Black Sabbath-Never Say Die! (1978)

El ultimo album de Black Sabbath con Ozzy Osbourne en sus filas, fue el mas injustamente criticado y vapuleado de toda su carrera, tanto por los fans como por la critica especializada.
A esas alturas de la carrera del grupo de Birmingham, nadie podía poner en duda la integridad ni la reputación de Black Sabbath, ellos habían contribuido como nadie a la grandeza del heavy metal, creando obras maestras del genero como “Black Sabbath”, “Paranoid”, “Master Of Reality”, “Vol 4” o “Sabbath Bloody Sabbath”.
Sin embargo también es cierto que ya a mediados de los setenta suavizaron su sonido lúgubre y siniestro por un heavy metal mas melódico incorporando el uso de los teclados y bajando el tono a sus macabras y funestas letras.
“Sabotage” seria el punto de partida de ese sutil cambio hacia sonidos mas mainstream, que tuvo continuidad con el siguiente “Technical Ectasy”, publicado en 1976, el cual aparte de ser vilipendiado por la prensa, obtendría unas mediocres ventas.
Pero ni con esas malas cifras en el plano comercial, sirvieron para que la banda liderada por Tony Iommi diera marcha atrás y el siguiente “Never say Die” ahondaran aún mucho mas en esa dirección musical, reforzando los sonidos de los sintetizadores y los teclados a su inconfundible estilo.
Para ello la banda había contratado al teclista Don Airey, un músico experimentado quien ya había trabajado con la banda Colosseum y con Gary Moore.
La contribución de Airey seria fundamental para el resultado final de esta nueva entrega, con esos sonidos jazzisticos como queda demostrado en “Air Dance”, o en la dinámica “Johnny Blade”, el resto esta compuesto por temas muy meritorios como la boogie rock “A Hard Road”, el rhythm and blues “Swinging The Chain” o la soberbia “Junior Eyes”.
En definitiva “Never say Die” fue un trabajo considerado menor en la discográfica de Black Sabbath, de manera injusta y que hoy en día es tan reivindicado como uno de sus álbumes mas experimentales y valorados como uno de sus trabajos mas brillantes y meritorios.

Kiss-Love Gun (1977)

El quinto álbum en estudio de Kiss supuso otro gran éxito comercial, lanzado en medio del tremendo movimiento de la llamada “kissmania”, que se movía alrededor del grupo y que en parte eclipsaba su carrera meramente musical.

Sin embargo y pese a su éxito, "Love Gun" esta un peldaño por debajo de sus dos álbumes predecesores ("Destroyer" y "Rock and Roll Over"), debido en parte a los problemas personales de algunos de sus integrantes y al claro síntoma de agotamiento creativo de la banda.

Con otra impactante portada del diseñador Ken Kelly, en sus surcos aparecen las prescindibles "Tomorrow and Tonight", "Got Love for Sale" y "Then She Kissed Me", las cuales restan gran parte la credibilidad al resultado final del álbum.

En el lado positivo también hay momentos excelentes como los poderosos rock "Hooligan", "Christine Sixtenn", "Love Gun", "Shock Me" o "Plaster Caster", las cuales compensan la mediocridad media de este quinto registro.

A partir de aquí Kiss entrarían en una vorágine de éxitos y fracasos, empezando por los multimillonarios álbumes orientados a los sonidos comerciales "Dynasty"(1979) y "Unmasked" (1980), el hard rock puro "Creatures of the Night" (1982) y "Animalize" (1984), o los acercamientos al rock mainstream con el meritorio "Crazy Nights" (1987), pero sin dejar de mencionar el estrepitoso e infumable álbum “Carnaval Of Souls” (1997), en donde intentaron rivalizar con las bandas grunge de los noventa, pero haciéndolo en un momento tardío, con un nefasto resultado.  

Crosby, Stills, Nash & Young-Deja Vu (1970)

Crosby, Stills and Nash comparten junto a Cream, el honor de ser el primer supergrupo de la historia, y estos en concreto los mas grandes del folk rock y el country rock.
El pasado legendario de sus componentes era impresionante y demoledor, David Crosby, procedía de una de las bandas pioneras del folk rock como eran The Byrds, mientras Stephen Stills procedía de otra influyente del genero como Buffalo Springfield y por ultimo Graham Nash provenía de una de las grandes del British pop y blues británico como fueron The Hollies. Ellos en 1969 habían facturado uno de los mayores logros con su primer y asombroso álbum considerado todo un clásico de la música rock.
Tras ese primer álbum, el trío se embarco en una apoteósica gira, en la cual reclutaron una banda de acompañamiento y por consejo del sello discográfico Atlantic, les sugieren a Neil Young, ex compañero de Stills en los Buffalo Springfield, un canadiense que ya estaba obteniendo un gran éxito junto a su nueva banda los Crazy Horse.
Finalmente Young acepta el reto, no antes sin poner algunas condiciones, entre ellas el que este nuevo puesto no le impidiera seguir con su carrera en solitario.
En agosto de 1969 la banda al completo se presenta en el festival de Woodstock, en una actuación que fue dividida en dos partes, la primera constaba de un set acústico y una segunda parte eléctrica, en donde la visceral y cruda guitarra de Young era el contrapunto perfecto para las ricas armonías vocales de sus tres compañeros.
La apoteósica actuación en Woodstock anima al sello para un posterior álbum, antes de eso el grupo recibe el Premio Grammy al mejor grupo de 1969, y ya a mediados de 1970 y después de mas de 800 horas de trabajo se publica “Deja Vu”, el cual contenía una impresionante colección de canciones empezando por “Woodstcok” compuesta por Joni Mitchell, la controvertida “Almost Cut My Hair, o las soberbias “Teach Your Children” y “Our House”.
Estos temas junto a otros, además del repertorio del primer álbum se convirtieron en una explosiva mezcla de jams guitarrísticos en sus conciertos, con sus interminables solos de guitarras, quedando parte de esas históricas sesiones en vivo, grabadas en el doble álbum en directo “Four Way Street”.

The Notting Hillbillies-Missing... Presumed Having a Good Time (1990)

A finales de los ochenta Mark Knopfler daba prácticamente por finiquitada la historia de Dire Striats, pese a que en 1991, regresaría con el álbum "On Every Street", una especie de revival con guiños al multimillonario "Brothers in the Arms", pero sin llegar ni de lejos a su excelencia musical.

En este "On Every Street", Knopfler reclutaría un legión de músicos ajenos a los miembros originales del grupo a excepción del bajista John Illsley, por lo que oficiosamente se considera un álbum en solitario del guitarrista, mas que un disco al uso de Dire Straits.

Sin embargo un año antes, Mark Knopfler colaboraría con reputados músicos británicos del blues y el folk como Steve Phillips, Brendan Croker, Guy Fletcher, Paul Franklin, Marcus Cliffe y Ed Bicknell y juntos forman el proyecto The Notting Hillbillies, grabando y publicando un solo registro titulado "Missing...Presumed Having A Good Time".

En este único lanzamiento, esta reunión de talentosos músicos logra tejer una refinada colección de temas enfocados al blues, al country y al folk, materializados con versiones y temas propios.

Entre esas versiones se encuentran la tradicional blues de 1870 "Railroad Worksong", la folk "Weapon of Prayer" de The Louvin Brothers, la country "Feel Like Going Home" de Charlie Rich, la tradicional "One Way Gal", la jazzistica bluesy "Bewildered" de Teddy Powell" o la bluesy folk "Blues Stay Away from Me" de The Delmore Brothers.

Mientras que entre los composiciones compuestas por la banda destaca la country "Will You Miss Me" de Steve Phillips.

Su recepción comercial obtuvo una gran acogida en diferentes países alrededor del mundo, logrando varios discos de oro y confirmando las influencias que esos estilos estuvieron siempre presentes en la música de Mark Knopfler.

Bob Marley and The Wailers-Kaya (1978)

El décimo álbum de Bob Marley es el trabajo más desenfadado y relajado de todos los que publicaría el músico jamaicano en toda su carrera, con una temática muy alejada de los problemas sociales, raciales o políticos que había reflejado en sus anteriores discos.

En esta nueva entrega Bob Marley muestra junto a sus inseparables The Wailers su cara mas amable y distendida con una serie de canciones estándar de reggae como la melódica "Is This Love", o las agradables "Running Away", "Kaya", “Sun Is Shining”, "Satisfy My Soul" o "She´s Gone”.

