Rory Gallagher

Rory Gallagher esta considerado un mito, sobre todo en Irlanda su país natal, ya desde muy joven fue un niño prodigio tocando con increíble maestría el ukelele y luego la guitarra.
Nacido en Cork en 1948 y siendo un adolescente y dado el poco publico amante en su país, (mas sujeto a las orquestas de baile y la música celta) que al blues y al rock, se ve obligado a engrosar una de esas orquestas llamada Fontana Showband y practicar ese tipo de música durante algún tiempo.
Pero pronto decide continuar por su cuenta y forma una banda junto a Eric Kitteringham y Norman Damery, así nace Taste, trío de potente blues-rock que inicialmente tiene unos duros comienzos en Irlanda, por lo que deciden probar fortuna fuera de su país, corría el año 1965 y parecía que todo empezaba a funcionar aunque realmente Gallagher lo que busca es una consolidación personal y sus dos compañeros de viajes son meramente simples acompañantes los cuales y a pesar de su calidad no le reprochan en absoluto decisión alguna.
El primer lugar donde lo harán fue en Hamburgo y tras un corto periodo de rodaje vuelven a su país sin encontrar fortuna, por lo que Gallagher decide cambiar de compañeros y reforma la banda con Charlie McCraken y John Wilson, y esta vez toman rumbo a Londres, allí se empiezan a mover en el circuito de blues-rock con el inconveniente de que grupos ya consolidados como John Mayall, Ten Years After, Fleetwood Mac, Cream o la Jimi Hendrix Experience entre otros muchos, les cierran el paso continuamente.
Pero poco a poco el grupo gracias a su enorme calidad y su inclinación heavy, va ganando adeptos y su reputación les empieza a ponerles en la primera fila de los grupos del white blues de la época.
A finales de 1968 publican el single “Blister on the moon”, de escaso éxito y un año después firman su primer álbum titulado homónimamente como la banda “Taste” (1969), un sobrio y demoledor trabajo de blues rock en donde Gallagher hace gala de un exquisito alarde del manejo de la guitarra, sin embargo el álbum pasa desapercibido.
Gallagher pronto empieza a llamar la atención en el gran publico, su aspecto campechano, destartalado, su honestidad y su vieja Stratoscaster de 1962, serán en adelante su seña de identidad y eso aparte de su técnica y su música hacen que paulatinamente el publico se fije en el.
Posteriormente realizan una gira como teloneros de Blind Faith por los Estados Unidos y de John Mayall and The Bluesbrakers por Europa, giras que no harán más que reafirmar al grupo entre los aficionados al blues y al rock en general.
La experiencia ganada en ambas giras junto a esos dos míticos grupos, pronto se vera reflejadas en ”On the Boards” (1970), el segundo álbum de la banda, un soberbio y magistral disco que sigue el sendero comenzado en el anterior trabajo y que contiene temas básicos como el propio “On the Boards” o “It´s happened befote, it´ll happen again”.
Pese a que el álbum alcanzo entrar en las listas y el grupo comenzó a escalar posiciones en el ámbito rockero, Gallagher empezaba a tener diferencias con los otros dos miembros de la banda que culminaría por disolverse a finales de 1970.
Antes la banda había protagonizado una soberbia actuación en el festival de la isla de Wight ante mas de 300.000 personas y que posteriormente fue editada por Polydor en el disco “Live of the Isle of Wight” (1972), meses antes se había editado a modo de despedida el álbum también en directo “Live Taste “(1971).
Comenzaba así el trayectoria en solitario de Rory Gallagher, ya por aquellos tiempos era uno de los mas completos músicos de la época, dominaba la armónica, el saxo, además de las guitarras, en especial la eléctrica, quizás solo como cantante no destacaba particularmente, pero el, como instrumentista, usaba su voz para dotar su propia música, algo que otros guitarristas ya explotaban de la misma manera como eran los casos de Eric Clapton o Robin Trower.
A mitad de 1971 publica su primer álbum “Rory Gallagher”, para el cual contó con la participación de Gerry McCoy y Wilgar Campbell.
Aquí Gallagher muestra mucho mas su deuda musical con los grandes bluesman como Muddy Waters o Albert King y el disco contenía grandes momentos como “Just  the Smile” o “For the last time”.
Casi al final del mismo año se edita su segundo trabajo “Deuce” un magnifico trabajo que nos muestra a un Gallagher espontáneo y sobrado en el manejo de la guitarra con una innovadora técnica personal.
El directo “Live in Europa” (1972) sitúa al guitarrista en lo mas alto de su popularidad y sus continuos recitales son signo de figura indiscutible dentro del panorama musical de esa época.
El siguiente año edita dos álbumes, los estupendos “Blueprint” y “Tattoo”, ambos aclamados trabajos de impresionante blues-rock.
También participa en el legendario álbum de Jerry Lee Lewis, “London Sessions” junto a Peter Frampton, Alvin Lee o Kenny Jones entre otros grandes músicos.
“Irish tour´74”, editado un años después supone en registro, los apabullantes directos que solía estar bien arropados por su banda, la cual tenia un nuevo miembro Rod De´Ath que había sustituido a Campbell, este doble álbum pronto se convierte en un clásico de los directos.
En octubre de 1975 se publica “Against the Grain” y posteriormente “Calling Card”, producido por Roger Glover, el celebre bajista de Deep Purple.
En este último vemos un ligero acercamiento hacia el hard rock en detrimento del sonido puramente blues.
Ambos álbumes fueron editados bajo el sello Chrysalis que le había ofrecido una suculenta oferta por diez años y un mínimo de 7 álbumes por publicar.
Anecdóticamente justo antes de este álbum Rory Gallagher, estuvo a punto de ingresar en los Rolling Stones en sustitución de Mick Taylor e incluso estuvo varios días ensayando con sus Satánicas Majestades, pero finalmente declina la oferta.
Llegados a este punto Rory Gallagher esta en lo más alto de la cima, le llueven ofertas desde cualquier parte del mundo para conciertos y colaboraciones en trabajos de otros músicos de dispares estilos.
Corre el año 1976 y se publica “Photo Finish”, un trabajo mucho más crudo y lleno de garra en donde el hard rock predomina totalmente el álbum, además es el primero de Ted Mckenna a la batería en sustitución de De´Ath.
El álbum contenía soberbios temas como “Shin Kicker”, “Brute force and Ignorance” o “Shadow Play”.
“Top Priority” (1979) seguía la misma línea que el anterior con incendiarias canciones como “Follow Me”, “Philby”, “Wayward Child” o la fantástica “Public Enemy No.1”.
“Stage struck” (1980), un explosivo y potente directo fue editado para demostrar el potencial que Gallagher era capaz de efectuar en los conciertos.
A partir de aquí el distanciamiento entre los nuevos álbumes se iban esparciendo cada vez mas, y no será hasta 1982 que vea la luz su nuevo trabajo titulado “Jinx”, álbum mucho mas orientado a sus orígenes bluseros pero conservando la esencia hard-rock.
También las ventas de sus álbumes habían bajado notablemente algo que al propio Gallagher no parecía importarle demasiado, solo se sentía a gusto en los conciertos.
No seria hasta 1987 cuando publicaría su nuevo álbum “Defender”, trabajo el cual revindicaba su pasión por el blues, pero todo ese tiempo transcurrido lo paso entre conciertos y colaboraciones.
En 1990 edita su ultimo trabajo “Fresh evidence”, una especie de revival a todo lo que amaba desde el blues hasta el jazz incluso la música cajun se dieron cita en este estupendo álbum.
Pero el cada vez peor estado de salud de Gallagher a causa de su adicción al alcohol le lleva a un deterioro físico alarmante, el cual desemboca en un trasplante de hígado en 1995, el cual al principio parece exitoso, pero después de varias semanas se complica conduciéndole a la muerte el 14 de junio de ese mismo año.
El mundo entero quedo conmocionado con su perdida, a partir de ahí su nombre fue puesto a colegios, calles e incluso bibliotecas por toda Irlanda, su memoria quedo intacta y su legado perdurara siempre en los corazones de millones de personas que supieron agradecerle el que durante toda su carrera fuera fiel a sus ideas y a su honestidad fuera de lo común y que llego a los corazones de gentes de todos los rincones del mundo donde actuó y que aun muchos mantienen viva su memoria escuchando su música y que músicos de todo el planeta siguen reconociendo sus méritos e influencia en muchas obras posteriores, como por ejemplo nuestro querido Rosendo.
Tras su desaparición se han editado nuevas canciones y versiones en directo no publicadas como las sesiones de la BBC un doble cd, uno en directo y otro en estudio, un cuádruple CD en vivo titulado “Let´s go to work”, que recoge sus vinilos oficiales en vivo más uno que aún no había visto la luz, además de un álbum acústico, “Wheels Within Wheels”.

