Tony Banks-A Curious Feeling (1979)

En 1978 la banda británica Genesis se tomo una largo descanso después del album "And Then There Were Three", entre otros motivos estaban por medio los problemas de Phil Collins en su matrimonio y las ansias de Mike Rutherford y Tony Banks de completar algunos proyectos en solitario.
Así mientras Phil Collins estaba totalmente fuera de juego, Mike Rutherford se dedico a componer y grabar su álbum debut "Smallcreep´s Day" que aparecería en 1980, y Tony Banks por su parte haría lo mismo con su álbum "A Curious Feeling" que seria publicado en 1979.
Tony Banks siempre fue el integrante de Genesis menos exitoso artísticamente, manteniéndose a la sombra continuamente y el mas retraído de todos, sus mejores contribuciones a nivel compositivo con Genesis llegarían después del álbum "The Lamb Lies Down on Broadway", con la autoría de joyas como "A Trick of The Tail", "One For The Vine", "Afterglow", "Undertown", "Burning Rope", "Many too Many" o "The Lady Lies". Son precisamente las cuatro ultimas pertenecientes al "And Then There Were Three", el trabajo donde mas protagonismo tuvo, y al mismo tiempo en donde habían mas composiciones suyas.
Por lo tanto no es de extrañar que "A Curious Feeling" tenga un sabor a ese disco, con grandes orquestaciones a partir de su arsenal de teclados y la potente batería de Chester Thompson.
Para este trabajo Banks confecciono un disco conceptual basado en la historia del hombre y su paulatina perdida de cordura. Para el rol de vocalista Banks acudió a Kim Beacon, que gracias al dramatismo de su voz fue el cantante idóneo para dar consistencia a esta obra.
En un álbum donde cualquiera de sus temas son destacables, sin embargo son la dramática "Lucky Me" o las progresivas "Forever Morning", "You", "Somebody Else´s Dream" o “The Waters of Lethe", las que le acercaban al sonido característico de su banda madre.

Roger Glover-The Butterfly Ball and the Grasshopper's Feast (1974)

A principios de 1974 las relaciones en el seno de Deep Purple estaban en un punto muerto, en donde las tensiones internas terminaron por la salida de Roger Glover, invitado a ello por el irascible Ritchie Blackmore, siendo sustituido por el bajista Glenn Hughes.
A partir de aquí Glover se dedicaría a producir algunos trabajos de bandas como Nazareth, Judas Priest o Rory Gallagher entre otros además de seguir su carrera en solitario.
Ese mismo año 1974 Jon Lord el teclista de los Purple estaba trabajando en una obra basada en un libro infantil ilustrado de Willliam Plomer del siglo XVIII, para ello invita a Roger Glover asumiendo plenamente las tareas de producción, en lo que debería haber sido originalmente un álbum en solitario de su amigo Jon Lord.
Sin embargo una serie de contratiempos impidieron al propio Lord dedicarse y continuar con el proyecto, y Glover no se lo pensó dos veces y además de producir, seria el principal compositor de este disco conceptual a modo de opera rock, y también se convertiría en el director general de dicho proyecto.
"Butterfly Ball And The Grashopper´s Feast" es un doble álbum grabado a modo de opera rock, todas las canciones llevan la firma del Roger Glover, tres de las cuales fueron junto a Eddie Hardin, antiguo cantante y teclista de los Spencer Davis Group, y en otras dos aparecen como coautores Ronnie James Dio y Mickey Lee Soule, teclista de ELF, por entonces la banda de Dio.
El ex bajista de Purple estaba entusiasmado con esta iniciativa, que estaba ganando mucha relevancia, por lo que no tardo en llamar a una inmensa tropa de grandes músicos para que colaborarán en la grabación final del álbum. Entre otros muchos acudieron a la llamada sus ex-compañeros en Deep Purple: Ian Gillan, Tony Ashton, David Coverdale, Jon Lord, además de Ronnie James Dio, Ray Fenwick, Eddie Jobson, John Lawton, o Glenn Hughes. También contaría con algunos actores y cantantes de la escena musical de Londres. "Butterfly Ball…" es una obra agradable, muy cohesionada, y a diferencia de la critica de la época que la considero hermética e irregular, el resultado es una obra bien estructurada musicalmente con complejos arreglos y grandes instrumentaciones. Su principal atractivo reside en su faceta psicodélica con guiños al progresivo que incluso tiende una mano al pop.
Al año siguiente Roger Glover lograría llevar el espectáculo a Londres para presentar la obra en vivo, con la presencia de algunos de los músicos que intervinieron en las grabaciones de estudio, incluso participaría Ian Gillan que fue llamado apresuradamente por que el cantante oficial Dio el cual cancelo a ultima hora su actuación…debido a las presiones de su nuevo jefe, Ritchie Blackmore, (Dio acababa de entrar a formar parte de los Rainbow), quien le prohibió tajantemente participar en el espectáculo.

Cactus-One Way...Or Another (1971)

Surgidos de las cenizas de los inconmensurables Vanilla Fudge, Cactus fue para muchos la mejor respuesta norteamericana a Led Zeppelin, y aunque ellos tenían muchos argumentos para ello, lo cierto es que el poder y la energía de Tim Bogert, Carmine Appice, Rusty Day y Jim McCarty era un rock menos pulido y mas visceral que las huestes de Page y Plant.
Después de un primer álbum sorprendente en donde sobresalían temas como "Parchman Farm" o "Feel So Good", llegaría su segunda y mejor obra "One Way…Or Another" publicado en 1971. Para este álbum seria el famoso Eddie Kramer quien les guiara en la producción del disco, y su labor se nota en la progresiva "One Way…", otros temas como "Rock´N´Roll Children" es pura dinamita en la guitarra de McCarty, mientras "Long Tall Sally" es un boogie rock contenido con un ritmo melódicamente adictivo.
Pero la banda también muestra su versatilidad y su vena psicodélica con la hipnótica "Feel So Bad", o la zeppeliana "Hometown Bust".
Cactus no tuvo mucha mas continuidad, después de dos aceptables álbumes posteriores, terminarían disolviéndose a finales de 1972, cuando Jeff Beck llamaría a Bogert y Appice para constituir el trío Beck, Bogert & Appice con los que grabarían dos estupendos trabajos pero mas enfocados a los sonidos del blues rock.

Count Basie & The Mills Brothers-"The Board Of Directors" (1968)