Sin embargo también es cierto que los momentos brillantes de antaño estan prácticamente ausentes en esta nueva entrega, pese a que seguía manteniendo un alto status de popularidad.

Con tres discos de platino y oro, con unas ventas que superan hoy en día los dos millones de copias, se convirtió en su mayor logro comercial y en uno de los puntos culminantes en la carrera de este celebre e icónico Bob Marley.

Chris Isaak-Wicked Game (1991)

Este cantante, compositor y actor, es uno de los artistas mas multifacéticos que sin hacer ruido logra todo lo contrario, y el cual protagonizaría algunos de los más memorables álbumes en la década de los ochenta.
Este californiano había conseguido un suculento contrato a principios de los ochenta con la Warner Bros, con la cual publica su primer álbum titulado “Silverstone”, en donde ya mostraba su polvoriento estilo de fusión del country, rock, rock and roll y una voz deudora de los crooners de los cincuenta. En 1987 grabó un segundo álbum homónimo donde sobresalía el tema “Blue Hotel”. En 1989 llegaría su tercer álbum, "Heart Shaped World", que incluía el hit "Wicked Game", que fue elegido como single de ese álbum, el cual obtuvo una mediocre acogida. Un año mas tarde la canción fue incluido en la película de David Lynch “Wild at Heart” y a partir de ahí lograría una amplísima repercusión mediática, aupando al mismo tiempo el nombre del músico y sus discos hasta los primeros puestos de las listas de éxitos.
El éxito fue tal, que al año siguiente Warner publicó un grandes éxitos titulado "Wicked Game", aprovechando el éxito masivo de la canción y con ese tema como principal reclamo, algo inusual por otro lado, porque a pesar de Isaak ya estaba considerado un excelente músico, solo había publicado tres álbumes de estudio.
Sin embargo este “Wicked Game” contiene una sabia colección de canciones que aparte de la mencionada y lánguida canción del mismo titulo, incluía otras tan brillantes como la sobresaliente “Blue Hotel” o las magnificas “Blue Spanish Sky”, “Funeral In The Rain”, “Nothin´s Changed” o “Heart Shaped World”, convirtiendo este álbum en todo un clásico contemporáneo.

Bad Company-Holy Water (1990)

En 1990 llegaba el noveno álbum de los reformados Bad Company, en el cual repetirían la misma formación que el anterior y exitoso “Dangerous Age”, a excepción del bajista Steve Price que fue sustituido por Felix Krisch.
El resto seguía manteniendo la misma estructura de grupo, con Brian Howe a la voces, Mick Ralphs a las guitarras, Simon Kirke a la batería y Terry Thomas quien se encargaba de los teclados, los coros y la producción del mismo.
Siguiendo la tónica de sus dos primeras obras de estos nuevos Bad Company, este continua por la senda del rock melódico, y sin embargo tiene un punto mas cercano al hard rock con poderosas canciones como “Fearless”, “Dead Of The Night” o “Stranger Stranger”, mientras cortes como la que da titulo al álbum, o “Lay Your Love On Me”, “With You In a Heartbeat” o “Never Too Late”, están orientadas claramente al sonido AOR tan inconfundible de los años ochenta con esas melodías tan irresistibles, a las que hay que sumar los medios tiempos adictivos “100 Miles”, “Boys Cry Tough” o “If Tou Needed Somebody”.
La recepción posterior del álbum les llevaría a conseguir un disco de platino por sus enormes ventas en el mercado norteamericano y unas criticas favorables, lo que contribuiría a mantener el enorme status de la banda en el panorama del rock mundial.

The Doobie Brothers-The Doobie Brothers (1971)

Formados a principios de 1970, The Doobie Brothers son una de las formaciones fundamentales del rock norteamericano, que durante su larga carrera han mostrado una versátil muestra de estilos que han ido derivando del rock sureño de sus comienzos, hasta los sonidos del jazz, rock, country, soul y blues de sus siguientes lanzamientos.

En 1971 su formación estaba comprendida por Tom Johnstone (guitarras eléctricas y acústicas, harmónica y voz), Patrick Simmons (guitarras eléctricas y acústicas y voz), John Hartman (batería y percusión), y Dave Shogren (bajo, teclados y voces).

Producido por el afamado Ted Templeman, a mediados de 1971 publicaron su debut homónimo en donde ya mostraban su credenciales en un álbum repleto de country rock, boogie rock y de rhythm and blues.

Pese a que aún estaban en ciernes con un estilo por definir, aquí muestran varias de sus legendarias canciones como la rítmica "Nobody" o la country rock "Greenwood Creek".

La polvorienta "The Master" o las bellas melodías vocales de "Growin´a Little Each Day", "Closer Every Day" o "Travelin´Man", son otros de los destacados  momentos de este germinal álbum, el cual que apenas tuvo la repercusión mediática merecida.

Un año después la banda obtendría un notable éxito con su siguiente lanzamiento "Toulouse Street", en el cual ofrecen otros elementos musicales como el jazz o los sonidos rurales de la música norteamericana como el bluegrass, que sumados al country rock sureño, se convertía en uno de los estilos distintivos de esta magnifica banda.

Solaris-Marsbéli krónikák (Martian Chronicles) (1984)

Solaris son junto a los míticos Omega, una de las mejores bandas del rock progresivo húngaro de la historia.

Fundada a principios de los ochenta por una serie de músicos de formación clásica. Ellos eran István Cziglán (guitarras, teclados y percusión), Róbert Erdész (teclados), Attila Kollár (flauta, teclados y voces), Tamás Pócs (bajo), y László Gömör (batería y percusión).

A mediados de los ochenta Solaris lograron publicar su primer álbum bajo el sello independiente Star Records, titulado “Marsbéli krónikák (Martian Chronicles)”, el cual esta considerado una de las joyas del genero vanguardista magiar.

Con un clara apuesta por los sonidos sinfónicos, repletos de momentos de gran esplendor y grandilocuencia, a modo de inmensos pasajes de sintetizadores, guitarras hard rock y unos precisos e inteligentes arreglos musicales.

Desde esfuerzos cercanos al space rock ( Marsbéli krónikák parts I and VI), hasta pasajes intensos de música progresiva "M´ars Poetica", pasando por cortes mas serenos como "Ha Felszáll a Köd" o acercamientos a los sonidos frenéticos del hard rock "Apokalipszis" y "Legyözhetetlen".

Este debut supuso uno de los mejores registros del rock progresivo europeo de la década de los ochenta, una obra que revitalizo el genero progresivo, que por aquellos años estaba sumido en una crisis creativa y mediática.

Little River Band-Get Lucky (1990)

La Little River Band es una de las grandes bandas australianas de la música rock, la cual obtendría un rotundo éxito en la década de los setenta con su estilo heredero del melódico folk y country rock de las bandas norteamericanas América, Poco o The Eagles.

Sus primeros seis álbumes lograrían acaparar las listas de una docena de países alrededor del mundo comenzando por los Estados Unidos, donde cosecharían discos de oro y platino y mas de 30 millones de discos vendidos.

Álbumes como "Diamantina Cocktail" (1977), "Sleeper Catcher" (1978) o "First Under the Wire" (1979), les colocaron en la cúspide del rock mundial, hasta el punto de que la mismísima Capitol Records les ficharon bajo un contrato multimillonario por diez discos, que fueron lanzados a finales de los setenta y gran parte de los años 80.

Con el apadrinamiento del mítico sello norteamericano, se fueron sucediendo una serie de álbumes de moderado éxito como "Time Exposure" (1981), "Playing to Win" (1985) o "No Reins" (1988).

En todos esos años la banda sufriría un constante ir y venir de integrantes sin que ello mermara la enorme calidad del grupo.

Una vez acabada la aventura con la Capitol, el grupo australiano es contratado por la MCA con quienes publican los álbumes "Moonson" (1988) y "Get Lucky" (1990), trabajos con los que recuperan el prestigio y el éxito de antaño.

En "Get Lucky" demostraron que seguían produciendo grandes canciones después de quince años de carrera. Sin embargo, estas estaban mas orientadas hacia los sonidos del rock melódico, endureciendo su estilo en detrimento del folk y el country, pero siempre con las excepcionales melodías vocales tan características en la Little River Band.

