Gryphon

Una de las mas singulares formaciones del rock progresivo y a la vez que una de las mas desconocidas fueron los británicos Gryphon, que durante su corta carrera que duro desde 1973 hasta 1977, publicaron cinco álbumes que posteriormente han sido muy considerados por los aficionados al genero, catalogados hoy en día, como discos de culto dentro del genero del rock progresivo.
Fue a principios de los 70 cuando dos jóvenes estudiantes del Royal Collage of Music de Londres, Richard Harvey, guitarras, bajo, teclados e instrumentos tradicionales y clásicos y Brian Gulland instrumentos de viento, deciden fundar una banda de folk experimental aprovechándose del virtuosismo de ambos músicos y su pasión por el folk, los sonidos barrocos y medievales y el progresismo muy de moda en aquellos años y tomando como referencias a bandas como Amazing Blondel o Tir Na Nog.
Antes de finales de 1972 el grupo ya constituido contaba además con la participación de otros dos integrantes, el guitarrista Graeme Taylor y el percusionista Dave Oberlé.
El nombre elegido para el grupo lo extraen de una mitología medieval y que significa; una bestia fantástica con cuerpo de león, y cabeza, alas y garras de águila que simbólicamente representaba el dominio de la tierra y el cielo. Los gryphon se consideraban celosos y fieros guardianes del oro, metal con el que se decía construían sus nidos.
Después de obtener el beneplácito del sello independiente Trasatlantic, publican su primer álbum “Gryphon” (1973), un trabajo de folk psuedomedieval meramente acústico en donde sobresalían la festiva “Kemp´s Jig”, la solemne “Pastime with good Company” o la teatral “The Devil and the Farmer´s Wife”.
Este primer álbum obtiene el fervor de la crítica y una parte de los aficionados al folk gracias a su particular utilización de instrumentos del siglo XV, algo muy poco habitual y particularmente ajenos a la cultura rock.
Dado el interés mostrado en el circuito de aficionados al folk y a la música culta británica, el grupo es requerido para la composición y grabación musical de una obra de teatro de Shakespeare llamada “The Tempest” en el Britain´s Nacional Theatre.
Dicha obra se estrenaría a mediados de 1974 y contaba con la suite “Midnight Mushrumps” que también seria el nombre del segundo álbum publicado en 1974.
En este nuevo trabajo la banda derivo su sonido hacia movimientos mas convencionales sin dejar de lado el renacentismo y la teatralidad medieval de su primer álbum, temas como la experimental “Dubbel Dutch”, la folkie progresiva “The Ploughboy´s dream” o la mencionada mini-sinfonía épica “Midnight Mushrumps”, dejaban un álbum que confirmo al grupo como una de las formaciones mas experimentales de la época.
Ese mismo año la banda ofreció un memorable e inédito concierto en el Britain´s Nacional Theatre, pasando a la posteridad como la única banda de rock que ha actuado en ese lugar y considerado como uno de los mayores adelantos para el movimiento progresivo de la historia.
Para entonces la banda ya contaba con un nuevo miembro, el bajista Malcolm Bennett que reforzó enormemente la sección rítmica del grupo.
Después de estos dos primeros trabajos, Harvey considero finalizada la etapa meramente acústica-progresiva y electrifica el sonido, así produce el siguiente álbum “Red Queen to Gryphon Three” que contenía cuatro largos temas que sobrepasaban los ochos minutos cada uno de ellos y que eran una soberbia demostración de lo que el grupo podía ofrecer lejos de su acústico estilo en temas como la progresiva “Second Spasm” (con un ritmo que poco despues los canadienses Rush popularizarían) o la cadenciosa “Lament”.
Posteriormente el grupo es requerido para telonear a Yes para la gira británica del album “Relayer” y que propicia que Gryphon eleven su popularidad y sus discos obtengan unas ventas considerables.
Poco después Bennett y Taylor abandonan la banda viendo el cariz que esta estaba tomando y son sustituidos por el guitarrista Bob Foster y el bajista John Davie, y también contratan al batería Alex Baird y con esta nueva formación se graba “Raindance” (1975), en donde sobresalía la sinfónica “(Ein Klein ) Heldenleben”, manteniéndose el resto del álbum a gran altura aunque a un nivel bastante inferior a “Red Queen…”.
Pasarían dos años hasta que el grupo volviera a publicar un nuevo trabajo “Treason” (1977), que seria el último antes de disolverse definitivamente. “Treason” también supondría un ligero cambio hacia un estilo mas comercial en donde las armonías vocales tomaban un protagonismo inusual en la música del grupo, además los temas son mucho mas convencionales, con un acortamiento sustancial de minutaje de las canciones y que sin embargo consigue estar a la altura de lo que se esperaba con temas como la rock “Falero Lady”, la melódica “Major Disaster” o la progresiva “Spring Song”.
Las malas ventas de este ultimo y el desinterés posterior por parte del público en plena época punk precipito el fin de la banda a principios de 1978.
Poco después Harvey y Davie entran a formar en la banda pop The Banned y consiguen un éxito en las listas inglesas con una versión de un tema de los años 60 del grupo The syndicate of Sound, “Little Girl”.
Algún tiempo después se publica un álbum en solitario de Richard Harvey, “Divisions on a Ground”, que había sido editado originalmente en 1975.
A finales del 2007 se rumoreo la posibilidad de la reunión de la formación original y la publicación de un nuevo álbum para finales del 2010.

Robin Trower

Robin Trower es considerado uno de los mas virtuosos guitarristas de rock de todos los tiempos, que incluso se llego a considerarlo el Jimi Hendrix blanco y la realidad es que bastante de cierto tenia esta afirmación.
En sus inicios Robin Trower perteneció a una banda londinense llamada The Paramounts a principio de los años 60 en la cual también participaba el teclista y vocalista Gary Brooker.
Esta banda consiguió el respeto del publico británico gracias a las excelentes versiones de clásicos de rhythm & blues de artistas como Ray Charles o James Brown, y que tuvieron un moderado éxito con el tema “Poison Ivy” en diciembre de 1963.
La aventura de los Paramounts duraría hasta finales de 1965 cuando Gary Brooker decide disolverla para fundar una nueva a la que denominara Procol Harum.
Después del primer y exitoso sencillo “A Whiter Shade of Pale” (1967) que se encarama al primer puesto en las listas británicas y norteamericanas, Brooker llama a Robin Trower para que sea el nuevo guitarrista el sustitución de Ray Royer, que junto a Keith Reid, Dave Knights y Bobby Harrison, conformaban la primera formación del grupo.
Robin Trower grabaría con Procol Harum cinco álbumes “Procol Harum” (1967), “Shine on Brightly” (1968), “Salty Dog” (1969) “Home” (1970) y “Broken Barricadas” (1971), antes de de que abandonase la banda y fuera sustituido por el guitarrista Dave Bell.
Su carrera junto a Procol Harum fue de una gran labor a pesar de que el sonido solemne del órgano de Brooker era el identificativo del grupo, Trower con un estilo guitarrístico muy cercano al de Hendrix le haría muy popular en aquellos años, incluso le homenajeo componiendo el tema “Song for a Dreamer” (1971).
Poco después Trower funda el grupo Jude con el bajista proveniente de Stone The Crows, Jim Dewar, el batería Clive Bunker, que hacia poco había abandonado Jethro Tull y el cantante Frankie Miller. Pero Jude tendrá una efímera carrera y terminaran disolviéndose sin hacer ningún registro oficial.
A principios de 1973 Robin Trower consigue un contrato con el sello Chrysalis quien le financia su primer álbum “Twice Removed From Yesterday”, en donde contaba con la participación de Dewar y del batería Reg Isadore.
Este primer álbum catapulta al guitarrista al éxito, un álbum en donde la excelente voz de Dewar y una robusta sección rítmica permiten la libertad de movimientos de Trower que se convierte en la reencarnación de blanca de Jimi Hendrix.
El virtuosismo de Robin Trower queda reflejado en soberbios temas como “I Can´t Wait Much Lounger”, “Daydream” o “Hannah”.
Sin embargo esta comparación con el tiempo le perjudica más que le beneficia, pero en los primeros años de su nueva etapa el impacto es considerable.
Así un año después se publica su segundo álbum “Bridge of Sighs” (1974), que posteriormente se convertiría en un clásico, enfocado a la guitarra eléctrica y que obtiene el respaldo del público y la critica, elevando a Robin Trower al Olimpo de los grandes guitarristas de todos los tiempos.
Impactantes y sobresalientes temas como “Too Rolling Stoned”, “Day of the Eagle” o “Little bit of Sympathy”, colocan al álbum entre los primeros de las listas de éxitos y conquista el siempre difícil mercado norteamericano.
Después de la gira de este último trabajo el batería Bill Lordan sustituye a Isadore que funda el grupo Hummingbird.
“For Earth Below” (1975) su siguiente álbum, es la continuación lógica que mantiene la calidad y el éxito, que sin embargo contenía ciertos aires mas blues como “Shame the Devil” o “Alethea”.
Para este álbum el rol de bajista era para el ex Sly & Famly Stone; Rustee Allen, dejando a Dewar como cantante solista únicamente.
El poder de sus incendiarios directos quedaría reflejado en su siguiente álbum, el poderoso “Live” (1976).
Pero es a partir de este año en donde la fiebre Trower empieza a decrecer y el guitarrista entra en una etapa de mantenimiento con la suficiente personalidad y calidad en sus grabaciones posteriores pero sin el éxito masivo de los años anteriores.
Y así y manteniéndose fiel a su línea se suceden los álbumes como el estupendo “Long Misty Days” (1976), el soft rock “In City Dreams” (1977), el aceptable “Caravan to Midnight” (1978) o el experimental “Victims of the Fury” (1980).
A finales de 1980 Trower en un intento de reconducir su carrera se une a Jack Bruce y forman la banda BLT junto a Lordan y que publicarían el álbum homónimo “BLT” (1981).
Un año después Bruce y Trower publican “Truce”, un meritorio trabajo que como el anterior BLT son sinónimos de calidad, aunque pasan bastante desapercibidos.
Una vez acabada esta aventura Trower vuelve a centrarse en su carrera en solitario publicando mas álbumes, “Back It Up” (1983), resulto un mediocre trabajo seguido por el transitorio “Beyond the Mist” (1985) y el estupendo “Passion” (1987), en donde un Trower rejuvenecido mostraba unas composiciones frescas y elegantes.
“Take What You Need” (1988), fue un álbum bastante ignorado pero en donde el guitarrista conservaba la genialidad y el virtuosismo de antaño.
En adelante la carrera de Robin Trower se vera marcada por altibajos constantes con buenos álbumes como “In the Line fo Fire” (1990), los derivados hacia el blues-rock “20th Century Blues” (1994), “Someday Blues” (1997) y “Go my Way” (2000) o el ultimo trabajo hasta la fecha titulado “Living out of time” (2003).
Además estos últimos años una gran cantidad de directos y recopilatorios han salido al mercado, de los que destacaría las compilaciones “Robin Trower Anthology” (1992), “Guitar Legends” (2000) o los directos “BBC Radio One Live” (1994) o “King Biscuit Flower Hour Present: Robin Trower In Concert” (1995), además toda su discografía ha sido reeditada estos últimos años por el sello BGO.

