viernes, 13 de noviembre de 2020

Santana-Caravanserai (1972)

El cuarto álbum de Santana significaría la ruptura estilística de la banda a nivel comercial,
Caravanserai (1972), contrasta radicalmente con álbumes anteriores basados principalmente en la fusión de sonidos latinos y rock, aquí en este nuevo álbum, Santana se enfoca en el jazz y los sonidos progresivos.
La mayoría de las canciones son instrumentales y, en consecuencia no hubo sencillos en las listas de éxitos.
Este sería el primer disco de una serie de trabajos con un carácter más complejo y reflexivo centrado en el jazz rock, para muchos críticos de la época es el mejor disco del grupo, lo que sin embargo contrasta con el éxito artístico, ya que no fue acompañado de las ventas de sus discos predecesores al momento de su salida al mercado, pero con el tiempo si se convertiría en uno de sus trabajos mas vendidos, superando con creces el millón de copias.
Ese inicial revés comercial fue achacado al perder seguidores de su estilo latino, algo que seria beneficioso para su carrera posterior al ir ganando un segmento mucho mas amplio de fans del jazz-rock, del rock progresivo y del rock en general.
“Caravanserai” es un disco repleto de ambientes etéreos e hipnóticos, de enorme lirismo y de gran espiritualidad y en donde Santana se deja embrujar por ese encantador perfume musical que obras como “A Love Supreme” de John Coltrane o “Bitches Brew” de Miles Davis desprendían.

jueves, 12 de noviembre de 2020

Jean-Luc Ponty-Cosmic Messenger (1978)

El violinista francés Jean-Luc Ponty ocupa un puesto único como músico en la historia del rock; el encontró el lugar preciso del violín en este genero, un lugar que no existía hasta su llegada. El violín, instrumento clásico por excelencia, tiene su historia en la música clásica, en la música popular, en el folk, en el blues y en el jazz, pero no lo tenia en el rock, que siempre prefirió instrumentos mas agresivos y propensos a un uso rítmico y muy definido. Ponty logro hacer entrar el violín eléctrico en el rock como instrumento solista en un momento histórico, a mediados de la década de los sesenta, cuando el rock estaba pasando por una importante fase creativa.
Su carrera se remonta a principios de los 60 cuando entraría en contacto con grandes como Stephane Grappelli o Sven Asmussen, con quienes grabaría "Violin Summit", tiempo después publicaría su primer álbum en solitario "Sunday Walk", acompañado por la flor y nata del jazz europeo.
A continuación se traslado a los Estados Unidos donde colaboraría con George Duke en los álbumes “Electric Connection, Experience” y “Live in Los Angeles”.
Mas tarde y después de conocer a Frank Zappa, participaría en sus álbumes "Hot Rats" y "King Kong", este ultimo un álbum con composiciones del propio Zappa e interpretado por Ponty.
En 1974 y 1975 participaría como miembro de la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin en los míticos álbumes "Apocalypse" y "Visions of the Emerald Beyond".
Durante todos estos años Jean-Luc Ponty colaboraría en álbumes de Elton John (Honky Chateau), Frank Zappa (Over-Nite Sensation) o Chick Corea (My Spanish Heart) entre otros.
Sin embargo no descuida su carrera en solitario y a partir de la mitad de la década de los 70, Ponty lograría una serie de álbumes inmejorables colocándose en la vanguardia del jazz rock: "Mystical Adventures", "Aurora", "Imaginary Voyage", "Enigmatic Ocean" o "Cosmic Messenger", en donde hay fantásticos ejercicios de soberbio jazz rock progresivo como "Egocentric Molecules", "Mirage", "Between You and Me" o "Once Upon a Dream", todos ellos de enorme complejidad compositiva e instrumental.

The Mahavishnu Orchestra-The Inner Mounting Flame (1971)

Es difícil definir como orquesta a una banda compuesta solo por cinco elementos. Sin embargo la formación capitaneada por John McLaughlin se merece este titulo. Antes de nada por su impacto sonoro. Descrita por Jeff Beck como un Ferrari, el coche perfecto, es un hecho que la Mahavishnu Orchestra fue el primer gran grupo de fusión entre el mundo del jazz y del rock. Si ya antes Miles Davis había electrificado el jazz, en el fondo seguía siendo esencialmente un solista de la improvisación. John McLaughlin y su banda por el contrario, constituían un núcleo muy similar a una banda de rock. El propio McLaughlin era un veterano en incursiones en el rock mas duro y experimental de Jimi Hendrix. Además sus compañeros eran todos solistas de una extraordinaria capacidad instrumental, desde Jerry Goodman, violinista líder de la banda de jazz-rock The Flock, a Billy Cobham, impresionante baterista capaz de inventar un estilo nuevo y único pasando por Jan Hammer, un teclista de origen checoslovaco, el cual tenia un talento único e innovador en el sintetizador Moog.
La discográfica de The Mahavishnu Orchestra, en su edición original, es escasa con tres álbumes, diferentes entre si, pero importantes y únicos.
El primero "The Inner Mounting Flame" es apasionado, instrumental y rico en contenidos y referencias. En el cobran vida las enseñanzas de Miles Davis en "Bitches Brew", el rock mas experimental de Jimi Hendrix, el blues mas tradicional, el country, e incluso ritmos de claro corte funky.
El publico y la critica quedaron pasmados frente a esta variedad de mezclas de estilos, un trabajo que es producto de la investigación, a partir de aquí nace una nueva etiqueta en el vocabulario musical, el termino jazz-rock.

Rush-Rush (1974)

El primer álbum de Rush fue lanzado al mercado en Canadá en marzo y en Estados Unidos en julio de 1974. Fue reeditado en disco compacto con sonido remasterizado en 1997.
Debido a lo estrecho del presupuesto para dicha grabación, las sesiones de ésta se programaron en los momentos en el que el estudio de grabación solía estar libre, y que generalmente eran a altas horas de la noche, por lo cual tenían una tarifa menor. Esto ha sido un hecho bastante común en varias bandas rockeras (de hecho, Queen se vio forzado a hacer lo mismo para la grabación de su primer álbum). La banda no resultó satisfecha con el trabajo del productor original, Dave Stock, por lo que el manager Ray Danniels terminó contratando por 9.000 dólares adicionales a Terry Brown, cuyo trabajo de remezcla mejoró notablemente la calidad del sonido. Originalmente el álbum se editó bajo el patrocinio de la empresa canadiense Moon Records con una producción de sólo 1.000 copias. Una de ellas llegó a manos de Donna Halper, una DJ de la emisora WMMS de Cleveland, Ohio, quien seleccionó el tema “Working Man” para radiarlo regularmente durante su programa. El tema fue tan exitoso que la cantidad de llamadas recibidas por el programa llamó la atención de los ejecutivos de Mercury Records, quienes firmaron a Rush un contrato y procedieron a reeditar el álbum en los Estados Unidos, donde caló bastante bien, alcanzando la categoría de disco de oro en ventas.
Después del lanzamiento de su primer álbum, John Rutsey abandonó el grupo en julio de 1974 debido a su diabetes y a su poca disposición para tocar en directo. Para sustituirlo el resto del grupo llevó a cabo una serie de audiciones y finalmente contrataron a Neil Peart para reemplazar a Rutsey. Peart se unió oficialmente el 29 de julio de 1974, dos semanas antes de su primera gira estadounidense. Hicieron su primer concierto juntos, como teloneros de Uriah Heep y Manfred Mann ante más de once mil personas en el Civic Arena de Pittsburgh en Pennsylvania el 14 de agosto. Además de convertirse en el baterista, Peart se convirtió en el principal compositor, en detrimento de Geedy Lee, que mostraba poco interés en escribir, a pesar de haber firmado las letras del álbum debut.
Y se nota que era la pieza que faltaba ya que es un disco con un sonido más básico y sencillo que lo que luego demostrarían, con un rock que no incluye nada de teclados, una voz especialmente gritona y con una clara influencia de la música de Led Zeppelin como en "What you're doing" y algunos más.
A pesar de todo nos dejan un par de temas como clásicos de su repertorio, de hecho nunca dejaron de tocarlos en directo como "Finding My Way", "In The Mood" y "Working Man", también destaca el tema "Here again", con un Alex Lifeson impresionante a la guitarra.