Excelentes cortes como las irresistibles "If I Get Lucky", "There´s Not Another You" o "Two Emotions", contrastan con las mas cercanas al estilo inicial del grupo como "Every Time I Turn Around", "I Dream Alone", "As Long I´m Alive" o "Listen To Your Heart", mientras las notables "Second Wind" o "Time & Eternity", muestran la faceta mas enérgica de la banda con esos afilados riffs de guitarras rock.  

Perigeo-Abbiamo Tutti un Blues da Piangere (1973)

“Abbiamo Tutti un Blues da Piangere” fue el segundo álbum de la banda italiana Perigeo, una formación que había sido fundada en 1971 por el bajista Giovanni Tommaso, que junto al baterista Bruno Biriaco, al saxofonista Claudio Fasoli, al guitarrista Tony Sydney, y al pianista Franco D'Andrea, publicaron media docena de álbumes de estudio hasta su disolución definitiva en 1981.

Con un estilo basado en incursiones jazzisticas fusionadas con el rock que músicos como Miles Davis emprendería en álbumes como el monumental "Bitches Brew", muestra el virtuosismo de una banda realmente competente y original.

En este segundo trabajo, esta formación transalpina logro crear un repertorio rico en cientos de matices sonoros como la jazz rock trepidante "Non c'é Tempo da Perdere", o la melódica con cierto regusto al hipnotismo de John Coltrane "Deja Vu". Por otra parte, Perigreo también saben desenvolverse en las improvisaciones instrumentales como queda patente en "Rituale", una pieza en donde incluso rozan la psicodelia de finales de los 60. La blues con trasfondo jazz "Abbiamo Tutti un Blues da Piangere" o la jazz progresiva "Vento, Pioggia e Sole", son igualmente elementos que sobresalen en este soberbio y brillante registro.

Esta obra es sin duda una de las mas interesantes dentro del panorama del jazz rock europeo, en el cual dejaron bien sentado que el rico estilo jazzistico italiano, era casi tan antológico como el  norteamericano proveniente de bandas coetáneas como la Mahavishnu Orchestra de John McLaughin, Return to Forever de Chick Corea o Weather Report de Joe Zawinul, precisamente tres de los pilares fundamentales que participaron en el mencionado “Bitches Brew” de Miles Davis.

10cc-Sheet Music (1974)

Con su segundo lanzamiento, 10cc se reivindicaron como una de las sensaciones del pop-rock de principios de los 70, con un álbum tan magistral como igualmente ingenioso y diverso.

El equilibrio musical de sus cuatro integrantes, todos ellos unos afamados instrumentistas y excelentes compositores, es perfecto en esta entrega.

Con sus irónicas e inteligentes letras, la brillante y poderosa guitarra de Stewart y las hermosas armonías tanto vocales como musicales del resto dan como resultado un álbum fascinante.

Cualquiera de ellos se intercambian los roles de instrumentos, desde Eric Stewart con las guitarras, mellotrón, teclados y voces, hasta la batería y percusión y voces de Kevin Godley, pasando por las guitarras, teclados, percusión, sintetizadores, bajo, campanas tubulares y un sin fin de instrumentos, además de las voces interpretados por Graham Gouldman y Lol Creme. 

Aquí la banda saca a relucir lo mejor de si mismos con unas maravillosas líneas musicales, como demuestran las irresistibles canciones "The Wall Street Shuffle", "The Worst Band in the World", "Hotel", "Silly Love", "Somewhere In Hollywood" o "The Sacro-Illac".

Con este registro, 10cc confirmaban que eran una de las bandas más innovadoras y originales, que los ratificarían en los siguientes años publicando una serie de joyas como "The Original Soundtrack" (1975), "How Dare You!" (1976), "Deceptive Bends" (1977) o “Bloody Tourists” (1978).

Black Sabbath-Mob Rules (1981)

La década de los ochenta habían empezado para Black Sabbath de manera majestuosa, mostrando dos de las obras maestras del heavy metal como fueron el inmenso "Heaven and Hell" y el oscuro y pesado "Mob Rules.

En ambos aparece Ronnie James Dio en el rol de vocalista, sustituyendo a Ozzy Ousborne, que había sido “invitado” a salir después del álbum "Never Say Die!" de 1978.

Si bien no alcanzaría los niveles creativos y comerciales de "Heaven and Hell", con su continuación, este "Mob Rules", la banda liderada por Tony Iommi, muestra un sonido mas abrumador y consistente.

Además de Ronnie James Dio (voz), Tony Iommi (guitarra) y Geezer Butler (bajo), en esta grabación aparecen el baterista Vinny Appice en sustitución de Bill Ward y el teclista Geoff Nichols.

Al igual que el mencionado "Heaven and Hell", este es una verdadero y clásico disco de heavy metal irrebatible, que contiene una serie de aplastantes canciones como "Turn Up The Night", “The Mob Rules”, "Slipping Away" o "Voodoo". Por otro lado los guiños al pasado aparecen en la fatalista y épica "The Sign of the Southern Cross", en la melancólica y funesta "Over and Over" y en la tremendamente furiosa "Falling Off The Edge of The World".

Robin Trower-Someday Blues (1997)

La carrera de Robin Trower ha estado marcada por sus inicios grandilocuentes junto a los míticos Procol Harum en los años sesenta. Ya en la década de los setenta comenzaría una meteórica carrera en solitario publicando una serie de álbumes de gran clase y enorme éxito que lo aclamaron como el Jimi Hendrix blanco debido a su enorme talento con la seis cuerdas. Álbumes como "Twice Removed From Yesterday” (1973), "Bridge Of Sighs" (1974), "For Earth Below" (1975) o "Long Misty Days" (1976), le colocan en la cúspide de los grandes guitarristas rock de la década de los setenta. Sin embargo a partir de la década siguiente, sus trabajos tuvieron menos intensidad y pasaron mucho más desapercibidos, pese a su incuestionable calidad. No seria hasta mediados de los noventa, cuando volvería a la senda del éxito y el merecido reconocimiento con una serie de discos enfocados en el blues con guiños al hard rock de sus inicios. Uno de esos álbumes fue el publicado en el año 1997, "Someday Blues", en el cual seguía en ese ascenso creativo y comercial componiendo un trabajo repleto de brillantes cortes enfocados al blues como "Next In Line", "Someday Blues", "Crossroads", "I Want You To Love Me´" o "Shining Through".

Fleetwood Mac-Fleetwood Mac (1968)

A principios de 1968, Fleetwood Mac debutaban con un disco repleto de brillantes blues, repartidos entre versiones y composiciones propias de sus dos lideres, por un lado Peter Green y por otro Jeremy Spencer. La formación de esta primera encarnación de la banda estaba compuesta por los bajistas John McVie y Bob Brunning, el baterista Mick Fleetwood, y los mencionados Peter Green y Jeremy Spencer como guitarristas y voces. En esta primera entrega muestran una gran variedad musical que superaba a prácticamente cualquier otra agrupación de blues británico de finales de los sesenta, ofreciendo un repertorio vibrante y atractivo de blues clásicos. Dicho repertorio esta compuesto por cautivadoras versiones como "Hellhound on My Trail" de Robert Johnson, "Shake Your Moneymaker" de Elmore James, "No Place to Go" de Howlin´Wolf o "Got to Move" de Marshall Estus Sehorn, las cuales son secundadas por las seductoras firmadas por el grupo "Merry Go Round", "Looking for Somebody", "My Baby´s Good to Me" o "Cold Black Night". El álbum terminaría encaramándose hasta el cuarto puesto en las listas británicas, recibiendo grandes elogios en la prensa especializada de la época. 

Duane Eddy-Especially for You (1959)

Duane Eddy tiene el gran merito de haber impuesto a nivel mundial el protagonismo absoluto de la guitarra eléctrica en el mundo del rock, y al mismo tiempo fue uno de los primeros guitar héroes de la historia.

Su carrera comenzaría aún estando en la escuela primera a principios de los 50, grabando dos canciones compuestas por el disc-jockey Lee Hazlewood; "Soda Fountain Girl" y " I Want Some Lovin´Baby".

Una vez finalizado sus estudios, adquirió una guitarra Gretsch, dotada de la última tecnología de la época y tomaría lecciones de perfeccionamiento con el músico de jazz Jimmy Wyberle.

Durante varios años fue adquiriendo una amplia experiencia y poco a poco fue desarrollando nuevas técnicas revolucionarias como el estilo "twangy", un peculiar sonido metálico y repetitivo, que desde ese momento se convirtió en la marca distintiva de Duane Eddy.