Loggins & Messina

Una serie de acontecimientos fueron decisivos para la formación de Loggins & Messina, uno de los mas históricos grupos de la música norteamericana que con apenas ocho discos llegaron a vender mas de 20 millones de copias solo en los Estados Unidos.
Todo comenzó cuando en 1968 cuando el ingeniero de sonido, Jim Messina fue el encargado de producir el ultimo álbum de Buffalo Springfield “Last Time Around” y conoce a Richie Furay, uno de los integrantes de la banda y a su vez uno de sus lideres junto a Neil Young y Stephen Stills.
Después de este registro el grupo decide disolverse y Furay propone la creación de una nueva banda junto a Jim Messina para la que reclutan al bajista Randy Meisner, al guitarrista Rusty Young (hermano de Neil) y al batería George Grantham y denominan a esta nueva banda Poco.
En junio de 1969 el grupo publica bajo el sello Epic su primer álbum “Pickin´Up The Pieces”, un disco en donde aún se respiraba ciertos aires a Buffalo Springfield, pero sin su brillantez ni perfección, sin embargo este debut es una de las máximas expresiones del country rock al que seguirán en 1970 otros álbumes como “Poco” y posteriormente “Deliverin Live” (1971), ambos dos estupendas continuaciones que la confirmaban como una de los pioneras del country rock.
Poco después de este ultimo álbum, Messina abandona el grupo para volver a ejercer de ingeniero de sonido en los estudios de la Columbia en los Ángeles.
Allí y durante unas sesiones de grabación conoce a un joven cantante llamado Kenny Loggins que provenía de una banda llamada Gator Creek y que había trabajado para la Nitti Gritty Dirt Band y girado junto a la Electric Prunes, Messina después de quedar sorprendido por el talento de este músico accede a producir su primer álbum.
Pero el feeling entre ambos trae como resultado un álbum en donde no solo es producido por el propio Messina, si no que también compone la mayoría de los temas e incluso participa tocando las guitarras y termina publicándose como "Kenny Loggins with Jim Messina Sittin´In” (1971).
El álbum recibe buenas criticas y unos óptimos resultados comerciales, dato que anima a ambos músicos a seguir una carrera como dúo, y así un año después se publica “Loggins & Messina”, que obtiene un gran éxito en las listas debido a los temas “Your Mama don´t dance” y “Golden Ribbons”.
Dos años después se publica “Full sail” (1974), que logra colarse entre los diez mejores álbumes del año y ese mismo año se publica el doble álbum “On Stage”, un portentoso directo que contenía todos los mejores temas del grupo y sobre todo una excitante versión del tema “Vahevala” de 20 minutos, que fueron extraídos de los conciertos ofrecidos en el Carnegie Hall de Nueva York en 1973, en el Orpheum Theater de Boston del mismo año y en Winterland San Francisco en 1972, en donde el grupo mostraba sobre el escenario un espectacular directo con aportaciones de rock, country y folk .
Los siguientes álbumes “Mother Lode” (1975), “So Fine” (1975 y “Native Sons” (1976) mantendrán al grupo en primera línea del country and folk rock norteamericano con una retahíla de buenas canciones como “Changes, Growin´”, “I Like It Like That”, “A Lover´s Question” o “Peacemaker”.
Poco después de la publicación del álbum “Native Sons”, el dúo anuncia la separación para seguir cada uno por su lado y ofrecen una serie de conciertos de despedida y que en parte serán publicados en el doble álbum en directo “Finale” (1977).
Antes la CBS había publicado a modo de despedida el obligado “The Best of Friends”.
Posteriormente Kenny Loggins publico el álbum en solitario “Celebrate Me Home” (1977) y un año después el exitoso “Nightwatch”, que contenía entre otros grandes temas como “What a Fool Believes” compuesta junto a Michael McDonald y que poco después se convertiría en un éxito absoluto en la versión de The Doobie Brothers.
En lo sucesivo la carrera de Loggins se derivaría hacia terrenos mas AOR y comerciales con álbumes que obtendrían bastantes éxito en las listas como “Keep The Fire” (1979), “Kenny Loggins Alive” (1980) o “High Adventures” (1982) alternándolos con otros de mediocre factura como “Vox Humana” (1985), “Back to Avalon” (1988), “Leap of Faith” (1992) o “Outside; from the redwoods” (1993).
Pero fue en canciones compuestas para películas en donde Loggins obtuvo más fortuna, así temas como “Danger Zone” (Top Gun) o “Footloose” (Footloose) se encaramaron a lo más alto de las listas de éxitos.
“It´s About Time” (2003), “How About Now” (2008) y “All Join In” (2009) han sido los últimos trabajos publicados por el cantante.
Por su parte Jim Messina siguió ejerciendo de ingeniero y productor para la CBS/Columbia y publico algunos trabajos de escaso éxito como “Oasis” (1979), “Messina” (1980), “One More Mile” (1983) o “Watching The River Run” (1996).
A finales de los 80 Messina logro reunir a la formación original de Poco para una gira y un nuevo álbum “Legacy” (1989), que volvería a saborear las mieles del éxito.
Igualmente se unió a Loggins en una reunión a mediados de 2005 para un tour por los Estados Unidos y que fue registrado en el álbum en vivo “Loggins and Messina Live Sittin´In at Santa Barbara Bowl” (2006), continuando así las colaboraciones de ambos músicos, aunque de manera esporádica hasta nuestros días.

Black Oak Arkansas

Black Oak Arkansas son una de las importantes bandas americanas de southern rock emparentadas con otras coetáneas como Lynyrd Skynyrd, 38 Special o The Marshall Tucker Band, y que fue fundada por el cantante Jim "Dandy" Mangrum, quien junto a unos amigos y músicos devotos rock'n'roll, decidieron formar en su adolescencia una banda en donde orientar su elevada pasión melómana. Esos músicos eran los guitarristas Ricky "Ricochet" Reynolds, Harvey "Burley" Jett y Stan "Goober" Night, el bajista Pat Dougherty y el batería Wayne Evans.

A finales de la década de los 60 y tras muchas dificultades (fueron detenidos en diferentes ocasiones por robo, para conseguir dinero y pagar sus instrumentos) consiguieron establecerse en la ciudad de Nueva Orleans bajo el nombre de Knowbody Else. Allí publicaron un Lp homónimo en 1969 bajo la compañía Stax, que pasó sin pena ni gloria tanto en la radio como en las tiendas de discos.
Con el cambio de decenio, Knowbody Else volvió a trasladarse de localidad, mudándose a la soleada ciudad de Los Ángeles, en donde se rebautizaron de nuevo, ahora con el nombre definitivo de Black Oak Arkansas, derivado del lugar de nacimiento de Mangrum. Esto les trajo suerte, ya que posteriormente fueron contratados por la Atlantic Records y grabaron su primer álbum “Black Oak Arkansas” (1971), un notable disco producido el miembro de Iron Butterfly, Lee Dorman que contaba con temas del calibre de “Hot and nasty”, “Uncle Elijah” o “Lord, have mercy on my soul”. Además poco a poco sus conciertos empezaron a ser muy solicitados y aumentaron espectacularmente de audiencia, siendo seguidos por un buen número de fans que deseaba contemplar el fibroso, sensual y potente espectáculo ofrecido por Mangrum y su banda, ubicados ya en sonidos boogie, country-rock, algún toque de hard-rock y principalmente rock sureño.
Su segundo Lp sería “Keep the faith” (1972), un trabajo continuista que proseguía con las constantes sonoras y líricas de su disco debut. Después de este trabajo, el batería Wayne Evans abandonaría el grupo, siendo reemplazado por Tommy Aldridge, quien ya participó en la grabación de “If an angel came to see you, would you make her feel at home?” (1972) tercera entrega del conjunto de Arkansas que fue producida (al igual que el anterior) por Tom Dowd, esencial personaje del southern rock que ya había trabajado con The Allman Brothers Band y lo haría también con Lynyrd Skynyrd.
A pesar de que todos sus discos habían obtenido un respetable resultado comercial, fueron “Raunch 'n' roll live” (1973), un Lp en directo y “High on the hog” (1973), su mejor trabajo en estudio, los que confirmaron a la banda en 1973 como uno de las punteras dentro del southern rock. En “High on the hog” viene incluida su tema más conocido, “Jim Dandy to the rescue”, una enérgica versión de Lavern Baker cantada al alimón por Mangrum y Ruby Starr.
Posteriores trabajos como “Street Party” (1974), “Ain't life grand” (1975), “X-Rated” (1975), “Live! Muta” (1976), “10 year overnight success” (1976), “Race with the devil” (1977) o “I'd rather be sailing” (1978), tuvieron unos resultados mediocres, pero en donde aún conservaban los buenos momentos de sus primeros discos. En esa época los Black Oak Arkansas cambiaron en varias ocasiones de personal, incorporando a los guitarristas James Henderson, Greg Reding y Jack Holder, al bajo Andy Tanas y al batería Joel Williams, en un intento de revitalizar la banda y permaneciendo Mangrum como único miembro original de la banda.
En 1980 y a raíz de un ataque al corazón sufrido por su líder, que le imposibilitaba para proseguir su carrera artística, los Black Oak Arkansas se separaron. Con fortuna, Jim "Dandy" Mangrum se recuperó de sus achaques cardiacos y regresó al mundo de la música para grabar en solitario y mas tarde recuperaría a su conjunto grabando “The Wild Bunch” (1999), un tímido acercamiento a la época gloriosa y que fue producido por Lanny Cordola, volviendo a salir de gira en un multitudinario tour por todos los Estados Unidos donde se volvían a reunir parte de los componentes originales de Black Oak Arkansas.

