Psicodélia

A mediados de los 60 el rock tomó varias corrientes decisivas que fueron fundamentales en la historia del rock´n´roll, por un lado Bob Dylan introdujo el mensaje socio-político explícito; por otro las bandas británicas tales como los Rolling Stones y los Who que reflejaban la imagen de delincuentes juveniles de la década anterior, se promovieron el caos vocal e instrumental; y por otro grupos como The Beach Boys, The Beatles o The Byrds se dedicaron a experimentar en los estudios con arreglos excéntricos. Todos ellos encarnaron tres diferentes formas de usar la música como un vehículo: el poeta profundo, el punk callejero y los escultores de sonido. Los Rolling Stones y los Who personificaban el atributo eterno y universal de la juventud como era la rebelión. Los Beach Boys y los Beatles vivían tan apartados como era posible de su tiempo (la guerra de Vietnam, el movimiento de derechos civiles, el miedo al holocausto nuclear…etc). Bob Dylan era todo acerca de su tiempo y el mundo de su alrededor y usaba la música como un arma, contra todo lo que aparentemente era injusticia, los Rolling Stones y los Who lo usaban como un insulto, mientras que los Beach Boys y los Beatles estaban en parte indiferentes a la turbulencia ideológica. 
La convergencia de estos tres hilos profundamente diferentes, produciría el gran movimiento de la psicodélica, un estilo que reflejaba el espíritu de los tiempos, experimentaba con el sonido de estudio y que personificaba la frustración de la juventud.
La síntesis de 1966 fue alimentada por alucinógenos, como si las drogas fueran el punto de encuentro natural del poeta, el punk y el escultor de sonido. Lo más probable es que fuera una mera coincidencia: resulta que las drogas representaban el llamado de las armas unificado para esa generación. Podría haber sido cualquier otra cosa. Las drogas estaban convenientemente disponibles y simbolizaban lo opuesto a lo que las instituciones representaban (guerra, vida burguesa, disciplina, avaricia, religión organizada, valores morales anticuados).
Si uno tuviera que señalar un evento que materializara esta síntesis histórica tendría que ser mayo de 1966, cuando el “Blonde on Blonde” de Dylan apareció, un álbum doble (de por sí un alejamiento significativo del viejo formato), que irónicamente había sido grabado en Nashville (entre octubre de 1965 y marzo de 1966). Hasta entonces, todos los artistas de rock se habían ajustado dentro de las fronteras de la canción melódica de tres minutos de la música pop. Después de ese lanzamiento, sólo la música comercial convencional permanecería anclada al formato de la canción tradicional del Tin Pan Alley. Álbumes con "canciones" extensas y de formato libre empezaron a fluir desde Londres, Nueva York y Los Angeles: entre otros aparecerían el segundo álbum de los Fugs “Virgin Forest”, (grabado en enero y lanzado en marzo, así de hecho ganándole a Dylan), el doble álbum “Freak Out” de Frank Zappa (también grabado en enero y lanzado en julio), “Aftermath” de los Rolling Stones (grabado en Los Ángeles en marzo), “The Velvet Underground & Nico” de los Velvet Underground (grabado principalmente en abril y mayo), “A Quick One” de los Who (grabado en el otoño), el primer álbum de The Doors (grabado en el invierno), “Da Capo” de Love (lo mismo), etc etc. Muchos ellos habían sido grabados al mismo tiempo que la obra maestra de Dylan, señalando un cambio colectivo lejos de la canción pop.
Este cambio en la música rock (insertado en la síntesis histórica del poeta, el punk y el escultor de sonido) coincidía con el auge del "free jazz". El rock 'n' roll había nacido de la confluencia del blues y la música country, pero después de 1966 el blues y el country/folk se volvieron meros ingredientes, (dos de los muchos) de una receta mucho más compleja. Las sesiones extensas "ácidas" de los Velvet Underground, de los Jefferson Airplane, de los Grateful Dead y de Pink Floyd, descansaban en una infraestructura musical suelta que ya no estaba relacionada al rhythm 'n' blues o a la música country. Era de otra forma, muy similar al formato de la música jazz tocada en los desvanes y en los clubes en los que asistían muchos músicos de rock psicodélico, y que rápidamente se habían convertido en el segundo gran pilar de la contracultura, (el primero había sido el movimiento por los derechos civiles y el pacifismo). Básicamente, la influencia indirecta del free jazz se volvió prominente en la música rock durante la era psicodélica, alimentando su revolución musical y emancipando la música rock de sus base blues. Antes de 1966, la música rock había sido fundamentalmente parte de la tradición del blues, aunque muchos rockeros no quisieran admitirlo. Después de 1966, la música rock se volvió más parte de la tradición del jazz aunque igualmente esos mismos rockeros no quisieran admitirlo. 
En 1965, San Francisco, cuya escena se habían grandemente languidecido en los años de la música surf y del movimiento Greenwich, de repente se convirtió en una de las ciudades seguro, con mas síntesis en la nación. Los poetas de la generación "Beat" se fueron para allá. Los "Diggers" transformaron del distrito de Haight Ashbury en un "teatro viviente". Mario Savio fundó el "Free Speech Movement" en la Universidad de California en Berkeley, donde plantones y marchas fueron secundados por gente como Country Joe McDonald. Había agitación en el aire. En el verano de 1965 una banda de San Francisco, los Charlatans, y sus admiradores hippies tomaron posesión del "Red Dog Saloon" en Virginia City (Nevada), y comenzaron la idea de tocar una nueva clase de música para una nueva clase de audiencia. Los Warlocks (después se convertirían en Grateful Dead) fueron contratados por Ken Kesey para tocar en sus "pruebas ácidas" (fiestas LSD), donde la banda empezó a interpretarse sesiones mentales largas, meramente basadas en country, blues y jazz. En octubre de ese año, la Family Dog Production organizó la primera fiesta hippy en el "Long Shoreman's Hall". Siguiendo el éxito de ese "festival", se abrieron las puertas para las nuevas bandas de San Francisco que brotaron por todas partes. 1966 fue el "verano del amor". Ellos abrazaron los ideales pacifistas que habían sido promovidos por Bob Dylan, pero con luna menor posición política. Su filosofía de la vida (" paz y amor" y drogas) que era en muchas formas, consecuencia directa de lo que Dylan había predicado, pero también estaba mucho más cerca a la filosofía budista. Los hippies se reunían no para marchar, sino para celebrar, no para protestar sino para regocijo. La experiencia espiritual era prominente sobre la experiencia política. Esto representaba un cambio dramático desde los tiempos del rock 'n' roll, cuando la música era un (al final violento) acto de rebelión.