A finales de los cincuenta junto a su banda The Rabels, una serie de canciones suyas obtienen un gran éxito en medio mundo, canciones como "Rebel Rouser", "Ramrod", "Cannonball", "Forty miles of bad road" o "Peter Gunn" entre otras muchísimas mas con las cuales fue consolidando su estilo y su carrera artística.

Sin embargo en los primeros años 60, su popularidad empezó a brillar con menos intensidad debido a las nuevas generaciones de músicos como The Beatles, Animals o The Who, pero aun así su legado siempre permaneció como el percusor de un estilo único y pionero como es el "twangy".

En 1994 fue inducido al “Rock and Roll Hall Of Fame”, años después en el 2008 en el “Musicians Hall of Fame and Museum” y en 1986 recibiría el Grammy por el mejor instrumental del rock con "Peter Gunn"

Actualmente con mas de 60 años Duane Eddy sigue dando conciertos por todos los Estados Unidos con un notable éxito de asistencia en todas sus actuaciones.

Barclay James Harvest-Barclay James Harvest (1970)

El primer álbum de la Barclay James Harvest, supuso una de las mayores sorpresas de una banda totalmente desconocida, que debutaba en el mundo del rock progresivo con un trabajo sorprendente e ilusionante para los fans del genero.
En esta primera entrega la BJH conjugaba perfectamente los sonidos que hacían del progresivo el genero de moda de principios de los setenta, el folk, la música clásica, grandes arreglos orquestales, melodías pop, sonidos barrocos y el rock, todo ello con pinceladas psicodélicas.
Su estilo estaba fundamentado en el acompañamiento masivo del mellotrón y los sutiles destellos de los riffs de guitarras. Ya desde la impresionante “Taking Some Time On” que abre el disco, muestra la enorme calidad del grupo, a la que siguen piezas asombrosas como la épica “Dark Now My Sky”, la barroca “When The World Was Woken” o la psicodélica “Good Love Child”.
Con este álbum comenzaría una carrera que duraría casi cuatro décadas dejándonos algunos de los mas recordados discos del genero y cosechando innumerables éxitos, sobre todo en el centro de Europa donde fueron venerados y considerada una de las mejores bandas de todos los tiempos.

Dare-Out Of The Silence (1988)

Después de su aventura con la banda Thin Lizzy, el teclista Darren Wharton fundaría una propia que siguiendo los pasos de su banda madre, con esos aires de folk irlandés y hard rock, se convirtió en una de las mejores formaciones de culto de los noventa.
Para este nuevo proyecto Wharton reclutaría al batería James Ross, al bajista Martin Shelton y al guitarrista Vinny Burns y casi a finales de 1988 publicaron su primer álbum “Out Of The Silence”.
En este debut Wharton nos dejaba un repertorio de magnifico rock melódico irresistible, como  queda demostrado en cortes como “Abandon” o “Into The Fire” sin dejar de mencionar la soberbia y épica “Under The Sun”.
En sus siguientes propuestas la banda se orientaría hacia los sonidos mas celtas y folk sin dejar de lado el inconfundible sonido AOR de este descomunal y pegadizo debut.

Supermax

Uno de los mas originales músicos europeos de finales de los setenta fue el multiinstrumentista austriaco Kurt Hauenstein. Su creatividad le llevaría a fusionar los sonidos del pop rock con elementos electrónicos de la escena subterránea europea y los sonidos multirraciales como el reggae.
Los orígenes de esta banda se remontan a 1977, cuando Hauenstein se traslado a Frankfurt en donde creo la banda-proyecto Supermax
la cual estaba formada por Kurt Hauenstein (Mini Moog, voz), Hans Ochs (guitarra), Ken Taylor (bajo), Lothar Krell (teclados), Peter Koch (percusión), Jürgen Zöller (batería) y los cantantes Cee. Cee Cobb y Jean Graham. Con esta formación publican su primer álbum "Don't stop the music". En esta primera entrega destacan la bluesy adictiva “I Am What” y la funk “Push Push (Sexy Chocolate Girl)”.
Después de su primera gira por las salas de conciertos más importantes de Alemania, publican el segundo álbum "World of today", el cual obtiene un gran éxito de ventas y se convierte en el "artista más vendido" de WEA-Records de ese año. Temas como la irresistible melodía de “World Today”, en donde el sonido del mini moog impregna su ritmo contagioso, la repetitiva con sonidos dance “Lovemachine”, o la soul psicodélica “Be What You Are”, los catapultan hasta las primeras posiciones en las listas de éxitos de media Europa.
Al año siguiente recibe su primer álbum de oro, incluido el premio "Golden Aphax-Tape". Después de mas de 160 conciertos exitosos por Alemania, Suiza, Italia, Holanda, Bélgica o España, lanzarían otro exitoso álbum "Lovemachine".
Ya en 1978, Kurt Hauenstein abandona el continente europeo para buscar nuevos sonidos en las islas del Caribe.
Un año después "Fly with me", que contiene el éxito "It Ain´t Easy”, es el que encumbra definitivamente a nivel internacional a Supermax, en el cual ya se intuyen algunas raíces musicales caribeñas.
De regreso a Frankfurt, publica "Types of Skin", con el cual logra una ventas que superaron las 200 mil copias solo en Alemania y con temas tan destacados como la reggae “Ganja Genereation” y la psicodélica rock “Hotline”.
Sin embargo la discográfica se muestra descontenta con el rumbo que Supermax esta orientando su estilo y muestra su malestar por el “fracaso” comercial de este ultimo álbum.
En respuesta Kurt Hauenstein ignora las reacciones de la industria discográfica y la prensa especializada y, en consecuencia, se centra en el mercado del Este de Europa. Y pronto se convierte en el primer grupo occidental que rompió el Telón de Acero, de gira por Hungría, Yugoslavia, Rumania, Checoslovaquia y Bulgaria. Después de eso, girarían con bastante éxito por países como Francia, Italia o Grecia, para nuevamente retirarse durante algún tiempo a Jamaica.
En 1981 se embarcaron en una gira como la primera banda mixta por Sudáfrica. La banda tocó en 21 conciertos, lo que provocó un caos total en el país. Contra todas las advertencias e incluso amenazas de muerte, Kurt Hauenstein finaliza la gira, lo que le provocó el estatus de “vetada su entrada” en algunos países y consecuentemente fueron incluidos en la lista negra de algunas organizaciones políticas. Posteriormente Kurt Hauenstein regreso a Europa en donde formaría una nueva formación y lanzo su quinto álbum "Meets the Almighty", en el cual sobresalían la reggae “Aya Jah Jah”, la funky “Madness”, la pegadiza instrumental “Sunshine People” o la deudora del sonido Motown, “Tonight”. Posteriormente realizaría una extensa gira por varios países comunistas como La República Democrática Alemana y la Union Soviética, fomentado así nuevamente la polémica entre los países occidentales.
Tras un largo tiempo de aislamiento y reflexión silenciosa. Kurt Hauenstein se retira y construye un primer estudio en Frankfurt junto con su teclista Tommy Schmidt. A continuación, Kurt Hauenstein escribe el guion y la música de la película "A Planet Called Earth". En el otoño de 1982, Kurt Hauenstein da la espalda a Alemania y se marcha a Italia, donde se instala en la isla de Ischia.
Un año después logra ser el primer músico blanco de la historia en recibir una invitación al legendario festival "Reggae Sun Splash" en Montego Bay, Jamaica. Cuando lo anunciaron junto a Rita Marley, Third World, Yelloman, Black Uhuru, Massive Dread y Gregory Isaacs en el último día del “Reggae-Marathon” de 5 días con las palabras: "Rastafaris y ahora tenemos para vosotros la primera banda del viejo continente europeo que alguna vez tocó en Reggae Sun Splash: Supermax!!!", en esos momentos Kurt Hauenstein finalmente estaba en la cima de su carrera ideológica y comercial.
Posteriormente y bajo el sello discográfico Ariola publica su sexto álbum “Electricity”.
A partir de aquí la carrera de Kurt se vuelve frenética apadrinando y produciendo artistas semi desconocidos de diferentes signos musicales y países como Jamaica o del Este de Europa.
En 1990 lograría un gran éxito con su álbum “World Of Tomorrow”, lo que le llevaría de gira nuevamente por media Europa
Ya a mediados de los noventa el muscos decide trasladarse a vivir a las españolas islas Canarias, pero sin abandonar sus frecuentes viajes a Europa, donde sigue actuando con bastante frecuencia. En 1996 seria uno de los cabezas de cartel del Festival “Atlantica 96” en Las Palmas de Gran Canaria, para posteriormente girar por las grandes salas de conciertos de Moscú.
En 1997 Para celebrar su vigésimo aniversario desde su fundación se lanza el doble álbum en directo “20th Anniversary Tour”, seguido de innumerables conciertos por Europa.
A finales de los noventa Kurt se empieza a cansar de la aburrida y monótona vida en las Islas Canarias y decide trasladarse nuevamente a Europa en busca de nuevas sensaciones e inspiración. Finalmente se asienta entre su país natal Austria y la Republica Checa, en donde construye una amplia sala de conciertos inaugurándola con un monumental concierto la nochevieja de 1999 titulado “Millenniums Concerts”.
Ya en la década del 2000, Kurt sigue en busca de nuevos sonidos para su música, en sus propios estudios de Viena, Frankfurt y Sofia. Pero con el paso del tiempo empieza a perder el contacto con el resto del mundo.
Algún tiempo después y tras varios años de intenso trabajo publica su nuevo trabajo titulado “Terminal 2002”.
Para el siguiente año, Supermax esta de nuevo de gira con una nueva formación, en donde los nuevos instrumentos y las técnicas de dan al grupo nuevos y esperanzadores impulsos. Llegados a este punto Kurt esta inmerso en multitud de proyectos paralelos como la edición de un box set de seis discos de retrospectivos de la historia de Supermax.
Un año después Kurt Hauenstein se traslada a Bulgaria y comienza el proyecto “World-Music: Yaku II". Y produce la banda sonora de “The Land Of Flies”.
Mas tarde y en una gira sustancial por Rusia, desde San Petersburgo hasta Vladivostok, que inserta la dosis necesaria de adrenalina con unos exitosos y multitudinarios conciertos. Con ella llega una escena de nueva y novedosa instrumentación virtual y una actuación escénica que dejará a todos boquiabiertos.
Un año después se publica oficialmente la biografía de la banda “Supermax 1977-2004”, la cual obtiene un gran recibimiento.
En los sucesivos meses sus conciertos en Moscú, Krasnodar, Volgogrado, Samara, Ufa, Perm, Ekatarinburg (el lugar donde fue ejecutado el último Zar y su familia), son continuos
En el 2004 y después de más de 30 años en la carretera, Kurt Hauenstein regresa a sus raíces en Viena desde donde prepara nuevas mezclas de sus futuros lanzamientos y un nuevo espectáculo que le llevara por toda Europa en el 2007 bajo el nombre de “30th Anniversary Tour”.

