Jethro Tull

Cuando a mediados de los 60, Ian Anderson se dirigió a Londres desde su Escocia natal en su vieja furgoneta con apenas equipaje y con un micrófono y una vieja flauta, nunca llego a pensar que algunos años después se convertiría en el líder de una de las más formidables bandas de rock de todos los tiempos.
Anderson llevaba un tiempo alternando en una banda local de la región de Midlands en el norte de Inglaterra, llamada The John Evans Band y estudiando en la escuela de arte.
Chris Wright por entonces manager de Ten Years After, le presenta al guitarrista Mick Abrahams que junto al bajista Glenn Cornick y al batería Clive Bunker sientan las bases de un grupo al cual denominaron en un principio Bag of Blues.
El repertorio del grupo consistía por aquel entonces en viejos temas blues que se valía de la excepcional guitarra de Abrahams y el carisma burlesco e inconfundible de Ian Anderson que imprimía a la música una originalidad exótica con su peculiar forma de tocar la flauta denominada mouth percusions, además de su carisma como showman en escena, tocaba sobre una pierna y su pinta de extravagante barbudo con unas espectaculares indumentarias medievales y que no paraba de dar vueltas por el escenario con una flauta de plata en la mano y que seria las señas de identidad del grupo.
Pronto son bastantes solicitados en el circuito londinense de blues y el propio Anderson decide cambiar el nombre del grupo por el de Jethro Tull, inspirado en un agricultor del siglo XVIII que invento la segadora.
Pero fue en agosto de 1968 cuando participo en el Festival de Kempton Park junto a otras bandas ya consagradas como Cream, Ten Years After, Traffic o Jeff Beck Group en donde Jethro Tull empezaron a tejer su leyenda con una soberbia actuación que dejo boquiabiertos al publico asistente.
Ese mismo año la recién constituida discográfica Chrysalis les ficha y el grupo empieza a componer el material que comprendería su primer álbum “This Was”.
En este primer disco Jethro Tull mostraban su lado mas enérgico con canciones de rock-blues pero con conceptos sonoros muy avanzados a medio camino entre el rock y la música clásica con aproximaciones tímidas al jazz.
La banda se establece artísticamente y pasa a ser uno de los asiduos en el Marquee londinense e incluso es invitado al Nacional Festival Jazz and Blues celebrado ese mismo año.
Tras este primer LP, surgen las primeras discrepancias que termina por el abandono de Mick Abrahams que es sustituido por el guitarrista Martin Barre.
Abrahams pasaría brevemente a formar parte de Black Sabbath antes de formar Blodwyn Pig con quienes firmaría un soberbio disco de blues titulado “Ahead Rings Out” (1969).
También en 1969 se publica el segundo álbum de Jethro Tull titulado “Stand Up” que llegaba precedido por el single que les situaba en primera línea internacional “Living in the Past”, con este nuevo álbum el grupo conseguiría un éxito absoluto, llegando al numero uno en las listas de éxitos.
En este nuevo trabajo el sonido es realmente increíble y original dejando de lado levemente el blues para adentrase en terrenos mas folk y la música barroca.
“Benefit” (1970), sigue en esa línea ascendente tanto artística como exitosamente, pero con una clara derivación hacia el rock progresivo y dándole a los teclados un mayor protagonismo, de hecho el grupo había incorporado al teclista John Evan antes de este nuevo álbum.
Llegados hasta este punto, Jethro Tull habían propuesto un estilo musical que les hacia ser apreciados tanto por los fans del rock duro como por los del rock sinfónico, gracias a la capacidad de Anderson de confraternizar la flauta con los pasajes de guitarra y una esencia particular de la campiña inglesa muy original.
El grupo a principios de la década de los 70 no paraba de hacer giras en los Estados Unidos e Inglaterra labrándose una reputación cada vez mayor en el ámbito rock de la época.
Además Anderson se volvía cada vez, más sofisticado, introduciendo elementos musicales del siglo XVI junto al profesor de la Royal Academy of Music, David Palmer.
Una vez finalizadas las giras correspondientes Glenn Cornick abandona para formar su propia banda Wild Turkey, les sustituye un viejo conocido de Anderson en la John Evans Band llamado Jeffrey Hammond-Hammond, quien participa en las sesiones de grabación del siguiente álbum, el apoteósico y espectacular “Aqualung” (1971), trabajo conceptual en donde se reflejaban las inquietudes de Anderson por los vagabundos y las religiones organizadas.
Un album que contenía momentos memorables como la hard rock “Locomotive Breath” o la magnifica “My God”.
Curiosamente este álbum fue grabado en un estudio contiguo al que utilizaban Led Zeppelín que en esos momentos grababan su mítico álbum “Led Zeppelin IV”.
Posteriormente publicaron “Thick as a Brick” (1972), trabajo que contaba con la participación de un nuevo batería, Barriemore Barlow que había sustituido a Clive Bunker que se unió al grupo Blodwyn Pig de Mick Abrahams.
Este nuevo disco era también un álbum conceptual en donde un personaje ficticio denunciaba por medio de la poesía, la falsa moral, el puritanismo y la hipocresía de la vieja Inglaterra y que con una portada diseñada como un periódico completo con varias paginas, algo que revoluciono el mundo del artwork, por ser muy creativo por aquel entonces.
Anderson esta vez incluyo elementos sonoros del siglo XVII que fusiono con jazz, blues y rock convirtiendo otro sofisticado trabajo.
Mientras tanto y aprovechando el éxito del grupo Chrysalis publicaba “Living in the Past” (1972) doble álbum que se dividía en uno en directo y otro con una recopilación de singles lanzados desde 1968 hasta 1971, es decir la época mas blues del grupo y era un excelente ejemplo de la evolución del grupo desde su inicios antes de que Anderson se metiera de lleno con el rock progresivo.
Pero el propio Anderson llevo demasiado lejos la idea del álbum-concepto, ya que el siguiente disco “A Passion Play” (1973), seguía esta misma línea y sufrió el primer revés de la critica, esta vez era el espectáculo teatral la base que el músico había escogido para la temática de este nuevo disco, que contenía un solo tema subdividido en múltiples episodios.
Y no es que fuera un mal disco, todo lo contrario, aquí no era la calidad la que se cuestionaba si no las pretensiones del disco como ocurrió con el anterior.
Una épica narración a través de la vida ultraterrena y traumática de un personaje fallecido que vuelve del paraíso, a su vieja Inglaterra y cae en las garras de Lucifer…una obra cerebral y minuciosa y hasta cierto punto sofisticadísima.
Estaba claro que el propio Anderson con sus textos retorcidos y una música minuciosamente arreglada, intentaba encontrar el estilo que la vieja Inglaterra había perdido hacia muchos lustros.
“War Child” (1974), supuso la vuelta a la normalidad después de los últimos enredos conceptuales, aquí las estructuras musicales tenían una arquitectura mas común de canciones cortas y mas simples.
En cualquier caso se introdujeron instrumentos ajenos al rock como el acordeón que sirvió de base para fundamentar el folk británico con el rock.
Temas como el hermoso “War Child” o las enérgicas “Queen and Country” y “Sealion” eran el perfecto contrapunto a la folkie “Skating away on the thin ice of the new day”.
Una posterior gira mundial con un masivo éxito en taquillas, demostró que Jethro Tull seguía teniendo gancho en el circuito mundial del rock sin paliativos.
“Minstrel in the Gallery” (1975), ahondo aún mas el sonido folk de las estructuras musicales del grupo, pero siempre bajo por el sonido particular de Jethro Tull, lleno de guiños a la música medieval de la que sobresalía la colosal “Baker St Muse” que ocupaba casi la mitad del disco.
Otro recopilatorio para satisfacer la demanda de los fans “M.U. The Best of” (1976) precedió al nuevo álbum, “Too Old To Rock´n´Roll, Too Young To Die”, que era el enésimo disco concepto aunque esta vez con un temario de canciones mas cortas y en donde el blues-rock de los inicios y el poder de las guitarras eléctricas cobraban un mayor protagonismo.
Para este álbum el rol de bajista fue a parar a John Glascock que remplazaría a Hammond.
La temática de este ultimo disco seguía por la senda de los retorcidos argumentos de Anderson, y en una especie de cómic narrado, cuenta la historia de un viejo rocker llamado Ray Lomas que cansado de las criticas de quienes le acusaban de hacer una música ya anticuada, el respondía manifestando su amor por sus tiempos pasados.
Muchos consideraron este argumento como una autobiografía del propio Anderson.
A finales de 1976 y antes de que se publicase un nuevo disco David Palmer paso a engrosar las filas del grupo de manera oficial como segundo teclista y así con esta nueva formación se publico “Songs from the Wood” (1977) que supuso un giro en el estilo musical que Jethro Tull habían hecho hasta ese momento, desde el blues de sus inicios hasta el rock progresivo de los últimos años, esta vez el camino elegido era el folk-rock, si bien es cierto que en casi todos los álbumes anteriores incluyeron elementos de ese genero, nunca tan pronunciados como en este.
Después de este bucólico y campestre trabajo considerado por muchos una obra maestra, publicaron el álbum “Heavy Horses” (1978), que seguía la tónica de su predecesor.
A finales de ese mismo año llego el soberbio doble álbum en directo “Bursting Out”, una formidable manera de cerrar una época gloriosa de la que era ya considerada una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos.
En 1979 aparece “Stormwatch”, que cerraba esa especie de trilogía empezada con “Song from the Wood”, centrada en la temática del compromiso con el medio ambiente, así como con ese sonido folkie, también seria el ultimo con la formación clásica, además durante el proceso de grabación el bajista John Glascock fallece mientras se sometía a una operación quirúrgica.
Y llegaba una nueva década y nuevos cambios de orientación en el estilo musical del grupo y así en el primer álbum de los 80, “A”, marcaría un significativo cambio hacia un rock mucho mas electrónico, sin duda ejercido por la influencia del nuevo teclista Eddie Jobson ex UK y ex Roxy Music que había remplazado a Evans y a Palmer, además Dave Pegg ex Fairport Convention, paso a ser el nuevo bajista en sustitución del malogrado Glascock y Mark Craney sustituyo a Barlow a la batería.
A partir de aquí los cambios fueron constantes, así en el siguiente álbum, el exitoso “Broadsword and the Beast” (1982), entraron Peter John Vitesse y Gerry Conway que sustituían a Jobson y a Craney respectivamente.
El siguiente año fue por fin el elegido para el primer álbum en solitario de Ian Anderson, “Walk into the Night”, en el cual vemos al músico que no esta sujeto a sus convicciones como con el grupo, mostrándose mucho mas electrónico y alejándose de sus tradiciones mas radicales, con el que consigue un trabajo fundamental en su carrera.
Pero después de ese paréntesis se publico otro nuevo capitulo de Jethro Tull, “Under Wraps” (1984), que contenía un estilo muy rural cercano a los bucólicos “Songs from the Wood” y “Heavy Horses”.
Y durante un tiempo la actividad del grupo se redujo casi al mínimo con escasa apariciones, con la excepción de algunos conciertos en Festivales de folk y haciendo creer a la opinión pública que prácticamente el grupo ya estaba cerca de su final.
Pero en 1987 y ante la sorpresa general publican “Crest of a Knave” que les devuelve a la actualidad del panorama mundial del rock.
Un disco en donde la banda mostraba un hard rock con influencias folk y con un acertado protagonismo de sintetizadores y el cual en muchos momentos del álbum nos recordaba al original estilo de Dire Straits.
El álbum gano el premio Grammy al mejor disco del año en el apartado de rock/metal por encima del gran favorito de aquellos momentos, Metallica.
Este fue sin duda el ultimo gran momento de Jethro Tull que en lo años siguientes publico buenos discos pero sin llegar a la cotas artísticas de su época gloriosa, trabajos como “Rock Island” (1989), “Catfish Rising” (1991), “A little Light Music Live” (1992) un álbum en directo acústico, “Nightcap” (1993), “Roots to Branches” (1995), “J. Tull Dot com” (1999) o “The Christmas Album” (2003).
Aparte de esta extensa discografía se han editado varios directos y recopilatorios de los que hay que destacar la box set : “20 Years of Jethro Tull” (1998) o “The Essential” (2003) entre otros muchos, además de los directos “Nothing is Easy Live at the isle of the Wight 1970,  In Concert” (1995) o “Live at Montreux 2003” (2007).
Ya en el 2007 Ian Anderson fue condecorado con la Orden del Imperio Británico por la Reina Isabel II.
Jethro Tull no solo ha sido una banda única que traspaso los umbrales del rock para llegar a géneros tan dispares como la música barroca, el folk y el blues, si no que su concepción del rock progresivo fue tan brillante, que no tuvo similitudes en ninguno de sus coetáneos ni en posteriores artistas y que comercialmente tuvo un éxito rotundo con mas de 70 millones de copias vendidas de todos sus álbumes en todo el mundo y que en la actualidad es el grupo mas longevo después de sus satánicas majestades The Rolling Stones.