Sir Lord Baltimore-Sir Lord Baltimore (1971)

Sir Lord Baltimore fueron otra de las bandas de finales de los sesenta con la que se utilizaría el término heavy metal debido a su estilo en donde predominaban los riffs de guitarras distorsionados y abrasivos, el altísimo volumen y las voces chillonas y luctuosas.

Formada a finales de los 60 por el guitarrista Louis Dambra, el bajista Gary Justin y el baterista y cantante John Garner.

En 1970 este trío logro firmar un contrato con el sello Mercury para la grabación de varios álbumes, el primero de ellos "Kingdom Come", lanzado ese mismo año con el cual tuvieron una buena recepción tanto comercial como de critica.

Un año mas tarde regresaron con el homónimo "Sir Lord Baltimore",con el cual dieron por acabada su efímera aventura debido a las escasas ventas del álbum pese a la enorme calidad que atesora.

Un disco que contiene desde momentos de épica con la heavy rock "Man From Manhattan", hasta piezas de proto metal como "Where Are We Going" y "Woman Tamer", pasando por la hard blues "Chicago Lives" o pesados y oscuros hard rock como "Caesar LXXI" o "Loe And Belhod".

The Young Rascals

Una de las bandas favoritas de los jóvenes norteamericanos durante el periodo que comprendió entre 1966 y 1969 fueron The Young Rascals, (posteriormente solo llamados The Rascals) y que llevaron todos sus discos uno tras otro, a los rankings estadounidenses.
Fue el verano de 1965 cuando varios de los miembros del grupo Joey Dee and the Starliters, que habían tenido un éxito abrumador en 1961 con la canción “Peppermint Twist”, deciden seguir por su cuenta y fundan un grupo que en principio llamarían The Fifth Rascal.
Estos músicos eran Felix Cavaliere órgano y el guitarrista Gene Cornish que junto al batería Eddie Brigati y el percusionista Ding Danelli, forman el núcleo de esta nueva formación.
Varios meses después el grupo consigue un contrato con Atlantic Records que les aconseja el cambio de nombre ya que por entonces otra banda se semejaba en su  nombre, finalmente deciden denominarla The Young Rascals.
Ya a finales de ese mismo año el grupo graba varios singles que apenas tienen repercusión; “Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore” y “Slow Down” y que sin embargo logran escalar las listas de éxitos de Canadá.
Pero fue con su tercer sencillo “Good Lovin´”, cuando obtienen una importante venta de discos, superando el millón de copias vendidas.
Esta canción estaba incluida en el primer álbum de la banda “The Young Rascals”, lanzado al mercado en marzo de 1966 y que contenía además algunas versiones de clásicos de soul-rock como “In the Midnight Hour” de Wilson Pickett o el clásico de Bob Dylan, “Like a Rolling Stone”.
Tras este Lp el grupo logra una serie de buenos hits como “Come on Up” o “Too many fish in the sea”, ambos pertenecientes de su segundo trabajo “Collections”, publicado en 1967.
Casi a finales de ese mismo año se publica el tercer álbum “Groovin´”, con el que llegan al número uno mundial y consigue un hito en la década con la canción que daba titulo al álbum.
A la voz solista de Cavaliere y el estilo soul rock que imprimía la banda incorporando mensajes antirracistas en los primeros dos trabajos, se unía en “Groovie´” unas delicadas armonías vocales y aires de nostalgia con claros acercamientos al pop, afrontando de esta manera la llegada de la era hippie.
A partir de aquí otra serie de canciones que lograron entran en el top-20 norteamericano marcaría la carrera del grupo, canciones como “A Girl Like You”, “It´s Wonderful” o “Beautiful Morning” y así hasta trece canciones mas.
Tras el álbum “Groovin´” el grupo reduce su nombre y su estilo se deriva hacia una música semi-negroide con una ligera base de rhythm & blues, pero con un estilo que les hace tan diferentes como innovadores.
En todo este desarrollo tiene especial importancia la labor de Felix Cavaliere, líder y principal compositor del grupo, sus ideas musicales sostendría a The Rascals entre 1969 y 1971 que se ira desmembrando poco a poco, hasta que solo quedaron el propio Cavaliere y Danelli, el segundo músico en importancia de los mismos.
Y así se van sucediendo los álbumes “Freedom Suite” (1969), “See” (1969) o “Search and Nearness” (1971), hasta que ese mismo año, ambos músicos darían forma a su proyecto mas ambicioso, un doble Lp titulado “Peaceful World”, que no es mas que una suite dividida en varias partes con una profusa riqueza musical y una línea de profundo lirismo que vuelve a dejar bien asentada la privilegiada y sólida cultura musical de Cavaliere, uno de los músicos de la década de los sesenta que se han distinguido por su total creatividad sónica, partiendo siempre de su propia evolución y aportando obras inolvidables,
Sin embargo el álbum pasa bastante desapercibido y la banda publicaría dos discos mas antes de disolverse “The Island of real” (1972) y “Rascals” (1973).
Posteriormente algunos de los miembros de the Rascals publicaron trabajos en solitario que pasaron con más pena que gloria hasta que en 1988 y con motivo del 40 aniversario de Atlantic Records el grupo volvió a reunirse para una gira que obtuvo un moderado éxito de público y criticas.
En los noventa la banda volvió a los escenarios fraccionada en dos versiones de la misma, por un lado The New Rascals que estaba comandada por Danelli y Cornish y por otra Felix Cavaliere´s Rascals liderada por el propio Cavaliere.
A mediados de 1997 el grupo fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame y en el 2010 la formación original volvió a reunirse para actuar en el concierto homenaje al guitarrista de la E Street Band Steven Van Zant y en donde el propio Bruce Springsteen se unió a The Rascals para interpretar el clásico “Good Lovin´”.
The Rascals han pasado a los anales del rock como una de las formaciones con mas calidad y perfección de los años 60 y posteriores grandes grupos como Vanilla Fudge o Mountain, han reconocido su fuente de inspiración e influencia, en esta mítica banda.

Tir Na nÓg

Una de las aportaciones mas importantes de finales de los 60 en la música “intimista” que dominaban artistas del calibre de Carole King, James Taylor e incluso Crosby Stills Nash and Young, (estos con esencias mas country-rock), fueron Tir Na Nóg, un misterioso y delicado dúo que mezclo el exotismo oriental con la cadencia sutil del pop, el misticismo hindú, reminiscencias clásicas y elementos de folk tradicional irlandés y que se convirtieron junto a Renaissance, Nick Drake, Steeleye Span o Pentangle en los pioneros del folk progresivo británico.
Formados en Dublín en 1969 por dos jóvenes y sencillos músicos con dotes de poetas y místicos, por un lado Sonny Condell, guitarrista, arpa, tambores marroquíes, etc y por otro Leo O´Kelly, bajo, guitarra y otros instrumentos.
Condell era un entusiasta de la música clásica, había pasado parte de su adolescencia escuchando piezas de este género y leyendo poesías y literatura, por el contrario O´Kelly era un enamorado de bandas de rock como The Doors o Jimi Hendrix, que junto a su firme convicción de la contracultura le hacían un fiel seguidor del movimiento hippie y del flower power..
Esta dispar confrontación de personalidades era la nota colorista y atípica del sonido que el grupo mostraba en su peculiar estilo, que sin lograr ningún número uno y sin vender millones de discos o sin ni siquiera ser cabezas de cartel, fueron reconocidos como una de las formaciones mas emblemáticas de aquellos años.
Durante un tiempo el dúo se fogueo en el Reino Unido ofreciendo conciertos como teloneros de bandas como Emerson Lake and Palmer, Jethro Tull o Cat Stevens y participando en festivales como el Westley Festival y Cristal Palace Garden Festival y frecuentando el circuitos de clubes de folk de todo el Reino Unido.
A principios de 1971 consiguen un contrato con Chrysalis y publican su primer álbum titulado homónimamente, “Tir Na Nóg”, que les eleva a la cima de popularidad con un trabajo de expresión preciosista en donde el estilo acústico con tendencias celtas es bastante acentuado, además las armonías vocales de sus dos integrantes eran el perfecto contrapunto a la música sutil que ambos componían.
Este mismo año Tir Na Nóg son incluidos en un doble álbum recopilatorio publicado por Island Records “El Pea”, que aglutinaba lo mejor de folk y rock progresivo de la época con temas de Emerson Lake and Palmer, Incredible String Band, Quintessence, Amazing Blondel, Mott the Hoople o Traffic entre otros.
En “A Tear and a Smile” (1972), el segundo álbum, el dúo continuaba con un estilo similar al primer trabajo y posteriormente vuelven a salir de gira con Jethro Tull, además de ser invitados en la BBC para grabar varios shows y igualmente participan en el programa de Radio de John Peel, que seria editado varios años después como “John Peel BBC Radio Sessions Tir Na Nóg”.
Por esa época el grupo telonea a Procol Harum y Emerson, Lake and Palmer y posteriormente lo harían en la gira “Who´s Next World Tour” de The Who.
“Strong in the Sun” (1973), supuso un ligero cambio de estilo, derivando hacia terrenos mas rock, pero con predominio de las guitarras acústicas en un claro acercamiento al rock mainstream que sin embargo rompe la magia de los primeros discos y pierden el interés del publico y la critica.
En 1975 el dúo participa en la banda sonora de la serie de la BBC “The Camera & The Stone” junto a otros coetáneos irlandeses como The Fivepenny Piece o The Ian Campbell folk group.
Poco después el dúo se disuelve y no seria hasta el año 1985 cuando se reúnen para grabar el tema “Love is like a Violin”.
Los dos últimos trabajos del grupo son los directos “Hibernian” (2000) y “Spotlight” (2001), el primero de ellos grabado en 1995 en la ciudad de Birmingham con motivo del 25 aniversario de la banda y el segundo son temas extraídos de las sesiones de John Peel shows de los años 1972-73.
Tir Na Nóg jamás fueron un grupo trascendental pero su música pasara a la historia como una de las mas bellas de los años 70.