Yes-90125 (1983)

Al igual que sucedería con otras bandas legendarias de los 70, Yes lograría su mayor hazaña comercial con el álbum lanzado a mediados de los ochenta "90125", el mayor éxito en ventas del grupo británico, logrando alcanzar un sorprendente top-5 en la lista de álbumes.
A diferencia de sus trabajos de la década anterior, aquí abandonan por completo la complejidad y pomposidad del rock progresivo para centrarse en un sonido de hard rock melódico cercano a las influencias AOR.
El álbum contiene momentos de excelentes melodías asequibles, ritmos pegadizos y un sonido comercial irresistible.
Yes en esta época se había adaptado a nuevas formas de hacer música, que frente a sus obras maestras de la década anterior se ve favorecida por su originalidad y accesibilidad.
Una parte importante de este cambio sería su nuevo guitarrista Trevor Rabin, quien asume casi por completo el liderazgo, tanto en el plano compositivo como su aporte como guitarrista; muy agresivo y melódico y su forma de concebir la música.
Temas como la archiconocida "Owner Of A Lonely Heart", la poderosa "Changes" y la rítmica rock "Hold On", demostraron que Yes se habían readaptado perfectamente a los nuevos tiempos y a los sonidos mas tecnológicos de la década de los ochenta.

Jazz Rock/Jazz Fusión

El jazz fusión y el jazz rock son básicamente subgéneros del jazz clásico que están fuertemente influenciados por otros estilos de música. Jazz fusión es un término ambiguo que proporciona el subconjunto de primer nivel por debajo de Jazz. Jazz rock es un conjunto sub-sub del jazz a través de la fusión de jazz. La ambigüedad proviene de una tendencia estadounidense a lo largo de los años 70 y hasta ahora, de intercambiar libremente jazz rock y jazz fusión, cuando en realidad este último término cubre la mayoría de los híbridos de jazz fusionados con otras formas de música. Las raíces del jazz rock se remontan a artistas de soul-jazz influenciados por el Rythym ´n´Blues como Les McCann, Grant Green o Jimmy Smith, y jóvenes jazzistas británicos como Graham Bond, Ginger Baker, John McLaughlin, Jack Bruce o Georgie Fame, que fueron forzados a usar instrumentos electrónicos porque los instrumentos acústicos de los clubs locales solo estaban reservados para los músicos de jazz clásicos y veteranos. Probablemente los primeros artistas de jazz que lanzaron grabaciones que mezclaban rock moderno (alrededor de los años 60) con jazz fueron Larry Coryell, Jeremy Steig, Charles Lloyd, The Soft Machine o The Jazz Crusaders entre otros muchos mas. Mientras tanto, artistas de rock como Cream, Grateful Dead o The Jimi Hendrix Experience estaban recibiendo mucha publicidad y fama con sus largas improvisaciones basadas en blues, rock, psicodelia y jazz. Estos artistas de rock tuvieron un gran impacto en Miles Davis, quien generó mucha atención de los medios a este nuevo género de jazz-rock con su álbum “Bitches Brew”. A partir de ahí, el género creció de manera abrumadora y explotó en numerosas direcciones diferentes. Una de estas direcciones fue el rock de metales, (brass rock) como lo ejemplifican bandas como Dreams, Chicago Transit Authority , Blood Sweat &Tears o If entre otras muchas. Estas bandas combinaron elementos de jazz, rock y música clásica con arreglos para instrumentos de viento de metal y madera.
Muchos otros estilos de música se han combinado con el jazz para crear una fusión que incluye música tradicional de todo el mundo, R'n'B, rock, música electrónica, música pop y jazz proveniente de otros continentes. Uno de los primeros ejemplos del uso del término fusión proviene de la vinculación indo-jazz de Joe Harriott y John Mayer. Algunos de los primeros practicantes más populares de la fusión incluyeron a Weather Report y Herbie Hancock's Sextant. Casi al mismo tiempo, Shakti aparece en escena y amplía aún más los límites de la fusión, presagiando el movimiento World Fusión de los años 90.
Todos los artistas tienen elementos de rock progresivo en su música, como Jean Luc Ponty, Bill Bruford o David Sancious o representan el elemento más vanguardista y progresivo de su género, Miles Davis, Mahavishnu Orchestra, Colosseum, Return to Forever, Passport, Herbie Hancock o Weather Report entre otras cientos y cientos de bandas coetáneas, tal vez no tan populares pero si fundamentales en el devenir del jazz progresivo.

