Hard Rock

Podríamos afirmar con toda seguridad que el hard-rock señaló el final de los creativos años 60, confirmando de esta manera una forma de consolidar una instancia militante menos "confrontacional". Musicalmente, el hard-rock era el punto final de una evolución del blues, hasta esos momentos se había visto a los músicos blancos de clase media reinventar la música de los negros esclavizados como un entretenimiento para la juventud occidental. El hard- rock seguía basado en el blues, como el rock 'n' roll lo había sido, pero era un tipo de música más rápida, más ruidosa y más fuerte, que enterraba el sufrimiento de la gente negra bajo miles de decibelios.
Entre los germinales grupos que “inventaron” el hard-rock estaban Steppenwolf, Cream, Blue Cheer o Guess Who, por citar solo algunos de los mas fundamentales y que ya habían enfatizado la amplificación y centraban la canción alrededor del riff de guitarra y quienes eran ciertamente la mayor influencia de las bandas británicas que "inventaron" el hard-rock.
Sin embargo, Led Zeppelin, formado por el ex guitarrista de los Yardbirds, Jimmy Page y el protegido de Alexis Korner, Robert Plant, fueron, antes que nada, hijos del blues. Sin embargo, las sesiones de su primer álbum “Led Zeppelin I” (1969), introducían un acercamiento histérico la música negra que aún los negros no habían soñado nunca, culminando con la cima epiléptica de “Communication Breakdown”. El sonido de Led Zeppelin, era una extensión del blues eléctrico que se basaba en tres factores: un ritmo más rápido, casi frenético; un aullido fuerte y abrasador que casi parodiaba a los "gritones" negros y que tenía sobre-tonos psicóticos; y una guitarra poderosa tocando con gran imaginación con sobre-tonos místicos. El melodrama de canciones tales como “Whole Lotta Love” (1969) era roto continuamente por los riffs de la guitarra y vocales delirantes. Cream había tocado blues-rock como música cerebral: Led Zeppelin tocaba el blues-rock como una sublime música corporal. Desde “Immigrant Song” (1970) a “In The Evening” (1979), Led Zeppelin fueron principalmente una idea del rock 'n' roll para una nueva clase de audiencia. Los elementos secundarios que se habían escapado en los primeros álbumes, emergieron vigorosamente en “Led Zeppelin IV" (1971), “When The Levee Breaks” fue su canción más original, (casi psicodélica), inspirada por la tradición folk, y “Stairway To Heaven” fue la combinación de su alter ego "suave" y espiritual, convirtiéndola en genial y majestuosa. A cada nuevo álbum le sucedía un asombro general, parecía que dominaban todos los estilos o por lo menos que no se encasillaban en uno solo, bajo la base del blues y el hard rock poderoso experimentaron con el folk en “Led Zeppelin III” (1970), experimentos sonoros con acercamientos a la música étnica y al rock progresivo en “Physical Graffiti” (1975) o tremendos zarpazos de blues-rock en sus primeras dos obras “Led Zeppelin” (1969) y “Led Zeppelin II” (1969). El éxito de Led Zeppelin tuvo un impacto poderoso y abrumador en la industria discográfica: definió el álbum de larga duración como el medio del rock. Ellos nunca tuvieron un "éxito" mayor en las listas como singles, pero gobernaban en los álbumes, en las ondas de radio y los estadios. La industria se dio cuenta y siguió su esencia y empezó a promocionar álbumes más que las canciones individuales. Definitivamente Led Zeppelin habían revolucionado el mundo del rock literal y totalmente. Otra fuente de vibraciones pesadas era Detroit. Detroit tenía los feudos de los elementos más extremos de la contracultura (por ejemplo, los White Panthers), pero, y más en concreto, era la ciudad más industrial de los Estados Unidos. Así como los cantantes de folk habían sido la voz natural de los intelectuales de Greenwich Village, la música surf había sido la voz natural de la diversión en California, el Mersey-beat había sido la voz central de "swinging London" y el acid-rock había sido la voz natural de los hippies de San Francisco, un tipo de rock 'n' roll feroz y ruidoso se convirtió en la voz natural de los obreros de Detroit y de sus hijos. Había algunos precedentes para el muro de gritos y riffs de Detroit (Blue Cheer en California era el más notable). El grupo casi humilde Frost le dio a la ciudad su manifiesto definitivo en “Rock And Roll Music” (1969).

A partir de aquí llegaron los MC5, dirigidos por el líder de los White Panther, John Sinclair, y por el guitarrista Wayne Kramer, ellos representaban la escena revolucionaria de los disturbios estudiantiles y usaban el rock´and´roll como un instrumento de protesta poderoso. Su sonido abarcaba la furia y el sarcasmo de los extremistas, sus letras desafiaban todos los estándars morales. Sus shows en vivo eran orgasmos salvajes y colectivos en los cuales la banda soltaba un una furia monstruosa y caótica en la audiencia. “Kick Out The Jams” (1969), permanece como uno de los álbumes más orgiásticos, aterradores y viscerales se hayan lanzado jamás, bacanal grotesco de habilidades musicales atroces y primitivas, un asalto formidable en la realidad, el equivalente en el rock 'n' roll de una explosión nuclear, sonaba como si el free-jazz y el acid-rock hubieran sido azotados salvajemente dentro de un acelerador de partículas. El hecho de que el siguiente, “Back In The USA” (1970), fuera tan inferior es prueba que la obra maestra se debió a los espíritus de una época completa y no de un grupo particular de músicos. No menos salvajes, The Stooges aparecieron con una proposición más musical. En su primer álbum “Stooges” (1969) tomaron ideas de Chuck Berry, Rolling Stones, Velvet Underground y The Doors (riffs pesados, cantos obscenos, vocales libidinosas y guitarras distorsionadas) y lo llevaron al límite. “We Will Fall Venus In Furs”, “1969”, “No Fun”, “I Wanna Be Your Dog”, “Sweet Little Sixteen” o “Waiting For My Man”, sonaban a alguna de las anteriores bandas o tenían claras influencias suyas. El atractivo sexual de Mick Jagger, la guitarra erótica de Jimi Hendrix, la perdición chamánica de Jim Morrison, o los rituales degenerados de Lou Reed, encontraron en los Stooges un nuevo vehículo para una nueva generación, que ya no era idealista sino simplemente frustrada, abrazaron la imagen del punk degenerado, y le llevaron a un nuevo nivel de realismo, dejando atrás los sobre-tonos míticos de la era hippy y regresando a sus dimensiones originales de desafío y vulgaridad. Así los Stooges alcanzaron una síntesis histórica de tanto estilos musicales y significados sociológicos. “Fun House” (1970), cuyo “TV Eye” virtualmente inventó el voodoobilly, y cuyo tema “1970”, virtualmente inventó el punk-rock, y continuaban la saga, mientras que “Raw Power” (1973), derivaba hacia el glam-rock respetable y de paso se convertiría en la nueva carrera de su vocalista Iggy "Pop". Cada pedazo de la música de los Stooges era militante, aunque no hacían ninguna referencia a la política. Y cada pedazo de eso era pornográfico: cada nota, cada acorde, cada riff era un innuendo sexual. La mezcla de guitarras agresivas, vocales crudas y ritmos sólidos era un Kama Sutra sónico. En definitiva MC5 y los Stooges habían creado una nueva clase de rock 'n' roll, una fundada en la violencia musical extrema. Pero volvamos a Gran Bretaña, en donde la forma "no política" del hard-rock generó la misma clase de reacción histérica que el Mersey-beat y el rock progresivo habían generado, docenas de bandas adoptaron el nuevo estilo con pocas o ninguna variación entre unas y otras. Entre las menos predecibles estaban Free, con el vocalista Paul Rodgers, el excelente guitarrista Paul Kossoff y la extraordinaria sección rítmica de Andy Fraser y Simon Kirke, ellos fueron notables por el blues-rock visceral de temas como el himno “All Right Now” (1970), o el majestuoso album “Fire And Water” (1970), otra imprescindible banda de la época eran los Status Quo, cuya experiencia en la psicodélia y el rock culminaban en álbumes como “Picturesque Matchstickable” (1968), “Ma Kellys Greasy Spoon” (1970) o “Dog Two Heads” (1971), de Irlanda despuntaba un grupo llamado Thin Lizzy, formación clásica de guitarra doble a lo Wishbone Ash, con un líder mestizo Phil Lynott, genial y controvertido que produjo discos de gran factura como “Thin Lizzy” (1971), “Shades of a Blue Orphanage” (1972) o posteriores obras maestras como “Jailbreak” (1976); también a inicios de los 70 aparecieron UFO quienes fueron pioneros en el Space-rock-metal como dejaron bien demostrado en trabajos como “Flying” (1971) o “UFO1” (1972), derivando su estilo posteriormente a un hard-rock más convencional; “Force It” (1975). En 1969 un teclista con una fuerte educación clásica llamado Ken Hensley funda Uriah Heep junto al guitarrista Mick Box y al cantante David Byron, pronto son proveedores de atmósferas góticas y medievales; e incluso rozan el rock sinfónico, sin duda por la aportación de Hensley, firman álbumes espectaculares como “Very´Umble Very éavy” (1970), o geniales como “Demons and Wizards” (1972). En 1966 de uno de los barrios más marginales de Wolverhapton sale una banda llamada Slade, quienes unieron la imagen de holligans de la clase trabajadora con himnos pegajosos tales como “Cum On Feel The Noise” (1973) o álbumes de gran calibre como “Slayed” (1972), luego parte de la critica les coloco tal vez injustamente en el movimiento glam-rock y no fueron muy bien considerados entre los asiduos al hard-rock aunque si entre los post-punks. Una versión pop y glam del hard-rock fue fabricada por los escritores Nicky Chinn y Mike Chapman y por el productor Mickie Most, primero para Sweet, para quien escribieron “Blockbuster” (1972) y “Ballroom Blitz” (1973), y después con el grupo de Detroit, Suzi Quatro, quienes lanzaron “Can The Can” (1973) y “Devil Gate Drive” (1974). Dos de las mejores bandas nacieron de las semillas de los Small Faces: por un lado Humble Pie, con Peter Frampton y Steve Marriott y dejándonos uno de los álbumes de rock en directo más memorables de la historia el “Perfomance: Rockin´at the Fillmore” (1971), y por otro The Faces, con el vocalista Rod Stewart y el guitarrista Ron Wood (ambos antiguos miembros de la Jeff Beck Group), cuyo álbum “A Nod Is As Good As A Wink To A Blind Horse” (1971) permanece como uno de los ejemplos más vivos del soul-rock blanco. Varios años antes un estudioso de la música clásica y teclista llamado Jon Lord funda Deep Purple junto al excéntrico guitarrista Ritchie Blackmore y el formidable batería Ian Paice, quienes empezaron como imitadores tardíos del rock progresivo y rock neoclásico, cuyo mejor ejemplo es “Concerto for Group and Orchestra “(1970) y el melodrama psicológico “Child In Time” (1970), pero pronto se unieron a las filas del hard-rock con los ataques de rock supersónico con las obras maestras “In Rock” (1970), “Machine Head” (1972) y el legendario directo “Made in Japan” (1973). Pronto debido a la técnica de guitarra altamente simplificada de Ritchie Blackmore y los excesos orgánicos de sus ejecuciones extensas se convirtieron en los estereotipos del hard-rock, convirtiéndose junto a Led Zeppelin como los grandes abanderados del estilo. Pero fueron quizás Black Sabbath, la banda más influyente y fundamental de todas para el devenir de lo que luego seria el heavy-metal y esto era de por sí muy difícil o casi imposible, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Gezzer Butler´s y Bill Ward tenían las habilidades requeridas para tocar el hard-rock en su máxima expresión, pero sus riffs distorsionados y florecientes, sus monstruosos grooves, sus ritmos marciales, su canto monótono y sus temas de horror, evocaban la visión de un universo futurista medieval, y pusieron los cimientos para el heavy metal y del que posteriormente surgieron el black metal o el doom-metal. Las proezas melódicas e instrumentales eran componentes de sus trabajos más típicos, “Black Sabbath” (1970) “Paranoid” (1971) “Master Of Reality2 (1971) “Vol.4” (1972) o “Sabbath Bloody Sabbath” (1973). Ellos no fueron los inventores de la música gótica, pero si fueron los primeros en transformarla en un nuevo género. Ellos fueron el ataque final a los rockeros, hippies, cantautores y cualquier otro que valorara el contenido sobre la forma. En 1971 se formaba Queen quienes fueron los bufones del movimiento hard-rock, y muy al principio catalogados como banda de glam-rock. Con un glamoroso front-man como Freddie Mercury y un técnicamente innovador guitarrista llamado Bryan May,  tomaron ideas del rock progresivo y del music-hall muy bien reflejados en la escenificación de “Killer Queen” (1974) y del gospel con “Somebody to Love”, (1976); Aplicaron técnicas de producción fantásticas en “A Night At The Opera” (1975), con temas como “Bohemian Rhapsody” dignas de una opereta de Frank Zappa,  y se convertirían en la quintaesencia del rock "ostentoso" con himnos como “We Are The Champions” o “We Will Rock You” (1977), para luego convertirse en super estrellas del hard-soft con álbumes menos transcendentales como “Works” ( 1984) o “Kind of Magic” (1986). De las cenizas de Free surgió Bad Company, de ese grupo provenían el vocalista Paul Rodgers y el batería Simon Kirke, Boz Burrell procedía de King Crimson y Mick Ralphs de unos extintos Moot The Hoople, en definitiva una súper formación que tomaron prestado la esencia del boogie sureño y le agregaron un tono lascivo, como dejaron bien sentado en álbumes como “Bad Company” (1974), “Straight Shooter” (1975) o “Run with The Pack” (1976), para luego ir por caminos muchos mas melódicos y en donde rozaban el A.O.R. con “Dangerous Age” (1988) o “Holy Water” (1990).