Barclay James Harvest

Pioneros del rock sinfonico, la Barclay James Harvest iniciaron su andadura en 1966 en la localidad inglesa de Oldham, cuando varias bandas locales se disolvieron y de sus cenizas surgió este grupo de enorme talento musical que durante tres décadas nos dejaron algunos de los discos mas celebrados por los fans del rock progresivo. Todo empezó cuando Les Holroyd voz y bajo, Mel Pritchard, batería, Wolly Wolstenholme voz y teclados y John Lees voz y guitarras, dejaron sus respectivos grupos de pop y rhthym & blues para concentrarse en una nueva banda, seducidos por el auge que el recién nacido rock sinfónico hacia furor en Inglaterra a finales de los 60. A principios de 1968 consiguen un contrato la subsidiaria Parlophone y poco tiempo después con la propia discográfica matriz Emi, que buscaba nuevos talentos para incorporar a su nuevo sello Harvest, especializado en ese género. Así a mediados de 1968 el grupo publica el single “Early Morning”, que era precedido en la cara B por “Mr.Sunshine”. El single pasa totalmente desapercibido, pero que no desanima al grupo que durante año y medio se concentran en ensayar y componer material para lo que seria el primer álbum publicado en junio de 1970 “Barclay James Harvest”, que supone un impactante debut con un sonido en donde se mezclaba el pop con el rock sinfónico en un alarde de armonías vocales y arreglos orquestales. Temas como el épico “Dark now my Sky” o la hermosa “Taking some time on”, dejaban entrever el potencial del grupo que pronto despuntaría notablemente. Un año después llega el segundo trabajo “Once Again”, que confirma el sonido brillante del grupo, aunque comercialmente sin despuntar aún y que contiene algunos de los mejores temas de la carrera de la banda como “Mockinbird” o “Galadriel”.  Igualmente de 1971 data el tercer Lp del grupo “And Other Short Stories”, en donde el sonido se vuelve mas pomposo en un claro acercamiento al estilo de The Moody Blues utilizando una orquesta y en donde el mellotrón es parte fundamental en la composición de los temas, de los que destacan “Medicine Man” y “After the day”. En las giras posteriores el grupo contaba con aportación de una orquesta para poder interpretar parte de su repertorio en los que se hacia necesaria su contribución. Con el siguiente “Baby James Harvest” (1972) el grupo daba por finalizado su contrato con Harvest. Tras fichar con el sello Polydor consiguen el primer éxito en las listas con el álbum “Everyone Is Everybody Else” (1974), un disco con aires renovados y comprometido con temas sociales, aquí la banda se presentaba dinámica y mucho mas comercial que en los álbumes anteriores, temas como “Child of the Universe”, “Negative Earth”, o “Poor Boy Blues”, certificaban una pequeña obra maestra del rock progresivo. El doble directo “Live” (1974) precede a “Time Honoured Ghosts” que se publica en 1975 y que continua con la espectacular evolución iniciada en el anterior disco, aquí la banda incluso utiliza elementos del folk ingles y sus temas son mas accesibles para el gran publico, con menos densidad pero de enorme calidad bien demostrado en temas como “In my Life”, “Song for you” o el clásico “Hymn from the Children”. Por fin este ultimo Lp entra en las listas de éxitos llegando al numero 32, aunque el grupo siente un ligero desprecio por la critica de su país y poco entusiasmo por el publico británico, todo lo contrario ocurre con el publico europeo, quienes mayor atención muestran a la banda, sobre todo en Alemania donde poco a poco se han ido ganando una amplia legión de seguidores. De esta forma el grupo presta mucho más interés al centro de Europa con continuas y multitudinarias giras. A finales de 1976 aparece “Octoberon”, que siguiendo con la tónica de “Time Honoured Ghosts”, cosecha buenas críticas y un moderado éxito y les abre el mercado norteamericano e incluso actúan en los Estados Unidos en una gira que sin embargo no resulta muy entusiasta. Pero es en Europa donde el grupo logra muy buenos resultados llegando a los primeros puestos de las listas de Alemania, Suiza, Austria, Italia, Francia y Holanda. 1977 será el año de “Gone to Earth” que se convierte en otra de sus obras maestras gracias a temas como la intensa “Hymn”, la bellísima “Love is Like a Violin”, la compleja “Sea of tranquility” o la irónica “Poor Man´s Moody Blues”, una clara alusión a la prensa británica por su calificativo de pobre imitación de The Moody Blues. Este álbum alcanza los cinco primeros puestos en los países europeos y el grupo es cada vez mas solicitado en los escenarios de media Europa. “Live Tapes” (1978) doble álbum en directo recoge actuaciones de la ultimas giras realizadas por el grupo. “XII” (1978) marca el ultimo trabajo de Wolstenholme con la Barclay James Harvest, debido a sus divergencias en cuanto a las composiciones y la decisión de temas a publicar y sin embargo su contribución fue muy acertada con la progresiva “Nova Lepidoptera” o la emotiva “Harbour”, pero también el resto contribuía con argumentos muy interesantes como la hermosa “Berlín”, la rock “Living is Easy” o la melódica “Sip of Wine”. La marcha del teclista es vaticinada por los seguidores como un paso atrás en el futuro del grupo, en efecto los teclados de Wolstenholme contribuía enormemente en el sonido final de la Barclay James Harvest, sus inconfundibles mellotrones y las atmósferas que sus teclados dotaban la música eran parte del estilo inconfundible del grupo. Pero sorprendentemente el siguiente trabajo les catapulta de nuevo al éxito absoluto en Europa, “Eyes of the Universe” (1979), supone la confirmación comercial de la banda con un trabajo inmejorable, con una creatividad melódica que son el cenit de la carrera del grupo, el disco estaba lleno de grandes momentos como la intensa “Love on the line” que abre el disco hasta la potente “Sperratus”, pasando por melódica rock “Rock & roll lady” o la dramática “Alright Down get boggie”. Un año después el grupo protagoniza un multitudinario concierto en Berlín ante doscientas cincuenta mil personas en una clara muestra del impresionante poder de convocatoria que tenían en Alemania. “Turn of the tide” (1981) supone un ligero paso atrás con un sonido mas pop en donde sin embargo canciones como “Life is for living” o “Waiting on the Boderline”, catapultan al disco al éxito en países como Alemania en donde se encarama en el numero dos durante largo tiempo y vendiendo el millón de copias. A mediado de 1982 la Polydor publica el directo y millonario en ventas “A Concert for the People (Berlin)”, que paradójicamente se convierte en el disco de la Barclay James Harvest mas vendido en Gran Bretaña, quizás debido a la situación creada históricamente con el grupo, la banda inglesa mas venerada en Alemania e ignorada en Inglaterra…por lo que finalmente este disco hizo justicia con el grupo en su país natal. En lo sucesivo la banda iría publicando buenos álbumes como el aceptable “Ring of Changes” (1983), el comercial y exitoso “Victims of Circumstance” (1984) o el añejo “Face to Face” (1987). “Glasnost Live”, publicado en 1988 seria el cuarto álbum en directo de la banda que precedió a “Welcome to the Show” (1992), disco que mantuvo al grupo en el candelero internacional. “Caught in the Act” (1993) y “River of Dreams” (1997) sus dos ultimas obras, suponen un cierto descenso artístico de la banda. Hacia finales de 1998 el grupo se desintegra definitivamente iniciando sus miembros varios proyectos diferentes, por un lado Les Holroyd con su BJH Featuring Les Holroyd y por otro John Lees y su BJH Trought the eyes of John Lees. Tanto Mel Pritchard junto a Holroyd, como Wolstenholme junto a Lees también participarían en estos proyectos. Por desgracia Mel Pritchard fallecería en el 2004 a causa de un ataque de corazón. Tanto la Harvest como la Polydor han publicado estos últimos años innumerables recopilatorios y directos de la banda de los que merecen destacarse “BBC in Concert 1972” (2002) o el box set “All is Safely Gathered In” (2005).

