Genesis (1980-2007)

Como ya comentamos en la primera parte de esta biografía, Genesis acababa la década de los setenta con el álbum “…And then there were Three” (1978) en donde irónicamente manifestaban su clara intención de seguir como trío, después de las deserciones de Peter Gabriel primero y la posterior de Steve Hackett.
En la década de los 80, Genesis comenzaría su andadura con el álbum “Duke”, publicado en marzo de ese mismo año, un trabajo que supuso un claro alejamiento del rock épico de antaño, aunque seguían manteniendo ese espíritu sinfónico tan característico.
El álbum contenía temas como la mini sinfonía “Duke´s Travels” y “Duke´s End” que eran un claro ejemplo de ese sintonismo, además había momentos mas relajados y menos complejos como la rítmica “Turn it on again”, o la pegadiza “Misunderstanding”, sin embargo también habían momentos sofisticados como “Duchess” o la espléndida “Behind the Lines”, que llevaron al álbum hasta el numero uno en Gran Bretaña y a los primeros puestos al otro lado del Atlántico, algo que volvería a repetirse con todos los álbumes posteriores.
Este álbum supuso el punto de inflexión para los próximos años, con un sonido más simple y comercial, alcanzando un nivel de popularidad muy elevado en lo sucesivo a la vez que sus álbumes coparían las primeras posiciones de los rankings de éxitos de medio mundo, alcanzando a vender la friolera de 160 millones de todos sus discos.
Mike Rutherford por su parte publicaría posteriormente su primer disco en solitario “Smallcreep´s day” (1981) seguido de “Acting very Strange” (1982).
En febrero de 1981 Phil Collins publica su primer álbum “Face Value”, que obtiene un éxito masivo gracias a temas como la hipnótica “In the Air Tonight”, este acontecimiento casi coincidió con el nuevo trabajo del grupo, “Abacab”, publicado a finales del mismo año.
En el álbum el grupo mostraba su faceta mas pop con temas como la épica “Abacab”, la medio funky “No Reply at all”, o la contundente “Me & Sarah Jane”.
Un año después se publica “Three Sides Live”, doble álbum que contenía tres caras en directo grabadas en la gira del álbum anterior y una en estudio con temas desechados de los últimos discos.
La banda después de la gira mundial “Abacab World Tour”, se tomo un respiro, lo que aprovecho Collins para dar vida a su segundo trabajo en solitario “Hello i Must Be Going¡”, que al igual que su primer álbum, cosecho un impresionante éxito mundial.
El duodécimo capitulo de la banda llego en 1983 titulado simplemente “Genesis”, con unos arreglos mas esenciales y en donde Collins como ya demostraba en los anteriores discos, cobraba cada vez mas un mayor protagonismo, “Mama” un tema en claro paralelismo con “In the Air Tonight”, era el single del disco, además estaban la pegadiza “That´s all” o la ambiciosa “Home by the sea/Second home by the sea”.
Pero el grupo es cada vez mas un conjunto de solistas que una banda propiamente dicha, ya que cada uno de ellos perseguía proyectos en solitario que les mantendrán ocupados durante tres largos años, en los cuales el grupo estará totalmente inactivo.
Y así Collins publicaría en 1985 “No Jacket Requiered”, Tony Banks, “The Fugitive” (1983) y Mike Rutherford fundaría el grupo Mike and Mechanics publicando su primer disco homónimo (1985).
En 1986 llegaría “Invisible Touch”, un álbum bastante controvertido que volvió a ser multi-platino en medio mundo, pero que recibió el varapalo de la prensa al compararlo con el álbum mucho más estimulante de Peter Gabriel, “So”, publicado en las mismas fechas.
Sin embargo “Invisible Touch” contenía momentos memorables de pop sofisticado como “Tonight, Tonight, Tonigh”, “Land of Confusion” o “Throwing it all away”.
Un nuevo y largo paréntesis sucederá a los proyectos en paralelo de los integrantes de la banda, por un lado Collins publicaría el exitoso “But Seriously” (1989), Tony Banks publicaba “Soundtracks” (1987) que contaba con la colaboración de Fish de Marillion y Mike Rutherford y sus Mechanics publicarían “The Living Years” (1988).
Por fin en 1991 llegaría el ultimo trabajo del grupo como trío original, “We Can´t Dance” que seguiría la tónica del anterior “Invisible Touch”, con un pop sinfónico y temas de variados estilos pero con grandes dosis de humor como “I Can´t Dance” o “Jesús he Knows me”.
De la gira siguiente se extrajeron el material que posteriormente fue publicado en varios directos “The Way We Walk Vol. One” (1992) y “The Way We Walk Vol. Two” (1993).
Después de esta gira Collins anuncio el abandono de la banda para dedicarse a su carrera en solitario.
Pero este nuevo varapalo lejos de acabar con Genesis, los revitaliza ya que Banks y Rutherford reclutan al cantante escocés Ray Wilson y publican el progresivo “Calling all Station”(1997), que pese a ser un meritorio trabajo que no logra convencer al publico ni la prensa, precipitando la disolución de la banda a finales de 1998.
A partir de aquí se lanza una serie de recopilatorios con bastante material inédito del grupo de todas las épocas, así en 1998 se publica el box set de 4 cd´s “Genesis Archive 1967-75”, además de otros box set: “Genesis Archives 1976-1992” (2000), “Genesis 1976-1982” (2007) o “Genesis Live 1973-2007” (2009), entre otros recopilatorios y box´s set´s.
A principios del 2007 Genesis volvieron a los escenarios ofreciendo una gira mundial con Collins, Banks, Rutherford, Stuermer y Thompson, que posteriormente fue publicada en el directo “Live Over Europe 2007”.

The Bridge-Overdrive Rock/Jazz Party (1972)

The Bridge fue un trío alemán de jazz fusión que solo lanzaron el álbum que hoy nos ocupa en este blog.

Liderados por el excelente teclista Kristian Schultze, y secundado por el baterista Joe Nay y el bajista Pawet Jarzębski, en 1972 grabaron este estupendo álbum de jazz fusión orientado al piano eléctrico con sutiles ritmos funk.

Un registro que presenta una serie de composiciones muy consistentes y pegadizas bajo una exquisita grabación digna de las mejores producciones jazzisticas de principios de los 70.

Atractivas melodías como "Ambivalens", "Stupsi" o "Recreation", dejan patente la calidad de las composiciones de Schultze y su talento con el piano eléctrico, algo que no pasaría inadvertido para el saxofonista Klaus Doldinger, quien al siguiente año le reclutaría para formar parte de sus legendarios Passport con quienes grabaría los álbumes "Looking Thru" (1973), "Cross-Collateral" (1975) y "Infinity Machine" (1976).

Genesis (1969-1978)