Creedence Clearwater Revival

Creedence Clearwater Revival fue sin duda la mejor y la mas singular de las bandas nacidas en San Francisco, con una formación primitiva y un sonido tan cáustico como ancestral (a diferencia de sus contemporáneos que exploraban la psicodelia y manifestaban su devoción hippie), ellos se inspiraban en el rock´n´roll de los cincuenta sabiamente fusionado con el country y el rhythm & blues.
Su extraordinaria historia comenzó cuando una banda llamada The Blue Velvets formada por el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford deciden incluir en la misma a los hermanos John y Tom Fogerty ambos guitarristas.
Los cuatro jóvenes californianos empiezan así a versionar éxitos de la época hasta que a finales de 1964 el sello Fantasy les contrata y les cambia el nombre por Golliwogs.
Los primeros años publican algunos singles de escaso éxito comercial, temas como “Don´t Tell me no lies”, “You Can´t Be trae” o “Walking on the water”.
El grupo ya por entonces hizo gala de una sencillez rustica y provinciana que bajo un rock simplista cultivan estilos que se mueven desde el folk hasta el blues.
A principios de 1967 finalmente deciden volver a cambiar en nombre del grupo para quedarse con el ya singular Creedence Clearwater Revival, titulo tomado de los pantanos de Louisiana y dejando claro así las raíces profundas de su música el blues bañado de los pantanos de Nueva Orleáns, Memphis y Nashville.
Con esta nueva denominación publican dos temas que pronto se convertirán en clásicos por un lado “Suzi Q” y por el otro “I Put a Spell on You”, ambos revisiones de viejas canciones de los bluesman Screamin´Jay Hawkins y Dale Hawkins respectivamente.
“Suzi Q” pronto se convierte en un éxito masivo vendiéndose la friolera de 800 mil copias en una semana.
Un año después se publica el primer álbum de la banda, “Creedence Clearwater Revival” (1969), un trabajo que contenía una serie enraizada de canciones de swamp rock blues (blues pantanoso) con potentes y electrificantes riff´s y un ritmo endiabladamente rock.
El álbum recibe buenas criticas algo que anima al grupo a editar dos álbumes mas ese mismo año, primero seria “Bayou Country”, con la producción del propio John Fogerty, este nuevo álbum seria el primero de una sucesión de temas de gran éxito, empezando por “Proud Mary”, que se constituiría en un verdadero boom, quedando además como un estándar de la música pop.
Le seguiría “Green River” que llegaría a lo mas alto en las listas de medio mundo y manifestando la habilidad compositiva de John Fogerty que en ese momento no tiene rival quien haga fusionar los elementos rock con el soul, el folk, el country y el rhythm & blues como el sabe hacerlo.
En este álbum la banda continua incrementando la enorme popularidad y de el se extraen los singles “Bad Moon Rising” y “Green River”.
“Willy and The poor Boys” (1970) representaría un paso adelante en lo comprometidamente social ya que entra de lleno en el compromiso pacifista y en las reivindicaciones obreras.
Este nuevo álbum contenía momentos memorables como la enérgica y punzante “Fortunate Son”, considerado uno de los mejores temas de la historia del rock o la campestre con inflexiones gospel “Down on the Corner”.
A finales de ese mismo año se publica “Cosmo´s Factory”, que repite numero uno en medio mundo y que se convierte en la culminación de la carrera del grupo.
El álbum fascina a todos los públicos con la asombrosa versión de once minutos del clásico de la Motown “I Heard it through the Grapevine”, además había otras canciones brillantes como la frenética “Travellin´Band” o la alegórica y melancólica mención a la guerra de Vietnam de “Who ´ll Stop the Rain”.
El álbum consigue vender más de cinco millones de copias solo en los Estados Unidos y de paso el grupo empieza a ser criticado por una parte de la prensa especializada acusándoles de comercialidad y de poco innovadores, algo paradójico ya que su rock cavernícola estaba bastante lejos de los cánones comerciales existentes en esa época.
Fogerty viendo ese rechazo por parte de la prensa cambia la esencia musical en el siguiente disco “Pendulum” (1971), extendiendo las bases originales con el uso de arreglos experimentales como una sección de viento y un órgano machacón que no hizo más que perder el fervor de sus fans.
Viendo este panorama John Fogerty abandona el grupo a finales del año y decide proseguir su carrera en solitario.
Y así con la banda conformada como trío se publica “Mardi Grass” (1972) un trabajo que contaba con algunos temas compuestos por John Fogerty, los mas celebrados y el resto por Clifford y Cook muy por debajo de la calidad artística que los de su ex – líder y que demostraba así lo limitado que tanto el bajista como el batería eran realmente como compositores.
El grupo había perdido todo su sabor con todos estos cambios y reafirmaba que la Creedence sin John Fogerty era un grupo vulgar y sin esa magia que los cuatro años que había durado su carrera supieron imprimir a su música.
Finalmente la banda se separa oficialmente a finales de ese mismo año.
Posteriormente Fantasy publica el álbum en directo “Live in Europe” (1973) y mas tarde “Live at the Royal Albert Hall” (1981), ambas grabaciones obtenidas de la época gloriosa del grupo.
También se publicaron varios recopilatorios, empezando por “Chronicles” (1976), que obtuvo una ventas millonarias con mas de 9 millones de discos, “Chronicles Vol.2” (1986) o una box set que contaba con seis cd´s con un repaso antológico a la carrera del grupo con temas de estudio y en directo (2001).
En adelante fue John Fogerty quien tuvo una carrera mas prolífica, en 1972 publico el álbum “The Blue Ridge Rangers”, un trabajo en donde pasmaba su amor por el country con viejos temas clásicos del genero, un disco que sin egocentrismo mezclaba el gospel, el blues e incluso el ragtime con esos temas country.
Dos años después publica su segundo álbum “John Fogerty”, en el que vuelve a la senda Creedence con ese rock´n´roll que les hizo famosos, un disco en donde mezclaba temas propios con versiones como “Sea Cruise” o “Lonely Teardrops”, además de contar con la canción “Rockin´ All over the World” que posteriormente llevarían a un hit mundial los mismísimos Status Quo.
Este trabajo fue el primero que Fogerty hizo para el sello Asylum una vez acabado el contrato abusivo que le mantenía con Fantasy, un contrato que le trajo no pocos quebraderos de cabeza al propio Fogerty que fue demandado por la propia Fantasy en varias ocasiones por interpretar temas de la Creedence en directo así como de editar temas sospechosamente parecidos a algunos de los de su ex –banda, además de componer alguna canción en donde irónicamente llamaba ladrón, cerdo y carcelero al dueño de dicha compañía Saul Zaentz.
No fue hasta diez años después cuando salió a la luz el siguiente álbum titulado “Centerfield”, y que contenía ese agresivo rock rico en referencias de los pantanos de Louisiana, algo que tendría continuidad en el siguiente álbum “Eye of the Zombie” (1986).
En 1997 volvió con otro soberbio trabajo “Blue Moon Swamp” con el que gano el premio Grammy al mejor álbum del año, posteriormente publico “Deja Vu” (2004), “Revival” (2007) con el cual fue nominado al Grammy y “The Blue Ridge Rangers Again” (2009), y antes había sido publicado el directo “Premonition” (1998).
Por su parte Doug Clifford y Stu Cook después de la disolución de Creedence fundaron Don Harrison Band, además de otros proyectos y a mediados de los noventa formaron la Creedence Clearwater Revisited ofreciendo giras con las viejas canciones del grupo original.
Y por ultimo Tom Fogerty fue quien menos éxito obtuvo como solista, publicando varios álbumes de escasa repercusión. En 1990 Tom fallecería como consecuencia de sida, que contrajo durante la transfusión sanguínea para una intervención quirúrgica.
A ciencia exacta nunca se ha sabido cuanto álbumes a nivel global han vendido los Creedence, aparte de los casi 30 millones solo en los Estados Unidos, pero hay quienes aseguran que esa cifra es ampliamente superada a nivel mundial, sea como sea, están entre los cien mayores vendedores de la historia de la música rock del siglo XX.
Casi cuarenta años después la Creedence Clearwater Revival se mantiene como una parte vital dentro de la historia de la música norteamericana y una de las más grandes bandas de rock´n´roll de todos los tiempos.