Queen-News Of The World (1977)

Para muchos fans, este es el mejor álbum de Queen, incluso por encima de "A Night At The Opera", sin entrar en discusiones de cual es mejor, este "News Of The World" es sin duda el que mejor combina las facetas comerciales y de enorme calidad.
Pese a que el éxito de este álbum fue en parte a consecuencia de temas como los inmortales "We Will Rock You" y "We Are The Champions", el resto es un compendio de gloriosas y perturbadoras canciones como la hard rock "Sheer Heart Attack", la jazzistica "My Melancholy Blues", la funk "Get Down Make Love" o la hermosa balada "All Dead All Dead".
Este seria el álbum definitivo con el que Queen pasaban de gran banda de pomp rock a banda del circuito arena rock.

miércoles, 11 de noviembre de 2020

Brian Auger´s Oblivion Express-Live Oblivion (1974)

Antiguo pianista de jazz el británico, Brian Auger se hizo famoso a mitad de los años sesenta como organista de rhythm and blues gracias a su particular habilidad técnica con el órgano Hammond.
Después de haber tocado con el guitarrista John McLaughlin, Brian Auger encontró el camino del éxito con el grupo Steampacket en 1965, junto a el estaban Long John Baldry, Rod Stewart y Julie Driscoll, como un imponente trío vocal. En 1968 abandonaría la banda para fundar junto a Julie ( por entonces era su mujer) el grupo The Trinity. Fue el momento del mayor éxito de Auger, entre otras gracias a la afortunada versión del tema de Bob Dylan "This Wheel´s On Fire" que escalaría las listas de éxito de medio mundo.
En 1970 Auger fundaría el grupo Oblivion Express con Jim Mullen y Robbie McIntosh. El estilo de esta nueva formación se alejaba del toque jazz-rock de sus anteriores producciones para enfocarse a sonidos mas poderosos y progresivos.
Sus dos primeros álbumes publicados en 1971 "Brian Auger´s Oblivion Express" y "A Better Land", están orientados hacia sonidos complejos de funk rock. Sin embargo la fortaleza de Brian Auger y su banda residía sobre los escenarios, allí transmitía la fuerza y la emoción que no se veían plasmados en los álbumes de estudio.
Por eso en 1974 se publico el triple álbum en directo "Live Oblivion", grabado en el famoso local de Hollywood, el Whisky A Go-Go, consiguiendo con este directo el éxito que se le negaba con sus trabajos en los estudios de grabación.

Johnny Winter-Johnny Winter And (1970)

Johnny Winter engrosó al selecto grupo de músicos blancos que estaban dando vida a un filón de blues eléctrico. Por entonces Al Kooper, John Mayall o Mike Bloomfield entre otros, ya habían superado la limitada concepción del blues como música racial y la difundían entre el publico blanco. El primer álbum de Johnny Winter fue grabado en Nashville con el titulo homónimo de "Johnny Winter" en el año 1969. A su lado apoyandolo estaba su hermano Edgar y también algunos bluesman históricos como Willie Dixon o Sharkey Horton.
Un año después apareció "Second Winter" un doble álbum que curiosamente solo tenia grabado tres caras. Aquí además del blues, Winter demuestra sus preferencias por toda la música popular de la época, interpretando temas de rock´n´roll de Chuck Berry y Little Richard o realizando una personal y soberbia versión de "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan.
En 1971 apareció "Johnny Winter And" su mejor obra, con rápidas e viscerales incursiones en el repertorio de otros músicos como "Jumpin´Jack Flash" de los Rolling Stones o "No Time To Live" de Traffic.
Este primer periodo discográfico se salda con el directo " Johnny Winter and-Live" (1971), grabado en el Fillmore East de Nueva York. Sin embargo este directo se publico cuando ya Winter se había retirado a zonas rurales a una cura de desintoxicación de los excesos con las drogas y que de paso le habían llevado en tan poco tiempo a convertirse en una leyenda de la guitarra blues.
Pasarían dos años antes de que volviera a publicar ningún material y en 1973 y con la ayuda de su amigo, el guitarrista Rick Derringer, vuelve por la puerta grande con el álbum "Still Alive and Well", el cual contiene temas de un nivel excepcional como el fulminante "Rock´n´roll" o "Silver Train" compuesto por el dúo Jagger-Richards, además de la versión del mítico tema "Let It Bleed". Este álbum del regreso del albino guitarrista, escalo las listas de éxitos y volvió a llevarlo hasta los corazones de sus fans.
En adelante la actividad de Johnny Winter se mantuvo en un buen nivel artístico a pesar de la consagración de nuevos músicos y nuevos estilos, pero Winter es un admirable interprete que aunque su estilo pueda parecer repetitivo, siempre terminaba sorprendiendo a propios y extraños.  

Joe Cocker-With Little Help From My Friends (1968)

En 1968 Joe Cocker grababa bajo la supervisión de Denny Cordell, su primer album titulado "With Little Help From My Friends", en el cual contó con la colaboración de excelentes músicos de la escena británica de aquella época; Jimmy Page, Albert Lee, Steve Winwood, Tony Visconti, Chris Stainton o Mathew Fisher entre otros en una hábil elección que contribuyo al poderío del resultado final del disco.
Desde hacia algún tiempo, Cocker venia actuando en Gran Bretaña y Francia con su banda Joe Cocker Big Blues Band, en donde básicamente tocaban versiones de la música negra con temas de blues y R&B de los clásicos del genero.
La aparición en la vida de Cocker del músico y arreglaste Chris Stainton fue vital para el devenir del futuro del cantante de Sheffield.
Cocker basaba su estilo negroide de soul y blues en su forma desarticulada de gesticular con una presencia inconfundible y enloquecida, que contrastaba con su aparente fragilidad y su voz ronca y poderosa.
Al frente de su nueva banda The Grease Band, Joe Cocker ofreció una serie de conciertos por toda Inglaterra en apoyo a su primer álbum. Al siguiente año participaría en el festival de Woodstock ante trescientas mil personas, los cuales aplaudieron entusiasmadamente las peripecias de Cocker y su banda sobre el escenario.
Poco después en los Ángeles y con la ayuda estimable de Leon Russell, grabaría su segundo álbum "Joe Cocker". Russell enseñaría a Cocker a modular los pesados tonos del recitado blues y le proporciono un éxito inolvidable "Delta Lady".
Russell supervisara la grabación de este nuevo álbum en donde se notaba el cambio de país y de ambiente, aquí hay una agilidad diferente a su opera prima, es menos tosco y blues, revelando mas eclecticismo y dispuesto a enfrentarse a la melodía country.
Con este clima renovado, contribuye en gran manera la elección de Russell de elegir los músicos para la grabación del álbum, todos ellos pertenecientes a lo mejor de los grupos country-rock y folk de bandas como The Byrds o The Flying Burrito Brothers.
Sin embargo esta diversidad de estilo entre los dos primeros álbumes saca a relucir el principal problema de Cocker, su espontaneidad, su falta de calculo o astucia, que si bien puede ser un mérito, a la larga se configura como un peligroso defecto. Este defecto residía en la incapacidad de elaborar una estrategia musical propia, dejándolo a merced de arreglistas y compositores. Y desgraciadamente no todos son como Chris Stainton o Leon Russell.
Tras la separación de The Grease Band, Russell se invento un mega tour de 42 músicos en lo que luego se publicaría "Mad Dog And Englishmen", testimonio en formato de doble álbum en directo que incluye un repertorio repleto de versiones de otros artistas como Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones o Traffic y cuatro temas de los dos primeros álbumes de Joe Cocker.