Brian Eno

Muchos conocen a Brian Eno por haber sido uno de los fundadores de Roxy Music sin saber que realmente este genio de la música moderna ha sido y es mucho más que eso.
Ya desde muy joven ingreso en la escuela de arte de Ispwich para posteriormente hacer lo mismo en la de Winchester, en ambas Eno revelo unas innatas dotes creativas en la pintura y en la escultura.
Pero Eno que tenía un noción clara de la música por sus continuas audiciones de radio con programas de jazz y pop, empezó a interesarse por los cada vez más sofisticados y tecnológicos adelantos de los medios de grabación.
A casi finales de los sesenta su inquietud le llevo a presentar sus primeras obras, entre ellas “Mercant Taylor´s simultaneous cabinet”, un perspicaz composición particular de la obra de Christian Wolff y George Brecht o “The Maxwell Demon” su obra de iniciación en el mundo del rock.
Una vez obtenido el titulo de bellas artes, fabrico su propio estudio de grabación, además de entrar a formar parte de la Scratch Orchestra, una poca ortodoxa orquesta que se componían de profesionales y amateurs sin experiencia.
Esto hizo que Eno creara un manual de instrucción del planteamiento musical, mas allá del conocimiento de las técnicas de interpretación con la creación de la música ideal pero realizada por terceros músicos (Music for non-musicians).
Esta filosófica e irónica mezcla de elementos le hace fundar la Pertsmouth Sinfonia la cual ofrecieron dos trabajos de irónica relectura a partir de composiciones del pasado “Plays The Popular Classics” (1969) y “Hallelujah” (1970).
A principios de 1971 Eno conoce en una de sus audiciones al saxofonista Andy Mackay quien le convence para unir sus fuerzas y constituir una banda de pop-rock.
El resto de la banda la conforman Bryan Ferry, Phil Manzanera, Graham Simpson y Paul Thompson y debutan con el álbum “Roxy Music” (1972) nombre el cual también llamarían al grupo.
En este álbum la banda explora terrenos vanguardistas con tímidos acercamientos al glam-rock con interesantes sonidos y hermosos juegos vocales en un claro ejemplo de verdadero art-rock
El disco alcanza los primeros puestos de las lista británicas al igual que el segundo trabajo titulado “For Your Pleasure” (1973), que se caracteriza por las atmósferas y efectos que Eno imprime con los teclados bien conjuntados con la guitarra simple pero efectiva de Manzanera y la voz inconfundible y característica de Ferry, y que a la postre fue la confrontación artística de los dos líderes de la banda, la que terminaría por un lado el conseguir tan magnifica obra, pero a la vez desencadenar lo que se preveía en un futuro no muy lejano.
Y así ocurrió, Eno se da cuenta de lo limitado artísticamente que es estar sujeto a un reducido ámbito como es un grupo y al ego de Ferry, por lo que decide abandonar la nave y proseguir su carrera en solitario.
Ese mismo año Eno publica “No Pussyfooting” junto a Robert Fripp, un trabajo hermético y cerebral y totalmente anticomercial.
El siguiente trabajo “Here Come The warm Jets” (1974), sigue las atmósferas creadas en Roxy Music, con un sonido cercano al synth-rock pero con claros contrapuntos de rock postmoderno, donde la guitarra toma un protagonismo insólito en la trayectoria de Eno, y en el cual participa parte de su ex grupo como Manzanera o Mackay además de Chris Spedding y Robert Fripp.
Ese mismo año Eno además participa en otras interesantes propuestas como en el trabajo de Matching Mole, “Little red record”, en el álbum de John Cale “Fear”, o en el disco de Nico “The End”.
Y antes de finalizar el año edita su siguiente trabajo titulado “Taking tiger mountain by strategy”, un claro alejamiento del pop hacia terrenos mas electrónicos y vanguardistas con intensos momentos de creatividad.
“Another Green World” (1975), fue el siguiente trabajo en solitario de Brian Eno, un álbum que ideo mientras estaba convaleciente de un accidente de automóvil.
Los sonidos ambientales, la atmósfera minimalista y la sofisticación es el denominador común del álbum que roza momentos emotivos de enorme trascendencia.
Ese mismo años salía a la luz un nuevo esfuerzo por inculcar su música “Discreet Music”
Un trabajo titánico de arquitecturas sonicas construidas en el aire y en el vació, privados de fundamentos estructurales.
Pero antes Eno había participado en un mítico concierto junto a Kevin Ayers, Nico y John Cale el uno de junio de 1974 que fue grabado y posteriormente editado con el nombre de “June 1, 1974” y que se convirtió en un disco de culto en el ámbito underground.
A finales de 1975 presenta “Obscure Records” una hipotética enciclopedia que examina las obras cultas de la escena contemporánea y que cuenta con la ayuda entre otros de Harold Budd, Robert Wyatt, John Cage o Carla Bley
Un nuevo trabajo junto a Robert Fripp, el sutil y bello “Evening Star”, fue el siguiente paso entre colaboraciones diversas como el álbum de Robert Wyatt, “Ruth is strange than Richard” o los trabajos de John Cale “Show dazzle” y “Hellen of Troy”, todos durante 1975.
Posteriormente se embarca en un proyecto el cual llama 801 junto a Phil Manzanera o Simon Phillips entre otros, con los que graba varios álbumes como “Live” o “Listen Now” (1977).
En los años siguientes participa en los álbumes de David Bowie, “Low”, “Heroes” (1977) y “Lodger” (1979), trabajos los cuales son claros exponentes de vanguardismo musical.
Además interviene masivamente en los trabajos de los alemanes Cluster (Roedelius y Moebius ) “Cluster & Eno” (1977) y “After The Heat” (1978), y es el culto que Cluster tiene a la electrónica pura, la que pronto influye decisivamente en el propio Eno.
“Before and after Science” (1978) constituyo un trabajo de perfeccionismo sin precedentes en donde los sonidos ambient y el minimalismo constituye el final de una forma de hacer música y el comienzo de otras muchas.
No fue lo mismo con el siguiente album “No New York” (1978), un esperpento ansiolítico del cerebro de Eno.
La carrera de Eno, cada vez mas sumergida en el sonido vanguardista, dan paso a creaciones evocadoras basados en situaciones de la vida cotidiana y así nace una obra maestra como “Music for Films” (1978), álbum aleatorio en donde las imágenes ofuscadas por un hipotético documental se precipitan sobre texturas sonoras sin resistencia.
“Music for Airport” (1979) resulta ser un trabajo astuto de tonalidades superfluas en una obra para no ser oída pero si para notarla y destinada a los ambientes estériles.
Otro álbum junto a Robert Fripp; “Exposure” (1979) y otro con David Byrne “My Life in the Bush of Ghost” (1980) dan por finalizado una década de exploraciones e investigación musical tan inverosímiles como sorprendentes.
A partir de aquí las colaboraciones se hicieron mas frecuentes en uniones concertadas con John Hasell, “Fourth World Vol.1” (1980), con Harold Budd; “Ambient 2 The Plateux of Mirror” (1980), con Roger Eno; “Voices” (1985) o con John Cale en “Wrong Way Up” (1990), colaboraciones que alternaban con trabajos en solitario como “Ambient on Land” (1982), “Thursday Afternoon” (1985), “Never net” (1992), “The Shutov Assembly” (1992), “Neroli” (1993), “Headcandy” (1994), “Extracts from Music for White Cube” (1997) o “The Drop” (1997) hasta llegar a “Another Day on Heart” (2005) su ultimo trabajo.
En el año 2008 colaboro con David Byrne en “Everything that happens will happen today”.
Brian Eno ha sido sin duda una de las figuras mas influyentes de las ultimas cuatro décadas en donde el rock, el vanguardismo y el ambient sound han derivado en las corrientes musicales tal y como hoy en dia todos conocemos, desde la new age, hasta el pop, la new wave o la música electrónica actual, sin duda un genio, para muchos a la misma altura que un Bach o un Mozart pero este, del siglo XX.

Wishbone Ash

Un anuncio en el Melody Maker a principios de los años setenta fue decisivo para el posterior alumbramiento de Wishbone Ash.
En efecto, cuando Steve Upton y Martin Turner bajista y batería respectivamente buscaban un guitarrista para formar una banda de rock, decidieron buscarlo a través de un anuncio en la revista Melody Maker, entre muchos candidatos estaban Ted Turner y Andy Powell, ambos encandilaron a Upton y Turner por lo que al final reclutaron a los dos.
Miles Copeland les ayudo al principio a concertarles diferentes conciertos, entre otros como teloneros de Deep Purple, su guitarrista Ritchie Blackmore quedo tan sorprendido por la calidad del grupo que pronto les recomendó al productor Derek Lawrence, quien junto al propio Copeland, después de proporcionarles un contrato con la MCA, les produce su primer álbum “Wishbone Ash” (1970), trabajo que demostró un predominante trabajo de doble guitarras y una inusual intensidad instrumental para una típica banda de rock, y el cual contenía los clásicos “Phoenix”, “Blind eye” o “Lady Whiskey”.
El álbum consigue colarse en las listas inglesas y la prensa especializada les otorga como la mejor promesa del año 1971.
Ese mismo años Ted Turner participa en las sesiones de grabación del disco de John Lennon, Imagine. Durante una buena parte de ese año la banda no para de dar conciertos por todo el Reino Unido. Aún así tienen tiempo de entrar en los estudios para grabar su segundo trabajo Pilgrimage (1971), disco en donde el blues-rock toma más protagonismo e incluso esencias jazzisticas en los temas instrumentales, el álbum vuelve a escalar las listas de éxitos situándose entre los 15 primeros.
Pero fue “Argus” (1972), el álbum que desbordo las previsiones mas optimistas, el publico acogió el disco de manera apabullante, la mezcla producida por grupo al usar dos guitarristas de diferentes estilos sonaba tan diferente como innovador, aparte de los largos fragmentos instrumentales que solían contener cada trabajo.
Del álbum se extrajeron varios singles como “Blowin´Free” y “The King Will Come”, además la épica es otro de sus elementos característicos, explotando al máximo sus temas relacionados con historias místicas.
Pero como casi siempre ocurre después de una obra maestra, el listón queda tan alto que difícilmente es superado y el siguiente trabajo “Wishbone Four” (1973) resulta se un paso atrás, pese a que se trataba de un buen disco, las sensaciones producidas por “Argus”, quizás fueran un lastre demasiado grande, pero y pese a todo nos encontramos grandes temas como la melódica “Ballad of the Beacon” o rítmica “So many things to say”.
Para resarcirse de este traspiés el grupo edita el doble álbum en directo “Live Dates”, y vuelven a tener el éxito deseado, en efecto el álbum se convierte en un éxito absoluto sobre todo en América y de paso convirtiéndose en uno de los mas fascinantes álbumes en directo de la historia del rock, catalogado como una obra maestra.
Una vez ganado el fervor del publico y la critica con este álbum, el grupo parecía volver a las senda del éxito hasta que ocurre lo inesperado, Ted Turner decide abandonar el grupo para ingresar en una secta religiosa de los Ángeles.
Todo hacia prever que la banda desaparecería o se resentiría de una perdida tan vital, pero lejos de eso reclutan a un nuevo guitarrista, Laurie Wisefield que había pertenecido a una banda llamada The Home.
Con la banda reformada entran a grabar el siguiente álbum “There´s The Rub” (1974) producido por Bill Szymczyk, uno de los mas famosos productores norteamericanos quien ya había trabajado entre otros con The Eagles.
El álbum pronto se coloca en las listas de éxitos, además Wisefield resulto ser un guitarrista polivalente que perpetuaba la magia de la dobles guitarras casi a la perfección, aunque lejos de las atmósferas intensas que sobre todo en directo ofrecía el grupo.
“Locked In” (1976), resulto ser un trabajo poco brillante, aunque interesante, pero muy poco personal y cada vez la diferencia con el sonido de directos era mayor y eso el público y la crítica lo hacían notar con las ventas de sus álbumes.
En noviembre de 1976 se publica “New England” y la sombra del “Argus” sobrevuela el álbum, un trabajo de una calidad incuestionable y de renovadas energías, volviendo a ese sendero del rock de guitarras gemelas y pasajes instrumentales sublimes.
Pero comercialmente el disco no despeja las dudas existentes y queda relegado a un segundo plano, también injustamente es infravalorado por la crítica.
Llegado a este punto la banda seguía agotando las entradas en los conciertos, Japón, Estados Unidos y Europa les seguía teniendo un gran fervor.
Posteriormente el magnifico “Front Page News” (1977), el notable “No Smoke Without Fire” (1978) y el interesante “Just Testing” (1980) fueron los siguientes trabajos con una tónica muy similar a los últimos trabajos.
1980 supone el abandono del fundador Martin Turner que a partir de aquí se dedica a la producción y a ejercer como músico de sesión, el sustituto recae en John Wetton, experimentado músico que ya había pertenecido a grandes bandas como Uriah Heep, King Crimson, Family o UK, quien junto a Claire Hamill, quien también fue reclutado para las partes vocales, participaron en el siguiente álbum “Number the Brave” (1981) trabajo con claras tendencias AOR, quizás fruto de la influencia del propio Wetton.
Trevol Bolder (ex Uriah Heep y David Bowie) sustituye a Wetton para el álbum “Twin Barrels Burning” (1982), además volvían a ser un cuarteto abandonando la idea de un vocalista, aparte el disco ofrecía una cara renovada y un sonido decididamente más hard rock.
A partir de aquí los constantes cambios de formación fue la nota predominante de la carrera del grupo y los discos cada vez menos innovadores y muchos menos continuistas que siguieron derroteros muy variados, aunque y todo hay que decirlo de buenas facturas todos ellos, pero cada vez mas alejados del gran publico y solo al alcance de unos cientos de miles de fans incondicionales y devotos.
Así se fueron sucediendo álbumes como “Raw to the Bone” (1985), un tímido acercamiento a su mejor epoca, “Noveau Calls”, (1988), trabajo que conto con la participación de la banda original gracias a Miles Copeland que logro reunirlos para este álbum, “Here to Hear” (1989), “Strange affair” (1991), “Illuminations” ( 1996 ), “Trance Visionary” (1997), “Psychic Terrorism” (1998), “Bare Bones” (1999), “Bona Fide” (2002), “Lost Pearls” (2004), “Clan Destiny” (2006) y por ultimo “Power of Eternity” (2007).
Por lo demás Wishbone Ash presume de tener una de las discografías en directo mas amplia desde el “Live fom Memphis” (1973) hasta el “Live on XM Satéllite Radio” (2007), pasando por el “Live Dates vol.2” (1980) o “The Ah Live in Chicago” (1992), entre otros muchos mas, sin mencionar una innumerable cantidad de compilaciones y recopilatorios.
Actualmente existen dos formaciones de Wishbone Ash, por un lado la del guitarrista Andy Powell y por otra la de Martin Turner.
En definitiva Wishbone Ash han pasado a la historia como una de las mejores y mas influyentes bandas y pieza fundamental en la historia del rock.

