Jefferson Starship-Dragon Fly (1974)

A mediados de los 70 los Jefferson Airplane se adaptaban a los nuevos tiempos y cambiaron su nombre por el de Jefferson Starship, esto suponía un gran cambio en todos los sentidos, y con esta "modificación" de "aeroplano" a "astronave", es como si quisieran subrayar la evolución y los continuos cambios del grupo. Alejados de la psicodélica hippie de sus álbumes de finales de los sesenta bajo Airplane, ahora se abrían a las exigencias de un nuevo público, modernizando su música con un rock más accesible, potente y hasta cierto punto aséptico. "Dragon Fly" publicado en 1974, será el punto de partida, a estas alturas aún gran parte de la formación original que grabara los míticos "Takes Off" (1966), "Surrealistic Pillow"(1967)  o "Volunteers" (1969), están presentes aqui, Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner, que junto a las nuevas incorporaciones Craig Chaquico, Papa John Creach o David Freiberg, les dan un nuevo enfoque estilístico, los sonidos más AOR de fácil asimilación, pero no exentos de gran calidad. La versatilidad de la guitarra de Chaquico, y los sonidos de violín de Papa John Creach, le dan al álbum profundidad y eclecticismo. "Ride The Tiger", muestra la faceta melódica y tremendamente adictiva de sus composiciones, "That´s for Sure", es un retroceso a sus años experimentales con un sonido actualizado, "Caroline", es el éxito del disco, firmado por Balin, que le da la consistencia comercial necesaria al álbum, sin embargo son la rítmica "Devils Den", o la épica y maravillosa "Hyperdrive", lo mejor de "Dragon Fly", que supuso el resurgimiento de una de las más importantes bandas de los sesenta que resucitaron de manera brillante en los setenta, firmando soberbios trabajos como este o los siguientes "Red Octopus" (1975) o "Spitfire"  (1976).

Creedence Clearwater Revival-Cosmo´s Factory (1970)

Aún cuando representaban la tercera generación de bandas de rock de San Francisco, la Creedence Clearwater Revival fue mucho más que un simple grupo de la Costa Oeste ya que lo único que los emparentaba con sus contemporáneos era precisamente eso; la geografía. Ellos fueron a contracorriente de las culturas musicales y las tendencias que sobresalían por entonces; la psicodélica, la experimentación, la exploración de sonidos y la cultura hippie o para ser más exactos la llamada “Flower power”. Creedence Clearwater Revival centró su atención en la música de los años cincuenta inspirándose en el country, en el rock´n´roll, y en el rhythm and blues de esa década, logrando un sonido que llegó a capturar a los fans del pop y del rock por igual. Su enorme éxito, tanto en el mercado de singles como de álbumes fue realmente extraordinario, hasta el punto que cuando en 1970 publicaron su quinto álbum “Cosmo´s Factory”, ya llevaba tras de sí y en apenas dos años media docena de álbumes de platino en ventas. “Cosmo´s Factory” demostraba la enorme capacidad del grupo para fascinar a todos los públicos, con un arsenal de singles exitosos como “Travelin´Band”, "Looking out my book door” o “”Up around the Bend”, que coparon las primeras posiciones de las listas de hits, pero también demostraron que podían ejecutar perfectamente el clásico raga-rock al estilo de los Grateful Dead en una sola canción como la inolvidable versión del sello Motown “I Heard It Through the Grapevine” con sus once minutos hipnóticos y adictivos que sorprendieron al mundo entero. Los ecos de la música de la banda llegan hasta Vietnam, allí se estaba produciendo una guerra sangrienta y una de las más devastadoras de la historia de la humanidad, y las tropas norteamericanas son alentadas por la música de Creedence como “Run Through The Jungle” o “Who´ll Stop The Rain”, temas que permanecen hoy en dia asociados a esa confrontación bélica junto a la mencionada “I Heard It Through The Grapevine”.

The Jimi Hendrix Experience-Electric Ladyland (1968)

Casi hacia finales de 1968, se lanzó el tercer álbum de Jimi Hendrix junto con su banda Experience, titulado "Electric Ladyland" y fue el único con un éxito como single, la impresionante versión de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower ".
Sin embargo el álbum alcanzaría el primer lugar de las listas con ventas que superaron con creces los dos millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos, y con unas ventas globales de mas de cinco millones a nivel mundial.
Con una portada que causó bastante revuelo por lo sugerente que parecía, (un harén de mujeres desnudas), el diseño del disco generó, por razones obvias, críticas contundentes, al punto que muchas tiendas se negaran a venderlo en su día. Finalmente, se cambió por una nueva portada, destinada exclusivamente al mercado estadounidense, con la clásica pegatina reticente advirtiendo "sexualmente explícito", donde en lugar de protagonizar a las chicas amables y sugerentes, se hizo un dibujo con aire psicodélico.
Musicalmente este disco contiene un cambio inesperado pero esencial en el estilo de sus obras anteriores, con una evolución de su sonido, mucho menos comercial, producto de la complejidad de los arreglos, pero repleto en matices es su trabajo más experimental e innovador, con atmósferas y acordes más sofisticados, creando líneas de guitarra casi imposibles con progresiones de acordes de jazz, mezcladas con funk y el blues clásico.
Para esta obra Hendrix ya mostraba la madurez necesaria para convertirse en un gran guitarrista y al mismo tiempo en  gran compositor y un excelente músico.
Además del mencionado "All Along The Watchtower", el disco contiene un repertorio de piezas que han pasado a la historia como ejercicios perfectos de como tocar la guitarra, como el experimental "And The Gods Made Love", el siniestro y innovador "Voodoo Chile" , o la contundente "Burning Of the Midnight Lamp".
"Electric Ladyland" se convirtió en un completo manual de guitarra para cualquier héroe del instrumento y aunque en todos los años siguientes, han habido muchísimos que intentaron imitarle, ninguno le ha podido superar ni siquiera igualar la increíble calidad de Jimi Hendrix.

Tom Waits-Rain Dogs (1985)

"Es raro de mil pares de narices", así definió un critico musical a Tom Waits en una ocasión, y razón no le falta, este actor, cantante y compositor que lleva casi 50 años de carrera, en los cuales se ha ganado buenas criticas entre los ambientes underground y un status de culto. Sin embargo Tom Waits jamás ha logrado un éxito comercial con ninguna de sus obras, debido principalmente por su extraña música, experimental y arriesgada, con un estilo inconfundible y con esa voz carrasposa producto del tabaco y el alcohol, lo cual le ha alejado del gran publico, de hecho son una legión de fans no muy numerosa quienes se han mantenido firmes siguiendo todos sus trabajos.
Influenciado por los escritores de la generación beat, sus letras tratan de la vida real en las calles, los trapicheos en los bajos fondos y los ambientes nocturnos de los barrios de mala muerte.
En 1985 salía al mercado su noveno álbum "Rain Dogs", otra obra experimental y con un estilo ecléctico, pero mirando la vista atrás, a sus primeros discos, con un sonido mas melódico y "accesible" (aunque ciertamente de accesible no tiene mucho). La música aquí sigue teniendo excentricidad hasta limites insospechados, con guiños al jazz y al blues, y con marcados ritmos de contrabajo y percusión.
Aún así Tom Waits tiene un aura especial y única, hasta el punto que artistas de la talla de Bruce Springsteen, The Eagles o Rod Stewart entre otros, hayan versionado muchos de sus temas.