John Mayall-Blues Breakers with Eric Clapton (1966)

John Mayall es sin duda el patriarca del blues ingles, el creo las bases para el desarrollo de numerosos grupos, todos ellos llenos de talento en los años sesenta y setenta. En la practica, gracias a el se formaron los núcleos creativos de Cream, Fleetwood Mac o Colosseum, con músicos procedentes de las varias formaciones de los Bluesbreakers de Mayall, gente en suma que ha marcado la historia del rock en todo el mundo.
Nacido en Cheshire al norte de Inglaterra en 1933, creció en un suburbio de Manchester y empezó a tocar la guitarra a los diez años y poco después hizo su debut con un trío de blues en el Bodega Jazz de Manchester, por ese entonces además tocaba el piano y la armónica.
Después de salir del ejercito, estudio arte mientras al mismo tiempo cultivaba su afición por el blues y el jazz.
Después de fundar varios grupos, dedicarse a la pintura y hacer constantes giras por diferentes clubs del circuito de pubs de blues, en 1965 Mayall publica junto a sus Heartbreakers su primer álbum ”John Mayall plays John Mayall” bajo el sello Decca, una grabación en directo.
Después de este primer disco, entra a formar parte de la banda un joven llamado Eric Clapton, que había abandonado el grupo The Yardbirds, y con el se iniciaría la edad de oro de Mayall.
Clapton estaba infravalorado en los Yardbirds y fue llamado por Mayall observando las grandes dotes del guitarrista y su deseo de hacer blues, otorgándole el espacio necesario que el músico necesitaba en sus grabaciones.
El resultado fue apoteósico, un clásico de la historia del rock.
“Bluesbreakers John Mayall with Eric Clapton”, publicado en 1966 y producido por Mike Vernon, es un fantástico ejercicio de potente y eléctrico blues urbano, y aunque Clapton lo pone todo para de alguna manera robarle el protagonismo a Mayall, este hace unas excelentes demostraciones al piano, el órgano y la armónica, como en la intensa “Parchman Farm”, cargada de una intensa armónica soul y por la tensa sección rítmica de John McVie a la batería y Hughie Flint al bajo.
Todo el álbum parece elaborado por pequeños genios impacientes por demostrar sus grandes dotes individuales, Clapton crea solos que se convierten en clásicos “Hideaway” y “Steppin´out”, McVie en el solo de batería de “What'd I say” y la voz de Mayall imprime preciosas connotaciones lacrimógenas en canciones como “Double Crossing Time o “Have You Heard”.
Este fantástico álbum es doblemente importante, por un lado da comienzo a la buena costumbre del rock de juzgar la calidad de un tema no solo por su fascinante melodía o por su letra, sino también por la creatividad individual de cada instrumento y otro factor notable es que este álbum estableció las bases del "boom" del blues en los años 60.

Procol Harum-Live: In Concert with the Edmonton Symphony Orchestra (1972)

Hay canciones que se convierten en piezas angulares, signos de una época irrepetible, momentos fundamentales en recuerdos de una generación y que a la postre se convierten en canciones míticas y atemporales.
Una de estas canciones es "A Whiter Shade Of A Pale", tema simbólico de 1967 y la mas famosa composición de Procol Harum.
Con esta canción Procol Harum entraron en la historia del rock, en una época tan excitante y multiforme que aún sigue siendo analizada, estudiada y recordada casi concienzudamente a pesar de los muchos años transcurridos.
Fundados en 1960 por el teclista Gary Brooker, que junto a Robin Trower a las guitarras, al batería B.J. Wilson y al bajista Chris Copping, actuaban bajo el nombre de Paramounts en locales de la ciudad de Southend al sur de Inglaterra.
Después de cinco años publicando singles de escaso éxito y giras por Inglaterra o Alemania en donde acompañaban a Sandy Shaw, se les une el letrita Keith Reid que junto a Brooker componen "A Whiter Shade Of Pale", que fue publicado en el verano de 1967 y que alcanzaría las primeras posiciones en medio mundo.
Procol Harum ya habían abandonado por entonces su influencias de blues y rock´n´roll para adentrarse en complejos desarrollos mas enfocados al incipiente sonido progresivo y psicodélico de aquellos años.
Ese mismo año aparecería el single "Homburg", la cual también alcanza cotas muy altas en los mercados mundiales.
Ambos temas fueron incluidos en el álbum "A Whiter Shade of Pale" y en el siguiente "Shine on Brightly" se incluía la canción del mismo nombre y cerraban la década con "A Salty Dog", otro álbum memorable.
A partir de aquí y ya entrada la década de los 70, la banda publicaría buenos álbumes muy recordados como "Home", "Broken Barricades" "Grand Hotel" o el soberbio directo "Procol Harum Live: In Concert with the Edmonton Symphony Orchestra".

Mott The Hoople-All The Young Dudes (1972)

Mott The Hoople es el grupo que represento el enlace estilístico y cronológico entre el beat ingles de los años sesenta y el punk rock de los tardíos años setenta. En la edad de oro del glam rock, fue de los pocos que conservaron el autentico espíritu del rock´n´roll, mientras casi todos los demás erigirían la sofisticación tecnológica.
Fundados en Hereford al oeste de Inglaterra, su primera formación la comprendían el guitarrista Mick Ralphs, el batería Pete Watts, y el teclista Verden Allen. Mas tarde la Islands Records les ofrecería un contrato con la condición de añadir al cantante y guitarrista Ian Hunter. La agresiva presencia de Ian Hunter y su enorme talento de compositor le dieron nuevos bríos al grupo.
Sin embargo sus primeros cuatro álbumes no tuvieron el éxito esperado, acusados por su tosco rock´n´roll y por el descaro de su cantante en inspirarse en Bob Dylan.
Llegados a este punto en 1972 la banda esta a punto de disolverse y anuncian su separación oficial el 26 de marzo de ese año, no obstante es David Bowie, uno de sus admiradores mas ilustres, quien les convence de aplazar su decisión, al menos hasta que hubieran grabado y publicado un tema que el mismo había compuesto titulado “All The Young Dudes”.
Bowie les produjo el single, canto y toco el saxofón y les procuro un nuevo manager, Tony De Fries, el mismo que ya se ocupaba de los negocios del propio Bowie, quien también les consigue un nuevo contrato discográfico con la CBS.
En el verano de 1972 “All The Young Dudes”, llegaría al tercer puesto en las listas de éxitos británicas y se convertiría en uno de los clásicos de la historia del rock,
Bowie les produjo también el cuarto álbum titulado igualmente “All The Young Dudes”, en el que Mott The Hoople hallaban una nueva formula musical, aquí Hunter era mas original y carismático en sus interpretaciones vocales, las canciones estaban mucho mejor estructuradas y los arreglos eran mas eficaces.
Con este y el siguiente “Mott”, el grupo cosechaba finalmente el éxito, en este ultimo la banda incluso llegarían al top ten ingles con soberbias canciones como “Honaloochie Boogie”, “All the way from Memphis” y el efervescente tema “Roll Away the Stone”.

Led Zeppelin-Led Zeppelin III (1970)

1970 fue un año de reposo parcial para Led Zeppelin, después de tanto ajetreo durante el año anterior, en donde habían publicado dos enormes álbumes con sus consecuentes giras. Ese año Page y Plant se retiraron a un cottage en Gales para componer nuevas canciones. Page manifestaba un creciente interés por el folk y Plant por el suave rock californiano.
De la fusión de estas tendencias surgió el material para “Led Zeppelin III”, un trabajo que a pesar de contener algunos potentes temas rock y blues, giraba con bastante brusquedad hacia atmósferas mas rurales y sonidos acústicos, con ello demostraron que sus horizontes eran infinitos y lo hicieron con una maestría y una sabiduría asombrosa.
Era una época en la que Jethro Tull dominaba absolutamente el estilo del folk rock, sin embargo Led Zeppelin incluso logró superarlos por momentos con maravillosas composiciones como "Tangerine", "Friends", "Gallows Pole" o "Bron-Y-Aur-Stomp".
Aún así no abandonan por completo su característico sonido y lo demuestran con la frenética "Immigrant Song", el hipnótico blues "Since I've Been Loving You", o el rítmico "Celebration Day".
Este sería otro disco capital que precedería a la obra maestra del grupo y del rock en general como fue "Led Zeppelin IV".

Pat Benatar-Crimes Of Passion (1980)

El amor entre el rock y las mujeres es intenso, pero sin embargo también muy tormentoso y a menudo salpicado por múltiples obstáculos. Un ejemplo típico de esta relación es Pat Benatar.
Pat Benatar llego a la escena rock a principios de los ochenta y a diferencia de otras mujeres de aquel periodo (Debby Harry o Patti Smith), nunca se escondió tras una super feminidad artificial ni bajo una mascara de hermafrodita intelectual.
En 1980 publico su segundo álbum, "Crimes of Passion", del que se llegaron a vender mas de tres millones de copias. Un álbum que contiene el hit "Hiit me with yogur bes shot" y que le proporciono un premio Grammy.
Producido por Keith Olson, el álbum desarrolla las tendencias de un rock agresivo pero muy compacto, potenciando su personalidad con temas como "Hell is for Children", o "Treat Me Right" y en la extraordinaria versión de "Wuthering Heights", el que fuera un gran éxito de Kate Bush, o explotando su vena melódica en la atrayente "I´m Gonna Follow Me".
Con su siguiente lanzamiento, el fantástico "Precious Time", volvería a copar las listas y ganar su segundo Grammy del un total de cuatro que conseguiría consecutivamente, logrando así un hito único e insólito en la historia del rock.