Twenty Sixty Six and Then-Reflections On The Future (1972)

Twenty Sixty Six and Then fue una excelente banda alemana encuadrada en los sonidos del krautrock, que lanzaron un solo álbum en 1972, el cual esta considerado una de los obras mas apreciadas del genero germano.

Formados a principios de los setenta en Mannheim, su formación estaba compuesta por Geff Harrison (voz), Gagey Mrozeck (guitarra), Dieter Bauer (bajo), Konstatin Bommarius (batería) y Steve Robinson y Veit Marvos (órgano Hammond, mellotrón, sintetizadores y voces).

Su estilo estaba inundado de pesados sonidos de órgano Hammond y guitarras, con una fuerte inclinación hacia las improvisaciones progresivas y sinfónicas, todo ello mezclado con elementos psicodélicos.

Su único lanzamiento "Reflections On The Future", fue producido por el sello United Artists y lanzado en 1972. Un álbum que comienza de manera apabullante con la hard rock progresiva "At my Home", a la que sigue la sinfónica "Autumn", un corte pesado repleto de sonidos mordientes de guitarra y pasajes oscuros de teclados. Sin embargo es la suite "Reflections On The Future", el momento cumbre de este álbum, una pieza repleta de exploraciones sonoras improvisadas, empapadas de ásperos sonidos de Mellotron, histéricos aullidos de guitarras y una instrumentación majestuosa.

Después de este lanzamiento, la banda dejaría grabado material para un segundo álbum que nunca fue publicado, pero que sin embargo fueron rescatados por el sello independiente Second Battle y publicados en 1991 con el titulo de "Reflections on The Past".

Vinnie Moore

Junto a otros guitarristas coetáneos como Michael Lee Firkins, Jason Becker, Greg Howe o Marty Friedman, todos ellos descubiertos por el cazatalentos Mike Varney y su escudería la Sharpnel Records, es Vinnie Moore quien mejor ha sabido conjugar sus habilidades y destreza con las seis cuerdas con un innato sentido de la composición neo clásica y el sonido de la guitarra eléctrica mas vanguardista dentro del heavy metal.
Ya desde su época como guitarrista del grupo Vicious Rumours, demostró grandes dotes técnicas y su participación en el álbum “Soldiers of the Night” (1986), quedo patente que pronto terminaría por iniciar una exitosa carrera en solitario.
Y así fue, un año después publico su primer trabajo titulado “Mind´s Eye” (1986), un trabajo limpio y catatónico y el cual tuvo el inestimable apoyo de Tommy Aldridge y Tony Macalpine.
El álbum dejo bien sentado que de toda esa legión de nuevos guitarristas surgidos a mitad de los ochenta seria Vinnie Moore quien era el máximo estandarte.
Moore demuestra en sus trabajos los medidos paseos a base de escalas pentatónicas, grandes acordes y alardes técnicos fuera de lo común.
No seria hasta dos años después que publicaría su segundo álbum “Time Odyssey” (1988), considerado por sus fans y la crítica como su mejor trabajo y que contaba con la participación de Jordan Rudess a los teclados.
En el álbum el guitarrista alternaba temas propios con algunas versiones como el tema de The Beatles “While My Guitar Gentil Weeps” o “April Sky”, una relectura guitarrística de la composición de Bach.
Seria en 1991 cuando colabora con Alice Cooper en la grabación y posterior gira del álbum “Dirty Dreams” y ese mismo año también publicaría su tercer trabajo titulado “Meltdown”.
Cinco años tardaría en publicar material nuevo, centrándose durante todo ese tiempo en colaboraciones y proyectos muy variados.
“Out of Nowhere” publicado en 1996 y “The Maze” varios años después, este ultimo con Macalpine de nuevo a los teclados, supuso un tímido acercamiento a sus orígenes.
Posteriormente y después del álbum en directo “Live” (2000) el guitarrista se embarco en un nuevo trabajo el cual se titulaba “Defying Gravity” (2001).
En el 2004 pasa a engrosar las filas de los míticos UFO sustituyendo a Michael Schenker y graba su primer álbum con el grupo “You are Here”, además también colabora en el disco de Jordan Rudess “Rhythm of Time” junto a Steve Morse, Joe Satriani o Kip Winger entre otros.
En el 2006 llego un nuevo álbum con UFO, “The Monkey Puzzle” en donde la banda parecía retornar a los viejos y prolíficos tiempos.
Ese mismo año la Shrapnel edita un recopilatorio de Moore titulado “The Shrapnel Years Vinne Moore Collection”, donde se hace un repaso a toda su discografía.
En el 2009 publica su ultimo trabajo “To The Core”, un interesantísimo trabajo que sigue su línea ascendente de los últimos años y en donde demuestra que sus trabajos no son solo un lucimiento personal, demostrando su enorme creatividad al crear grandes composiciones.
Ese mismo año también se edita “The Visitor”, un nuevo trabajo de UFO, el tercero con Vinne Moore a las guitarras, donde vuelve a predominar los sonidos añejos de las décadas de los 70 y 80.

The Firm-Mean Business (1986)

Un año después del debut homónimo del proyecto The Firm, la banda liderada por Jimmy Page y Paul Rodgers, continuaron agrandando su leyenda con un segundo trabajo titulado "Mean Business", el cual seria el epilogo discográfico del grupo.

Siguiendo la estela del anterior, aquí vuelven a mostrar un hard rock repleto de riffs básicos de la guitarra de Page, el poderoso rango vocal de Rodgers y la contundente sección rítmica compuesta por Chris Slade y Tony Franklin.

La agitada "Fortune Hunter" es la encargada de abrir el álbum, una pieza que originalmente iba destinada al megaproyecto XYZ de principios de los 80, cuando Page y el bajista de Yes, Chris Squire idearon formar una banda que finalmente fue descartada.

En el lado opuesto esta el blues "Cadillac" que propulsado por la guitarra de Page se convierte en uno de los mejores momentos del álbum.

Otros cortes como la épica "Spirit of Love" muestra la diversidad del grupo con una composición melódica y comercial, o la cercana al synth pop "All the King´s Horses", quizás la menos memorable de todas las incluidas en este trabajo.

Sin restarles méritos a las anteriores aparecen la oscura y brillante "Live In Peace", en donde los guiños a su ex banda Bad Company son mas que evidentes. Para terminar nos encontramos las mejores piezas, empezando por la jazz rock "Dreaming", la atractiva rock "Tear Down the Walls" y la excelente "Free to Live".

Sin llegar a la magnificencia del disco debut, con esta segunda entrega , la dupla Page & Rodgers dejaron un elaborado álbum que cobra una mayor brillantez a cada nueva escucha.