Group 1850-Paradise Now (1969)

Holanda es una fértil cuna de brillantes formaciones del rock progresivo, ahí están para demostrarlo Focus, Kayak, Ekseption, Golden Earring, Solution o Panteón, unos pocos ejemplos de la gran maraña de bandas que surgieron en la década de los 70.

Sin embargo Group 1850 tiene el privilegio de si no ser la primera, si una de las germinales de su país orientadas al genero vanguardista.

Ellos ya en 1966 estaban activos, dando conciertos en su área local y su álbum "Agemo´s Trip to Mother Earth" (1968), fue el primer disco oficial meramente conceptual salido del país de los tulipanes.

Un año después de este debut, publicaron su segunda entrega, este "Paradise Now" en donde las huestes lideradas por el teclista Peter Sjardin (el único miembro estable y permanente de esta formación a lo largo de su carrera), muestran una rica propuesta de rock psicodélico y espacial, un sonido que de alguna manera los emparientan con los primeros Pink Floyd.

Un álbum en donde predominan los teclados atmosféricos, las guitarras disonantes, unas voces bajo los efectos alucinógenos y pasajes vanguardistas e improvisados con sutiles momentos folk y blues.

Caravan

Cuando a finales de 1967 el grupo Wilde Flowers se disolvió, pocos llegaron a imaginar que de sus cenizas surgirían dos de las más grandes formaciones del rock británico de toda su historia.
Y así fue, de allí salieron algunos miembros de Soft Machine y de Caravan, esta ultima considerada una de las esencias del Canterbury Sound, aunque en realidad, este genero era mas una cuestión practica que una verdadera etiqueta musical.
Esos músicos eran Richard Sinclair, David Sinclair, Pye Hastings y Richard Couhlan que iniciaron su historia a mediados de 1968 componiendo y ensayando hasta confeccionar una serie de canciones que tardaron bastante en ver la luz ya que no encontraban ningún sello discográfico quien les publicara dicho material.
Finalmente fue Verve quien les edita su primer álbum titulado homónimamente como el grupo “Caravan” (1968), el cual supone una de sus mejores obras, que no es correspondido por el publico aunque si por la critica, quien les otorga el titular; "uno de los mejores grupos del año".
En este debut discográfico ya se empezaba a ver algunas de las particularidades del grupo, que desde una sólida base de jazz se construían unos atmosféricos pasajes dotados de calidez y un etéreo sonido.
Verve viendo el escaso éxito del álbum, rescinde su contrato con el grupo que pronto encuentran en Decca el apoyo necesario para publicar seis álbumes sin presiones ni condiciones.
Dos años después se publica el nuevo trabajo “If I Could do it all Over Again” (1970), un notable álbum repleto de frescura, con unos arreglos y unas ejecuciones brillantes, además de una complejidad absoluta, sus influencias beben de los mas diversos géneros musicales desde el rock hasta el folk pasando por la música clásica y el jazz-rock.
Un año después se publica “In the Land of grey and Pink” (1971), un álbum aún mas brillante si cabe que el anterior, que incluye la esplendida suite “Nine Feet Underground”, que ocupa toda la segunda cara del álbum.
El trabajo, considerado una de las máximas expresiones del rock progresivo, encumbro definitivamente al grupo.
De cualquier manera y a pesar del éxito obtenido, las expectativas generales son inferiores a lo que en un principio se preveía, por lo que llegan las primeras deserciones, David Sinclair abandona el grupo y posteriormente pasar a formar parte de Matching Mole, una banda que había formado poco tiempo antes Robert Wyatt.
Un habitual de la escena Canterbury, Stephen Miller ex componente de Delivery, es el sustituto de Sinclair.
Esta nueva alineación edita el álbum “Waterloo Lily” (1972), uno de los últimos grandes momentos del grupo, pero en donde también hay un alejamiento de los sonidos folk para adentrarse hacia los terrenos más jazzisticos con claras improvisaciones en clave de free jazz, además de unos arreglos mucho más predominantes.
El álbum contenía grandes temas como la suite improvisada e instrumental “Nothing at All”, o la extensa “The Love in your Eye”.
Pero los problemas internos dificultan la estabilidad de la banda y el recién llegado Miller junto con Richard Sinclair abandonan la nave y precipitan la vuelta de David Sinclair además del violinista Geoff Richardson y del bajista John Perry.
Una vez renovada la serenidad del grupo entran en el estudio y graban “For Girls Who Grow Plump in the Night” (1973), que fue un disco que dio bastantes quebraderos de cabeza a la discográfica por los problemas de la censura inglesa debido al titulo extremo del álbum.
De cualquier manera el resultado fue un trabajo mucho más articulado con un formato de canciones más asequibles, por lo menos en la primera cara del álbum, mientras en la segunda, la épica y los largos y extensos temas vuelven a tomar las riendas del disco.
Entre ellos destacaban la hard rock “C´Thlu Thlu”, la folkie “Surprise, Surprise” o la épica “L´Auberge Du Sangler”.
Para muchos de sus fans esta fue otra de sus obras maestras y el cenit del grupo.
Posteriormente y siguiendo la estela de otros grandes de la escena rock inglesa como Deep Purple, The Moody Blues o Procol Harum se adentraron en el ambicioso proyecto de fusionar la música rock junto a la de una orquesta sinfónica, y así nació “Caravan & The New Symphonia” (1974), álbum grabado en vivo en el Drury Lane el 28 de octubre del año anterior.
“Cunning Stunts” (1975) supuso el final de la relación del grupo con el sello Decca.
En adelante y hasta su desaparición publicaron “Blind man at St.Dunstants” (1976), “Better By Far” ( 1977), “The Album” (1980) y “Back to Front” (1982), todos ellos con repetitivos cambios de formación algo que evidentemente resintió el rendimiento musical de la banda, solo manteniendo vivo el recuerdo de su imborrable pasado.
Pero insólitamente en 1990 la banda se reúne promovida por Richard Sinclair para el festival de Canterbury celebrado en junio de ese año, a partir de aquí el grupo a seguido manteniendo una cierta actividad en giras y álbumes publicados, la mayoría de ellos en directo como “Live 1990”, “Live at Fairfield Halls 1974” (2002) o “The show of our Lives” (2007), junto a otros de estudio como “Battle of Hastings” (1995) o “The Unauthorized Breakfast Item” (2003).

Fairport Convention

Este singular grupo de folk-rock británico, comenzó su trayectoria en 1967 con músicos de un claro acento acústico, que desde el principio de su fundación propusieron derivarse hacia el estilo del folk eléctrico británico e irlandés en busca de una identidad propia y original. Todo empezó cuando el joven guitarrista Richard Thompson, el también guitarrista Simon Nicol y el bajista Ashley Hutchings abandonan el grupo al cual pertenecían llamado Ethnic Shuffle Orchestra y se unen a la cantante Judy Dyble y al batería Martin Lamble para formar una nueva banda a la que denominaría Fairport Convention.
A finales de ese mismo año consiguen un contrato con el sello independiente Cotillion que a su vez era un sub-sello de la Polydor, quien les publica varios singles “If I Had A Ribbon Bow” y “If ( Stomp )” y posteriormente el primer álbum “Fairport Convention” (1968).
Pero tras este primer álbum los resultados son poco satisfactorios por lo que surgen los primeros cambios en la formación, abandona Doyble y en su lugar entra Sandy Denny, que con el tiempo se convertiría en un referente de las voces inglesas.
Algún tiempo después también entra a formar parte de la banda otro pilar muy importante, Ian Matthews, que igualmente pronto se convertiría en un clásico de la escena folk inglesa.
La banda ya como sexteto graban y publican su segundo álbum “What we did on our holidays” (1969), que contenía un sonido homogéneo y coherente y que obtiene buenas criticas.
Pero el éxito de este álbum determina la fugaz aparición de Matthews que decide abandonar para fundar su propia banda la Matthew´s Southern Confort que pronto conseguirían un éxito rotundo con el tema de Joni Mitchell “Woodstock”.
A mediados de 1969 aparece su tercer álbum titulado “Unhalfbricking” el cual termina encumbrándoles en el Reino Unido.
Posteriormente participan en el mítico concierto de Hyde Park junto a The Rolling Stones y Blind Faith certificando una soberbia actuación.
A raíz de este nuevo álbum entran a formar parte de la banda el mandolinista y violinista Dave Swarbrick quien en adelante catalizara la conversión de la original mezcla de estilos con esencias tradicionales irlandesas bien fundidas con la excelente voz de Denny y Dave Mattacks, este ultimo un nuevo miembro que había entrado sustituyendo a Lamble que fallecería como consecuencia de un lamentable accidente.
“Liege & Lief” el cuarto álbum del grupo salió a la luz a finales del mismo año 1969 y fue la confirmación del auge del folk-rock con un Swarbrick inconmensurable y principal artífice del sonido del grupo, con este nuevo trabajo también llegaría el cenit artístico de la banda, con unas elegantes composiciones, basculando entre lo tradicional y la brillantez de la mezcla de estilos, pasando con el tiempo a convertirse una obra maestra del genero.
Pero este nuevo éxito seria el motivo del abandono de Sandy Denny que decide formar una banda de similitudes a Fairport Convention junto al guitarrista Trevor Lucas llamada Fotheringay de efímera existencia, pero con un portentoso álbum “Fotheringay” (1970).
Aún así con esta perdida, el grupo siguió manteniendo un alto nivel y buena muestra de ello fue el álbum “Full House” (1970) el cual contaba con un nuevo bajista Dave Pegg, en sustitución de Ashley Hutchings, quien había abandonado a sus compañeros para fundar otra banda legendaria como serian Steeleye Span.
En este álbum se muestra a un grupo mas tradicional que en las obras anteriores, con viejos temas reconvertidos modernamente en nuevas canciones con mucha brillantez.
Pero cuando parece que el grupo se va estructurando definitivamente es Richard Thompson el que decide abandonar la nave para igualmente comenzar una carrera en solitario, la cual junto a su mujer la cantante Linda Peters tendrá una exitosa andadura en buenos trabajos muy reconocidos por la crítica pero no así por el público.
Es entonces cuando Swarbrick coge las riendas de la banda que junto al único miembro original de la misma Simon Nicol, se convierten en los líderes de los nuevos Fairport Convention y publican un nuevo álbum “Angel Delight” (1971) que logra un éxito importante en las listas británicas.
Ese mismo año insólitamente la misma formación graba otro álbum, algo que no había ocurrido antes, que una misma alineacion publicaran dos discos seguidos.
El álbum en cuestión seria “Babbacombe Lee”, una especia de opera folk tradicionalista e ideado como un álbum concepto que resulto ser un trabajo sofisticadísimo.
Llegados a este punto la banda habia tocado techo y como ya era habitual hasta ese momento después de cada éxito llegaba una deserción, y esta vez era Simon Nicol quien anuncia su retirada del grupo.
En ese justo momento la banda entra una aguda crisis que desemboca en el abandono de casi todos los miembros y de sus cenizas surgirá otra legendaria banda; The Albion Country Band.
Pero es en 1973 cuando resurge el grupo con una nueva formación que comprende a Trevor Lucas, David Rea, Roger Hill, Tom Farnal y Jerry Donahue quienes graban los álbumes “Rosie” y “Nine”, ambos del mismo año y “Live Convention” (1974), este ultimo supuso la vuelta momentánea de Sandy Denny.
En adelante y con continuos cambios de formación se ira sucediendo los álbumes “Rising for the Moon” (1975), “Gottle O´Geer” (1976), “The Bonny Sunch of Roses” (1977), o “Tipplers Tales” (1978) trabajos que mantienen brillantez pero se resienten de la crisis del folk-rock que como movimiento global empieza a perder fuerza y seguidores.
Aún así el grupo sigue manteniéndose firme y realiza varias giras por Europa y los Estados Unidos de las cuales se extrajeron el material para álbum en directo “Farewell Farewell Live” (1979) y que contenía las emotivas canciones “Matty Groves” y “Meet on the Ledge” en memoria del malogrado Lamble.
Otro directo seria el primero de la nueva década “Moat on the ledge- Live at Broughton” al que siguieron “Gladys Leap” (1985), “Expletive Delighted” (1986), “Red and Gold” (1989) o “The Five Seasons” (1990), todos ellos unas antologías ideales del folk-rock pero sin caer en lo didáctico.
Los ultimo episodios discograficos han sido “Jewel in the Crown” (1995), el unplugged “Old New Borrowed Blue” (1996), “Who Knows Where the times Goes?” (1997) que conto con la participacion de Richard Thompson y Roy Wood, “The Word and the Wire” (2000), “XXXV” (2002), “Over the Next Hill” (2004), y “Sense of Ocassion” (2007), ademas de imnumerables directos y recopilatorios de los que destacan “Fairport Chronicles” (1976), “Shines Like Gold” (2003), “Cropedy Crea Off the Desk Live” (2006) o la box set “Cropredy Capers: 25 Years of Fairport Convention and Friends at Cropredy Festival 2004”.
Por otro lado en la actualidad Fairport Convention continua celebrando años tras año una reunión anual para el Festival Fairport´s Cropredy Convention que se celebra en el mes de agosto y que suele reunir a lo mas destacado del folk y el rock británico con bandas como The Strabws, Jools Holland, Wishbone Ash, Richard Thompson Band, Steeleye Span, Pentangle…etc.