Count Basie fue pianista y director de muchas de las mas famosas big bands durante cincuenta años, es probablemente el músico más asociado a la música swing y al movimiento del jazz tradicional.
Sus padres eran músicos y recibió lecciones de ellos, (especialmente de su madre) y de otros pianistas populares como Fats Waller. Durante un tiempo, tocó como acompañamiento para películas mudas. Más tarde, en Kansas, se unió al grupo de Walter Page llamado "Blue Devils". Basie dejó la banda a principios de 1928 para tocar con otras orquestas, incluida la dirigida por Bennie Moten. Tras su muerte en 1935, Basie trabajó durante un tiempo como solista antes de formar su propia orquesta con algunos de los músicos de la anterior, entre ellos el saxo Lester Young.
La banda de Basie tocaba en un sórdido lugar llamado Reno Club. Las bebidas costaban 15 centavos, las hamburguesas 5 centavos y los músicos ganaban solo 15 dólares a la semana por siete noches de trabajo. Al igual que ocurrió con Billie Holiday, fue el cazatalentos y promotor John Hammond quien los vio en una actuación en el local y los recomendó a varios agentes y compañías discográficas. Su primera grabación fue en la Decca Records en enero de 1937. Su grabación "One O'Clock Jump" se convirtió en su primera canción en las listas de éxitos en septiembre de 1937, más tarde después de convertirse en su canción más popular, fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.
El regreso de Basie a Nueva York tuvo lugar en 1938 en el club Famous Door, donde obtuvieron un gran éxito. En el invierno de ese año, "Stop Beatin 'Round the Mulberry Bush" cantada por Rushing, entró en el Top Ten de éxitos. A principios de la década de 1940 realizó una extensa gira por el país, que duró hasta que ingresó los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941, tras lo cual sus giras se redujeron drásticamente.
Durante su estancia en la costa oeste participó con su orquesta en cinco películas, todas realizadas en 1943. Tuvo numerosos éxitos musicales tanto en el campo del jazz como en el rhythm and blues: "I Didn't Know About You", "Red Bank Blues","Rusty Dusty Blues", “Jimmy's Blues" y "Blue Skies".
A finales de la década de los 40 disolvió su orquesta en un contexto de decadencia generalizada de las big bands y se decantó por un tiempo por bandas mas reducidas. En 1952, sin embargo volvió a formar una big band con miras a realizar una gira por todo el mundo dos años mas tarde en 1954, precisamente el mismo año en que se uniría el cantante Joe Williams (que estaría con él hasta 1960).
Con Williams publicó en 1955 uno de sus títulos más reconocidos, “Count Basie Swings - Joe Williams Sings”, del cual la canción "Every Day (I Have the Blues)" obtendría un éxito formidable alcanzando las posiciones más altas en las listas y entrando en el Salón de la Fama y un Grammy. Su versión instrumental de "April in Paris" también fue un gran éxito en 1956. Entre finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, ganó varios premios y nominaciones al Grammy. En 1962, Basie firmó con la nueva compañía de Frank Sinatra, Reprise Records y grabó con él “Sinatra-Basie”, que entró en la lista Top Five a principios de 1963.
Todos estos éxitos populares mantuvieron a Basie alejado del jazz durante la década de 1960. Sin embargo, al final de la misma retomó el género con diferentes álbumes con cantantes como Ella Fitzgerald ("Ella y Basie", 1963); de nuevo Sinatra ("It Might As Well Be Swing", 1964); Sammy Davis, Jr. ("Our Shining Hour", 1965); los hermanos Mills ("The Board of Directors", 1968); o Jackie Wilson ("Manufacturers fo Soul", 1968). De todas estas obras destaca "Count Basie & The Mills Bothers / The Board of Directors" considerada una obra de culto, joya del jazz y el swing y una obra maestra absoluta del jazz.

Peter Gabriel-III (1980)

Después de abandonar Genesis, Peter Gabriel se tomo varios años de descanso alejado del mundo musical, buscando nuevas fronteras y alicientes que le volvieran a entusiasmar para emprender su futura carrera en solitario. Optaría por una faceta alejada del sonido de rock progresivo de su banda madre, con sonidos mas experimentales y creativos sin sacrificar el lado comercial en sus cuatro primeros trabajos, todos ellos esenciales para su reconocimiento publico y los consabidos éxitos en las listas de ventas.
Peter Gabriel III, fue publicado en 1980, y como su nombre ya deja entrever, fue su tercer trabajo y el mejor de todos los discos publicados por los componentes de Genesis en solitario. Para esta ocasión Gabriel contó con la colaboración de Phil Collins, Kate Bush, Robert Fripp, David Rhodes, Larry Fast, Paul Weller, Dick Morrisey, Tony Levin, Jerry Marotta entre otros, además de la producción de Steve Lillywhite.
Con este plantel de lujo, Gabriel realizo su mejor obra, perfecta de principio a fin, en donde desde la inquietante "Intruder" hasta la política "Biko", son creaciones tan sublimes como antológicas. Pero Gabriel también sabe derivarse hacia sonidos mas melódicos y comerciales como las impresionantes "I Don´t Remember", "Games Without Frontiers" o "Not One Of Us", mientras los sonidos mas experimentales de "No Self Control", la melancólica y épica a partes iguales "Family Snapshot" o la mas convencional "And Through The Wire", conforman un soberbio trabajo de plena madurez compositiva de este genial músico intemporal.

Rush-Power Windows (1985)

"Power Windows" significaría uno de los mejores discos de Rush de la década de los ochenta, muy valorado tanto por la critica como por los fans del grupo y también seria el primer trabajo con el productor Peter Collins. Publicado en  1985 y quizás influenciados por este hecho, el álbum incluye más teclados y sintetizadores a su sonido característico.
Además Neil Peart añade a su set de percusión habitual, la batería electrónica, lo que le abre nuevas posibilidades en su trabajo y esto se nota a lo largo de todo el disco. Pero sobre todo se aprecia al final, en el ritmo de la fantástica "Mystic rythms", donde uno llega a preguntarse si este hombre es realmente humano. La respuesta llega cuando lo ves en directo interpretar dicho tema, y reproducir la secuencia de percusión de manera perfecta, la versión original del álbum.
Sin embargo quizás se sigue echando en falta una mayor presencia de Alex Lifeson y sus guitarras. Su aportación queda en una mera presencia testimonial, no solo por lo poco que aparece en el disco, sino porque cuando lo hace, es a base de dar a su guitarra un sonido que en nada se parece a una guitarra de rock convencional.
El álbum se inicia con "Big money" y "Grand designs", y a partir de ese momento la calidad de las canciones va creciendo de forma gradualmente espectacular con "Manhattan project", sobre el proyecto que dio lugar a la primera bomba atómica y "Marathon" sobre esta carrera sobrehumana contra uno mismo.
Continúa el disco con "Territories" y los problemas que trae el nacionalismo a la humanidad y con "Middletown dreams", continuación de la temática del "Subdivisions", en cuanto al tratar el tema del ser humano atrapado en una realidad y una rutina que le oprime y su intento de escapar aunque sea sólo soñando.
El álbum se cierra con "Emotion detector" y las dificultades de convivir en sociedad y relacionarnos con los demás de forma natural y con la mencionada "Mystic rythms".

Fruupp-Future Legends (1973)

Influenciados por el rock progresivo, junto a la originalidad de Frank Zappa con acercamientos a la música clásica, al folk británico, con bastantes dosis de lirismo y sensibilidad, Frupp fueron una banda que aglutinaron en cuatro grandes álbumes, el extraordinario talento de sus dos líderes, el virtuoso y electrizante guitarrista Vincent McCusker y el teclista Stephen Houston, completando esta formación el bajista y voz Peter Farrelly y el batería Martin Foye.
Todos sus álbumes rebozaron brillantez, grandes desarrollos instrumentales y al mismo tiempo complejos arreglos. Su primer disco “Future Legends” (1973), es el mas portentoso de los cuatro que esta banda publicaría, alternando momentos de frenesí con partes bucólicas y mas ambientales.
El álbum al completo es una verdadera antología de rock progresivo, como "Decisión" con un comienzo muy beatle que finaliza en una explosión de catarsis sonora y unos riffs alucinantes por parte de McCusker, mientras "As Day Breaks With Dawn", es su contrapunto con una sosegada melodía y que al igual que la anterior finaliza de manera explosiva.
“Graveyard” muestra las excelencias instrumentales en un clímax que van subiendo de tono progresivamente en un largo desarrollo con continuos cambios rítmicos, culminando este soberbio álbum con "Song For a Thought", un extenso tema que se encuadra perfectamente dentro de los parámetros del rock progresivo mas clásico.

Nazareth-Snakes ´N´Ladders (1989)

A finales de la década de los ochenta, muchos ya consideraban a la mítica banda escocesa Nazareth como un gigante dinosaurio.