  

Jade Warrior

Cuando a principios de los años 60 dos jovencísimos y no muy ortodoxos músicos llamados Tony Duhig y Jon Field se conocieron, pronto se dieron cuenta que compartían los mismos gustos musicales a la vez que ambos tocaban dos instrumentos no muy convencionales para la música rock.
En efecto Duhig tenía una guitarra eléctrica muy simple que emitía unos sonidos “diferentes” y únicos, en cambio Field era un entusiasta de la flauta, una especie de congas fabricadas por el mismo y de toda clase de instrumentos ancestrales.
Pronto ambos decidieron adquirir una grabadora multicopista capaz de sobreponer sonidos y múltiples efectos y a componer música a partir de los resultados de esos experimentos.
Hacia 1965 deciden fundar una banda llamada Second Thoughts y reclutan al cantante Patrick Lyons, el resto lo forman Alan James, Peter Coock y Chris Jackson y empiezan a dar conciertos en pequeños clubes de jazz, su repertorio consistía en temas propios y versiones un tanto particulares del rhythm blues, además de grabar un EP con cuatro temas en los cuales también aparecía Tom Newman, quien posteriormente seria el productor e ingeniero de Mike Oldfield.
Luego la banda pasaría un tiempo en Ibiza, España, donde tuvieron varios éxitos en las listas españolas.
Una vez regresaron a Inglaterra la banda se disuelve y se forma una nueva con Glyn Havard, bajista, este había pertenecido al grupo de rock psicodélico llamado Unit Tour Plus Two el cual encajaba en las ideas que tanto Field como Duhig buscaban para su nuevo proyecto, la banda que se llamaría Jade Warrior se cerraba definitivamente con el batería Allan Price.
Ya en 1969 realizaron “The Traveller” para una obra musical de la London School Dramatic y aparte seguían desarrollando ideas musicales y patrones estilísticos muy diferentes a lo que habitualmente se hacia en esa época.
Por fin a principios de 1971 se edita el primer trabajo del grupo llamado homónimamente como el grupo “Jade Warrior”, un debut en el cual la mezcla de elementos étnicos se funden con el rock y el jazz, temas como la ancestral africana “Mosai Morning” o el rock profundo de “Telephone Girl” dan al trabajo una sensación contemplativa y de ocultismo musical.
Ese mismo año se edita “Released”, un álbum de contrastes muy definidos desde temas simples rock hasta composiciones instrumentales muy elaboradas y tensos remansos de tranquilidad son el contrapunto con diferencia al primer disco.
El siguiente año la banda publica su tercer álbum “Last Autumn´s Dream” (1972) con el que siguen con la misma tónica que los discos anteriores, es decir un hard rock progresivo con pasajes de jazz y temas instrumentales donde se dan cabida muchas influencias de folk milenarias.
Cambian de compañía ya que Vértigo cancela su contrato y fichan por Island quien les publicara el siguiente trabajo titulado “Floating World” (1974), a estas alturas prácticamente la banda solo se compone de Field y Duhig y el resto son músicos invitados, por el contrario Glyn Havard quien tenia un contrato en vigor con Vertigo deja de colaborar definitivamente con Jade Warrior.
Los siguientes años seguirán editando discos de muy buena factura como “Waves” (1975), con la colaboración de Steve Winwood, “Kites” (1976), “Way fo the Sun” (1978), “Reflections” (1979), trabajo el cual ya contaba de nuevo con Glyn Havard, “Horizen” (1984), “At Peace” (1989),” Breathing The Storm” (1992) o “Distant Echoes” (1993), todos ellos con una amalgama de contrastes y fusiones de culturas étnicas milenarias con ancestrales composiciones tibetanas, chinas o japonesas, sabiamente elaboradas con complejos elementos de rock, jazz y experimentación en algunos casos muy cercanos a la new age y en donde instrumentos como el harpa, cuartetos de cuerda e incluso instrumentos tradicionales eran un muchos casos los predominantes de su sonido.
En 1990 la banda sufrió un duro golpe a perder a Tony Duhig que falleció repentinamente.
En 1995 Island edita una box set que contenía los cuatro primeros álbumes titulado “Elements –The Island Anthology”.
En el 2006 Eclectic Records reedita los álbumes “Kites”, “Waves”, “Floating World” y “Way of the Sun”. Posteriormente se publico el álbum “Fifth Element” (1998), un disco con temas nunca antes editados del periodo Vertigo, la cual libero material que tenia en sus estudios y por ultimo la banda edito en el 2008 su nuevo trabajo titulado “Now” donde Jon Field volvió a contar con Glyn Havard.

Free

La historia de Free comienza cuando un joven cantante llamado Paul Rodgers llegaba Londres a principio de 1967, decidido a probar suerte junto a su banda Wild Flowers, procedentes de la ciudad de Middlesborough.
Además de Rodgers también eran integrantes un guitarrista llamado Micky Moody, que con los años se convertiría en uno de los mejores músicos de blues-rock y que perteneció entre otros a Whitesnake y Bruce Thomas y que luego pasaría a engrosar en las filas de la banda The Attractions de Elvis Costello.
A pesar de la calidad del grupo estos no encontraron el éxito esperado, por lo que el propio Rodgers decidió disolver el grupo y fundar Brown Sugar una banda de blues rock.
Durante una actuación a finales de 1968 dos jovencísimo músicos que pertenecían a una banda local llamada Black Cat Bones, se quedan sorprendidos por la voz potente y desgarradora de Rodgers y deciden incorporarlo a su banda y así nace la idea de un nuevo grupo, esos dos músicos eran Paul Kossoff guitarra y Simon Kirke baterista.
El productor Mark Vemon les aconseja que el grupo se cierre con el bajista Andy Fraser que ya había tocado los Bluesbreakers de John Mayall.
Deciden finalmente que Free será el nombre del grupo, en homenaje a un proyecto que uno de los grandes de blues como Alexis Korner había fundado años antes, dejando así claro que este músico era una de las influencias claras del estilo que practicarían.
Pronto entran en el estudio y graban su primer álbum titulado “Tons of Sobs” (1969), trabajo que apunta buenas maneras, y en donde estaba una excitante versión de “The Hunter” de Albert King, pero que pasa totalmente desapercibido quizás por la falta de coherencia y claridad de ideas, y es que aunque la banda era una de esas derivaciones directas del auge del white blues, sus miembros no eran ni los virtuosos ni los extraordinarios compositores como eran Cream o Traffic, por poner solo dos ejemplos de aquella maravillosa época.
Por lo tanto el grupo le dio mas énfasis al rock en el siguiente álbum “Free” (1969), aquí ya se podía intuir a una banda con una identidad más personal y una música más directa, con una sólida base rock y una fábrica de sonidos proveniente de la guitarra afilada pero brillante de Kossoff muy influenciado por el blues.
Poco después tomaron parte en la gira americana de Blind Faith, donde además de promover sus dos primeros trabajos, el grupo adquirió la experiencia necesaria para seguir creciendo como banda.
Pero lo mejor estaba por llegar y es que el siguiente álbum “Fire and Water” (1970,) logra alcanzar el segundo puesto en las listas del Reino Unido y fue el espaldarazo definitivo para que el grupo tuviera fama mundial, en parte debido a la canción “All right now”, todo un clásico, un tema con claras estructuras melódicas y pulso rítmico, además el álbum contenía otros grandes momentos como “Mr Big”, “Heavy Load” o el tema que daba titulo al disco.
Justo después la banda actúa en el Festival de la isla de Wight y delante de mas de 300.000 personas culminan una soberbia actuación que les encumbra definitivamente.
La banda confirmaba así que unos jóvenes y discretos músicos (la edad media del grupo apenas superaba los 20 años) podían después de esforzarse, crear sólidos arreglos e incluso refinadas composiciones y llegar a la cima.
1971 es el año de la edición de “Free Live”, un álbum en directo que la discográfica Island aprovecha observando la coyuntura del grupo en sus soberbios conciertos.
Pero llegados hasta este punto todos los miembros de la banda empiezan a derivarse paralelamente en proyectos solitarios que perturban la solidez del grupo ya que los progresos musicales no iban acompañados por la madurez personal de cada uno de ellos.
Por un lado Fraser se enfrasca en un grupo llamado Toby, Rodgers en otro llamado Peace, y por su parte Kossoff y Kirke graban un álbum experimental junto a dos músicos se estudios Tetsu y Rabbit, llamado “Kossoff, Kirke, Tetsu & Rabbit” (1971), que logra un éxito moderado, además también se unen a la Graham Bond Organisation
Todos estos enredos culminan de manera efímera como se preveía y todos vuelven al grupo original para un nuevo trabajo el cual saldrá editado a finales de 1971 y que se titularía “Highway” que llego al puesto nº 41 en las listas y que contenía el single “The Stealer”.
Pero la ansiedad y el cambio de orientación hacia un sonido mucho más sofisticado no hicieron más que confirmar un rotundo fracaso.
El grupo volvió a juntarse en 1972 para editar “Free at Last”, que alcanzaria un noveno puesto en las listas, y también el tema “Little bit of love”, un rotundo éxito debido en parte por las renovadas energías y por volver al potente rock blues que habían dejado con el álbum “Fire and Water”.
Pero las alegrías duraban poco, Kossoff a causa de sus adicciones a las drogas empeoraba de salud poco a poco y muchas actuaciones tuvieron que cancelarse, por lo que terminaron por prescindir de el y seguir haciendo giras ya que muchos de los conciertos ya confirmados los habían cobrado por adelantado.
El resto de la banda decidió reclutar al teclistas Rabbit y al bajista Tetsu para paliar la perdida momentánea de Kossoff y que ya pasarían a pertenecer a la banda hasta el final y Rodgers se encargaría el mismo de la guitarra solista.
Tras terminar la gira y regresar a Londres, Kossoff se había recuperado en parte, por lo menos para participar en la posterior gira por toda Inglaterra y para la grabación del nuevo álbum “Heartbreaker” (1973), el cual fue un moderado éxito en las listas.
Sin embargo este nuevo trabajo supuso el fin del grupo y aunque el disco fue recibido con buenas críticas, la banda ya solo era una mala versión de su mejor época.
Del álbum se extrajo el single “Wishing Well”, que tuvo un mediocre recibimiento y se convirtió en su ultima canción en entrar en las listas de éxitos.
Después del álbum, Kossoff ya muy deteriorado estaba fuera del grupo y la gira promocional posterior fue cubierta por Wendell Richardson, guitarrista de Osibisa.
Tras una gira por los Estados Unidos, el grupo se separa definitivamente.
Posteriormente la Island editaba el doble álbum recopilatorio “The Free Story“ a modo de despedida y en los años siguientes se publicarían otras compilaciones de la banda como “The Best of Free” (1975), “The Anthology” (1993) o “Free Live at the BBC”, álbum en vivo grabado en 1968, lanzado en el 2006, entre otros.
Por lo tanto Free dejaba tras de si una breve pero intensa carrera con ocho álbumes editados y mas de 20 millones de copias vendidas y pasando a la historia del rock como una de las bandas fundamentales del rock & blues y que incluso rivalizaron con Led Zeppelín.
En adelante las posteriores carreras de los músicos tendrán una trayectoria desigual, Tetsu remplazaría a Ronnie Lane en los Faces, Richardson volvió a Osibisa y colaboro en muchos proyectos como el magnifico “Solid Air” de John Martyn, Andy Fraser por su parte fundo junto con el guitarrista Chris Spedding el grupo The Sharks, por su parte Kossoff seguía con su obstinación por las drogas a pesar de los esfuerzos de su padre el actor David Kossoff, y edito el álbum “Back Street Crawler” (1973), que fue un estrepitoso fracaso además de formar varias bandas de escaso éxito, fallecería años después víctima de las complicaciones que las drogas le habían producido (1976).
Pero fueron Rodgers y Kirke quienes tuvieron los mayores éxitos ya que junto a el ex Mott the Hoople; Mick Ralphs y a el ex King Crimson; Boz Burrell fundarían Bad Company, su primer trabajo se convertiría en un soberbio trabajo de hard rock blues y todo un clásico y comenzarían así una fructífera e impresionante carrera.
Pero esa es otra historia…