Nadie pudo nunca pudo imaginar que cinco muchachos que pertenecían a dos bandas locales de la ciudad inglesa de Surrey y después de unir sus fuerzas para fundar una nueva, se convertirían con el tiempo en una de las diez mejores de todos los tiempos.
Y así fue, cuando a mediados de 1967 el cantante, el teclista y el batería del grupo juvenil Garden Wall, Peter Gabriel, Chris Stewart y Tony Banks respectivamente, se unieron a los guitarristas Mike Rutherford y Anthony Phillips del grupo Anon y dieron el nombre a este nuevo proyecto, The New Anon.
Todos ellos estudiaban en la Charterhouse School en Godalming, en la cual también estaba un joven llamado Jonathan King.
Durante el verano de 1967 ensayan y graban una serie de canciones que luego, incluyeron en una maqueta, la cual presentaron a King, que hacia poco había terminado los estudios y ejercía como manager de la compañía discográfica Decca.
King entusiasmado con los temas que había escuchado, no duda en hacerles un contrato y les aconseja cambiar de nombre y les sugiere el de Genesis.
King les hace unos arreglos a los temas y decide producirles el primer single “The Silent Sun”, al que siguió un segundo “A Winter´s Tale”, ambos a mediados de 1968, y que tuvieron una escasa repercusión comercial.
En estas primeras canciones, el grupo mostraba un estilo pop muy influenciado por el sonido Beatle y los primeros Moody Blues.
Posteriormente se publica el primer álbum de la banda titulado “From Genesis To Revelation” (1969), en el cual se incluyeron arreglos orquestales en un intento de asemejarse mucho más al estilo de los Moody Blues.
Para la grabación de este primer álbum Chris Stewart había hecho las maletas y le sustituiría John Silver, que a su vez abandona la banda poco tiempo después y fue remplazado por el batería John Mayhew.
Dado el escaso interés que el álbum demuestra, terminan por romper las relaciones con Decca, a la vez que algunos de sus miembros igualmente deciden dejarlo aparcado y continuar con sus estudios.
Sin embargo siguen en contacto y cada uno compone individualmente una docena de canciones las cuales dan forma una vez juntos durante el verano de 1969.
Posteriormente con un repertorio mas que aceptable el grupo comienza a ofrecer conciertos en el Ronnie Scott´s de Londres y es allí donde Tony Stratton Smith, jefe de una pequeña compañía discográfica llamada Charisma, les ofrece un contrato de inmediato.
Un año después se publica el segundo trabajo de Genesis, “Trespass” (1970) que supone un giro totalmente opuesto a las composiciones ofrecidas en el primer álbum, aquí el rock progresivo es el estilo predominante, con complejas estructuras sonoras en donde guitarras acústicas y de doce cuerdas, mellotrón, flautas y órganos dan una atmósfera tranquila y en cierto modo bucólica, de idilio pastoral ingles, que son el contrapunto a la voz dolorosa y desgarradora de Gabriel.
Aún así el álbum muestra momentos dinámicos y agresivos como “The Knife” combinados con las pastorales “White Mountain” o “Stagnation”.
Sin embargo insatisfechos por el desenlace final del álbum Phillips y Mayhew abandonan la banda y son sustituidos por Steve Hackett y Phil Collins.
El primero había pertenecido a varias bandas entre las que destacaban Canterbury Glass y Quiet World con quien ya había grabado un álbum “The Road” (1970), y gracias a un anuncio suyo en el Melody Marker, buscando trabajo como guitarrista, fue descubierto por Peter Gabriel.
Por su parte Phil Collins era un joven actor y batería de una banda londinense llamada Flaming Youth.
Con esta formación se publica el tercer trabajo titulado “Nursery Cryme” (1971), un trabajo mucho mas solidó y surrealista que el anterior, en donde Gabriel y su dramatismo vocal nos sumerge en unas historias épicas y fantásticas, la aportación de Hackett es explosiva a la vez que melancólica y el dinamismo de Collins es elocuente, temas como la bizarra “The Musical Box” o la surrealista “The Return of the Giant Hogweed”, convierten al álbum en una pequeña obra maestra del rock progresivo.
El álbum contribuye a consolidar la reputación del grupo en Europa y los conciertos son frecuentes países como Alemania, Italia, Francia o Bélgica además de la propia Inglaterra.
Por otra parte esos conciertos eran cada vez mas complejos y espectaculares con un Gabriel que ejercía de perfecto show-man con continuos cambios de disfraces, maquillajes y mascaras con el fin de dramatizar mas las canciones y que unido a la solida ejecución musical del resto del grupo, hacia que fueran muy solicitados y colgaban el cartel de sold-out en todas sus representaciones.
Pero la consagración de definitiva llegaría con el cuarto álbum, “Foxtrot”, publicado en 1972, en donde Genesis muestra una madurez musical y el equilibrio perfecto de todos sus componentes.
Un álbum de suma belleza y armonía que comenzaba con la espacial “Watcher of the Skies” en donde Banks hace un trabajo memorable al órgano y mellotrón, “Get ‘em out by Friday” por su parte era frenética y “Supper´s Ready” era una suite dividida en siete movimientos con una amplia gama de instrumentalidades y lirismo que se convierte en su obra cumbre.
El álbum se convierte en el primero de Genesis que se coloca entre las primeras posiciones de las listas de éxitos.
Se acentuaba la época dorada del grupo con unos shows visuales nunca vistos hasta esos momentos, con una impresionante parafernalia en juegos de luces, humos, rayos láser y un sin fin de efectos especiales que eran lo mas avanzado de aquellos años.
Sin embargo la posterior gira por los Estados Unidos fue acogida con un tímido entusiasmo.
Charisma aprovechando el tirón comercial, publica el directo “Genesis Live” (1973), que precedió al nuevo álbum “Selling England by the Pound” (1973) el cual les consagra a nivel mundial, un trabajo lleno de simbologías británicas como “Dancing with The Moonlit Knight”,  la Shakespeareana “Firth of Fifth” o suites como “Cinema Show” o “The Battle of Epping Forest”.
Aquí el grupo se muestra muchos mas cohesionado con memorables apariciones de Hackett con sus solos de guitarra emanando ríos de emociones, los ricos matices de los sintetizadores de Banks y una sólida base rítmica a cargo de Collins y Rutherford, a todo ello sumándose un Gabriel pletórico y lírico.
Igualmente el grupo obtiene su primer single de éxito en el tema “I Know what i like (in your wardrobe)”.
También este álbum supone el primer aporte vocal de Collins que en un registro muy parecido al de Gabriel, interpreta el tema “More fool me”.
Una posterior gira mundial y una serie de conciertos en el Rainbow de Londres dan paso a la obra mas ambiciosa de Genesis “The Lamb Lies Down on Broadway” (1974), álbum conceptual doble que narra la rocambolesca y surrealista historia de un gamberro puertorriqueño en el metro de Nueva York.
Un álbum que es considerado su trabajo más inaccesible y el menos ingles, en donde el grupo deja de lado las complejidades sinfónicas y barrocas de los anteriores trabajos con un sonido más hard rock con entramados sonoros que conforman una obra integral.
El álbum esta lleno de grandísimos momentos como la alucinante “In The Cage”, la poderosa “The Colony of slippermen”, la feroz rock “Back in New York city”, o la melancólica “Counting out time”.
Pronto “The Lamb...” pasara a los anales del rock como una de las obras más influyentes de la historia, y además de ser considerado todo un clásico de la música contemporánea.
La gira mundial posterior rompió con todo lo establecido anteriormente en sus light´s- show, con un amplísimo despliegue de dispositivos audiovisuales, con un Gabriel dueño y señor del espectáculo que manejaba perfectamente en su rol de showman.
Al finalizar dicha gira Gabriel anuncia su abandono para reencontrarse a nivel personal, según sus propias palabras, en un comunicado oficial que se emitió a la prensa. Realmente el abandono se debía a varias cuestiones, por un lado las tensiones surgidas en los últimos tiempos con el resto de la banda, en desacuerdo por el predominante liderazgo de Gabriel, por otro el interés del cantante por explorar otros terrenos musicales alejados del barroquismo teatral de Genesis, con sonidos mas electrónicos, el avant-garde y la World music, pero siempre bajo el signo del art-rock.
Tras la marcha de Gabriel muchos vaticinaron el fin del grupo, que siguió como si nada hubiera ocurrido, de hecho no pensaron en buscar un nuevo cantante, simplemente movieron ficha y Collins pasó a ser el nuevo vocalista, algo que a la vista de los fans seria menos traumático.
Y así como cuarteto el grupo publica en 1976 el primer álbum de la era sin Peter Gabriel, “A Trick of the Tail” en donde todos los componentes se repartían el rol de las composiciones, un trabajo mucho mas soñador y tierno que comenzaba con el estruendo de “Squonk” y el arrasador “Los Endos”, la explosiva “Dance on a Volcano” o la épica “Ripples”, volviendo a demostrar la calidad del grupo que de nos ser por el talento de sus integrantes hubieran sucumbido después del abandono de su carismático líder.
La posterior gira mundial volvió a establecer records de audiencia e ingresos para la banda.
Para esta gira el grupo contrato al batería Bill Bruford para que Collins tuviera más libertad a la hora de hacer el rol de vocalista
A finales de 1976 aparece “Wind and Wuthering”, que se convierte en otro éxito, confundiendo a propios y extraños al observar como el grupo sin Gabriel aún obtiene mucho mas éxito.
En este trabajo el grupo mostraba su cara mas otoñal con una intensa nostalgia sobre esa época, las atmósferas solemnes de “Eleventh Earl of Mar”, la épica “One for the Vine” o la bella “Afterglow” volvían a conformar otra pequeña obra maestra dentro del rock progresivo.
Con Chester Thompson batería de Weather Report y Frank Zappa, el grupo se embarca en una gira mundial de seis meses de duración a comienzo de 1977.
A finales de esa gira Steve Hackett abandona la banda por discrepancias a la hora de elegir los temas que son publicados, alegando tener un menor protagonismo sus propias composiciones.
Hackett ya había publicado un álbum en solitario unos años antes “Voyage of Acolyte” (1975).
A finales de este mismo año se publica el magnifico doble álbum en directo “Seconds Out”, que significa el cierre de la época progresiva del grupo.
Los temas elegidos para este directo fueron extraídos de las giras del “A Trick of the Tail” y “Wind and Wuthering” (1976-1977), en el aparecen Bill Bruford y Chester Thompson y fueron grabados en los conciertos ofrecidos por la banda en Paris a excepción de “The Cinema Show” que fue en Glasgow.
A mediados de 1978 llegaría el siguiente trabajo titulado irónicamente “…And then there were three…” (y solo quedamos tres), un titulo bastante elocuente que reflejaba la intención del grupo de continuar como trío.
El álbum resultaba fue un trabajo menos complejo y mas accesible, incluso mas comercial con momentos de pop-sinfónico, la añeja “Deep in the motherlode”, la densa “Burning rope” o las melancólicas “Many too many” y “Follow you, Follow me”, hicieron del álbum, el mejor vendido hasta esa fecha.
Para los conciertos posteriores el grupo contrato al guitarrista Daryl Stuermer que junto a Chester Thompson pasaron a ser miembros fijos del plantel de sus directos durante toda la siguiente década de los 80.
Llegados a este punto Genesis entraría en una etapa totalmente diferente con un sonido mas comercial, aunque siempre bajo el estilo sofisticado y en cierta medida progresivo, señas de su propia identidad, pero lejos de su mejor época.
También algunos de sus miembros iniciarían carreras en solitario de mucho éxito comercial como es el caso de Phil Collins.