Various Artists-Bumpers (1970)

A finales de los sesenta, los sellos discográficos británicos empezaron a publicar una selección del material de sus artistas en discos conocidos como “samplers”. Estos no estaban pensados ​​como antologías o compilaciones; el propósito principal era brindar a los oyentes la oportunidad de conocer una variedad de estilos musicales underground a un precio reducido, (también denominado Mid-Price), incluyendo en particular a artistas quienes no tenían un mercado de singles convencional y, por lo tanto pocas oportunidades de radiofusión en las emisoras británicas.
Ya en los Estados Unidos “The Rock Machine Turns You On” de Columbia y Liberty Records con el álbum 'Gutbucket', habían comenzado esa tendencia por la misma época.
La respuesta británica vino de la mano de la Islands, produciendo una serie de los llamados “samplers”, desde “Nice Enough to Eat' y 'You Can All Join In' en 1969, hasta 'Bumpers' en 1970 y 'El Pea' en 1971. 'Bumpers' significaba "la mejor opción", y comprendían colecciones eclécticas pero coherentes de música en formato de doble LP de vinilos de 33 rpm.
A finales de los sesenta la escena musical británica era notablemente vibrante, y Island Records era posiblemente el sello más experimental, innovador y diverso, y sin duda el sello independiente más exitoso antes de que su fundador, Chris Blackwell lo vendiera a A&M Records muchos años después en 1989. Blackwell había comenzado en 1959 en la industria discográfica en Jamaica, promoviendo los sonidos emergentes del bluebeat y el ska. Había tenido notable éxito con 'My Boy Lollipop' de Millie Small en 1964, momento en el que traslada su sello Island a Notting Hill Gate en Londres. El sello se expandiría para incluir una amplia gama de estilos desde sonidos pop, hasta el rock, pasando por géneros como el folk, el jazz, el blues, reggae, sonidos progresivos, música underground y propuestas experimentales.
No es de extrañar entonces que este “Bumpers” fuera una colección de artistas que básicamente grababan álbumes y no canciones para las listas de éxitos.
“Bumpers” fue publicado en 1970 y contenía lo mas reputado del sello en aquellos años, desde Traffic, King Crimson y Jethro Tull, sus buques insignia, hasta incipientes promesas que luego serian estrellas o bandas ya consolidadas como Free, Renaissance, Cat Stevens, Fairport Convention, Bronco, Spooky Tooth, Quintessence, Jimmy Cliff, Mott The Hoople, Nick Drake o If.
Con un comienzo arrollador como es “Every Mother´s Son” de Traffic, esta compilación empezaba a lo grande, la versión de The Beatles “I Am The Walrus” interpretada por Spooky Tooth, era uno de los momentos mas excitantes, mientras Jethro Tull mostraba su arsenal folk rock con “Nothing to Say”, por el contrario If, una de las mas desconocidas, mostraba su potencial en la enrevesada progresiva “I´m Reaching Out On All Sides”.
“Cadence and Cascade” mostraba los King Crimson mas bucólicos, mientras Cat Stevens y su “Mayble You´re Right” dejaba claro su faceta folk que le daría grandes éxitos poco después, lo mismo que ocurre con las aportaciones de Fotheringay y su “The Sea” o Fairport Convention con “Walk Awhile”.
Sin embargo serian el joven Jimmy Cliff con su “Going Back West” y unos noveles Renaissance con el tema “Island” quienes mejor se beneficiaron de este antológica muestra del poder de la música británica de finales de los 60 y de la Island Records en particular.

Various Artists-"Fill Your Head With Rock" (1970)

"Fill Your Head With Rock" fue una soberbia recopilación en formato de doble LP que el sello norteamericano CBS publicó en 1970 y que incluía a algunos de los artistas más conocidos del sello en ese momento.
Con una portada icónica en donde aparece Gerry Goodman de The Flock con su característico violín y con el cabello al aire, esta especie de “promoción”, fue un gran éxito en todo el mundo, vendiendo más de un millón de copias y obteniendo una gran difusión a nivel internacional.
Habría que matizar que por aquella época, algunos de estos artistas solo eran conocidos en Estados Unidos y en Inglaterra, sin duda los dos mercados mas importantes del mundo, pero no así en otros muchos países (España entre ellos), por lo que supuso que personas alrededor del mundo tuvieran conocimientos de estos artistas.
En ese momento, este soberbio recopilatorio competiría con otro célebre editado por el sello progresivo Islands Records, titulado "Bumpers", con la diferencia de que este solo mostraba artistas británicos, mientras que la CBS presentaba artistas de ambos países que grababan bajo su sello.
Esta selección fue una fiel representación de lo mejor de la CBS en aquellos años desde los cantautores y grupos de folk más creativos de la época: Tom Rush, Laura Nyro, The Byrds, Leonard Cohen o Al Stewart, hasta los sonidos punteros de nuevo jazz rock: Chicago o Blood Sweat & Tears, pasando por los mas experimentales y progresivos; Santana, Steamhammer, Black Widow, Spirit, Argent, Skin Alley o Moondog o los enfocados al blues; Al Kooper, Pacific Gas & Electric, Janis Joplin, Johnny Winter o Mike Bloomfield.
Entre esta espectacular selección de grupos y temas destacan la poderosa “Listen” de los Chicago Transit Autorithy, la catártica y frenética “Savor” de Santana, la progresiva “Passing Through“ de Steamhammer, la oscura “Come to the Sabbat” de Black Widow, la psicodélica “Dance in the Smoke” de Argent”, la deliciosa “The Garden of Jane Delawney” de Trees, la épica “Lost my Drivin´Wheel” de Tom Rush o la blues rock acelerada “I Love Everybody” de Johnny Winter.

Isaac Hayes-Hot Buttered Soul (1969)

La historia de Isaac Hayes tiene todas las características de una gran novela cinematográfica ambientada en el sur de los Estados Unidos, pobreza, discriminación racial, explotación, desesperada lucha por progresar y finalmente el éxito.
Huérfano a muy temprana edad, se crío en los campos de Tennessee y siendo un adolescente demostraría una tenaz prolijidad hacia la música.
En sus años de bachillerato conocería a Maurice White y David Porter, este ultimo fue contratado como autor por la Stax Records y se llevaría a Hayes como músico de estudio.
Después de actuar en improvisadas Jam sessions junto a la banda por excelencia de dicho sello, The Bar-Keys, Hayes pasaría a ser un músico fijo en las grabaciones de personajes como Otis Redding, Wilson Pickett o Eddie Floyd. El trabajo con Otis Redding seria vital para la posterior carrera de Hayes, con el que aprendió a modular la voz en toda la gama de significados posibles.
A partir de aquí tanto Porter como Hayes se convirtieron en una famosa pareja fabricante de hits, un factor clave en la Stax, el mas importante sello de rhythm and blues del sur de Estados Unidos.
En 1967 Hayes debutaba con el álbum "Presenting Issac Hayes", el cual sin tener demasiado impacto serviría para prepararse el terreno en el mercado discográfico.
En 1969 los nuevos dueños de la Stax Records decidieron que el mercado de la música negra era mas adecuado para el formato álbum que para los singles. Así pues encargarían a la compañía veintiocho álbumes, los artistas de Stax realizaron un trabajo agotador para preparar los álbumes, sin embargo en el recuento final, el dúo Porter -Hayes repararon en que faltaba un álbum. Isaac Hayes llevo al estudio a la sección rítmica de The Bar-Keys y grabo "Hot Buttered Soul", para así cumplir el contrato.
Y contra todo pronostico, se produjo el milagro, “Hot Buttered Soul” llego al primer puesto de las listas de éxitos de jazz y soul en agosto de 1969, alcanzando también el numero ocho en las listas de pop, creando para la música negra nuevas posibilidades de penetración en el mercado blanco.
"Hot Buttered Soul", tiene sus raíces en la típica tradición del soul del sur, con un rhythm and blues tosco y cargado de erotismo, de country y de pop en una mezcla que remitía al blues de manera sentimental. Ahí residía la novedad del estilo que Hayes había experimentado en publico en los night clubs de Memphis durante sus años de bachillerato.
Además Hayes junto a los The Bar-Keys, alargaban las canciones mucho mas allá de los tradicionales 3 o 4 minutos, incluyendo largos pasajes instrumentales.
Un álbum que contiene solo cuatro temas, entre los que destacan  "Walk On By" épica canción de doce rítmicos minutos, la poderosa funk (y de paso estrambóticamente titulada) "Hyperbolicsyllabicseqyedalymistic", o "By the Time I Get to Phoenix", que con sus casi veinte minutos de hipnótico ritmo y un final de clímax orquestado, convertían a este disco en una de las piedras angulares del soul progresivo.