Ronnie James Dio

Este domingo 16 de Mayo de 2010 será recordado como un día triste en la historia del Rock y el Metal. El mítico frontman de bandas como ELF, Rainbow, DIO o Black Sabbath, con los que estaba de vuelta desde 2006 bajo el nombre HEAVEN AND HELL, ha fallecido a los 67 años, tras meses de lucha contra un cáncer de estómago que le fue diagnosticado a finales de 2009.
Wendy Dio, mujer y manager de Ronnie James Dio, ha hecho público el siguiente comunicado, que ha enviado a BLABBERMOUTH.NET:

"Hoy tengo el corazón roto. Ronnie ha fallecido a las 7:45 de la mañana del 16 de Mayo. Muchos, muchos amigos y familiares han podido despedirse de él en privado antes de que falleciera en paz.
Ronnie sabía lo mucho que todos lo querían.
Nosotros también apreciamos el amor y el apoyo que todos nos habéis dado.
Por favor, dadnos unos pocos días de privacidad para poder asimilar esta terrible pérdida.
Por favor, sabed que él os quería mucho a todos y que su música vivirá para siempre".
Hace solamente un mes, Dio señalaba lo siguiente acerca de su lucha contra el cáncer en un acto en Downtown Los Ángeles, en el CLUB NOKIA: "Bueno, me siento bien y mal a ratos. Es un proceso largo. La quimioterapia es algo... nunca imaginé hasta qué punto es algo difícil cuando tienes que pasar por ello. El efecto es muy acumulador - cuanto más te sometes a ella, más se acumula y más tiempo te lleva superar sus efectos. Me cuesta mucho comer, pero como comer no me gusta, supongo que no hay problema con eso. Pero sé que tengo que comer. Pero esto hace que comer sea muy difícil. Pero si estás decidido a vencer en esta lucha, tienes que ir hacia delante con aquello con lo que consideras que vas a vencer, y en este caso estamos en ello. Voy a un magnífico hospital en Houston, que se llama M.D Anderson, que creo que es el mejor hospital del mundo. Tengo el mejor doctor del mundo, Dr. Ajani, en quien realmente creo y confío, así que creo que he hecho todo lo correcto en este sentido. Ello me hace sentirme positivo sobre mi vida y sobre el hecho de que me queda mucho por vivir".
A comienzos de este mes de Mayo, HEAVEN & HELL anunciaban la cancelación de su gira de verano por Europa debido al tratamiento de Ronnie James Dio para superar el cáncer de estómago. La banda dijo en un comunicado que el vocalista no estaba "suficientemente bien para salir de gira este verano. Esperamos que todo el mundo lo comprenda y queremos dar las gracias a los fans y a los colegas de la industria musical por su constante apoyo en estos momentos".
Ronnie James Dio ha sido uno de los vocalistas más aclamados y legendarios de la historia del Hard Rock y el Heavy Metal. Su trayectoria al frente de ELF, Rainbow, Black Sabbath y su propia banda, DIO, ha recibido siempre merecidas alabanzas de crítica y público. Siempre ha sido reconocido como uno de los mejores vocalistas de todos los tiempos. En los últimos cuatro años había regresado junto a sus compañeros de Black Sabbath Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Vinnie Appice (batería) para resucitar esta versión de la mítica formación, aunque esta vez bajo el nombre de HEAVEN AND HELL. Con ellos, tras la edición de un espectacular álbum en directo en 2008, publicó un álbum de estudio, "The Devil You Know", que llegó a las tiendas el 28 de abril de 2009.

D.E.P.
"Te echaremos de menos, pero tu musica perdurara para siempre"

Rock Progresivo

Técnicamente hablando, muchos podrían argumentar que el rock progresivo empezó en 1967 con Cream y The Nice, es decir los grupos que reaccionaron en contra del pop simple y melódico de tres minutos de los The Beatles, Hollies, Kinks…etc. Pero una definición más estricta y exacta, una que considere la ambición y la pretensión, llevaría esa fecha de nacimiento hasta la opera rock “S.F. Sorrow” (1968) de los Pretty Things y la aún mas conocida “Tommy” de los The Who (1969), la primera y la más famosa de las óperas rock. Los inicios del rock progresivo estaban también visibles en “Odyssey & Oracle” (1968) de los Zombies, y en “Ogden's Nut Gone Flake” de los Small Faces (1968), los cuales eran álbumes conceptuales lanzados por miembros de la vieja guardia.