Weather Report

Al igual que ha sucedido en el mundo del rock, en el jazz también han existido súper grupos, uno de los cuales han sido Weather Report, una de las que han hecho una música inigualable y se convirtieron en la mejor banda del genero de la historia.
Todo comenzó a principios de los 60 cuando un joven e inquieto músico austriaco llamado Joseph Zawinul decide trasladarse a los Estados Unidos, en busca de nuevos horizontes artísticos cansado de las pocas expectativas musicales que su país le ofrecía.
Allí y debido a su talento, pronto empieza a trabajar con artistas de jazz como Yusef Later o Cannonball Adderley, para este ultimo incluso compuso el tema “Mercy, Mercy”, que obtuvo un notable éxito en las listas de jazz, participando en una treintena de discos suyos hasta la década de los setenta.
Posteriormente conoce al saxofonista Wayne Shorter que por aquel entonces tocaba en el grupo de Art Blakey, The Jazz Messengers y un asiduo colaborador de Miles Davis.
Ambos colaborarían posteriormente en los álbumes “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) del propio Miles Davies.
Ese mismo año Zawinul y Shorter decidieron fundar una banda propia para la cual reclutaron al bajista Miroslav Vitous, un musico checoslovaco que ya tenia una amplia experiencia en el mundo del jazz tocando para Herbie Mann o Stan Getz, al batería Alphonse Mouzon y al percusionista Airto Moreira.
Consiguen un contrato con la Columbia Records y denominan al grupo Weather Report.
Con esta formación se publica el primer álbum de la banda “Weather Report” (1971), repleto de la personalidad, el talento y el virtuosismo de Zawinul, Shorter y Vitous, los cuales se ponen al servicio de la banda, con un estilo abstracto y que en cierto modo es la continuación lógica en la evolución del jazz-rock comenzado en los discos de Miles Davies “In a silent Way” y “Bitches Brew”, en donde la participación de todos los músicos es parte fundamental de la música.
Después de este primer y memorable álbum, el grupo incorpora dos nuevos músicos, por un lado Eric Gravatt y por otro Dom Um Romao que sustituyen a Alphonse Mouzon y Airto Moreira respectivamente.
A mediados de 1972 se publica el segundo álbum “I Sing The Body Electric”, que supone una extensión del primero en busca de la experimentación y fusión del jazz-rock, introduciendo el uso mas continuado del piano eléctrico y sintetizadores como parte básica de la música del grupo.
Posteriormente se publica el álbum en vivo “Live in Tokio” (1972), extraído de la gira por Japón que a principios de ese mismo año la banda había realizado.
En “Sweetnighter” (1973), el grupo presentaba un trabajo mucho mas estructurado, pero lejos de las exuberantes composiciones de las primeras obras.
En el siguiente álbum “Mysterious Traveller” (1974), parece recuperar esa magia perdida y se muestra nuevas facetas sonoras como ritmos latinos, pero siempre bajo el sonido inconfundible del grupo, para este nuevo disco el bajista Alphonso Johnson había sustituido a Vitous, que sin embargo colaboraría en varios temas del álbum.
Un año después aparece “Tail Spinnin´”, trabajo mucho más individualista en donde Zawinul y Shorter demuestran sus dotes técnicas y virtuosas.
A principios de 1976 vuelven a haber algunos cambios en la banda así, Jaco Pastorius sustituye a Johnson, Chester Thompson y Alejandro Neciosup hacen lo mismo con Gravatt y Romao.
Jaco Pastorius era un virtuoso bajista que venia de colaborar con artistas de mucho prestigio como Joni Mitchell, Pat Metheny, Miles Davis, James Brown o Herbie Hancock y había deslumbrado a Zawinul durante unos ensayos previos al nuevo disco que preveían grabar, por lo que su reclutamiento fue inmediato.
“Black Market”, aparecido en 1976, supone sin duda una de sus obras cumbres, además de la fusión del jazz con el rock, aquí vemos elementos latinos y étnicos africanos.
Después de este disco siguieron los habituales cambios de formación entrando Alex Acuña y Manolo Badrena como miembros fijos sustituyendo a Thompson y Neciosup.
“Heavy Weather” (1977), fue el punto culminante de la obra de Weather Report y el cual contenía el mítico tema “Birdland”, tema compuesto por Zawinul en memoria de Charlie Parker, además el disco era una soberbia demostración de la clase de Pastorius, que dominaba todos los estilos desde el funk hasta el rock, demostrándolo sobradamente en el tema “Palladium”, en definitiva un álbum fresco, equilibrado y memorable que comercialmente también fue lo mejor de la carrera de Weather Report.
“Mr. Gone” (1978), fue la octava grabación del grupo que continuaba la línea de su antecesor, temas como la progresiva “River People”, la psicodélica “The Pursuit Of The Woman With The Feathered Hat” o “Punk jazz”, en donde Pastorius realizaba una magistral demostración, nos dejaban un álbum exquisito de jazz-rock.
El doble álbum en directo “8:30” (1979), supone el segundo registro en directo de la banda, que fue grabado en Long Beach, California y que se convierte en pronto en una obra maestra con mayúsculas.
El siguiente eslabón fue “Night Pasagge” (1980), un trabajo más intelectual y menos rítmico, alejándose en parte de la era de improvisación y frescura de estos últimos años.
“Weather Report “(1982) fue el segundo álbum homónimo del grupo y el último de Jaco Pastorius.
A partir de aquí se siguieron sucediéndose trabajos de menor envergadura, pero de gran calidad y con continuos cambios de formación, manteniéndose Zawinul y Shorter como miembros fijos del plantel, así el bajista Victor Bailey y Omar Hakim a la batería participan en el magnifico “Proccesión” (1983), la misma formación repitió en el excelente “Domino Theory” (1984).
“Sportin´Life”, publicado en 1985 fue un brillante trabajo en donde la electrónica predominante en la época marco el álbum que además contó con la colaboración de un Bobby McFerrin esplendido, posteriormente llego el ultimo disco del grupo “This is This” (1986), en donde mantenían el espíritu jazzistico y étnico y en donde contaron con la participación de Carlos Santana.
A finales de ese mismo año Zawinul da por finalizada la carrera del grupo manifestando un cambio de aires y de nuevos proyectos.
Poco mas se ha publicado del grupo a excepción del directo editado en el 2002 “Live and Unreleased”, en donde se recogen grabaciones en directo de casi todas las etapas del grupo y el box set “Forecast; Tomorrow” (2006) con 3 cd´s y un DVD con un amplio repaso a su historia.
A partir de la disolución de Weather Report, Joe Zawinul fundo el grupo The Zawinul Syndicate y siguió publicando discos la mayoría directos y actuando asiduamente en festivales de jazz de todo el mundo
Zawinul falleció en el 2007 victima de un cáncer.
Wayne Shorter por su parte ha seguido una carrera en solitario, además de múltiples colaboraciones que van desde Steely Dan, “Aja”, hasta Joni Mitchell, en 1997 consiguió un premio Grammy al mejor álbum de jazz “High Life”.
Jaco Pastorius después de dejar Weather Report publico algunos trabajos como “Word of Mouth” (1981) o “The Birthday Concert” (1982), además de muchísimas colaboraciones en álbumes de otros artistas.
En 1987 Pastorius fallecería victima de una brutal paliza en un bar de Nueva York.

Queen

Queen siempre fue una banda tan idolatrada como odiada, sin embargo ellos supieron sobrevivir a todos sus detractores y se labraron una carrera repleta de grandes discos y una amplia legión de seguidores, pese a su imagen ambigua y bisexual en cierta medida deliberada. Este hecho les ocasionaría tanto daño como beneficio, sin embargo y pese todo ello siempre ha permanecido su legado musical, sin duda el mejor argumento del que pueden presumir.
Comandados por su cantante Freddie Mercury (nacido el 5 de septiembre de 1946 en ZanzÌbar), Queen fue y es uno de los mas exitosos y celebrados grupos por su multitudinaria y diversa masa de fans que han ido surgiendo desde la década de los 70, y que han pasado por todo tipo de estilos musicales en consonancia con la época que les había tocado vivir.
Sus orígenes se remontan a finales de los 60 cuando dos integrantes de la banda Smile, Roger Taylor, batería y Brian May guitarra, reclutan dos nuevos miembros después de la marcha del cantante original del grupo Tim Stafell.
Estos dos nuevos integrantes eran el bajista John Deacon y el cantante Freddie Mercury, y cambian el nombre del grupo por Queen.
Ya a principios de los 70 y en medio de la incipiente escena del glam rock logran firmar con Emi y publican su primer álbum “Queen” (1973) en donde mostraban su cara hard rock, elementos operísticos y una imagen glamurosa acorde con los tiempos que vivían.
Pese a contener una serie de canciones con mucho gancho comercial como “Keep Yourself Alive”, el álbum fracasa estrepitosamente y pasa totalmente desapercibido.
Un año mas tarde regresarían con su segundo álbum “Queen II” (1974), en donde cambian radicalmente derivando su estilo hacia derroteros mas vanguardistas y complejos y obtienen mejores resultados que el anterior. Su hit “Seven Seas Of Rhye” logra alcanzar los puestos altos de las listas británicas y el álbum alcanzaría vender mas de cien mil copias solo en el mercado ingles.
Aún así la banda no esta muy conforme con el resultado de este segundo álbum, por lo que contratan al productor Roy Thomas Baker quien se encarga de las labores en el siguiente “Sheer Heart Attack” (1974), el cual ya se intuyen los Queen mas barrocos y glamurosos, conformando un trabajo de gran calidad y que contiene algunos de sus himnos como “Stone Cold Crazy”, “Killer Queen” o “Brighton Rock".
El éxito y el status de banda consolidada llegaría un año después con su cuarto álbum y el que a la postre los encumbraría definitivamente, “A Night At The Opera” (1975), con el cual conquistan el mercado norteamericano. En esta nueva entrega la banda muestra su faceta de pomposo hard rock con elementos progresivos y al mismo tiempo su cara mas madura, composiciones como la emblemática y operística “Bohemian Rhapsody”, son secundadas con soberbias canciones como “The Propeht´s Song”, “39” o “You´re My Best Friend”.
Con el siguiente “A Day At The Races” (1976), no obtienen el mismo éxito que su predecesor, pese a que continuaban por una senda estilística parecida, cortes como “Tie Your Mother Down”, la comercial “Somebody To Love” o “You Take My Breath”, eran argumentos validos para demostrar el altísimo nivel de la banda en aquellos momentos.
Sin embargo de alguna manera ya se empezaba a vislumbrar cierta falta de creatividad con respecto a su álbum “A Night at The Opera”.
Con “News Of The World” (1977), Queen empiezan a orientarse hacia sonidos mas comerciales, no exentos de gran calidad como demuestran en “We Will Rock You” y “We Are The Champions”, dos de las mejores canciones de toda su carrera.
El posterior “Jazz” (1978), fue duramente criticado por la prensa y sus fans mas puristas, que empezaron a perderle la fe al grupo por su excesiva derivación hacia los sonidos mas previsibles y comerciales. Sin embargo “Jazz” continua conservando una gran calidad pese a alejarse de su propuesta compleja y barroca de los anteriores trabajos. Temas como la exótica “Mustapha” o las meritorias “Fat Bottomed Girls” y “Don´t Stop Me Now”, lo convierten en un trabajo digno y en muchos momentos memorable.
Para paliar las mediocres ventas de este ultimo se publica el doble directo “Live Killers”, un extraordinario documento de las peripecias de esta banda sobre el escenario y que lograría un gran éxito en las listas británicas y en medio mundo.
Los siguientes “The Game” (1980), del que se extrajeron los hits exitosos "Another one bites the dust" y "Crazy little thing called love" y el posterior “Flash Gordon” (1980), lograron buenas ventas pero les apartaron definitivamente de sus mas fieles y ortodoxos seguidores, pero al mismo tiempo ganaron nuevos adeptos mucho menos exigentes y conservadores.
Los mediocres “Hot Space” y “The Works” se alejaban cada vez mas de sus primeras propuestas, que sin embargo obtenían el éxito gracias a hits adictivos y pegadizos como “Under Pressure”, “Body Language”, “Radio Ga Ga” o “I Want To Break Free”, todos ellos orientados a las radio formulas.
“Kind Of Magic” (1986) su siguiente larga duración, fue lanzado cuando su popularidad había decrecido enormemente, en parte debido a los continuos varapalos por parte de la prensa y de sus millones fans de los setenta. En esta nueva entrega la banda combina la comercialidad con momentos mas creativos, retornando aunque de manera muy sutil a su mejor época, temas como la hard rock “One Vision” contrastan con la comercial “A Kind Of Magic” o la épica “Who Wants To Live Foerever”
Gracias a este álbum la banda vive una segunda juventud y se embarcan en una gira mundial apoteósica que fue documentada en el directo “Live Magic” (1986).
Sin embargo el inconsistente aunque exitoso “The Miracle”, supuso un paso atrás en cuanto creatividad y imaginación pero logrando unas meritorias ventas en las listas de éxitos.
En 1991 y con un Freddie Mercury gravemente enfermo lanzaron su epitafio “Innuendo”, el cual contiene momentos memorables como la extraordinaria “The Show Must Go On” o la tremenda rock “Headlong”, conformando un álbum que mantenía el alto status de la banda.
Pero el rejuvenecimiento de la banda se vería truncada ese mismo año cuando su cantante Freddie Mercury fallecía de la enfermedad del sida, dejando al grupo sin sentido a su continuidad.
A mediados del siguiente año y retransmitido para mas de medio centenar de países por radio y Tv se celebro un concierto homenaje a Freddie Mercury en el estadio de Wembley con la participación de ilustres artistas como David Bowie, Ian Hunter, Roger Daltrey, Robert Plant, Elton John, Mick Ronson, Paul Young, George Michael, Metallica, Extreme o Guns´n´Roses entre otros.
A partir de aquí la banda (sin la participación de su bajista John Deacon), se ha visto metida en meandros musicales de diferente signo a excepción de su álbum póstumo “Made In Heaven”, grabado con algunas canciones y voces que Freddie Mercury había dejado grabado años antes y la vuelta a los ruedos junto al mítico cantante de Free y Bad Company, Paul Rodgers, que firmado como Queen+Paul Rodgers, lanzaron un meritorio álbum de rock clásico titulado “The Cosmos Rock” en el 2008.