Eric Burdon and War-Eric Burdon Declares War (1970)

Eric Burdon fue el mejor cantante de los años 60, gracias a una voz increíble que hasta cuando recitaba las canciones, producía cadencia, ritmo y movimiento. Su leyenda y su inconformismo son una historia aparte dentro de la propia historia, de tal forma que su trayectoria es tomada casi como ejemplo de progresión y evolución en la década de oro de la música rock y pop.
Eric Burdon and The Animals fueron una gran parte de la evolución del blues y el Rhythm & Blues en los primeros años de la expansión beat.
Ya casi a finales de los sesenta Eric Burdon ya llevaba tras de si 7 años de profesionalidad, de grandes éxitos y muchos proyectos, con obras cumbres con su banda The Animals como los increíbles sencillos ya clásicos de la música rock "The House of the Rising Sun" o "Don´t Let Me be Misunderstood" y una serie de álbumes significativos.
En el periodo de 1966-67 Eric Burdon junto a sus Animals se trasladan a la costa Oeste Norteamericana y allí graban su espectacular “Wind Of Change”.
En 1970 Burdon anuncia una nueva formación creando una banda compuesta por músicos de color, llamada War, y explica que ese cambio se debe a que se siente también negro, por que piensa, razona y canta como un negro. War esta compuesto por media docena de músicos empapados de música blues, soul y funk.
Eric Burdon & War empiezan con buen pie con su tema "Spill the wine", junto al álbum "Eric Burdon Declares War" una soberbia experiencia de blues, psicodélica, funk y música afroamericana, en donde sobresalen además de la mencionada “Spill the wine”, "Tobbaco Road" y "Mother Earth" dos largas suites hipnóticas, lisérgicas y catárticas, convirtiendo a este disco en un clásico instantáneo y uno de los grandes discos de la historia de la música.
A finales de ese mismo año se lanzaba otro extraordinario álbum, esta vez en formato de doble Lp titulado “The Black-man´s Burdon”, otra explosión de música negroide con una mezcla de funk, soul, rock y R&B con tintes psicodélicos y en donde sobresalían la versión de los Stones “Paint it Black”, la excitante “Bare Back Ride” o la legendaria “Nights in White Satin” de los Moody Blues.

Don McLean-American Pie ( 1971)

Don McLean es uno de esos extraños y complejos casos de constancia musical y profesional, puesto que sus inicios se remontan a 1963 y el triunfo no habría de llegarle hasta ocho años después en 1971, cuando de la noche a la mañana, un álbum y un single suyo fueron numero uno al mismo tiempo en las listas americanas.
De 1963 a 1968 Don McLean fue un vagabundo mas en los Estados Unidos, con su guitarra al hombro iba deambulando de un lado al otro con intervenciones en pequeños clubs y salas de folk.
En 1968 conoce a Pete Seeger y con el recorre mas de 50 ciudades a lo largo del río Hudson. No es ninguna gira artística, sino una expedición que pretende llevar el mensaje para la salvación ecológica de una comunidad en el río que estaba a punto de ser destruida por la polución industrial. De este extenso viaje Don escribió un libro que llegaría a editar, titulado "Canciones y Sketchs en el primer Clearwater Crew".
Posteriormente trabajaría al lado de figuras como Laura Nyro, Dionne Warwick o los mismísimos Blood, Sweat & Tears, haciendo que el complejo caudal musical de su interior se viera nuevamente enriquecido al asimilar lo mejor de cada uno de ellos.
Producto de esta mezcla, este hombre que había tocado y cantado folk y jazz, que le gustaba el rock, que había pasado nueve años viviendo con especial intensidad, publicaría a principios de 1971 su segundo álbum, “American Pie” (de la existencia del primero no se había enterado prácticamente nadie, si exceptuamos el casi medio centenar de discográficas que lo rechazaron).
"American Pie", fue titulo también del single que pronto escalaría las listas de éxitos. El tema genérico es una larga canción de mas de ocho minutos escrita en homenaje a Buddy Holly, el rockero fallecido en 1959. Es la narración de aquella trágica fecha "el día en que murió la música", en palabras de la propia canción.
McLean afronto un álbum con letras ambiciosas, deliciosas y sutiles con un resultado tan perfecto que por ello es merecedor de estar incluido en la historia de la música pop rock.

Al Kooper with Shuggie Otis-Kooper Session (1970)

Dos años después del álbum “Super session” Al Kooper se propuso grabar otra jam, esta vez con el guitarrista Shuggie Otis, el hijo del mítico Johnny Otis, que por entonces solo contaba con 15 años de edad.
Para esta ocasión el bajista Stu Woods, el batería Wells Kelly y el pianista Mark Klingman son la banda de apoyo para Kooper y Shuggie. Además también participa el dúo de gospel y soul “The Hilda Harris & Albertine Robinson Singers”.
En esta nueva entrega Al Kooper ampliaba los sonidos en donde además del blues, también hay espacio para sutiles sonidos soul y gospel como en la inicial "Bury My Body", mientras "Shuggie´s Shuffle" es un ejercicio de la dualidad instrumental de ambos músicos, mientras que "12:15 Goonbash Blues", es un extenso jam de hipnótico blues rock en donde Otis demuestra sus enormes posibilidades con las seis cuerdas.

Al Kooper, Mike Bloomfield & Stephen Stills-Super Session (1968)

Este disco está considerado como una de las mejores jam session´s grabadas en la historia, tal vez la mejor, realizado por tres músicos reputados, por un lado Al Kooper, el teclista del famoso tema de Bob Dylan “Like a Rolling Stone”, y miembro de bandas como Blood, Sweat and Tears o The Blues Project, Mike Bloomfield mítico guitarrista de blues influenciado por grandes bluesman´s como Muddy Waters o Albert King y miembro de la Electric Flag, y Stephen Stills, tal vez el más conocido de los tres, miembro de Buffalo Springfield y luego parte de la mítica super-banda Crosby, Stills, Nash and Young.
"Super session" es un compendio de soberbios temas blues como la instrumental “Albert´s  Shufle” en donde Al Kopper saca a relucir su talento al piano, la versión de Curtis Mayfield  “Really”, es un soul reconvertido a blues y la jazzistica “ His Holy Modal Majesty”, es el terreno apropiado para la grandeza de Mike Bloomfield y su guitarra.
Stephen Stills toma las riendas en la segunda cara del álbum y junto a Al Kooper interpretan una excelente versión del tema de Bob Dylan “ It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry”, la apoteósica jam de once minutos “Season Of The Witch” es uno de los punto álgidos del álbum, mientras que los clásicos blues “You Don´t Love Me” y “Harvey´s Tune” ponen la guinda a un directo tan brillante como efectivo.
En definitiva “Super session” es la obra de tres genios haciendo una espectacular jam session, y si bien el resultado de este disco podría parecer un tanto pretencioso, también es cierto que fue aceptado por la crítica y el público y considerado como una obra de arte del blues-rock.

AC/DC-If You Want Blood (You've Got It) (1978)

Lastrado en parte por su doble y retocado "Live", estrenado años después en 1992, "If You Want Blood" es sin duda el mejor directo de AC/DC, donde no hay "Overdubbings" ni "Backtrackins" y todas esas manipulaciones en el estudio donde buscan la excelencia sonora perfecta.
Aquí la banda se muestra como eran, toscos, crudos, viscerales y sucios, puro rock 'n' roll monumental y que solo saben hacer los grandes.
Solo 10 canciones bastaron para convertir este directo en leyenda, desde los primeros compases de "Riff Raff", hasta el rabioso "Rocker", pasando por versiones magistrales como "Whole Lotta Rosie", el descarado y sublime "The Jack", o el magistral "Let There Be Rock", sin olvidar esa joya que es la eufórica "Hell Ain't A Bad Place To Be".
Un show en vivo tan real como la vida misma, que nos mostró a unos AC/DC en su mejor momento para la gloria y la historia del Rock.

Deep Purple-In Rock (1970)

Aunque pueda parecer extraño, fue la apacible campiña inglesa de Herfordshire la que vio nacer y madurar al grupo mas importante para el desarrollo del clásico sonido del hard rock. No es necesario ser un adicto al genero para reconocer a Deep Purple una supremacía que ha durado casi cincuenta años.
En 1970 publicaron su cuarto álbum "Deep Purple In Rock", el disco que los convirtió en una verdadera institución del hard rock; la simplicidad de los riffs, unido a unas melodías lineales, pero de rara potencia y una técnica envidiable, les hicieron ascender hasta cotas inimaginables, con ventas millonarias y las tranquilas listas pop se veían sacudidas por el heavy metal "Black Night", un verdadero ciclón sonoro que revoluciono este genero.
Deep Purple despliega aquí un arsenal de contundencia, energía y rabia pero con aportaciones psicodélicas y progresivas de los teclados de Jon Lord, un disco repleto de clásicos como la desgarradora "Speed King", la robusta "Bloodsucker" o la progresiva y virtuosa "Child in Time".
Sin embargo este éxito rotundo es la antesala de los primeros problemas del ego de sus componentes, todos ellos virtuosos instrumentistas y talentosos músicos, una lucha por las difíciles y chocantes personalidades de sus miembros, sobre todo por Blackmore, un personaje tan extremadamente esquivo como difícil de manejar y con un carácter intratable.
Sin embargo será el quien ponga el talento para las posteriores obras que vendrían en los siguientes años, algunas de ellas catalogadas como verdaderas obras maestras del rock.