Vangelis

Era finales de 1972 cuando una noticia sacudió a los circuitos musicales de media Europa; Aphrodite´s Child, la banda griega que llevaba varios años en la cresta de la ola con temas como “Rain and Tears” o “It´s five o´clock”, anunciaban el fin del grupo.
La banda de corte progresivo y psicodélico había tenido un gran éxito con varios álbumes publicados; End of the World (1968), It´s Five o´clock (1969) y "666" (1972), este ultimo considerado una de las obras cumbres del progresivo europeo.
Entre los tres componentes de la banda sobresalían un cantante llamado Demis Roussos y el teclista Vangelis Papathanassiou.
El primero conseguiría una exitosa carrera como cantante de canciones melódicas no exentas de épica y melodrama en las décadas de los 70 y 80 con numerosos hits muchos de ellos números uno en medio mundo.
Por su parte Vangelis se convertiría en uno de los mayores exponentes de la música electrónica en el futuro, consiguiendo una carrera llena de grandes obras.
Ya desde niño su talento era asombroso, tanto que a los seis años ya interpretaba en público sus propias composiciones.
Sus primeros álbumes son publicados aún estando en el seno de la banda, entre ellos la música para la película “Sex Power”, o discos como “Hipothesys” y “The Dragon” (1971), trabajos muy enfocados al estilo de su banda es decir un rock sinfónico con influencias de jazz electrónico. Ambos trabajos se editaron por los sellos Charly y Affinity sin el consentimiento del músico que manifestaba que era material experimental sin un denominador común y sin una producción aceptable.
Vangelis que conservaba en la retina la hermosa Grecia con sus impresionantes arquitecturas, sus mitos y la fascinante naturaleza de su país, residía en Paris cuando el productor de televisión Frederic Rossi le encarga la música de una serie la cual necesita de la importancia de esta para su visionado.
Así nacen las dos primera obras del músico “La fete Sauvage” y “Opera Sauvage”, ambas dedicada a los animales y encuadradas en el álbum “L´apocalypse des Animaux” (1973), alcanzando un éxito tan rotundo que se convirtió en una futura referencia a los sonidos que mas tarde experimentarían la new age.
Vangelis efectúa en el álbum una combinación de elementos acústicos y electrónicos de manera brillante con una amplia gama de sonidos utilizando instrumentos convencionales como las guitarras acústicas, órganos modificados y efectos electrónicos.
Posteriormente el álbum “Earth” (1974) se convierte en otra gran composición progresiva.
Pero el músico esta limitado en la bohemia ciudad francesa muy centrada en el sonido del jazz y la música popular y busca nuevos horizontes donde dar rienda suelta a su imaginación.
Ese mismo año Rick Wakeman decide abandonar el grupo Yes para continuar su carrera en solitario y se rumorea que Vangelis será su sustituto en la banda, por consejo de Jon Anderson, con quien tenia buena amistad, pero problemas con el sindicato de músicos británicos y el ego del propio músico rodeado de tantas estrellas como eran los integrantes de Yes se descarta su integración en favor de Patrick Moraz.
Vangelis posteriormente decide trasladase a Londres en donde se construye un estudio de grabación que mas parece un laboratorio de experimentación que una sala orientada a grabar música.
Durante un año Vangelis experimenta sonidos, notas y variaciones que va acoplando y mezclando en un titánico trabajo artesanal.
Producto de toda este audacia creativa nace “Heaven and Hell” (1975), un álbum concepto en donde el músico relata musicalmente múltiples piezas corales muy cercana a la música clásica,
Aquí ya hay una muestra de lo que en un futuro no muy lejano Vangelis explotaría junto a Jon Anderson, el tema cantado “So long Ago, so Clear”.
Efectivamente Anderson le invita a colaborar en su primer álbum como solita, el apabullante y atmosférico “Olias of Sunhillow” (1976), ese mismo año se publica “Ignacio” álbum mas orientado hacia el vanguardismo electrónico.
El proceso evolutivo le conduce al siguiente álbum “Albedo 0.39” (1976), musicalmente más electrónico y cósmico, consiguiendo este un éxito rotundo en los circuitos progresivos y electrónicos.
“Spiral” (1977) y “Beaubourg” (1978), continúan esa evolución, el primero mas abierto musicalmente e incluso comercial y el segundo mas experimental y minimalista.
Ese mismo años se publica “Odes” un trabajo junto a Irenes Papas en donde se recogen canciones populares griegas y bizantinas.
En abril de 1979 publica el álbum “China”, mucho más accesible pero de gran clase a la vez que innovador, que logra un moderado éxito.
En este último trabajo Vangelis introduce sonidos étnicos influenciados por las tradiciones mágicas milenarias del extremo Oriente.
Un año después publica “See Your Later”, un trabajo irónico sobre las costumbres de la sociedad de la época.
También en 1980 Vangelis se une a Anderson para colaborar asiduamente en álbumes empezando por “Short Stories”, ambos lograran trabajos muy meritorios en donde las voz etérea y asexuada del cantante es el contrapunto ideal a la electrónica de Vangelis.
Pero su primer trabajo en la nueva década será la banda sonora de la película “Chariots of Fire” (1981) con la cual gana un Oscar a la banda sonora original además de convertirse en todo un clásico contemporáneo.
Vangelis asombrosamente creo la música de la película mientras visionaba el montaje provisional en una técnica llamada creación-directa creando una obra opulenta que quedo registrada en la memoria colectiva del mundo entero.
A partir de aquí Vangelis realizara otras destacadísimas bandas sonoras como “Missing” (1982),”Antarctica” (1983) o “Mutiny on the Bounty” (1984), casi todas ellas nunca editadas como álbumes oficiales, aunque si aparecen extractos de todas ellas en sucesivos recopilatorios como “Portrait” (1996).
Pero fue “Bladerunner” y su banda sonora, para la película de Ridley Scott, la que le encumbro definitivamente, una obra grandilocuente con una amalgama de fusiones de estilos en clave electrónico que iban desde al jazz hasta elementos étnicos.
En cualquier caso no seria editada oficialmente hasta pasados diez años.
El resto de la década Vangelis publico discos en solitario como “Soil Festivities” (1984), “Mask” (1985), “Invisible Connections” (1985), “Rhapsodies” (1986), “Direct” (1988) o el recopilatorio “Themes” (1989), alternándolos con otros junto a Jon Anderson bajo el nombre de Jon & Vangelis “The Friends of Mr Cairo” (1981), “Private Collection” (1983) o “The Best of” (1984).
Ya en la década de los 90 publica el minimalista “The City” y posteriormente “1492 Conquest of Paradise” (1992) banda sonora monumental que obtuvo un éxito absoluto.
Antes había publicado otro álbum junto a Jon Anderson, “Page of Life” (1991).
En “Voices” publicado en 1995 Vangelis experimenta las posibilidades de la voz humana y en “Oceanic” vuelve a los sonidos etéreos de los primeros años.
“El Greco” (1998), fue un álbum con un cierto tono a tributo al genio del ambiente religioso y el manierismo, consiguiendo un trabajo realmente sobrio y muy aplaudido por la crítica y los aficionados.
“Mythodea” (2001) por su parte fue la culminación de un encargo por parte la NASA para la misión no tripulada a Marte y en el 2002 compone el tema oficial de la copa del mundo de fútbol de Corea y Japón.
“Alexander” (2004) banda sonora de la película de Oliver Stone, “Blade Runner Trilogy” (2007) y “Odyssey” (2006) son los últimos discos destacados del músico griego.