The Byrds

The Byrds fueron sin duda la banda más influyente e innovadora de folk rock de todas las surgidos en la década de los sesenta.
Ellos fueron capaces de detener la invasión británica que supuso la llegada de The Beatles, The Kinks o The Rolling Stones, que inundaron con sus canciones y sus álbumes las listas de éxitos norteamericanas.
The Byrds cultivaron una de las fuentes de riqueza de la música americana como es el folk y la ampliaron hasta los horizontes del rock con una creatividad genial y una especial debilidad al estilo de los Fab-Four.
Todo comenzó cuando tres jóvenes músicos provenientes de otras tantas bandas se unieron a principios de los sesenta para fundar un grupo al cual llamaron Jet Set, estos músicos eran Roger McGuinn, Gene Clark y David Crosby.
En 1964 el grupo empieza a ensayar y componer, además de actuar con bastante frecuencia en locales y pubs de la zona de Los Ángeles.
A finales del mismo año el productor Jim Dickson se encarga de las sesiones de ensayo del grupo y les presenta a Chris Hillman, un experimentado músico de folk & bluegrass que ya había publicado un álbum con una banda llamada Hillmen.
El encuentro termina con inclusión del propio Hillman en la banda y además también consigue que el batería Michael Clarke pase a formar parte de la misma, y así les produce su trabajo “Preflyte”, que nunca fue publicado hasta 1969.
Casi a final de año cambian de nombre y pasan a llamarse Beefeaters y el propio Dickinson les consigue un contrato con el sello Elektra la cual les publica el single “Please let me love you”, que pasa totalmente desapercibido, pero es justo un poco después y durante una actuación, cuando un directivo de la CBS queda impresionado por la calidad del grupo y les ofrece un contrato indefinido, pero para evitar problemas con la Elektra, les sugiere que cambien de nombre, para comenzar como una nueva banda y así terminan denominándose The Byrds.
La aportación de esta banda en el futuro seria fundamental en el devenir de la música rock, tal y como la conocemos hoy en día, nada extraño si observamos el talento de sus cuatro principales miembros, Roger McGuinn un excelente guitarrista, principalmente de la guitarra de doce cuerdas y un espléndido compositor, igualmente eran los guitarristas David Crosby y Gene Clark, Chris Hillman por su parte tenia un talento innato para la música y era igualmente un sobresaliente guitarrista y posteriormente con el bajo.
En junio de 1965 se publica el primer álbum de la banda “Mr.Tambourine Man” que había sucedido a varios singles como el que daba titulo al disco y “All I Really Want to do”, ambos temas, versiones de Bob Dylan, y que consiguieron un éxito sin precedentes en la historia del rock hasta esos momentos.
Ambas canciones se catalogan en el nacimiento del folk-rock y se colocaron en lo más alto de las listas norteamericanas y británicas.
El álbum mostraba algunas piezas ya compuestas en la época de Jet Set, más nuevo material y también dejaba de lado la faceta del folk como canción protesta para pasar a un estilo más reposado y bucólico, además del sentido de la armonía vocal heredada de The Beatles.
Además de los citados temas de Bob Dylan, también habían otras excelentes versiones como “The Bells of the Rhymney” de Peter Seeger o “Spanish Harlem Incident” del propio Dylan.
En el segundo álbum “Turn! Turn! Turn!” (1966), el grupo siguió exprimiendo el éxito con canciones de Bob Dylan como “The Times they are a Changin´” o composiciones propias como “Set you free this Time”.
Después de este disco, Gene Clark abandona la banda debido a problemas internos con sus compañeros y justo poco después se publica el single “Eight Miles High”, otro de los himnos de la banda y que fue uno de los últimos compuestos por el propio Clark.
Este mismo año se publica el tercer álbum de la banda “Fifth Dimension”, que contenía las memorables “Mr.Spaceman” o la propia que daba titulo al disco.
En este ultimo trabajo el grupo se alejaba un tanto del folk-rock de Gene Clark para adentrase en terrenos mas electrónicos y experimentales con claros acercamientos a la psicodelia producto de las ideas de McGuinn.
“Younger Than Yesterday” (1967), es la lógica continuación del álbum anterior, aquí las experimentaciones iniciadas en “Fifth Dimension” son llevadas a su máxima expresión con grandes temas como la enésima versión de Dylan “My Back Pages” o “Goin´Back”.
Pero a principios de 1968 Gene Clark sustituye a David Crosby, justo para la grabación del nuevo álbum “The Notorius Byrd Brothers”, un trabajo pionero en las sesiones de grabación al utilizarse en ello una alta tecnología electrónica.
En este ultimo trabajo el grupo se inclinaba por sonidos mas country sin dejar de lado el folk-rock, pero perdiendo la originalidad y frescura de los trabajos anteriores.
Después del álbum el grupo es reformado literalmente, Kevin Nelley sustituye a Clarke en la batería, además entran el guitarrista Gram Parsons, Sneaky Pete a la steel guitar y Doug Dillard al banjo.
Con esta nueva formación se publica “Sweetheart of the Rodeo” (1968), que resulto ser un buen álbum de country rock pero que fue recibido con una fría acogida por los fans.
A partir de aquí el grupo que tuvo distintas formaciones siguió publicando álbumes como el confuso country-rock de “Dr.Byrds and Mr.Hyde” (1969), el mediocre “The Ballad of Easy Rider” (1970), el doble álbum mitad en directo, mitad en estudio “Untitled”, que resulto ser un esperanzador regreso a los orígenes (1970), y los flojos y previsibles “Byrdmaniax” (1971 y “Farther Along” (1972).
En 1973 se reúne el grupo original y graban “The Byrds” que resulta ser un tanto individualista y melancólico.
Un año después se da por disuelta la banda definitivamente, cerrando uno de los capítulos mas inolvidables de la historia del rock.
Posteriormente se han publicado numerosos recopilatorios de la banda, de los que destacan “The Original Singles 1966-67” (1980), la box set de 4 cd´s “The Byrds” (1990) o “The Byrds Collection” (1986).
Por otra parte la carrera individual de los miembros originales ha sido muy extensa, David Crosby formaría parte del súper grupo Crosby, Stills, Nash & Young, y una carrera en solitario bastante fructífera, Gene Clark fundo el legendario grupo Dillard & Clark, e igualmente discos en solitario, Hillman se unió a McGuinn y Clark publicando varios álbumes bastantes meritorios, complementada con una discreta carrera solista y Roger McGuinn dejo constancia de su talento en buenos trabajos como su primer álbum titulado homónimamente “Roger McGuinn” (1973) o “Back from Rio” (1991).