Santana-Caravanserai (1972)

El cuarto álbum de Santana significaría la ruptura estilística de la banda a nivel comercial,
Caravanserai (1972), contrasta radicalmente con álbumes anteriores basados principalmente en la fusión de sonidos latinos y rock, aquí en este nuevo álbum, Santana se enfoca en el jazz y los sonidos progresivos.
La mayoría de las canciones son instrumentales y, en consecuencia no hubo sencillos en las listas de éxitos.
Este sería el primer disco de una serie de trabajos con un carácter más complejo y reflexivo centrado en el jazz rock, para muchos críticos de la época es el mejor disco del grupo, lo que sin embargo contrasta con el éxito artístico, ya que no fue acompañado de las ventas de sus discos predecesores al momento de su salida al mercado, pero con el tiempo si se convertiría en uno de sus trabajos mas vendidos, superando con creces el millón de copias.
Ese inicial revés comercial fue achacado al perder seguidores de su estilo latino, algo que seria beneficioso para su carrera posterior al ir ganando un segmento mucho mas amplio de fans del jazz-rock, del rock progresivo y del rock en general.
“Caravanserai” es un disco repleto de ambientes etéreos e hipnóticos, de enorme lirismo y de gran espiritualidad y en donde Santana se deja embrujar por ese encantador perfume musical que obras como “A Love Supreme” de John Coltrane o “Bitches Brew” de Miles Davis desprendían.

Jean-Luc Ponty-Cosmic Messenger (1978)

El violinista francés Jean-Luc Ponty ocupa un puesto único como músico en la historia del rock; el encontró el lugar preciso del violín en este genero, un lugar que no existía hasta su llegada. El violín, instrumento clásico por excelencia, tiene su historia en la música clásica, en la música popular, en el folk, en el blues y en el jazz, pero no lo tenia en el rock, que siempre prefirió instrumentos mas agresivos y propensos a un uso rítmico y muy definido. Ponty logro hacer entrar el violín eléctrico en el rock como instrumento solista en un momento histórico, a mediados de la década de los sesenta, cuando el rock estaba pasando por una importante fase creativa.
Su carrera se remonta a principios de los 60 cuando entraría en contacto con grandes como Stephane Grappelli o Sven Asmussen, con quienes grabaría "Violin Summit", tiempo después publicaría su primer álbum en solitario "Sunday Walk", acompañado por la flor y nata del jazz europeo.
A continuación se traslado a los Estados Unidos donde colaboraría con George Duke en los álbumes “Electric Connection, Experience” y “Live in Los Angeles”.
Mas tarde y después de conocer a Frank Zappa, participaría en sus álbumes "Hot Rats" y "King Kong", este ultimo un álbum con composiciones del propio Zappa e interpretado por Ponty.
En 1974 y 1975 participaría como miembro de la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin en los míticos álbumes "Apocalypse" y "Visions of the Emerald Beyond".
Durante todos estos años Jean-Luc Ponty colaboraría en álbumes de Elton John (Honky Chateau), Frank Zappa (Over-Nite Sensation) o Chick Corea (My Spanish Heart) entre otros.
Sin embargo no descuida su carrera en solitario y a partir de la mitad de la década de los 70, Ponty lograría una serie de álbumes inmejorables colocándose en la vanguardia del jazz rock: "Mystical Adventures", "Aurora", "Imaginary Voyage", "Enigmatic Ocean" o "Cosmic Messenger", en donde hay fantásticos ejercicios de soberbio jazz rock progresivo como "Egocentric Molecules", "Mirage", "Between You and Me" o "Once Upon a Dream", todos ellos de enorme complejidad compositiva e instrumental.

The Mahavishnu Orchestra-The Inner Mounting Flame (1971)

Es difícil definir como orquesta a una banda compuesta solo por cinco elementos. Sin embargo la formación capitaneada por John McLaughlin se merece este titulo. Antes de nada por su impacto sonoro. Descrita por Jeff Beck como un Ferrari, el coche perfecto, es un hecho que la Mahavishnu Orchestra fue el primer gran grupo de fusión entre el mundo del jazz y del rock. Si ya antes Miles Davis había electrificado el jazz, en el fondo seguía siendo esencialmente un solista de la improvisación. John McLaughlin y su banda por el contrario, constituían un núcleo muy similar a una banda de rock. El propio McLaughlin era un veterano en incursiones en el rock mas duro y experimental de Jimi Hendrix. Además sus compañeros eran todos solistas de una extraordinaria capacidad instrumental, desde Jerry Goodman, violinista líder de la banda de jazz-rock The Flock, a Billy Cobham, impresionante baterista capaz de inventar un estilo nuevo y único pasando por Jan Hammer, un teclista de origen checoslovaco, el cual tenia un talento único e innovador en el sintetizador Moog.
La discográfica de The Mahavishnu Orchestra, en su edición original, es escasa con tres álbumes, diferentes entre si, pero importantes y únicos.
El primero "The Inner Mounting Flame" es apasionado, instrumental y rico en contenidos y referencias. En el cobran vida las enseñanzas de Miles Davis en "Bitches Brew", el rock mas experimental de Jimi Hendrix, el blues mas tradicional, el country, e incluso ritmos de claro corte funky.
El publico y la critica quedaron pasmados frente a esta variedad de mezclas de estilos, un trabajo que es producto de la investigación, a partir de aquí nace una nueva etiqueta en el vocabulario musical, el termino jazz-rock.

Rush-Rush (1974)

El primer álbum de Rush fue lanzado al mercado en Canadá en marzo y en Estados Unidos en julio de 1974. Fue reeditado en disco compacto con sonido remasterizado en 1997.
Debido a lo estrecho del presupuesto para dicha grabación, las sesiones de ésta se programaron en los momentos en el que el estudio de grabación solía estar libre, y que generalmente eran a altas horas de la noche, por lo cual tenían una tarifa menor. Esto ha sido un hecho bastante común en varias bandas rockeras (de hecho, Queen se vio forzado a hacer lo mismo para la grabación de su primer álbum). La banda no resultó satisfecha con el trabajo del productor original, Dave Stock, por lo que el manager Ray Danniels terminó contratando por 9.000 dólares adicionales a Terry Brown, cuyo trabajo de remezcla mejoró notablemente la calidad del sonido. Originalmente el álbum se editó bajo el patrocinio de la empresa canadiense Moon Records con una producción de sólo 1.000 copias. Una de ellas llegó a manos de Donna Halper, una DJ de la emisora WMMS de Cleveland, Ohio, quien seleccionó el tema “Working Man” para radiarlo regularmente durante su programa. El tema fue tan exitoso que la cantidad de llamadas recibidas por el programa llamó la atención de los ejecutivos de Mercury Records, quienes firmaron a Rush un contrato y procedieron a reeditar el álbum en los Estados Unidos, donde caló bastante bien, alcanzando la categoría de disco de oro en ventas.
Después del lanzamiento de su primer álbum, John Rutsey abandonó el grupo en julio de 1974 debido a su diabetes y a su poca disposición para tocar en directo. Para sustituirlo el resto del grupo llevó a cabo una serie de audiciones y finalmente contrataron a Neil Peart para reemplazar a Rutsey. Peart se unió oficialmente el 29 de julio de 1974, dos semanas antes de su primera gira estadounidense. Hicieron su primer concierto juntos, como teloneros de Uriah Heep y Manfred Mann ante más de once mil personas en el Civic Arena de Pittsburgh en Pennsylvania el 14 de agosto. Además de convertirse en el baterista, Peart se convirtió en el principal compositor, en detrimento de Geedy Lee, que mostraba poco interés en escribir, a pesar de haber firmado las letras del álbum debut.
Y se nota que era la pieza que faltaba ya que es un disco con un sonido más básico y sencillo que lo que luego demostrarían, con un rock que no incluye nada de teclados, una voz especialmente gritona y con una clara influencia de la música de Led Zeppelin como en "What you're doing" y algunos más.
A pesar de todo nos dejan un par de temas como clásicos de su repertorio, de hecho nunca dejaron de tocarlos en directo como "Finding My Way", "In The Mood" y "Working Man", también destaca el tema "Here again", con un Alex Lifeson impresionante a la guitarra.