Fleetwood Mac-Rumours (1977)

Mas 45 millones de discos vendidos avalan este fantástico álbum, "Rumours" no solo es uno de los mas vendidos de toda la historia de la música popular, sino también uno de los discos mas impresionantes que jamás se hayan hecho.
Un álbum que trasciende mucho mas allá de su época gracias a una combinación de armonías y melodías casi irrepetibles.
Grabado en medio de los tortuosos problemas sentimentales que sufrían las parejas Buckingham-Nicks y Perfect-McVie, estas rupturas terminarían siendo la clave para la fuente de inspiración de tamaña obra maestra.
Todos los temas que componen el álbum podrían perfectamente haber sido singles de éxito, pero los que fueron elegidos llegaron a la cúspide como la dinámica "Don´t Stop", la rock "Go Your Own" o la deliciosa "Dreams".
Sin embargo es la sublime "The Chain" la que resume este álbum, por su originalidad, sencillez y al mismo tiempo sobria composición que convirtió a este "Rumours", en uno de los mejores 25 álbumes de la historia del rock sin paliativos y de la música contemporánea del siglo 20.

martes, 10 de noviembre de 2020

Heart-Little Queen (1977)

Influenciados por Led Zeppelin, Heart se han ganado el respeto de la critica durante 40 años por sus grandes composiciones, que han formado muchos de sus álbumes, algunos de ellos imprescindibles dentro de la música rock
"Little Queen", fue el segundo álbum de esta formidable banda, conocido mundialmente por el hit "Barracuda", que sin embargo no empequeñece al resto de temas que son una sabia mezcla de torbellinos rock y delicadas canciones folk.
Buenas muestra de la faceta acústica de la banda es "Love Alive", o la instrumental "Sylvan Song", que junto a "Dream of the Archer", es la vena folk de la banda en este álbum.
Mientras en el lado opuesto los duros temas rock además de la citada "Barracuda", esta en "Littie Queen", con una Ann Wilson pletórica con su portentosa voz, mientras "Go On cuy", muestra a los Heart mas bucólicos al mismo tiempo mostrando su rock pesado y contundente.
"Little Queen", es el álbum mas folk y acústico de la carrera de la banda, repleto de gran belleza acústica, demostrando con ello las dos caras de Heart, por un lado la crudeza de sus temas rock y por otro la delicadeza de sus composiciones intensas y delicadas.

Montrose-Jump On It (1976)

Cuarto álbum de Montrose, y segundo donde la banda contaría con el tecladista Jim Alcivar y con el cantante Bob James, además de la incorporación de un nuevo bajista, Randy Jo Hobbs.
En este nuevo disco los teclados de Alcivar cobran mucho más protagonismo, en algunos momentos incluso se asemeja a los sonidos cercanos a las bandas coetáneas mas barrocas como los británicos Deep Purple.
Un album que esta compuesto por excelentes temas como el heavy rock "Let's Go", o las piruetas de la guitarra de Ronnie Montrose en "What Are You Waitin 'For", sin dejar de mencionar los temas puramente rock con ese sonido inconfundible ochentero que salen a relucir en cortes como "Tuft-Sedge" y "Crazy For You", dos temas clásicos e imprescindibles de esta legendaria banda norteamericana.

Miguel Rios-Rock & Rios (1982)

En 1982 Miguel Rios llevaba tras de si una carrera llena de altibajos, con algunos éxitos como el "Himno a la alegría" que incluso fue un éxito en diferentes países, además de otros importantes hits como "A Song of Joy", "Bienvenidos" o "Santa Lucia".
Sin embargo seria en 1982 cuando los días 5 y 6 de marzo grababa el doble álbum en directo "Rock & Rios" en el Pabellón de Deportes del Real Madrid, con el cual batió todos los récords de ventas y lo convirtió en el mas conocido y antológico directo español de todos los tiempos.
En esas dos noches Miguel Rios acompañado de una formidable banda donde sobresalían el mítico Thijs Van Leer de Focus a los teclados y flauta, Salvador Domínguez y John Parsons a las guitarras, el batería Sergio Castillo, y el percusionista Mario Argandoña, interpretaría lo mas granado de su carrera, temas que en directo cobraban otra dimensión, con un sonido potente y con unos arreglos espectaculares.
Casi treinta años después este álbum sigue teniendo el récord como el disco mas vendido de la historia del pop-rock en España.

Pierre Moerlen's Gong-Downwind (1979)

Acabando la década de los 70, Pierre Moerlen publicaba su álbum "Downwind" bajo el sobrenombre de Gong. Conto con las colaboraciones de Mike Oldfield, Steve Winwood, Mick Taylor o Terry Oldfield entre otros.
Después de varios proyectos anteriores, Moerlen sorprendió a todos con este álbum en donde las composiciones equilibradas en medio de la complejidad y la comercialidad son el denominador común de este gran trabajo.
Por momentos parece un álbum del propio Mike Oldfield, como en la inicial "Downwind" y en “Crosscurrents” o en “Xtasea”, se asemejan al sonido típico de Jean Luc Ponty con un solo final de guitarra a cargo de Mick Taylor antológico. "Downwind" es un álbum que refleja a la perfección la calidad que atesora esta grabación que fue muy bien acogida por la comunidad de fans del rock progresivo en su momento.

Whitesnake-Live... In The Heart Of The City (1980)

Uno de los grandes dobles en directo de la historia, que grabado en la década de los ochenta, conserva la grandeza de los míticos directos de la década anterior.
Este álbum en vivo se divide en dos partes distintas, aunque ambos grabados en el Hammersmith Odeon de Londres en los años 1978 y 1980.
Con un repertorio que reunió lo mejor de una banda que por entonces solo tenía tres álbumes publicados, “Trouble” (1978), “Lovehunter” (1979) y “Ready an´Willing” (1980).
Durante 80 minutos, Whitesnake nos deleita con una maravillosa demostración de ese hard rock con sabor a blues, que solo ellos presumían hacer como ninguna otra banda de finales de los 70.
Canciones como los estupendos rock "Come On", "Sweet Talker", "Walking in the Shadows of the Blue" o "Love Hunter" se mezclan con fantásticas versiones de Deep Purple, como "Mistreated" o "Might Just Take Your Life", ambos del álbum "Burn" (1974), o el soberbio bluesy de Bobby Bland, "Ain't no Love in the Heart of the City".
En este disco, Whitesnake estaba formado por su banda más clásica, con Coverdale a la voz apoyado por dos grandes guitarras como Bernie Marsden y Micky Moody, el mítico Jon Lord en los teclados y una base rítmica demoledora con Ian Paice a la batería y un enorme Neil Murray en el bajo, en un registro histórico que ha pasado a los anales de la música rock como un directo imprescindible.

Flash-Out Of Our Hands (1973)

Una vez había abandonado Yes (mas bien invitado a salir), Peter Banks fundaría su primer proyecto a modo de banda llamada Flash, con los que grabaría tres interesantes trabajos enfocados hacia el rock progresivo.
En 1973 llegaba su tercera obra "Out Of Our Hands", el cual suena a su ex banda mas que nunca, con un rock progresivo de excelente calidad y con mucha melodía bien definida.
Un álbum que esta repleto de virtuosismo, muy atractivo y bastante solido como la soberbia progresiva "None The Wiser (King)", con ese sonido Yes inconfundible, la juguetona “Dead Ahead (Queen)" o la progresiva y llena de cambios rítmicos “Shadows (It´s You)", mientras el resto muestra las excelentes cualidades instrumentales de cada músico que interviene y en particular del talento de Banks a las guitarras.
Un álbum vibrante y poderoso de gran intensidad que demostraban la calidad de un guitarrista que tuvo la mala suerte de no triunfar en Yes.

The Marshall Tucker Band-Caroline Dreams (1977)

The Marsahll Tucker Band nunca fueron una banda de rock sureño al uso y pese a estar encuadradas dentro de este estilo, esta considerada una de las mas grandes del genero.
Un estilo que fue variando con el paso de los años y con influencias como el country, el rock, el jazz o el rhythm and blues, esta banda han sido inspiradores para muchas jams bands posteriores.
"Caroline Dreams" (1977), fue su sexto álbum, publicado en un momento en donde las dos grandes bandas del genero del rock sureño estaban pasando por serios problemas, por un lado Lynyrd Skynyrd habían tenido el famoso accidente de aviación muy poco antes de la publicación de este trabajo y The Allman Brothers no estaban pasando por su mejor época.
Todo ello supuso que las bandas de la segunda generación como Molly Hatchet, Firefall, 38 Special, Atlanta Rhythm Section o los propios The Marshall Tucker Band aprovecharan ese vacío exitosamente.
A diferencia de los mencionados Lynyrd Skynyrd y Allman Brothers, la Marshall Tucker comandados por el genial Tommy Caldwell, se movían con un enfoque mas jazzistico, alejados del hard rock de los primeros y el blues y el country de los segundos.
Fantásticas piezas como "Fly Like and Eagle", "Life in A Song", "I Should Have Never Started Lovin´You" o "Tell It To The Devil" conforman una obra que junto a su magistral segundo álbum "A New Life", están entre lo mejor que el rock sureño haya hecho jamás. 