Muchas de estas bandas tenían sus raíces en la música blues. Pero, al igual que paso con el rock psicodélico, el rock progresivo era otro caso de la música rock siendo redefinida por el espíritu de la música jazz. La improvisación jugaba un rol menor en el rock progresivo (y así era, después de todo, esa era la línea divisoria entre el rock psicodélico y el rock progresivo), pero la construcción de canciones y especialmente las "suites", reflejaban los experimentos elaborados y adornados, y sobre todo orientados a hacerlo virtuoso y de forma relativamente libre de la música jazz post-bop. El rock progresivo tenía demasiada "estructura" relacionada con el free jazz, pero tenía la suficiente "libertad" para ser relacionada con el jazz progresivo inventado por Miles Davis y Charles Mingus, e incluso mucho antes, por Duke Ellington. El rock progresivo era el encuentro de dos mentes: La tradición europea de música clásica imponiendo orden en la tradición estadounidense de la música jazz.
Entre las bandas que nutrieron al rock progresivo de consistencia a través de las primeras etapas estaban Pink Floyd, Jeff Beck, Family, Jethro Tull, Emerson Lake and Palmer o Genesis, mientras que otras como King Crimson, Yes  o Van Der Graaf Generator representaron al género en su ápice. 
Un joven prodigio llamado Steve Winwood, quien ya había compuesto “Gimme Some Loving” para la Spencer Davis Group en 1966, todo un himno gospel febril, formó Traffic, el cual debutó con un álbum, quintaesencia de la psicodélica mas absoluta, “Mr Fantasy” (1967), pero pronto se convertiría en la fuerza principal en el estilo fusión que unía el folk, blues, soul y el jazz. Y aunque sus sesiones nunca fueron demasiado emocionantes (reminiscencias de la música lounge aunque en una forma inteligente), si definieron un tipo de contrapunto en base al timbre que básicamente cambió todo el concepto de la "sesión" (impresionista en vez de emocional) y se transformó en el equivalente en el rock de la música de cámara. “Dear Mr. Fantasy” (1967) y “John Barleycorn Must Die” (1970) fueron sus "frescos" más exitosos, pero fue la colaboración de Winwood con Eric Clapton en “Blind Faith” (1969), fue quizás lo mejor que el ex Traffic hiciera jamas.
Posiblemente uno de los guitarristas más influyentes en la historia de la música rock, haya sido Jeff Beck, el era el hombre quien como miembro de los Yardbirds, divulgó la ciencia de la distorsión y el feedback. El grupo que había formado junto con el pianista Nicky Hopkins, el bajista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart grabaron “Truth” (1968), el cual virtualmente inventó el hard-rock un año antes que Led Zeppelin. Sin embargo, su obra maestra es probablemente la fusión jazz instrumental tour de force de “Blow By Blow” (1975).
Jethro Tull hizo una revisión a las tradiciones blues y folk británicas enfocadas en la voz y la flauta de Ian Anderson, quien era inspirado por juglares medievales y por el grande del jazz, Roland Kirk, crearon “Stand Up” (1969), el álbum que definió su folk-rock elegante, ecléctico y con toque de jazz, mientras “Aqualung” (1971), por otro lado, era indulgente en los riffs del hard-rock y ritmos ponderados, reinventando la banda en los mejores tiempos de Led Zeppelin.
Family probablemente produjo la mejor amalgama de blues-rock, rock psicodélico y rock progresivo de la epoca, abarcando tres eras fundamentales de la música británica. Con la jactancia de la voz gritona de Roger Chapman, uno de los mas grandes vocalistas del rock de todos los tiempos, y una sofisticada dinámica de guitarra, saxofón y violín, los Family tomaron del rhythm 'n' blues, el music-hall, la música clásica y el acid-rock de San Francisco, para el arreglo de su obra maestra, “Music In A Doll's House” (1968). La confluencia de disonancias, pasos raga, metales de soul, pasajes musicales a lo Jimi Hendrix y florecimientos orquestales crearon un carrusel de experimentos sonoros. Las canciones en “Family Entertainment” (1969), eran más cohesivas y mas hard rock. El modo, que había sido surrealista y pastoral, se convirtió en tenso y angustioso. Su sonido alcanzó el éxtasis barroco en “Fearless” (1971), ya con un nuevo bajista, John Wetton. “Bandstand” (1972) y “It's Only A Movie” (1973), fueron álbumes en cambio que se consolidaron sólidamente en el rock 'n' roll y el rhythm 'n' blues y apenas ya se relacionaba con el rock progresivo.
Genesis era una banda que se embarco en los arreglos cerebrales y dinámicos, sin duda la más teatral de todas las bandas del rock progresivo, ajustaban sus melodramas musicales con una coreografía centrada en el vocalista y frontman, Peter Gabriel. “Trespass” (1970) y “Nursery Crime” (1971) fueron los álbumes que codificaron su arte: música barroca intelectual que recordaba al repertorio de hadas madrinas y mitos, pero estirado en narrativas no-lineales y arreglados con la gracia y timbre de la música de cámara. Su punto de referencia era el poema sinfónico, el cual de hecho es el objetivo de suites colosales y épicas “Supper´s  Ready” (1972) y “Firth Of Fifth” (1973). Genesis después se convirtió hacia la melodía con la ópera rock monumental, “The Lamb Lies Down On Broadway” (1974), el cual permanece como lo más representativo de su carrera. Pero también la marcha de su líder Peter Gabriel, es entonces cuando el bateria Phil Collins llevaría a la banda a la senda de éxitos comerciales con una música mucho mas pop pero igualmente sofisticada. Para ese entonces, Gabriel ya se había lanzado en su carrera solista con unos trabajos formidables.
Fue el lanzamiento de “In The Court Of The Crimson King” (1969), el álbum debut de King Crimson, el que proclamó el inicio de la época dorada del rock progresivo. El sonido magnilocuente y sinfónico del mellotron de Ian McDonald, los colocó en el movimiento neo-clásico de Nice, Moody Blues y Procol Harum, pero las armonías psicodélicas, las visiones medievales, la atmósfera gótica y el patetismo romántico de la canción que da nombre al álbum y “Epitaph” fueron los que definitivamente les pusieron aparte. Lo que el guitarrista Robert Fripp y el bajista Greg Lake escribieron fueron baladas majestuosas, no transcripciones de música clásica. “Moonchild” era un poema abstracto y futurista en el cual la melodía era menos importante que el panorama sonoro, y con la sesión violenta, sincopada y distorsionada de “21st Century Schizoid Man”, inventaron una nueva forma de colocar la neurosis en la música. “In The Wake Of Poseidon” (1970), exploró más adelante las mismas ideas, aumentando el grado de melodrama y la cantidad de efectos de sonido, y “Islands” (1971), fue el definitivo tour de force de la banda. King Crimson había volteado de cabeza al rock 'n' roll, repudiando la forma salvaje y manteniendo el contenido emocional al mismo tiempo. Cuando el bateria de Yes, Bill Bruford, y el bajista de Family, John Wetton, se unieron a Fripp para una nueva y más orientada versión jazz de la banda, el sonido viró hacia composiciones ásperas, estridentes y enrolladas tales como “Lark's Tongues In Aspic” (1973) y álbumes cerebrales, crípticos y virtuosos como “Red” (1974). La tercera epoca de King Crimson, con el guitarrista Adrian Belew y el bajista Tony Levin, el grupo adoptó una estancia aún más intelectual en albumes como “Discipline” (1981). Robert Fripp nunca dejó de grabar música estimulante. Entre ellas destacan dos colaboraciones con Brian Eno, los muy notables “No Pussyfooting” (1973) y “Evening Star” (1976), además de muchos álbumes solistas, como el genial “Exposure” (1979), un claro manifiesto de su "frippertronics", ademas de otras colaboraciones muy destacadas como con el guitarrista de The Police, Andy Summers, en el “Advance Masked” (1982), o una colaboración con David Sylvian, “The First Day” (1993), eran solo la punta del iceberg de sus muchas grabaciones.
Van Der Graaf Generator eran en muchas formas la banda más original del primer rock progresivo. Su sonido (ya de por sí único por ser conducidos por saxofones y teclados y no guitarras), no podía ser fácilmente relacionado con los arquetipos del folk, blues, rock o jazz, a pesar del hecho que contenía elementos de todos ellos. Su énfasis en composiciones extensas era sobre el patetismo y el melodrama, como en el caso de King Crimson, pero también en miedo y la vulnerabilidad. El grado de angustia era aumentado aún más por el pesimismo y claustrofóbicas letras de Peter Hammill, y por sus voces agonizantes. Las torturas psicológicas de “The Least We Can Do Is Wave To Each Other” (1970), los poemas conmovedores y litúrgicos de “H To He Who Am The Only One” (1970), y las visiones catastróficas, terribles y delirantes de “Pawn Hearts” (1971), combinaba el vacío existencial y la pesadilla gótica. Hammill y sus secuaces habían inventado una nueva forma de expresar la angustia adolescente que había sido el combustible emocional del rock 'n' roll desde sus inicios.
Yes fueron posiblemente los músicos más consumados de la generación del rock progresivo, fueron también lo último en grandilocuencia y exhibicionismo. Su sonido nació de la fusión del pop, rock, folk, jazz y música clásica. Ellos tomaron ideas de los Nice, de la música del renacimiento y barroca, de las armonías vocales de Crosby Stills & Nash, del funk-jazz después de Miles Davis, de las sesiones psicodélicas y de melodías antiguas. Si la fusión no era única, la compostura glacial si lo era: Los álbumes de Yes sonaban más como experimentos científicos que como música de disfrute. “The Yes Album” (1971), introdujo su esquizofrenia con temas como: “Yours Is No Disgrace” y “Starship Trooper” en donde buscaron la bravura instrumental laboriosa, mientras que “I've Seen All Good People” giraba alrededor de un estribillo pegajoso. Sus componentes, intérpretes virtuosos (particularmente el bateria Bill Bruford, el teclista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe), alcanzaron un grado de equilibrio sublime en “Fragile” (1971), del cual “Roundabout”, “South Side Of The Sky” y “Heart Of The Sunrise”, fluían como mecanismos de relojería. El ápice de la contradicción aparente de Yes (un estilo que era frígido y romántico a la vez) se alcanzó en “Close To The Edge” (1972), del cual el tema que da titulo al album y “And I And You” eran fantasías complejas y densamente cromáticas, y con ello apareció la definición "art-rock". Por el otro lado, las cuatro suites monumentales de “Tales From Topographic Oceans” (1973), probaron que las composiciones extensas requieren mucho más que mero virtuosismo.
Pink Floyd desarrollaron un punto intermedio entre la sesión tonal de forma libre, el enloquecimiento ruidoso y cacofónico, y la canción melódica excéntrica. Ésta amalgama de ingredientes y su balance desesperado y nutrido por la locura gentil de Syd Barrett en sus primeros dos álbumes, los cuales permanecen como dos de sus obras maestras: “The Piper At The Gates Of Dawn” (1967), que incluyen los viajes pulsantes y visionarios de “Astronomy Domine” y “Interstellar Overdrive”, (el puente entre el space-rock y la música cósmica), y “A Saucerful Of Secrets” (1968), con que contiene el crescendo majestuoso e himno sin palabras del tema hononimo “A Saucerful Of Secrets” y la raga subliminal de “Set The Controls For The Heart Of The Sun”. El ambicioso “Ummagumma” (1969), un intento algo fallido en establecer sus credenciales como compositores vanguardias, y la suites epónima de “Atom Heart Mother” (1970), otro intento de unir una banda de rock y una orquesta sinfónica, marcaron el final de una fase épica (Barrett ya se había retirado). Para bien o para mal, Pink Floyd entendió los límites y las implicaciones del género, y siguieron reinventándose asimismos, lentamente transformando el rock psicodélico (unamos que originalmente nacida por los hippies que habían sido excluidos por las instituciones) en una música ligera para relajación y meditación (con la mirada en los yuppies quienes si estaban totalmente integrados en las instituciones). La otra mitad de “Atom Heart Mother”, ya hacía alusión a las preferencias de la banda por los temas lánguidos, melosos e hipnóticos, si bien saboteada por una orgía de efectos de sonidos. “Echoes”, la suite que ocupa la mitad de “Meddle” (1971), que esteriliza y anestesia el space-rock de “Interstellar Overdrive”, y hace énfasis no solo a los efectos sonido sino también a una meticulosa producción de estudio. Los Pink Floyd no dudaron en alterar la letra y el espíritu de la música psicodélica. Los sonidos delirantes y cacofónicos de sus inicios lentamente se transformaron en un sonido suave y lozano. Más que sólo endosar los estereotipos del easy-listening, los Pink Floyd inventaron una nueva clase de easy-listening con “Dark Side Of The Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975) y “Animals” (1977), sus siguientes obras maestras, donde el fondo y la forma era la condición humana llevada al teatro de la música como una especie de historia relatada. Un movimiento táctico que pronto se convirtió en un movimiento estratégico. Al final, los Pink Floyd reformaron la música psicodélica en un lenguaje universal, un lenguaje que ajustará tanto al punk como al soft-rock, en parte por los riff´s de su guitarra David Gilmour, justo como, casi al mismo tiempo, el jazz-rock estaba "vendiendo" la angustia de las personas afroamericanas a los conformistas blancos. El pesimismo existencial y la ansiedad histórica de Roger Waters se convirtieron en pilares para los melodramas de los últimos días de la banda, como “The Wall” (1979). Esos monolitos de sonidos electrónicos y acústicos, creados por el inmenso teclista Richard Wright junto con letras psicoanalíticas de Waters, se dan en una ceremonia funeral que acerca las formas del réquiem y el oratorio.
Nadie podría competir con los Pink Floyd, en términos tanto de logros artísticos como de influencia. Sin embargo, Tomorrow, protagonizando el bateria John "Twink" Alder y el futuro guitarrista de Yes, Steve Howe grabaron uno de los más excéntricos álbumes del estilo, “Tomorrow” (1968), y con “Hapshash & The Coloured Coat”, sin embargo lo hicieron aún mejor con “Featuring The Human Host And The Heavy Metal Kids” (1967).
Algunos de los músicos que trabajaron para John Mayall, como Dick Heckstall-Smith, generaron dos de las bandas más creativas del rock progresivo inicial. Una de ellas fue Colosseum que grabó “Valentyne Suite” (1969), cuyo tema que le da titulo al álbum, era una fantasmagoría canción de unas influencias de jazz, blues, música clásica y sonidos de hard-rock, brillantemente cromática y llena de lujo, una de las obras maestras del rock progresivo británico. Por otro Mark-Almond, dúo formado por los músicos, Jon Mark (guitarra) y Johnny Almond (vocales), se especializaron en suites de un tipo diferente, muy melodiosas y relajadas, centradas en melodías folk-jazz, abarcando lounge-music y easy-listening, tales como “The City” (1971), de su primer álbum, y “Sausalito Bay Suite” (1972), de su segundo álbum.
Un número determinado de bandas progresivas introdujeron música oriental en sus sonidos psicodélicos y progresivos. Por ejemplo, East Of Eden, con “Mercator Projected” (1969), y Ian "Lemmy Kilmister" Willis' Sam Gopal, con “Escalator” (1969).
Sin embargo, ninguna banda alcanzó el grado de fusión étnica como los Third Ear Band lo alcanzaron en “Alchemy” (1969), uno de los álbumes que inventaron la "world-music". Un ensamble de cámara acústica de (esencialmente) tablas, oboe, viola y violonchelo, que  ejecutaban música india, medieval, estadounidense nativa, gitana, del Medio Oriente, minimalista, jazz, clásica y folk, todo dentro de la misma canción. Las cuatro suites en su segundo álbum, “Third Ear Band” (1970), llevaron la idea aún más lejos: las fuentes étnicas ya no podían ser reconocidas, y la música fluye a como una corriente de conciencia, una experiencia espiritual, un soñar despierto. Fuera de contexto, la música "third ear" está más cercana a la meditación budista que a la composición occidental. La banda fue igualmente exitosa en “Macbeth” (1972), que agregaba sonidos eléctricos y electrónicos a su guiso étnico.
Alrededor de 1970, siguiendo el éxito de Black Sabbath, un número de bandas introdujeron temas y atmósferas góticas dentro de estructuras innovadoras: como High Tide con su segundo album “High Tide II” (1970, un clásico del rock gótico, una colección de bailes macabros llevados por el violín que enlazaban el acid-rock y el hard-rock; Black Widow con tambien su segundo trabajo “Sacrifice” (1970), los cuales unían la suite jazz y clásica de Colosseum con, otra vez, armonías góticas; Atomic Rooster y su “Death Walks Behind You” (1970) donde el poder espiritual gótico sobresalía de manera sublime, Spooky Tooth con “Ceremony” (1970), una especie de misa rock arreglada por el compositor de vanguardia Pierre Henry, un concepto audaz que mezclaba la estética del art-rock con las vibraciones del hard-rock; o “Quicksand Dream” (1973) del grupo Necromandus, un formación mucho mas oscura y siniestra que la anteriores.