Jazz

El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos, su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo.
El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.
En sus raíces, el jazz fue fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, los Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.
En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias Baptista y Metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.
Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como Góspel, un canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.
La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, como es el Blues.
Si nos atenemos a los criterios musicales, el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero realmente el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling”, “es una sensación y un sentimiento”.
Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el Ragtime, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin (1868-1917).
El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton (1885-1941), se permitiría autoproclamarse “inventor del jazz”.
Las características del jazz     
Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente.
La improvisación. La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free jazz, años 60) es la forma canción (AABA). Cada una de las partes suele tener 8 compases. El músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creando nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en la base de toda la composición.
Instrumentos utilizados frecuentemente por los músicos de jazz
El jazz es una música de raíz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los instrumentos se utiliza. Fundamentalmente se dividen en dos clases: los que marcan el ritmo (rítmicos) y los que tocan la melodía (melodía).
Rítmicos: Batería. Se empezó a utilizar muy tempranamente pero como un instrumento secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier formación.
Contrabajo. Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba.
Melódicos: Piano. Utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista.
Trompeta. Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.
Saxofón. Se puso de moda con Coleman Hawkins (1904-1969) y pasó a convertirse en solista a partir de la revolución de Charlie Parker (1920-1955).
Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.
Guitarra. Elemento que tomo muchísima importancia a partir de los cincuenta, ritmo, tonalidad y sobre todo armonia daba al jazz un toque elegante y a la vez duro, Wes Montgomery (1923-1968), Django Reinhardt (1910-1953) o los actuales Pat Metheny, George Benson, Earl Klugh...lo testimonian
Vibrafono. A partir de los cuarenta el mas impresionante de los instrumentos de percusión tomo las riendas a modo de piano, con Lionel Hampton (1908-2002) o actualmente Gary Burton.
Agrupaciones:
Las agrupaciones instrumentales en jazz son muy variadas, pueden ir desde un instrumento solista a grandes bandas de hasta 50 músicos. Las más comunes son:
Trío: Formado generalmente por dos instrumentos rítmicos (batería y contrabajo) y uno melódico, que suele ser el piano o la guitarra. Esta agrupación se puso de moda a partir de los años 40 con el inicio del jazz moderno.
Cuarteto: Es quizás la agrupación más característica, consiste en añadir a la anterior un instrumento de viento, trompeta o saxofón. En un quinteto habrá dos instrumentos de viento.
Big Band: Las más comunes cuentan con una sección de ritmo (piano, contrabajo, batería y guitarra) y otra de viento (saxofones, trompetas y trombones). La época más importante de este tipo de agrupaciones fue en los años 30 o en la llamada “era swing”.
Evolución y estilos.
Estilo Nueva Orleans. Esta ciudad fue la cuna del jazz, aquí nació Jerry Roll Morton, que si bien realmente no inventó el jazz, sí fue uno de los primeros músicos que tuvo conciencia de que esa música, en la que se entremezclaban tantas influencias y que partía de una tradición un tanto difuminada, era una “nueva” música. En este primer jazz todavía se aprecian claramente los lazos con la música de pasacalle y con el ragtime. Figuras indiscutibles de este momento son los cornetistas Buddy Bolden (1877-1931) y posteriormente King Oliver (1885-1938).
Pronto los grupos de jazz comenzaron a emigrar a otras ciudades de Estados Unidos, como Nueva York o Chicago, y en 1917, tras la clausura del barrio de Storyville, (en el que a lo largo de veinte años habían encontrado cobijo la prostitución y toda su infraestructura recreativa), esa emigración fue masiva en las ciudades de Nueva York y Chicago de los años veinte. En esos primeros años veinte, el jazz encontró refugio en los locales de los traficantes de alcohol. Ya en 1923 las orquestas de King Oliver y de Jerry Roll Morton comenzaron a grabar discos que anunciaban el jazz (a posteriori llamado “tradicional”) que tendría en Louis Armstrong (1901-1971) a su más popular representante.
Armstrong, al frente de sus Hot Five primero y luego con los Hot Seven, consiguió que el jazz diera un salto enorme en su evolución al imponer la expresión personal del solista frente a la improvisación colectiva entretejida que caracteriza el estilo de Nueva Orleans.
Otra gran figura fue la de Bix Beiderbecke (1903-1931), un trompetista blanco cuyo original fraseo y prematura muerte hicieron de él un mito del jazz de esa época.
Junto a ese florecimiento de los solistas, los años veinte conocerían el inicio del esplendor de las grandes orquestas, como la de Paul Witheman (1890-1967), que se consagraría entre el gran público con su versión de “Rhapsody in Blue” de George Gerswhin (1898-1937), la de Fletcher Henderson (1897-1952), con solistas como Rex Stewart (1907-1967) a la trompeta o Coleman Hawkins (1904-1969) al saxo tenor y sobre todo la orquesta de Duke Ellington (1899-1974).
Los años de la Depresión. El crac económico de 1929 afectó gravemente a  numerosos músicos que se vieron alejados de los estudios de grabación y de los escenarios, sin embargo el público seguía reclamando espectáculos y las orquestas ya establecidas siguieron conociendo un auge imparable al que se sumaría, entre otras, la de Count Basie (1904-1984), considerada por muchos la mejor orquesta de jazz de todos los tiempos.
De estas orquestas surgirán numerosos solistas de enorme personalidad. Figuras singulares de este momento son el pianista Art Tatum (1909-1956) y el pianista y cantante Fats Waller (1904-1943).
Una importante consecuencia de la depresión económica americana fue el desplazamiento a Europa de muchos artistas en busca de trabajo. Aquí el panorama que encontraron fue muy diferente al que conocían, pues si en un primer momento sus actuaciones se limitaban a los salones de grandes y vetustos hoteles, que veían en el jazz un signo de modernidad, pronto pasarían a las salas de conciertos arropados por una afición que veía en ellos a los padres de una nueva música.
Fue el momento de la eclosión de los “hot clubs”, verdadero conciliábulos de los aficionados al jazz, a la vez que, contagiados por la presencia de músicos como Coleman Hawkins o Sidney Bechet (1897-1959), comenzaron a despertarse numerosas vocaciones musicales, surgió así la mítica formación del Quinteto del Hot Club de Francia liderado por el guitarrista Django Reihardt y el violinista Stéphane Grappelli (1908-1997).
La era del swing. En 1923 se derogó la prohibición del alcohol en Estados Unidos y este hecho, junto a los éxitos y la popularidad de formaciones de músicos blancos como Benny Goodman (1909-1986) o Glenn Miller (1904-1944), contribuyó a que el jazz perdiera, al menos en parte, el calificativo de música marginal.
En la segunda mitad de los años treinta el jazz alcanzó uno de sus grandes momentos de florecimiento. Es el estilo que se conoce como “mainstream” (literalmente se traduce por corriente principal), época intermedia entre el jazz tradicional y el jazz moderno.
Las orquestas seguían siendo el marco ideal para el lucimiento de los solistas y a la vez favorecieron la eclosión de nuevos talentos como el saxofonista Lester Young (1909-1959) y del contrabajista John Kirby (1908-1952).
Fue el momento también de la aparición de dos grandes cantantes, Billie Holiday (1915-1959) y Ella Fitzgerald (1917-1996), quienes, junto a Sarah Vaughan (1924-1990), reinarán hasta nuestros días como diosas entre las voces del jazz y aún nadie las ha superado.
El jazz tras la segunda guerra mundial. En 1941, los Estados Unidos entraron oficialmente en guerra y buena parte de los músicos de jazz se vieron obligados a vestir el uniforme militar y a colaborar con las bandas del ejército o a grabar discos destinados al esparcimiento de la tropa. En Europa tampoco se respiraban buenos aires para esa música que los nacionalsocialistas calificaban de "degenerada".
La influencia de la guerra en la vida de los músicos y sobre todo las ansias de innovación de los más jóvenes contribuirían a una profunda renovación del jazz.
El club Minton´s Playhouse sería la cuna de un nuevo estilo, el bebop, que tiene en Charlie Parker (1920-1955) y Dizzy Gillespie (1917-1993), a sus líderes indiscutibles. Los músicos de jazz ya no encontraban en el mundo del espectáculo el lugar adecuado para expresar su talento, simplificando las cosas, si Louis Armstrong representó en su momento la toma de conciencia del solista dentro de las formaciones del jazz, los bopper representaron una toma de conciencia mucho más amplia, se trata de volver a los orígenes, de reinterpretar y reescribir la tradición mediante la exploración de nuevas armonías, la ampliación de los registros sonoros y explotar todas las posibilidades de los ritmos y los tempos a la vez.
Entre los nuevos músicos Thelonius Monk (1917-1982), sería uno de los primeros en adaptar el piano al bebop, igual harían Charles Mingus con el contrabajo y Miles Davis (1926-1991), con la trompeta entre otros muchos.
La escena del jazz de la segunda mitad de los años cuarenta era un auténtico hervidero, pues, ante el nacimiento del bebop, los representantes de la tradición trataron de revitalizar el estilo de Nueva Orleans, a la vez que la música afro-cubana, instalada en Nueva York, se adueñó de buena parte de las salas de baile  