The Allman Brothers Band-At Fillmore East (1971)

“At Fillmore East” esta considerado uno de los mejores álbumes de rock en vivo,  y es además la obra maestra de The Allman Brothers.
Un doble album en directo que contiene tal cantidad de improvisaciones que lo distinguen de la inmensa mayoría de directos de cualquier otra banda que se precie.
La esencia principal de este disco se encuentra en las canciones espontaneas con los larguísimos pasajes instrumentales que realizan todos los miembros del grupo en el escenario, especialmente las realizadas por Duane y Gregg Allman.
Respondiendo fielmente al concepto jazzístico de jam session, los dioses del rock sureño demuestran su enorme potencial y su inagotable creatividad musical.
A pesar de los pequeños retoques de estudio y de que varias de las canciones fueron acortadas para ser incluidas en este doble álbum, "At Fillmore East" sigue siendo un referente del rock sureño por excelencia.
Solo siete temas componen este magistral doble álbum, entre las que destacan los 23 minutos de “Whipping Post” y los 20 minutos de “You Don´t Love Me”, épicas jams que se fusionaban con los temas de una duración mucho mas convencional.
Un álbum que capturaba la esencia, la fuerza y el talento de una de las mejores bandas que han pisado un escenario.

lunes, 9 de noviembre de 2020

The Flock-The Flock (1969)

A finales de los 60 The Flock sería una de las bandas más importantes que dio la ciudad de Chicago, junto a la Chicago Transit Authority como los máximos impulsores de la libertad sonora que estaba muy extendida en ese momento. Bajo la influencia de la propia Chicago Transit Authority, Flock basaría su música en un rock muy espontáneo, lleno de influencias que iban desde el jazz y el blues, pasando por el country y el folk, este último debido al violín de Jerry Goodman, el líder y promotor del grupo. El estilo de Flock estaba en la línea del jazz rock, pero a diferencia de sus contemporáneos como los citados Chicago o Blood, Sweat & Tears, no le daban el protagonismo a los inevitables metales que parecían inherentes al género, y es que la principal propuesta de Flock fue el violín, algo inaudito en el mundo del pop y el rock y que gracias al francés Jean Luc Ponty estaba comenzando a tomar mucha importancia en el jazz.
La banda graba su primer disco, titulado "The Flock" en 1969, en el que ya se vislumbran grandes temas, como "Clown" o el tema "Truth", construido a partir de una estructura de blues. Con la canción "Tired of waiting", lograron entrar en las listas de éxitos y su presencia en el famoso recopilatorio de CBS, "Fill Your Head with Rock" (1970), un disco doble que cosecharía ventas espectaculares en todo el mundo, y cuya portada ya mítica fue una foto espectacular de Goodman con el violín, que los asentaría en el mercado definitivamente. Un año después llegaría "Dinosaur Swamps", un trabajo diferente al primero, donde el blues ya no está tan presente, con un estilo mucho más progresivo y en parte experimental con bastante rigor, matices country y un sonido mucho mas pulido.

Fish-Vigil In A Wilderness Of Mirrors (1989)

Si hubo un momento en la carrera de Fish que pudo ser una clara continuación de Marillion (y no un epitafio doloroso), de su primera época, fue en este fantástico álbum. Fish conservó en este trabajo, y hasta cierto punto en el siguiente “Internal Exile”, el espíritu neo progresista que había hecho con su banda madre, cuando al frente de la misma publicaron discos tan rotundos como “Script for a Jester's Tear”, “Misplaced Childhood” y "Clutching at Straws", el canto de cisne de la banda.
Con su abandono ambas partes salieron perdiendo, por mucho que los fans post Fish lo nieguen, sin embargo para quienes añoran aquellos años tienen la carrera en solitario de Fish.
En ese sentido "Vigil In A Wilderness of Mirrors”, no solo es un soberbio disco del gigantón escocés, sino tal vez el mejor de su carrera. Se puede decir que en este trabajo el ex frontman de Marillion echó el resto, principalmente en algunos temas que son verdaderas delicias para todo el amante del neo progresismo, el tremendo himno de apertura “Vigil”, la exquisita balada “Gentleman's Excuses me”, la mini suite “Cliché”, la espléndida "The Company", o "Family Business", que se ha convertido en un clásico de su repertorio casi a la altura de sus temas con Marillion, porque todo hay que decirlo, por brillantes que sean las canciones de este debut no ensombrecen los temas de sus cuatro álbumes en estudio con su banda madre.
Y es que Fish se sabe mover muy bien para el progresivo "mainstream", y no para los progresistas ortodoxos, el ha demostrado que es un músico que comparte dos amores: el rock sinfónico de los 70 y el pop de baja graduación, pero sin llegar a los niveles donde cayeron muchas bandas punteras de los setenta en la década de los ochenta.
Fuera como fuera, “Vigil In A Wilderness of Mirrors” es álbum increíble que no desmerece ni un ápice a lo hecho anteriormente con su embrión Marillion.

Dire Straits-Dire Straits (1978)

En 1978 Dire Straits sorprendió al mundo con su primer álbum, un trabajo en el que sobresalía la inmortal “Sultans of Swing”, que sin embargo fue la canción que eclipsó parcialmente al resto del álbum.
Fue la obra en la que se aprecian las grandes influencias de Bob Dylan y principalmente de J. J. Cale en las composiciones creadas por Mark Knopfler.
Pero es el toque personal que le da el guitarrista a su visión musical, el que consigue darle a este trabajo una originalidad que lo aleja bastante de los mencionados Dylan y Cale.
Globalmente considerado un disco coherente en el fondo adolece de muchas cosas, llegando incluso a resultar algo monótono en una escucha apresurada, pero si se tiene en cuenta y nos tomamos el tiempo para darle unas cuantas atenciones descubrimos la esencia imperecedera de una banda que empezaría a tocar en pequeños pubs y que en unos años pasarían ser una de las bandas punteras en el arena rock.
El origen está aquí de la posterior y exitosa carrera, sobre todo en esos acordes adictivos y esas melodías subyugantes.
Además de la mencionada “Sultans Of Swing”, el álbum contiene algunas gemas como las iniciales “Down to the Waterline”, “In the Gallery” o “Lions”, todas ellas eclipsadas por el éxito de la canción estrella.

Bloque-Hombre, Tierra y Alma (1979)

Bloque fue una banda de rock progresivo español que publicaron cuatro álbumes de estudio, algunos de ellos considerados de los mejores del rock progresivo español.
Fundados en Cantabria en 1973, estaba formado por el teclista Juan Carlos Gutiérrez, el bajista Luis Pastor, el batería Paco Baños, y los guitarristas Juan Jose Respuela y Sixto Ruiz.
En 1978 publican su primer álbum titulado simplemente "Bloque", en donde ya dan muestra de su poderío pero que sin embargo esta lastrado por cierta inmadurez en sus composiciones.
Un año después consiguen ser el centro de la atención de los aficionados por su excelente "Hombre, Tierra y Alma", un álbum conceptual, en donde las composiciones son mas elaboradas y la instrumentación mas compleja. Largos pasajes instrumentales son el denominador común de este sobresaliente trabajo.
Desde la inicial y atmosférica "Humanidad indefensa", hasta la instrumental con toques folk "Por fin he vuelto a ti", pasando por ejercicios de rock como la contundente “En infierno esta aquí”, o la melódica progresiva “Meditación parte I”.
Un disco en donde la banda muestra un perfecto equilibrio entre los sonidos hipnóticos y espaciales de los teclados y los riffs de guitarras eléctricas que son combinadas con las acústicas.
En una línea similar a este disco, la banda publicaría "Hijo del Alba" en 1980, que pese a su enrome calidad fue lanzado en plena vorágine de la era post punk española y paso algo desapercibido por el publico, mas interesados por las músicas de la movida madrileña.
Hoy en día Bloque esta considerado una banda de culto en la historia del rock español, que supo hacer una música que no se alejaba en absoluto a sus coetáneos europeos de mas renombre.