Los festivales de rock fueron inventados con el "Human Be-in" celebrado en enero de 1967 en el Golden Gate Park (la "reunión de las tribus"). El fenómeno hippy era interesante porque se convirtió en un movimiento de masas que se difundió rápidamente por todos los estados (y el mundo) pero que no tenía líder. Era un movimiento mesiánico sin un Mesías.
Básicamente, la música de los hippies era una evolución del folk-rock, renombrado "acid-rock" porque la idea original era que se proveía de una banda sonora para las fiestas LSD, una banda sonora que reflejaría tan cercanamente como fuera posible los efectos de un "viaje" LSD. Esta música era, de muchas maneras, el equivalente del rock de una pintura abstracta (Jackson Pollock), free-jazz (Ornette Coleman) y poesía beat (Allen Ginsberg). Estos fenómenos tenían en común una vaga estructura en cuál la forma "era" el contenido y una actitud de desdén por los antiguos valores estéticos. En lo musical esto significaba que la improvisación era tan importante, y aún más importante, que la composición. El principal invento del acid-rock fue el "jam" (sesión improvisada), la cual, está claro, había sido practicada por los músicos de jazz y blues. Los músicos de acid-rock, sesionaban en un contexto algo diferente: ellos ponían más énfasis en la melodía y menos énfasis en la ejecución virtuosa. La diferencia más visible (además de la raza de los músicos), era el rol líder de la guitarra eléctrica. Una diferencia más sutil era que el espíritu apasionado y dolido del blues fue reemplazado por un espíritu trascendental como zen. El arquetipo para el acid-rock fue de hecho grabado en Chicago, por el músico de blues blanco Paul Butterfield, el mítico album y obra maestra “East-West” (1966), una pieza extensa que fusionaba la improvisación afroamericana e hindú. Desde el punto de vista instrumental, el acid-rock seguía siendo por mucho un descendiente del rhythm 'n' blues, pero desde el punto de vista vocal era por mucho un descendiente de la música folk y country. Las melodías y las armonías eran inspiradas principalmente por la tradición blanca. 1966 fue el año de las sesiones: “Virgin Forest” por los Fugs, “East-West” de Paul Butterfield, “Up In Her Room” por los Seeds, “Going Home” por los Rolling Stones, “Sad Eyed Lady Of The Lowlands” por Bob Dylan, etc. En los años siguientes los músicos de rock grabarían muchas más piezas complejas y extensas.
Jefferson Airplane fueron una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos. Ellos no sólo abrazaron el espíritu y el sonido de la era hippy más que cualquier otra, sino que además contaban con un grupo de talentos formidables, que redefinieron el canto (Grace Slick), la armonización (Paul Kantner, Marty Balin), la forma de tocar el bajo (Jack Casady), el contrapunto de guitarra (Jorma Kaukonen) y la batería (Spencer Dryden) en la música rock. Sus primeros sencillos, “Somebody To Love” y “White Rabbit” (1967), ayudaron establecer el rock psicodélico como un género musical. La música de Jefferson Airplane era grandemente auto referencial, y su carrera es el perfecto documental de su generación. “Surrealistic Pillow” (1967), era un manifiesto de la generación hippy, “After Bathing At Baxter's” (1967), uno de los más grandes logros artísticos de la era psicodélica, fue el álbum que rompió con los convencionalismos del formato de la canción y de los arreglos pop. “Volunteers” (1969), su obra maestra suprema, fusionó la tendencia del retorno a las raíces (tanto musical como moral) y la tendencia hacia la política de línea dura. “Blows Against The Empire” (1970) fue una mirada nostálgica a los ideales de las comunas y un tributo utópico a la edad espacial. “Sunfighter” (1971) es un regreso adulto y solemne al formato de la canción y la naturaleza. Su "atractivo mercado-técnico" era precisamente que ellos representaban (y practicaban) una nueva forma de vida. Desafortunadamente, pocos de sus álbumes figuran entre las obras maestras del rock porque fueron limitadas fundamentalmente por un formato orientado hacia la canción que ellos raramente desafiaron, (distinto a, digamos, The Grateful Dead). Jefferson Airplane fueron parcialmente aceptados por las instituciones porque ellos seguían viviendo en el mundo de la música pop, porque las raíces folk y blues seguían visibles, porque la melodía seguía en el centro de la masa.
Otros estaban reaccionando en contra de todo lo mencionados anteriormente. The Grateful Dead, considerado por muchos como "la mas grande banda de rock de todos los tiempos” (sobre todo los norteamericanos, los cuales les adoran de manera asombrosa), fue un monumento a la civilización hippy de San Francisco, y, en general, un monumento a la civilización psicodélica de los 60. Su más grande invento fue la sesión de grupo extenso y de forma libre, el equivalente en el rock de la improvisación en el jazz, en el cual la sesión canalizaba la angustia de las personas afroamericanas, las sesiones del Grateful Dead era la banda sonora de los "viajes" LSD. Pero pronto vinieron a representar una ideología entera de evasión de las instituciones, de libertad artística, de un estilo de vida alternativo. Contrario a su imagen de drogadictos e inadaptados, los Grateful Dead fueron uno de los grupos más eruditos de todos los tiempos, conscientes de las composiciones atonales de la vanguardia europea y de la improvisación modal del free-jazz así como los ritmos de otras culturas. Se las ingeniaron para transformar el feedback de guitarra y medidas extrañas, en el equivalente del rock de instrumentos de cámara. Las escalas infinitas ascendentes y descendentes de Jerry Garcia están entre las empresas más titánicas que se hayan intentado en la música rock. Los Grateful Dead nunca vendieron muchos discos. Su formato preferido fue el concierto en vivo, y no el álbum. Ellos literalmente redefinieron lo que es la "música popular": el concierto en vivo, el día a día y sus manifestaciones en directo contra el capitalismo, removiendo el plan de negocios del entretenimiento. Sus obras maestras grabadas, “Anthem Of The Sun” (1968), “Aoxomoxoa” (1969) y “Live Dead” (1969), son meras aproximaciones de su arte. “Anthem Of The Sun” fue refinado en el estudio usando toda clase de efectos y técnicas. La banda miraba a Karlheinz Stockhausen, John Cage y Morton Subotnick (y no a Chuck Berry) para su inspiración. Los blues de los Dead y las raíces country fueron horriblemente desfiguradas por despliegues alucinógenos, desintegrando así la estructura de la canción y su desarrollo. Cada canción era de un sonido apabullante. Los obsesivos tiempos del ritmo de la batería reproducen las pulsaciones de un viaje LSD; la electrónica pintaba panoramas de pesadilla y alucinaciones; los teclados gemían tenebrosos y misteriosos, como fantasmas prisioneros en catacumbas; las guitarras perforaban las mentes y liberaban sus sueños en el cielo; las voces flotaban serenas sobre la vorágine. Los arreglos sobrevolaban con bocaditos de clavecín, trompetas, celeste, etc. pero sobre todo el sentimiento era de