Blood Sweat and Tears

De las cenizas de una de las bandas de culto por excelencia como fueron The Blues Project, surgió Blood Sweat & Tears, una de las mas grandes formaciones del jazz rock & rhthym blues de la historia.
En dicha banda compartían proyecto Steve Katz y Al Kooper, este ultimo un inquieto músico, dotado de una visión extraordinaria de la música.
Kooper ya desde muy joven y perteneciendo al grupo The Royal Teens, había conocido las mieles del éxito con un tema suyo llamado “Short Short”.
Convertido en un verdadero vagabundo del rock, participo entre otros muchos, en los míticos “Highway 61 Revisited” y “Blonde on Blonde” de Bob Dylan como organista antes de formar la anteriormente mencionada The Blues Project.
Junto a Katz y Kooper también se unen a este nuevo proyecto Jim Felder batería, el percusionista Boddy Colomby, y la sección de viento formada por Randy Brecker, Fred Lipsius, Dick Halligan y Jerry Weiss.
Una vez conformada graban el álbum “Child is father to the man” (1968) , trabajo con tendencias jazzisticas, pero con una sólida base de blues, sin embargo también manifestaban el poco rodaje que aún tenían lejos de las obras que pronto llegarían y dejarían sentado el nacimiento del jazz-rock. “Child Is Father...” es un álbum que contenía temas de cosecha propia así como versiones de de Nilsson, Randy Newman o Carole King.
Unos posteriores problemas surgidos a partir de este disco, entre los componentes de la banda y como consecuencia del escaso éxito del álbum, terminan con el abandono de Kooper, el fundador decide así tomar otro rumbo y entre muchísimas aventuras perpetro uno de los discos mas famosos de la historia del rock junto a Mike Bloomfield y Stephen Stills, titulado “Supersesión” (1968), un excelente álbum de blues-rock que pronto pasaría a ser todo un clásico de la música rock.
En los años siguientes Kooper tomo una posición relevante como productor y descubridor de nuevas promesas como hizo por ejemplo con los Lynyrd Skynyrd.
Pero la banda lejos de desintegrarse tras el abandono de su líder deciden seguir y aprovechan el tirón de los cambios surgidos a finales de los años sesenta, desde la psicodelia, hasta el jazz electrónico y vanguardista.
Para empezar el sustituto de Kooper recae en el cantante canadiense David Clayton-Thomas, también se elimina la sección de cuerda y se amplia el numero de músicos de viento procedentes del jazz, Chuck Winfield, Lew Soloff y Jerry Hyman, además de que cambian de productor, James W.Guercio seria el encargado.
Y así nace el segundo álbum titulado “Blood Sweat & Tears” ( 1969), considerado por la critica y publico como una verdadera obra maestra, además de ser un éxito comercial impresionante, permaneció siete semanas en lo mas alto de las listas norteamericanas y gano el premio Grammy al mejor álbum del año.
El disco contenía grandes momentos de perfecta conjunción entre el arquetipo rock y los arreglos del jazz, como el clásico tema de la Motown “You´ve made me so very happy”, la sofisticada y reinventada “Gymnopedies” del compositor clásico Eric Satie o la versión de Traffic, “Smiling Phases…”, todo un disco que resultaba arrebatador y excitante.
Y pasaron a ser el grupo de moda sacudiendo a medio mundo con su nuevo y espectacular sonido y estilo.
“Blood Sweat Tears 3” (1970), fue otro éxito siguiendo el mismo patrón musical y conteniendo grandes temas como las versiones “Hi-de-ho” de Carole King y “Sympathy for the devil” de los Rolling Stones.
Llegados a este punto la banda no paraba de hacer giras con impresionantes conciertos multitudinarios y pronto el éxito les paso factura, posiblemente por que el equilibrio logrado era producto de un análisis radical de intereses artísticos y ese equilibrio difícilmente se podía mantener en lo sucesivo.
A partir de aquí la calidad o mejor dicho la genialidad y la magia fueron poco a poco desapareciendo y aunque la banda siguió editando discos, estos eran mediocres parodias de su misma versión, trabajos como “New Blood” (1972), “No Sweat” (1973), “Mirror Image” (1974) y por ultimo “New City” (1975), fueron obras cada vez menos interesantes. Pese a todo el grupo seguía manteniendo en los conciertos un altísimo nivel, fundamentalmente por la enorme calidad de los músicos que lo componían.
Ya a principio de los ochenta Blood Sweat and Tears dejaron de existir, terminando así sus días de una manera poco gloriosa y casi arrastrándose por nefastos escenarios e ignorados por el gran publico, un final injusto para una banda que llenaba los mayores estadios norteamericanos y que vendió la friolera de 40 millones de discos.

Steely Dan

En el mundo del rock la perfección es casi imposible y digo casi, por que existen unas pocas excepciones, una de ellas es sin duda Steely Dan, ellos lo han logrado en muchísimas ocasiones, y esa excelencia que les mantuvo en la cima artística, igualmente lo acercaron al borde del precipicio.
Por que la perfección es un delicado status que es tan frágil que cuando lo consigues debes mantenerlo continuamente, ya que si solo lo rozas el fracaso esta asegurado.
Steely Dan esto lo tuvo presente y mientras duro su carrera fue un completo éxito, una banda que durante toda su trayectoria se mantuvo lejos de la fama y de la histeria colectiva, solo les importaba el perfeccionismo de sus obras, tanto que llegaron a convertirse en casi paranoicos y lunáticos de la perfección
Fue en la Universidad de Bard al noroeste de Nueva York a finales de los sesenta cuando dos estudiantes apasionados por la música y la literatura se conocen, por un lado Walter Becker y por otro Donald Fagen, ambos unos entusiastas de William Burroughs y su obra y ambos buenos compositores de canciones pop rock.
Sus talentos no pasan inadvertidos y pronto pasan a engrosar la filas de una banda llamada Jay & The Americans y de paso darse a conocer, hasta el punto que el productor Gary Katz les ofrece un contrato para el sello ABC.
En 1971 ya como dúo editan su primer trabajo que será la banda sonora de una película “Gotta walkYou it like you talk it” de Zalman King, pero que pasa tan desapercibida que el dúo decide formar una banda en toda regla, a la que llaman Steely Dan.
Para completar la formación deciden llamar a Jeff Baxter guitarrista, Jim Hodder batería, al también guitarrista Danny Dias y al cantante David Palmer.
De esta manera lanzan su primer álbum titulado “Can´t Buy a Thrill” (1972), que pronto se convierte en un éxito absoluto, el disco contenía una sabia mezcla de jazz con brillantes paisajes atmosféricos, todo ellos aderezado con irónicos textos, temas como el clásico “Do it Again” o “Reelin´into the years”, llevaron al álbum hasta los primeros puestos de las listas cosechando varios discos de platino.
Tanto Becker como Fagen pronto confirmaron las expectativas depositadas en ellos y su carrera subió meteóricamente como la espuma, básicamente por dos razones fundamentales, su perfecta fusión de estilos y por esas continúas críticas y alusiones a personajes y acontecimientos, ya fueran reales o ficticios.
Un año después repiten el éxito masivo con el siguiente trabajo “Countdown to ecstasy” (1973), un disco que al igual que el anterior repetía las mismas formulas; textos sarcásticos y un estilo sofisticado de rock, jazz y r&b, con unas complejas estructuras.
A partir del siguiente álbum “Pretzel Logic” (1974) la banda prácticamente se convierte en un grupo de estudio dedicado a profundizar en las técnicas de grabación, por lo que abandonan la idea de hacer conciertos y giras, limitándose a editar solo discos y nada más.
En este nuevo trabajo el grupo confirmo su pasión por el jazz de los años cincuenta con la versión de Duke Ellington “East St Louis Toodle-oo”, además el álbum contenía grandes momentos como el country rock “Rikki don´t loose that number” o la decadente “Through with buzz”, con esas dosis de humor negro sarcástico tan habitual.
A partir de aquí el grupo deja de existir como tal y solo se mantiene vivo el nombre y sus dos fundadores, y en adelante un restringido numero de músicos participaran en las sesiones de grabación y así aparecen “Katy Lied” (1975) y “The Royal Scam” (1976), ambos realizados con talentosos músicos como Larry Carlton, Jeff Porcaro o Michael McDonald, que puso su voz soul como contrapunto al estilo de la banda.
Ambos trabajos fueron igualmente de una calidad extraordinaria y a la postre éxitos masivos, el primero de ellos incluso tomaba apuntes de la creciente época disco por lo que se intuyen retazos del genero muy de moda por entonces, el segundo por el contrario tiene un mayor énfasis en las guitarras y en donde se trataba de la inmigración y el creciente trafico de drogas, todo ello cargado de ironismo y el humor negro.
En 1977 llega lo que para muchos se considera su obra maestra absoluta “Aja”, trabajo sublime en donde las tensiones del jazz y el dinamismo del rock junto con las experimentaciones, se mezclan de manera sobresaliente volviendo a contar con un plantel de músicos de autentico lujo como Victor Feldman, Tom Scott, Rick Marotta o el ya fijo en el plantel Larry Carlton.
De esta obra sobresalen temas como la urbana e irónica “Black Cow”, el poema sinfónico “Aja” o las funky “Peg” y “Josie”. 
Llegados a este punto la banda se toma un respiro, momento que aprovecha la compañía para editar un “Greatest Hits” (1978), un álbum doble que incluye un tema no editado en ningún lp oficial pero si en la banda sonora FM y que lleva por titulo de igual manera.