Ten Years After

La historia de Ten Years After, es la historia de su líder, el carismático y excelente guitarrista Alvin Lee. Este guitarrista fue desde muy joven un apasionado al jazz y al blues, gracias a la amplísima colección de discos de esos estilos que poseía su padre, esto le llevo a la edad de doce años a iniciarse en el manejo de la guitarra de manera autodidacta y un año después ya era un habilidoso guitarrista que manejaba perfectamente canciones de rhythm and blues, jazz y country .
Pocos años después funda el grupo Jaybyrds en donde fortalece su técnica y adquiere experiencia, en dicha banda también estaba el bajista Leo Lyons.
Ya en 1966 se unen a la banda Ric Lee y Chick Churchill batería y órgano respectivamente.
Después de cambiar varias veces el nombre del grupo, se deciden definitivamente por el de Ten Years After, contratan al manager Chris Wright quien les consigue unas actuaciones en el Marquee londinense a principios de 1967.
Ese mismo año debutan en el Festival de Jazz & Blues de la ciudad de Windsor, cosechando buenas criticas y una actuación muy meritoria.
Después de una mini gira por Europa, fichan por el sello Deram que les publica su primer álbum “Ten Years After” (1967), que resulto ser un buen disco de rhythm & blues británico, con acercamientos al jazz en donde Alvin Lee demostraba un manejo asombroso con las seis cuerdas y con una increíble rapidez, que pronto es aclamado por la prensa y el publico.
El álbum contenía algunas versiones como “Spoonful” de Cream o “Can´t Keep From Crying, Sometimes” de los Blues Project.
“Undead” (1968), álbum grabado en directo en el club Klook´s Klook, les consagra entre los aficionados al blues-rock, con temas incendiarios como “I´m Going Home” o “At the Woodchooper´s Ball”, los cuales conformaban un disco que pronto escalo las listas de éxitos británicas.
En la gira estadounidense posterior, conocen al promotor Bill Graham después de una actuación en el mítico Fillmore East.
Un año después se publica “Stonedhenge”, en donde la banda sigue en la línea ascendente en versatilidad, ya que este mostraba una mayor amplitud de influencias desde la progresiva “No Title”, hasta la jazzy “Woman Trouble· pasando por la blues-rock “Hear me calling”.
Por entonces el grupo estaba en estado de gracia, lo que les vale que Bill Graham les invite a formar parte del Festival de Woodstock, donde consiguen una soberbia actuación, en especial su interpretación del tema “I´m Going Home”, que deja al publico asistente exhausto y entusiasmado y que aún hoy en día es recordada como uno de los momentos mas memorables de dicho festival.
Este mismo año Alvin Lee se consagra definitivamente como uno de los mejores guitarristas de la historia a la altura de Eric Clapton y levemente inferior a la de Jimi Hendrix, además el grupo entra en los rankings de los grupos gigantes de la época rivalizando con Led Zeppelín, Deep Purple o Jethro Tull.
A continuación se publica “Ssssh” (1969), en donde encontramos pinceladas de folk y jazz pero bajo el blues rock and boggie inconfundible del grupo, pero también claras influencias del acid-rock proveniente de la escena californiana fruto de las largas estancias del grupo en la costa oeste norteamericana.
Aquí podíamos oír temas folkies como “If you Should love me”, la acida “Bad Scene” o rotundos blues marca de la casa como “The Stomp”.
Después de otra memorable actuación en el Festival de la Isla de Wight en donde el grupo pone en pie a mas de medio millón de espectadores con la increíble “I Can´t Keep From cryin´ Sometimes” de casi veinte minutos de duración, se publica “Cricklewood Green” (1970), del cual se extrae el épico single “Love Like a Man”, además de otros memorables momentos como la hard-rock “Sugar the Road”.
“Watt” (1971) fue el siguiente trabajo, de menor intensidad, que sin embargo contenía grandes momentos como la enérgica “I´m comin´Home” o la inquietante “My baby left me”.
“A Space in Time” (1971), fue el primer álbum bajo el sello Chrysalis y que logra el éxito en Estados Unidos con el trabajo mas uniforme y continuista dejado en “Cricklewood Green”, recuperando en parte la creatividad con temas como la zeppeliana “I´d Love to Change the World” o la in crescendo “I´ve been there too”.
Poco a poco el blues purista de Ten Years After se iría convirtiendo en un rock blues mucho más eficaz, sincero y variopinto.
Mientras tanto Deram había publicado el recopilatorio “Alvin Lee and Company” (1972), rescatando temas no editados o versiones alternativas, además de canciones editadas en las caras B de los singles.
“Rock & Roll Music to the World” (1972), supone el trabajo mas puramente rock de la banda, con una frescura y notoriedad no contemplada en álbumes anteriores.
Temas como la pantanosa “Choo Choo Mama” o la reflexiva “Religión”, son parte de una obra, la cual muchos tacharon de algo decadente, pero que sin embargo esta considerado como uno de sus mejores discos.
A partir de aquí el grupo se embarca en otra gira mundial de la cual se extraen el material para el doble álbum en directo “Recorded Live” (1973).
Después de dicha gira Alvin Lee publica su primer álbum en solitario “On The Road Freedom” (1973), junto al cantante gospel Mynor Lefreve, un trabajo bastante alejado de su habitual blues, con incursiones al folk y al country norteamericano y que contó con una pléyade de artistas de variopintos estilos como George Harrison, Steve Winwood o Boz Burrell.
La actividad con Ten Years After vuelve con la publicación de “Positive Vibrations” (1974), un trabajo mas convencional y comercial que pasa desapercibido y precipita la disolución de la banda a finales de 1975.
Un año antes se había publicado el doble en directo de “Alvin Lee & Company, In Flight” (1974), recogido en el Rainbow Theatre, donde el guitarrista mostraba su lado mas soul y blues con algunas versiones de Elvis Presley.
“Pump Iron” (1975), fue el siguiente trabajo de Alvin Lee & Company, antes de fundar una nueva banda a la que llama curiosamente Ten Years Later con quien graba los discos “Rocket Fuel” (1978) y “Ride On” (1979).
En 1980 vuelve a cambiar de banda y publica “Freefall” y un año después “RX5”, bajo The Alvin Lee Band.
Ya en 1986 vuelve a publicar otro álbum en solitario titulado “Detroit Diesel” y varios años después en 1989, la banda original se reúne para grabar “About Time” (1989), en donde vuelven por sus fueros con un estupendo trabajo de hard blues rock.
A partir de aquí la banda se reúne esporádicamente para algunos conciertos y festivales como el de Reading en 1983.
No seria hasta el 2004 cuando el grupo, ya sin Alvin Lee vuelva a publicar un nuevo trabajo “Now”, en el cual participa el guitarrista Joe Gooch y posteriormente publicar el doble álbum en directo “Roadworks” (2005)
Alvin Lee seguiría publicando buenos discos, de los que destacan “Zoom” (1992), “Alvin Lee in Tennessee” (2004) o “Saguitar” (2007).
En estos últimos años se ha publicado una extensa serie de directos y recopilatorios de la banda como “Live at The Fillmore East 1970” (2001), “Live 1990” (1992), “Ten Years After Anthology” (2002) o “Solid Rock” (2000).

Grand Funk Railroad

Con catorce álbumes publicados, Grand Funk Railroad pueden presumir que la mayoría de ellos fueron discos de oro y más de la mitad de platino, alcanzando unas ventas globales que superan con creces los 30 millones de copias.
Este poderoso power trío fueron los dignos sucesores de Cream en lo que respecta a la fuerza escénica, no así en la calidad creativa, en donde eran algo inferiores.
Todo comenzó a mediados de los 60 cuando una banda llamada Terry Knight & The Pack en donde militaban el guitarrista Mark Farner, el batería Donald Brewer y el cantante Terry Knight, deciden disolver esta y fundar una nueva a la vista de los malos resultados que habían supuesto su único álbum “Terry Knight & The Pack” (1966) y varios singles que pasaron igualmente desapercibidos “You Lie” y “I Who Have Nothing”.
Así en 1968 nace una nueva formación que además de Farner y Brewer cuenta con el bajista Mel Schacher, quedando Knight como manager del grupo al que denominan Grand Funk Railroad.
Su primera prueba de fuego es en el Festival Pop de Atlanta en 1969 y no solo salen airosos, si no también les consagran rápidamente.
Meses después consiguen un contrato con el sello Capitol que les publica el primer álbum “On Time”, que a las pocas semanas vende un millón de copias.
En este primer álbum muestran un contundente hard rock, una autentica vorágine sónica tan demoledora como exhaustiva.
Un año después llega “Grand Funk Railroad” (1970), otro álbum pletórico de hard rock y blues rock, con un contundente estilo que deja al publico sin aliento.
Este mismo año se publica el orientado hacia el heavy metal “Closer to Home”, mucho mas afilado que los anteriores y de una potencia aún mas abrumadora.
Posteriormente se publica el arrollador doble álbum en directo “Live Album”, en donde demostraban todo su potencial dejando claro que eran una verdadera banda de directos, logrado con el solo acto de poner el máximo de volumen sus amplificadores y creando una explosión sónica de sonidos de alto voltaje.
“Survival” (1971), marcaría su cota de popularidad a la vez que una pequeña revolución, aquí mostraban su lado más técnico y refinado gracias en parte a la impecable producción del álbum.
“E Pluribus Funk” (1972), continua en ese camino y cerraba una etapa que fue refrendada con el doble álbum recopilatorio “Mark, Don & Mel 1969-1971”.
A finales de 1972 la banda prescinde de los servicios de Knight que en desacuerdo con sus ex compañeros, emprende una demanda legal por los derechos del grupo.
Finalmente el grupo decide acortar el nombre dejándolo en Grand Funk y así se publica “Phoenix” (1973), que además contaba con un nuevo miembro el teclista Craig Frost quien aporta mucho carácter y progresividad al sonido del grupo, sin embargo el álbum pierde frescura y el agotamiento creativo parece un claro síntoma de su decadencia.
Pero casi a finales de ese mismo año se publica “We´re An American Band”, que pronto escala las listas de éxitos hasta llegar a lo más alto.
El álbum se convierte en su obra maestra absoluta, producido por el mago Todd Rundgren, que despeja las dudas existentes en el trabajo anterior, con un sonido de hard rock más americano, pero con una sofisticada e instrumental recuperación del grupo.
“Shinin´On” (1974), fue la secuela del “We´re An…”, pero sin la repercusión de este, aún así el grupo seguía manteniendo una calidad incuestionable y un sonido impecable.
En diciembre de 1974 se publica el siguiente trabajo “All The Girls In The World Beware”, que resulta demasiado comercial con un claro acento AOR, pero que seguía dándole crédito a la banda.
Un año después se publica su segundo álbum en directo, el doble “Caught in The Act”, otro estupendo testimonio del poderío de la banda en directo y que es considerado un directo antológico.
Recuperado el nombre original de Grand Funk Railroad en 1976 se publica “Good Singin´Good Playin´”, un tímido acercamiento a la época dorada del grupo que fue producido por Frank Zappa en un intento de revitalizar el sonido de la banda.
Llegados a este punto y viendo el decrecimiento comercial y creativo de la banda, se disuelven a finales de 1976.
Mark Farner funda posteriormente Mark Farner Band la cual publica el álbum “Mark Farner” (1978).
Sin embargo varios años después Farner y Brewer deciden reactivar Grand Funk y reclutan al bajista de Bob Seger; Dennis Bellinger y juntos publican “Grand Funk Lives” (1982) y “What´s Funk” (1983), dos intrascendentes trabajos que aunque mantenían el prestigio del grupo, no consiguieron la energía ni la contundencia de la década de los setenta.
Actualmente Grand Funk siguen actuando con regularidad y realizando giras multitudinarias, principalmente por los Estados Unidos y Europa.
Mark Farner abandono definitivamente la banda en el año 1984 siguiendo su carrera en solitario.
En el año 2000 el ex guitarrista de Kiss, Bruce Kulick paso a engrosar la banda, además del ex cantante del grupo de southern rock, 38 Special, Max Carl.