Ellos habían protagonizado memorables momentos del hard rock de los setenta, habían sobrevivido exitosamente a la era punk, la new wave y los sonidos de los años 80, habían caído al pozo del olvido y habían vuelto a renacer en varias ocasiones, por lo tanto llegados a este punto estaban curados de espantos.
En 1989 Nazareth venia de hacer un álbum que los había puesto en órbita después de algunos fracasos, como fue su enorme "Cinema", por lo que volvieron a probar fortuna con un nuevo trabajo titulado "Snakes´n´Ladders".
Para este nuevo disco la banda endurece su inconfundible estilo, en parte producto de las decisiones de su productor Joey Balin, y en donde ya desde el primer corte "We Are Animals" se puede observar, aunque en la línea del característico sonido "Nazareth", de igual manera temas como "Trouble" o "See You" See Me", confirman esa tendencia, ambas de gran intensidad, fuerza y poderío. La elegante "Lady Luck" o la comercial "The Key", pese a ser grandes composiciones están demasiadas sobre producidas debido a los excesivos arreglos habituales de los años ochenta, mientras la atmosférica y adictiva "Hang On to A Dream", deja entrever un sonido derivado al metal pop muy de moda en aquellos años, en contra son la rock "Donna-Get Off That Crack" y "Back to School", las que mantienen un nivel muy aceptable la puntuación final de este interesante álbum.

Deep Purple-Come Taste The Band (1975)

Despreciado por muchos y venerado por otros, "Come Taste The Band" fue el décimo trabajo de Deep Purple publicado en 1975, y el único álbum en donde aparece la formación conocida como “Mark IV” (Hughes, Coverdale, Paice, Lord y Tommy Bolin).
También fue el primero en donde ya no estaba Ritchie Blackmore, sin duda el alma de los Purple con permiso de Jon Lord y de Roger Glover cuando este aún pertenecía a la banda, y también el ultimo de los Purple en la década de los 70.

Ya no volverían a publicar material nuevo hasta nueve años después con "Perfect Strangers" en 1984.
Así las cosas este álbum tiene muchas connotaciones especiales, para empezar el binomio Coverdale-Hughes vería reforzado su estilo soul funk con un nuevo miembro que no le hacia ascos a este acercamiento estilístico como era Tommy Bolin, alejado del clasicismo barroco de su líder Blackmore, por otro esa misma falta de liderazgo hacia presagiar que esta formación no seria muy duradera, como así ocurrió y por ultimo el alejamiento de sus fans mas puristas que habían empezado a cuestionar los nuevos horizontes musicales con el anterior "Stormbringer", que aquí se vería mucho mas refrendado.
Siendo objetivos y observando desde la distancia que dan los 40 años de su publicación, "Come Taste The Band" no es ninguna obra maestra, pero ni muchos menos tampoco es un álbum despreciable, sencillamente es un trabajo muy meritorio y aceptable viniendo de quien viene, es obvio que si lo hubieran grabado cualquier otra banda, ahora hablaríamos de un soberbio álbum de rock.
"Comes Taste The Band" contiene momentos de enorme calidad como la inicial "Comin´Home" alegre y divertida, con un Bolin magistral a la guitarra, la funk "Lady Luck", la bluesy "Dealer", en donde ya podemos intuir el sonido que en algunos años tomaría prestado Whitesnake, mientras en "Gettin´Tighter" y "Love Child" se intuye lejanamente el sonido Purple clásico, la semi progresiva "This Time Around/ Owed To G" es uno de los puntos cumbres del álbum, que culmina con la grandiosa "You Keep on Moving" en donde la banda al completo esta en un gran estado de gracia.
En definitiva un buen álbum grabado con una gran formación que fue injustamente infravalorada por parte de sus fans y que significaría el broche de oro de la época dorada de los majestuosos Deep Purple.

Steve Miller Band-Greatest Hits 1974-1978 (1978)

Steve Miller es uno de los grandes músicos norteamericanos, que durante los años sesenta estuvo tocando con clásicos del blues como "Howlin´Wolf" o "Muddy Waters" en Chicago.
En 1966 Steve Miller se instaló en San Francisco atraído por el emergente movimiento hippy y ese mismo año formaría la Steve Miller Band.
Steve Miller tenía un talento muy completo, con una técnica depurada y un gran conocimiento en las raíces de la música norteamericana, por lo que tenía la calidad suficiente para convertirse en una de las figuras del momento.
Tras unos discos de gran clase que no consiguieron el éxito deseado, en 1973 sin embargo lograría su primer éxito con el disco "The Joker", al que le seguirían tres años más tarde otros éxitos masivos como "Fly Like an Eagle" o "Book of Dreams".
Estos tres últimos trabajos contienen algunas de las canciones más reconocidas en la historia de la música rock como "Take The Money and Run", "Rock´n Me", "Fly Like An Eagle", "Jet Airliner", "Jungle Love", o "Swingtown".

Todos ellos aparecerían en el recopilatorio "Greatest Hits 1974-1978", que en 1978 Capitol Records editó aprovechando el gran momento de forma de la banda.
Este disco se convertiría en uno de los recopilatorios más vendidos de la historia, con más de 17 millones de copias en todo el mundo, gracias a una magistral colección de temas emblemáticos.

Taste-On The Boards (1970)

Rory Gallagher siempre fue considerado por sus colegas y músicos contemporáneos, como el emblema de la honestidad y la pureza, por su capacidad de no ceder a las exigencias de las compañías discográficas. Por ninguna razón habría abandonado jamás sus jeans descoloridos, sus guitarras maltrechas y sus habituales camisas a cuadros, emblemas todos ellos ricos en significados profesionales y humanos para el, como la voluntad de no olvidar sus raíces humildes y la honestidad de fondo de todos los guitarristas de blues.
Nacido en Cork en 1949, Gallagher comenzó a muy temprana edad a rasgar la guitarra y con 15 años ya tenia su propia banda de blues rock. Después de tocar en algunas de las mejores bandas irlandesas como The Fontana Showband, en 1966 forma su primera banda profesional, llamada Taste con los que grabaría cuatro fabulosos álbumes y llenaron algunas de las paginas de oro del rock, como su soberbia actuación en el Festival de la Isla de Wight de 1970.
Pero Taste mas que una verdadera banda, era una especie de mini organización musical al servicio de Rory Gallagher, que con frecuencia relegaba a sus dos compañeros, el bajista Charlie McCraken y el batería John Wilson al papel de meros acompañantes.
"On The Boards" fue el segundo álbum de este power trio, publicado en 1970, supuso el mejor trabajo, en donde se muestra el enorme talento de Gallagher con el manejo de la guitarra. La poderosa "What´s Going On" es la carta de presentación de este álbum, a la que siguen la blues pausada "Railway and Gun", la acelerada rock blues "It´s Happened Before, It´ll Happen Again" o la sensacional "If I Don´t Sing I´ll Cry".
Con este lanzamiento y la posterior actuación en el ya citado Festival de la Isla de Wight, Taste entraron de lleno en los anales de la música rock.

John Campbell-One Believer (1991)

John Campbell fue uno de los bluesman más desconocidos y quien sin embargo publicó varios de los mejores y más impresionantes discos de blues clásico de los noventa.
Curtido en garitos, clubs y salas de blues y jazz, Campbell se fue labrando una reputación en diferentes ciudades del sur norteamericano. Su primer disco data de 1975, el cual pasó completamente desapercibido. Frustrado decide volver a seguir tocando en clubes de Texas y Nueva Orleans, y a mediados de los ochenta se mudaría a Nueva York, incorporándose a la animada escena blues de la ciudad de los rascacielos.
En 1988 el guitarrista Ronnie Earl le brinda su ayuda y le produce su segundo álbum "A Man And His Blues", con el que se daría a conocer mas ampliamente, y una nominación para los premios W.C. Handy, y de paso se gano el interés del sello Elektra, con quien le firma un contrato y le publica su siguiente trabajo "One Believer" en 1991.
Con un estilo de blues acústico fusionado con country-blues y blues-rural, Campbell dota a sus canciones de letras tristes, desamores, bares de carretera y temas de la América profunda.
“One Believer” está lleno de blues emocionantes con mucha fuerza y sentimientos; "Devil in My Closet", "Wild Streak", "Tiny Coffin", "World of problem" o el magnífico "Voodoo Edge".
Dos años más tarde y siguiendo un patrón de continuidad, publica "Howlin Mercy" que contiene una apasionante versión de la canción de Led Zeppelin "When The Leaves Breaks" que gana mucha notoriedad.
Más tarde se unió a Buddy Guy durante varios años para realizar una gira por los Estados Unidos, pero en 1993 murió de un infarto a los 41 años, su muerte le impidió convertirse en una leyenda del blues con el tiempo, justo cuando sus últimos trabajos comenzaban a tener un gran éxito en los circuitos internacionales del blues.

