trucks y Chuck Leavell, deciden continuar y para ello reclutan al bajista Lamar Williams, para cerrar la formación, con la que terminan de grabar el álbum "Brothers And Sisters", que podemos considerar como su particular restablecimiento creativo y una de sus obras más relevantes.
Publicado en 1973, fue un momento en que la banda se enfrento a la difícil misión de dar forma al primer álbum sin la presencia de un genio y uno de los grandes iconos de la música rock como fue Duane Allman.
“Brothers and Sisters” se convirtió en una de sus mejores obras, en donde aparecen dos de sus clásicos, como son el himno de southern rock, "Ramblin´man", y el instrumental "Jessica", que cuenta con una jam improvisada extraordinaria, además de otros soberbios cortes como la diabólica "Southbound", la intensa bluesy "Jelly Jelly", las extraordinarias "Wasted Words" y "Come and Go Blues", o la country "Pony boy".
"Brothers And Sisters", se convertiría en uno de sus mayores éxitos de ventas, despejando todo tipo de dudas y demostrando la profesionalidad, la creatividad y el enorme talento de una de las mas grandes bandas del rock and roll.

Blue Oyster Cult-On Your Feet Or On Your Knees (1975)

A mediados de los 70, Blue Oyster Cult se encontraban en su momento cumbre, tras de si ya habían facturado tres legendarios álbumes, empezando por el homónimo “Blues Oyster Cult” (1972), un trabajo en donde fusionaban los sonidos psicodélicos con el blues y el hard rock, el siguiente y continuista “Tyranny & Mutation” (1973) y por ultimo el mas progresivo y trabajado “Secret Treaties” (1974)
En esos años la formación había sido inalterable con los guitarristas Eric Bloom y Donald Buck Dharma Roeser, el teclista Allen Lanier, el bajista Joe Bouchard y el batería Albert Bouchard, además de los letristas Richard Meltzer y Sandy Pearlman, autores de las letras profundas e inteligentes repletas de alusiones a temas religiosos, mitológicos, metafísicos o alquímicos que la banda siempre mostro en todos sus álbumes.
A principios de 1975 se publicaría el cuarto disco de la banda y el primero en directo, que fue grabado durante la gira del anterior “Secret Treaties” en diferentes localizaciones de Nueva York, Washington, Seattle y Long Beach en California.
En "On Your Feet Or On Your Knees", la banda derrocha una gran energía por todos los surcos del doble Lp con canciones incendiarias y poderosas con grandes riffs de hard rock y heavy metal psicodélico.
Desde el "Subhuman" inicial, hasta la versión de Steppenwolf, "Born to be Wild", que cierra el disco, pasando por los salvajes y viscerales "Hot Rails to Hell" y "The Red & The Black", el pletórico "Buck's Boogie", el magnífico "Then Came The Last Days Of May”, la atmosférica "7 Screaming Diz-Busters" o el contundente rock "Me 262".
En definitiva “On Your Feet Or On Your Knees” es otro de los dobles en directo esenciales e imprescindibles de la década de los 70, que sin embargo esta oculto injustamente tras otros de mayor impacto mediático, pero que para ser justos no esta por debajo de ninguno de ellos.

Frank Zappa and The Mothers Of Invention-Over-Nite Sensation (1973)

Over-Nite Sensation supuso el onceavo álbum de Frank Zappa junto a su banda The Mothers y significaría el primer trabajo del músico norteamericano que alcanzaría las listas de éxitos, y al mismo tiempo su trabajo mas accesible y convencional.
Como era norma habitual en Zappa, para esta nueva grabación contaría con un lujoso plantel de músicos colaboradores en donde destacaban el violinista Jean-Luc Ponty, el teclista George Duke, el bajista Tom Fowler o los habituales Ian Underwood (instrumentos de viento) y la percusionista Ruth Underwood, además de la participación de Tina Turner en los coros, aunque nunca aparecería en los créditos oficiales por motivos contractuales.
Producido por el propio Frank Zappa, aquí sigue mostrando su sátira de costumbre y su retorcido humor negro, en donde temas como el sexo, la critica social y otros polémicos asuntos son su típico denominador común con sus controvertidas letras.
Sin embargo pese a la accesibilidad, musicalmente hablando, esta siguen siendo bastante compleja, como queda demostrado en “Zomby Wolf”, donde los metales, las guitarras, las percusiones y la sección rítmica, junto al sobresaliente violín de Jean-Luc Ponty dejan un soberbio y sofisticado tema que navega entre el jazz rock y los sonidos mas vanguardistas.
Otros temas destacados son las explícitas “Fifity Fifty”, “Dinah-Moe Humm” o “I´m The Slim”, sin dejar de mencionar el característico sonido Zappa que aparece con la sublime “Montana”.