Kansas

Kansas es una de las mejores bandas del rock progresivo norteamericano que consiguió durante la década de los setenta y ochenta una enorme popularidad a nivel mundial.
Su historia comienza en la ciudad de Topeka en el estado de Kansas donde residían tres jóvenes llamados Phil Ehart, Kerry Livgren y Dave Hope que forman una banda la cual llaman White Clover.
Pese al entusiasmo, el talento y la dedicación en multitud de conciertos en bares y clubes de la zona de Topeka, deciden ampliar la formación con el violinista y cantante Robby Steinhardt, el guitarrista Richard Williams y el cantante y teclista Steve Walsh.
Poco a poco fueron consolidándose y cambian el nombre del grupo por Kansas.
En uno de sus conciertos conocen al productor Don Kirshner, quien se queda impresionado por la calidad del grupo y les ofrece un contrato con su propia compañía Kirshner Records y les financia y les produce un primer álbum.
Así en abril de 1974 aparece el álbum “Kansas”, en donde la banda ya da muestras de su rock polvoriento en deuda con el rock sinfónico de bandas britanicas como Genesis, Yes o King Crimson, pero con una pizca de comercialidad y el rock americano inconfundible.
Canciones como las progresivas “Journey from Mariabronn” o “Apercu”, la blusera “Cant I Tell You” o la hard rock “Death of Mother Nature Suite” conforman un buen debut pese a la inmadurez del grupo.
El siguiente álbum fue publicado a principios de 1975, “Song for America” se convirtió en todo un éxito y en el primer disco imprescindible de la banda.
Menos agresivo que el anterior, el grupo busco formulas mas sinfónicas y logra un álbum considerado por muchos como una pequeña obra maestra, “Down The Road” el primer tema era un guiño al rock americano, “Song for America” en cambio se convirtió en uno de sus clásicos y las monumentales “Lamplight Symphony” y “Incomudro-Hymn to the Atman” junto a la bluesy “Lonely Street” eran las mejores muestras de una madurez compositiva evidente.
“Masque”, editado a finales del mismo año es un paso atrás en la evolución de la banda, obligada por la compañía en catapultarles a toda costa hacia el estrellato, aún así contiene momentos brillantes como la sinfónica “Icarus: Borne on Wings of Steel” o la blusera “It Takes a Woman's Love”, además contenía la tierna y emotiva balada “All the World”.
Viendo el pequeño traspiés que el álbum supone, después de la gira posterior se retiran durante casi un año para componer tranquilamente nuevo material sin presiones de ningún tipo.
Y así nace “Leftoverture” (1976), en donde sin abandonar el sintonismo, se meten de lleno en el AOR y buena muestra de ello era la potente “Carry On Wayward Son” que se convierte en un hit inmediato, además el álbum que también escala las listas de éxitos hasta el numero cinco y que contiene otros momentos gloriosos como la suite “Magnum Opus”, la épica “The Wall” o la puramente rock “What´s on my Mind”.
En poco tiempo el álbum certifica unas ventas globales de más de seis millones de copias vendidas.
En este punto Kansas viven una época gloriosa con multitudinarios conciertos por todos los Estados Unidos en estadios de mas de 80.000 personas.
Pero aún les quedaba un as en la manga, y es que a finales de 1977 se publica “Point of Know Return”, álbum que les consagra definitivamente en parte también por el tema “Dust in the Wind”, que es numero uno en prácticamente el mundo entero.
El álbum es una propuesta aún si cabe más progresiva que en anteriores ocasiones, algo insólito ya que cuando otras bandas de ese género estaban pasando por la crisis del punk, Kansas se aventuraba a seguir explorando ese terreno sin paliativos.
Temas como la AOR “Point of Know Return”, la épica “Closet Chronicles” o la sofisticadísima “The Spider”, reportan al álbum un éxito mayor que el anterior con unas ventas superiores a los 8 millones de copias.
Mención aparte merece “Dust in The Wind” que se convirtió en un clásico de la música contemporánea y una de las canciones más radiadas de la historia de la radio a nivel mundial y uno de los temas favoritos de todas las recopilaciones de música rock.
De la monstruosa gira mundial posterior se extrajeron los temas del doble álbum en directo “Two for The Show” (1978), un extraordinario documento del estado de forma de la banda en aquella época.
Llegados a este punto la banda decide prescindir de Don Kirshner en la producción y empezar a auto producirse ellos mismos y así firman su nuevo álbum “Monolith” (1979), un disco mas comercial que aunque mantenía el sonido típico de Kansas denotaba una falta de originalidad continuista, en cualquier caso la puramente AOR “People of the south Wind” o las épicas “On The Other Side” y “A Glimpse of Home” dejaron al álbum con buenas ventas y el fervor del publico.
El siguiente año llega el mas previsible “Audio Visions", que lo fue por el cambio brusco de estilo, mas enfocado hacia terrenos mas comerciales y en algunos momentos cercano al rock melódico, mostrando temas de calidad como las AOR “Hold On” o “Got to Rock on”.
Problemas posteriores sobre la dirección musical que deben seguir, terminan con el abandono de Steve Walsh el cual es sustituido por el cantante John Elefante.
Con esta nueva formación se publica “Vinyl Confessions” (1982), un álbum que sugiere diferencias en el sonido de la banda, para empezar se evangelizan en lo que a los textos se refiere (Hope y Livgren se convirtieron a esa religión) y se echan en falta los momentos épicos en favor de un rock mas clásico y directo.
Robbie Steinhardt viendo el poco protagonismo que aporta a este proyecto abandona la banda poco después de la gira posterior.
“Drastic Measures” (1983), fue el segundo álbum grabado con John Elefante como vocalista y sigue la misma tónica, quizás peor que el anterior, la falta de ideas y la orientación mas rockera fruto de las influencias de Elefante llevan a un álbum mediocre de hard rock melódico falto de motivación.
Viendo tales desbarajustes, Kansas se disuelve y Livgren y Hope deciden continuar por su cuenta y forman una nueva banda llamada AD.
Después del obligado “The Best of” (1984), los restantes miembros Williams y Ehart reorganizan de nuevo el grupo con la incorporación del guitarrista Steve Morse ex Dixie Dregs y el bajista Billy Greer, además se produce la vuelta de Walsh después de los malos resultados que dio su carrera en solitario con su álbum publicado en 1980 “Schemer-Dreamer” y con la efímera banda Streets.
El resultado de esta nueva aventura se transforma en el álbum “Power” (1986), que dista bastante del sintonismo de antaño y se convierte en un excelente disco de AOR sin contemplaciones en donde se echa en falta el sonido característico de Kansas y el violín y cobra mayor protagonismo el virtuosismo de las guitarras producto del talento de Morse.
“In the Spirit of Things” resulto ser un tímido acercamiento al álbum concepto tan popular en los 70, pero se quedo en una simple parodia, pese a todo facturaron un buen disco algo desigual, pero con algunos momentos memorables como la épica “Rainmaker” o la progresiva “Bells of Saint James”. Después del álbum la banda vuelve a disolverse.
Sin embargo en 1990 la formación original hizo una gira por Europa y USA con un moderado éxito de taquilla. No seria hasta 1995 cuando se volverian a reactivar para publicar un nuevo trabajo titulado “Freaks of Nature”, en esta ocasión se habían incorporado David Ragsdale al violín y Greg Robert a los teclados además de la vuelta de Livgren.
Y el resultado un álbum de rock actual con guiños al sonido de los 70, consiguiendo un álbum notable como en la épica “Cold Grey Morning” o la frenetica “I Can Fly”.
Tres años después se publica “Always Never The same”, álbum en directo junto a la London Symphony Orchestra y en el cual colabora de nuevo Steinhardt, y en donde se hace un repaso a los temas clásicos de la banda.
“Somewhere to Elsewhere” ha sido la ultima aportación discográfica del grupo un trabajo que tiene como novedad mas significativa la vuelta de la banda original después de muchos años y recuperando el sonido de antaño con maestría y profesionalidad y convirtiéndolo en lo mejor que han publicado en años.
Por lo demás en 1994 se edito un box- set con cuatro cd´s titulado “Sail On 30 Anniversary Collection” para coleccionistas, además de varios directos destacando entre ellos el titulado “Live at the Whisky” editado en 1992.