Camel-A Live Record (1978)

"A Live Record" es un doble álbum en vivo considerado una obra maestra indiscutible del rock progresivo.

A pesar de que Camel siempre estuvieron a la sombra de sus contemporaneos progresistas (Pink Floyd, Genesis, Yes o Jethro Tull), tuvieron el mérito de haberse sabido mantener durante casi 4 décadas como una banda de culto entre los amantes del rock progresivo.
"A Live Record" fue lanzado cuando  Camel ya contaba con cinco trabajos de estudio de muy alta calidad, algunos de ellos como "Mirage" (1974), "The Snow Goose" (1975) o "Moonmadness" (1976) verdaderas obras maestras.
El repertorio incluido en este disco está repleto de temas pertenecientes a todos ellos, desde "Lady Fantasy" hasta "Rhayader", pasando por "Flight of the Snow Goose" y "Song Within a Song". Este trabajo representa lo mejor de tres giras diferentes.
También aquí podemos apreciar la formación de la banda más clásica y la más exitosa en acción, con la inclusión de Richard Sinclair y Mel Collins, todos interpretando grandes clásicos del grupo, con un alto rendimiento y mucha química grupal, como por ejemplo la mejor versión de "The Snow Goose", versiones insuperables de "Lunar Sea", "Lady Fantasy" y "Never Let Go", pero también otros clásicos inmortales del álbum "Moonmadness".
Aparecen grabaciones cronológicas de la gira "Mirage" en 1974, y de la gira "Rain Dances" en 1977 en el primer disco del álbum. El segundo está dedicado a la presentación completa del álbum conceptual, "The Snow Goose", durante la gira del año 1975.
Este es realmente un disco imprescindible para cualquier fanático del rock progresivo.

Angel-Live Without A Net (1980)

Formada a mediados de los 70 en Washington, Angel es una de las bandas más desconocidas entre el público en general, pero que sin embargo es considerada por la crítica como la primera banda que hizo AOR en el mundo. Nunca tuvieron la suerte ni el reconocimiento que disfrutaron otras bandas contemporáneas como Boston, Journey, Kansas o Foreigner, a pesar de su indudable calidad, dejando algunos discos memorables como el directo "Live Without A Net" publicado en 1980, que es uno de las obras antológicas del AOR.
Con influencias que van desde el rock progresivo de los 70, hasta grupos como Kiss, con un sonido fresco, contagioso, divertido y sobre todo comercialmente enfocado al gran público.

Sus miembros fundadores fueron el guitarrista Punky Meadows y el bajista Mickie Jones, que junto al teclista Gregg Giuffria, el batería Barry Brandt y el vocalista Frank DiMino y fueron descubiertos por Gene Simmons de Kiss, quien les proporciono un contrato con el sello Casablanca, el mismo de su banda.
Para cuando publicaron "Live Without A Net", la Angel ya tenia cinco álbumes de estudio con algún éxito destacable como los hits "Don't Leave Me Lonely" o "Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore”, ambos con una notable presencia en las FM norteamericanas.
Este directo contiene magníficas canciones como "Don't Leave Me Lonely", "Over And Over" o "Anyway You Want It", haciendo de este trabajo un fiel y perfecto reflejo de lo que es el AOR de alta calidad.

Blue Cheer-Vincebus Eruptum (1968)

Blue Cheer es una banda icónica de hard rock y rock psicodélico que en 1968 lanzó su incendiario álbum debut "Vincebus Eruptum". Este power trío estaba formado por el bajista y voz Dickie Peterson, el guitarrista Leigh Stephens y el batería Paul Whaley, y se habían formado en California a mediados de 1966. Durante su época de mayor esplendor esta banda actuó en numerosos festivales y conciertos al lado de las mejores bandas de la época como Cream, The Doors, Jeff Beck, Janis Joplin, Jimi Hendrix o Pink Floyd entre otras muchas. “Vincebus Eruptum” fue su álbum debut, un disco con un estilo de guitarra de sonido muy sucio, con mucha energía y crudeza en todas sus canciones, desde la magistral versión de Eddie Cochran "Summertime Blues", hasta la hipnótica psicodélica "Rock Me Baby" pasando por el blues rock "Parchment Farm" o "Out Of Focus ", y terminando con la visceral" Second Time Around ".

A pesar de la innegable calidad de Blue Cheer, las continuas comparaciones con Cream terminaron pasándoles factura al no sonar tan elegantes como la banda de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce.

Aún así, estuvieron activos hasta 1971, para luego reunirse cada cierto tiempo hasta que en el 2007 publicaron su último trabajo, el meritorio "What Doesn't Kill You ...".

Albert King-Live At Montreux (1977)

Albert King es uno de los más grandes bluesmen de la historia, un musico imprescindible en los años sesenta y setenta, participando en todo tipo de conciertos y festivales, colaborando con grupos como The Doors y con artistas de la talla del mítico bluesman texano Stevie Ray Vaughan o con Gary Moore, aportando su estilo único y peculiar.

Albert King era zurdo y tocaba su guitarra Gibson Flying-V al revés como Jimi Hendrix, también con las cuerdas, es decir no invirtió el orden del encordado, algo que tenía un doble mérito, porque producía un sonido distintivo e inconfundible y una vez que llegaba a los oídos del público, se volvía inolvidable. 

En 1977 se publicó uno de sus mejores shows en vivo "Live at Montreux", comenzando con "Watermelon Man", compuesto por Herbie Hancock, tema que usaba regularmente como inicio en sus conciertos dada su pasión por el jazz. Continúa con otros que tienen cierto aire funky, como el pletórico "Blues at Sunrise" o el excelente "Stormy Monday", la mayoría de los cuales son de larga duración y muestran su innegable virtuosismo.

El clímax llega al interpretar el conocido "As the years go passing" del irlandes Rory Gallagher, de esplendorosa factura y al que se une para terminar este fabuloso directo con el maravilloso blues “I'll play the blues for you".

Sandrose-Sandrose (1972)

Para muchos críticos y fans, la primera y única obra del grupo francés Sandrose es una de las joyas ocultas del progresivo europeo, una obra que es codiciada por los coleccionistas y que hoy, además de su difícil localización, es un disco con un valor bastante elevado entre los melómanos. Sandrose fue una gran banda francesa de rock progresivo, formada en 1971 por el guitarrista Jean Pierre Alarcen. Los otros miembros de la banda eran Christian Clairefond al bajo, Michel Jullien a la batería y Henri Garella a los teclados y Mellotrón. Las voces fueron proporcionadas por la poderosa vocalista Rose Podwojny cantando con letras en inglés.

Su único álbum titulado homónimamente como la banda fue publicado en 1972 y en él podemos escuchar unos hermosos diálogos entre la majestuosa guitarra y los espléndidos sonidos de teclado, con un estilo versátil y complejos fragmentos con excelentes melodías iluminadas por una voz potente pero a la vez sutil.