Fue también la época del gran triunfo de la cantante Ella Fitzgerald, con unos recursos técnicos incomparables como el "scat", forma vocal basada en sílabas onomatopéyicas (ya utilizada por Louis Armstrong) que permite competir con la improvisación instrumental. Junto a ella destacaron como las más grandes figuras del jazz vocal Billlie Holiday, con un estilo más intimista y Sarah Vaughan, la cantante más emblemática del bebop.
Además de los clásicos como Armstrong, Basie o Ellington y de los modernos Parker y Gillespie, el rhythm and blues vivía un momento de esplendor con la aparición de figuras como Ray Charles (1930-2004), Etta James (1938-2012) o Chuck Berry (1926-2017). Incluso parecía que algo empezaba a cambiar en la política estadounidense, surgiendo las primeras emisoras radiofónicas destinadas al público afroamericano y desterrando etiquetas como la de "race records" que se habían destinado a esta música.
Los años cincuenta: bebop, cool jazz y rhythm and blues. En la relativamente breve historia del jazz, apenas un siglo, los cambios se han producido siempre a caballo sobre movimientos existentes, que no han desaparecido, sino que sólo han cedido la primera página de la actualidad sin llegar a extinguirse. Lo que en principio parecían "modas" son en realidad estilos, que se han afirmado con el paso del tiempo y están obligados a convivir en el amplio espacio de la música afroameriana. Esta situación se hace patente en los años cincuenta.
Por un lado algunos músicos blancos, como Chet Baker (1929-1988), rehuyeron el lado más explosivo del bebop sin renunciar a los progresos que éste suponía  y adoptaron una estética más apaciguada con un toque de lirismo y emoción a la que se aplica el nombre de cool jazz .
El cool jazz, sin embargo es un movimiento amplio que abarca desde el llamado "jazz de cámara", por ser demasiado elegante según algunos, del Modern Jazz Quartet, hasta colaboraciones irrepetibles como la Miles Davis y Gil Evans (1912-1988), pianista y compositor cuyos sabios arreglos, entre los mejores de la historia del jazz, crearon la atmósfera ideal para que el estilo intimista de Davis alcanzara algunas de sus puntos culminantes.
Por otra parte con Max Roach (1924-2007), los Jazz Messengers y las formaciones del saxofonista Sonny Rollins (1930) o del contrabajista Charles Mingus (1922-1979), el bebop proseguía su evolución, enriqueciéndose día a día con nuevos hallazgos que sentarían las bases del jazz moderno.
Mientras tanto el rhythm and blues, la forma más popular de la música afroamericana, había alcanzado un desarrollo imparable gracias a figuras como Ray Charles, Louis Jordan, Fats Domino, o Chuk Berry.
En el terreno estrictamente del jazz, algunos músicos surgidos del bebop comenzaron a cultivar el funk, impregnado de resonancias del blues y del gospel, en el que destacarían organistas como Lou Benett (1926-1997), guitarristas como Grant Green (1935-1979) o trompetistas como Donald Byrd (1932-2013). Su música era densa y tórrida, con ese mismo espíritu de trance místico heredado del gospell y que el soul haría suyo.
Los años sesenta: la "New Thing" y el soul. En Estados Unidos los años sesenta vieron cómo los movimientos políticos y sociales afroamericanos adquirían cada vez mayor dimensión con líderes como Martin Luther King o Malcolm X, y lograban el objetivo de la consecución de los derechos civiles que hasta entonces el racismo les había negado.
En este marco apareció la primera casa discográfica dirigida por un hombre de color, la Tamla Motown, responsable del lanzamiento de numerosas estrellas del rhythm and blues y el soul con una gran capacidad de penetración comercial, es el caso de Marvin Gaye (1939-1984), Aretha Franklin (1942-2018), Sam Cooke (1931-1964) y sobre todo James Brown (1933-2006), apodado “Godfather of soul” (el padrino del soul), que supo transformar como nadie la esencia del gospel en experiencia mística laica, convirtiendo sus conciertos en actos de fervor casi religiosos.
Mientras tanto el pop británico de los Rolling Stone o Eric Clapton descubría el blues y lo divulgaba entre el público europeo a través de sus propias versiones, a menudo bastante alejadas del original, pero que sirvieron para dar a conocer a algunos de los grandes maestros del blues.
Así mientras una parte de la música afroamericana alcanzaba una dimensión como nunca se había conocido, el jazz vería el advenimiento de la “New Thing”, literalmente la “cosa nueva” o free jazz, una radical alteración de los principios musicales que habían regido anteriormente la improvisación. Músicos como Ornette Coleman (1930-2015) o Cecil Taylor (1929-2018) lideraron este movimiento revolucionario de tintes reivindicativos que chocó contra el muro de la incomprensión. Promovían una música ajena al servilismo hacia el público blanco, que paradójicamente era el único que les prestaba atención, mientras el público afroamericano se decantaba hacia otros estilos. Aún hoy los coletazos del free jazz tienen más eco en Europa que en Estados Unidos
Buena parte de los músicos del free jazz, excelentes instrumentistas, fuero poco a poco abandonando este callejón sin salida que les conducía a una situación de incomprensión musical generalizada.
En resumen, el final de los años sesenta fue una época de increíble proliferación de estilos y de géneros y el aficionado al jazz disponía de un amplísimo abanico de ofertas, desde el tradicionalismo de Armstrong a la vanguardia de Cecil Taylor o de Charles Mingus, pasando por las orquestas de Count Basie y Duke Ellington, por las diversas formaciones de Dizzy Gillespie, los Jazz Messengers, el blues de B.B. King (1925-2015), el vanguardismo mistico de John Coltrane (1926-1967) o el soul y el rhythm and blues
Los años setenta y el espíritu de fusión. En el mundo de la música todo había cambiado: la difusión discográfica, el tipo de conciertos, la radio, la televisión... ya nada era lo mismo, y la música, al igual que otras artes, como el cine, es también negocio. Jimi Hendrix (1942-1970) y otros muchos se habían aventurado en el mundo del rock con una música eléctrica de marcado acento afroamericano y habían conseguido un éxito notable. El rock, la música progresiva, el pop y otras etiquetas semejantes vendían, el jazz no podía quedarse fuera y así a algún genio se le ocurrió el concepto de “fusión”, en el que cabía un poco de todo,
Como en los años del bebop, surgirán de nuevo las polémicas y muchos consideraban a Miles Davis y a su jazz-rock o fusión fuera del jazz o todo lo más como un género menor.
Los años setenta verían desaparecer a algunas de las grandes figuras del jazz de todos los tiempos como Armstrong o Ellington y a muchos les faltó tiempo para augurar la defunción de toda la música del jazz. Los históricos desaparecían y los jóvenes se vendían por un puñado de dólares al todopoderoso rock. La realidad, sin embargo, fue muy diferente, la música afroamericana no había muerto, no sólo el jazz, el blues o el rhythm and blues proseguían su camino, sino que no cesaban de surgir nuevas formas y nuevos músicos, como la “salsa” neoyorkina, heredera de la tradición afrocubana de los primeros músicos latinos llegados a Nueva York e impregnada de influencias del jazz y del soul, o el funk de músicos como George Clinton.
El enorme celo interpretativo de los músicos dio lugar a una espectacular evolución de los sonidos, no sólo se habían añadido nuevos instrumentos sino que también las técnicas progresaron con gran rapidez, cabe citar a Jaco Pastorius (1951-1987), que transformó el bajo eléctrico, o Joe Zawinul (1932-2007), el uso de los teclados.
Los años setenta no significaron, ni mucho menos, el declive del jazz y de la música afroamericana en general, sino una nueva etapa de transición.
Vuelta a los orígenes y nuevas perspectivas. Los años ochenta significaron en cierta manera un proceso de clarificación, Miles Davis regresó a los escenarios tras una larga ausencia rodeado de músicos jóvenes. El jazz recibía apoyo institucional: incluso en España el gobierno subvencionaba giras y conciertos, en Francia se condecoraba a los músicos y en Estados Unidos, antes de tener un presidente saxofonista (Bill Clinton), Ronald Reagan ya invitaba a Miles Davis a la Casa Blanca.
El jazz seguía siendo minoritario pero tenía un  público consolidado. Comenzaba a despuntar una nueva generación de músicos que seguía caminos diferentes, los unos tras la pista de la siempre anhelada vanguardia y los otros por el camino del regreso a los orígenes. Entre los primeros los Weather Report con Joe Zawinul y Omar Hakim, el infatigable John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra o el siempre ingenioso Lester Bowie (1941-1999). Entre los que se decantaron por los orígenes el protagonista es Wynton Marsalis, técnicamente irreprochable, su estética despertó los más diversos comentarios.
Pero lejos de estancarse o repetirse esquemas el jazz actual, en su mayoría con músicos provenientes de la década de los 60, 70, y 80 han resurgido y diversificado su status, de manera que podemos disfrutar de un jazz que tiene muy buena salud, gente como Pat Metheny, Gary Burton, Larry Corryell, Larry Carlton, Spyro Gyra, Steps Ahead, el malogrado Grover Washington (1943-1999), Herbie Hancock, Chick Corea, Lee Ritenour, Casiopea, Steely Dan, Passport, Chuck Loeb, Diana Krall, Michael Camilo,....y un sinfín de artistas dan fe de ello.  
Los años noventa han confirmado esas numerosas corrientes dispersas. El jazz no tan solo no ha muerto sino que quizá  está más presente que nunca en la actualidad musical. El auge del rap, la recuperación del bebop, el "revival" del soul, los éxitos comerciales del funk y sus derivados, la aparición de nuevas bandas del más puro estilo Nueva Orleans, la actualidad del blues o incluso el éxito en las discotecas del "acid jazz" son síntomas de la buena salud de esta música cuando ya ronda el siglo de antigüedad.