Mike Bloomfield & The Paul Butterfield Blues Band

Mike Bloomfield fue definido en los años sesenta como “una estrella fundamental en el firmamento del rock”, y no era para menos, su contribución al mundo de la música rock fue tan importante que termino convirtiéndose en una de las referencias básicas del llamado blues blanco de Chicago.
Nacido en esa misma ciudad en 1944, era hijo de una acaudalada familia de origen judío.
Fue a principios de los sesenta cuando conoció a Nick Gravenites guitarrista y cantante que en aquel momento organizaba el festival de folk y bluegrass anual de la Universidad de Chicago.
Durante dicho festival Bloomfield quedo fascinado por el gran valor poético del country-blues y quedo prendado de algunos de los músicos que allí participaron, en particular por los guitarristas Sleepy John Estes y Big Joe Williams.
A partir de aquí su obsesión por el blues y la guitarra le llevan a largas horas de aprendizaje al igual que al estudio de las partituras de blues.
Varios años después su técnica y dominio con la guitarra son realmente asombrosos y esto le proporciona colaborar en un álbum del citado Sleepy John Estes.
Bloomfield poco a poco se fue ganando una buena reputación como guitarrista en los circuitos de blues de Chicago que llega a oídos del maestro de la armónica Charlie Musselwhite, que le ofrece un puesto en su banda al igual que a Gravenites.
En esa época Bloomfield también quedaría entusiasmado con otros guitarristas, en un concierto de Elvis Presley ve por primera vez a Scotty Moore y posteriormente a Cliff Gallupp del grupo The Blue Caps de Gene Vincent.
Por aquella época también sobresalía un armonicista llamado Paul Butterfield un joven músico que fue para Norteamérica lo que John Mayall para Inglaterra, desarrollando una intensa labor que le consagraría en la historia de la música blues, Butterfield atesoraba una calidad muy parecida a la de Mayall aunque su nivel de popularidad nunca fue la misma, debido en parte a que mientras Mayall practicaba un blues libre y vanguardista, Butterfield era mucho mas tradicional y perfeccionista.
Butterfield junto a su banda, en la cual estaba un joven Elvin Bishop que empezaba a despuntar con las seis cuerdas, contribuía a la expansión de un género que hasta ese momento era básicamente para negros, con la consabida excitación para los blancos devotos del blues
A principios de 1965 The Paul Butterfield Blues Band consigue un contrato con la Elektra Records y el propio Paul convence a Bloomfield que se una a la misma y así graban el primer álbum de la banda que se publica en mayo de ese mismo año.
El álbum “The Paul Butterfield Blues Band”, significa la introducción de blues eléctrico de Chicago que desplazaba al eterno blues acústico del Delta como principal fuente de inspiración del blues de la época, y pronto causan sensación debido al particular sonido de la banda fruto de la fusión de la tensa y vibrante guitarra de Bloomfield y la armónica amplificada de Butterfield.
La banda además de Bloomfield, Butterfield y Bishop estaba conformada por los músicos de acompañamiento del bluesman Howlin´ Wolf, Jerome Arnold al bajo y Sammy Lay a la batería.
Ambos (Bloomfield y Butterfield) colaboran en el posterior álbum de Chuck Berry; “Fresh Berry” que les contrato para participar en dicha grabación impresionado por el talento de los músicos.
Pero uno de los momentos cruciales de la vida de The Paul Butterfield Blues Band se produce el 25 de julio de 1965 cuando la banda al completo acompaña a Bob Dylan en el Festival Folk de Newport en lo que seria la primera actuación eléctrica en público del musico de Minnesota.
Poco después el propio Dylan invita a Bloomfield a colaborar en el álbum “Highway 61 Revisited” en donde conoce al teclista Al Kooper.
Kooper junto al teclista Mark Naftalin se unen a The Paul Butterfield Blues Band para la grabación del segundo álbum “East West” (1966) que resulta un antológico disco de blues-rock.
Pero Bloomfield era un nómada, amante de las grabaciones, de tocar con los amigos y no el clásico integrante de una banda, por lo que después de este disco abandona el grupo y decide formar la suya propia a la que denomina Electric Flag, reclutando al batería de Otis Redding, Buddy Miles, al bajista Harvey Brooks y al teclista Barry Goldberg que junto a su inseparable Gravenites, publicaron los álbumes “A Long Time Comin´” (1968) y “Electric Flag An American Music Band” (1968), verdaderos ejercicios de sutil mezcla de soul y rhythm & blues y obras maestras del blues-rock.
Con estos dos decisivos discos la Electric Flag resurgía la fuerza del blues en un momento en el que el poder de la música de la costa oeste ya se había cristalizado y el camino a seguir era tan solo el de la confirmación.
Después de abandonar su propia banda por discrepancias con Buddy Miles, Bloomfield se traslada a San Francisco en donde vuelve a coincidir con Al Kooper que por entonces colaboraba en el álbum del grupo Moby Grape “Wow/Grape Jam”, en el cual termina también tocando Bloomfield y que será la fuente de inspiración del siguiente trabajo del guitarrista.
A finales de 1968 se unen los talentos de Kooper, Bloomfield y Stephen Stills y dan vida al fantástico “Supersession” en donde el blues y el soul se mezclan con el country rock en un adelanto de lo que pronto será muy habitual, los súper grupos.
Un año después junto a Al Kooper aparece en el doble álbum en directo “The Live Adventures of Mike Bloomfield & Al Kooper”.
Y ese mismo año publicaría “It´s not Killing me” y participaría en el directo “Live at Bill Graham Fillmore East”.
Los siguientes años son de continuas colaboraciones entre las que sobresale el álbum “I Got Dem ol Kozmic Blues Again Mama” de Janis Joplin.
Pero a partir de aquí la vida de Mike Bloomfield pierde vitalidad al meterse en el mundo de las drogas que le conducen a fracasos continuos.
En 1973 participa en el disco de Dr.John “Triumvirate” junto a John Hammond, para posteriormente en un intento de reorganizar su carrera reflota a los Electric Flag para el álbum “The Band Kept Playing” (1974). Dos años después funda la banda KGB junto a Goldberg, Rick Grech y Carmine Appice y firman varios meritorios trabajos “KGB” (1976) y “Motion”, este ultimo ya sin el propio Bloomfield.
Convertido en un ermitaño, se interesa por las bandas sonoras y “Médium Cool”, “Bad” y “Steelyard Blues”, que se convierten en proyectos que dejaban bastante que desear.
Pese a todo a finales de 1976 es elegido como el mejor guitarrista eléctrico de blues por la revista Guitar Player y dos años después como mejor guitarrista acústico.
“If you love these blues, Play´em as you feel” (1977) fue un trabajo enfocado al lucimiento personal que a un álbum de buenas composiciones.
Convertido en un músico reputado pero olvidado, malvive con lo que recauda en una serie de actuaciones en locales de la bahía de San Francisco.
En adelante siguió publicando mediocres trabajos como “Analine” (1977), “Count Talent and the Originals” (1978), “Michael Bloomfield” (1978), “Cruisin´for a Bruisin´” (1981) o junto a Woody Harris, “Bloomfield & Harris” en un trabajo de dúos de guitarra acústica de gospel y espirituales que es bien acogido por el publico y la critica.
Poco después de una memorable actuación en el Warfield Theatre de San Francisco junto a Bob Dylan, aparece muerto en el asiento trasero de su coche, un Mercury color crema de 1971, aparcado en Forest Hills en San Francisco y justo a su lado había un frasco de barbitúricos, por lo que parecía una muerte por sobredosis.
Posteriormente se publica un ultimo álbum “Living in the Fast lane” (1982) a titulo póstumo y el doble recopilatorio “Bloomfield a restrospective” (1984).
Por su parte la carrera de Paul Butterfield continuo junto a su banda hasta 1971 dejando tras de si buenos álbumes como “The Resurrection of Pigboy Crabshaw” (1968), “In my Own Dreams” (1968), “Kep on Moving” (1969) o “Live” (1971) y siendo uno de los grupos que intervinieran en el Festival de Woodstock y ofreciendo una soberbia actuación muy recordada por los aficionados. Posteriormente formo el grupo Better Days del que publicaron dos trabajos y más tarde varios álbumes en solitario del que destaca “The Legendary Paul Butterfield Rides Again” (1986) justo un año antes de su muerte debido a complicaciones por una peritonitis.
La carrera de Al Kooper fue junto a la de Bloomfield la de un músico con culo de mal asiento ya que protagonizo innumerables proyectos y colaboraciones destacando su participación en los álbumes de Bob Dylan “Blonde on Blonde” (1966) o “New Morning” (1970), o formar parte de The Blues Project, fundar la banda Blood Sweat & Tears o apadrinar a los míticos Lynyrd Skynyrd.