Queen-News Of The World (1977)

Para muchos fans, este es el mejor álbum de Queen, incluso por encima de "A Night At The Opera", sin entrar en discusiones de cual es mejor, este "News Of The World" es sin duda el que mejor combina las facetas comerciales y de enorme calidad.
Pese a que el éxito de este álbum fue en parte a consecuencia de temas como los inmortales "We Will Rock You" y "We Are The Champions", el resto es un compendio de gloriosas y perturbadoras canciones como la hard rock "Sheer Heart Attack", la jazzistica "My Melancholy Blues", la funk "Get Down Make Love" o la hermosa balada "All Dead All Dead".
Este seria el álbum definitivo con el que Queen pasaban de gran banda de pomp rock a banda del circuito arena rock.

Brian Auger´s Oblivion Express-Live Oblivion (1974)

Antiguo pianista de jazz el británico, Brian Auger se hizo famoso a mitad de los años sesenta como organista de rhythm and blues gracias a su particular habilidad técnica con el órgano Hammond.
Después de haber tocado con el guitarrista John McLaughlin, Brian Auger encontró el camino del éxito con el grupo Steampacket en 1965, junto a el estaban Long John Baldry, Rod Stewart y Julie Driscoll, como un imponente trío vocal. En 1968 abandonaría la banda para fundar junto a Julie ( por entonces era su mujer) el grupo The Trinity. Fue el momento del mayor éxito de Auger, entre otras gracias a la afortunada versión del tema de Bob Dylan "This Wheel´s On Fire" que escalaría las listas de éxito de medio mundo.
En 1970 Auger fundaría el grupo Oblivion Express con Jim Mullen y Robbie McIntosh. El estilo de esta nueva formación se alejaba del toque jazz-rock de sus anteriores producciones para enfocarse a sonidos mas poderosos y progresivos.
Sus dos primeros álbumes publicados en 1971 "Brian Auger´s Oblivion Express" y "A Better Land", están orientados hacia sonidos complejos de funk rock. Sin embargo la fortaleza de Brian Auger y su banda residía sobre los escenarios, allí transmitía la fuerza y la emoción que no se veían plasmados en los álbumes de estudio.
Por eso en 1974 se publico el triple álbum en directo "Live Oblivion", grabado en el famoso local de Hollywood, el Whisky A Go-Go, consiguiendo con este directo el éxito que se le negaba con sus trabajos en los estudios de grabación.

Johnny Winter-Johnny Winter And (1970)

Johnny Winter engrosó al selecto grupo de músicos blancos que estaban dando vida a un filón de blues eléctrico. Por entonces Al Kooper, John Mayall o Mike Bloomfield entre otros, ya habían superado la limitada concepción del blues como música racial y la difundían entre el publico blanco. El primer álbum de Johnny Winter fue grabado en Nashville con el titulo homónimo de "Johnny Winter" en el año 1969. A su lado apoyandolo estaba su hermano Edgar y también algunos bluesman históricos como Willie Dixon o Sharkey Horton.
Un año después apareció "Second Winter" un doble álbum que curiosamente solo tenia grabado tres caras. Aquí además del blues, Winter demuestra sus preferencias por toda la música popular de la época, interpretando temas de rock´n´roll de Chuck Berry y Little Richard o realizando una personal y soberbia versión de "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan.
En 1971 apareció "Johnny Winter And" su mejor obra, con rápidas e viscerales incursiones en el repertorio de otros músicos como "Jumpin´Jack Flash" de los Rolling Stones o "No Time To Live" de Traffic.
Este primer periodo discográfico se salda con el directo " Johnny Winter and-Live" (1971), grabado en el Fillmore East de Nueva York. Sin embargo este directo se publico cuando ya Winter se había retirado a zonas rurales a una cura de desintoxicación de los excesos con las drogas y que de paso le habían llevado en tan poco tiempo a convertirse en una leyenda de la guitarra blues.
Pasarían dos años antes de que volviera a publicar ningún material y en 1973 y con la ayuda de su amigo, el guitarrista Rick Derringer, vuelve por la puerta grande con el álbum "Still Alive and Well", el cual contiene temas de un nivel excepcional como el fulminante "Rock´n´roll" o "Silver Train" compuesto por el dúo Jagger-Richards, además de la versión del mítico tema "Let It Bleed". Este álbum del regreso del albino guitarrista, escalo las listas de éxitos y volvió a llevarlo hasta los corazones de sus fans.
En adelante la actividad de Johnny Winter se mantuvo en un buen nivel artístico a pesar de la consagración de nuevos músicos y nuevos estilos, pero Winter es un admirable interprete que aunque su estilo pueda parecer repetitivo, siempre terminaba sorprendiendo a propios y extraños.  

Joe Cocker-With Little Help From My Friends (1968)

En 1968 Joe Cocker grababa bajo la supervisión de Denny Cordell, su primer album titulado "With Little Help From My Friends", en el cual contó con la colaboración de excelentes músicos de la escena británica de aquella época; Jimmy Page, Albert Lee, Steve Winwood, Tony Visconti, Chris Stainton o Mathew Fisher entre otros en una hábil elección que contribuyo al poderío del resultado final del disco.
Desde hacia algún tiempo, Cocker venia actuando en Gran Bretaña y Francia con su banda Joe Cocker Big Blues Band, en donde básicamente tocaban versiones de la música negra con temas de blues y R&B de los clásicos del genero.
La aparición en la vida de Cocker del músico y arreglaste Chris Stainton fue vital para el devenir del futuro del cantante de Sheffield.
Cocker basaba su estilo negroide de soul y blues en su forma desarticulada de gesticular con una presencia inconfundible y enloquecida, que contrastaba con su aparente fragilidad y su voz ronca y poderosa.
Al frente de su nueva banda The Grease Band, Joe Cocker ofreció una serie de conciertos por toda Inglaterra en apoyo a su primer álbum. Al siguiente año participaría en el festival de Woodstock ante trescientas mil personas, los cuales aplaudieron entusiasmadamente las peripecias de Cocker y su banda sobre el escenario.
Poco después en los Ángeles y con la ayuda estimable de Leon Russell, grabaría su segundo álbum "Joe Cocker". Russell enseñaría a Cocker a modular los pesados tonos del recitado blues y le proporciono un éxito inolvidable "Delta Lady".
Russell supervisara la grabación de este nuevo álbum en donde se notaba el cambio de país y de ambiente, aquí hay una agilidad diferente a su opera prima, es menos tosco y blues, revelando mas eclecticismo y dispuesto a enfrentarse a la melodía country.
Con este clima renovado, contribuye en gran manera la elección de Russell de elegir los músicos para la grabación del álbum, todos ellos pertenecientes a lo mejor de los grupos country-rock y folk de bandas como The Byrds o The Flying Burrito Brothers.
Sin embargo esta diversidad de estilo entre los dos primeros álbumes saca a relucir el principal problema de Cocker, su espontaneidad, su falta de calculo o astucia, que si bien puede ser un mérito, a la larga se configura como un peligroso defecto. Este defecto residía en la incapacidad de elaborar una estrategia musical propia, dejándolo a merced de arreglistas y compositores. Y desgraciadamente no todos son como Chris Stainton o Leon Russell.
Tras la separación de The Grease Band, Russell se invento un mega tour de 42 músicos en lo que luego se publicaría "Mad Dog And Englishmen", testimonio en formato de doble álbum en directo que incluye un repertorio repleto de versiones de otros artistas como Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones o Traffic y cuatro temas de los dos primeros álbumes de Joe Cocker.

John Mayall-Blues Breakers with Eric Clapton (1966)

John Mayall es sin duda el patriarca del blues ingles, el creo las bases para el desarrollo de numerosos grupos, todos ellos llenos de talento en los años sesenta y setenta. En la practica, gracias a el se formaron los núcleos creativos de Cream, Fleetwood Mac o Colosseum, con músicos procedentes de las varias formaciones de los Bluesbreakers de Mayall, gente en suma que ha marcado la historia del rock en todo el mundo.
Nacido en Cheshire al norte de Inglaterra en 1933, creció en un suburbio de Manchester y empezó a tocar la guitarra a los diez años y poco después hizo su debut con un trío de blues en el Bodega Jazz de Manchester, por ese entonces además tocaba el piano y la armónica.
Después de salir del ejercito, estudio arte mientras al mismo tiempo cultivaba su afición por el blues y el jazz.
Después de fundar varios grupos, dedicarse a la pintura y hacer constantes giras por diferentes clubs del circuito de pubs de blues, en 1965 Mayall publica junto a sus Heartbreakers su primer álbum ”John Mayall plays John Mayall” bajo el sello Decca, una grabación en directo.
Después de este primer disco, entra a formar parte de la banda un joven llamado Eric Clapton, que había abandonado el grupo The Yardbirds, y con el se iniciaría la edad de oro de Mayall.
Clapton estaba infravalorado en los Yardbirds y fue llamado por Mayall observando las grandes dotes del guitarrista y su deseo de hacer blues, otorgándole el espacio necesario que el músico necesitaba en sus grabaciones.
El resultado fue apoteósico, un clásico de la historia del rock.