angustia, realzado por la selva de disonancias y percusiones. Sus improvisaciones eran extensas y sonaban como música de cámara para los drogadictos ebrios. (El crédito es para el productor Dave Hassinger por sobreponer diferentes ejecuciones y crear un sentido "multi-dimensional", una versión extrema del "muro de sonido" de Phil Spector). El ritmo y la melodía se habían convertido en puros accesorios. “Aoxomoxoa” (1969) reparó parte del daño, al retroceder al formato tradicional de la canción. “Live Dead” alcanzó su dimensión propia con canciones tales como “Feedback”, un "viaje" monolítico extenso por la guitarra de Garcia, y “Dark Star”, la sesión terminal de los Dead y el canto del cisne del acid-rock. Al mismo tiempo, sin embargo, su sesiones en formato de libre nación con una filosofía que seguía siendo profundamente estadounidenses. Nacieron en la frontera entre la cultura individualista y libertaria del colonizador y la cultura comunal y espiritual de los cuáqueros. A pesar de haber sido excluidos por la industria, The Grateful Dead expresaba, mejor cualquier otro músico de esa época, la quintaesencia de la nación estadounidense, y quizás esa era precisamente la razón de que su musical resonara también en el alma de la juventud estadounidense. No es una coincidencia que los Grateful Dead, junto con los Byrds y Bob Dylan, llevaran el movimiento hacia el country-rock, via “Workingman's Dead” (1970) y el álbum solo “Garcia” de Jerry Garcia (1972). La banda pasó sus años adultos tratando de transformar el idioma cultural de los hippies, en un lenguaje universal que pudiera alcanzar cualquier rincón del planeta (no solamente las comunas hippy). Ellos lograron un gran éxito con una forma de muzak intelectual la cual interpretaba el viaje lisérgico como un escape catártico de la realidad cotidiana y la liberación de la neurosis urbana: “Weather Report Suite” (1975), “Blues For Allah” (1975), “Shakedown Street” (1978), “Althea” (1979). En la práctica, su arte era una investigación psicológica en la relación entre los estados alterados de la mente (alucinaciones psicodélicas) y los estados alterados de la psique (neurosis industrial).
Las primeras bandas de San Francisco tenían que vérselas con una industria discográfica que completamente los malinterpretaban. Las grandes compañías morían por explotar el fenómeno hippy, pero se resistían a la música extraña que esos hippies estaban tocando. A los productores se les pagaba específicamente para destruir el sonido original y "normalizar" las sesiones (en otras palabras, para "Beatle-izar" el acid-rock).
Mientras las anteriores escenas de música, alrededor del mundo habían girado alrededor de un estilo específico (tales como el Mersey-beat o el rhythm 'n' blues o la música surf), la bahía de San Francisco se convirtió en el lugar en donde todo era permitido. De hecho, por mucho la única cosa que no se permitía, era copiar el sonido de alguien más. La originalidad era obligatoria, el talento era opcional.
Y así surgieron bandas tan originales como extrañas, al menos al principio, para el habitual sonido pop de aquello años.
El álbum grabado en 1967 por los Charlatans, “The Charlatans”, no fue lanzado sino hasta diez años después (1977), pero las canciones salieron como una serie de sencillos de edición limitada a finales de 1966 y principios de 1967.
Kaleidoscope estaban entre los más arriesgados con la fusión de la música country, jazz, cajun, Medio Oriente, India, flamenca, gitana y sudamericana propuesta en “Side Trips” (1967) y en “A Beacon From Mars” (1968), la última incluía “Taxim”, (posiblemente la obra maestra de raga-rock de todos los tiempos).
Electric Flag de Mike Bloomfield debutó con “Trip” (1967), una mezcla bizarra de electrónica, ruido, psicodelia, country, ragtime y blues.
Moby Grape abrazó el espíritu casual y mágico de la sesiones ácidas en “Grape Jam” (1968), destacando Mike Bloomfield y Al Kooper (ambos colaboradores de Dylan), en el álbum solo de Alexander Spence “Oar” (1969).
Quicksilver Messenger Service, una de las bandas más grandes de sesión en la escena del acid-rock, enlazaron el acid-rock de San Francisco, el sonido garage del noroeste y el rhythm ’n’ blues de Chicago, particularmente en “Happy Trails” (1969), del cual las canciones más extensas son audaces cabalgatas pan-estilísticas que toman el blues como el punto de inicio pero buscan el interiorismo humano.
Mad River fueron también influenciados por el blues en “Mad River” (1968) y “Paradise Bar And Grill” (1968).
Blue Cheer, por el otro lado, tocaban el blues-rock con inusitada violencia: “Vincebus Eruptum” (1968) introdujo un sonido terrorífico (guitarra ensordecedora y amplificación del bajo), que desafiaba a toda la ideología "hippy" y precedía al stoner-rock 25 años antes.
Steppenwolf desencadenó dos de los himnos más importantes de este fuerte y rápido acid-rock: “Born To Be Wild” (1968), que contenía la expresión "heavy metal" que identificaría un nuevo género y “Magic Carpet Ride” (1968).
Al otro lado del espectro, Fifty Foot Hose, una de las más experimentales bandas de los 60, y una de las primeras en emplear electrónica para enlazar la música rock y la de vanguardia, grabaron “Cauldron” (1968), desafiando la atmósfera plácida del acid-rock con los sonidos cacofónicos y caóticos de su sesiones apocalípticas y "enloquecedoras" (“Fantasy”).
Cuando esas bandas alcanzaron los estudios de grabación, la era dorada del acid-rock había terminado gracias a dos eventos altamente publicitados en el verano de 1967: el festival de Monterrey (que legitimó el formato) y el álbum “Sgt Peppers” de los Beatles (que legitimó el sonido). Durante ese verano lo "alternativo" se convirtió en "convencional". El espíritu anti comercial del acid-rock se convirtió en una contradicción de términos. El año siguiente, las bandas hippies abrazaron el country-rock y regresaron al formato tradicional de la canción.
Había una razón sociopolítica para el fallecimiento súbito del movimiento hippy. Los hippies nunca habían representado verdaderamente a la clase intelectual. Ellos habían representado al joven promedio de la clase media, quien era temeroso de ser llamado al servicio militar para la guerra de Vietnam y soñaba con un mundo sin armas nucleares. Los intelectuales de izquierda tenían diferentes prioridades, y estaban suscritos a la noción de que algún grado de guerrilla urbana era necesario para poder cambiar las instituciones. Los hippies eran sólo una de las facetas de la contracultura. En 1968 la marea se alzaba, y las protestas violentas se hicieron más populares que las pacíficas. El movimiento de paz fue secuestrado por revolucionarios de un orden distinto, y su banda sonora (acid-rock) se volvió anacrónica.
Pero no solo San Francisco y sus alrededores coparon el movimiento psicodélico...New York, Los Ángeles y Londres fueron caldo de cultivo para otras muchas bandas que abordaremos mas adelante.