The Doors

Cuando The Doors lanzo su primer álbum en marzo de 1967 lleno de referencias explícitas al sexo y a las drogas, en una época en donde no resultaba muy difícil escandalizarse por culpa de la generación hippie, dejo en mero infantilismo la actitud liberal de otros grupos coetáneos convirtiéndose décadas después en una verdadera reliquia de su propio pasado.
La llegada de Jim Morrison y sus compañeros al mundo del rock fue una convulsión total, mezclando textos poéticos con claras alusiones al consumo de las dogas y al sexo libre.
Todo comenzó cuando James Douglas Morrison, siendo estudiante de la Universidad de arte y cine de UCLA conoce a Ray Manzarek y este ultimo queda fascinado por la facilidad que tiene Morrison por escribir canciones y su rebeldía poética.
Morrison provenía de una familia de arraigo militar y de una estricta educación (su padre era el Almirante de la Marina norteamericana, George Stephen Morrison), algo que marco su personalidad refugiándose en la poesía, la literatura y la pintura.
Manzarek pianista de educación clásica pronto le ofrece unirse al grupo en el cual tocaba por entonces llamado Rick & The Ravens junto a varios de sus hermanos, los cuales practicaban temas propios y versiones de rhythm & blues.
Posteriormente también se les une el batería John Densmore y consiguen un contrato con la Columbia y entran en la World Pacific Studios en donde graban algunos temas, entre los que se encontraban “Break on Through”, “Moonlight drive” y “Summer´s almost gone”.
Pero la personalidad un tanto peculiar de Morrison termina por desquiciar a los hermanos de Ray que abandonan la banda, siendo sustituidos por el guitarrista Robbie Krieger quedando así constituido The Doors, nombre elegido por Morrison de un libro de Aldous Huxley, “The Doors Perception”.
Durante una actuación del grupo en el mítico Whisky a Go-go es observado por el carismático líder de la banda Love, Arthur Lee quien les recomienda a la Elektra y tras una prueba son contratados.
“The Doors” (1967), supuso el debut del grupo, un trabajo en donde exhibían un rock influido por el blues épico y la teatralidad de los textos y la voz de Morrison.
Producido por Paul Rothchild, el álbum contenía algunas canciones que formaban el repertorio de Rick & The Ravens como la polémica e incontestable “Break on Through”, todo un clásico, además de la provocativa “Twentieth Century fox”, la épica y melodramática “The End” o “Light my fire”, un tema hipnótico con un martilleante sonido repetitivo de órgano que se convierte en su primer numero uno en singles al igual que el Lp.
Con este álbum también llegan las primeros escándalos, en el se habla de parricidio, incesto, dogas, sexo…que les vale que sean despedidos del Whisky a Go-go a causa de sus temas escabrosos y de paso se fundamenta el mito del cuarteto.
Y es que The Doors se caracterizaran por unas actuaciones que solían terminar en las comisarías debido al salvaje carisma de Jim Morrison que es elevado al rango de sex- symbol por el publico femenino y a expresar en publico un teatro improvisado con poses e insinuaciones en la mayoría de los casos eran provocativas y poco decorosas para la época.
Uno de los casos mas controvertidos ocurrió durante el aparición del grupo en el programa de televisión de Ed Sullivan, en el cual y en contra de lo que se le había exigido al grupo de cambiar la letra del tema “Light my Fire”, por su referencia a las drogas minutos antes de que comenzara el show, Morrison hizo caso omiso ante la desesperación de los directivos de la cadena y del propio Sullivan, el cual veto al grupo para siempre.
Poco después y durante una actuación la policía interrumpió en pleno concierto y detuvieron a Morrison por lanzar acusaciones contra el propio departamento de policía de New Haven y por una actuación arrebatadoramente obscena.
Y así convertido de la noche a la mañana en grupo de culto por la cultura underground, se publica el segundo trabajo “Strange Days” (1967) que resulta un trabajo con sentimientos mas bizarro y menos espontáneo y que contenía material no publicado en el anterior “The Doors”, pero que es fundamentalmente su continuación estilística y compositiva.
Aquí el grupo vuelve a presenta épicos temas como “When the music´s over”, o rhythm & blues ligeros como “Love me Two Times”, o la cabaret erística y teatral “Moonlight Drive”, el primer tema que Morrión escribió para la banda, agregando su personaje poético, mucho mas ambicioso que al de cantante.
El álbum vuelve a conseguir el éxito masivo colocándose en las primeras posiciones de las listas de éxitos y permaneciendo allí largo tiempo.
Pero poco a poco el grupo empieza a provocar una división entre sus seguidores a causa de las actitudes chabacanas de Morrison en directo, entre los jóvenes seguidores que ven el cielo por cada movimiento de Jim y los antiguos admiradores, aquellos del movimiento underground y la contracultura, e igualmente ocurre con algunas de las canciones a las que tachan de cómicas y comerciales.
“Waiting for the Sun”, publicado en 1968 supone el alejamiento de la provocación sexual mayoritario para centrarse en un contenido mas político y pacifista, para desgracia de este colectivo que ve con malos ojos este cambio y se dan cuenta de que el rock es realmente una amenaza social de considerables dimensiones.
Además durante la grabación de este, como ya había ocurrido con los anteriores, las disputas entre Morrison y el productor Paul Rothchild eran cada vez más frecuentes.
El álbum editado en el momento crucial de la guerra del Vietnam contiene varios temas anti militares como “The Unknown soldiers” y “Five to one”, que se convierten en temas polémicos, que para rematar la faena se promociona con un video en donde Morrison simula un fusilamiento ante un pelotón de ejecución con los ojos vendados.
Pero curiosamente la quizás menos comprometida de todas las canciones del álbum “Hello I love You” suscita otra polémica por su semejanza con el tema “All day and all of the night" de The Kinks, quienes les acusan de plagio.
Todo esto no hace mas que acrecentar la popularidad del grupo que sin embargo pasa por momentos delicados en el seno interno debido a las discrepancias entre Manzarek, Krieger y Densmore con Morrison, centrado en el excesivo protagonismo del cantante, que poco a poco va desapareciendo detrás de ese ficticio personaje que el mismo se ha creado llamado King Lizard y que a base de alcohol, drogas y tranquilizantes comienza a manifestar unos efectos negativos en su personalidad ya de por si complicada.
Algo que Morrison siempre negaba, de hecho en alguna ocasión el animador del concierto en cuestión les presentaba como Jim Morrison and The Doors y el propio cantante se negaba a salir al escenario hasta que no fuera presentado de nuevo como The Doors.
En marzo de 1969 seis ordenes de arresto caen sobre la cabeza de un turbulento Morrison culpable de haber liado un monumental escándalo en Miami al simular ante mas de diez mil espectadores una masturbación y otras lindeces sexuales.
Esto trae unas consecuencias negativas a la banda, la cual es evitada por los promotores de conciertos como si tuvieran una enfermedad contagiosa temerosos de las hazañas escandalosas y polémicas de Morrison.
Pero aún así y todo el grupo publica “The Soft Parade” (1969), un trabajo menos intenso y mas convencional con elementos mas pop y jazzisticos que fue pasto de las criticas y el desprecio de los millones de fans.
Pocos meses después el grupo publica “Morrison Hotel” ( 1970), que en parte se rehacen del traspiés que supuso “The Soft Parade”, con una vuelta a los orígenes, un Morrison desbocado y alcohólico interpreta la memorable “Roadhouse Blues” o la bella “Queen of the Highway”.
Ese mismo año la Elektra publica el doble álbum “Absolutely Live”, documento imprescindible y soberbio de la energía de The Doors en vivo y que contenía parte de lo mejor de su carrera.
“L.A.Woman” publicado en 1971 es el primero que no esta producido por Rothchild, que se niega seguir con las extravagancias y el despotismo de Morrison y que veía un material de poco bagaje comercial.
El álbum es auto producido por el propio grupo que en tomas directas grabo el disco con un Morrison sobrio y conformando un trabajo mas rudimentario y tosco, en una especie de jam session que dejo temas claves como “Love her Madly”, la extraordinaria “L.A.Woman” o la cautivante “Riders on the Storm”.
Cuando el álbum se publica Jim Morrison había dejado temporalmente la banda para centrarse en su carrera como poeta y se había refugiado en Paris.
El resto de la banda suponiendo un breve capricho del cantante, decidieron quedarse en los Ángeles esperando que pronto se aburriese y volviera para comenzar una posterior gira.
Pero Morrison ni siquiera tuvo tiempo de aburrirse, el cantante era encontrado muerto el tres de julio, víctima de un ataque al corazón.
Sin embargo hasta hoy en día, los detalles de la muerte de Jim Morrison son uno de los misterios mas secretamente guardados.
Un medico anónimo y su mujer Pamela (fallecida varios años después de una sobredosis), fueron los únicos que vieron el acta de defunción, naciendo así una leyenda que encajaba perfectamente con el mito de King Lizard, según el cual el propio Morrison simulo su propia muerte para desaparecer de la vida publica.
Ni que decir que su muerte causa una gran conmoción en el mundo del rock y fuera de el, a un mismo nivel que las de Jimi Hendrix y Janis Joplin ambas acontecidas un año antes.
Los restantes The Doors poco después deciden seguir y en un principio eligen a Iggy Pop como sustituto de Morrison, pero pronto desechan la idea y continúan como trío y graban los mediocres “Other Voices” (1971) y “Full Circle” (1972), hasta que a finales de 1973 se produce la inevitable disolución del grupo.
Posteriormente Densmore y Krieger fundan en 1974 la banda The Butts Band y publican varios álbumes de escasa repercusión como “The Butts Band” (1974) y “Hear and Now” (1975) y ambos firman el álbum de Krieger, “Robbie Krieger and Friends” (1977) un ejercicio de jazz- rock que igualmente paso sin pena ni gloria.
Manzarek por su parte publica algunos trabajos de menor entidad como “The Golden Scarab” (1975) o “Nite City” (1977) antes de producir al grupo punk The X a finales de los 70.
En 1978 se publico “An American Prayer”, uno de los trabajos de necrofilia musical más flagrantes jamás acontecidos. Aprovechando grabaciones caseras de Jim Morrison quien gustaba grabarse recitando sus poesías para oírlas después y ver como quedaban y aprovechando que tanto la Elektra Records que poseía algún material de ese tipo y grabaciones recogidas en París, en un estudio de grabación fueron rescatadas y les pusieron música grabada por el grupo reunido para tal ocasión.
En 1979 Francis Ford Coppola quien había estudiado junto a Morrison en los Ángeles, incluye “The End” en la banda sonora de la monumental y apoteósica película “Apocalypse Now” y en 1991 fue Oliver Stone quien dirigió la película de enorme impacto, “The Doors”.
Años después Manzarek y Krieger reflotan el grupo denominándolo “The Doors of the 21st Century”, asignando el rol de vocalista a Ian Astbury de The Cult, aventura que tendrá una breve historia cuando Densmore les demanda por utilizar el nombre The Doors.
Posteriormente el cambian la denominación del proyecto por Riders on the Storm.
En los últimos años se han publicado innumerables recopilatorios y directos de la banda con abundante material inédito de los que sobresalen “Live At The Aquarius Theatre, Hollywood,1969” (2002), “Live in New York, Felt Forum, 1970” (1997), “Live in Boston, Boston Arena 1970” (2007) o “Perception Box Set” (2006) entre otros muchos.
Por ultimo la banda ha vendido cerca de los ochenta millones de copias en todo el mundo y en 1993 la banda fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame y elegida una de las mejores cien bandas de todos los tiempos.

Gentle Giant

La historia de Gentle Giant es tan extraña como única, pioneros del rock sinfónico y probablemente una de las mejores formaciones de este genero de toda su historia, pasaron tan desapercibidos en su país natal Inglaterra, el país por excelencia del rock progresivo, y en cambio triunfaron masivamente en los Estados Unidos, país en donde dicho movimiento fue bastante menospreciado, además de cosechar una inmensa fama en otros países europeos, caso de España, Francia, Italia…o en Japón, donde son venerados hasta considerarla una banda mítica.
Todo comenzó cuando tres hermanos Derek, Phil y Roy Shulman, unos entusiastas de The Beatles, formaron una banda a la que bautizaron Howling Wolves en un principio y posteriormente como Simon Dupree and the Big Sound.
En esta ultima formación que además de los hermanos Shulman (Roy a la guitarra, Derek cantante y Phil saxofonista), estaban Eric Hine los teclados, Pete O´Flaherty al bajo y Tony Ransley a la batería. Mas tarde el grupo publica bajo el sello Parlophone el álbum “Without Reservations” (1967), además de varios singles como “Kites” que consigue entrar en las listas.
Incluso Elton John antes de convertirse en una estrella, estuvo a punto de engrosar las filas del grupo, algo que fue finalmente desechado por la banda por su “limitada” capacidad instrumental.
A finales de 1969 los hermanos Shulman deciden dar por acabada esta aventura y se dedican a probar músicos para formar una nueva banda.
Después de un tiempo consiguen ensamblar una formación que comprende al batería Martin Smith, al guitarrista Gary Green y al teclista Kerry Minnear.
A mediados de 1970 consiguen un contrato con el sello Vertigo quien pronto les produce su primer álbum “Gentle Giant” (1970), un primer trabajo en donde el grupo ya mostraba el estilo que les definiría en toda su carrera y que fue denominado barock & roll.
La mezcla de estilos era sabiamente ejecutada, desde música clásica, jazz y rock hasta elementos de folk y tradicionales temas medievales y con el uso poco habitual de instrumentos barrocos como el laúd, violonchelos, flautas, oboes o arpas.
El álbum comenzaba con la hard rock “Alucard” y contenía otros buenos momentos como la pretenciosa “Nothing at all” o la pastoral “Funny Ways”, por último “The Queen” era una particular versión de himno británico.
En cualquier caso este trabajo no solo no pasa desapercibido en Inglaterra si no que la prensa británica apenas les tienen en cuenta, pero no en Europa en donde tiene un éxito moderado.
Casi un año después su publica el segundo álbum “Acquiring the Taste” (1971), producido por el productor Tony Visconti, que resulta un brillante disco catapultándoles hacia la cima de las bandas punteras del genero en esos momentos.
Las riquezas del timbre y las melódicas composiciones de influencias medievales junto con el espíritu rock y el amor por el jazz se entremezclan con trallazos verdaderamente rock y sutiles composiciones memorables, “Pentagruels Nativity” era una buena muestra de ello, en cambio “The House, The Street, The Room”, era enérgica y cautivadora y ”Plain Truth” era progresiva y pomposa.
Este segundo álbum no hizo más que afianzar al grupo en Europa en donde pronto son habituales con sus conciertos y la participación en diferentes festivales.
Poco después Martin abandona la banda siendo sustituido por Malcom Mortimer y enseguida graban el que seria tercer Lp “Three Friends” (1972), que encumbra definitivamente a Gentle Giant, un álbum conceptual en base a una opera rock en donde la larga “Peel the Paint” es un soberbio ejercicio de barock & roll, mientras “Working all day” o “Three Friends” son verdaderas expresiones en donde los teclados de Minnear dominan las estructuras de las canciones.
Este álbum dejaba bien claro que aunque el liderazgo de los hermanos Shulman era evidente, Minnear cada vez tomaba más protagonismo, por otro lado el álbum logra entrar en las listas norteamericanas y el grupo logro superarlos en popularidad a bandas como Genesis y Yes, multiplicando sus giras por todos los Estados Unidos.
La banda después del tour americano y descontento con la labor de Mortimer decide prescindir de el y sustituirlo por John Weathers que provenía de la Graham Bond, un batería mucho mas versátil y enérgico que Mortimer, mucho mas jazzistico y técnico.
En 1973 aparece “Octopus” el cuarto álbum y quizás su obra maestra, aquí Gentle Giant hacian un alarde de diversidad con su trabajo mas ecléctico, desde el hard rock de “A Cry for Everyone” hasta la compleja “The Boys in the Band” pasando por la medieval “Raconteur Trobadour”.
Posteriormente bandas como Kansas o mas recientemente Spocks Beard entre otras, reconocieron abiertamente las influencias que este disco y Gentle Giant, supusieron para sus carreras.
A partir de aquí la actividad era cada vez más frenética con continuas giras por los Estados Unidos, Europa, y Japón lo que acabo con el abandono de Phil Shulman cansado de tantos viajes alrededor del mundo.
La banda decide seguir como quinteto y publica “In A Glass House” (1973) que supone un pequeño paso atrás en la evolución de la banda hacia terrenos mas convencionales de rock progresivo, pero manteniendo el espíritu personal de la banda.
Un año después se publica “The Power and the Glory”, que se convierte en el segundo álbum concepto de la banda, este vez basado en los escándalos del caso Watergate y la corrupción política y su sonido se endurece bastante mas de lo hecho hasta esos momentos.
“Free Hand” (1975) fue el trabajo de mas éxito de Gentle Giant en América, su estilo mas comercial y enfocado hacia terrenos mas jazzisticos, pero con ese toque característico tan peculiar de la banda, les llevo a escalar las listas de éxitos y vender una considerable cifra de millones de álbumes.
Posteriormente se publicaría el mediocre “Interview” (1976), el intenso y apoteósico doble en directo “Playing The Fool, Live” (1977), el comercial “The Missing Piece” (1977), el pop sinfónico “Giant for a Day” (1978) y por ultimo el derivado hacia el AOR, “Civilian” (1980).
Poco después de este ultimo trabajo la banda se disuelve definitivamente, algo que aprovecha Vertigo para publicar un “Greatest Hits” y posteriormente el directo “In concert” (1994).
De entre sus miembros ha sido Roy Shulman quien más protagonismo ha tenido en lo sucesivo ya que en su faceta de productor ha llevado las riendas de bandas punteras del brit pop como Sugarcubes o The Sundays.