“Bluesbreakers John Mayall with Eric Clapton”, publicado en 1966 y producido por Mike Vernon, es un fantástico ejercicio de potente y eléctrico blues urbano, y aunque Clapton lo pone todo para de alguna manera robarle el protagonismo a Mayall, este hace unas excelentes demostraciones al piano, el órgano y la armónica, como en la intensa “Parchman Farm”, cargada de una intensa armónica soul y por la tensa sección rítmica de John McVie a la batería y Hughie Flint al bajo.
Todo el álbum parece elaborado por pequeños genios impacientes por demostrar sus grandes dotes individuales, Clapton crea solos que se convierten en clásicos “Hideaway” y “Steppin´out”, McVie en el solo de batería de “What'd I say” y la voz de Mayall imprime preciosas connotaciones lacrimógenas en canciones como “Double Crossing Time o “Have You Heard”.
Este fantástico álbum es doblemente importante, por un lado da comienzo a la buena costumbre del rock de juzgar la calidad de un tema no solo por su fascinante melodía o por su letra, sino también por la creatividad individual de cada instrumento y otro factor notable es que este álbum estableció las bases del "boom" del blues en los años 60.

Procol Harum-Live: In Concert with the Edmonton Symphony Orchestra (1972)

Hay canciones que se convierten en piezas angulares, signos de una época irrepetible, momentos fundamentales en recuerdos de una generación y que a la postre se convierten en canciones míticas y atemporales.
Una de estas canciones es "A Whiter Shade Of A Pale", tema simbólico de 1967 y la mas famosa composición de Procol Harum.
Con esta canción Procol Harum entraron en la historia del rock, en una época tan excitante y multiforme que aún sigue siendo analizada, estudiada y recordada casi concienzudamente a pesar de los muchos años transcurridos.
Fundados en 1960 por el teclista Gary Brooker, que junto a Robin Trower a las guitarras, al batería B.J. Wilson y al bajista Chris Copping, actuaban bajo el nombre de Paramounts en locales de la ciudad de Southend al sur de Inglaterra.
Después de cinco años publicando singles de escaso éxito y giras por Inglaterra o Alemania en donde acompañaban a Sandy Shaw, se les une el letrita Keith Reid que junto a Brooker componen "A Whiter Shade Of Pale", que fue publicado en el verano de 1967 y que alcanzaría las primeras posiciones en medio mundo.
Procol Harum ya habían abandonado por entonces su influencias de blues y rock´n´roll para adentrarse en complejos desarrollos mas enfocados al incipiente sonido progresivo y psicodélico de aquellos años.
Ese mismo año aparecería el single "Homburg", la cual también alcanza cotas muy altas en los mercados mundiales.
Ambos temas fueron incluidos en el álbum "A Whiter Shade of Pale" y en el siguiente "Shine on Brightly" se incluía la canción del mismo nombre y cerraban la década con "A Salty Dog", otro álbum memorable.
A partir de aquí y ya entrada la década de los 70, la banda publicaría buenos álbumes muy recordados como "Home", "Broken Barricades" "Grand Hotel" o el soberbio directo "Procol Harum Live: In Concert with the Edmonton Symphony Orchestra".

Mott The Hoople-All The Young Dudes (1972)

Mott The Hoople es el grupo que represento el enlace estilístico y cronológico entre el beat ingles de los años sesenta y el punk rock de los tardíos años setenta. En la edad de oro del glam rock, fue de los pocos que conservaron el autentico espíritu del rock´n´roll, mientras casi todos los demás erigirían la sofisticación tecnológica.
Fundados en Hereford al oeste de Inglaterra, su primera formación la comprendían el guitarrista Mick Ralphs, el batería Pete Watts, y el teclista Verden Allen. Mas tarde la Islands Records les ofrecería un contrato con la condición de añadir al cantante y guitarrista Ian Hunter. La agresiva presencia de Ian Hunter y su enorme talento de compositor le dieron nuevos bríos al grupo.
Sin embargo sus primeros cuatro álbumes no tuvieron el éxito esperado, acusados por su tosco rock´n´roll y por el descaro de su cantante en inspirarse en Bob Dylan.
Llegados a este punto en 1972 la banda esta a punto de disolverse y anuncian su separación oficial el 26 de marzo de ese año, no obstante es David Bowie, uno de sus admiradores mas ilustres, quien les convence de aplazar su decisión, al menos hasta que hubieran grabado y publicado un tema que el mismo había compuesto titulado “All The Young Dudes”.
Bowie les produjo el single, canto y toco el saxofón y les procuro un nuevo manager, Tony De Fries, el mismo que ya se ocupaba de los negocios del propio Bowie, quien también les consigue un nuevo contrato discográfico con la CBS.
En el verano de 1972 “All The Young Dudes”, llegaría al tercer puesto en las listas de éxitos británicas y se convertiría en uno de los clásicos de la historia del rock,
Bowie les produjo también el cuarto álbum titulado igualmente “All The Young Dudes”, en el que Mott The Hoople hallaban una nueva formula musical, aquí Hunter era mas original y carismático en sus interpretaciones vocales, las canciones estaban mucho mejor estructuradas y los arreglos eran mas eficaces.
Con este y el siguiente “Mott”, el grupo cosechaba finalmente el éxito, en este ultimo la banda incluso llegarían al top ten ingles con soberbias canciones como “Honaloochie Boogie”, “All the way from Memphis” y el efervescente tema “Roll Away the Stone”.

Led Zeppelin-Led Zeppelin III (1970)

1970 fue un año de reposo parcial para Led Zeppelin, después de tanto ajetreo durante el año anterior, en donde habían publicado dos enormes álbumes con sus consecuentes giras. Ese año Page y Plant se retiraron a un cottage en Gales para componer nuevas canciones. Page manifestaba un creciente interés por el folk y Plant por el suave rock californiano.
De la fusión de estas tendencias surgió el material para “Led Zeppelin III”, un trabajo que a pesar de contener algunos potentes temas rock y blues, giraba con bastante brusquedad hacia atmósferas mas rurales y sonidos acústicos, con ello demostraron que sus horizontes eran infinitos y lo hicieron con una maestría y una sabiduría asombrosa.
Era una época en la que Jethro Tull dominaba absolutamente el estilo del folk rock, sin embargo Led Zeppelin incluso logró superarlos por momentos con maravillosas composiciones como "Tangerine", "Friends", "Gallows Pole" o "Bron-Y-Aur-Stomp".
Aún así no abandonan por completo su característico sonido y lo demuestran con la frenética "Immigrant Song", el hipnótico blues "Since I've Been Loving You", o el rítmico "Celebration Day".
Este sería otro disco capital que precedería a la obra maestra del grupo y del rock en general como fue "Led Zeppelin IV".

Pat Benatar-Crimes Of Passion (1980)

El amor entre el rock y las mujeres es intenso, pero sin embargo también muy tormentoso y a menudo salpicado por múltiples obstáculos. Un ejemplo típico de esta relación es Pat Benatar.
Pat Benatar llego a la escena rock a principios de los ochenta y a diferencia de otras mujeres de aquel periodo (Debby Harry o Patti Smith), nunca se escondió tras una super feminidad artificial ni bajo una mascara de hermafrodita intelectual.
En 1980 publico su segundo álbum, "Crimes of Passion", del que se llegaron a vender mas de tres millones de copias. Un álbum que contiene el hit "Hiit me with yogur bes shot" y que le proporciono un premio Grammy.
Producido por Keith Olson, el álbum desarrolla las tendencias de un rock agresivo pero muy compacto, potenciando su personalidad con temas como "Hell is for Children", o "Treat Me Right" y en la extraordinaria versión de "Wuthering Heights", el que fuera un gran éxito de Kate Bush, o explotando su vena melódica en la atrayente "I´m Gonna Follow Me".
Con su siguiente lanzamiento, el fantástico "Precious Time", volvería a copar las listas y ganar su segundo Grammy del un total de cuatro que conseguiría consecutivamente, logrando así un hito único e insólito en la historia del rock.