Con un inicio arrollador como la acelerada con cambios rítmicos “Vision”, la banda demostraba su talento compositivo y con la extensa "Undergroundsession" ya mostraba como su nombre indica, las posibilidades instrumentales de la banda, un tema progresivo en donde una frenética guitarra eléctrica es secundada por unos insinuados teclados, y que nos recuerdan a los Camel más sinfónicos, mientras en "To Take Him Away", dejaban claro sus influencias genesianas con un soberbio trabajo de mellotrón y la estupenda voz de Rose Podwojny, finalizando con la instrumental progresiva "Metakara" un tema con complejos arreglos muy cercanos al jazz.

Simon and Garfunkel-The Concert In Central Park (1982)

El 19 de septiembre de 1981, Simon y Garfunkel se reencontraron once años después de su ruptura como dúo, para ofrecer un concierto gratuito en el Central Park de Nueva York, ante más de 500.000 personas. Los preparativos de este concierto masivo estuvieron plagados de múltiples inconvenientes, por un lado las presiones de las discográficas de cada artista, y por otro el ego de ambos, que finalmente llegaron a un acuerdo amistoso, no sin antes haberse celebrado varias reuniones tensas entre los managers y los propios Paul Simon y Art Garfunkel.

Cuando llegó el día, ambos subieron al escenario y empezaron con un repertorio donde dieron un repaso de lo más exitoso de la carrera del dúo, dejando a un lado las malas relaciones que existían entre ambos.

Temas como "Mrs Robinson", "The Sound Of Silence", "Bridge Over The Troubled Water", "Homeward Bound", "America", "Scarborough Fair"o "The Boxer" sonaron impecables y hermosas, respaldados por la banda habitual de Paul Simon, que la puso como condición inapelable para actuar en este concierto.

Además, el dúo interpretó algunas versiones de canciones de otros artistas como "Wake Up Little Susie" de los Everly Brothers o un emocionante "Heart In New York" de Gallagher and Lyle cantada por Art Garfunkel de manera sublime.

También hubo momentos para algunas canciones de los repertorios solistas de ambos, por ejemplo Paul Simon (acompañado en la voz por el propio Garfunkel), interpretó "American Tune", "Me and Julio Down by the Schoolyard" o la rítmica "Late in the Evening", aunque sería la extraordinaria "April Come She Will" una de las grandes actuaciones de la noche. Por su parte, Garfunkel hace alarde de su prodigioso talento en un arrollador "April Come She Will" que fue muy aplaudido.

Varios días después la cadena norteamericana HBO transmitió el concierto a todo el país y se reservó los derechos para su distribución en video al resto de países a nivel mundial. Posteriormente, en 1982 se publicaría el álbum doble con buena parte del concierto, obteniendo unas ventas que superarían los 4 millones de copias en todo el mundo.

El Concierto en Central Park es considerado uno de los conciertos más famosos y masivos en la historia de un solo artista, que curiosamente sería superado diez años después en el mismo lugar por el propio Paul Simon en solitario, reuniendo a más de 750 mil personas en su famoso "Concert In The Park".

Sly & The Family Stone-Stand (1969)

Sly and The Family Stone fue la primera banda de color de la costa oeste americana. Ellos serian aceptados masivamente tanto por sus grabaciones, como por el tremendo éxito personal acontecido en el festival de Woodstock en 1969, a pesar de sus abundantes connotaciones raciales y políticas y el reto que suponía el desenfado y la tremenda agresividad de Sly Stone.
La carrera de Sly Stone se remonta a los primeros años de los sesenta cuando forma su primera banda The Stoner´s para en 1968 configurar lo que finalmente seria Sly and The Family Stone.
La aparición de Sly and The Family Stone es fulgurante, su música bautizada como Psychodelic Soul, junto a una explosiva descarga rítmica y comercial tiene una clara ideología racial que la destaca por encima de otros valores.
Su mencionado triunfo en Woodstock es sin duda la mas clara prueba de su aceptación masiva. Esta banda estaba formada siete miembros, de los cuales tres eran hermanos del propio Sly, Rose, Vaetta y Freddie Stone, teclados, voces y guitarra respectivamente, además de Jerry Martini (saxo), Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (bajo), y Gregg Errico (batería). En el destacan  cuatro vocalistas principales, a todos ellos habría que sumarles un grupo de coristas llamadas "The Little Sister", sin embargo Errico y Martini, eran los dos únicos músicos de raza blanca de la banda.
Con semejante tropa de componentes de voces y instrumentos, no era de extrañar la sensación que producía la banda entonces.
En 1969 llegaría el cuarto álbum de la banda, "Stand", el cual consagra definitivamente a Sly & The Family Stone, un disco con una inmejorable fusión de soul, funk, rock, jazz y la psicodélica imperante. Aquí mostraron la calidad necesaria para que de inmediato fueran invitados ese mismo año al mencionado Woodstock.
"Stand" es un perfecto equilibrio entre soberbios ritmos funk con coros gospel, con la temática anti-racial como estandarte: "Don´t Call Me Nigger, Whitney", o la groove "I Want to take you Higher", que fue uno de los temas mas excitantes que hicieron furor en Woodstock, mientras la funk "Sing a Simple son" muestra el virtuosismo de Larry Graham con el bajo.
La versión de "Sex Machine" es sin duda el momento cumbre del álbum, un torbellino de funk experimental de 14 minutos en donde toda la banda tiene su momento de lucidez.
A partir de aquí, el éxito y el estilo sociopolítico de su soul les pasaría factura, relacionado con el consumo de drogas por parte de algunos de sus miembros, o llegando a formar parte de los famosos "Black Panthers" (Panteras Negras) quienes empezaron a tomar decisiones en el seno de la banda como expulsar a los músicos blancos entre otras cuestiones raciales.

Jefferson Starship-Dragon Fly (1974)

A mediados de los 70 los Jefferson Airplane se adaptaban a los nuevos tiempos y cambiaron su nombre por el de Jefferson Starship, esto suponía un gran cambio en todos los sentidos, y con esta "modificación" de "aeroplano" a "astronave", es como si quisieran subrayar la evolución y los continuos cambios del grupo. Alejados de la psicodélica hippie de sus álbumes de finales de los sesenta bajo Airplane, ahora se abrían a las exigencias de un nuevo público, modernizando su música con un rock más accesible, potente y hasta cierto punto aséptico. "Dragon Fly" publicado en 1974, será el punto de partida, a estas alturas aún gran parte de la formación original que grabara los míticos "Takes Off" (1966), "Surrealistic Pillow"(1967)  o "Volunteers" (1969), están presentes aqui, Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner, que junto a las nuevas incorporaciones Craig Chaquico, Papa John Creach o David Freiberg, les dan un nuevo enfoque estilístico, los sonidos más AOR de fácil asimilación, pero no exentos de gran calidad. La versatilidad de la guitarra de Chaquico, y los sonidos de violín de Papa John Creach, le dan al álbum profundidad y eclecticismo. "Ride The Tiger", muestra la faceta melódica y tremendamente adictiva de sus composiciones, "That´s for Sure", es un retroceso a sus años experimentales con un sonido actualizado, "Caroline", es el éxito del disco, firmado por Balin, que le da la consistencia comercial necesaria al álbum, sin embargo son la rítmica "Devils Den", o la épica y maravillosa "Hyperdrive", lo mejor de "Dragon Fly", que supuso el resurgimiento de una de las más importantes bandas de los sesenta que resucitaron de manera brillante en los setenta, firmando soberbios trabajos como este o los siguientes "Red Octopus" (1975) o "Spitfire"  (1976).