Isotope-Illusion (1974)

Encuadrados en el sonido Canterbury, Isotope fue una efímera banda que con dos buenos álbumes, irrumpieron en la escena progresiva dejando un buen sabor de boca a los aficionados al genero de mediados de los setenta.
Centrados en el protagonismo de su líder, el guitarrista Gary Boyle, que junto al teclista Brian Miller, publicaron su primer album en 1974 titulado homónimamente "Isotope", un disco muy bien elaborado de jazz rock, que pese a una enorme calidad pasa algo desapercibido para el gran publico. Para su siguiente trabajo "Illusion", publicado el mismo año, Laurence Scott sustituye a Miller y el ex Soft Machine, Hugh Hopper haría lo mismo con el bajista Jeff Clyne.
En esta nueva entrega Gary Boyle toma mas protagonismo y su trabajo de guitarras es sobresaliente, así mismo Hopper muestra su experiencia e imprime mucha fuerza a los temas con su enérgico toque de bajo.
“Illusion” fue el mejor de sus trabajos, en donde la banda afirmo su clase, alcanzando altas cotas dentro del progresivo sonido Canterbury.

domingo, 8 de noviembre de 2020

Jimi Hendrix-Band Of Gypsy (1970)

Grabado el primer día de enero de 1970, en el Fillmore East de Nueva York, en este magistral directo de Jimi Hendrix, el musico no cuenta con su banda habitual, The Experience, sino que está acompañado por Billy Cox al bajo y Buddy Miles a la batería.
Hendrix quería experimentar nuevas sensaciones y expandir su creatividad, por lo que decidió probar suerte con diferentes músicos y publicó uno de los discos en vivo más incendiarios de toda la historia del rock.
Considerado por muchos como el comienzo del movimiento funk rock, Hendrix experimenta eficazmente con este tipo de música mezclándola con blues, rhythm and blues y rock, en un repertorio de nuevas canciones que encuentran en el escenario el mejor lugar para expresarse.
Para la posteridad, permanece el épico y antológico solo de guitarra de "Machine Gun", considerado el mejor que jamás haya hecho Hendrix y uno de los mejores tocados con el instrumento de seis cuerdas.
Las ediciones póstumas posteriores en las que aparecen algunas de las canciones aquí interpretadas, demuestran que siempre sonaron mucho mejor en directo que las originales en estudio.

Hall & Oates-Live at the Apollo (1985)

Live at the Apollo, publicado en 1985, fue el primer directo de Daryl Hall and John Oates y de alguna manera fue publicado a modo de despedida, ya que prácticamente por entonces el duo ya se había separado.
Grabado con los ex miembros de Temptations David Ruffin y Eddie Kendrick, los cuales participan en un medley de trece minutos de clásicos de Temptations como "Get Ready", "My Girl" y "The Way You Do the Things You Do".
Un extenso tema que obtuvo un gran exito (llegó al Top 40 cuando se editó para su lanzamiento como single), aunque sin embargo lo mas interesante de este magnifico directo sea el escuchar al dúo ganarse a la multitud por su cuenta con versiones electrizantes de canciones como "I Can't Go for That ( No Can Do)” o “Adult Education”, en un disco que se queda corto, con solo cinco de las propias canciones del dúo, como "One On One", "Possession Obsession", o la destacada "Everytime You Go Away" de Daryl Hall, que fue un gran éxito de Paul Young algún tiempo después.
Además de la banda habitual de Hall & Oates, hay tres teclistas y una sección de vientos de seis miembros, los cuales dan una gran variedad y profundidad a los temas que son interpretados y que junto a la labor del productor Bob Clearmountain, capturan magistralmente el sonido de un concierto que fue memorable.

Bloomfield Hammond Dr.John-Triumvirate (1973)

Reunir a tres fuertes personalidades musicales como John Hammond, Mike Bloomfield y Dr. John no fue una tarea fácil. El menor de los problemas, para empezar, era encontrar el tiempo prudencial para que cada uno de ellos estuviera libre de los estudios de grabacion, las giras y de sus obligaciones contractuales.
Con esto logrado, todavía existia el problema de descubrir un terreno musical común para tres músicos de voluntad fuerte, excelentes instrumentistas, grandes productores y estrellas por derecho propio, cada uno de los cuales tiene opiniones definidas y diferentes sobre cómo se debe tocar el blues y el rock.
Antes de tocar una sola nota en el estudio, Mike, John y el Dr. John, así como el productor Thomas Jefferson Kaye, eran conscientes de que podía suceder una de dos cosas: o los egos entrarían en conflicto y casi todo lo que oiríamos sería a tres musicos que nos mostrarían lo bien que pueden tocar cada uno, o habría química positiva entre ellos ya que cada uno se dirigiría hacia los objetivos musicales colectivos de la banda, y que al trabajar juntos cada uno de los músicos podrían hacer lo que mejor saben hacer.
Durante las dos primeras semanas juntos, todos los involucrados, estaban seguros de que la química simplemente no existía. Todo apuntaba al caos musical. "Fue como el infierno", dijo John, "podríamos habernos matado". En un momento, prácticamente todos amenazaron con irse. De hecho Dr. John hizo las maletas y regresó a casa; Mike, por su parte, se fue una noche en medio de una sesión y les dijo a sus atónitos colegas musicales: “Renuncio me voy a casa y voy a ver Flip Wilson ".
Entonces, de repente, un día enérgico en el destino de febrero, todo comenzó a hacer clic. Dr. John había sido convencido para regresar a San Francisco desde Los Ángeles, y con él estaban un nuevo baterista, Fred Staehle, que había tocado con él en Nueva Orleans, y el bajista, Chris Etheridge, uno de los pilares de la escena del estudio donde se hacia la grabacion y de repente, todos se dieron cuenta de que habia química, de hecho siempre la hubo y había estado ahí, pero no se habian dado cuenta.
Fred y Chris se sintonizaron inmediatamente con la música y, a partir de ese momento, todo fluyó.
Si bien las sesiones de grabación lograron muchas cosas musicalmente (entre otras cosas, satisfizo la primera regla del rock and roll del Dr. John: "ya tienes que bailar"), Mike, Dr. John y John salieron con fuerza como músicos individuales, con sus personalidades definidas pero sin interferir en el camino del otro. “De hecho”, dijo John, “realmente pasamos por encima de nuestras cabezas. Cada uno de nosotros alcanzó un estado mucho más alto juntos de lo que imaginamos que podríamos hacerlo cuando queramos".
Es esa rara marca de música en la que todos escuchan tanto como tocan y, debido a eso, cada pieza encaja perfectamente en su lugar. Al final, esta expresión colectiva musical ha convertido a John Hammond, Mike Bloomfield y Dr. John en un Triunvirato.
Grabado durante el año 1973 este album esta considerado uno de los mejores ejercicios del blues de todos los tiempos.
Un álbum que desde la inicial “Cha.Dooky-Doo” se respira el sentimiento blues de los tres lideres como queda demostrado en la fantastica “Just to Be With You”, en donde la armonica de John Hammond, es contestada por la fantastica guitarra de Bloomfield y la poderosa voz de Dr. John.

Patti Smith-Easter (1978)

Considerada una de las artistas mas influyentes de la música rock de los últimos 40 años, Patti Smith no solo era cantante, sino también poeta, escritora y miembro de la capa mas underground del New York mas sofisticado de la década de los 70.
Amante o compañera de algunos de los mas rutilantes astros del rock, en 1975 había publicado su primer album que ya la coloco de entrada en lo mas alto de la escena rock, en este disco Patti muestra el carácter de una mujer descarnada, dura, tremenda, rockera y desatada. Mujer carente de belleza física, pero con un gran fondo personal, que llego a ser comparada en sus comienzos con la Janis Joplin por su lado salvaje, si bien es cierto que Janis cantaba realmente bien y Patti Smith no.
En directo y en medio de sus climax llego a romperse las cervicales y algunas costillas producto del frenesí de sus actuaciones.
Sin embargo en el estudio y en sus grabaciones, la calidad de los textos y la pasión de su música que envolvía la hicieron triunfar situando a la altura de un Lou Reed femenino.
Después de sus dos primeros álbumes "Horses" (1975) y "Radio Ethiopia" (1976), publico el que es sin duda su mejor obra titulado "Easter" (1978), con el cual también consigue su mayor éxito comercial debido en parte a su single "Because The Night", que fue escrita junto a Bruce Springsteen.
"Easter" tuvo una gran acogida por la critica del momento por la gran cantidad de géneros que contiene, también es destacado las muchas referencias religiosas que tanto en las canciones como en lo estético de la portada del album están presentes.