Rush

Este famoso trío canadiense paso de ser una banda la cual muchos tachaban de una pobre imitación de bandas icónicas como Cream o Led Zeppelín, a convertirse con el tiempo en una de las mas ambiciosas, versátiles y espectaculares de la historia de la música rock.
Todo comenzó cuando al finales de los 60, dos jóvenes amigos, John Rutsey y Alex Lifeson (batería y guitarra, respectivamente), formaron una banda junto al cantante Jeff Jones, la cual actuaba en fiestas escolares y en el circuito de pubs de la zona de Ontario, además pronto se le unieron Mitch Bossi y Lindy Young, guitarrista y teclista, que apenas permanecieron en el grupo.
Su repertorio consistía en versiones de clásicos del rock de Cream, Jimi Hendrix Experience o Grand Funk Railroad.
A los pocos meses de su andadura el grupo decide cambiar a Jones y reclutan al bajista Geddy Lee.
Durante algunos años van adquiriendo una gran reputación como banda de directos, lo cual llama la atención del promotor Ray Daniels quien les consigue el que abran algunos conciertos de los New York Dolls en Toronto.
Poco después Daniels les financia su primer álbum y llama al productor Terry Brown con quien graban material que compone el primer trabajo homónimo “Rush” (1974), publicado por el sello independiente Moon Records.
Pero dada la escasa repercusión del sello y también a causa de su limitada difusión, el álbum pasa totalmente desapercibido, hasta que una emisora de radio de Cleveland obtiene una copia y los recomienda a los directivos de la multinacional Mercury, quien les firman un contrato.
Ya bajo la promoción y distribución de la nueva compañía, el álbum llega a vender cerca de cien mil copias.
En este primer disco, Rush mostraban las influencias que las bandas británicas Led Zeppelín o Taste tenían sobre Lifeson y Lee.
“Working Man”, “In The Mood” o “Finding my Way”, eran memorables canciones que se incluían en este debut.
Pero después de este álbum Rutsey abandona por discrepancias con sus compañeros en relación a las constantes giras por todo el país, las cuales perjudicaban su frágil estado de salud, su sustituto será Neil Peart, un portentoso y virtuoso batería, que además era un estupendo letrista, debido al gran interés que mostraba por la ciencia-ficción y la literatura fantástica.
Y así con la formación ya conformada realizan su primera gira por los Estados Unidos teloneando a Uriah Heep, un hecho relevante que relanzo aún mas el primer álbum.
Un año después se publica “Fly By Night”, que mostraba el mencionado interés de Peart por las historias épicas y mitológicas bien refrendadas en temas como “By Tor and The Snow Dog”, extraído de la obra de Tolkien, El Señor de los anillos, la controvertida “Anthem”, la hermosa “Beneath, Between and Behind” o la nostálgica “Rivendell”, igualmente de Tolkien.
Sin embargo pronto la banda es tachada de ambigüedad por esos textos a veces muy vinculados a la ideología de derechas.
Ese mismo año, la banda publica “Caress of Steel”, que resulta ser demasiado futurista para la época, en parte debido a la complejidad de sus textos y también debido a la disparidad de criterios, con relación al álbum anterior.
En cualquier caso contenía grandes momentos como las medievales “Lakside Park”, “Bastille Day”, “Necromancer” o la virtuosa “Didacts and Naperts”, en donde Peart demuestra su impresionante dominio con las baquetas.
El álbum no consigue el éxito deseado por lo que la Mercury aconseja al grupo ser mas asequibles con su música y adaptarse a los tiempos que corrían, algo que el grupo obvio por completo con el siguiente álbum, el aún mas ambicioso si cabe, “2112” (1976), un claro movimiento del grupo hacia terrenos progresivos en detrimento del hard rock.
El álbum era un trabajo conceptual futurista que contenía la suite “2112” de más de 20 minutos de estructuras complejas y llenos de cambios de ritmo y matices sonoros sorprendentes, llegados a este punto la banda mostraba una compenetración absoluta y perfecta.
El álbum confirma definitivamente a Rush y logra ser disco de platino en Canadá y consigue muy buenas ventas en los Estados Unidos.
De la gira posterior se extrae el material para doble álbum en directo “All the World´s a Stage” (1976), que demuestra la formidable maquina engrasada que ya era la banda en esa época.
A partir de aquí se cerraba el primer ciclo evolutivo de la banda, algo que en adelante seria norma del grupo, cada cuatro álbumes en estudio, le seguirá uno en directo, como punto final y de partida a una etapa experimental y el comienzo de otra.
“A Farewell to Kings” (1977), será el siguiente peldaño y el primero en ser oficialmente distribuido en Europa, aquí la banda muestra un arsenal de efectos piro-técnicos instrumentales muy variados con unas estructuras aún mas complejas que en los trabajos anteriores, temas como “Xanadu”, “Closer to the Heart” o “Cygnus X-1”, son claros ejemplos de ello, aparte la banda hace una mayor utilización de sintetizadores y Peart utiliza toda clase de percusiones para dotar de mayores efectos la música.
A finales de 1978 se publica “Hemispheres”, que en parte es la continuación lógica de “Farewell to Kings”, con un estilo dedicado claramente a la exploración progresiva de las técnicas instrumentales.
Temas virtuosos como “La Villa Strangiato”, “The Trees” o la suite “Cygnus book II”, son claros ejemplos de esa evolución.
Una gira mundial les tuvo ocupados gran parte de 1979 y luego de unos meses de descanso la banda publica “Permanent Waves” (1980), que consigue colocarse entre los primeros puestos de las listas de éxitos, y que contenía el hit “The Spirit of Radio”, además de temas soberbios como “Freewill” o “Jacob´s Ladder”.
Pero aún mas exitoso que este ultimo, seria el siguiente álbum “Moving Pictures” (1981), que llegaría a lo mas alto de las listas, repleto de apoteósicos temas como “Tom Sawyer”, “Red Barchetta” o “YYZ”, posteriormente este disco fue nominado al mejor álbum en los premios Grammy.
Y como ya ocurriera después de los primeros cuatro álbumes, a este ultimo le sucedió el doble álbum en directo “Exit Stage Left”, que como el anterior resulta antológico.
1982 seria el año de “Signals”, que evidencia la nueva etapa musical de Rush, con un formato de canciones mas ligeras pero también mas electrónicas, en donde los sintetizadores y la batería electrónica cobran un protagonismo por encima de las guitarras hard rock de hasta entonces.
“Grace Under Pressure” (1984) siguió en esta tónica con la salvedad de que era un nuevo productor quien cogía el timón de la nave, Peter Henderson, quien dota aún mas el sonido electrónico del grupo.
“Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire” (1987), siguen con la evolución hacia los sonidos cada vez más técnicos y experimentales.
Con el doble álbum en directo de rigor “A Show of Hands”, dan por finalizado esta tercera etapa, de manera brillante.
“Presto” (1989), será el comienzo de la cuarta era de Rush, con un álbum más rock aunque solo en apariencia, el productor Rupert Hine colabora activamente para darle un nuevo sonido al grupo, con una línea más asequible y menos compleja.
“Roll The Bones” (1991), supone otro gran éxito e igualmente nominado a los Grammy, aquí la poderosa sección rítmica de bajo y batería se complementa con unas guitarras muy elocuentes en temas como “Roll the bones” o “Bravado”.
“Counterparts” (1993), fue otro álbum orientado al sonido típico de rock dejando de lado los arreglos saturados de sintetizadores, al igual que “Test for Echo” (1996), con un sonido mucho mas dinámico de guitarras y en base al sonido típico del hard rock.
Pero la tragedia se iba a cernir con la banda después de la gira mundial de este último álbum, a mediados de 1997 la hija de Neil Peart, Jacqueline, moría en un trágico accidente automovilístico y justo un año después seria su esposa la que fallecería víctima de un cáncer, esto provoca la retirada del batería de la escena musical.
Posteriormente Neil Peart recorrerá los Estados Unidos en motocicleta y escribe el libro “Ghost Rider: Traveler on the Healing Road”, una especie de cronología de su viaje.
Llegados a este punto parecía que el futuro era incierto, hasta el punto de que muchos vaticinaban el fin de Rush.
Mientras tanto se publica el cuarto álbum en directo de la banda, “Different Stages”, esta vez en formato triple que contenía temas de las giras de los álbumes “Counterparts” y “Test for Echo”, además de un concierto grabado en 1977.
Finalmente en el 2002, Peart se reincorpora a la banda para grabar el siguiente álbum “Vapor Trails” que era un acertado regreso a los orígenes del grupo, mostrando el sonido hard rock de los 70.
El siguiente año y rompiendo por primera vez la lógica evolución de discos publicados hasta esos momentos, se publica el triple álbum en directo “Rush in Rio”, grabado íntegramente en Brasil en la gira del “Vapor Trails”.
“Feedback” (1994), supuso una vieja idea de la banda de grabar versiones de los temas que les inspiraron en sus primeros años como “Summertime Blues” de Eddie Cochran o “Shapes of Things” de The Yardbirds y que sirvió para conmemorar sus treinta años desde su primer álbum.
“Snakes and Arrows” el ultimo trabajo del grupo se edito en el 2007, que precedió a una gira mundial y de la que es extrajeron el material para el álbum “Snakes and Arrows Live”, lanzado en el 2008.
Antes en el 2005, se había publicado otro directo “R30th Anniversary World Tour”.
En cuanto a recopilatorios la banda ha publicado media docena de los que destacan “Chronicles” (1990), y la saga “Restrospective I, II, III” (1997, 2009).
En total han conseguido 24 discos de oro y 14 de platino, con unas ventas globales que superan los cincuenta millones de álbumes, además de ser nominados cinco veces a los premios Grammy y ser la cuarta banda en obtener más certificaciones de oro y platino consecutivamente después de The Beatles, Rolling Stones y Kiss.
Igualmente han sido considerados los mejores instrumentistas de su género durante muchos años con multitud de galardones individuales.