Fleetwood Mac-Rumours (1977)

Mas 45 millones de discos vendidos avalan este fantástico álbum, "Rumours" no solo es uno de los mas vendidos de toda la historia de la música popular, sino también uno de los discos mas impresionantes que jamás se hayan hecho.
Un álbum que trasciende mucho mas allá de su época gracias a una combinación de armonías y melodías casi irrepetibles.
Grabado en medio de los tortuosos problemas sentimentales que sufrían las parejas Buckingham-Nicks y Perfect-McVie, estas rupturas terminarían siendo la clave para la fuente de inspiración de tamaña obra maestra.
Todos los temas que componen el álbum podrían perfectamente haber sido singles de éxito, pero los que fueron elegidos llegaron a la cúspide como la dinámica "Don´t Stop", la rock "Go Your Own" o la deliciosa "Dreams".
Sin embargo es la sublime "The Chain" la que resume este álbum, por su originalidad, sencillez y al mismo tiempo sobria composición que convirtió a este "Rumours", en uno de los mejores 25 álbumes de la historia del rock sin paliativos y de la música contemporánea del siglo 20.

Heart-Little Queen (1977)

Influenciados por Led Zeppelin, Heart se han ganado el respeto de la critica durante 40 años por sus grandes composiciones, que han formado muchos de sus álbumes, algunos de ellos imprescindibles dentro de la música rock
"Little Queen", fue el segundo álbum de esta formidable banda, conocido mundialmente por el hit "Barracuda", que sin embargo no empequeñece al resto de temas que son una sabia mezcla de torbellinos rock y delicadas canciones folk.
Buenas muestra de la faceta acústica de la banda es "Love Alive", o la instrumental "Sylvan Song", que junto a "Dream of the Archer", es la vena folk de la banda en este álbum.
Mientras en el lado opuesto los duros temas rock además de la citada "Barracuda", esta en "Littie Queen", con una Ann Wilson pletórica con su portentosa voz, mientras "Go On cuy", muestra a los Heart mas bucólicos al mismo tiempo mostrando su rock pesado y contundente.
"Little Queen", es el álbum mas folk y acústico de la carrera de la banda, repleto de gran belleza acústica, demostrando con ello las dos caras de Heart, por un lado la crudeza de sus temas rock y por otro la delicadeza de sus composiciones intensas y delicadas.

Montrose-Jump On It (1976)

Cuarto álbum de Montrose, y segundo donde la banda contaría con el tecladista Jim Alcivar y con el cantante Bob James, además de la incorporación de un nuevo bajista, Randy Jo Hobbs.
En este nuevo disco los teclados de Alcivar cobran mucho más protagonismo, en algunos momentos incluso se asemeja a los sonidos cercanos a las bandas coetáneas mas barrocas como los británicos Deep Purple.
Un album que esta compuesto por excelentes temas como el heavy rock "Let's Go", o las piruetas de la guitarra de Ronnie Montrose en "What Are You Waitin 'For", sin dejar de mencionar los temas puramente rock con ese sonido inconfundible ochentero que salen a relucir en cortes como "Tuft-Sedge" y "Crazy For You", dos temas clásicos e imprescindibles de esta legendaria banda norteamericana.

Miguel Rios-Rock & Rios (1982)

En 1982 Miguel Rios llevaba tras de si una carrera llena de altibajos, con algunos éxitos como el "Himno a la alegría" que incluso fue un éxito en diferentes países, además de otros importantes hits como "A Song of Joy", "Bienvenidos" o "Santa Lucia".
Sin embargo seria en 1982 cuando los días 5 y 6 de marzo grababa el doble álbum en directo "Rock & Rios" en el Pabellón de Deportes del Real Madrid, con el cual batió todos los récords de ventas y lo convirtió en el mas conocido y antológico directo español de todos los tiempos.
En esas dos noches Miguel Rios acompañado de una formidable banda donde sobresalían el mítico Thijs Van Leer de Focus a los teclados y flauta, Salvador Domínguez y John Parsons a las guitarras, el batería Sergio Castillo, y el percusionista Mario Argandoña, interpretaría lo mas granado de su carrera, temas que en directo cobraban otra dimensión, con un sonido potente y con unos arreglos espectaculares.
Casi treinta años después este álbum sigue teniendo el récord como el disco mas vendido de la historia del pop-rock en España.

Pierre Moerlen's Gong-Downwind (1979)

Acabando la década de los 70, Pierre Moerlen publicaba su álbum "Downwind" bajo el sobrenombre de Gong. Conto con las colaboraciones de Mike Oldfield, Steve Winwood, Mick Taylor o Terry Oldfield entre otros.
Después de varios proyectos anteriores, Moerlen sorprendió a todos con este álbum en donde las composiciones equilibradas en medio de la complejidad y la comercialidad son el denominador común de este gran trabajo.
Por momentos parece un álbum del propio Mike Oldfield, como en la inicial "Downwind" y en “Crosscurrents” o en “Xtasea”, se asemejan al sonido típico de Jean Luc Ponty con un solo final de guitarra a cargo de Mick Taylor antológico. "Downwind" es un álbum que refleja a la perfección la calidad que atesora esta grabación que fue muy bien acogida por la comunidad de fans del rock progresivo en su momento.

Whitesnake-Live... In The Heart Of The City (1980)

Uno de los grandes dobles en directo de la historia, que grabado en la década de los ochenta, conserva la grandeza de los míticos directos de la década anterior.
Este álbum en vivo se divide en dos partes distintas, aunque ambos grabados en el Hammersmith Odeon de Londres en los años 1978 y 1980.
Con un repertorio que reunió lo mejor de una banda que por entonces solo tenía tres álbumes publicados, “Trouble” (1978), “Lovehunter” (1979) y “Ready an´Willing” (1980).
Durante 80 minutos, Whitesnake nos deleita con una maravillosa demostración de ese hard rock con sabor a blues, que solo ellos presumían hacer como ninguna otra banda de finales de los 70.
Canciones como los estupendos rock "Come On", "Sweet Talker", "Walking in the Shadows of the Blue" o "Love Hunter" se mezclan con fantásticas versiones de Deep Purple, como "Mistreated" o "Might Just Take Your Life", ambos del álbum "Burn" (1974), o el soberbio bluesy de Bobby Bland, "Ain't no Love in the Heart of the City".
En este disco, Whitesnake estaba formado por su banda más clásica, con Coverdale a la voz apoyado por dos grandes guitarras como Bernie Marsden y Micky Moody, el mítico Jon Lord en los teclados y una base rítmica demoledora con Ian Paice a la batería y un enorme Neil Murray en el bajo, en un registro histórico que ha pasado a los anales de la música rock como un directo imprescindible.

Flash-Out Of Our Hands (1973)

Una vez había abandonado Yes (mas bien invitado a salir), Peter Banks fundaría su primer proyecto a modo de banda llamada Flash, con los que grabaría tres interesantes trabajos enfocados hacia el rock progresivo.
En 1973 llegaba su tercera obra "Out Of Our Hands", el cual suena a su ex banda mas que nunca, con un rock progresivo de excelente calidad y con mucha melodía bien definida.
Un álbum que esta repleto de virtuosismo, muy atractivo y bastante solido como la soberbia progresiva "None The Wiser (King)", con ese sonido Yes inconfundible, la juguetona “Dead Ahead (Queen)" o la progresiva y llena de cambios rítmicos “Shadows (It´s You)", mientras el resto muestra las excelentes cualidades instrumentales de cada músico que interviene y en particular del talento de Banks a las guitarras.
Un álbum vibrante y poderoso de gran intensidad que demostraban la calidad de un guitarrista que tuvo la mala suerte de no triunfar en Yes.

The Marshall Tucker Band-Caroline Dreams (1977)

The Marsahll Tucker Band nunca fueron una banda de rock sureño al uso y pese a estar encuadradas dentro de este estilo, esta considerada una de las mas grandes del genero.
Un estilo que fue variando con el paso de los años y con influencias como el country, el rock, el jazz o el rhythm and blues, esta banda han sido inspiradores para muchas jams bands posteriores.
"Caroline Dreams" (1977), fue su sexto álbum, publicado en un momento en donde las dos grandes bandas del genero del rock sureño estaban pasando por serios problemas, por un lado Lynyrd Skynyrd habían tenido el famoso accidente de aviación muy poco antes de la publicación de este trabajo y The Allman Brothers no estaban pasando por su mejor época.
Todo ello supuso que las bandas de la segunda generación como Molly Hatchet, Firefall, 38 Special, Atlanta Rhythm Section o los propios The Marshall Tucker Band aprovecharan ese vacío exitosamente.
A diferencia de los mencionados Lynyrd Skynyrd y Allman Brothers, la Marshall Tucker comandados por el genial Tommy Caldwell, se movían con un enfoque mas jazzistico, alejados del hard rock de los primeros y el blues y el country de los segundos.
Fantásticas piezas como "Fly Like and Eagle", "Life in A Song", "I Should Have Never Started Lovin´You" o "Tell It To The Devil" conforman una obra que junto a su magistral segundo álbum "A New Life", están entre lo mejor que el rock sureño haya hecho jamás. 