Kingdom Come-Kingdom Come (1988)

Si alguna vez existió una banda que se acercara al sonido de Led Zeppelin, (salvando unas enormes distancias como es obvio) fueron Kingdom Come, una banda formada por el vocalista y guitarrista alemán afincado en Estados Unidos, Lenny Wolf.
Kingdom Come fue la continuación de otra formidable banda liderada por el propio Wolf, llamada Stone Fury.
Su debut fue el álbum homónimo publicado en 1988, y seria producido por Bob Rock. La banda en este primer álbum demuestra a la perfección sus increíbles influencias de Led Zeppelin, hasta el punto que aquellos que no les conocían al escuchar sus canciones en las radios FM estadounidenses, creyeron que Led Zeppelin se habían reunido y tenían un nuevo álbum.
En este primer disco destacaban los temas “Now Forever After”, “Shout it out” y “Living out of touch”, que les llevan a alcanzar una gran éxito, consiguiendo un disco de oro semanas después de su publicación y una gran popularidad en los siguientes meses.
Sin embargo esto les granjeo muchos problemas con la prensa estadounidense, al tacharlos de meros imitadores e incluso Gary Moore y Ozzy Osbourne les dedicaron la canción “Led Clones”, para atacarlos algún tiempo después.
Con todo ello, la polémica provocada no impidió que Kingdom Come tuvieran un lugar privilegiado en la gira “Monsters of Rock” del año siguiente, siendo cabezas de cartel junto a Metallica, Scorpions y Van Halen.

sábado, 7 de noviembre de 2020

Love-Forever Changes (1967)

Love es considerada una de las bandas más importantes de la historia de la música contemporánea, icono de la cultura hippie y símbolo de las jóvenes generaciones de los sesenta.
Fundados por Arthur Lee y Johnny Echols en la primera mitad de la década de 1960, comenzaron como American Four, pero pronto cambiaron su nombre a "Grass Roots". La banda fue formada, además de Lee y Echols, por el baterista Don Conka y el bajista John Fleckenstein. En ese momento, los sonidos de la invasión británica, junto con el Folk Rock de los Byrds, hicieron que Lee cambiara de dirección y se alejara del sonido R&B de sus primeros días.
Después de ganarse la reputación de tocar en bares y clubes de Los Ángeles, se convirtieron en el primer grupo de rock en firmar con Elektra Records. En ese mismo año (1966) grabaron "Love", su primer disco.
Para su segundo disco, "Da Capo" (1967), su estilo ya se mueve entre el folk y el rock, entre la psicodelia y el jazz, entre el pop y los ritmos latinos, como dejando entrever lo que vendría un año después con su tercer álbum.
Casi a finales de ese mismo año se publicó "Forever Changes", un álbum con canciones magistrales de tembloroso folk-rock acústico / jangle pop y texturas psicodélicas con tramos de rock ácido eléctrico, canciones como "A House Is Not A Motel", "The Red Telephone", "Andmoreagain" o la eterna "Alone Again Or", que conforman un disco magistral con amplios y sugerentes arreglos orquestales y una notable presencia de guitarras acústicas, una fascinante obra en donde logran crear una música con colorido, sosegada y una atmósfera intensa.
Sin embargo, debido a la mala planificación comercial del sello Elektra, más centrado en la carrera de The Doors (banda que les había presentado el propio Lee), el disco pasó bastante desapercibido para el gran público y la crítica de la época, pero con el paso y a lo largo de los años se ha convertido en una pieza clásica de la música moderna.
Luego de grabar el disco, actuaron en el mítico Festival de Monterrey en 1967, para posteriormente y debido a la adicción a la heroína de la mayoría de los integrantes de la banda y a las tensiones internas, provocaría la desintegración definitiva del grupo.

Curved Air-Second Album (1971)

Curved Air fueron una banda inclasificable con un estilo en donde el folk ácido interpolado con tintes de fusión y academicismo sonoro, psicodélica y glam rock con matices de música barroca, era su característica principal. Esa principal característica de la banda al menos en sus tres primeros discos, comprendian el violín eléctrico y por supuesto la voz de Sonja Kristina, vocalista principal del grupo y una de las primeras voces femeninas del rock progresivo.
Curved Air se formó a finales de los sesenta por las mentes creativas de Darryl Way (violín) y Francis Monkman (teclados), estos individuos tomaron las dos últimas palabras de la famosa obra minimalista de Terry Riley, "A Rainbow in Curved Air" para nombrar el grupo.  En "Vivaldi", composición que aparece en “Air Conditioning”, el álbum debut de Curved Air, se perciben ciertos matices minimalistas y barrocos, quien haya escuchado a Philip Glass o Terry Riley notará su influencia.
Con este segundo disco, el grupo se siente más maduro en las composiciones, aunque sus letras siguen siendo algo fastuosas, están mucho más orquestadas y también hacen uso del sintetizador VCS3 y el piano eléctrico, cambiando el sonido que los caracterizó en su primera grabacion. El hit más conocido de la banda es sin duda "Back street luv".
Aún es importante resaltar la figura de Sonja en la escena progresiva de aquellos años en los que prácticamente la mujer no tenía un papel vocal importante, aunque si en la ejecución de instrumentos.

Derek & The Dominos-Layla and Other Assorted Love Songs (1970)

El paso de la legendaria formación Derek & The Dominos por la música sería breve pero intensa, y con este "Layla and Other Assorted Love Songs" se aseguraron su lugar en la historia del rock.
Estamos ante un disco especial, considerado uno de los más grandes de la historia del rock y realizado por músicos de una calidad inigualable, con Eric Clapton, a la guitarra, Bobby Whitlock (órgano, piano), Carl Radle (bajo y percusión) y Jim Gordon (batería). Y como pieza de culto que está dentro de los llamados genios de la música, se coloca aún con más firmeza en lo más alto de los altares del rock and roll, gracias a la colaboración estelar del virtuoso guitarrista de los Allman Brothers y maestro del slide, Duane Allman, quien ayudo decisivamente a que esta obra de arte, se cubriera aún más de gloria.
"Layla and Other Assorted Love Songs" es simplemente un álbum perfecto de principio a fin, tanto en producción, letras, grabación o factores como el componente sentimental. Además tiene una particularidad que lo hace único: la absoluta complicidad de sus componentes en todos y cada uno de los temas. Clapton, Gordon, Allman, Whitlock y Radle exponen una fuente de recursos inagotables, elevando ese arte como es el blues al infinito.
Suele decirse que la música es un estado de ánimo y la prueba se puede encontrar en temas como la balada "Bell Bottom Blues", llena de melancolía y emoción, o "I Am Yours" que se vuelve suave, tranquila y llena de sensibilidad, hasta que suena "Layla", violenta, salvaje y llena de ira. "Layla" sería el himno que acompañaría a Eric Clapton a lo largo de su carrera y una de sus canciones más famosas y recordadas. La primera vez que se lanzó en todo el mundo fue en este "Layla And Other Assorted Love Songs".
Con otras canciones como la fantástica versión de "Little Wing" de Jimi Hendrix, o las espléndidas "Have You Ever Loved a Woman?", "Key To The Highway", o "Tell The Truth", o el clásico "Anyday", muestran una y otra vez el increíble potencial que poseía esta colosal formación.
Apenas hicieron poco mas que este disco, pero no se fueron sin antes dejarnos esta joya de incalculable valor que permanece inalterable en el tiempo.

viernes, 6 de noviembre de 2020

The Doors-The Doors (1967)

Entre los años 1967 y 1971 The Doors polarizaron la atención mundial sobre su música, su enorme sonido y la gran vitalidad del grupo.
En todo ello brillaba por encima de todo su carismático cantante Jim Morrison, un símbolo juvenil cuya capacidad lírica, emocional y su atrayente físico lo hacían el frontman y sex symbol por excelencia en una época en donde Elvis Presley había perdido esa condición por sus excesos.
Jim Morrison lo daba absolutamente todo sobre el escenario, volcándose en cada canción, llegando a lo mas alto en cada nota pero que también se pasaba de la raya en muchas ocasiones.
Las consecuencias de sus constantes desvaríos fueron sus detenciones por sus excesos poco éticos en escena, sin embargo el motivo real de sus actuaciones "poco decorosas", era el enorme trance que en el despertaba la música sobre un escenario.
Musicalmente la influencia del primer album titulado "The Doors" estaba basada en el R&B, el jazz y el rock con pinceladas psicodélicas, "Break On Through" es un ejemplo claro de la mezcla de poemas revolucionarios y la psicodelia, mientras la hipnótica "Soul Kitchen" demuestra los sutiles cambios en la dinámica musical del grupo.
Pero son los extensos "Light My Fire", un himno a la sexualidad en clave jazz y en "The End" un apocalíptico y épico tema los que encumbran a The Doors y los elevan al podium de los grandes grupos de los 60 dando comienzo así a la teatralidad en el rock.