Creedence Clearwater Revival-Cosmo´s Factory (1970)

Aún cuando representaban la tercera generación de bandas de rock de San Francisco, la Creedence Clearwater Revival fue mucho más que un simple grupo de la Costa Oeste ya que lo único que los emparentaba con sus contemporáneos era precisamente eso; la geografía. Ellos fueron a contracorriente de las culturas musicales y las tendencias que sobresalían por entonces; la psicodélica, la experimentación, la exploración de sonidos y la cultura hippie o para ser más exactos la llamada “Flower power”. Creedence Clearwater Revival centró su atención en la música de los años cincuenta inspirándose en el country, en el rock´n´roll, y en el rhythm and blues de esa década, logrando un sonido que llegó a capturar a los fans del pop y del rock por igual. Su enorme éxito, tanto en el mercado de singles como de álbumes fue realmente extraordinario, hasta el punto que cuando en 1970 publicaron su quinto álbum “Cosmo´s Factory”, ya llevaba tras de sí y en apenas dos años media docena de álbumes de platino en ventas. “Cosmo´s Factory” demostraba la enorme capacidad del grupo para fascinar a todos los públicos, con un arsenal de singles exitosos como “Travelin´Band”, "Looking out my book door” o “”Up around the Bend”, que coparon las primeras posiciones de las listas de hits, pero también demostraron que podían ejecutar perfectamente el clásico raga-rock al estilo de los Grateful Dead en una sola canción como la inolvidable versión del sello Motown “I Heard It Through the Grapevine” con sus once minutos hipnóticos y adictivos que sorprendieron al mundo entero. Los ecos de la música de la banda llegan hasta Vietnam, allí se estaba produciendo una guerra sangrienta y una de las más devastadoras de la historia de la humanidad, y las tropas norteamericanas son alentadas por la música de Creedence como “Run Through The Jungle” o “Who´ll Stop The Rain”, temas que permanecen hoy en dia asociados a esa confrontación bélica junto a la mencionada “I Heard It Through The Grapevine”.

The Jimi Hendrix Experience-Electric Ladyland (1968)

Casi hacia finales de 1968, se lanzó el tercer álbum de Jimi Hendrix junto con su banda Experience, titulado "Electric Ladyland" y fue el único con un éxito como single, la impresionante versión de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower ".
Sin embargo el álbum alcanzaría el primer lugar de las listas con ventas que superaron con creces los dos millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos, y con unas ventas globales de mas de cinco millones a nivel mundial.
Con una portada que causó bastante revuelo por lo sugerente que parecía, (un harén de mujeres desnudas), el diseño del disco generó, por razones obvias, críticas contundentes, al punto que muchas tiendas se negaran a venderlo en su día. Finalmente, se cambió por una nueva portada, destinada exclusivamente al mercado estadounidense, con la clásica pegatina reticente advirtiendo "sexualmente explícito", donde en lugar de protagonizar a las chicas amables y sugerentes, se hizo un dibujo con aire psicodélico.
Musicalmente este disco contiene un cambio inesperado pero esencial en el estilo de sus obras anteriores, con una evolución de su sonido, mucho menos comercial, producto de la complejidad de los arreglos, pero repleto en matices es su trabajo más experimental e innovador, con atmósferas y acordes más sofisticados, creando líneas de guitarra casi imposibles con progresiones de acordes de jazz, mezcladas con funk y el blues clásico.
Para esta obra Hendrix ya mostraba la madurez necesaria para convertirse en un gran guitarrista y al mismo tiempo en  gran compositor y un excelente músico.
Además del mencionado "All Along The Watchtower", el disco contiene un repertorio de piezas que han pasado a la historia como ejercicios perfectos de como tocar la guitarra, como el experimental "And The Gods Made Love", el siniestro y innovador "Voodoo Chile" , o la contundente "Burning Of the Midnight Lamp".
"Electric Ladyland" se convirtió en un completo manual de guitarra para cualquier héroe del instrumento y aunque en todos los años siguientes, han habido muchísimos que intentaron imitarle, ninguno le ha podido superar ni siquiera igualar la increíble calidad de Jimi Hendrix.

Tom Waits-Rain Dogs (1985)

"Es raro de mil pares de narices", así definió un critico musical a Tom Waits en una ocasión, y razón no le falta, este actor, cantante y compositor que lleva casi 50 años de carrera, en los cuales se ha ganado buenas criticas entre los ambientes underground y un status de culto. Sin embargo Tom Waits jamás ha logrado un éxito comercial con ninguna de sus obras, debido principalmente por su extraña música, experimental y arriesgada, con un estilo inconfundible y con esa voz carrasposa producto del tabaco y el alcohol, lo cual le ha alejado del gran publico, de hecho son una legión de fans no muy numerosa quienes se han mantenido firmes siguiendo todos sus trabajos.
Influenciado por los escritores de la generación beat, sus letras tratan de la vida real en las calles, los trapicheos en los bajos fondos y los ambientes nocturnos de los barrios de mala muerte.
En 1985 salía al mercado su noveno álbum "Rain Dogs", otra obra experimental y con un estilo ecléctico, pero mirando la vista atrás, a sus primeros discos, con un sonido mas melódico y "accesible" (aunque ciertamente de accesible no tiene mucho). La música aquí sigue teniendo excentricidad hasta limites insospechados, con guiños al jazz y al blues, y con marcados ritmos de contrabajo y percusión.
Aún así Tom Waits tiene un aura especial y única, hasta el punto que artistas de la talla de Bruce Springsteen, The Eagles o Rod Stewart entre otros, hayan versionado muchos de sus temas.

Various Artists-Bumpers (1970)

A finales de los sesenta, los sellos discográficos británicos empezaron a publicar una selección del material de sus artistas en discos conocidos como “samplers”. Estos no estaban pensados ​​como antologías o compilaciones; el propósito principal era brindar a los oyentes la oportunidad de conocer una variedad de estilos musicales underground a un precio reducido, (también denominado Mid-Price), incluyendo en particular a artistas quienes no tenían un mercado de singles convencional y, por lo tanto pocas oportunidades de radiofusión en las emisoras británicas.
Ya en los Estados Unidos “The Rock Machine Turns You On” de Columbia y Liberty Records con el álbum 'Gutbucket', habían comenzado esa tendencia por la misma época.
La respuesta británica vino de la mano de la Islands, produciendo una serie de los llamados “samplers”, desde “Nice Enough to Eat' y 'You Can All Join In' en 1969, hasta 'Bumpers' en 1970 y 'El Pea' en 1971. 'Bumpers' significaba "la mejor opción", y comprendían colecciones eclécticas pero coherentes de música en formato de doble LP de vinilos de 33 rpm.
A finales de los sesenta la escena musical británica era notablemente vibrante, y Island Records era posiblemente el sello más experimental, innovador y diverso, y sin duda el sello independiente más exitoso antes de que su fundador, Chris Blackwell lo vendiera a A&M Records muchos años después en 1989. Blackwell había comenzado en 1959 en la industria discográfica en Jamaica, promoviendo los sonidos emergentes del bluebeat y el ska. Había tenido notable éxito con 'My Boy Lollipop' de Millie Small en 1964, momento en el que traslada su sello Island a Notting Hill Gate en Londres. El sello se expandiría para incluir una amplia gama de estilos desde sonidos pop, hasta el rock, pasando por géneros como el folk, el jazz, el blues, reggae, sonidos progresivos, música underground y propuestas experimentales.
No es de extrañar entonces que este “Bumpers” fuera una colección de artistas que básicamente grababan álbumes y no canciones para las listas de éxitos.
“Bumpers” fue publicado en 1970 y contenía lo mas reputado del sello en aquellos años, desde Traffic, King Crimson y Jethro Tull, sus buques insignia, hasta incipientes promesas que luego serian estrellas o bandas ya consolidadas como Free, Renaissance, Cat Stevens, Fairport Convention, Bronco, Spooky Tooth, Quintessence, Jimmy Cliff, Mott The Hoople, Nick Drake o If.
Con un comienzo arrollador como es “Every Mother´s Son” de Traffic, esta compilación empezaba a lo grande, la versión de The Beatles “I Am The Walrus” interpretada por Spooky Tooth, era uno de los momentos mas excitantes, mientras Jethro Tull mostraba su arsenal folk rock con “Nothing to Say”, por el contrario If, una de las mas desconocidas, mostraba su potencial en la enrevesada progresiva “I´m Reaching Out On All Sides”.
“Cadence and Cascade” mostraba los King Crimson mas bucólicos, mientras Cat Stevens y su “Mayble You´re Right” dejaba claro su faceta folk que le daría grandes éxitos poco después, lo mismo que ocurre con las aportaciones de Fotheringay y su “The Sea” o Fairport Convention con “Walk Awhile”.
Sin embargo serian el joven Jimmy Cliff con su “Going Back West” y unos noveles Renaissance con el tema “Island” quienes mejor se beneficiaron de este antológica muestra del poder de la música británica de finales de los 60 y de la Island Records en particular.