Tangerine Dream-Stratosfear (1976)

“Stratosfear” fue el séptimo álbum de los germanos Tangerine Dream y el quinto y ultimo con su formación mas clásica; Edgar Froese, Christoph Franke y Peter Baumann. En esta nueva entrega publicada en 1976, Tangerine Dream se expanden con su estilo electrónico hacia senderos mas sinfónicos, mostrando unas ideas melódicas mas concisas, en donde los sintetizadores y el mellotrón son junto a los sutiles solos de guitarra, los que dan como resultado final una amalgama de secuencias hipnóticas y estilizada al mismo tiempo de sonoridades sublimes.
La dinámica pieza que da titulo al álbum tiene momentos cercanos a los sonidos espaciales, mientras la oscura y atmosférica “The Big Sleep In Searchof Hades”, es uno de los momentos mas sólidos del álbum. Sin embargo llegados a este punto aparece “3 am At the Border Of The Marsh From Okefenokee”, una inquietante pista de cerca de nueve minutos de escalofriantes sonidos que nos sumergen como su titulo indica, en los tenebrosos pantanos de Florida. “Invisible Limits” es la pieza mas larga en la cual nuevamente salen a relucir los sonidos espeluznantes que van en crescendo, para acabar en un final mas apacible y bello con sonidos de piano y un emulador de flauta.
“Stratosfear” se convertiría junto a los emblemáticos "Ricochet", "Phaedra" y "Rubycon", en el mayor apogeo creativo y comercial de TD, y una parte esencial del rock progresivo electrónico.

King Crimson-Lark´s Tongues In Aspic (1973)

Con "Lark's Tongues In Aspic", Robert Fripp daba comienzo a una nueva etapa de King Crimson, para muchos posiblemente la mejor de su carrera.
Para ello Fripp reorganizo la banda con una nueva formación compuesta por John Wetton, Bill Bruford, David Cross, Jamie Muir y Richard Palmer como letrista.
Pero al mismo tiempo “Lark´s Tongues In Aspic” se convirtió en el álbum mas complejo, intrincado y menos accesible de King Crimson, con sonidos desconocidos y extraños, sobre todo en las percusiones, un estilo mas tenebroso y agresivo y que en muchos momentos resultaba casi asfixiante.
La pesada y brillante “Lark´s Tongues In Aspic, Part One”, es uno de los mejores instrumentales del grupo, en donde la perfecta sección rítmica, los pesados riffs, el desarrollo del violín y el dramatismo de las voces ocultas y espeluznantes, la convierten en una pieza descomunal.
La efectiva y jazzistica “Book Of Saturday”, rebaja la tensión de demencia incontenida de la anterior, mientras la delicada “Exile” repleta de bellas melodías gracias a los solos de Fripp y Cross bajo el manto de un poderoso mellotrón, la convierten en otra de las piezas culminantes del álbum.
Sin llegar a las excelencias de las anteriores llega la contundente “Easy Money”, que es la antesala de las antológicas y soberbias instrumentales “The Talking Drum” y “Lark´s Tongues In Aspic, Part Two”, en donde la exploraciones de la percusiones por parte de Muir y la batería de Bruford, construyen junto a los solos de violín de Cross, unos desarrollos musicales in crescendo fabulosos, para concluir con el tosco sonido de la guitarra de Fripp, combinado con unas líneas de bajo inventivas excelentes, demostrando las grandes influencias que el free jazz tiene en esta obra maestra absoluta del rock progresivo.