Pat Metheny Group-Offramp (1982)

"Offramp" es el tercer album de Pat Metheny Group, ganador del Grammy a la mejor interpretación de jazz, el primero de los diez que el grupo ha conseguido y que escalo hasta el primer puesto de las listas del Billboard jazz álbum.
Aclamado unánimemente por la critica, "Offramp" es uno de los mas soberbios álbumes del jazz rock que se hayan grabado jamás, su amplia variedad de sonidos e influencias que van desde el rock, hasta el folk y la música tradicional norteamericana que incluyo en las composiciones y el enorme equilibrio en la instrumentación acústica y electrónica, dotan a este trabajo de altas cotas de popularidad y comercialidad por igual.
Con una sobria producción se van sucediendo los temas como la hipnótica y fantástica "Are You Going With Me", la sutil  "Au Lait" o la alegre "James" dedicada a James Taylor.
Con este album Metheny se coloco a la vanguardia de la escena del jazz contemporáneo, perdurando como un clásico de la carrera del mítico guitarrista y una de las obras capitales del jazz fusión.


jueves, 5 de noviembre de 2020

Mike Oldfield-Amarok (1990)

En 1990 Mike Oldfield publicaba uno de sus álbumes menos accesibles y mas complejos de toda su carrera, y es que escuchar “Amarok" es una tarea ardua y hasta cierto punto desequilibrante.
Concebido como una obra conceptual, es en realidad un retorno a los mejores momentos de Mike Oldfield con su característico estilo.
Sin embargo ya desde la contraportada nos pone en aviso de lo traumático que puede ser el escuchar este album, ya que se incluye de manera impresa una advertencia medica sobre las posibles consecuencias en nuestros oídos. 
Si nos paramos a pensar, cualquiera se lo pensaría dos veces antes de adquirir este disco, siempre que no fuéramos un fan incondicional de Oldfield, después de haber leído tal advertencia. Un album que habría que escucharlo en pleno equilibrio emocional, o se corre el riesgo no entender nada y pensar que se trata de un disco que no tiene ni pies ni cabeza, sin embargo lo que se podría identificar como un proyecto que se excede en lo experimental, es la esencia real del estilo progresivo y único de Mike Oldfield. 
Sin embargo y siendo totalmente sinceros y objetivos, estamos ante el mejor trabajo de Mike Oldfield, o por lo menos el que mejor lo define como creador de este tipo de música, con permiso de obras tan capitales como "Tubular Bells" o "Ommadawn". Como definió el propio Oldfield tiempo después, este podría ser una secuela del grandioso “Ommadawn”, y es fácil identificarlo así, aquí Oldfield incluye al igual que en aquel, elementos étnicos, aunque en este "Amarok" no sigue una línea de movimientos como en aquel, todo lo contrario, el caos y las extrañas y sorprendentes mezclas de melodías y ritmos conducen a este album a una sucesión de piezas de difícil catalogación musical. Es tal el lío de sonidos y efectos sonoros que es sumamente complicado reseñar un album de tal magnitud, simplemente es escucharlo detenidamente sin interrupciones, es verdaderamente una obra de arte musical de un genio como Mike Oldfield, al que solo nos queda rendirle devoción.

Julie Driscoll, Brian Auger & Trinity-Streetnoise (1969)

Julie Driscoll fue una cantante muy influenciada por el rhythm and blues y el jazz, géneros en cierto modo minoritarios o muy estilistas a nivel comercial y muy probablemente aún mas difíciles para una mujer en los sesenta, que a veces estaba supeditada de alguna manera para llegar a los rankings mayoritarios con temas como "Road To Cairo" o "Take Me To The Water".
Ella era una cantante con grandes sentimientos arraigados, con una tonalidad vocal de fuerte acento, que mas se parecía a una voz negra que a una blanca. Con ella la música pop obtuvo una de las mas fascinantes y singulares cantantes de toda su historia.
Pero hablar de Julie Driscoll es hablar de Brian Auger, sus carreras corrían en paralelo hasta 1969, año en que ambos se separaron. Juntos sin embargo y con el grupo Trinity llegaron a crear una fuerte unión musical.
Durante un tiempo fueron la mejor agrupación que jamás existió en ese estilo, la voz de Julie, el órgano magistral de Auger y el magnetismo de la banda crearon obras sumamente importantes, principalmente un doble album, catalogado hoy en día como una obra maestra absoluta; "Streetnoise" (1969), el cual es sin duda alguna el trabajo en donde mejor se puede catalogar o descubrir los genios de ambos artistas.
En este album, Driscoll alcanza la madurez inigualable con poesías llenas de humanidad, tristeza, dolor, respeto y gentileza que se manifiestan en magnificas canciones como "When I Was a Young Girl" o en la magistral "Checoslovaquia".
El album contiene una amalgama selección de estilos que van desde el jazz al gospel, pero sin renunciar al rock, con guiños al soul e incluso a experimentales sonidos progresivos.
Compuesto por temas originales y versiones de grandes como The Doors, Richie Havens, Nina Simone o Miles Davis, conforman un disco complejo pero sorprendente y único.

Great White-Great Zeppelin: A Tribute to Led Zeppelin (1998)

Great White nunca ocultaron sus gustos por las versiones de temas de otros artistas, ahí están por ejemplo las soberbias "Substitute" de The Who, "Gime Some Lovin" de The Spencer Davis Group, "Once Bitte, Twice Shy" de Ian Hunter, "Afterglow" de los Small Faces o "Red House" del gran Jimi Hendrix.
Por lo tanto no era nada de extrañar que tarde o temprano la banda le rindiera tributo a una de sus grandes influencias como son Led Zeppelin y por ello en 1998 publicaron "Great Zeppelin a Tribute to Led Zeppelin", un directo grabado en el Galaxy Theatre de Santa Ana en California.
Sin entrar en innecesarias comparaciones con los mencionados Led Zeppelin, la banda aquí no intenta ni siquiera imitar lo mas mínimo a las huestes de Plant y Page, sino que bajo su estilo inconfundible se atreven a interpretar algunas de sus mas celebres composiciones como "No Quarter", "Ramble On", "Inmigrant Song", "Since I´ve Been Loving You", "All my Love" o la mítica "Stairway To Heaven",
A diferencia de su coetánea Kingdom Come, ellos no intentaron emular jamás el sonido de la mítica banda, simplemente llevaron la esencia zeppeliana a su terreno, obteniendo un resultado que se nos antoja tan sobresaliente como majestuoso.

miércoles, 4 de noviembre de 2020

Kin Ping Meh-Kin Ping Meh (1971)

Kin Ping Meh fue una importantísima banda germana que estaba mas cercana al hard rock barroco que hacían bandas coetáneas como Uriah Heep o Deep Purple, que al estilo en donde estaban encuadrados con la etiqueta Krautrock, entre otras cosas por su procedencia alemana y por la época en la que fue fundada.
Fuera como fuera ellos son unos de los ejemplos germinales de la influencia del estilo progresivo alemán y el único que tenia nombre chino, (su traducción es cuanto menos surrealista; "rama de ciruelo en flor en un jarrón dorado!!").
Pero mas allá de esta curiosidad, Kin Ping Meh fueron unos impulsores de los largos desarrollos, con interminables solos de guitarra y teclados progresivos, mezclando el hard rock y el rock progresivo con tintes psicodélicos.
Su primer album, es todo un ejercicio de excelsos temas progresivos como "Fairy Tales" con sus nueve minutos de ritmos frenéticos y solos de todos sus integrantes, o la hipnótica "Everything", con dobles juegos de riffs y solos de guitarras y órgano.
En contrapunto “My Future” es una aproximación al folk rock de Crosby Stills and Nash y “Don´t You Know”, un claro guiño a los jams instrumentales progresivos y psicodélicos de los años 60.