Para el siguiente álbum el grupo cambio de compañía discográfica, firmando con MCA y empiezan a trabajar en lo que probablemente se convierte en uno de los discos mas complicados de la historia del rock, este fue sujeto a múltiples cambios y retrasos debido al perfeccionismo de Fagen, además de otros pormenores y como consecuencia al histerismo de la compañía por tanto maniatismo tecnológico.
Entre esas otras incidencias, el borrado accidental de una de las caras del álbum por uno de los ingenieros de sonido, las continuas disputas con la discográfica por motivos de royalties o la muerte de la novia de Walter Becker por sobredosis, no hacían mas que empeorar la de por si complicadas sesiones de grabación del álbum.
Por fin el nuevo álbum titulado “Gaucho” fue editado en 1980 y resulto ser otro bello y perfecto disco pero con mas énfasis al formato de canciones simples y en donde sobresalían temas como “Hey Nineteen” o “Time out of mind”, pero y para seguir con la complejidad del disco pronto apareció otro inconveniente, Keith Jarreth anuncio una demanda legal por el tema “Gaucho”, ya que según el teclista se utilizaba parte de la composición de un tema suyo, concretamente “Long As You Know You're Living Yours”, por lo que finalmente es incluido en los créditos del álbum.
Para este trabajo la banda volvió a contar con grandes músicos entre los que estaban Mark Knopfler, Steve Gadd, Joe Sample, Michael Brecker, Randy Brecker, David Sanborn…etc
“Gaucho” significo el canto del cisne del grupo, hasta veinte años después cuando volvieron con “Two Against Nature”, pero antes Donald Fagen había publicado “Nightfly” (1982) un inmejorable trabajo más desenvuelto que las composiciones que había realizado con su banda, con viejas atmósferas del jazz de los años cuarenta que la radio de entonces emitía por las noches.
El álbum pronto se convierte en un best seller llegando a vender más de un millón de copias en poco tiempo y reafirmando a Fagen en uno de los mejores compositores norteamericanos de todos los tiempos.
Al igual que con su ex banda, Fagen se rodeo de músicos de prestigio para grabar el álbum, como Marcus Miller, Larry Carlton o Michael Brecker.
En los años sucesivos a falta de material nuevo, tanto ABC como la MCA reeditan y editan recopilatorios por doquier: “Gold” (1982), a “Decade of Steely Dan” (1985) o “Citizen of Steely Dan” (1993), son solo algunos de ellos.
En 1993 Fagen rompe su silencio y publica “Kamakiriad” producido por Walter Becker, un trabajo de arquitectura musical futurista en donde intentaba explotar otras vías distintas a las ya conocidas y a formulas caducas, que en parte tiene un éxito moderado.
A partir de aquí el dúo se embarca en una gira como Steely Dan para apoyar el álbum, algo que no sucedía desde 1974.
Aprovechando la ocasión se edita el álbum en directo “Alive in America” grabado en la posterior gira (1993-1994)
Como consecuencia de esta reunión el grupo publica su nuevo trabajo, el mencionado anteriormente “Two Against Nature” (2000) con nuevos temas con el clásico sonido de Steely Dan, pero aclimatados a los nuevos tiempos y con un sonido francamente contemporáneo, un álbum que cosecha cuatro premios Grammy y se convierte en otro éxito absoluto.
En el 2003 publican un nuevo álbum “Everything Must Go” y una vez más la banda, se las arregla para conceptualizar el desarreglo de la cultura consumista en que vivimos, en un contexto retro-futurista, se ocupan del sueño americano, el apocalipsis yuppie, el inevitable próximo Armaggedon Now...etc
Fagen por ultimo publico en 2006 un nuevo álbum titulado “Morph The Cat”.

Passport

Passport esta considerada como una de las mejores formaciones europeas del jazz-rock progresivo y fusión de la historia, una propuesta musical de Klaus Doldinger, su creador y líder absoluto.
Doldinger había nacido en Berlín en 1936, y a los once años entro en el conservatorio de Dusseldorf adquiriendo allí una amplia experiencia, además de pulir su ya innato talento musical. Ya a mediados de los 50 paso a engrosar las filas de una banda de jazz Dixieland llamada Feetwarmers e incluso llego a grabar un disco con ellos.
Posteriormente fundo su propio grupo, mas exactamente un trío al mas puro estilo Oscar Peterson, cosechando un discreto éxito en los circuitos de jazz de su país.
Ya a finales de los sesenta y principios de los setenta Doldinger fue muy influenciado por el jazz moderno y electrónico que provenía fundamentalmente de Norteamérica, y decide fundar una banda a semejanza de las bandas punteras como Miles Davis, Weather Report o Herbie Hancock.
El talento de Doldinger al saxo y a los teclados (especialmente el moog), dejaban claro que seguía la tradición germana del culto al sintetizador que otras bandas como Kraftwerk o Tangerine Dream, popularizaron a nivel global y aunque siempre las influencias prog eran claramente perceptibles con los teclados predominando su música, el jazz era su denominador común, intentando siempre rodearse de inquietos músicos capaces de adaptarse a unos estilos no convencionales y muy variados.
La primera formación del nuevo grupo llamado Passport, la componen Olaf Kluber al saxo, Jimmy Jackson al órgano, Udo Lindenberg a la batería y Lothar Meid al bajo y graban su primer álbum titulado “Passport Doldinger” (1971), un debut en donde ya se mostraban las destrezas del propio Doldinger al saxo y su inconfundible sonido y a los teclados, y en donde ya se empieza a intuir el sonido que el músico quiere consolidar, una base bebop con rock progresivo y alardes de funk.
Aún así el propio Doldinger no debió quedar muy satisfecho con el resultado de este disco y cambia totalmente la formación del grupo (aunque esta fue una constante en la carrera del grupo ) y recluta a John Mealing, Wolfgang Schmid y Bryan Spring para el segundo trabajo editado un año después y titulado “Second Passport” (1972), trabajo no muy distante del primer álbum, al que siguen el interesante “Hand Made” (1973) y el excelente “Looking Thru” (1973), unos trabajos en donde las influencias de Return to Forever o Weather Report son aun mas elocuentes, con sonidos de mellotrón y rock progresivo fusionados a la perfección.
Tanto para este trabajo como para el anterior la banda ya contaba con lo que seria la formación más longeva y también la más exitosa, además de Doldinger y Wolfgang Schmid completaba el grupo Curt Cress a la bateria y Kristian Schultze a los teclados.
En 1975 se edita “Cross-Collateral” con el se les abre la puerta al mercado americano, entre otras cosas por que fichan por Atlantic Records y evidentemente por que consiguen realizar un fantástico trabajo de jazz rock muy apropiado para el publico americano por su calidad y sofisticación.
Ese mismo años la Atlantic aprovechando el tirón comercial de la banda reedita todo sus álbumes y pone en circulación un álbum en directo “Doldinger Jubilee Concert” en el cual participa Buddy Guy y Johnny Griffin.
“Infinity Machine” (1976) “Iguacu” (1977) “Ataraxia” (1978), “Garden of Eden” (1978) y “OceanLiner” (1980), siguieron por una tonica musical muy parecida cosechando éxitos en los circuitos del jazz-rock, con un sonido mas accesible muy emparentado con la música de Jean Luc Ponty, trabajos en donde las fusiones anteriormente citadas se mezclaban con ciertos aires funk y pasajes atmosféricos.
En 1980 se edito el doble álbum en directo “Lifelike” en donde además de la banda colaboraban Dick Morrisey, Jeff Berlin, Herbie Mann, Jim Mullen, Steve Ferrone o Etta James, dejando bien sentado con ellas el respeto y el prestigio que se habían ganado entre los músicos de jazz norteamericanos.
A partir de aquí los discos se suceden uno tras otro: “Blue Tattoo” (1981), “Earthborn” (1982), “Man in the Mirror” (1983), “Heavy Nights” (1986), “Talk Back” (1988), “Balance of Happiness” (1990), “Down to Earth” (1993) y “Passport Control” (1997), consiguiendo todos ellos el reconocimiento de los fans del jazz alrededor del mundo, con obras de mucha calidad, aunque lejos de las experimentaciones de los primeros trabajos o de la fusión de los de finales de los setenta y principio de los ochenta, en estos últimos Doldinger explora la fusión mas abstracta, con hermosas composiciones, sonidos limpios y nítidos y un jazz mas mainstream.
En los últimos años Doldinger ha explorado otros campos como el étnico en el álbum “Passport to Morocco” ( 2006) e incluso con elementos latinos como en “Passport to Paradise” (1997), el blues en “Blues Roots” (2001) con otros mas convencionales como “Move” (1996) o “Running in real Time” (2001), además de editar directos como “Passport on Stage” (2008) o “Live” (2000), trabajos el cual ha firmado bajo su propio nombre diferenciando así la época progresiva y experimental de Passport a los escarceos con otras fusiones que el mismo se ha ido labrando en esta ultima década.

Høst-Hardt Mot Hardt (1976)

Høst fueron otra de las importantes bandas de la escena rock de Noruega de la década de los 70. Formada en la localidad de Knapstad en 1971, en sus orígenes, se orientaron hacia el hard rock lanzando el album "På Sterke Vinger" (1974), el cual tuvo cierta notoriedad en el circuito heavy rock de su pais.

Pero después de este lanzamiento tres de sus integrantes abandonan la banda y son sustituidos por el guitarrista Fezza Ellingsen, el baterista Willy Bendiksen y el teclista Halvdan Nedrejord, mientras que los miembros que permanecieron eran Geir Jahren (voz) y Bernt Bodahl (bajo).

Con esta formación publicarían el álbum "Hardt Mot Hardt" en 1976, que a diferencia del anterior, esta enfocado a los sonidos progresivos conservando sutilmente el hard rock inicial. La inclusión del nuevo guitarrista, fue fundamental para favorecer las complejas composiciones del nuevo disco, su diverso estilo guitarrístico, mezclando los riffs del heavy rock con las influencias clásicas y el folk noruego, es lo mas destacado de este segundo disco. En "Hardt Mot Hardt" sobresalen cortes como "Gorobin", "Sirkus", "Æræeo" o "Nattergalen", en donde las teatrales voces cantadas en noruego, junto a los sonidos de la flauta y órgano, son el contrapunto perfecto al virtuosismo instrumental de su guitarrista.

Man-Rhinos, Winos and Lunatics (1974)

Man fueron una banda galesa de rock progresivo que se encuentras entre las destacadas formaciones de culto del rock británico.
Pero su enorme calidad nunca tuvo el reconocimiento merecido, en parte debido a la encarnizada competencia que había entre las innumerables bandas británicas de la época. Ellos son otra de esas cientos de bandas que pasaron de puntillas y sin hacer mucho ruido, pese a que crearon algunos de los mas grandes álbumes del rock británico de esa década de los 70.
Entre sus influencias habría que destacar la de la banda norteamericana Quicksilver Messenger Service, hasta el punto de que el líder de la misma formaría también formo parte de Man durante algún tiempo.
Con un estilo basado en el rock psicodélico y un sonido elaborado y complejo, esta banda navegaba entre los sonidos del rock progresivo y vanguardista y la experimentación.
En 1974 llegaría “Rhinos, Winos and Lunatics”, el octavo álbum del grupo, el cual fue producido por Roy Thomas Baker, en donde muestran sus hermosas armonías y sus elaboradas composiciones en una serie de cortes como “Taking The Easy Way Out Again”, “The Thunder And Lightning Kid” o “Four Day Louise”, mientras la faceta instrumental repleta de experimentación, están presentes en las soberbias “Intro” y “Exit”.