El espíritu "progresivo" afectaba el renacimiento folk también. Después de todo, Pentangle ya había combinado el jazz y el folk, y la Incredible String Band ya habían fusionado el folk y el acid-rock. Otras bandas procedieron a preparar fusiones basadas en el folk. Mientras que ninguna banda tuvo la importancia que los anteriores, si algunos de sus álbumes sobresalen de manera muy interesante como “Fantasia Lindum” (1971) de Amazing Blondel, inspirado por baladas medievales y madrigales del renacimiento; “Dando Shaft” (1971) de Dando Shaft, el cual ofrecía quizás la fusión más competente folk-jazz; “St Radigunds” (1971) por Spirogyra, (no confundir con la banda norteamericana de fusión ) también inspirado por el folk y el jazz; “First Utterance” (1971) de la quizas primera banda folk y psicodélica, Comus y, el quizas el mejor de todos, “Grave New World” (1972) de la banda Strawbs, una misa psicodélica que mezcla la liturgia occidental y el raga indio, Thir Na Nog en cambio introducian elementos folk y exotismo oriental con la reindivicación hippie y lisérgica en “A Tear and a Smile” (1972) y Gryphon comulgaban con los aspectos medievales de la Inglaterra del siglo XV con un barroquismo impregnado de folk en “Gryphon” (1973).
Otras llegaron desde el movimiento Canterbury como Soft Machine, una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como “Volume Two” (1969) que estaban inspirados por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido); pero, después de haber perdido a Daevid Allen y a Kevin Ayers, ellos viraron hacia una interpretación personal del jazz-rock de Miles Davis en “Three” (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz, rock y clásica de los 70 o Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como “Can't Be Long Now”, del album “If I Could Do It All Over Again” (1969), o “Nine Feet Underground” (su obra maestra), que abarca medio album del “In The Land Of Grey And Pink”, por otra parte Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como “La Symphony No.2”, del album “Egg” (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock “Long Piece No.3” de su “The Polite Force” (1971), y las últimas sesiones en “The Civil Surface” (1974), tales como “Germ Patrol” y “Enneagram”, que empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aun desconocidos, en cambio otro músico de la escuela como Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente en “Joy Of A Toy” (1969), una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseía, le llevo a su álbum más excéntrico, “Shooting At The Moon” (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos dividida en cuatro partes “The Confessions of Doctor Dream” (1974) fue su trabajo más ambicioso y una completa pesadilla.
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, “Hatfield And The North” (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componían su album “National Health” (1978) y en su obra maestra “Of Queues And Cures” (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó “Tubular Bells” (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por el mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, la definición "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por “Hergest Ridge” (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que “Ommadawn” (1975) e “Incantations” (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con “Moonlight Shadow” en 1982.
Otros como Robert Wyatt expandió en las intuiciones de su “The Moon In June· de su primer álbum como solista, “The End Of An Ear” (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalista, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), que caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, “Matching Mole” (1972) y “Little Red Record” (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, y de protesta que, de hecho es conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en “Rock Bottom” (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por los lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue “Animals Film” (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un baterista dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, que mezclaba el soul, el budismo y la psicodélia.
Las bandas progresivas se habían multiplicado en la Gran Bretaña durante principios de los 70, pero sus álbumes tenían tendencia de reciclar las ideas una y otra vez, y frecuentemente con ostentación injustificada. Sin embargo, se podían encontrar verdaderas joyas: como el sonido barroco en “Quatermass” (1970) de Quatermass ; “Galactic Zoo Dossier” (1971) de Kingdom Come, (tampoco confundir con la banda de los ochenta de hard-rock), una mezcla extraña de teclados electrónicos, rhythm ’n’ blues y payasadas en el escenario de su líder Arthur Brown; “Phantasmagoria” (1972) de Curved Air, cuyos arreglos barrocos eran agraciados por el violín de Darryl Way, y los sintetizadores de Francis Monkman adornados con voces femeninas sensuales; “Argus” (1972) de Wishbone Ash , cuyas sesiones energéticas eran propulsadas por un ataque doble de guitarras a medio camino entre el blues y rock progresivo con aires místicos y de ciencia ficción.
El trío de bajo, batería y saxofón Back Door, dirigidos por el bajista Colin Hodgkinson, fue uno de las más originales formaciones de jazz-rock instrumental. Su album “Back Door” (1972) fue indulgente en sesiones breves, agitadas e instrumentales en el borde entre el jazz, funk, soul, blues y hard-rock.
También originales eran: las suites en cuatro movimientos de Jody Grind con “One Step On” (1969); el concepto de su excepción de Julian's Treatment con “A Time Before This” (1970); Titus Groan con su album “Titus Groan” (1970), la suite “Hall Of Bright Carvings” perteneciente al album “Ben” (1971) del grupo Ben, conteniendo cuatro sesiones jazz-rock; con el místico “Three Parts To My Soul de Dr Z” (1971); “Speech” (1972) de Steamhammer, con la suite “Penumbra”; la ópera electrónica jazz-rock improvisada “Journey To The Center Of The Eye” de Nektar (1972) o su suite melódica “Remember the Future” (1974), entre otras muchas mas.
Otra interesante banda fueron Jade Warrior que empezó siendo como una copia de King Crimson de segunda fila, distinguiéndose a sí mismos solo con el énfasis místico y étnico de “Last Autumn's Dream” (1972), pero posteriormente desarrollaron un sonido que no era narrativa sino pictórico por naturaleza, mientras que adoptaron los teclados electrónicos y enfocándose en el jazz-rock como su principal inspiración. Mas adelante en trabajos como “Waves” (1975) y “Kites” (1976), las suites continuas donde empleaban muchos instrumentos y muchos estilos, llevaron al rock progresivo a su cúspide formal. En “Way Of The Sun” (1978), su estilo era de hecho un nuevo género: música new-age hiper-arreglada. Más adelante la banda se convertiría a la música cósmica con la fría imaginería sonora de “Images Of Dune” (1984) y las “Three Suites Celestial 1985”, editadas en “At Peace”.
Quizás la banda más audaz (o por lo menos, la más cerebral) de fusión del jazz, el rock y la música clásica, fueron Gentle Giant, particularmente en “Three Friends” (1972) y en “In A Glass House” (1973).
Por otro lado Emerson Lake & Palmer, fue la primera superbanda de rock progresivo, formados por el teclista original de Nice, Keith Emerson, el bajista original de King Crimson, Greg Lake, y el bateria original de Atomic Rooster, Carl Palmer, los cuales llevaron al rock progresivo hacia excesos técnicos que, básicamente, desintegraron cualquier mérito que la fusión jazz-clásica tenía. Este arte ofuscado funcionó muy bien con el album conceptual futurista y mitológico “Tarkus” (1971), aunque su pico tecnológico era quizás “Brain Salad Surgery” (1973). Su música, aún más pretenciosa y grandilocuente, estaba fundada en un malentendido fundamental de lo que significaba ser "virtuoso".
Posteriormente el ego de sus miembros les llevo a crear el ambicioso “Works” para sus satisfacciones personales.
Otras bandas nunca fueron apreciadas mayoritariamente por el publico del rock progresivo, una de esas historias fueron los primeros tres álbumes grabados por Roxy Music que revolucionaron el rock progresivo y prepararon el camino para el new wave y el synth-pop. Con influencias de Pink Floyd con su panorama sonoro surrealista, de Soft Machine y su jazz-rock, de Traffic y sus sesiones armoniosas, de unos Cream virtuosos, de Led Zeppelin por la fuerza y el frenesí, de King Crimson donde copiaron su énfasis y patetismo y la vanguardia minimalista y cacofónica de su propia cosecha se unieron en los bacanales inventivos de su álbum debut, “Roxy Music” (1972), el cual incluye el himno futurista “Virginia Plain” y muchas piezas de avant-rock alimentadas sobre todo por la electrónica y genialidad de Brian Eno. El canturreo vigoroso de Bryan Ferry se elevaba sin restricciones en “For Your Pleasure” (1973), que contiene la hipnótica bailable “Bogus Man” y alcanzaba una calidad efusivamente emocional en “Stranded” (1973), cuyas baladas “Mother Of Pearl” y “A Song For Europe”, mezclaban los temas de la decadencia y el existencialismo europeo con arreglos lujosos y producción de primer nivel en “Love Is The Drug” (1975) y sus álbumes sucesivos simplemente venderían la idea de discos mas pop.
El contagio del rock progresivo se extendió a la Europa continental: el rock progresivo claramente apelaba más a la audiencia "intelectual" de Europa más que lo que rock 'n' roll llego hacer. El primer grupo de rock progresivo de Suecia fue Samla Mammas Manna , el cual debutó con “Samla Mammas Manna” (1971). Algarnas Tradgard preparó las enigmáticas y extrañas suites orquestradas de “Framtiden Ar Ett Svavande Skepp Forankrat I Forntiden” (1972), una mezcla de sesiones de rock progresivo, enloquecimiento psicodélico y música de cámara exótica.
La banda de psicodélica y rock progresivo más famosa de Holanda eran Focus, cuyo “Moving Waves” (1972) contiene la vertiginosa “Hocus Pocus” y la sesión colosal “Eruption”, su equivalente al “Valentyne Suite” de Colosseum. Pero la canción más excitante que emergiera de la escena próspera de Holanda fue “Venus” de Shocking Blue (1969), lejos del progresismo, fue una canción delirante y sexy que sonaba a los ritmos febriles de los Creedence Clearwater Revival.
Pero fue Italia la que incubó una de las escuelas más prolíficas del rock progresivo. Italia no tenía alguna tradición principal de rock. La escuela progresiva fue una consecuencia inesperada de dos fenómenos: el auge de los músicos educados clásicamente y los disturbios estudiantiles del 1968. En 1969, Italia estaba inundada de jóvenes eruditos musicales que querían cambiar el mundo. Ellos se identificaban con la ideología de los hippies, pero retenían el lenguaje de Vivaldi. El rock progresivo nació de esta contradicción. Existen álbumes y grupos notables como: la sinfonía “Concerto Grosso #1” de New Trolls (1971), “Storia di un Minuto” de Premiata Forneria Marconi (1972), el concepto apocalíptico “Ys” de Il Balletto di Bronzo (1972), básicamente el producto intelectual del teclista Gianni Leone, “Passio Secundum Mattheum” de Latte E Miele (1972), “Darwin” de Banco del Mutuo Soccorso (1972), o el psicodrama “Concerto Delle Menti” de Pholas Dactylus' (1973), Un subgénero del rock progresivo italiano era el jazz-rock italiano, bien representado por álbumes tales como la pesadilla jazz-rock “Palepoli” de Osanna (1973), el ejercicio de jazz-rock de cámara “Tilt” de Arti & Mestieri (1974), y “Genealogia” de Perigeo (1974). Por otro lado “Aktuala” de Walter Maioli (1973) agregó sabores étnicos a las improvisaciones del jazz .
Pero la más grande banda del jazz-rock era Area, lidereada por el vocalista Demetrio Stratos, uno de los cantantes más originales de su época, cuyo “Arbeit Macht Frei” (1973) unió letras de protesta, sesiones de jazz-rock, electrónica cruda, escalas del medio oriente, el gorjeo psicópata de Stratos.
El panorama francés del rock sinfónico al mas puro estilo británico era menos vital que el italiano, pero un manojo de grupos desarrollaron nuevos subgéneros.
Magma de Christian Vander debutó con su concepto de ciencia ficción en el ambicioso e ingenuo “Magma” (1970), tomando ideas del free-jazz y perfeccionándolo en su primer obra maestra, “Mekanik Destruktiw Kommandoh” (1973), una ópera rock ecléctica e idiosincrásica que abarca una sorprendente variedad de estilos, desde Verdi hasta Frank Zappa. “Kohntarkosz” (1974) fue su mayor trabajo musical, inspirado principalmente por el jazz-rock de la Mahavishnu Orchestra; y “Udu Wudu” (1976) fue más un desliz electrónico.
Red Noise escribió “Sarcelles-Locheres” (1971), destacando la suite instrumental de 19 minutos “Sarcelles C'est L'Avenir”, una ridícula combinación de demencia de los Fugs, el pop ruidos y satírico de Frank Zappa y jazz-rock de Soft Machine.
Vangelis dirigía Aphrodite's Child, un grupo de músicos griegos residiendo en Francia, cuyo póstumo “666” (1970) es una colección única de enfrentamientos mágicos, invocaciones satánicas y sesiones psicodélicas. Vangelis persiguió una carrera de suites instrumentales, majestuosas, melodramáticas (y cada vez más electrónicas), cuyo arquetipo fue “L'Apocalypse Des Animaux” (1973) y “Heaven And Hell” (1975). Especializándose en apoteosis orquestales, Vangelis sería celebre mas tarde gracias a sus bandas sonoras para películas. Uno de los pioneros y estrellas de la música new-age, regresaría con piezas más ambiciosas con “Invisible Connections” (1985) y “The Mask” (1985).
En los Estados Unidos, un ímpetu tremendo al rock progresivo llego con “Bitches Brew” de Miles Davis (1969), un álbum que combinaba ritmos de soul e instrumentos rock electrónicamente amplificados. “Uncle Meat” de Frank Zappa (1969) fue la respuesta más competente (e irreverente) del rock a Miles Davis. El arreglista de jazz Quincy Jones fue otro pionero del soft rock, combinando una sección de metales de jazz y ritmos de funk-rock en “Walking In Space” (1969).
Chicago fusionaron de forma explosiva los metales de jazz y la guitarra del rock'n'roll en “Chicago Transit Authority” (1969), “Chicago II” (1970) y “Chicago III” (1971), cada uno de ellos dobles albumes, caracterizado por una creatividad salvaje y a veces brutal, pero con melodías sofisticadas, emocionales y reindivicativas como a la Convención demócrata de 1968, para mas adelante ir por derroteros mas soft-rock
El gran rival de los anteriores, eran Blood Sweat & Tears, banda que fusionaba la base del blues con los típicos arreglos de jazz, considerada una superbanda, entre sus miembros se encontraban Al Kooper, Steve Katz o Randy Brecker.
Facturaron grandes albumes como “Child is Father to the Man” (1968) o “Blood Sweat & Tears” (1969), este ultimo, su opera prima donde el sonido Motown se fusionaba con el rock.
Ten Wheel Drive, formado por el vocalista Genya Ravan (una voz parecida a la de Janis Joplin), el teclista Mike Zager y el guitarrista Aram Schefrin, fueron uno de los primeros grupos de fusión jazz-rock con una sección de metales, debutando con “Construction #1” (1969).
Insect Trust intentaron una super-fusión de jazz, blues, country y acid-rock y las baladas sofisticadas de Blues Project con las sesiones demenciales de Captain Beefheart en “Insect Trust” (1968), y viró hacia el free-jazz en su segundo álbum, “Hoboken Saturday Night” (1970).
Gil Scott-Heron, un poeta y novelista quien transformó la música y precedió a la música rap con sus piezas habladas, buscó una fusión de jazz inspirada en Miles Davis, funk y rock (encima de sus letras de protesta inspiradas en Phil Ochs) en, por ejemplo, “Pieces Of A Man” (1971) y “The Bottle” (1973).
Dos bandas que conducidas por violinistas eran notables: fueron por un lado Flock, cuyo primer album “Flock” (1969) fue una de la sesiones más completas de la época, dirigidos por Jerry Goodman (quien después se uniría a la Mahavishnu Orchestra); y por otro It's A Beautiful Day, cuyo “It's A Beautiful Day” (1969) esparcía e impregnaba su acid-rock con perfumes exóticos.
Joy Of Cooking, una de las primeras bandas dirigidas por mujeres (las cantautoras Terry Garthwaite y Toni Brown) y una de las primeras en manejar los asuntos feministas dentro de la música popular, lanzaron tres álbumes deleitosos, “Joy Of Cooking” (1971), “Closer to the Ground” (1971) y “Castles” (1972), que experimentaban con estructuras elásticas de la canción sobre una infraestructura de fusión de folk-jazz-blues relajado.
Y así el llamado "rock progresivo" (básicamente, toda la música rock que no era principalmente melódica) llamó a incorporar los estilos inventados por el jazz y la vanguardia clásica en el formato de los ensambles rítmicos eléctricos y electrónicos (la banda de rock), un programa que inconscientemente llevaba hacia la música interdisciplinaria y total, una ambición claramente visible en los estilísticos pastiches de Frank Zappa.