Spirit

Fundamental y mítica banda norteamericana que con un estilo de Hard Rock combinado con el acid-rock y la psicodelia de finales de los 60 y sazonado con elementos jazz, blues y una pizca de folk, se convirtieron en una de las bandas de culto en el mundo del rock´n´roll.
Por esta combinación el grupo obtuvo grandes elogios en la segunda mitad de la década de los '60, siendo “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus”, su mejor obra, un álbum de gran ambiente progresivo y todo un clásico del rock.
Formados originalmente en 1967 por el batería Ed Cassidy, el guitarrista Randy California, el bajista Mark Andes, el teclista John Locke y el cantante Jay Ferguson.
Descubiertos por el productor Lou Adler, este los ficha para su sello Ode y les consigue contrato de distribución discográfica con Epic, a mediados de 1968 publican su primer álbum “Spirit”, que les revela como uno de los mejores grupos de la segunda generación de la West Coast, que a diferencia de los discos posteriores, mostraba un predominio casi absoluto de Jay Ferguson como compositor y cantante. Esto cambiará en las sesiones de grabación del siguiente álbum, el sensacional “The Family That Plays Together” (1968), en el que las canciones compuestas y cantadas por Randy son casi tan numerosas como las de Ferguson y en el que destacaban los temas “I Got A Line On You”, con uno sonido cercano al jazz y al rock más duro de la época y el riff característico de Randy California y “The Smiles”, un tema de corte psicodélico.
“Clear” (1969), confirma la calidad del grupo que mantiene muy alto el pabellón compositivo de la banda.
Pero será “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970) el álbum que les encumbra a nivel internacional.
Una obra maestra del rock en donde las armonías vocales perfectas, las guitarras vibrantes, la producción imaginativa y los arreglos de viento hacen del disco incapaz de envejecer con el paso de los años.
Desde la folk “Nature´s Way” hasta la atmosférica “Space Child”, pasando por la conceptual “Prelude-Nothin´to hide” o la glamurosa “Morning Hill Come”, conformaban un álbum apabullante.
Pero el éxito de este álbum trae igualmente problemas internos, lo que precipita la disolución del grupo y así Andes y Ferguson abandonan para formar la banda Jo Jo Gunne publicando los álbumes “Jo Jo Gunne” (1972), “Bite down hard” (1973) “Jumpin´the Gunne” (1973) y finalmente “So…where´s the show” (1974).
Por su parte Randy California después de sufrir un accidente publica el disco “Kaptain Kopter and the Twirlybirds” (1973).
Mas tarde Locke y Cassidy reforma a Spirit con Al y Christian Staehely con los que publican el mediocre “Feedback” (1971), lo que precipita la ruptura definitiva.
Algunos años después California y Cassidy vuelven a reflotar al grupo junto a Larry Knight y graban los álbumes “The Spirit of´76” y “Son of Spirit” ambos de 1975.
Un año después la formación original vuelven a unirse para iniciar la segunda etapa de la carrera del grupo que se inicia con el álbum “Farther Along” (1976) que será continuado con “Future Games” (1977), que pasan bastante desapercibidos por el gran público.
Randy California abandonaría esta aventura publicando junto a Cassidy los trabajos “Live” (1977) y “Potatoland” (1981).
Un año después la formación original volvería a los ruedos con el álbum “The Thirteenth Dream”, que fue publicado en los Estados Unidos como “Spirit of´84”.
“Rapture in the Chambers” (1988), “Tent of Miracles” (1990) y “California Blues” (1996) fueron mediocres parodias de una era ya pasada que sin embargo mostraba a un Randy California en plena forma.
Pero en 1997 mientras practicaba surf y después de salvarle la vida a su hijo, Randy California muere ahogado en un desgraciado accidente.
A partir de ahí los directos y recopilatorios se han publicado por doquier, entre los que destacan “Live at the Rainbow” 1978 (2000) o “Chronicles 1967-1992” (1992).
En el año 2007 se publicaría la box-set “The Euro-American Years” 1979-1973 con cuatro cd´s con material de Randy California en solitario.