Various Artists-"Fill Your Head With Rock" (1970)

"Fill Your Head With Rock" fue una soberbia recopilación en formato de doble LP que el sello norteamericano CBS publicó en 1970 y que incluía a algunos de los artistas más conocidos del sello en ese momento.
Con una portada icónica en donde aparece Gerry Goodman de The Flock con su característico violín y con el cabello al aire, esta especie de “promoción”, fue un gran éxito en todo el mundo, vendiendo más de un millón de copias y obteniendo una gran difusión a nivel internacional.
Habría que matizar que por aquella época, algunos de estos artistas solo eran conocidos en Estados Unidos y en Inglaterra, sin duda los dos mercados mas importantes del mundo, pero no así en otros muchos países (España entre ellos), por lo que supuso que personas alrededor del mundo tuvieran conocimientos de estos artistas.
En ese momento, este soberbio recopilatorio competiría con otro célebre editado por el sello progresivo Islands Records, titulado "Bumpers", con la diferencia de que este solo mostraba artistas británicos, mientras que la CBS presentaba artistas de ambos países que grababan bajo su sello.
Esta selección fue una fiel representación de lo mejor de la CBS en aquellos años desde los cantautores y grupos de folk más creativos de la época: Tom Rush, Laura Nyro, The Byrds, Leonard Cohen o Al Stewart, hasta los sonidos punteros de nuevo jazz rock: Chicago o Blood Sweat & Tears, pasando por los mas experimentales y progresivos; Santana, Steamhammer, Black Widow, Spirit, Argent, Skin Alley o Moondog o los enfocados al blues; Al Kooper, Pacific Gas & Electric, Janis Joplin, Johnny Winter o Mike Bloomfield.
Entre esta espectacular selección de grupos y temas destacan la poderosa “Listen” de los Chicago Transit Autorithy, la catártica y frenética “Savor” de Santana, la progresiva “Passing Through“ de Steamhammer, la oscura “Come to the Sabbat” de Black Widow, la psicodélica “Dance in the Smoke” de Argent”, la deliciosa “The Garden of Jane Delawney” de Trees, la épica “Lost my Drivin´Wheel” de Tom Rush o la blues rock acelerada “I Love Everybody” de Johnny Winter.

Isaac Hayes-Hot Buttered Soul (1969)

La historia de Isaac Hayes tiene todas las características de una gran novela cinematográfica ambientada en el sur de los Estados Unidos, pobreza, discriminación racial, explotación, desesperada lucha por progresar y finalmente el éxito.
Huérfano a muy temprana edad, se crío en los campos de Tennessee y siendo un adolescente demostraría una tenaz prolijidad hacia la música.
En sus años de bachillerato conocería a Maurice White y David Porter, este ultimo fue contratado como autor por la Stax Records y se llevaría a Hayes como músico de estudio.
Después de actuar en improvisadas Jam sessions junto a la banda por excelencia de dicho sello, The Bar-Keys, Hayes pasaría a ser un músico fijo en las grabaciones de personajes como Otis Redding, Wilson Pickett o Eddie Floyd. El trabajo con Otis Redding seria vital para la posterior carrera de Hayes, con el que aprendió a modular la voz en toda la gama de significados posibles.
A partir de aquí tanto Porter como Hayes se convirtieron en una famosa pareja fabricante de hits, un factor clave en la Stax, el mas importante sello de rhythm and blues del sur de Estados Unidos.
En 1967 Hayes debutaba con el álbum "Presenting Issac Hayes", el cual sin tener demasiado impacto serviría para prepararse el terreno en el mercado discográfico.
En 1969 los nuevos dueños de la Stax Records decidieron que el mercado de la música negra era mas adecuado para el formato álbum que para los singles. Así pues encargarían a la compañía veintiocho álbumes, los artistas de Stax realizaron un trabajo agotador para preparar los álbumes, sin embargo en el recuento final, el dúo Porter -Hayes repararon en que faltaba un álbum. Isaac Hayes llevo al estudio a la sección rítmica de The Bar-Keys y grabo "Hot Buttered Soul", para así cumplir el contrato.
Y contra todo pronostico, se produjo el milagro, “Hot Buttered Soul” llego al primer puesto de las listas de éxitos de jazz y soul en agosto de 1969, alcanzando también el numero ocho en las listas de pop, creando para la música negra nuevas posibilidades de penetración en el mercado blanco.
"Hot Buttered Soul", tiene sus raíces en la típica tradición del soul del sur, con un rhythm and blues tosco y cargado de erotismo, de country y de pop en una mezcla que remitía al blues de manera sentimental. Ahí residía la novedad del estilo que Hayes había experimentado en publico en los night clubs de Memphis durante sus años de bachillerato.
Además Hayes junto a los The Bar-Keys, alargaban las canciones mucho mas allá de los tradicionales 3 o 4 minutos, incluyendo largos pasajes instrumentales.
Un álbum que contiene solo cuatro temas, entre los que destacan  "Walk On By" épica canción de doce rítmicos minutos, la poderosa funk (y de paso estrambóticamente titulada) "Hyperbolicsyllabicseqyedalymistic", o "By the Time I Get to Phoenix", que con sus casi veinte minutos de hipnótico ritmo y un final de clímax orquestado, convertían a este disco en una de las piedras angulares del soul progresivo.

Eric Burdon and War-Eric Burdon Declares War (1970)

Eric Burdon fue el mejor cantante de los años 60, gracias a una voz increíble que hasta cuando recitaba las canciones, producía cadencia, ritmo y movimiento. Su leyenda y su inconformismo son una historia aparte dentro de la propia historia, de tal forma que su trayectoria es tomada casi como ejemplo de progresión y evolución en la década de oro de la música rock y pop.
Eric Burdon and The Animals fueron una gran parte de la evolución del blues y el Rhythm & Blues en los primeros años de la expansión beat.
Ya casi a finales de los sesenta Eric Burdon ya llevaba tras de si 7 años de profesionalidad, de grandes éxitos y muchos proyectos, con obras cumbres con su banda The Animals como los increíbles sencillos ya clásicos de la música rock "The House of the Rising Sun" o "Don´t Let Me be Misunderstood" y una serie de álbumes significativos.
En el periodo de 1966-67 Eric Burdon junto a sus Animals se trasladan a la costa Oeste Norteamericana y allí graban su espectacular “Wind Of Change”.
En 1970 Burdon anuncia una nueva formación creando una banda compuesta por músicos de color, llamada War, y explica que ese cambio se debe a que se siente también negro, por que piensa, razona y canta como un negro. War esta compuesto por media docena de músicos empapados de música blues, soul y funk.
Eric Burdon & War empiezan con buen pie con su tema "Spill the wine", junto al álbum "Eric Burdon Declares War" una soberbia experiencia de blues, psicodélica, funk y música afroamericana, en donde sobresalen además de la mencionada “Spill the wine”, "Tobbaco Road" y "Mother Earth" dos largas suites hipnóticas, lisérgicas y catárticas, convirtiendo a este disco en un clásico instantáneo y uno de los grandes discos de la historia de la música.
A finales de ese mismo año se lanzaba otro extraordinario álbum, esta vez en formato de doble Lp titulado “The Black-man´s Burdon”, otra explosión de música negroide con una mezcla de funk, soul, rock y R&B con tintes psicodélicos y en donde sobresalían la versión de los Stones “Paint it Black”, la excitante “Bare Back Ride” o la legendaria “Nights in White Satin” de los Moody Blues.