The Allman Brothers Band-At Fillmore East (1971)

“At Fillmore East” esta considerado uno de los mejores álbumes de rock en vivo,  y es además la obra maestra de The Allman Brothers.
Un doble album en directo que contiene tal cantidad de improvisaciones que lo distinguen de la inmensa mayoría de directos de cualquier otra banda que se precie.
La esencia principal de este disco se encuentra en las canciones espontaneas con los larguísimos pasajes instrumentales que realizan todos los miembros del grupo en el escenario, especialmente las realizadas por Duane y Gregg Allman.
Respondiendo fielmente al concepto jazzístico de jam session, los dioses del rock sureño demuestran su enorme potencial y su inagotable creatividad musical.
A pesar de los pequeños retoques de estudio y de que varias de las canciones fueron acortadas para ser incluidas en este doble álbum, "At Fillmore East" sigue siendo un referente del rock sureño por excelencia.
Solo siete temas componen este magistral doble álbum, entre las que destacan los 23 minutos de “Whipping Post” y los 20 minutos de “You Don´t Love Me”, épicas jams que se fusionaban con los temas de una duración mucho mas convencional.
Un álbum que capturaba la esencia, la fuerza y el talento de una de las mejores bandas que han pisado un escenario.

The Flock-The Flock (1969)

A finales de los 60 The Flock sería una de las bandas más importantes que dio la ciudad de Chicago, junto a la Chicago Transit Authority como los máximos impulsores de la libertad sonora que estaba muy extendida en ese momento. Bajo la influencia de la propia Chicago Transit Authority, Flock basaría su música en un rock muy espontáneo, lleno de influencias que iban desde el jazz y el blues, pasando por el country y el folk, este último debido al violín de Jerry Goodman, el líder y promotor del grupo. El estilo de Flock estaba en la línea del jazz rock, pero a diferencia de sus contemporáneos como los citados Chicago o Blood, Sweat & Tears, no le daban el protagonismo a los inevitables metales que parecían inherentes al género, y es que la principal propuesta de Flock fue el violín, algo inaudito en el mundo del pop y el rock y que gracias al francés Jean Luc Ponty estaba comenzando a tomar mucha importancia en el jazz.
La banda graba su primer disco, titulado "The Flock" en 1969, en el que ya se vislumbran grandes temas, como "Clown" o el tema "Truth", construido a partir de una estructura de blues. Con la canción "Tired of waiting", lograron entrar en las listas de éxitos y su presencia en el famoso recopilatorio de CBS, "Fill Your Head with Rock" (1970), un disco doble que cosecharía ventas espectaculares en todo el mundo, y cuya portada ya mítica fue una foto espectacular de Goodman con el violín, que los asentaría en el mercado definitivamente. Un año después llegaría "Dinosaur Swamps", un trabajo diferente al primero, donde el blues ya no está tan presente, con un estilo mucho más progresivo y en parte experimental con bastante rigor, matices country y un sonido mucho mas pulido.

Fish-Vigil In A Wilderness Of Mirrors (1989)

Si hubo un momento en la carrera de Fish que pudo ser una clara continuación de Marillion (y no un epitafio doloroso), de su primera época, fue en este fantástico álbum. Fish conservó en este trabajo, y hasta cierto punto en el siguiente “Internal Exile”, el espíritu neo progresista que había hecho con su banda madre, cuando al frente de la misma publicaron discos tan rotundos como “Script for a Jester's Tear”, “Misplaced Childhood” y "Clutching at Straws", el canto de cisne de la banda.
Con su abandono ambas partes salieron perdiendo, por mucho que los fans post Fish lo nieguen, sin embargo para quienes añoran aquellos años tienen la carrera en solitario de Fish.
En ese sentido "Vigil In A Wilderness of Mirrors”, no solo es un soberbio disco del gigantón escocés, sino tal vez el mejor de su carrera. Se puede decir que en este trabajo el ex frontman de Marillion echó el resto, principalmente en algunos temas que son verdaderas delicias para todo el amante del neo progresismo, el tremendo himno de apertura “Vigil”, la exquisita balada “Gentleman's Excuses me”, la mini suite “Cliché”, la espléndida "The Company", o "Family Business", que se ha convertido en un clásico de su repertorio casi a la altura de sus temas con Marillion, porque todo hay que decirlo, por brillantes que sean las canciones de este debut no ensombrecen los temas de sus cuatro álbumes en estudio con su banda madre.
Y es que Fish se sabe mover muy bien para el progresivo "mainstream", y no para los progresistas ortodoxos, el ha demostrado que es un músico que comparte dos amores: el rock sinfónico de los 70 y el pop de baja graduación, pero sin llegar a los niveles donde cayeron muchas bandas punteras de los setenta en la década de los ochenta.
Fuera como fuera, “Vigil In A Wilderness of Mirrors” es álbum increíble que no desmerece ni un ápice a lo hecho anteriormente con su embrión Marillion.

Dire Straits-Dire Straits (1978)

En 1978 Dire Straits sorprendió al mundo con su primer álbum, un trabajo en el que sobresalía la inmortal “Sultans of Swing”, que sin embargo fue la canción que eclipsó parcialmente al resto del álbum.
Fue la obra en la que se aprecian las grandes influencias de Bob Dylan y principalmente de J. J. Cale en las composiciones creadas por Mark Knopfler.
Pero es el toque personal que le da el guitarrista a su visión musical, el que consigue darle a este trabajo una originalidad que lo aleja bastante de los mencionados Dylan y Cale.
Globalmente considerado un disco coherente en el fondo adolece de muchas cosas, llegando incluso a resultar algo monótono en una escucha apresurada, pero si se tiene en cuenta y nos tomamos el tiempo para darle unas cuantas atenciones descubrimos la esencia imperecedera de una banda que empezaría a tocar en pequeños pubs y que en unos años pasarían ser una de las bandas punteras en el arena rock.
El origen está aquí de la posterior y exitosa carrera, sobre todo en esos acordes adictivos y esas melodías subyugantes.
Además de la mencionada “Sultans Of Swing”, el álbum contiene algunas gemas como las iniciales “Down to the Waterline”, “In the Gallery” o “Lions”, todas ellas eclipsadas por el éxito de la canción estrella.

Bloque-Hombre, Tierra y Alma (1979)

Bloque fue una banda de rock progresivo español que publicaron cuatro álbumes de estudio, algunos de ellos considerados de los mejores del rock progresivo español.
Fundados en Cantabria en 1973, estaba formado por el teclista Juan Carlos Gutiérrez, el bajista Luis Pastor, el batería Paco Baños, y los guitarristas Juan Jose Respuela y Sixto Ruiz.
En 1978 publican su primer álbum titulado simplemente "Bloque", en donde ya dan muestra de su poderío pero que sin embargo esta lastrado por cierta inmadurez en sus composiciones.
Un año después consiguen ser el centro de la atención de los aficionados por su excelente "Hombre, Tierra y Alma", un álbum conceptual, en donde las composiciones son mas elaboradas y la instrumentación mas compleja. Largos pasajes instrumentales son el denominador común de este sobresaliente trabajo.
Desde la inicial y atmosférica "Humanidad indefensa", hasta la instrumental con toques folk "Por fin he vuelto a ti", pasando por ejercicios de rock como la contundente “En infierno esta aquí”, o la melódica progresiva “Meditación parte I”.
Un disco en donde la banda muestra un perfecto equilibrio entre los sonidos hipnóticos y espaciales de los teclados y los riffs de guitarras eléctricas que son combinadas con las acústicas.
En una línea similar a este disco, la banda publicaría "Hijo del Alba" en 1980, que pese a su enrome calidad fue lanzado en plena vorágine de la era post punk española y paso algo desapercibido por el publico, mas interesados por las músicas de la movida madrileña.
Hoy en día Bloque esta considerado una banda de culto en la historia del rock español, que supo hacer una música que no se alejaba en absoluto a sus coetáneos europeos de mas renombre.