Skin Alley-To Pagham and Beyond (1970)

Desconocida para el gran público, Skin Alley fueron una banda de rock progresivo que permanece aún en los oídos de unos pocos afortunados que conocieron de su música en el periodo que duro su carrera comprendida desde 1968 hasta 1974.
Formados originalmente en Londres, el grupo se componía de Bob James a las guitarras, saxo y flautas, Krzysztof-Henryk a los teclados, Thomas Crimble al bajo, y Alvin Pope a la batería y su estilo venia cargado de jazz, folk, blues y rock.
Hacia mediados de 1968 el grupo consigue un contrato con la CBS quien les produce y publica su primer álbum “Skin Alley” (1969), trabajo que contenía nueve buenos temas como “Marsha” o “All Alone” y que fueron producidos por el guitarrista de los Pretty Things, Dick Taylor.
El álbum era una brillante combinación de arreglos de teclados y una buena sección rítmica con unas memorables apariciones de la guitarra y un sonido de flauta en muchos casos excitante.
Los siguientes meses el grupo se embarca en una gira por Gran Bretaña participando en multitud de festivales en donde dan rienda suelta a sus interminables jams con solos de guitarra, saxos y mellotrones, proporcionando a su música un sonido lleno de matices y diversidad sonora.
Un año después llegaría su segundo trabajo “To Pagham and Beyond”, en donde continúan brillantemente con el rock progresivo-jazz fusión de su primer trabajo con largas y complejas composiciones en donde todos los temas del álbum sobrepasan los seis minutos de duración de los cuales sobresalían “Take Me To Your Leader’s Daughter” o “The Queen Of Bad Intentions”.
A finales de ese mismo año Crimble abandona la nave para unirse al grupo Hawkwind y es remplazado por Nick Graham que provenía de los Atomic Rooster y poco después Pope haría lo mismo y su lugar lo ocuparía Tony Knight.
Estas deserciones mermarían considerablemente la brillante continuidad del grupo y así en 1972 se publicaría el discreto “Two Quid Deal” bajo el sello Trasantlantic y un año después el complejo por su abuso de arreglos orquestales y comercialidad “Skintight”.
Estos últimos álbumes fueron publicados por el prestigioso sello Stax para el mercado norteamericano.
Pero el grupo a pesar se su enorme calidad y talento terminaran sucumbiendo y desapareciendo a principios de 1974, dando así por finalizado su corta pero interesante carrera.
Estos últimos años el sello Eclectic Records ha reeditado toda la discografía del grupo, añadiendo temas extras a las versiones originales haciendo así un poco de justicia a esta desconocida banda que no defraudara a los buenos aficionados al progresivo.