The Doobie Brothers

The Doobie Brothers son una de las bandas inclasificables en la música rock que durante la década de los 70, lanzaron algunos de los discos más irresistibles dentro del panorama musical de la época.
Formados a principios de 1970 en San Jose, California, por el guitarrista Tom Jonhston, el bajista Dave Shogren y el batería John Hartman que provenían de una banda local llamada Pud, ganándose una seria reputación en los circuitos rock de la costa oeste. Ellos se ganarían el fervor de los Hell´s Angels, comuna de motoristas amantes de las Harley Davidson, posteriormente se les une el también guitarrista Pat Simmons quien convence a sus compañeros para adoptar el nombre de The Doobie Brothers.
Tras una serie de actuaciones llaman la atención de Ted Templeman, productor y ejecutivo de la Warner Bros quien les ofrece un contrato y la financiación para un primer álbum “The Doobie Brothers” (1971) que pasa totalmente desapercibido, en este primer álbum la banda mostraba un folk & country rock bastante melódico, un estilo muy emparentado con el grupo America que por esa época arrasaban con su tema “A Horse with no name”.
Este primer traspiés tiene sus consecuencias y así Shogren abandona siendo sustituido por Tiran Porter, además el grupo se amplia con la incorporación de un segundo batería Michael Hossack.
Esta formación publica “Toulouse Street” (1972) que producido por Templeman, consigue endurecer el estilo de la banda.
Aquí la banda mostraba su lado mas rhythm & blues con pinceladas de hard rock sin dejar de lado su faceta country & folk y contenía temas como “Listen to the Music”, que se aupo hasta las primeras posiciones de la lista de éxitos o agradables temas como “Rockin´Down the Highway”, otro de sus himnos o la soul rock “Jesús is just Alright”.
El álbum pronto alcanza un éxito arrollador con más de un millón de copias vendidas.
Las emisoras FM de la época pronto se vuelcan con el grupo y este comienza a acrecentar su popularidad en todos los Estados Unidos.
Justo un año después llega el tercer álbum de la banda “The Captain and Me”, un brillante trabajo que continuaba la senda del anterior y que contenía la archiconocida “Long Train Runnin”, un tema country soul que logra afianzar al grupo entre el gran publico o la rítmica “China Grove”.
Y esta vez el éxito es aun mucho mayor con más de dos millones de discos vendidos, convirtiendo a The Doobie Brothers en una de las bandas punteras de esos momentos.
Después de este trabajo Hossack abandona y es sustituido por el batería Keith Knudson y además nuevamente se amplia la banda con el teclista Bill Payne que provenía de Little Feat.
Todo esto no hace mas que diversificar las influencias de la banda ya que cada vez las nuevas incorporaciones van dando su toque personal y único al de por si estilo muy particular del grupo.
Y así en febrero de 1974 se publica “What Were Once Vices Are Now Habits” que supone un “pequeño” paso atrás al modificar su sonido hacia terrenos mas diversos con incluso con la colaboración de la sección de viento de The Memphis Horns, y aun así el disco se coloca en cuarto lugar del ranking americano con unas ventas de mas de dos millones de copias.
El álbum también tuvo un numero uno en singles con el tema “Black Water”.
A principios de 1975 el guitarrista de Steely Dan, Jeff Baxter se convierte de pleno derecho en miembro del grupo, si bien ya había colaborado en el anterior álbum sin aparecer en los créditos oficiales, por otro lado Bill Payne deja de pertenecer a la misma.
Y así con tres guitarristas solistas el grupo publica “Stampede” (1975), que es la confirmación de la transición del sonido de la banda hacia un estilo más soul, como bien fue demostrado en su versión del clásico de la Motown “Take Me In Your Arms”.
Para este trabajo el grupo obtuvo las colaboraciones de Ry Cooder y Maria Muldaur, pese a todo no consigue el éxito de sus anteriores álbumes.
Llegados a este punto la banda se encuentra en el cenit de popularidad, rivalizando con otras bandas norteamericanas punteras como The Allman Brothers, Grateful Dead o The Eagles.
El traspiés que supuso “Stampede” supone un cambio en las estructuras internas del grupo, primero Tom Johnston deja de colaborar en la formación por motivos de salud y es remplazado por otro ex miembro de Steely Dan, Michael McDonald que tomara las riendas compositivas de The Doobie Brothers junto a Jeff Baxter y así nace “Takin´it to the Streets” (1976), un Lp que venia cargado de funk & jazz y soul que lo conduce a disco de platino y que contenía temas con un ligero toque Steely Dan como el tema que daba titulo al álbum o la encantadora “It Keeps You Runnin´” .
Posteriormente la Warner publico el obligado “Best of” que se convierte en uno de los trabajos mas vendidos de la década con mas de 10 millones de copias.
“Livin´On The Fault Line” (1977) siguió la misma línea continuista y nos dejaba la amable “You Belong to me” en donde el acercamiento al jazz era cada vez mas patente.
Este trabajo supuso otro éxito comercial que no obstante no fue ni por asomo el obtenido por el siguiente álbum “Minute by Minute” (1978), que se convierte en numero uno con una impresionante venta de millones de álbumes.
El liderazgo de McDonald ya era patente y fruto de ello el grupo realiza un trabajo soberbio de soul, rock, funky y jazz, bien demostrados en la jazz & soul “Here to love you”, la brillante “Minute by Minute”, la pegadiza “What a fool Believes”, que se encaramo en el numero uno de la lista de singles, e incluso hacían un guiño a su época mas country con la instrumental “Stearmer Lane Breakdown”, demostrando con todo ello lo enormemente arrollador del álbum.
Además este disco consigue cuatro premios Grammy, mejor álbum, mejor grupo vocal, mejor canción (“What a Fool Believes”) y mejor grupo en directo.
En 1979 The Doobie Brothers participaron en el festival “No Nukes” organizado por músicos activistas contra el uso de la energía nuclear junto a Bruce Springsteen, Jackson Browne, James Taylor, Crosby, Stills Nash and Young…etc
Pero tanto éxito supero a algunos de los componentes que decidieron abandonar la nave, así Jeff Baxter fue sustituido por John McFee, el batería Chet McCracken sustituye a Hartman y se une al grupo el ex teclista de Moby Grape, Cornelius Bumpus.
Con esta nueva alineación de publica “One Step Closer” (1980) que como ya era habitual consigue ser disco de platino y el tema medio funk-disco “Real Love” se encarama hasta el numero cinco en las listas.
En 1982 la banda anuncia una gira de despedida y su posterior separación, que será registrada en el doble álbum en vivo “Farewell Tour” (1983), un estupendo documento de la calidad y el talento del grupo en vivo.
En los años sucesivos la banda se volvería a reunir en esporádicas ocasiones para conciertos benéficos los cuales tiene una acogida espectacular y consiguiendo recaudaciones millonarias para diversas causas.
En 1989 la formación original se reunió y publico “Cycles” en donde endurecieron su sonido y volvieron a cosechar un éxito abrumador.
El flojo “Brotherhood” (1991) y el mediocre “Sibling Rivalry” (2000) han sido los últimos capítulos destacados de esta formidable formación.
Posteriormente el recopilatorio “Listen The Music, The Best of” (1993) supuso otro éxito masivo de ventas que supero los cinco millones de copias.
En el 2004 el grupo fue incluido en el Hall of Fame y en el 2009 fue el grupo elegido para actuar en la final de la FedEx Orange Bowl (la Final del futbol universitario americano).