Jefferson Airplane/Starship

En 1965 la ciudad de San Francisco era la capital mundial de la incipiente nueva era de la música, como ya había ocurrido poco tiempo antes con Liverpool y The Beatles.
Allí se dieron cita los factores fundamentales para el renacimiento del flower power y el universo hippie con todo lo que esto supuso en los siguientes cinco años, la contracultura, el amor, el pacifismo, el canto a la paz o las drogas.
En el aspecto meramente musical también supuso un nuevo horizonte de nuevas posibilidades y nuevos sonidos, desde el rock psicodélico hasta el folk poético e intelectual, al mismo tiempo esa misma música era un movimiento reaccionario al estamento político y social de la época.
Bandas emergentes como The Mamas and the Papas, Buffalo Springfield, Mothers of Invention o Jefferson Airplane eran unos estandartes de ese movimiento y fueron estos últimos quienes con su música se convirtieron en un claro revulsivo a todo lo que hasta ese momento era conocido.
Ellos supieron dotar esa música de informalidad y libertad además de mucha mas naturalidad y espontaneidad.
Su historia comenzó con el casual encuentro del cantante y guitarrista Marty Balin con el guitarrista y cantante Paul Kantner y con Jorma Kaukonen igualmente guitarrista, que por aquel entonces era colaborador asiduo de Janis Joplin.
Estos tres músicos reclutan al bajista Jack Casidy, al batería Skip Spence y al cantante Signe Toly Anderson, y con esta formación nace Jefferson Airplane que rápidamente consiguen un contrato millonario con la RCA.
Ya en 1966 se publica el primer álbum titulado “Takes Off”, que aunque no logra entrar en las listas de éxitos, si consigue una aceptable acogida entre la critica de la época, aquí ya se intuían algunas de las particulares artísticas del grupo como el tema que homenajeaba a la cultura de las drogas “Running around this World” y unas claras connotaciones de folk psicodélico.
Pero después de este primer álbum aparecen las primeros abandonos y tanto Signe Anderson como Skip Spence son sustituidos por Grace Slick y Spencer Dryden respectivamente.
Grace Slick provenía de la banda The Great Society que tuvo una efímera historia, pero que fue fundamental para el posterior desarrollo de los Jefferson Airplane, ya que de su repertorio se extrajeron varios temas que con unos sutiles arreglos fueron a parar al siguiente álbum de la banda.
Con esta nueva formación se publica a finales de 1967 el segundo álbum “Surrealistic Pillow”, un trabajo sorprendente lleno de pinceladas psicodélicas que pronto alcanza los primeros puestos y que confirma la calidad extraordinaria de la banda.
Del álbum se extrajeron varios singles, los fantásticos “Somebody to Love” y “White Rabbit”, curiosamente los que habían pertenecido a la citada The Great Society.
En este segundo álbum ya se impuso la fascinante voz de Grace Slick, de gran intensidad y una potente expresividad.
“After Bathing at Baxter´s” será el siguiente eslabón de la banda, publicado casi un año después, integrado por cinco psicodélicas mini-sinfonías magistrales.
En plena fiebre de éxitos y criticas de la prensa especializada, se publica “Crown of Creation” (1968), que continua con la evolución creativa de la banda, aunque quizás un álbum algo mas sosegado que las explosiones sónicas anteriores.
Llegados hasta este punto la banda se toma un respiro, después de tantas giras y grabaciones y deciden instalarse en el barrio lujoso de Fulton Street y que posteriormente será el santuario hippy de toda California.
Todo el año 1969 la banda se refugio en los estudios de grabación para preparar su siguiente trabajo, algo que aprovecho la compañía RCA para publicar el directo “Bless it´s Pointed Little Head”.
Por fin en febrero de 1970 se publica el tan ansiado nuevo álbum de la banda titulado “Volunteers”, sin duda el cenit artístico y comercial de Jefferson Airplane.
El álbum contenía grandes canciones como la épica “Wooden Ships on the water” o las armónicas “We can be Together” y “Volunteers”.
Este trabajo tuvo como invitados estelares a Gerry García de los Grateful Dead, además de Stephen Stills y David Crosby.
A partir de aquí empiezan a haber una serie de situaciones que alteran el buen camino de la banda, para empezar el mensaje de paz y hedonista del movimiento hippie empezaba a perder fuerza, entre otras cosas por la paulatina absorción de los intereses económicos que les había convertido en meros productos comerciales sujetos a las modas.
Además algunos de sus miembros se embarcan en proyectos paralelos, por una lado nace la banda de blues Hot Tuna, que comandan Jack Casidy y Jorma Kaukonen y por otra Spencer Dryden se une a The New Riders of the Purple Sage y es sustituido por Joey Covington.
Aún así poco después se publica “Blows Against the Empire”, otra espectacular obra en donde aparecen otros músicos como Mickey Hart y que era originalmente parte del material desechado para el álbum “Volunteers”, y compuesto en totalidad por Kantner, la temática de este nuevo disco se alejaba en parte de lo hecho hasta ahora con un álbum conceptual en torno a la ciencia-ficción.
Para diferenciar este nuevo álbum del resto de la discográfica del grupo se firmo como Paul Kantner and Jefferson Airplane
En 1971 se da vida al nuevo álbum “Bark”, que cuenta con un nuevo miembro, Papa John Creach que había sustituido poco tiempo antes a Balin.
El álbum que sin llegar a ser muy consistente, conseguía rescatar pinceladas de sus mejores obras y contenía grandes temas como “Pretty as you feel” o “When the earth move again”.
En 1972 el álbum “Long John Silver”, es el último de Kaukonen y Casidy cada vez mas comprometidos con Hot Tuna, sus sustitutos serían John Barbata y David Freiberg.
Este álbum demostró la cada vez mas lejana época dorada del grupo, pasando bastante desapercibido pese a resultar un aceptable trabajo.
Posteriormente la RCA publica el directo “30 Seconds over Winterland” (1973), el segundo de la banda que contenía material inédito.
Llegados a este punto la banda prácticamente desaparece y serian Slick y Kantner quienes sigan con la saga publicando buenos trabajos como “Sunfighter”, que fue la lógica continuación de “Blows Against…”, o “Baron Von Tolbooth and the Chrome Nun” (1973), bajo la denominación Kantner & Slick.
Por su parte la propia Grace Slick también publica algunos álbumes en solitario como “Manhole” (1974), “Dreams” (1980), “Welcome to the Wrecking Ball” (1981) o “Software” (1984).
En 1974 se reorganiza el grupo bajo el nombre de Jefferson Starship, que publica el álbum “Dragonfly”, al que seguirán otros, algunos de ellos de enorme éxito como “Red Octopus” (1975), “Spitfire” (1976), “Earth” (1978), “Freedom at Zero Point” (1980) o “Modern Times” (1981), todos ellos muy alejados del sonido psicodélico del principio y mas enfocados al rock mainstream o al AOR.
En 1989 la banda original se reunió para grabar el álbum “Jefferson Airplane”.
Unos años antes Kantner, Casidy y Balin formaron la banda KBC Band y publicaron el álbum homónimo “KBC Band” (1986).
En el 2006 la banda fue incluida en el Rock and Roll Hall Of Fame.
La discografía de Jefferson Airplane es continuamente reeditada y en estos últimos años muchos de sus álbumes han sido remasterizados en cd en ediciones de luxe, además de contener material inédito, también se han publicado innumerables recopilatorios de los que destacan “2400 Fulton Street” (1987), la box set “Jefferson Airplane Loves you” (1992) o “Early Flight” (1974).
Además Jefferson Airplane es uno de los grupos incluidos en los álbumes del Festival de Woodstock, tanto en el triple inicial Woodstock: “Music from the Original Soundtrack and More” publicado en 1970 y el cual contiene el tema “Volunteers” que abría el sexto álbum, como en el segundo volumen titulado “Woodstock Two" y que contiene los temas “Saturday Afternoon/Won´t you try” y “Eskimo Blue Day”.
En definitiva Jefferson Airplane esta considerada como una de las mas grandes y míticas bandas de rock de todos los tiempos y que logro ser no solo un mito en los Estados Unidos y en la comunidad hippie, si no también a nivel mundial, llegando a vender grandísimas cantidades de todos sus álbumes y siendo la mas cotizada entre todas sus coetáneas de finales de los sesenta.