Foghat

Este grupo de origen inglés pero de éxito y radicación estadounidense, se forma en 1970 partiendo de una de las ramificaciones del grupo de blues-rock Savoy Brown, con tres de sus miembros: Lonesome Dave Peverett (guitarra y voz), Roger Earl (batería) y Tony Stevens (bajo), a ellos se sumaria el guitarrista Rod Price.
Foghat, lejos de estancarse a lo instaurado por la conocida como “British Blues Invasión” que practicaban Savoy Brown, se americanizaron con su sonido, endurecen su estilo y consiguen crear una compacta propuesta que de inmediato da sus frutos.
Después de conseguir un contrato con el sello Bearsville y bajo la producción de Dave Edmunds, entran en el estudio para grabar su primer álbum que se publica en mayo de 1972 con el titulo de “Foghat”, que les convierten en una banda de excelente reputación de hard rock y boggie rock y que gracias a unos incendiarios directos consiguen un asentamiento triunfal en los Estados Unidos, en este primer trabajo la banda homenajea a su pasado blues con una excelente versión del tema de Willie Dixon “I Just want to make love to you” y otra mas otra de Chuck Berry, “Maybellene”, comenzando de esta manera la costumbre de incluir versiones en todos sus álbumes, o por lo menos en sus primeros años.
Continúan su línea de calidad con el espléndido “Foghat: Rock and roll” (73), al que le sigue “Energized” (74) uno de sus mejores álbumes y su primer disco de oro en USA. “Rock and roll outlaws” (74) se edita posteriormente y coincidiendo con la marcha de Stevens, sustituido por Nick Jameson, con el que se graba “Fool for the city” (75). A Jameson le reemplaza Craig MacGregor (bajo y voz).
El grupo, en la segunda mitad de los 70 continuaría editando buenos álbumes con “Night shift” (77), “Live” (77), “Stone blue” (78), “Boogie motel” (79) y “Tight shoes” (80).
La década de los ochenta empezaría con una serie de mediocres trabajos lejos de los enérgicos y excelentes álbumes de los 70.
Así se publicarían “Girls to Chat & Boys to Bounce” (81), “In the mood for something rude” (82) o “Zig-Zag Walk” (83).
Después de este ultimo trabajo la banda se disuelve y cada uno de sus miembros toman rumbos diferentes, por un lado Roger Earl forma The Kneetremblers y Dave Peverett se retira de la música.
Hasta que en Earl reactiva el grupo y emprende una gira mundial que obtiene un éxito masivo gracias al auge del hard rock de finales de los ochenta.
Observando este hecho Peverett igualmente hace lo mismo y en un momento dado se dio la curiosa situación de que existían dos bandas paralelas llamadas Foghat.
Esta estrambótica situación termino cuando ambas formaciones se unieron y a mediados de los 90 la formación original publica el álbum “Return of the Boggie”, que obtiene una meritoria aceptación por parte del publico y la critica.
Después de unos años de estabilidad con constantes y exitosas giras Lonesome Peverett fallece en el año 2000 víctima de un cáncer diagnosticado tiempo atrás.
Los restantes miembros deciden continuar en memoria de uno de los fundadores del grupo y reeditan el directo “Road Cases” grabado unos años antes.
“Family Joules” (2003) y “Last Train Home” (2010) han sido los dos últimos trabajos del grupo.
Pero antes en el 2005 Price fallecería después de un accidente en su domicilio y sufrir posteriormente un ataque al corazón.
Price había publicado varios trabajos en solitario en donde demostraba su pasión por el blues como “Open” (202) y “West tour” (2003).
A mediados del 2007 se publica “Live II”, una especie de continuación al exitoso y fantástico directo grabado en 1977, que obtiene un éxito absoluto en los Estados Unidos con unas ventas multi-platino.
Foghat además presume de ser uno de los grupos en activo que mas directos tiene publicados, con más de una docena de discos entre los que sobresalen “Rock and Road Outlaws” (2009) o “Live in Chicago” de 1981,
Actualmente la banda sigue girando preferentemente con gran éxito por Estados Unidos, Reino Unido y Japón y recientemente publicaron el directo “Not Live at the BBC”.

Mountain

Cuando a finales de 1968 el grupo Cream se disuelve, su productor Felix Pappalardi regresa a los Estados Unidos para trabajar para la Atlantic Records como jefe de producción de los estudios de New York.
Y es en esa ciudad en donde descubre a una banda llamada The Vangrants, en la que destacaba un guitarrista llamado Leslie West, que era tan brillante por su técnica como espectacular por su peso y dimensiones.
Sin dudarlo Pappalardi se convierte en su productor y en 1969 aparece el álbum en solitario del guitarrista “Leslie West Mountain”.
El álbum consigue acaparar las expectativas puestas en el y el propio West y Pappalardi deciden unir fuerzas y formar el grupo Mountain.
La primera formación comprendía además de Pappalardi que se encargaba del bajo y a West de las guitarras, se encontraba Steve Knight a los teclados y Norman Smart a la batería.
La identificación de Pappalardi con Cream hará que la banda surja como unos dignos sucesores y herederos del sonido de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce.
La participación del grupo en el festival de Woodstock en 1969 les consagra definitivamente arrastrando tras de si una amplia legión de seguidores y todo esto sin haber publicado ningún álbum hasta esa fecha.
Después de dicho festival el batería Smart abandona el grupo siendo sustituido por Corky Laing quien se convertiría en colaborador inseparable de West hasta nuestros días.
En 1969 aparece el primer álbum de Mountain titulado “Mountain Cimbling”, al que seguirán “Nantucket Sleighride” (1971), “Flowers of Evil” (1971), “Live : The Road goes ever on” (1972), y “Best of Mountain” (1973).
Entre estos trabajos se encontraban los hits “Mississippi Queen”, “For Yasgur´s Farm”, (tema de dedicado a Max Yougur, el hombre que cedió los terrenos de Woodstock para que se celebrara el festival) o “The Animal trainer and the toad”.
Pero la aventura de Mountain se acaba a finales de 1972 y Pappalardi opta por volver a su trabajo como productor en New York.
Por su parte Leslie West y Corky Laing forman junto a Jack Bruce el grupo West, Bruce and Laing el cual intenta reverdecer la leyenda de la mítica banda.
Pero este power trío no termina de cuajar y después de varios álbumes; “Why Dontcha” (1972) y “Whatever turns you on” (1973) se separan justo cuando su compañía discográfica publicaba el directo “Live ´n´Kickin” (1973).
Después de esta desafortunada aventura, Leslie West reforma a los Mountain y publica el álbum “Avalanche” (1974) que obtiene malas críticas y peores ventas por lo cual decide continuar en solitario.
Y así en 1975 se publica su segundo álbum en solitario “The Great Fatsby” y un año después funda su propia banda Leslie West Band con Corky Laing y Ken Ascher y otros músicos alternativos.
El primer trabajo de esta nueva banda “The Leslie West Band” (1976) tampoco rememora los éxitos de Mountain y se retira temporalmente de la escena rock.
Un año después se publico el doble álbum en directo de Mountain “Twin Peaks”, grabado años atrás en Japón.
Algunos años después, en 1983, Felix Pappalardi seria asesinado por disparos de su propia esposa Gail Collins Pappalardi, quien había compuesto algunos temas de Cream y de los propios Mountain años atrás.
No seria hasta 1985 cuando Leslie West decide volver a reactivar a los Mountain publicando el álbum “Go for Your Life”.
Varios años después West continúo con su carrera en solitario con el álbum “Theme” (1988), un disco de versiones en donde contaba con Jack Bruce al bajo.
En los años siguientes la carrera de West se vio favorecida por una serie de trabajos muy meritorios, muchos de ellos enfocados al blues-rock como “Alligátor” (1989), “Night of the guitar-Live” (1989) o “Dodgin´The Dirt” (1994).
En 1996, diez años después de su ultimo trabajo al frente de Mountain, el grupo publica “Man´s a World”, al que seguirán “Mystic Fire” (2002) y “Master of War” (2007), este ultimo un disco tributo a Bob Dylan, trabajos todos ellos que alternaban con publicaciones en solitario como “As Phat as it Gets” (1999), “Blues to Die For” (2003), “Guitarded” (2005) o “Blue Me” (2006).