Gryphon

Una de las mas singulares formaciones del rock progresivo y a la vez que una de las mas desconocidas fueron los británicos Gryphon, que durante su corta carrera que duro desde 1973 hasta 1977, publicaron cinco álbumes que posteriormente han sido muy considerados por los aficionados al genero, catalogados hoy en día, como discos de culto dentro del genero del rock progresivo.
Fue a principios de los 70 cuando dos jóvenes estudiantes del Royal Collage of Music de Londres, Richard Harvey, guitarras, bajo, teclados e instrumentos tradicionales y clásicos y Brian Gulland instrumentos de viento, deciden fundar una banda de folk experimental aprovechándose del virtuosismo de ambos músicos y su pasión por el folk, los sonidos barrocos y medievales y el progresismo muy de moda en aquellos años y tomando como referencias a bandas como Amazing Blondel o Tir Na Nog.
Antes de finales de 1972 el grupo ya constituido contaba además con la participación de otros dos integrantes, el guitarrista Graeme Taylor y el percusionista Dave Oberlé.
El nombre elegido para el grupo lo extraen de una mitología medieval y que significa; una bestia fantástica con cuerpo de león, y cabeza, alas y garras de águila que simbólicamente representaba el dominio de la tierra y el cielo. Los gryphon se consideraban celosos y fieros guardianes del oro, metal con el que se decía construían sus nidos.
Después de obtener el beneplácito del sello independiente Trasatlantic, publican su primer álbum “Gryphon” (1973), un trabajo de folk psuedomedieval meramente acústico en donde sobresalían la festiva “Kemp´s Jig”, la solemne “Pastime with good Company” o la teatral “The Devil and the Farmer´s Wife”.
Este primer álbum obtiene el fervor de la crítica y una parte de los aficionados al folk gracias a su particular utilización de instrumentos del siglo XV, algo muy poco habitual y particularmente ajenos a la cultura rock.
Dado el interés mostrado en el circuito de aficionados al folk y a la música culta británica, el grupo es requerido para la composición y grabación musical de una obra de teatro de Shakespeare llamada “The Tempest” en el Britain´s Nacional Theatre.
Dicha obra se estrenaría a mediados de 1974 y contaba con la suite “Midnight Mushrumps” que también seria el nombre del segundo álbum publicado en 1974.
En este nuevo trabajo la banda derivo su sonido hacia movimientos mas convencionales sin dejar de lado el renacentismo y la teatralidad medieval de su primer álbum, temas como la experimental “Dubbel Dutch”, la folkie progresiva “The Ploughboy´s dream” o la mencionada mini-sinfonía épica “Midnight Mushrumps”, dejaban un álbum que confirmo al grupo como una de las formaciones mas experimentales de la época.
Ese mismo año la banda ofreció un memorable e inédito concierto en el Britain´s Nacional Theatre, pasando a la posteridad como la única banda de rock que ha actuado en ese lugar y considerado como uno de los mayores adelantos para el movimiento progresivo de la historia.
Para entonces la banda ya contaba con un nuevo miembro, el bajista Malcolm Bennett que reforzó enormemente la sección rítmica del grupo.
Después de estos dos primeros trabajos, Harvey considero finalizada la etapa meramente acústica-progresiva y electrifica el sonido, así produce el siguiente álbum “Red Queen to Gryphon Three” que contenía cuatro largos temas que sobrepasaban los ochos minutos cada uno de ellos y que eran una soberbia demostración de lo que el grupo podía ofrecer lejos de su acústico estilo en temas como la progresiva “Second Spasm” (con un ritmo que poco despues los canadienses Rush popularizarían) o la cadenciosa “Lament”.
Posteriormente el grupo es requerido para telonear a Yes para la gira británica del album “Relayer” y que propicia que Gryphon eleven su popularidad y sus discos obtengan unas ventas considerables.
Poco después Bennett y Taylor abandonan la banda viendo el cariz que esta estaba tomando y son sustituidos por el guitarrista Bob Foster y el bajista John Davie, y también contratan al batería Alex Baird y con esta nueva formación se graba “Raindance” (1975), en donde sobresalía la sinfónica “(Ein Klein ) Heldenleben”, manteniéndose el resto del álbum a gran altura aunque a un nivel bastante inferior a “Red Queen…”.
Pasarían dos años hasta que el grupo volviera a publicar un nuevo trabajo “Treason” (1977), que seria el último antes de disolverse definitivamente. “Treason” también supondría un ligero cambio hacia un estilo mas comercial en donde las armonías vocales tomaban un protagonismo inusual en la música del grupo, además los temas son mucho mas convencionales, con un acortamiento sustancial de minutaje de las canciones y que sin embargo consigue estar a la altura de lo que se esperaba con temas como la rock “Falero Lady”, la melódica “Major Disaster” o la progresiva “Spring Song”.
Las malas ventas de este ultimo y el desinterés posterior por parte del público en plena época punk precipito el fin de la banda a principios de 1978.
Poco después Harvey y Davie entran a formar en la banda pop The Banned y consiguen un éxito en las listas inglesas con una versión de un tema de los años 60 del grupo The syndicate of Sound, “Little Girl”.
Algún tiempo después se publica un álbum en solitario de Richard Harvey, “Divisions on a Ground”, que había sido editado originalmente en 1975.
A finales del 2007 se rumoreo la posibilidad de la reunión de la formación original y la publicación de un nuevo álbum para finales del 2010.