The Eagles

Lo que comenzó siendo un pequeño grupo de acompañamiento de armonías country, en apenas ocho años mas tarde se convirtieron en el verdadero sueño americano y quienes llevaron el country rock a la máximo expresión. The Eagles llegaron a conseguir numerosos números uno en álbumes y singles, cinco premios Grammy y mas de 120 millones de discos vendidos.
Por lo tanto están entre los mejores 50 artistas de todos los tiempos certificado por el Rock and Roll Hall of Fame, además de otras muchísimas publicaciones y por la ASCAP, la American Society of Composers, Authors and Publisher, la mas grande e importante organización de los derechos de autores musicales del mundo.
Todo comenzó en 1971 cuando John Boylan por aquel entonces productor de Linda Ronstadt buscaba un grupo de acompañamiento para la cantante para la grabación de su nuevo álbum.
Así de la noche a la mañana forma una banda compuesta por Don Henley, Randy Meisner, Bernie Leadon y Glenn Frey todos ellos músicos de la escena country de la Costa Oeste de los Estados Unidos.
Glenn Frey había pertenecido a un banda llamada Longbranch Penywhistle junto a Jackson Browne y J.D.Souther quien posteriormente tendría un papel muy importante en los Eagles, Don Henley por su parte había pertenecido a una banda de jazz llamada Felicity, Bernie Leadon fue componente de varias de las bandas de country mas importantes de finales de los 60 como The Flying Burrito Bothers ,The Dillard and Clark con quienes grabo los álbumes “The Fantastic Expedition of Dillard and Clark” (1968) y “Through the Morning, Through The Night” (1969) o junto a Chris Hillman.
Randy Meisner por su parte perteneció a Poco con quienes grabo el primer y fantástico álbum “Picking up the Pieces”, además de tocar en la banda de Ricky Nelson con quien también grabo varios álbumes.
Una vez en los estudios de grabación para el que seria tercer álbum de Ronstadt, el productor Boylan empieza darse cuenta que estos cuatro músicos son tan buenos que pueden perfectamente iniciar una carrera conjuntamente bajo un mismo grupo independiente.
Y así por consejo del propio Boylan, David Geffen que había fundado el sello Asylum dedicado exclusivamente a artistas de country y folk les ofrece un contrato, y se graban su primer trabajo en los estudio Olympia de Londres, titulado “The Eagles” (1972), nombre al cual también llaman al grupo y que es producido por Glyn Johns, el cual también produciría el siguiente álbum.
La mezcla de estilos del álbum van desde las influencias soul al country mas puro pero con marcados acentos rock, una constante del grupo en los años venideros en todos los álbumes de la banda.
El álbum contiene el tema “Take it Easy” de Jackson Browne que será en adelante uno de los clásicos de la banda, además de la intensa “Take the Devil”, la puramente rock “Chug all night” o la elegante “Witchy Woman” con una clara influencia soul.
Y aunque el disco inicialmente no consigue escalar la lista de éxitos con el tiempo conseguiría vender un millón de copias y colarse en el puesto numero 22.
Un año después publican el disco “Desperado” (1973), trabajo a medio camino entre el álbum concepto y tributo dedicado a los viejos forajidos del salvaje oeste.
Aquí se muestra a una banda ya en claro ascenso hacia la madurez compositiva que con un sonido perfecto nos muestra su vena más country.
Melancólicos temas acústicos como “Tequila Sunrise” o “Saturday Night” son el contrapunto a temas mas rock como “Out of Control” o “Outlaw Man”.
Aunque el álbum resulta ser un estupendo trabajo de country-rock, pronto empiezan a ver los primeros problemas que terminan con el cambio de productor quien es sustituido por Bill Szymczyk, que antes había trabajo para James Gang o B.B. King entre otros.
Además entra otro nuevo guitarrista, Don Felder y así graban el álbum “On The Border” (1974), que pronto se convierte en disco de platino en los Estados Unidos.
Su sonido se endureció lo suficiente como para sacarlos del encasillamiento de banda de country- rock, principalmente por la labor de Szymczyk aunque no tanto como el hubiese querido ya que la banda tenia una raíces country muy acusadas.
“James Dean”, “Already Gone” o “On the Border” eran un claro síntoma del cambio realizado aunque se alternaban con las canciones típicas de los Eagles como la country “The Best of my Love” o “Midnight Flyer”.
Un año después se publica “One of These Nights” (1975), que se convierte en el primer numero uno absoluto de la banda con mas de cinco millones de discos vendidos.
Del álbum se extrajeron en single “One of These Nights”, “Lyin´ Eyes” y “Take it to the Limit”, todos ellos entre los cuatro primeros puestos en las listas de medio mundo.
En febrero de 1976 la Asylum edita el recopilatorio “Their Greatest Hits 1971-75”, que se convierte en poco tiempo en un fabuloso súper-ventas, y que llega a vender más de 29 millones de discos (hasta la actualidad).
Pero justo cuando la banda se encuentra en lo más alto, Bernie Leadon decide abandonar por considerar que la dirección musical del grupo se aleja de los principios folk y country que hacían en un principio
El sustituto recae en el famoso guitarrista de James Gang y The Barnstorm; Joe Walsh, que se caracterizaba por su vitalidad y agresividad, que será el perfecto contrapunto a la docilidad de los restantes integrantes del grupo.
Y llegamos a 1976 un año histórico para un álbum histórico, “Hotel California”, uno de los mas asombrosamente apoteósicos discos de rock, considerado una obra maestra y un clásico contemporáneo, un hito en el desarrollo de la música que mas de 30 años después de su lanzamiento sigue vendiéndose y la canción "Hotel California" radiada hasta la saciedad.
De este álbum se han llegado a vender más de 25 millones de copias hasta la actualidad.
Un álbum que fue sin duda el lógico producto de su proceso evolutivo y el cenit creativo de la banda.
Temas como “New Kind in Town”, “Life in The Fast Lane”, o “Wasted Time”, además de por supuesto la canción que da titulo al álbum, un irónica critica al aburguesamiento del rock californiano y sus excesos de lujos y despilfarros, nos dejan buena muestra de lo que es una obra maestra absoluta.
Pero ni el éxito de este disco convence a Randy Meisner que decide abandonar el grupo siendo sustituido por Timothy B. Schmidt que provenía de Poco, curiosamente ocupo el mismo puesto en esa banda sustituyendo al propio Meisner.
En 1979 se publica “The Long Run” que es tomado injustamente como una pálida imitación de su antecesor quizás por enfocar el sonido a experimentar con los teclados por parte de Don Henley en detrimento del sonido de raíces del country y el folk-rock
El álbum “solo” consigue vender ocho millones de copias y pese a las malas criticas resulta ser un soberbio disco, ni que decir tiene que lejos de su predecesor, pero aún asi temas como “Sad café”, “Can´t Tell You Why” o “Heartache Tonight” son realmente brillantes y muy dignas de tener en consideración.
La banda llegados hasta este punto deciden disolverse no sin antes haber publicado el doble álbum en directo “The Eagles Live” con el que obtienen otro masivo éxito.
Posteriormente se publica “Greatest Hits Vol.2” (1982), del que se llegan a vender cerca de los quince millones de copias, “The Best of Eagles” (1984), ocho millones y “The Very Best of Eagles” (1994), cuatro millones.
No seria hasta 1992 cuando al cantante de country Travis Tritt le encargan versionar el tema “Take it Easy” de los Eagles para el disco de tributo “Common Thread: The Song of The Eagles” y pide que sean los propios integrantes de la banda quien les acompañe en la grabación algo que gustosamente acceden.
Y así lo que iba a ser meramente un pasatiempo se convierte en una nueva gira del grupo y un nuevo disco en directo con algunos temas nuevos compuestos para la ocasión, “Hell Freezes Over” (1994), se convierte en otro éxito de ventas con más de ocho millones de copias vendidas.
En el año 2000 se edita la box-set “Selected Works 1972-1999”, una caja recopilatorio con cuatro cd´s.
Por ultimo en el 2008 retornan publicando “Long Road out of Eden”, trabajo en donde el grupo rememora viejos tiempos con un gran álbum lleno de vitalidad y de buenas vibraciones que hacen del disco otro éxito masivo y ganando un premio Grammy, el quinto en la carrera del grupo.
En cuanto al trabajo individual de todos los miembros del grupo, Don Henley y Glenn Frey serán quienes mejor mantengan sus carreras en solitario, el primero publicaría cuatro álbumes algunos de ellos meritorios como “I Can´t Stand Still” (1982) además de “Building The Perfect Beast” (1984), “The End of The Innocence” (1989) y “Inside Job” (2000) todos ellos incluían grandes canciones que lograron puestos muy altos en las listas como “Dirty Laundry”, “The Boys of Summer” o “New York Minute”.
En 1997 fue el primero en recibir la Nacional Humanities Medals de los Estados Unidos
Por su parte Glenn Frey también ha publicado cuatro discos aparte de algún directo y varias recopilaciones; “No Fun Aloud” (1982), “The Allnighter” (1984), “Soul Searchin´” (1988) y ”Strange Weather” (1992), algunos de ellos con hits como “The Heat is On”.
Los demás integrantes han editado muy esporádicamente entre ellos sobresale el álbum de Randy Meisner (1978) titulado homónimamente, además de los de Joe Walsh, “But Seriously Folks” (1978) o “There Goes the Neighborhood” (1981) o el álbum de Timothy B.Schmidt; “Playin it cool” en 1984.