Omega

Omega es una legendaria banda húngara de hard rock progresivo que logro sus mayores éxitos en el periodo que comprendió desde 1969 hasta 1980, algunos de sus miembros han seguido igualmente unas carreras en solitario paralelas al grupo, como por ejemplo el teclista Laszlo Benko, quien tiene publicados varios álbumes de música electrónica. Originalmente fundados a principios de los 60 son considerados la mejor banda húngara de la historia, en donde aún son venerados como unas leyendas. Omega fue formada en 1962 en Budapest, por János Kóbor cantante, György Molnar guitarrista, László Benkö teclados, Tamas Miháy bajo y Ferenc Debrecen batería.
Esta formación cambio varias veces durante los años del grupo. Como muchos otros grupos de rock de la década de los 60, su estilo germinal consistía en versiones de temas conocidos de las bandas británicas más punteras de la época, hasta que a mediados de 1967 comienzan a componer su propio material y definir su propio estilo con claro acento psicodélico de jazz & rock.
Omega tiene una extensa discografía ya que publicaron numerosos trabajos en el idioma húngaro y solo editados en su país, e igualmente existe otra cantada en ingles que es la que se podría denominar más interesante y oficial, a ella se suman cantidad de discos no oficiales, compilaciones y álbumes en vivo.
Durante una gira por el país magiar de la Spender Davis Group, el manager de estos, John Martin descubre al grupo y queda fascinado por el talento del mismo
En 1968 el propio Martin les consigue un contrato con el sello británico Decca y viajan a Gran Bretaña para grabar su primer álbum que pronto se convertiría en su primer disco de oro “Omega red Star from Hungary” (68). Un año después aparece el álbum “10,000 lépés” .
En este trabajo ya se podía entrever hacia donde se encaminaba el estilo del grupo, que con una sólida base en la raíces populares, trataban temas místicos y de leyendas tradicionales, desde el blues psicodélico de “Tuzvihar”, hasta la sinfónica “Gyongyhaju Lany” o el boogie rock “Az 1958 boogie-woogie klubban”.
A pesar del hecho de que Hungría era uno de los primeros países disidentes del satélite social comunista y que bajo un nuevo mecanismo económico de José Kadar, puso en ejecución económicamente al país en 1966, habiendo establecido una censura de cualquier canción que fuera de cualquier material sensible o que juzgara o dañara la ideología del estado. Esto tenía pros y contras para el grupo. Uno tiene que considerar que era la época cuando los Beatles o Bob Dylan cantaban sobre una revolución, o Amon Dull y Floh de Cologne hacían una declaraciones musicales contra la política, esto no era muy bien visto en un estado comunista como Hungría
Poco después el grupo decide fichar por el sello alemán Bellaphon especializado en grupos progresivos y de krautrock.
En el álbum “Omega” (1973) el grupo derivo su sonido hacia el terrenos mas hard rock con incursiones al rock sinfónico con muchas dosis de mellotrón, en cambio con el siguiente disco “200 Years after the last war” (1974) el grupo entra en una espiral mucho mas progresiva y en donde destacaban temas como “Suite”, un largo tema progresivo o el space rock “Help To Find Me”.
Los siguientes años el grupo ira publicando una serie de buenos álbumes enfocados mayormente al rock progresivo como “Omega III” (1974), “The Hall of floaters in the sky” (1975) o “Time Robber” (1976) y así hasta llegar a “Skyrover” (1978) y “Gammapolis” (1979), sus últimos grandes discos.
A partir de aquí el grupo entraría la década de los ochenta con grabaciones de menor entidad, que sin embargo fueron cosechando un aceptable éxito en su país, así como en la Alemania Oriental y otros países europeos.
Es en esta década cuando el grupo entabla relaciones con la banda germana Scorpions y junto realizan asiduamente giras por Europa, elevando aún mucho mas la popularidad del grupo.
El grupo durante la década de los noventa realizo continuas giras europeas con espectaculares conciertos algunos de ellos ante más de 80.000 personas en ciudades como Budapest o Kosovo.
En cuanto a su discografía han seguido publicando regularmente álbumes siendo “Omega XV” (1998), “Babylón” (2004) y “Egi Jel” (2006), los últimos editados hasta la fecha.
Ahora hacen 50 años de historia, un grupo que pasó de hacer versiones de rock and roll psicodélico de la época, a erguirse renacientes como una banda de hard rock progresivo comercial y con matices sinfónicos, heredando testimonios a lo largo de cada década desde finales de los 1960 y hasta mediados del 2000, para convertirse en una súper-legendaria, la cual aún hoy en día son muy recordada por los buenos aficionados al rock progresivo y al rock en general.