Canned Heat

A mediados de los años 60 en la costa oeste norteamericana existía una incipiente oleada de grupos que en pocos años se convertirían en parte de la historia del rock.
Esa escena musical la compartían grupos como Grateful Dead, Love, The Doors, Steve Miller Band, Jefferson Airplane, Canned Heat y otros muchos mas, y fue esta ultima la que creo un estilo totalmente nuevo y de paso dio una aportación esencial a la evolución de rock-blues, además de estar considerada uno de las mas grandes bandas de la historia de la música norteamericana y parte esencial en la era de la contracultura hippie.
Su historia comenzó cuando un joven llamado Bob Hite contacta con Alan Wilson y ambos entablan una buena amistad gracias a la afición de ambos por los discos de blues y su afición como coleccionistas de vinilos, con unas impresionantes discotecas particulares.
Alan apodado Blind Owl, (buho ciego), debido a su miopía, se había graduado en música en la Universidad de Boston y trabajaba ocasionalmente como arreglista particular, además era un gran harmonicista y un habilidoso guitarrista, Bob por su parte era empleado de una tienda de discos y le llamaban The Bear (el oso), debido a su gran porte y su potente y socarrona voz, que era la adecuada para el blues.
Con el tiempo conocen al batería Frank Cooke y al guitarrista Henry Vestine, que provenían de los Mothers of Invention de Frank Zappa y deciden fundar un grupo, para en un principio tocar en fiestas y pequeños bares, posteriormente también se les une el bajista Larry Taylor.
En sus orígenes, su estilo estaba enfocado al country-blues, quizás debido en parte por el tono de voz que Hite imprimía a sus canciones.
Poco a poco su música se fue electrificando cada vez más y dotándola de mayor rapidez y profundidad.
No seria hasta 1967 cuando el sello Liberty les hace un contrato y les produce su primer álbum “Canned Heat”, repleto de versiones de viejos blues como “Rollin´and Tumblin” o “Big road blues”, que tuvo un discreto éxito.
En este álbum ya se podían ver como ambos lideres compartían la voz solista, una veces era la grave y rotunda de Hite y otras la melancólica y emotiva de Wilson.
En agosto de ese mismo año la banda participa en el Festival Pop de Monterrey cosechando un éxito abrumador que les catapulta a ser reconocidos por la prensa de todo el país, como una de las bandas revelaciones del año.
En junio de 1968 se publica el segundo álbum “Boggie With Canned Heat”, un disco con blues atmosféricos e hipnóticos y con ligeros toques psicodélicos, que les consolida en los primeros puestos en el ranking de la mejor banda de boggie blues-rock de la época, además consiguen un éxito con el blues trágico y fatalista “On the Road Again”.
En este álbum ya no participaría Cook siendo sustituido por Fito de la Parra, conformando así la formación clásica de la banda.
A finales de ese mismo año se publica el tercer álbum “Living the Blues”, que contó con la colaboración de John Mayall.
En esta ocasión la banda registraba soberbios momentos de blues como “One Kind of Flavour” o “Going up the Country”.
A principios de 1969 Vestine decide abandonar el grupo y es sustituido por Harvey Mandel.
Con esta formación se publico “Hallelujah” (1969) álbum que precedió a la famosa actuación del grupo en el Festival de Woodstock y más tarde en el Festival de la isla de Wight.
Ya en 1970 el sello Liberty publica el recopilatorio “Canned Heat Cookbook” y el directo “Canned Heat´70 Concert”, y posteriormente la banda publica su quinto álbum “Future Blues”, una de las cumbres discográficas del grupo.
El nuevo trabajo contenía momentos memorables como “Sugar Bee”, “Shake it and break it” o “Let´s Work Together”, otro de sus himnos.
Pero justo unos días después de la publicación del álbum Alan Wilson aparece muerto por sobredosis de barbitúricos, en lo que probablemente era un suicidio, como consecuencia de las continuas depresiones que sufría.
Esto supuso la inestabilidad en la banda que acabo con la marcha de Larry Taylor y Harvey Mandel y la vuelta de Vestine.
No fue hasta mediados de 1971 cuando la banda se puso de nuevo en marcha para grabar una vieja idea de Wilson y Hite, la de hacerlo junto al gran bluesman John Lee Hooker, y así se publico “Hooker´n´Heat” que resulto un gran disco, pero apenas apreciado por el gran publico.
En adelante la banda se sumergió en un progresivo declive creativo y aunque firmaron buenos álbumes como “Historical Figures and Ancient Heads” (1972), “New Age” (1973), “One More River to Cross” (1974) o “The Human Condition” (1978), nunca llegaron a tener la inspiración de los primeros discos.
Varios años después, en 1981 Bob Hite fallecería de un infarto a consecuencia de su adicción a las drogas.
Canned Heat han seguido hasta la actualidad con regulares giras y publicando álbumes con nuevo material como “Internal Combustión” (1994), “Blues Band” (1996), o “Boogie 2000” (1999), además de una serie interminable de directos y recopilaciones, en 2007 publicaron su ultimo trabajo en estudio titulado “Under Dutch Skies”.
En todos estos últimos años la formación de la banda ha tenido numerosos cambios, algunos de ellos con músicos muy reputados como Walter Trout o Robert Lucas, siendo Fito de la Parra el único superviviente de la formación original.
Por ultimo en 1997, fallecería Henry Vestine después de haber participado en el álbum “Blues Band”.

Traffic

Cuando Steve Winwood decidió abandonar la Spencer David Group a finales de 1966, había dejado tras de si uno de los grupos mas rotundos y gloriosos de la década de los 60.
Efectivamente, el compuso varios de los himnos generacionales que aún hoy en día siguen siendo parte esencial de la música rock, icónicas canciones como “Gimme Some Lovin” o “I´m a Man”, y que le encumbraron definitivamente en los anales del rock.
Pero la Spencer Davis Group era una banda que se le quedaba corta al joven Winwood que cuando mayor era su éxito les abandona para continuar por su lado y explorar sus propias ideas y dar rienda suelta a su talento y genialidad.
Así y después de formar brevemente el grupo Powerhouse, junto a otras leyendas del rock británico como eran Eric Clapton o Jack Bruce, funda una banda propia llamada Traffic.
Winwood conformo Traffic con músicos que tiempo atrás había conocido en las sesiones de grabación del mencionado tema “I´m a Man”, estos músicos eran el batería Jim Capaldi, el guitarrista Dave Mason y el saxofonista Chris Wood.
Durante algún tiempo los cuatro se establecieron en Aston Tirrold, al sureste de Inglaterra, allí además de ensayar, empiezan a componer temas como “Berkshire Poppies”, “House for Everyone” o “Hole in my shoe”, todas ellas incluidas en el primer álbum que fue publicado a finales de 1967 bajo el sello Island, titulado “Mr Fantasy”.
Este primer álbum fue demoledor con una sonoridad y efectos que difícilmente eran superables, con un Steve Winwood pletórico y un Dave Mason espectacular, los cuales junto al polifacético Chris Wood y el respaldo de Capaldi, lograron un trabajo lleno de fusión de blues & jazz y ramalazos de psicodelia.
El álbum consiguió escalar hasta el puesto octavo de las listas británicas y una gira posterior por los Estados Unidos junto a la Jefferson Airplane y Grateful Dead les abre el ansiado mercado americano. Un año después se publica el segundo álbum “Traffic” (1968), que mostraba un sonido hasta límites casi fabulosos y considerada un obra maestra absoluta del rock psicodélico.
Aquí la banda mostraba muchas mas influencias, dotando la música de connotaciones folk que sabiamente mezclaban con el blues y el jazz.
“The Last Exit” (1969), fue la cumbre expresiva del grupo y quizás el principio del fin de la banda, con una cara grabada en directo de la gira anteriormente citada y la otra grabada en estudio, que era la culminación de cuatro músicos superdotados.
Pero además de todo esto, también estaban presentes las diferencias entre las direcciones musicales a seguir entre Dave Mason y Steve Winwood, que culmina con el abandono primero del guitarrista y después del propio Winwood.
A todo ello la Island, viendo el panorama que se les venia encima, publica el recopilatorio “The Best of Traffic” (1969).
Traffic desaparece oficialmente en octubre de 1969 y ese mismo mes hace lo mismo otra mítica banda británica Cream, y dos de sus miembros Eric Clapton y Ginger Baker se unen a Winwood para fundar el súper grupo Blind Faith, que además se completaría con el ex Family, Rick Grech.
No obstante la vida de este nuevo grupo seria efímera, quizás por el imponente esfuerzo publicitario y promocional dado a esta super banda, con una asombrosa expectación antes de lanzar su primer y único trabajo “Blind Faith” (1969). Un álbum que empezó con mal pie debido a la polémica portada, que fue censurada en muchos países, en ella se mostraba a una joven adolescente desnuda y con un avión entre sus manos y que dejaba entrever una pose sexista.
En cualquier caso el álbum resulto ser un trabajo prodigioso repleto de temas que rozaban el hard rock y el blues rock con ramalazos al rock progresivo con tintes psicodélicos.
Ni que decir tiene que el álbum fue directo al numero uno en numerosos países y cosechando unas ventas millonarias.
Pero Traffic volvería a ser noticia en 1970, cuando Capaldi, Wood y Winwood se unen para empezar una segunda etapa del grupo y publican “John Barleycorn Must Die”, que en un principio se diseño como álbum en solitario de Winwood con el titulo de “Mad Shadows”.
Un trabajo lleno de exquisiteces, con jazz, folk y blues sabiamente mezclados con rock y que se coló entre los primeros puestos de las listas inglesas.
Después de este álbum entro a formar parte del mismo Rick Grech para cubrir la baja de Mason, además de Reebop Kwaku-Baah y Jim Gordon, que ampliaban considerablemente el grupo.
De la posterior gira se extrajeron los temas del siguiente álbum, el directo “Welcome to the Canteen” (1971).
Posteriormente se publico “Low Spark of High Heeled Boys”, que resulto ser una obra ecléctica y progresiva, obteniendo óptimos resultados sobre todo en los Estados Unidos.
Pero una repentina enfermedad sufrida por Winwood, les hace suspender la gira mundial posterior a este disco y como consecuencia abandonan la nave Capaldi y Gordon siendo sustituidos por David Hood y Roger Hawkins respectivamente.
A mediados de 1972 la banda se traslada a Jamaica para la grabación de “Shoot out at the fantasy Factory”, que obtuvo otro notable éxito de critica y de ventas y resulto ser un trabajo mas enfocado la jazz-rock, pero menospreciado por el publico y la critica de su país de origen.
Una posterior gira por Europa fue reflejada en el doble álbum en directo “On the Road” (1973), y que contaba con la participación de un nuevo miembro, el teclista Barry Beckett.
Al año siguiente se publica el ultimo álbum de la banda, “When the Eagles Flies”, un meritorio trabajo en donde predominaban los teclados de Winwood y que mantenía el status del grupo muy alto.
Ya no seria hasta veinte años después en 1994, cuando Winwood junto a Jim Capaldi firmaron álbum como Traffic titulado “Far from Home”, en donde intentaron retroceder a las viejas formulas de su glorioso pasado pero con aires renovados.
Una vez disuelto el grupo en 1974 y en adelante las carreras artísticas de todos los miembros fue muy desigual siendo Steve Winwood indudablemente quien prosiguió la suya lleno de éxitos con obras algunas de ellas muy relevantes.
En 1976 formo junto al teclista japonés Stomu Yamashta el súper grupo Go que también incluía a Al Di Meola, Pat Thrall, Klaus Schulze o Mike Shrieve y publicaron el álbum “Go” de claro corte progresivo.
Winwood publico su primer álbum en 1977 “Steve Winwood”, que contó con la colaboración de Capaldi, al que le siguieron el sofisticado pop-rock y millonario en ventas “Arc of a Diver” (1980), el mediocre y continuista “Talking back to the night” (1982), el igualmente hit mundial “Back in the High Life” (1986), “Chronicles” (1987), “Roll with It” (1988), “Refugees of the Heart” (1990), el exótico “Juction Seven” (1997) y por ultimo “About Time” (2003), en donde hay un tímido acercamiento a los tonos cálidos de su época con Traffic.
Mas recientemente en el 2008, Steve Winwood se embarco en una gira junto a Eric Clapton en donde interpretaban viejos temas de Traffic y Blind Faith y que fue un mega éxito de taquilla y posteriormente fue editado en CD y DVD.