Robin Trower

Robin Trower es considerado uno de los mas virtuosos guitarristas de rock de todos los tiempos, que incluso se llego a considerarlo el Jimi Hendrix blanco y la realidad es que bastante de cierto tenia esta afirmación.
En sus inicios Robin Trower perteneció a una banda londinense llamada The Paramounts a principio de los años 60 en la cual también participaba el teclista y vocalista Gary Brooker.
Esta banda consiguió el respeto del publico británico gracias a las excelentes versiones de clásicos de rhythm & blues de artistas como Ray Charles o James Brown, y que tuvieron un moderado éxito con el tema “Poison Ivy” en diciembre de 1963.
La aventura de los Paramounts duraría hasta finales de 1965 cuando Gary Brooker decide disolverla para fundar una nueva a la que denominara Procol Harum.
Después del primer y exitoso sencillo “A Whiter Shade of Pale” (1967) que se encarama al primer puesto en las listas británicas y norteamericanas, Brooker llama a Robin Trower para que sea el nuevo guitarrista el sustitución de Ray Royer, que junto a Keith Reid, Dave Knights y Bobby Harrison, conformaban la primera formación del grupo.
Robin Trower grabaría con Procol Harum cinco álbumes “Procol Harum” (1967), “Shine on Brightly” (1968), “Salty Dog” (1969) “Home” (1970) y “Broken Barricadas” (1971), antes de de que abandonase la banda y fuera sustituido por el guitarrista Dave Bell.
Su carrera junto a Procol Harum fue de una gran labor a pesar de que el sonido solemne del órgano de Brooker era el identificativo del grupo, Trower con un estilo guitarrístico muy cercano al de Hendrix le haría muy popular en aquellos años, incluso le homenajeo componiendo el tema “Song for a Dreamer” (1971).
Poco después Trower funda el grupo Jude con el bajista proveniente de Stone The Crows, Jim Dewar, el batería Clive Bunker, que hacia poco había abandonado Jethro Tull y el cantante Frankie Miller. Pero Jude tendrá una efímera carrera y terminaran disolviéndose sin hacer ningún registro oficial.
A principios de 1973 Robin Trower consigue un contrato con el sello Chrysalis quien le financia su primer álbum “Twice Removed From Yesterday”, en donde contaba con la participación de Dewar y del batería Reg Isadore.
Este primer álbum catapulta al guitarrista al éxito, un álbum en donde la excelente voz de Dewar y una robusta sección rítmica permiten la libertad de movimientos de Trower que se convierte en la reencarnación de blanca de Jimi Hendrix.
El virtuosismo de Robin Trower queda reflejado en soberbios temas como “I Can´t Wait Much Lounger”, “Daydream” o “Hannah”.
Sin embargo esta comparación con el tiempo le perjudica más que le beneficia, pero en los primeros años de su nueva etapa el impacto es considerable.
Así un año después se publica su segundo álbum “Bridge of Sighs” (1974), que posteriormente se convertiría en un clásico, enfocado a la guitarra eléctrica y que obtiene el respaldo del público y la critica, elevando a Robin Trower al Olimpo de los grandes guitarristas de todos los tiempos.
Impactantes y sobresalientes temas como “Too Rolling Stoned”, “Day of the Eagle” o “Little bit of Sympathy”, colocan al álbum entre los primeros de las listas de éxitos y conquista el siempre difícil mercado norteamericano.
Después de la gira de este último trabajo el batería Bill Lordan sustituye a Isadore que funda el grupo Hummingbird.
“For Earth Below” (1975) su siguiente álbum, es la continuación lógica que mantiene la calidad y el éxito, que sin embargo contenía ciertos aires mas blues como “Shame the Devil” o “Alethea”.
Para este álbum el rol de bajista era para el ex Sly & Famly Stone; Rustee Allen, dejando a Dewar como cantante solista únicamente.
El poder de sus incendiarios directos quedaría reflejado en su siguiente álbum, el poderoso “Live” (1976).
Pero es a partir de este año en donde la fiebre Trower empieza a decrecer y el guitarrista entra en una etapa de mantenimiento con la suficiente personalidad y calidad en sus grabaciones posteriores pero sin el éxito masivo de los años anteriores.
Y así y manteniéndose fiel a su línea se suceden los álbumes como el estupendo “Long Misty Days” (1976), el soft rock “In City Dreams” (1977), el aceptable “Caravan to Midnight” (1978) o el experimental “Victims of the Fury” (1980).
A finales de 1980 Trower en un intento de reconducir su carrera se une a Jack Bruce y forman la banda BLT junto a Lordan y que publicarían el álbum homónimo “BLT” (1981).
Un año después Bruce y Trower publican “Truce”, un meritorio trabajo que como el anterior BLT son sinónimos de calidad, aunque pasan bastante desapercibidos.
Una vez acabada esta aventura Trower vuelve a centrarse en su carrera en solitario publicando mas álbumes, “Back It Up” (1983), resulto un mediocre trabajo seguido por el transitorio “Beyond the Mist” (1985) y el estupendo “Passion” (1987), en donde un Trower rejuvenecido mostraba unas composiciones frescas y elegantes.
“Take What You Need” (1988), fue un álbum bastante ignorado pero en donde el guitarrista conservaba la genialidad y el virtuosismo de antaño.
En adelante la carrera de Robin Trower se vera marcada por altibajos constantes con buenos álbumes como “In the Line fo Fire” (1990), los derivados hacia el blues-rock “20th Century Blues” (1994), “Someday Blues” (1997) y “Go my Way” (2000) o el ultimo trabajo hasta la fecha titulado “Living out of time” (2003).
Además estos últimos años una gran cantidad de directos y recopilatorios han salido al mercado, de los que destacaría las compilaciones “Robin Trower Anthology” (1992), “Guitar Legends” (2000) o los directos “BBC Radio One Live” (1994) o “King Biscuit Flower Hour Present: Robin Trower In Concert” (1995), además toda su discografía ha sido reeditada estos últimos años por el sello BGO.

Loggins & Messina

Una serie de acontecimientos fueron decisivos para la formación de Loggins & Messina, uno de los mas históricos grupos de la música norteamericana que con apenas ocho discos llegaron a vender mas de 20 millones de copias solo en los Estados Unidos.
Todo comenzó cuando en 1968 cuando el ingeniero de sonido, Jim Messina fue el encargado de producir el ultimo álbum de Buffalo Springfield “Last Time Around” y conoce a Richie Furay, uno de los integrantes de la banda y a su vez uno de sus lideres junto a Neil Young y Stephen Stills.
Después de este registro el grupo decide disolverse y Furay propone la creación de una nueva banda junto a Jim Messina para la que reclutan al bajista Randy Meisner, al guitarrista Rusty Young (hermano de Neil) y al batería George Grantham y denominan a esta nueva banda Poco.
En junio de 1969 el grupo publica bajo el sello Epic su primer álbum “Pickin´Up The Pieces”, un disco en donde aún se respiraba ciertos aires a Buffalo Springfield, pero sin su brillantez ni perfección, sin embargo este debut es una de las máximas expresiones del country rock al que seguirán en 1970 otros álbumes como “Poco” y posteriormente “Deliverin Live” (1971), ambos dos estupendas continuaciones que la confirmaban como una de los pioneras del country rock.
Poco después de este ultimo álbum, Messina abandona el grupo para volver a ejercer de ingeniero de sonido en los estudios de la Columbia en los Ángeles.
Allí y durante unas sesiones de grabación conoce a un joven cantante llamado Kenny Loggins que provenía de una banda llamada Gator Creek y que había trabajado para la Nitti Gritty Dirt Band y girado junto a la Electric Prunes, Messina después de quedar sorprendido por el talento de este músico accede a producir su primer álbum.
Pero el feeling entre ambos trae como resultado un álbum en donde no solo es producido por el propio Messina, si no que también compone la mayoría de los temas e incluso participa tocando las guitarras y termina publicándose como "Kenny Loggins with Jim Messina Sittin´In” (1971).
El álbum recibe buenas criticas y unos óptimos resultados comerciales, dato que anima a ambos músicos a seguir una carrera como dúo, y así un año después se publica “Loggins & Messina”, que obtiene un gran éxito en las listas debido a los temas “Your Mama don´t dance” y “Golden Ribbons”.
Dos años después se publica “Full sail” (1974), que logra colarse entre los diez mejores álbumes del año y ese mismo año se publica el doble álbum “On Stage”, un portentoso directo que contenía todos los mejores temas del grupo y sobre todo una excitante versión del tema “Vahevala” de 20 minutos, que fueron extraídos de los conciertos ofrecidos en el Carnegie Hall de Nueva York en 1973, en el Orpheum Theater de Boston del mismo año y en Winterland San Francisco en 1972, en donde el grupo mostraba sobre el escenario un espectacular directo con aportaciones de rock, country y folk .
Los siguientes álbumes “Mother Lode” (1975), “So Fine” (1975 y “Native Sons” (1976) mantendrán al grupo en primera línea del country and folk rock norteamericano con una retahíla de buenas canciones como “Changes, Growin´”, “I Like It Like That”, “A Lover´s Question” o “Peacemaker”.
Poco después de la publicación del álbum “Native Sons”, el dúo anuncia la separación para seguir cada uno por su lado y ofrecen una serie de conciertos de despedida y que en parte serán publicados en el doble álbum en directo “Finale” (1977).
Antes la CBS había publicado a modo de despedida el obligado “The Best of Friends”.
Posteriormente Kenny Loggins publico el álbum en solitario “Celebrate Me Home” (1977) y un año después el exitoso “Nightwatch”, que contenía entre otros grandes temas como “What a Fool Believes” compuesta junto a Michael McDonald y que poco después se convertiría en un éxito absoluto en la versión de The Doobie Brothers.
En lo sucesivo la carrera de Loggins se derivaría hacia terrenos mas AOR y comerciales con álbumes que obtendrían bastantes éxito en las listas como “Keep The Fire” (1979), “Kenny Loggins Alive” (1980) o “High Adventures” (1982) alternándolos con otros de mediocre factura como “Vox Humana” (1985), “Back to Avalon” (1988), “Leap of Faith” (1992) o “Outside; from the redwoods” (1993).
Pero fue en canciones compuestas para películas en donde Loggins obtuvo más fortuna, así temas como “Danger Zone” (Top Gun) o “Footloose” (Footloose) se encaramaron a lo más alto de las listas de éxitos.
“It´s About Time” (2003), “How About Now” (2008) y “All Join In” (2009) han sido los últimos trabajos publicados por el cantante.
Por su parte Jim Messina siguió ejerciendo de ingeniero y productor para la CBS/Columbia y publico algunos trabajos de escaso éxito como “Oasis” (1979), “Messina” (1980), “One More Mile” (1983) o “Watching The River Run” (1996).
A finales de los 80 Messina logro reunir a la formación original de Poco para una gira y un nuevo álbum “Legacy” (1989), que volvería a saborear las mieles del éxito.
Igualmente se unió a Loggins en una reunión a mediados de 2005 para un tour por los Estados Unidos y que fue registrado en el álbum en vivo “Loggins and Messina Live Sittin´In at Santa Barbara Bowl” (2006), continuando así las colaboraciones de ambos músicos, aunque de manera esporádica hasta nuestros días.