Don McLean-American Pie ( 1971)

Don McLean es uno de esos extraños y complejos casos de constancia musical y profesional, puesto que sus inicios se remontan a 1963 y el triunfo no habría de llegarle hasta ocho años después en 1971, cuando de la noche a la mañana, un álbum y un single suyo fueron numero uno al mismo tiempo en las listas americanas.
De 1963 a 1968 Don McLean fue un vagabundo mas en los Estados Unidos, con su guitarra al hombro iba deambulando de un lado al otro con intervenciones en pequeños clubs y salas de folk.
En 1968 conoce a Pete Seeger y con el recorre mas de 50 ciudades a lo largo del río Hudson. No es ninguna gira artística, sino una expedición que pretende llevar el mensaje para la salvación ecológica de una comunidad en el río que estaba a punto de ser destruida por la polución industrial. De este extenso viaje Don escribió un libro que llegaría a editar, titulado "Canciones y Sketchs en el primer Clearwater Crew".
Posteriormente trabajaría al lado de figuras como Laura Nyro, Dionne Warwick o los mismísimos Blood, Sweat & Tears, haciendo que el complejo caudal musical de su interior se viera nuevamente enriquecido al asimilar lo mejor de cada uno de ellos.
Producto de esta mezcla, este hombre que había tocado y cantado folk y jazz, que le gustaba el rock, que había pasado nueve años viviendo con especial intensidad, publicaría a principios de 1971 su segundo álbum, “American Pie” (de la existencia del primero no se había enterado prácticamente nadie, si exceptuamos el casi medio centenar de discográficas que lo rechazaron).
"American Pie", fue titulo también del single que pronto escalaría las listas de éxitos. El tema genérico es una larga canción de mas de ocho minutos escrita en homenaje a Buddy Holly, el rockero fallecido en 1959. Es la narración de aquella trágica fecha "el día en que murió la música", en palabras de la propia canción.
McLean afronto un álbum con letras ambiciosas, deliciosas y sutiles con un resultado tan perfecto que por ello es merecedor de estar incluido en la historia de la música pop rock.

Al Kooper with Shuggie Otis-Kooper Session (1970)

Dos años después del álbum “Super session” Al Kooper se propuso grabar otra jam, esta vez con el guitarrista Shuggie Otis, el hijo del mítico Johnny Otis, que por entonces solo contaba con 15 años de edad.
Para esta ocasión el bajista Stu Woods, el batería Wells Kelly y el pianista Mark Klingman son la banda de apoyo para Kooper y Shuggie. Además también participa el dúo de gospel y soul “The Hilda Harris & Albertine Robinson Singers”.
En esta nueva entrega Al Kooper ampliaba los sonidos en donde además del blues, también hay espacio para sutiles sonidos soul y gospel como en la inicial "Bury My Body", mientras "Shuggie´s Shuffle" es un ejercicio de la dualidad instrumental de ambos músicos, mientras que "12:15 Goonbash Blues", es un extenso jam de hipnótico blues rock en donde Otis demuestra sus enormes posibilidades con las seis cuerdas.

Al Kooper, Mike Bloomfield & Stephen Stills-Super Session (1968)

Este disco está considerado como una de las mejores jam session´s grabadas en la historia, tal vez la mejor, realizado por tres músicos reputados, por un lado Al Kooper, el teclista del famoso tema de Bob Dylan “Like a Rolling Stone”, y miembro de bandas como Blood, Sweat and Tears o The Blues Project, Mike Bloomfield mítico guitarrista de blues influenciado por grandes bluesman´s como Muddy Waters o Albert King y miembro de la Electric Flag, y Stephen Stills, tal vez el más conocido de los tres, miembro de Buffalo Springfield y luego parte de la mítica super-banda Crosby, Stills, Nash and Young.
"Super session" es un compendio de soberbios temas blues como la instrumental “Albert´s  Shufle” en donde Al Kopper saca a relucir su talento al piano, la versión de Curtis Mayfield  “Really”, es un soul reconvertido a blues y la jazzistica “ His Holy Modal Majesty”, es el terreno apropiado para la grandeza de Mike Bloomfield y su guitarra.
Stephen Stills toma las riendas en la segunda cara del álbum y junto a Al Kooper interpretan una excelente versión del tema de Bob Dylan “ It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry”, la apoteósica jam de once minutos “Season Of The Witch” es uno de los punto álgidos del álbum, mientras que los clásicos blues “You Don´t Love Me” y “Harvey´s Tune” ponen la guinda a un directo tan brillante como efectivo.
En definitiva “Super session” es la obra de tres genios haciendo una espectacular jam session, y si bien el resultado de este disco podría parecer un tanto pretencioso, también es cierto que fue aceptado por la crítica y el público y considerado como una obra de arte del blues-rock.

AC/DC-If You Want Blood (You've Got It) (1978)

Lastrado en parte por su doble y retocado "Live", estrenado años después en 1992, "If You Want Blood" es sin duda el mejor directo de AC/DC, donde no hay "Overdubbings" ni "Backtrackins" y todas esas manipulaciones en el estudio donde buscan la excelencia sonora perfecta.
Aquí la banda se muestra como eran, toscos, crudos, viscerales y sucios, puro rock 'n' roll monumental y que solo saben hacer los grandes.
Solo 10 canciones bastaron para convertir este directo en leyenda, desde los primeros compases de "Riff Raff", hasta el rabioso "Rocker", pasando por versiones magistrales como "Whole Lotta Rosie", el descarado y sublime "The Jack", o el magistral "Let There Be Rock", sin olvidar esa joya que es la eufórica "Hell Ain't A Bad Place To Be".
Un show en vivo tan real como la vida misma, que nos mostró a unos AC/DC en su mejor momento para la gloria y la historia del Rock.

Deep Purple-In Rock (1970)

Aunque pueda parecer extraño, fue la apacible campiña inglesa de Herfordshire la que vio nacer y madurar al grupo mas importante para el desarrollo del clásico sonido del hard rock. No es necesario ser un adicto al genero para reconocer a Deep Purple una supremacía que ha durado casi cincuenta años.
En 1970 publicaron su cuarto álbum "Deep Purple In Rock", el disco que los convirtió en una verdadera institución del hard rock; la simplicidad de los riffs, unido a unas melodías lineales, pero de rara potencia y una técnica envidiable, les hicieron ascender hasta cotas inimaginables, con ventas millonarias y las tranquilas listas pop se veían sacudidas por el heavy metal "Black Night", un verdadero ciclón sonoro que revoluciono este genero.
Deep Purple despliega aquí un arsenal de contundencia, energía y rabia pero con aportaciones psicodélicas y progresivas de los teclados de Jon Lord, un disco repleto de clásicos como la desgarradora "Speed King", la robusta "Bloodsucker" o la progresiva y virtuosa "Child in Time".
Sin embargo este éxito rotundo es la antesala de los primeros problemas del ego de sus componentes, todos ellos virtuosos instrumentistas y talentosos músicos, una lucha por las difíciles y chocantes personalidades de sus miembros, sobre todo por Blackmore, un personaje tan extremadamente esquivo como difícil de manejar y con un carácter intratable.
Sin embargo será el quien ponga el talento para las posteriores obras que vendrían en los siguientes años, algunas de ellas catalogadas como verdaderas obras maestras del rock.