Supertramp

Una de las grandes celebridades de la musica rock, son sin duda la banda británica Supertramp, una agrupación que a diferencia de la gran mayoría de las formadas habitualmente, que solían tener unos duros comienzos, ellos tuvieron la suerte de nacer de pie en el mundo de la música y con el tiempo llegaron a convertirse en uno de los grupos mas famosos y admirados en todo el planeta.
Además de todo esto, los miembros de la banda lejos de imponer su imagen publicitaria, siempre me mantuvieron alejados de los baños de multitudes, algo que mantenía al grupo en una especie de anonimato continuo, eran estrellas pero perfectamente podían salir a la calle sin que nadie les reconociese.
La historia de Supertamp empezó cuando el teclista Rick Davies y su grupo Joint se encontraban de gira por Hamburgo con mas pena que gloria, allí milagrosamente conoce al multimillonario holandés Stanley Miesegaes un apasionado al rock, quien pronto y observando el talento desaprovechado de Davies le propone producir su carrera artística.
De regreso a Londres Davies se propone constituir una nueva banda que apoye la síntesis de su mecenas.
Junto a Roger Hodgson, un joven músico multi instrumentista, forma la base de la banda que al principio denominan Daddy.
Pronto el feeling que emanan ambos empieza a dar resultados, la clara combinación de estilos e influencias que los dos músicos desprenden, hacen un perfecto equilibrio entre pop de Hodgson y el blues de Davies.
Posteriormente reclutan a varios músicos mas para completar el núcleo básico de la banda, así entran en la formación el batería Bob Miller, el saxofonista Dave Winthrop y el guitarrista Richard Palmer y finalmente deciden cambiar el nombre del grupo tomándolo del libro de R.H. Davis “Authobiography of a Supertramp”, además de firmar un suculento contrato con la compañía A&M Records.
A principios de 1970 entran en los estudios de grabación para registrar su primer álbum titulado homónimamente como el grupo “Supertramp”, un trabajo que obtuvo buenas criticas por parte de la prensa, pero un pobre bagaje comercial.
El disco contenía un estilo propio con base en el jazz y en el blues y cierta originalidad con temas cortos alternados por largas instrumentaciones, pero con una sólida base rock donde sobresalían temas como “Surely” o “Shadow Song”.
Después del álbum Kevin Currie sustituye a Miller en la batería, además de contratar al bajista Frank Farrell.
“Indelibly Stamped” (1971), fue el siguiente paso del grupo que paso a ser un nuevo y frustrante fracaso pese a contener material mas abiertamente comercial y autocomplaciente como la canción “Rosie had everything planned”.
De esta manera y observando el fracaso continuo, Miesegaes deja de financiarles y se quedan a la deriva, además de la desintegración del grupo a excepción de los dos líderes.
Pero lejos de desanimarse, Davies y Hodgson siguen confiando en su propuesta y deciden seguir adelante con el grupo y para reorganizarlo reclutan al bajista Dougie Thompson y al saxofonista Anthony Helliwell, ambos provenientes del grupo Alan Bown Set.
Como batería fichan a Bob C. Benberg, quien había pertenecido a una banda llamada Bees Make Money.
Y así formado los nuevos Supertramp, se retiran a una fabrica del siglo XVII, la cual alquila la compañía A&M y allí permanecerán durante un año entero componiendo material para varios discos.
A mediados de 1974 entran en los estudios junto al productor Kent Scott para grabar el álbum “Crime of the Century”.
Dicho productor encauza el sonido de la banda, dándole un enfoque mucho mas simple pero otorgándoles también ese ornamento estructural que ya la banda poseía.
“Crime of the Century” supuso un éxito absoluto de una aparatosidad casi sin limites, con una retahíla de clásicos de la banda desde “School” hasta “Dreamer”, pasando por “Bloody well right” o la majestuosa “Crime of the century”.
Llegados a este punto el pop elegante de grupo heredado el sonido Beatle se funde con las estructuras progresivas e instrumentales muy copiosas que absorbían del Canterbury Sound.
La banda mantenía un estatus de conjunto que anteponía a los talentos individuales y este colectivo funcionaba como una perfecta estrategia.
El álbum pronto escala las listas de éxitos y llega a vender más de cuatro millones de copias en todo el mundo.
Incluso la era punk sucumbía al sonido Supertramp, superando su arrasamiento a todo lo que surgía en aquella época.
La gira mundial posterior fue un clamor unánime y el abundante material preparado antes de la edición del álbum les aseguraba un repertorio muy extenso y variado.
Así en 1976 y con parte de ese material se edita “Crisis, What? Crisis?”, titulo irónico para una época en donde el mundo se veía sumergido en una crisis mundial debido a la subida de forma drástica del precio del petróleo por parte de la OPEP, y como represalia contra Israel y los Estados Unidos por la guerra entre los primeros con Egipto y Siria.
El álbum que fue grabado en el sur de California, es un nuevo éxito mundial que continua la tónica del anterior trabajo, este quizás menos abierto comercialmente, pero que deja sentado este estilo al que pronto algunos calificarían como sophisto-rock, por lo sofisticado de las composiciones y el entramado sonora tan rico en matices que el grupo desplegaba.
“Crisis? What Crisis?” contenía grandes momentos como “Easy does it”, “A Soapbox Opera”, “Two of us” o “Another man´s Woman”, esta ultima por cierto muy famosa en España por ser la sintonía del programa de TVE, “Informe Semanal” durante muchísimos años, lo que hizo que disco tuviera mucho éxito posteriormente en nuestro país.
La banda huyendo de los altísimos impuestos ingleses se traslada definitivamente a California en 1976.
Allí graban el siguiente álbum “Even In The Quietest Moments…” (1977), auto producido por la propia banda y aunque recibieron las primeras criticas de la prensa especializada por insinuar que se estaban copiando a si mismos, lo cierto es que el publico volvió a acoger este nuevo trabajo con entusiasmo convirtiéndolo en otro álbum millonario de asombroso éxito.
El tema “Give a Liite Bit”, un medio tiempo pop-rock comercial, pero con un riff de guitarra reiterativo que enganchaba irremediablemente a la primera escucha era el single del álbum, aupándolos entre los mas altos de las listas de éxitos, además contenía una mini suite de claro corte sinfónico como es “Fool´s Overture”, que emanaba una intensa atmósfera emocional, e igualmente emotiva era “Even In the Quietest moments”.
Pero lo mas exitoso de su carrera y a la postre uno de lo momentos mas brillantes de la década de los setenta estaba por llegar. En efecto en marzo de 1979 aparece “Breakfast in America”, el siguiente álbum que pronto se convierte en un absoluto best-seller de la música rock.
De aquel disco se llegaron a vender mas de veinte millones de copias hasta hoy en día, con un sonido menos sinfónico y más pop pero de un refinamiento altísimo, el grupo alcanzo el cenit artístico demostrando la valía de sus dos principales compositores y los máximos artífices del éxito del grupo.
Del álbum se extrajeron los singles “The Logical Song”, “Breakfast In America”, “Take The Long Way Home” y “Goodbye Stranger”, que estuvieron todos en los puestos altos de las listas, al igual que el álbum que permaneció en el numero uno durante muchísimas semanas.
Un año después se publica el nuevamente exitoso y celebrado doble álbum en directo “Paris” que vendió más de 5 millones de copias en todo el mundo.
El álbum pese haber sido grabado en la gira del “Breakfast In America” contenía muchos momentos del “Crime of the Century” y el “Crisis? What Crisis?” dejando bien sentado la importancia histórica que el grupo le daba a aquellos álbumes.
El grupo entonces se toma unas largas vacaciones hasta el año 1982, cuando se reúnen para grabar el siguiente álbum “Famous Last Words”, publicado en octubre de ese mismo año.
Trabajo el cual ponía en evidencia las diferencias entre Hodgson y Davies y su ruptura compositiva.
De hecho, aunque el álbum paso a ser un éxito en las listas, el contenido musical había dado un vuelco sustancial con un sonido mas duro y mas hermético, aún así “It´s Raining Again”, “Crazy” o “My Kind of lady” eran soberbias canciones que seguían igualmente el fervor del publico.
Las malas relaciones en el seno de la banda llevan a Roger Hodgson a abandonar la nave y continuar su carrera en solitario una vez finalizada la gira mundial correspondiente a este último disco.
Hodgson publicaría el álbum “In the Eye of the Storm” en 1983 del cual se extrajeron los singles “Had a Dream” y “In Jeopardy”, y que tuvo una buena acogida entre la critica y el publico, aunque quedaba lejos de sus trabajos con su banda madre, en 1987 salió su segundo álbum “Hai Hai” un trabajo mas enfocado hacia el rock melódico con estructuras pop y que contenía el tema pegadizo “London” que escalo en las listas y “Land Ho”.
Justo después de la edición del álbum Hodgson sufre un grave accidente que le tendrá apartado de lo estudios de grabación y escenarios casi diez años, reapareciendo en 1994 y varios años después publicaría el directo “Rites of Passage” junto a Helliwell.
Los últimos episodios de Hodgson fueron “Open the Door” (2000) con una vuelta al sonido original de Supertramp de los 70 y constantes giras alrededor del mundo con conciertos propios o en colaboraciones con otros músicos como el grupo Yes o Ringo Starr y su All Star Band.
Supertramp por su parte siguieron como cuarteto y en 1985 aparece “Brother Where You Bound”, un trabajo atractivo y exquisito con acercamientos al jazz y el funk y con textos comprometidos como en el largo tema que da titulo al álbum con connotaciones políticas, además del single “Cannonball” en donde el piano se torna en un martillo pilón con un sonido contundente y machacante al mas puro estilo de “Child of Vision” del “Breakfast in America”, y el cual consigue entrar en el ranking americano.
En el álbum también aparecen Scott Gorham y David Gilmour que grabaron las partes de guitarra eléctrica en sustitución de Hodgson.
Poco a poco el disco consigue colarse entre los veinte primeros puestos de las listas y el grupo seguía sumando en popularidad y en discos vendidos.
En noviembre de 1986 A&M publica el primer recopilatorio propiamente dicho, en formato de doble lp contenía los mejor de la banda desde “Crime of the Century” y que llevaba por titulo; “The Autobiography of Supertramp”.
En 1986 llega “Free as a Bird” que pasa un tanto desapercibido y únicamente el tema “I´m Beggin´You” tiene un relativo éxito en ventas y popularidad.
Para este álbum la banda había contratado a Mark Hart en el rol de nuevo cantante algo que no gusto demasiado a Dougie Thompson que abandonaría la banda a finales de 1987.
La banda se disolvería finalmente a principios de los noventa.
Pero en 1997 Davies reorganiza el grupo y junto a otros músicos como el guitarrista de blues y jazz Carl Verheyen publica el álbum “Some Things Never Change” bajo el sello Emi, y en cierto modo recuperan la frescura perdida en el ultimo trabajo, sin llegar a sus mejores obras, este álbum representa el espíritu que el grupo siempre mantuvo y eso le da credibilidad en la posterior gira mundial en la que vuelven a llenar estadios y entusiasmar al publico.
Por ultimo en el 2002 salió el ultimo eslabón del grupo “Slow Motion” un trabajo que sigue la tónica del “Some Things…” con buenas melodías, ritmos pegadizos y una producción impecable aunque poco innovador.
Por lo demás estos últimos años se han publicado varias compilaciones de la banda aparte de la editada en 1986, “Very Best of Vol.1” (1990), “Very Best of Vol.2 (1992) y “Retrospectacle: The Supertramp Anthology” (2005), además de varios directos “Live 88” (1988), “It Was the best of Times” (1999) y por ultimo “Is Everybody Listening” (2001).

Little Feat

Little Feat fueron una de las mas grandes bandas americanas de todos los tiempos que con un estilo innovador de gran vitalidad e inspiración sonora surrealista y con unos textos en sus canciones que rebozaban de ironismo y un sinsentido fuera de lo común y una particular visión del blues, el rock y el funk, esta considerada una de las mas famosas formaciones de culto hoy en día. Su fundador y líder era Lowell George quien había pertenecido a los Mothers of Invention de Frank Zappa y que había compuesto algunas canciones famosas para grupos y artistas de gran renombre como Linda Ronstadt, The Byrds, Comander Cody o Gene Parsons, además de haber colaborado con Frank Sinatra en diferentes grabaciones.
El resto de la banda la conformaban el también ex Mothers of Invention Roy Estrada, Richard Hayward ex Factory y Bill Payne.
Por sugerencia de Carl Black, batería de Frank Zappa, denominan a la nueva banda Little Feat. Gracias a la reputación de George actúan durante meses en los circuitos de rock y blues de los Ángeles o Houston y pronto llaman la atención del publico y la critica de manera unánime.
A principios de 1970 consiguen un contrato con Warner quien les produce su primer álbum “Little Feat”, un trabajo robusto de blues-rock con algunas versiones como “Forty tour blues” de Howlin´Wolf o baladas mágicas como “How many more years”.
La curiosa mezcla de elementos sonoros del grupo, nos lleva a una densa síntesis de blues, country, boggie, funk e incluso gospel, pero siempre bajo el punto de vista del sofisticado rock californiano, no exento de grandes dosis de humor, heredadas indiscutiblemente de Frank Zappa.
“Sailin´Shoes”, editado en mayo de 1972 consagra al grupo definitivamente, la sabia mezcla de estilos se ve reforzada en este nuevo álbum con una imaginería pop sin precedentes.
La prensa y el público alaban el álbum y se muestran entusiasmados con el grupo.
“Dixie Chicken” (1973), el siguiente trabajo, ya advierte nuevos sonidos mas adentrados en el blues profundo, este fue también considerado un soberbio álbum, además la banda ya no contaba con Roy Estrada quien fue sustituido por Sam Clayton, también el bajista Kenny Gradney entro a formar parte de la misma.
En este mismo periodo aparecieron dos bootlegs autorizados por el grupo aunque no oficiales, por un lado “Electric Lycanthrope” y por otro “Aurora Backseat”.
Mientras tanto George y el resto del grupo también colaboran en calidad de músicos de estudio o invitados en numerosos discos de otros artistas como Robert Palmer, Jackson Browne, Carly Simon o Bonnie Raitt.
A finales de 1974 se edita “Feats don´t fail me now” y un año después “The Last Record Album”, ambos de discreto éxito en las listas pero de buena aceptación por la critica y publico en general.
El abuso del alcohol y las drogas por parte de George merma su capacidad creativa y su salud física por lo que el grupo se resiente y durante un año prácticamente se quedan en stand-by.
En 1978 después de superar una hepatitis, George vuelve y editan el álbum “Time loves a hero”, que no obtiene ni el éxito deseado ni es bien acogido por la critica, pese a todo el grupo sigue manteniendo una cotización alta gracias a sus constantes giras y sus espectaculares conciertos.
Quizás la orientación hacia un sonido de jazz-rock inclina la balanza hacia un público menos amplio y más conservador.
El doble álbum en directo “Waiting for Columbus”, es toda una manifestación de la calidad de los directos del grupo y con el paso del tiempo se ha convertido en su mejor escaparate siendo hoy un fabuloso testimonio de su legado.
Por aquella poca George se mostraba mas prolífico que nunca produciendo el álbum de los Grateful Dead, “Shakedown Street” (1978) o editando en solitario “Thanks I´ll eat it Here” que apareció en 1979.
En este álbum George mostraba la diversificación de su talento con influencias que iban desde el blues de Nueva Orleáns o composiciones realmente brillantes y muy logradas.
Poco después anuncia la separación definitiva de Little Feat, seguramente por que preveía una carrera en solitario lejos de las ataduras del grupo.
Pero el 29 de junio de 1979 fallece repentinamente fulminado por un ataque al corazón.
Justo antes los restantes miembros del grupo habían finalizado la grabación de lo que seria la melancólica despedida “Down on the Farm” (1979).
Posteriormente se editarían varios álbumes, por un lado el semi-directo “Hoy! Hoy!” ( 1981) y por otro el recopilatorio “As Time Goes By” (1986).
En 1988 el grupo se reúne y graba el excelente “Let it Roll”, la baja de George es cubierta por Craig Fuller ex miembro de Pure Prairie, un estupendo guitarrista que aunque no cubre la ausencia compositiva ni vocal del malogrado George, es igualmente valido.
A partir de aquí el grupo ha seguido grabando discos con cierta asiduidad, poco a poco se fueron sucediendo los álbumes “Representing the Mambo” (1990), “Shake me Up” (1991), “Ain´t Had Enough Fun” (1995), “Under the Radar” (1996), “Chinese Work Song” (2000), “Kickin´it at the Barn” (2003) y “Join the Band” (2008).
El cantante de la escudería Motown, Shaun Murphy reemplazo a Craig Fuller en 1993, dotando desde entonces al grupo de un sonido mas soul y rhthym & blues como contrapunto al southern rock y country de Fuller
Finalmente la Warner edito en el 2006 un box set titulado “Barnstormin Live Vol One and Two”, que complementaba otro editado unos años antes “Hotcakes & Outtakes 30 Years of Little Feat”, además de otros recopilatorios y directos de la banda.