Boston

En 1976 el álbum debut de Boston asombro a propios y extraños debido al enorme éxito de críticas y ventas que supuso.
De este alucinante disco se llegaron a vender mas de seis millones de copias solo en los Estados Unidos en las tres semanas siguientes a la publicación del álbum y mas de 20 millones hasta en hoy en día a nivel global.
La historia de esta mítica banda comenzó a principios de los años 70 cuando un joven llamado Donald Thomas Scholz,(Tom Scholz), ingeniero mecánico que trabajaba como diseñador en la empresa Polaroid y que además era un entusiasta de la guitarra eléctrica, decide fundar un grupo, aprovechando a la vez su faceta de inventor, compositor, arreglista y productor.
Durante un tiempo compagino su trabajo con la grabación de maquetas en su propio estudio, el cual se había fabricado en el sótano de su casa.
Allí grabo innumerables demos, después de un meticuloso procedimiento de grabación, ya que el Scholz era un maniático de la perfección, buscando en todo momento el sonido adecuado, sobre todo las partes de guitarra.
Esto le lleva a inventar y perfeccionar un amplificador de guitarra que registra, llamado Rockman, (curiosamente el mismo procedimiento fue utilizado años mas tarde por Def Leppard para grabar su álbum Hysteria).
Scholz se ocupa de prácticamente todos los instrumentos en las sesiones de grabación, a excepción de algunos de ellos que fueran realizados por algunos músicos de sesión que había reclutado para la ocasión.
Estos músicos eran el cantante Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau, el batería Sib Hashian y el bajista Fran Sheehan, la cual constituye la primera y más exitosa formación de Boston.
De las maquetas resultantes, ocho son ofrecidos a la compañía Epic quien se interesa por el proyecto y le ofrece un contrato por varios álbumes.
Pero enseguida comienza una serie de disputas entre Scholz y la compañía que le propone volver a grabar las demos en un estudio profesional, algo que el propio músico se opone al considerar que ya estaban listas para ser publicadas.
Scholz para satisfacer en parte las demandas de Epic y para igualmente cumplir las normas sindicales de ingenieros autorizados, graba bastante material por muchos de los estudios de Los Ángeles, aunque solo una de las canciones grabadas en esos lugares fue a parar definitivamente al álbum final.
Finalmente prevalece la idea de Scholz y a excepción de algunos arreglos y el disco se regraba con la formación al completo en el estudio de grabación del propio Scholz.
El álbum “Boston” finalmente fue publicado el 25 de agosto de 1976 en los Estados Unidos y varios meses después en el resto del mundo, cuando este ya era un superventas aupado a las primeras posiciones del ranking norteamericano durante mas de nueve semanas consecutivas.
En este primer disco de vigoroso rock corporativo, el grupo ofrecía una escalofriante armonía y un asombroso trabajo de instrumentación que comenzaba con la espectacular y melódica “More Than a Feeling” que pronto es radiada hasta la saciedad en las emisoras FM y se convierte en uno de los clásicos del rock de todos los tiempos, además encontrábamos trepidantes momentos rítmicos como la espacial “Foreplay Long time”, la bulliciosa “Rock and Roll band”, la sofisticada “Smokin´” o la pegadiza “Let me take You Home Tonight”.
El álbum se convierte en una obra maestra digna de admiración por el fantástico trabajo y el talento de sus composiciones y de sus músicos, en especial la de Tom Scholz.
El álbum igualmente colabora enormemente al auge del AOR con una continua emisión radiofónica en las radios FM de todo el mundo, tanto de este disco como de otras bandas del género aprovechando el interés por el gran público por este estilo.
En vista del éxito Scholz se dedica plenamente a la música pidiendo una excedencia en la Polaroid y se enfrasca en un nuevo proyecto que le llevara dos años de intenso trabajo en busca de nuevos sonidos y componiendo lo que seria el segundo álbum.
Pero la meticulosidad y el perfeccionismo de Scholz no terminan de gustar a la Epic, que no ven con buenos ojos tanta tardanza en publicar nuevo material, presionándole continuamente con la edición de un nuevo disco.
Y así en agosto de 1978 se publica el segundo álbum “Don´t Look back”, no sin las quejas del propio Scholz que argumenta que es un material que aún le faltaba algunos retoques finales, pero que accede por presiones contractuales.
Este nuevo capitulo del grupo supone un ligero bajón compositivo y musical respecto al anterior álbum, que en cualquier caso alcanza el numero uno en las listas norteamericanas y los primeros puestos a nivel mundial con unas ventas de “solo” siete millones de álbumes.
El álbum resultante fue una copia de la formula del anterior disco que comenzaba con un tema que mas parecía sacados de aquel que otra cosa, la contundente “Don´t Look back”, que pronto escala las listas de éxitos, mientras “The Journey” era la lógica continuación de “Foreplay” con esa atmósfera espacial, “A Man I´ll Never Be”, era un melódica canción muy emparentada con “More Than a feeling” y "Party" era un calco del soft rock de “Smokin”.
Posteriormente la banda se embarca en un gira que culmina en el Rainbow Theatre de Londres y que resulta bastante discreta demostrando claramente que Boston son mas una banda de estudio que de directos.
Scholz descontento con el resultado final de “Don´t look Back”, emprenda acciones legales contra Epic, litigio que duraría bastantes años y retrasaría considerablemente la publicación de nuevo material.
En medio de todo este embrollo, Barry Goudreau decide abandonar la nave y publica un álbum en solitario en 1980 titulado homónimamente y que contó con la colaboración de Brad Delp y Sib Hashian, además de Fran Cosmo que posteriormente pasaría a engrosar las filas de Boston.
Mas tarde el propio Goudreau formaría la banda Orion The Hunter que junto al propio Cosmo, Brad Delp y el batería de Heart, Michael deRosier publicarían el álbum “The Hunter” (1984)
Volviendo a Boston, Goudreau fue sustituido por el guitarrista Gary Phil, a principios de 1982, mientras Fran Sheehan y Sib Hashían igualmente desertarían dejando a Scholz prácticamente solo.
Mientras tanto a mediados de los ochenta la CBS demanda a Scholz por la cuantía de 60 millones de dólares por la demora e incumplimiento de la entrega del nuevo material.
Finalmente la sentencia favorece a Scholz que inmediatamente después firma un contrato con la MCA Records publicaría el siguiente álbum “Third Stage” (1986), un trabajo que contiene el típico estilo de la banda pero con aires mas renovados adaptados al sonido de los años ochenta y que volvió a repetir el éxito de los anteriores discos colocándose inmediatamente en el numero uno en los Estados Unidos, pero con una ventas considerablemente inferiores.
El álbum contenía buenos momentos como la melódica “Amanda”, la contundente “Cool the Engines”, la sofisticada “To be a man” o la grandilocuente “Hollyann”.
Para este álbum la banda estaba conformada por Brad Delp, Jim Masdea y Gary Phil, además del propio Scholz.
Después de este álbum, Scholz decidió retirarse durante algún tiempo y poco tiempo después Delp junto a Goudreau fundaron el grupo RTZ que publicaron los álbumes “Return to Zero” (1992) y “Lost” (1998).
A principios de 1990 la justicia norteamericana vuelve a sentenciar a favor de Scholz y condena a la CBS a pagarle una multimillonaria indemnización por royalties impagados y por daños artísticos durante años.
El siguiente año salta la polémica al anunciar Tom Scholz que Nirvana había copiado los riff´s de “More Than a Feeling” para el tema “Smells Like Teen Spirit”, que termina por la reprimenda del propio Scholz a Kurt Cubain en los medios de comunicación sin llegar a entrar en los tribunales por decisión del propio Scholz.
Por fin en 1994 aparece el cuarto álbum de la banda “Walk On”, que consigue ser disco de platino a las pocas semanas de su lanzamiento.
En cualquier caso el álbum resulto tener un discreto éxito en comparación con sus antecesores, con un sonido que se había quedado algo desfasado en un momento en donde se habían producido cambios sustanciales en el entorno musical mundial, recibiendo por lo tanto malas criticas por parte de la prensa al enjuiciar al trabajo como un egocentrismo mas de Scholz.
Un trabajo este mucho mas apoteósico y algo anacrónico que contenía un mensaje social a favor de los animales, los niños y el maltrato a las mujeres, y que mostraba canciones como la pegadiza “Need your Love”, la armónica “Surrender to me”, la apasionada “Livin´for you” o la atmosférica “Magdalena”.
Para esta ocasión la banda contaba con Fran Cosmo en el rol de vocalista, Gary Phil a las guitarras, David Sykes al bajo, Doug Huffman a la batería, Bob Cedro a las guitarras rítmicas y Tom Scholz a las guitarras y demás instrumentos.
Los siguientes dos años la banda ya con Brad Delp nuevamente, se dedica a dar conciertos benéficos y donar grandes cantidades de dinero a fundaciones benéficas norteamericanas.
En 1997 Epic limada las asperezas, publico el recopilatorio “Greatest Hits” que contenía los clásicos de la banda mas algunos temas inéditos como “High Power”, “Tell Me” y una versión del himno norteamericano “Star Splangled Banner”.
A finales de 1998 Scholz puso en circulación en formato MP3 la canción “Corporate America” bajo el seudónimo de Downer´s Revenge, para sondear la acogida del publico, y la jugada le salió tan bien que varios años después publico el siguiente álbum titulado “Corporate America” (2002) que contaba con una extensa alineación de músicos como Fran Cosmo, Kimberley Dahme, Brad Delp, Anthony Cosmo o David Sykes.
En este trabajo Scholz presentaba la cara más amable de Boston con un álbum lleno de matices muy cercano al rock manistream, y muy lejos de los entramados sonoros y las brillantes cascadas guitarrísticas de antaño.
El álbum comienza con la rítmica “I Had a Good Time”, que nos adentraba en un trabajo que va perdiendo fuerza a medida que vamos pasando las pistas, “Stare out your Window”, un medio tiempo melódico o la rock “Corporate America”, además de la añeja “Someone”, son lo mejor de un buen álbum pero que paso algo desapercibido.
En marzo del 2007 Brad Delp apareció muerto en su casa en lo que aparentemente fue un suicidio.
A finales de ese mismo año se celebro un gran concierto en memoria del cantante con la participación de RTZ, Boston, Orion The Hunter, Extreme y Beatlejuice la banda de covers paralela que Delp comandaba y que había fundado para versionar temas los The Beatles, su pasión musical desde niño.
Un año después la banda hizo publico la decisión de seguir adelante en la memoria de Delp y la contratación de un nuevo vocalista, rol que recayó en el ex Stryper, Michael Sweet, que culmino la gira que el grupo tenia contratado.
Sweet fue sustituido a finales del 2008 por Tommy DeCarlo.
Tom Scholz por otra parte dirige su propia compañía Scholz Research & Development, una empresa dedicada a la exploración, desarrollo e investigación, también dirige una fundación benéfica The DTS Charitable Foundation, además de colaborar con Greenpeace y otras organizaciones no gubernamentales.
Según las certificaciones de la RIAA Boston ha vendido mas de 50 millones de discos en todo el mundo, la mitad de ellos solo en los Estados Unidos.