GNP-Safety Zone (1989)

A mediados de los ochenta, dos de los miembros de la banda canadienses Saga; Jim Gilmour y Steve Negus, abandonaron la formación y fundaron un nuevo proyecto denominado GNP (iniciales de Gilmour Negus Project), junto al cantante Robert Bevan.
La andadura de este proyecto paralelo apenas duraría tres años en los cuales publicaron un solo álbum "Safety Zone", que fue lanzado en 1989 y que a diferencia del rock progresivo de Saga, se orientaron hacia sonidos más comerciales con un AOR en la línea de lo que hacían en ese momento bandas contemporáneas como Toto o Journey. Sin embargo aún así, todavía se intuyen ciertos sonidos heredados de Saga, con grandes teclados, un sonido muy pulido y melodías adictivas. Las habilidades de Gilmour se convierten en lo más destacado de este álbum, con la voz melódica del cantante Robert Bevan como queda demostrado en la inicial e irresistible “How Many Times”, mientras “One Life” o “Safety Zone” muestran una faceta mas dura o guiños al pasado progresivo con la épica “No Parade” o la melancólica “In Your Eyes”.

Polyphony-Without Introduction (1971)

Polyphony es una desconocida banda norteamericana que lanzo un único álbum, "Without Introduction", considerado hoy en día una de las joyas del rock progresivo de los años 70. Polyphony se fundaron en 1971 en Virginia y su carrera artística apenas duraría lo que un caramelo a las puertas de un colegio. Formada por Glen Howard (voz principal y guitarra), Craig Massey (órgano y sintetizadores), Martin Ruddy (bajo y voces), Christopher Spong (batería) y Chatty Cooper (percusión), crearon un trabajo solidó e impecable en donde los sonidos del órgano Hammond se fusionaban con una guitarra al mas puro estilo de Jimi Hendrix. Ese órgano abrasivo junto con el tremendo feeling de  la guitarra, e impulsados por los intensos ritmos del bajo y la batería, están presentes en la odisea que representa la deslumbrante instrumental "Juggernaut", la progresiva "Arie´s Flight" y la psicodélica "Crimson Dagger", todas ellas unas piezas en donde escuchamos ecos a los Emerson, Lake and Palmer mas sinfónicos y pretenciosos o a los King Crimson mas rotundos. Poco tiempo después del lanzamiento, la banda se disolvería sin dejar rastro y su álbum, una de las rarezas mas buscadas por los coleccionistas.

Jethro Tull-Roots To Branches (1995)

La década de los noventa fue la menos prolífica, discograficamente hablando, de la banda liderada por Ian Anderson, publicando solo tres álbumes muy distanciados entre si; "Catfish Rising" (1991), "Roots to Branches" (1995) y "J-Tull Dot Com" (1999). Cuatro años después del orientado al rock clásico "Catfish Rising", Anderson dio un nuevo enfoque a la música del grupo derivando su sonido hacia las influencias del medio oriente, fusionandola con el habitual folk rock progresivo y dosis de hard rock. Para la grabación de este nuevo álbum, la formación se ampliaba con el teclista Andrew Giddings, el cual se sumaba a los habituales en los últimos años Martin Barre, Doanne Perry y David Pegg. Pese a la diversidad sonoro de este álbum, uno de los mas eclécticos de la formación británica, los elementos progresivos siguen presentes en todo momento aquí y allá, como la omnipresente flauta de Anderson o los ocasionales riffs de la guitarra hard rock de Martin Barre, potenciados por el exuberante trabajo de los teclados de Giddings. Excelentes piezas como el poderoso frenesí de flauta de "Dangerous Veils", la melancolía de "Another Harry´s Bar", la animada folk rock de "Beside Myself", las progresivas "Wounded, Old and Treacherous" y "At Last Forever", la hard rock "Roots to Branches" o la sombría e hipnótica "Stuck In The August Rain", conforman un trabajo en donde aun se pueden detectar indicios del lejano pasado progresivo de banda, pero que sin embargo también muestra la evolución musical de su líder y su continua busca de diferentes influencias musicales.

Sweet

Encuadrados dentro del glam rock, Sweet fueron la variante heavy rock de ese genero musical, a diferencia de Slade, que representaban el ala tranquila y rural, o de la decadencia y el humor de Gary Glitter, el glamour y la polivalencia de Marc Bolan o la transgresora personalidad innovadora de David Bowie.
Durante gran parte de la década de los 70, esta banda fue una de las mas populares, unos de los grandes ídolos de los adolescentes americanos e ingleses.
Sus inicios se remontan a mediados de los sesenta cuando el vocalista Brain Connolly y el baterista Mick Tucker, pertenecían a una banda de versiones llamada Wainwright´s Gentleman, los cuales interpretaban clásicos de la factoría Motown o The Who, todo ello bajo el embrujo de los sonidos psicodélicos.
Varios años después hay una serie de cambios y entran el bajista Steve Priest y el guitarrista Frank Torpey y denominan este nuevo grupo como Sweet-Shop.
Sin embargo esta formación era bastante inestable con el puesto de guitarrista continuamente discutido, el cual cambiaron con frecuencia.
Finalmente el puesto quedo consolidado con Andy Scott y así la banda acortaba su nombre por el definitivo Sweet.
Ya a mediados de 1968 el grupo logra debutar bajo el sello Fontana, con los que publican varios singles de escaso éxito. No seria hasta 1970 cuando se les cruza en el camino el productor Phill Wainman, quien a partir de ese momento se convierte en su manager y les consigue un contrato con la RCA.
En 1971 el grupo logra por fin el éxito esperado con el tema “Funny funny”, escrita por Mike Chapman algún tiempo atrás.
En los sucesivos tres años, Sweet colocaron una impresionante sucesión de éxitos en las listas, “Co co”, “Poppa Joe”, “Little Way”, “Wig Wam bam”, “Blockbuster”, “Hell Raiser”, “Ballroom Blitz”, “Teenage Rampage” o “The Six Teens”.
Todos ellos eran temas bastante pegadizos, sin demasiados alardes instrumentales, riffs contundentes, coros irresistibles y una música repleta de simplicidad.
Sin embargo también demostraban su talento y creatividad en temas como la comprometida y mas ambiciosa “Alexander Graham Bell”, que no tuvo la acogida de las anteriores.
Llegados a este punto, Sweet no solo tenia una enorme capacidad de crear canciones de gran éxito, en una época de plena vorágine del glam rock, también tenían una imagen tan espectacular como sus coetáneos David Bowie o Marc Bolan.
A mediados de los 70, deciden prescindir de su habitual equipo de producción y volcarse en el mercado norteamericano. Así surgió un nuevo éxito “Fox On The Run”, logrando las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico y posteriormente se embarcaron en una extensa gira por los Estados Unidos, país en donde se establecerían entre 1975 y 1979.
En 1977 llegaría su álbum mas complejo y ambicioso “Off The Record” y un año después el interesante “Level Headed”, el cual contenía “Love Is Like Oxygen”, que logra encaramarse en los primeros puestos en las listas de medio mundo.
Una posterior gira por Europa, Japón, Estados Unidos y Extremo Oriente refuerza la popularidad del grupo en todo el mundo.
Pero durante la grabación del siguiente álbum “Cut Above The Rest”, Brain Connolly decide abandonar para dedicarse a sus proyectos en solitario. El resto ampliaría la formación y siguieron adelante cosechando un discreto éxito con sus siguientes lanzamientos, “Waters Edge” (1980) y “Identily Crisis” (1982), este ultimo el epitafio final de esta mítica banda que es olvidada injustamente con bastante frecuencia en los anales de la música rock.