Them Crooked Vultures-Them Crooked Vultures (2009)

Como todo gran supergrupo, Them Crooked Vultures han tenido que lidiar con varios inconvenientes, el primero y sin duda el mas problemático, es la expectación desmedida y exagerada que se torna a su alrededor, ya que tanto el publico como la prensa especializada les exigirá cuanto menos unas obras que tengan la mínima calidad para ser comparadas con trabajos realizados anteriormente por algunos de sus miembros y esto a la postre termina por sucumbir muchas de esas superbandas.
Y he aquí que tanto John Paul Jones (Led Zeppelin), Dave Grohl (Nirvana y Foo Fighters) y Josh Homme (Queens of the Stone Age) lo han sabido ejecutar de manera airosa y en muchos momentos del álbum casi antológica…si no fuera por que la sombra de Led Zeppelin es mucho lastre del cual tirar.
En cualquier caso el álbum respira un cierto regusto zeppeliano en temas como "No one loves me & neither do i" o en "Elephants", donde los arreglos y riff´s nos recuerdan a la majestuosa banda liderada por Jimmy Page, también podemos intuir ramalazos de los Cream mas profundos en "Scumbag Blues" o esencias de The Doors en la insinuosa "Gunman", con un Jones pletórico a los teclados.
Sin duda el peso tanto musical como de producción tiene en la mano de Jones un claro líder, pero sus compañeros de viaje también salen airosos de tal embate, y es que aquí el bajista lo que ha buscado es la revitalización de algunos de los elementos esenciales del hard rock de los 70: riffs, su sonido valvular y la búsqueda artística, Grohl en cambio deja bien sentado que lo suyo son las baquetas y de que manera!, y Homme parece que ha dejado atrás su peculiar manera de cantar para darle mas sentido y personalidad a su voz.
En definitiva un trabajo el cual demuestra que Jones sin Jimmy Page también sabe arreglárselas solo aunque si alguien busca un sinónimo del "Nevermind" o del "Zeppelin IV", será difícil que lo encuentre y es que, si en vez de ser quienes son, hubiese sido el disco debut de cualquier otra banda, ahora mismo hablaríamos de un fantástico debut.

Camel

A menudo considerada una banda a la sombra de otras coetáneas como Pink Floyd, con los cuales siempre fueron comparados injustamente por la prensa británica de principios de los setenta, Camel han sido una de las bandas mas originales y fundamentales de la historia del rock progresivo. Sus orígenes se remontan a mediados de los sesenta cuando los hermanos Ian y Andy Latimer se unieron a Alan Butcher y Richard Over y fundaron una efímera banda llamada The Phantom Four.
Ya en 1969 Andy forma una nueva banda llamada The Brew en donde cuenta con la colaboración de Doug Ferguson al bajo y Andy Ward a la batería. Esta formación terminaría consolidándose como la definitiva, compuesta por los mencionados Ferguson, Ward y la inclusión del teclista Peter Bardens.
A finales de 1971 hacen su presentación como teloneros de los Wishbone Ash, logrando una actuación memorable, lo que les lleva a firmar con el sello MCA.
Poco después entran en los estudios de grabación y completan su álbum debut “Camel”, lanzando a principios de 1973. En este debut pese a contener grandes momentos como la fantástica “Never Let Go”, un clásico de su repertorio, no terminan por triunfar al carecer de un claro rumbo estilístico.
Sin embargo Camel son nombrados la mejor banda promesa de ese año, cuyo estilo aglutina elementos del jazz y la música clásica, lo cual serviría de ejemplo para muchas bandas posteriores.
Un año después el grupo logra crear una de las obras capitales del rock progresivo con su álbum “Mirage”, por la cual serán admirados dentro del circuito progresivo. Un álbum que contiene todas las cualidades para considerarla una obra maestra del genero, composiciones que muestran energía, sensibilidad e ingenio, grandes ejecuciones instrumentales y unas composiciones solidas y esplendorosas.
Cortes como “Lady Fantasy” o “Freefall” pasan a ser clásicos dentro de su repertorio.
Para su tercer trabajo “The Snow Goose”, se inspiran en la famosa obra literaria de Paul Gallico, convirtiéndose de esta manera en su primera obra conceptual.
Para la grabación de esta compleja obra, cuentan con la colaboración del arreglista David Bedford, el cual convierte a este álbum en una obra clásica llevada a los extremos, para convertirla en uno de los mejores proyectos del genero progresivo.
Con este disco consiguen una gran elocuencia con la historia, que es muy bien representado musicalmente con una interpretación instrumental soberbia y antológica.
El siguiente “Moonmadness” y el posterior “Rain Dances”, muestran la inclinación hacia los sonidos mas jazzisticos muy cercanos al sonido Canterbury, logrando con ambos un gran éxito en las listas británicas.
En “Moonmadness” evolucionaron hacia los terrenos mas previsibles del rock progresivo y con un mayor predominio de las voces y en donde sobresalen cortes como “Lunar Sea”, “Song Within A Song” o “Chord Change”, redondeando un trabajo equilibrado y solido.
Después de este álbum la banda sufre sus primeros cambios de formación, así Doug Ferguson abandona siendo sustituido por el ex Caravan Richard Sinclair, el cual influye en los sonidos jazzisticos del posterior “Rain Dances”, que pese a su enorme calidad se convierte en su trabajo menos excitante y mas previsible.
Después lanzarían el fantástico doble álbum en directo “A Live Record”, grabado en diferentes conciertos de las giras de “Mirage”, “Rain Dances” y “The Snow Goose”, durante los años 1974, 1975 y 1977.
El siguiente trabajo se convertiría en su obra mas controvertida hasta esos momentos, “Breathless”, que lanzado en 1978 se orientaba a los sonidos mas comerciales pero manteniendo la filosofía del grupo y en donde se encontraban cortes de grandísima calidad como la compleja “Echoes”, la progresiva jazz “Wind And Prayer” o la rítmica “Summer Lightning”. Un año después seguirán con esa tónica lanzando el excelente “I Can See Your House From Here” en donde las influencias de la música tecno están muy presentes conformando un álbum diverso y atractivo de pop progresivo.
Llegados a este punto la formación estaba compuesta por una serie de músicos que habían sustituido a Peter Bardens o Richard Sinclair como el bajista Colin Bass, o los teclistas Kit Watkins y Jan Schelhass
Dos años después regresarían con otro trabajo conceptual “Nude”, inspirado en la historia de un soldado japonés que fue dado por desaparecido en la Segunda Guerra Mundial y que paso buena parte de su vida en una isla desierta hasta muchos años después del mencionado conflicto bélico.
En este nuevo disco muestran su lado mas sensible y melancólico, de excelente  rock progresivo introspectivo y desgarrador.
Los siguientes “The Single Factor” (1982) y “Stationary Traveller” (1984), mostraban a una banda mas enfocada a los sonidos del pop sinfónico muy cercano al estilo de The Alan Parsons Project.
Los fans del grupo tendrían que esperar seis años en volver a ver un nuevo trabajo de Camel, ello fue motivado por las continuas disputas de Andy Latimer sobre los derechos del grupo con el sello Decca. Finalmente Latimer consigue rescindir su contrato con el sello británico y funda su propia discográfica, Camel Productions y al mismo tiempo compra todos los derechos de los álbumes anteriores. Después de afincarse en California y gestionar la publicación de toda su obra anterior en el formato de compact disc, (toda esa obra bajo el sello Decca solo estaba disponible en vinilos y cassettes), conforma una nueva formación y graban el nuevo disco “Dust And Dreams” que fue lanzado a finales de 1991.
En esta ocasión Camel esta formada por el propio Andy Latimer (guitarras, flauta, voz y teclados, además de la producción y arreglos), Colin Bass (bajo), Paul Burgess (batería) y Ton Scherpenzeel (teclados), y de diferentes músicos colaboradores como David Patton (voz), Mae McKenna (voz), Don Harris (teclados) o Christopher Bock (batería) y fue grabado en los estudios propiedad del propio Andy Latimer en Los Ángeles.
En este nuevo lanzamiento la guitarra de Latimer es la protagonista absoluta de la obra que es mucho mas sinfónica que progresiva, en donde la mencionada guitarra cubre todo el álbum de manera tan brillante como efectiva.
Cinco año después llegaría otra obra conceptual “ Harbour Of Tears”, esta vez inspirada en la historia de los miles de trabajadores emigrantes que dejaron Irlanda para iniciar una nueva vida en América a principios del siglo 20.
Este ambicioso trabajo es una obra completa con cierta idiosincrasia que nos trae a la mente “The Snow Goose”, aunque en un tono mas delicado y tradicional fusionado con elementos progresivos conformando un álbum soberbio.
“Rajaz” publicado en 1999 esta basado en los sonidos sobre las músicas del mundo, con un predominio de ritmos arabescos y orientales con ligeros toques de jazz y exquisitos elementos progresivos.
“A Nod & A Wink” publicado en el 2002, seria el siguiente y ultimo movimiento discográfico de Camel, otro soberbio y espectacular trabajo repleto de mágicas composiciones en donde las guitarras y los teclados evocan el mejor sonido progresivo, con un Latimer que puso todo su corazón y su alma en un trabajo que le dedicaría a su amigo y ex compañero Pete Bardens que había fallecido a principios del 2002.

Eef Albers Kwartet-Skyrider (1981)

Eef Albers es un talentoso guitarrista holandés que tiene tras de si un gran prestigio al haber pertenecido a diferentes proyectos como Focus (sustituyendo a Jan Akkerman), Kraan, o Metrople Orkest, además de haber colaborado con artistas como Stanley Clarke o Toots Thielemans, entre otros muchos mas.

En 1972 formaría su primer grupo junto a Gerry Brown y John Lee y varios años mas tarde lanzaría su primer álbum en solitario "Blue Capricorn".

En 1981 junto al bajista Wim Essed, al baterista Gerry Brown y al pianista Rob Van Den Broeck, publicaría uno de sus mejores trabajos, este "Skyrider", en donde muestra sus enormes lienzos guitarrísticos gracias a sus emocionantes riffs y su gran ingenio con las seis cuerdas.

"Skyrider" esta compuesto por una serie de composiciones de efectivos arreglos de jazz rock/fusión de fácil escucha con ciertos sonidos bluesy.

Desde tapices de fusión como la canción que da titulo al álbum, hasta paisajes relajantes bajo el marco del jazz "Brown Eyes" y "Take Me There", embutidos sonidos latinos "Flamingo´s Dance" o composiciones jazz rock "Napalis".

En los sucesivos años, Albers dejaría otros trabajos de cierta magnitud como los encomiables "Pyramids" (1987) o "Birds Of The Night" (1996).