Black Oak Arkansas

Black Oak Arkansas son una de las importantes bandas americanas de southern rock emparentadas con otras coetáneas como Lynyrd Skynyrd, 38 Special o The Marshall Tucker Band, y que fue fundada por el cantante Jim "Dandy" Mangrum, quien junto a unos amigos y músicos devotos rock'n'roll, decidieron formar en su adolescencia una banda en donde orientar su elevada pasión melómana. Esos músicos eran los guitarristas Ricky "Ricochet" Reynolds, Harvey "Burley" Jett y Stan "Goober" Night, el bajista Pat Dougherty y el batería Wayne Evans.

A finales de la década de los 60 y tras muchas dificultades (fueron detenidos en diferentes ocasiones por robo, para conseguir dinero y pagar sus instrumentos) consiguieron establecerse en la ciudad de Nueva Orleans bajo el nombre de Knowbody Else. Allí publicaron un Lp homónimo en 1969 bajo la compañía Stax, que pasó sin pena ni gloria tanto en la radio como en las tiendas de discos.
Con el cambio de decenio, Knowbody Else volvió a trasladarse de localidad, mudándose a la soleada ciudad de Los Ángeles, en donde se rebautizaron de nuevo, ahora con el nombre definitivo de Black Oak Arkansas, derivado del lugar de nacimiento de Mangrum. Esto les trajo suerte, ya que posteriormente fueron contratados por la Atlantic Records y grabaron su primer álbum “Black Oak Arkansas” (1971), un notable disco producido el miembro de Iron Butterfly, Lee Dorman que contaba con temas del calibre de “Hot and nasty”, “Uncle Elijah” o “Lord, have mercy on my soul”. Además poco a poco sus conciertos empezaron a ser muy solicitados y aumentaron espectacularmente de audiencia, siendo seguidos por un buen número de fans que deseaba contemplar el fibroso, sensual y potente espectáculo ofrecido por Mangrum y su banda, ubicados ya en sonidos boogie, country-rock, algún toque de hard-rock y principalmente rock sureño.
Su segundo Lp sería “Keep the faith” (1972), un trabajo continuista que proseguía con las constantes sonoras y líricas de su disco debut. Después de este trabajo, el batería Wayne Evans abandonaría el grupo, siendo reemplazado por Tommy Aldridge, quien ya participó en la grabación de “If an angel came to see you, would you make her feel at home?” (1972) tercera entrega del conjunto de Arkansas que fue producida (al igual que el anterior) por Tom Dowd, esencial personaje del southern rock que ya había trabajado con The Allman Brothers Band y lo haría también con Lynyrd Skynyrd.
A pesar de que todos sus discos habían obtenido un respetable resultado comercial, fueron “Raunch 'n' roll live” (1973), un Lp en directo y “High on the hog” (1973), su mejor trabajo en estudio, los que confirmaron a la banda en 1973 como uno de las punteras dentro del southern rock. En “High on the hog” viene incluida su tema más conocido, “Jim Dandy to the rescue”, una enérgica versión de Lavern Baker cantada al alimón por Mangrum y Ruby Starr.
Posteriores trabajos como “Street Party” (1974), “Ain't life grand” (1975), “X-Rated” (1975), “Live! Muta” (1976), “10 year overnight success” (1976), “Race with the devil” (1977) o “I'd rather be sailing” (1978), tuvieron unos resultados mediocres, pero en donde aún conservaban los buenos momentos de sus primeros discos. En esa época los Black Oak Arkansas cambiaron en varias ocasiones de personal, incorporando a los guitarristas James Henderson, Greg Reding y Jack Holder, al bajo Andy Tanas y al batería Joel Williams, en un intento de revitalizar la banda y permaneciendo Mangrum como único miembro original de la banda.
En 1980 y a raíz de un ataque al corazón sufrido por su líder, que le imposibilitaba para proseguir su carrera artística, los Black Oak Arkansas se separaron. Con fortuna, Jim "Dandy" Mangrum se recuperó de sus achaques cardiacos y regresó al mundo de la música para grabar en solitario y mas tarde recuperaría a su conjunto grabando “The Wild Bunch” (1999), un tímido acercamiento a la época gloriosa y que fue producido por Lanny Cordola, volviendo a salir de gira en un multitudinario tour por todos los Estados Unidos donde se volvían a reunir parte de los componentes originales de Black Oak Arkansas.

Sir Lord Baltimore-Sir Lord Baltimore (1971)

Sir Lord Baltimore fueron otra de las bandas de finales de los sesenta con la que se utilizaría el término heavy metal debido a su estilo en donde predominaban los riffs de guitarras distorsionados y abrasivos, el altísimo volumen y las voces chillonas y luctuosas.

Formada a finales de los 60 por el guitarrista Louis Dambra, el bajista Gary Justin y el baterista y cantante John Garner.

En 1970 este trío logro firmar un contrato con el sello Mercury para la grabación de varios álbumes, el primero de ellos "Kingdom Come", lanzado ese mismo año con el cual tuvieron una buena recepción tanto comercial como de critica.

Un año mas tarde regresaron con el homónimo "Sir Lord Baltimore",con el cual dieron por acabada su efímera aventura debido a las escasas ventas del álbum pese a la enorme calidad que atesora.

Un disco que contiene desde momentos de épica con la heavy rock "Man From Manhattan", hasta piezas de proto metal como "Where Are We Going" y "Woman Tamer", pasando por la hard blues "Chicago Lives" o pesados y oscuros hard rock como "Caesar LXXI" o "Loe And Belhod".

The Young Rascals

Una de las bandas favoritas de los jóvenes norteamericanos durante el periodo que comprendió entre 1966 y 1969 fueron The Young Rascals, (posteriormente solo llamados The Rascals) y que llevaron todos sus discos uno tras otro, a los rankings estadounidenses.
Fue el verano de 1965 cuando varios de los miembros del grupo Joey Dee and the Starliters, que habían tenido un éxito abrumador en 1961 con la canción “Peppermint Twist”, deciden seguir por su cuenta y fundan un grupo que en principio llamarían The Fifth Rascal.
Estos músicos eran Felix Cavaliere órgano y el guitarrista Gene Cornish que junto al batería Eddie Brigati y el percusionista Ding Danelli, forman el núcleo de esta nueva formación.
Varios meses después el grupo consigue un contrato con Atlantic Records que les aconseja el cambio de nombre ya que por entonces otra banda se semejaba en su  nombre, finalmente deciden denominarla The Young Rascals.
Ya a finales de ese mismo año el grupo graba varios singles que apenas tienen repercusión; “Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore” y “Slow Down” y que sin embargo logran escalar las listas de éxitos de Canadá.
Pero fue con su tercer sencillo “Good Lovin´”, cuando obtienen una importante venta de discos, superando el millón de copias vendidas.
Esta canción estaba incluida en el primer álbum de la banda “The Young Rascals”, lanzado al mercado en marzo de 1966 y que contenía además algunas versiones de clásicos de soul-rock como “In the Midnight Hour” de Wilson Pickett o el clásico de Bob Dylan, “Like a Rolling Stone”.
Tras este Lp el grupo logra una serie de buenos hits como “Come on Up” o “Too many fish in the sea”, ambos pertenecientes de su segundo trabajo “Collections”, publicado en 1967.
Casi a finales de ese mismo año se publica el tercer álbum “Groovin´”, con el que llegan al número uno mundial y consigue un hito en la década con la canción que daba titulo al álbum.
A la voz solista de Cavaliere y el estilo soul rock que imprimía la banda incorporando mensajes antirracistas en los primeros dos trabajos, se unía en “Groovie´” unas delicadas armonías vocales y aires de nostalgia con claros acercamientos al pop, afrontando de esta manera la llegada de la era hippie.
A partir de aquí otra serie de canciones que lograron entran en el top-20 norteamericano marcaría la carrera del grupo, canciones como “A Girl Like You”, “It´s Wonderful” o “Beautiful Morning” y así hasta trece canciones mas.
Tras el álbum “Groovin´” el grupo reduce su nombre y su estilo se deriva hacia una música semi-negroide con una ligera base de rhythm & blues, pero con un estilo que les hace tan diferentes como innovadores.
En todo este desarrollo tiene especial importancia la labor de Felix Cavaliere, líder y principal compositor del grupo, sus ideas musicales sostendría a The Rascals entre 1969 y 1971 que se ira desmembrando poco a poco, hasta que solo quedaron el propio Cavaliere y Danelli, el segundo músico en importancia de los mismos.
Y así se van sucediendo los álbumes “Freedom Suite” (1969), “See” (1969) o “Search and Nearness” (1971), hasta que ese mismo año, ambos músicos darían forma a su proyecto mas ambicioso, un doble Lp titulado “Peaceful World”, que no es mas que una suite dividida en varias partes con una profusa riqueza musical y una línea de profundo lirismo que vuelve a dejar bien asentada la privilegiada y sólida cultura musical de Cavaliere, uno de los músicos de la década de los sesenta que se han distinguido por su total creatividad sónica, partiendo siempre de su propia evolución y aportando obras inolvidables,
Sin embargo el álbum pasa bastante desapercibido y la banda publicaría dos discos mas antes de disolverse “The Island of real” (1972) y “Rascals” (1973).
Posteriormente algunos de los miembros de the Rascals publicaron trabajos en solitario que pasaron con más pena que gloria hasta que en 1988 y con motivo del 40 aniversario de Atlantic Records el grupo volvió a reunirse para una gira que obtuvo un moderado éxito de público y criticas.
En los noventa la banda volvió a los escenarios fraccionada en dos versiones de la misma, por un lado The New Rascals que estaba comandada por Danelli y Cornish y por otra Felix Cavaliere´s Rascals liderada por el propio Cavaliere.
A mediados de 1997 el grupo fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame y en el 2010 la formación original volvió a reunirse para actuar en el concierto homenaje al guitarrista de la E Street Band Steven Van Zant y en donde el propio Bruce Springsteen se unió a The Rascals para interpretar el clásico “Good Lovin´”.
The Rascals han pasado a los anales del rock como una de las formaciones con mas calidad y perfección de los años 60 y posteriores grandes grupos como Vanilla Fudge o Mountain, han reconocido su fuente de inspiración e influencia, en esta mítica banda.