Toto

La banda norteamericana Toto nació como consecuencia del encuentro de seis grandes músicos de sesión que trabajaban en distintos estudios de grabación en Los Ángeles.
Eran músicos que trabajaban para artistas como Boz Scaggs, Steely Dan, Elton John, The Jacksons, Eric Clapton…etc
Estos músicos eran David Paich, Jeff Porcaro, David Hungate, Steve Porcaro, Steve Lukather y Bobby Kimball, posteriormente sufrió algunas modificaciones entrando Michael Porcaro, Joseph Williams y Fergie Fredrickson.
Fue durante la grabación del álbum de Boz Scaggs, “Silk Degress” (1976) donde participaron Steve Lukather y Jeff Porcaro cuando ambos empezaron a madurar la idea de formar una banda.
Gracias a su credibilidad y sobre todo a sus contactos, el grupo no tuvo muchas dificultades para que algunas de sus maquetas fueran escuchadas por algunos productores discográficos.
Era mediados los setenta y el publico californiano estaba metido en una vorágine de grupos de experimentación entre el country y el folk como The Eagles o The Doobie Brothers, entre otras muchas mas y superado ya el periodo del flower power, muchos anhelaban nuevos estilos y nuevas ideas, mas alejadas de la pasión y el feeling de aquellas míticas bandas como fueron Jefferson Airplane o Grateful Dead, por poner solo dos ejemplos.
Al final consiguen un contrato con Columbia/CBS y editan su primer álbum “Toto” (1978), un trabajo de hard rock de alto nivel instrumental con colindantes arreglos de jazz y funk dándole una nueva dimensión al estilo, además contenía un tema “Hold The Line”, que pronto se convierte en un éxito absoluto en las listas de medio mundo.
De la noche a la mañana Toto se convirtieron en los máximos estandartes de un nuevo sonido al que pronto le denominarían como AOR (Adult Orient Rock) o lo que es lo mismo rock orientado hacia los adultos, un estilo que pese a ser frio y prefijado, contenía además de unas producciones perfectas, una instrumentación de lujo acompañados por una voces de ensueño.
El álbum consigue vender en poco tiempo más de dos millones de copias y en países como Japón se coloca en el número uno absoluto con ventas igualmente millonarias.
Pero lejos de considerarse estrellas en tan poco tiempo, los miembros alternan su trabajo en conjunto junto a la de músicos de estudio para otros artistas.
“Hydra” (1979), fue el siguiente trabajo que tuvo una menos acogida que el anterior, aunque manifestaba la progresión del grupo hacia cotas cada vez mas sofisticadas, el pop y el jazz se fusionaban en clave de rock evolutivo, no así el siguiente trabajo editado dos años después “Turn Back” (1981), un disco de menor intensidad pero que era mucho mas homogéneo con el rock que el anterior.
Pero el momento mas glorioso de la banda estaba aun por llegar, el siguiente álbum “Toto IV” (1982), se convierte en su trabajo mas versátil y elegante con variedad de estilos que iban desde el R&B hasta el Soul, pasando por sonidos Funk, Jazz, Pop, West coast y el Hard rock, estilos que el grupo sabe perfectamente combinar de manera brillante.
Del álbum se extraen los singles “Rosanne”, “Africa” y “Won´t Hold You Back”, conduciendo al disco a las primeras posiciones de las listas de medio mundo y llegando a vender en aquella época más de diez millones de copias.
Igualmente parte de la banda participa activamente en el álbum de Michael Jackson “Thriller”, poniendo casi toda la parte instrumental del mismo e incluso ceden uno de los temas, “Human Nature” al propio Jackson compuesto por Steve Porcaro.
En el siguiente álbum “Insolation” (1984) se incorporan Fergie Fredrickson y Mike Porcaro que remplazan a Bobby Kimball y David Hungate, el trabajo contenía los sencillos “Strange in Town” y “Holyanna”, pero sin embargo recibió malas criticas y les dio el primer traspié en las listas de éxitos.
Ese mismo año componen la banda sonora de “Dune”, película dirigida por David Lynch y también el tema central de los juegos olímpicos de los Ángeles 84.
El siguiente año Toto es la banda que pone la parte instrumental en el proyecto “Usa For Africa” que Lionel Ritchie y Michael Jackson entre otros fundan para ayudar a ese continente.
En 1986 aparece el álbum “Fahrenheit”, que saca al grupo del ostracismo y consiguiendo unas ventas moderadas, trabajo con un acercamiento mas pop y manistream, el éxito en parte es debido a tema “I´ll Be Over You”, que se coloca entre los mejores singles del año, además en las sesiones de grabación ya no participaría Fredrickson que fue sustituido por Joseph Williams.
“The Seventh One” (1988) fue la confirmación de la madurez del grupo con un álbum entusiasta y mucho mas comprometido musicalmente del que se extraen varios singles de enorme éxito como “Stop Living You”, “Pamela” o “Anna”.
Ese mismo año el grupo participa en la reunificación de la formación original de los míticos Jefferson Airplane, renovando el nostálgico sonido del grupo de rock acido californiano a los tiempos actuales con un estilo mas moderno y ganándose el fervor del publico norteamericano muy devotos a los Airplane ya que junto a los Grateful Dead son una de las máximas leyendas del rock americano de todos los tiempos.
1990 es el año elegido para que la CBS edite el recopilatorio “Past to Present 1977 to 1990”, álbum que contenía además de sus grandes éxitos cuatro nuevos temas.
En este álbum el rol de cantante recayó en Michel Byron que sustituye a Joseph Williams, realmente fue una imposición de la discográfica ya que querían relanzar la carrera de este joven músico, el cual solo grabaría este álbum.
En 1992 se publica el nuevo trabajo de la banda titulado “Kingdom of Desire”, con un sonido mas duro y sin un cantante oficial por lo que el resto de los componentes toman las riendas vocales.
Pero antes de comenzar la gira promocional del álbum, Jeff Porcaro sufre un accidente casero y fallece de un ataque al corazón, debido a una intoxicación a causa de un pesticida y sufriendo una reacción alérgica.
La banda posteriormente debate si seguir o disolverse definitivamente, finalmente y como recuerdo y homenaje a Porcaro deciden empezar el tour y será Simon Phillips su sustituto.
Al término de dicha gira la banda después de ver la cálida acogida de los fans de todo el mundo, deciden finalmente continuar.
“Absolutely Live” (1993) recogía momentos de la anterior gira y también el primer álbum en vivo de la banda.
“Tambu” (1995) fue el siguiente paso discográfico de Toto del cual se extrajo el single “I Will Remember” que fue numero uno en numerosos países.
Posteriormente y para celebrar los 20 años desde la fundación del grupo se edita el álbum “XX 1977-1997”, que contenía temas desechados de otros álbumes mas otros en directo.
No seria hasta 1999 cuando se publicaría el nuevo trabajo de Toto, “ Mindfields”, casi cinco años después de su último álbum con Bobby Kimball de nuevo en las voces.
El disco fue considerado uno de los mejores del año y llevando a la banda un exitoso tour mundial.
De esa gira se publica el álbum en directo “Livefields” (1999).
Toto a principios del nuevo siglo cambia de discográfica y fichan por la Capitol Records para Estados Unidos y Emi para el resto del mundo, la cual publica a mitad del 2002 “Through the Looking Glass”, un nuevo álbum de la banda pero que contenía material de otros artistas versionados por el grupo, entre otros “While my guitar gently weeps” de George Harrison o “Sunshine of your love” de Cream.
Este disco tuvo malas criticas por argumentar ciertos sectores que el recurrir a un álbum de versiones manifestaba la falta de ideas de una banda en declive.
Pero para resarcirse de esas acusaciones el grupo vuelve con un nuevo álbum “Falling in Between” ( 2006), que logra superar con creces esas criticas, además en este nuevo álbum el grupo muestra un compromiso mas social y musicalmente hacen un extenso y serio repaso a todos sus años en lo mas alto del rock mundial con sonidos muy variados.
Posteriormente se editaría el directo “Falling in Between Live”.
Por otra parte casi todos los integrantes del grupo han publicado numerosos materiales en solitario o han participado en centenares de colaboraciones destacando Steve Lukather quien ha editado “Lukather” (1989), “Candyman” (1994) o “Ever Changing Times” (2008).