Space Art-Space Art (1977)

Space Art fue un dúo de teclistas franceses que estaban en clara sintonia con la música electrónica y espacial de su compatriota Jean Michel Jarre, los cuales lanzaron una serie de álbumes de reconocida valía dentro del dicho genero europeo. Sin embargo en su momento no lograron atraer la misma atención del gran publico que su rival, debido a la poca promoción y distribución de sus álbumes, algo que sin embargo no pasaría inadvertido para el propio Jean Michel Jarre quien terminaría reclutándolos como músicos de apoyo en sus giras como por ejemplo la ofrecida en la China comunista de principios de los 80 y que quedaría inmortalizado en su monumental doble en directo “The Concerts in China” (1982). Space Art estaba compuesto por el teclista Dominique Perrier y el percusionista electrónico y acústico Roger Rizzitelli. Su primera y mejor entrega fue publicado en 1977, en la cual estos talentosos músicos ofrecen un variopinto catalogo de sonoridades extremadamente melódicas y pegadizas centradas en las poderosas notas de los sintetizadores y una contundente y enérgica batería y percusion. Desde piezas oscuras como "Interlune", hasta acercamientos al sonido germano de la escuela de Berlin "Aquarella", pasando por las grandilocuentes mini epopeyas "Naissance de Cassiopée" o "Ode á Clavius", el álbum se construye bajo unos brillantes patrones rítmicos y atmosféricos, logrando crear un sonido tan cautivador como eficaz.

Nazareth

Nazareth es uno de esos grupos que siempre han permanecido a la sombra de sus coetáneos, bandas mas punteras como Deep Purple, Black Sabbath, Led Zeppelin o Uriah Heep, por solo poner algunos ejemplos, eran los que se interponían a su estrellato definitivo en el hard rock de los setenta, aunque esto no era obstáculo para que la banda mantuviese una estabilidad musical que ha durado hasta hoy en día.
Fue en 1969 cuando cuatro amigos, Dan McCafferty, cantante, Pete Agnew, bajista, Darrell Sweet, batería y Manny Charlton guitarrista, originarios de la ciudad escocesa de Dunfermlime, empiezan a tocar primero por los circuitos de pubs de Glasgow, para luego viajar a Londres para abrirse camino en el mundo del rock.
Poco después conocen a Ray Thomas Baker, futuro colaborador de Queen, quien les produce su primer álbum homónimo, “Nazareth” (1971), un trabajo en donde aún se nota que están en plena formación con variopintos estilos sin definir, pero con una solida base rock and roll.
Un año después editan su segundo álbum titulado “Exercises”, un trabajo algo mas serio y el cual coincidió con el relativo éxito en las listas gracias al tema “Morning dew”, del primer álbum, y que contenía grandes cortes como “I Will not be Led” o “Fool about You”.
Aprovechando la coyuntura de ese éxito (“Morning Dew” era una versión) el grupo explota ese camino y será una constante en los siguientes años el incluir versiones en todo sus álbumes, así en el siguiente disco “Razamanaz” (1973) el encargo de la producción recae en Roger Glover que se había ganado las simpatías del grupo, este nuevo disco contiene dos singles de éxitos uno de ellos la versión de Woody Guthrie, “Vigilante Man”, además el sonido cambia radicalmente con un rock incendiario reflejado en temas como “Broken Down Angel”, top ten en UK o “Razamanaz”.
Pronto el gran publico empiezan a conocer a Nazareth y se conmociona con su música y el siguiente álbum “Loud´n´Proud” (1973), consolida definitivamente a la banda con un disco realmente vibrante y mucho mas acelerado que los anteriores, pero en donde sigue predominando el blues, temas como “Child of the sun”, la enérgica “Free Wheeler”, la versión de Joni Mitchell y éxito en single “This Flight Tonight” o la pesada y contundente versión del tema de Bob Dylan “The Ballad of Hollis Brown”, hacen de este álbum un clásico del hard rock de los setenta.
En el siguiente disco “Rampant” (1974), la colaboración con Deep Purple continuaba observando el éxito que les precedía, y en este además de la producción de Glover también participo Jon Lord, el álbum fue un pequeño paso atrás comercialmente, quizás por las prisas por editar nuevo trabajo y paso desapercibido pese a contener buenos temas como “Sunshine”, aunque en honor a la verdad es un trabajo realmente impresionante.
Para paliar este fracaso el grupo edita el single “Love Hurts”, que escala las listas de éxitos en medio mundo dejando las cosas de nuevo en su sitio.
Pero el éxito definitivo y la culminación artística de la banda llegaría con “Hair of the Dog” (1975), un lanzamiento soberbio que combinaba las influencias ya consabidas de rock potente y el blues con el rock progresivo muy de moda en aquella época, además fue el canto del cisne del grupo en lo concerniente al éxito en las listas, temas soberbios como “Please don´t Judas me”, “Changin´Times” con ese ritmo muy zeppeliano o la blusera “Whiskey drinkin´Woman” y sobre todo la versión del grupo de Steve Howe, Tomorrow, “My while bicycle” fueron las que catapultaron al status de grupo puntero a mediados de la década de los setenta y llegando a codearse con los grandes del genero de la época.
Llegados hasta este punto los esquemas musicales del grupo quizás eran algo repetitivos, pero la ruda simplicidad y ese sonido tan característico les hicieron entrar en el corazón de millones de apasionados del rock, hasta tal punto que llegaron a ser uno de los grupos más reclamados en vivo en países como Alemania o Norteamérica.
Después del obligado y lógico recopilatorio “Greatest Hits” (1976), la banda vuelve con “Close Enough for Rock´n´Roll”, que contiene el tema “Telegram” que escala las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico, un trabajo este en donde se suavizo el sonido del grupo con un estilo muy cercano al AOR, que ya no abandonarían en sus posteriores trabajos, en cualquier caso el álbum es de gran calidad con mucha intensidad y energía, el cual seguía dando credibilidad a la banda.
En noviembre de 1976 se edita el siguiente trabajo de la banda titulado “Play´n´The Game”, trabajo de buena factura con temas como “Somebody to roll” o “Waiting for the man”, pero que apenas tiene repercusión ni el éxito merecido.
Después de otro recopilatorio “Hot Tracks” (1977), el grupo regresa con “Expect no Mercy” en donde vuelven por su fueros hard rock con un disco realmente potente con un sonido clásico, y en donde temas como “Busted” o “Shot me Down” eran la constancia de que el grupo aún tenia mucho por decir.
El álbum “No Mean City” (1979), supuso la entrada del guitarrista de la Sensational Alex Harvey Band, Zal Cleminson, y de paso la versatilidad del grupo al contar con dos guitarristas en un trabajo que continuaba con la tendencia del hard rock con variedad de influencias en donde esta vez el folk cobra protagonismo en temas como “May the sunshine”, además de otras grandes canciones como “Whatever you want babe”.
“Malice in Wonderland” (1980) es un trabajo alejado de los esquemas habituales del grupo, en donde la comercialidad y el AOR son el denominador común de disco, solo “Holiday” o “Fallen Angel” consiguen equilibrar un trabajo que para muchos fue el mas flojo de los editados hasta ese momento.
“The Fool Circle” editado a finales de febrero de 1981 fue un álbum abrasador que paso inadvertido por los rockeros europeos mas interesados por la nueva oleada de bandas británicas de heavy metal como Iron Maiden o Def Leppard, temas como “Dressed to Kill” o la versión de J.J. Cale “Cocaine”, fueron éxitos mediocres de este disco.
En este trabajo John Locke, ex miembro de Spirit pasó a formar parte del grupo y también participo en el doble álbum en directo “Snaz” (1981)
Un doble álbum en directo que con el tiempo se ha convertido en uno de los mejores directos de la historia, paradójicamente una banda que siempre paso inadvertida para el gran público presume de tener un fabuloso y fantástico directo muy considerado hoy en día.
En junio de 1982 se pone a la venta el álbum “2XS”, quizás su álbum mas americano, una combinación de hard rock y AOR y en donde el grupo da mucha mas importancia a los teclados, y que convierten al trabajo su mejor disco en muchos años, enérgico pero de una belleza evidente, comprobado en temas como la eterna balada “Dream on”, o temas como “Take the rap” o “Lonely in the night”, aupándoles al éxito masivo en los Estados Unidos, pero no en Europa, donde solo los incondicionales, unos cuantos cientos de miles, eso si, les prestan atención.
En los siguientes años editaran buenos discos que lejos de la calidad de los trabajos de los setenta y principios de los ochenta, mantendrá el espíritu de la banda gracias al esfuerzo y la profesionalidad de sus integrantes, trabajos como “Sound Exilir” (1983) un álbum con muchos arreglos pop, el flojo “The Catch” (1984), el heavy-light “Cinema” (1986) el estupendo “Snakes´n´Ladders” (1989), el meritorio “No Jive” (1991) o el mediocre Move Me (1994), fueron sucediéndose uno tras otro hasta el magnifico “Boogaloo” (1998), este ultimo un trabajo con un sonido muy actual, ya sin Manny Charlton que había abandonado la nave desde el álbum “Snakes…”, este también seria el ultimo de Darrell Sweet.
Un año después y durante una gira por los Estados Unidos Sweet fallecería de un ataque al corazón.
En 1998 el grupo edita “The Newz” un trabajo muy fresco con el eterno sonido del grupo pero en donde incluso juguetean con el funk rock y en donde vuelven a demostrar que son una de las grandes bandas de la historia del rock, quizás injustamente reconocidas, pero editar 23 álbumes (entre oficiales, directos y recopilatorios), haber girado alrededor del mundo cientos de veces y aún continuar en activo, merece un respeto y una consideración muchísimo mas grande que la que se la ha dado a esta formidable banda escocesa de rock´n´roll.

Bang-Mother/Bow to the King (1972)

Vamos con otra banda del fondo del armario, esta vez le toca el turno a Bang, una oscura agrupación norteamericana de hard rock originarios de Filadelfia, que publicaron cuatro discos entre 1971 y 1973 bajo el sello Capitol Records.

Constituida como trío, esta formación esta encuadrado dentro de genero proto metal por su estilo oscuro y tremendamente pesado.

Su formación estaba compuesta por el baterista Tony Diorio, el guitarrista y voces Frank Gilcken y el bajista y voz Frank Ferrara.

Con un estilo que fusionaban los riffs endemoniados de Black Sabbath y el brutal hard rock de Grand Funk, este power trío mostro su mejor momento con su tercera entrega "Mother/Bow to the King", en donde sobresalían los sonidos pesados y el ritmo aplomado de las hard rock "Humble", "Idealist Realist" o "Keep On", la épica heavy rock "Bow to the King" o la melódica "Feel The Hurt".

Un año mas tarde lanzarían su epitafio "Music", con el cual dieron por acabada su efímera pero interesante carrera dejando tras de si una discografía que hoy en día es muy cotizada por los fanáticos al hard rock y el heavy metal de los primeros años 70.