Tir Na nÓg

Una de las aportaciones mas importantes de finales de los 60 en la música “intimista” que dominaban artistas del calibre de Carole King, James Taylor e incluso Crosby Stills Nash and Young, (estos con esencias mas country-rock), fueron Tir Na Nóg, un misterioso y delicado dúo que mezclo el exotismo oriental con la cadencia sutil del pop, el misticismo hindú, reminiscencias clásicas y elementos de folk tradicional irlandés y que se convirtieron junto a Renaissance, Nick Drake, Steeleye Span o Pentangle en los pioneros del folk progresivo británico.
Formados en Dublín en 1969 por dos jóvenes y sencillos músicos con dotes de poetas y místicos, por un lado Sonny Condell, guitarrista, arpa, tambores marroquíes, etc y por otro Leo O´Kelly, bajo, guitarra y otros instrumentos.
Condell era un entusiasta de la música clásica, había pasado parte de su adolescencia escuchando piezas de este género y leyendo poesías y literatura, por el contrario O´Kelly era un enamorado de bandas de rock como The Doors o Jimi Hendrix, que junto a su firme convicción de la contracultura le hacían un fiel seguidor del movimiento hippie y del flower power..
Esta dispar confrontación de personalidades era la nota colorista y atípica del sonido que el grupo mostraba en su peculiar estilo, que sin lograr ningún número uno y sin vender millones de discos o sin ni siquiera ser cabezas de cartel, fueron reconocidos como una de las formaciones mas emblemáticas de aquellos años.
Durante un tiempo el dúo se fogueo en el Reino Unido ofreciendo conciertos como teloneros de bandas como Emerson Lake and Palmer, Jethro Tull o Cat Stevens y participando en festivales como el Westley Festival y Cristal Palace Garden Festival y frecuentando el circuitos de clubes de folk de todo el Reino Unido.
A principios de 1971 consiguen un contrato con Chrysalis y publican su primer álbum titulado homónimamente, “Tir Na Nóg”, que les eleva a la cima de popularidad con un trabajo de expresión preciosista en donde el estilo acústico con tendencias celtas es bastante acentuado, además las armonías vocales de sus dos integrantes eran el perfecto contrapunto a la música sutil que ambos componían.
Este mismo año Tir Na Nóg son incluidos en un doble álbum recopilatorio publicado por Island Records “El Pea”, que aglutinaba lo mejor de folk y rock progresivo de la época con temas de Emerson Lake and Palmer, Incredible String Band, Quintessence, Amazing Blondel, Mott the Hoople o Traffic entre otros.
En “A Tear and a Smile” (1972), el segundo álbum, el dúo continuaba con un estilo similar al primer trabajo y posteriormente vuelven a salir de gira con Jethro Tull, además de ser invitados en la BBC para grabar varios shows y igualmente participan en el programa de Radio de John Peel, que seria editado varios años después como “John Peel BBC Radio Sessions Tir Na Nóg”.
Por esa época el grupo telonea a Procol Harum y Emerson, Lake and Palmer y posteriormente lo harían en la gira “Who´s Next World Tour” de The Who.
“Strong in the Sun” (1973), supuso un ligero cambio de estilo, derivando hacia terrenos mas rock, pero con predominio de las guitarras acústicas en un claro acercamiento al rock mainstream que sin embargo rompe la magia de los primeros discos y pierden el interés del publico y la critica.
En 1975 el dúo participa en la banda sonora de la serie de la BBC “The Camera & The Stone” junto a otros coetáneos irlandeses como The Fivepenny Piece o The Ian Campbell folk group.
Poco después el dúo se disuelve y no seria hasta el año 1985 cuando se reúnen para grabar el tema “Love is like a Violin”.
Los dos últimos trabajos del grupo son los directos “Hibernian” (2000) y “Spotlight” (2001), el primero de ellos grabado en 1995 en la ciudad de Birmingham con motivo del 25 aniversario de la banda y el segundo son temas extraídos de las sesiones de John Peel shows de los años 1972-73.
Tir Na Nóg jamás fueron un grupo trascendental pero su música pasara a la historia como una de las mas bellas de los años 70.

Barclay James Harvest

Pioneros del rock sinfonico, la Barclay James Harvest iniciaron su andadura en 1966 en la localidad inglesa de Oldham, cuando varias bandas locales se disolvieron y de sus cenizas surgió este grupo de enorme talento musical que durante tres décadas nos dejaron algunos de los discos mas celebrados por los fans del rock progresivo. Todo empezó cuando Les Holroyd voz y bajo, Mel Pritchard, batería, Wolly Wolstenholme voz y teclados y John Lees voz y guitarras, dejaron sus respectivos grupos de pop y rhthym & blues para concentrarse en una nueva banda, seducidos por el auge que el recién nacido rock sinfónico hacia furor en Inglaterra a finales de los 60. A principios de 1968 consiguen un contrato la subsidiaria Parlophone y poco tiempo después con la propia discográfica matriz Emi, que buscaba nuevos talentos para incorporar a su nuevo sello Harvest, especializado en ese género. Así a mediados de 1968 el grupo publica el single “Early Morning”, que era precedido en la cara B por “Mr.Sunshine”. El single pasa totalmente desapercibido, pero que no desanima al grupo que durante año y medio se concentran en ensayar y componer material para lo que seria el primer álbum publicado en junio de 1970 “Barclay James Harvest”, que supone un impactante debut con un sonido en donde se mezclaba el pop con el rock sinfónico en un alarde de armonías vocales y arreglos orquestales. Temas como el épico “Dark now my Sky” o la hermosa “Taking some time on”, dejaban entrever el potencial del grupo que pronto despuntaría notablemente. Un año después llega el segundo trabajo “Once Again”, que confirma el sonido brillante del grupo, aunque comercialmente sin despuntar aún y que contiene algunos de los mejores temas de la carrera de la banda como “Mockinbird” o “Galadriel”.  Igualmente de 1971 data el tercer Lp del grupo “And Other Short Stories”, en donde el sonido se vuelve mas pomposo en un claro acercamiento al estilo de The Moody Blues utilizando una orquesta y en donde el mellotrón es parte fundamental en la composición de los temas, de los que destacan “Medicine Man” y “After the day”. En las giras posteriores el grupo contaba con aportación de una orquesta para poder interpretar parte de su repertorio en los que se hacia necesaria su contribución. Con el siguiente “Baby James Harvest” (1972) el grupo daba por finalizado su contrato con Harvest. Tras fichar con el sello Polydor consiguen el primer éxito en las listas con el álbum “Everyone Is Everybody Else” (1974), un disco con aires renovados y comprometido con temas sociales, aquí la banda se presentaba dinámica y mucho mas comercial que en los álbumes anteriores, temas como “Child of the Universe”, “Negative Earth”, o “Poor Boy Blues”, certificaban una pequeña obra maestra del rock progresivo. El doble directo “Live” (1974) precede a “Time Honoured Ghosts” que se publica en 1975 y que continua con la espectacular evolución iniciada en el anterior disco, aquí la banda incluso utiliza elementos del folk ingles y sus temas son mas accesibles para el gran publico, con menos densidad pero de enorme calidad bien demostrado en temas como “In my Life”, “Song for you” o el clásico “Hymn from the Children”. Por fin este ultimo Lp entra en las listas de éxitos llegando al numero 32, aunque el grupo siente un ligero desprecio por la critica de su país y poco entusiasmo por el publico británico, todo lo contrario ocurre con el publico europeo, quienes mayor atención muestran a la banda, sobre todo en Alemania donde poco a poco se han ido ganando una amplia legión de seguidores. De esta forma el grupo presta mucho más interés al centro de Europa con continuas y multitudinarias giras. A finales de 1976 aparece “Octoberon”, que siguiendo con la tónica de “Time Honoured Ghosts”, cosecha buenas críticas y un moderado éxito y les abre el mercado norteamericano e incluso actúan en los Estados Unidos en una gira que sin embargo no resulta muy entusiasta. Pero es en Europa donde el grupo logra muy buenos resultados llegando a los primeros puestos de las listas de Alemania, Suiza, Austria, Italia, Francia y Holanda. 1977 será el año de “Gone to Earth” que se convierte en otra de sus obras maestras gracias a temas como la intensa “Hymn”, la bellísima “Love is Like a Violin”, la compleja “Sea of tranquility” o la irónica “Poor Man´s Moody Blues”, una clara alusión a la prensa británica por su calificativo de pobre imitación de The Moody Blues. Este álbum alcanza los cinco primeros puestos en los países europeos y el grupo es cada vez mas solicitado en los escenarios de media Europa. “Live Tapes” (1978) doble álbum en directo recoge actuaciones de la ultimas giras realizadas por el grupo. “XII” (1978) marca el ultimo trabajo de Wolstenholme con la Barclay James Harvest, debido a sus divergencias en cuanto a las composiciones y la decisión de temas a publicar y sin embargo su contribución fue muy acertada con la progresiva “Nova Lepidoptera” o la emotiva “Harbour”, pero también el resto contribuía con argumentos muy interesantes como la hermosa “Berlín”, la rock “Living is Easy” o la melódica “Sip of Wine”. La marcha del teclista es vaticinada por los seguidores como un paso atrás en el futuro del grupo, en efecto los teclados de Wolstenholme contribuía enormemente en el sonido final de la Barclay James Harvest, sus inconfundibles mellotrones y las atmósferas que sus teclados dotaban la música eran parte del estilo inconfundible del grupo. Pero sorprendentemente el siguiente trabajo les catapulta de nuevo al éxito absoluto en Europa, “Eyes of the Universe” (1979), supone la confirmación comercial de la banda con un trabajo inmejorable, con una creatividad melódica que son el cenit de la carrera del grupo, el disco estaba lleno de grandes momentos como la intensa “Love on the line” que abre el disco hasta la potente “Sperratus”, pasando por melódica rock “Rock & roll lady” o la dramática “Alright Down get boggie”. Un año después el grupo protagoniza un multitudinario concierto en Berlín ante doscientas cincuenta mil personas en una clara muestra del impresionante poder de convocatoria que tenían en Alemania. “Turn of the tide” (1981) supone un ligero paso atrás con un sonido mas pop en donde sin embargo canciones como “Life is for living” o “Waiting on the Boderline”, catapultan al disco al éxito en países como Alemania en donde se encarama en el numero dos durante largo tiempo y vendiendo el millón de copias. A mediado de 1982 la Polydor publica el directo y millonario en ventas “A Concert for the People (Berlin)”, que paradójicamente se convierte en el disco de la Barclay James Harvest mas vendido en Gran Bretaña, quizás debido a la situación creada históricamente con el grupo, la banda inglesa mas venerada en Alemania e ignorada en Inglaterra…por lo que finalmente este disco hizo justicia con el grupo en su país natal. En lo sucesivo la banda iría publicando buenos álbumes como el aceptable “Ring of Changes” (1983), el comercial y exitoso “Victims of Circumstance” (1984) o el añejo “Face to Face” (1987). “Glasnost Live”, publicado en 1988 seria el cuarto álbum en directo de la banda que precedió a “Welcome to the Show” (1992), disco que mantuvo al grupo en el candelero internacional. “Caught in the Act” (1993) y “River of Dreams” (1997) sus dos ultimas obras, suponen un cierto descenso artístico de la banda. Hacia finales de 1998 el grupo se desintegra definitivamente iniciando sus miembros varios proyectos diferentes, por un lado Les Holroyd con su BJH Featuring Les Holroyd y por otro John Lees y su BJH Trought the eyes of John Lees. Tanto Mel Pritchard junto a Holroyd, como Wolstenholme junto a Lees también participarían en estos proyectos. Por desgracia Mel Pritchard fallecería en el 2004 a causa de un ataque de corazón. Tanto la Harvest como la Polydor han publicado estos últimos años innumerables recopilatorios y directos de la banda de los que merecen destacarse “BBC in Concert 1972” (2002) o el box set “All is Safely Gathered In” (2005).