Paladin

Paladin fue una efímera y fugaz banda que aunque solo publicaron dos álbumes donde dejaron constancia de una gran calidad, son considerados unos clásicos del hard rock progresivo.
Formados en la ciudad inglesa de Gloucestershire a mediados de 1970, Paladin se convertiría en poco tiempo en una innovadora e interesante banda de principios de los años 70 en el mundo del rock.
Sin embargo la idea original fue concebida en Nueva York unos años antes por Peter Solley y Keith Webb, teclados y batería respectivamente, quienes pertenecían a la banda de Terry Reid y que en esos momentos estaban de gira junto a The Rolling Stones.
A la vuelta a Inglaterra ambos músicos abandonaron la banda para formar una propia y reclutaron a los ex–Crisby Dyke, Derek Foley (guitarra) y Lou Stonebridge (voz, teclados y armónica), además del bajista Peter Beckett.
Durante meses ensayaron para engrasar y pulir un estilo ecléctico que fusionaba rock, jazz, blues y elementos de la world music, consiguiendo un sonido dinámico y directo.
Ya en 1971 consiguen un contrato con el recién estrenado sello Bronze que ya contaba en sus filas con dos prometedores grupos como eran Uriah Heep y Osibisa.
Y así a mediados de ese mismo año se publica el primer álbum de la banda titulado simplemente "Paladin", grabado íntegramente en los estudios Olympus de Londres.
Este álbum contenía temas muy meritorios como “Bad Times”, “Third World” o “Flying High”, que confirmaban la calidad del grupo.
Un año después llegaría su segundo y ultimo trabajo “Charge!”, que seria aclamado unánimemente por la critica como una de las obras maestras del genero progresivo de los años 70.
En este nuevo álbum Roger Dean seria el encargado de diseñar la portada, algo que ayudaría aún mas a la popularidad del grupo, dicha portada se convertiría en todo un clásico de la propia factoría de Roger Dean, el cual llego afirmar que esta era una de sus obras preferidas.
Pero sin embrago “Charge!” era un trabajo mucho mas diverso y ecléctico que el primero en donde el grupo se adentraba tímidamente en los terrenos del folk fusionándolo con toda la amalgama de estilos característicos que ellos dominaban, temas como la desenfrenada suite “Watching the World pass”, la progresiva “Max your mind with moonbeams”, la rítmica “Good road” o la sinfónica “Get one together”, confirmaron definitivamente al grupo entre los grandes del rock de principios de la década.
El grupo tendría una gran repercusión en países como España, Italia o Alemania, además de su país natal Inglaterra, donde aglutinaron una amplia legión de fans.
Pero poco después el abandono de Stonebridge y Foley precipito la disolución de la banda.
Años después se publicaría en recopilatorio “Jazzattack” (2002) con material inédito que nunca fue grabado, y que mostraba la cara más jazzistica del grupo.
Peter Beckett en adelante pasaría a formar parte del grupo Player y posteriormente se uniría a la Little River Band, además de grabar para otros artistas como Kenny Rogers o Temptations, igualmente Derek Foley se uniría al grupo The Navadas and Merv´s Bardots.
Por su parte Peter Solley pasaría a engrosar las filas de los primeros Whitesnake en 1978 y colaboraría en álbumes de Eric Clapton, Peter Frampton, Motorhead o Ted Nugent entre otros, además de dirigir su propia discográfica.
Por ultimo Keith Webb fallecería en el 2007 a la edad de 73 años.

American Flyer

American Flyer fue un efímero supergrupo norteamericano fundado a mediados de los 70 por cuatro talentosos músicos como eran Doug Yale, Craig Fuller, Eric Kaz y Steve Katz  provenientes de otras legendarias bandas como Velvet Underground, Pure Prairie League, Blue Magoos, The Blues Project y Blood Sweat & Tears respectivamente.
Todos ellos con una amplia base en los movimientos musicales de finales de los sesenta como el folk, el blues y el country.
Su prometedor debut fue el álbum “American Flyer” (1976), un trabajo de country rock suave con buenas melodías y bastante melancólico que en parte seguían la senda marcada por otras bandas como America o The Eagles.
Un año después el grupo prosigue en la misma línea con “Spirit of a Woman” (1977), trabajo claramente marcado por el talento de los cuatro músicos y una producción impecable de George Martin y en donde colaboraron activamente J.D.Souther y Linda Ronstadt.
Sin embargo el cuarteto se separa en parte debido al escaso éxito obtenido y por que algunos de sus miembros buscaron otras alternativas mas provechosas.
Así Steve Katz posteriormente pasaría a ser vicepresidente de la compañía Mercury Records a la vez que su afición por la música de raíces irlandesas le lleva a producir a The Horslips y al sello especializado en música celta Green Linet.
Katz se volvería a subir a un escenario en el año 2007 en la reunión de su ex banda de los 60 Blood Sweat and Tears.
Por su parte Eric Kaz compuso grandes canciones para otros artistas como “Hans no pride” de Linda Ronstadt, o la música de bandas sonoras para films de Brian de Palma, además de publicar varios trabajos en solitario como “If you´re lonely” (1972) o “Cul de Sac” (1974) o a dúo junto a Criag Fuller, “Fuller/Kaz” (1978).
Craig Fuller después de la disolución de American Flyer paso a ingresar en la reunificación del grupo Little Feat con los que grabo varios álbumes “Let it Roll” (1988), “Representing the Mambo” (1990) y “Shakes me Up” (1991) y participando en el ultimo trabajo del grupo “Join the band” (2008) en donde interpreto el clásico “Spanish Moon”.
Doug Yule por su parte publico el álbum “Live in Seattle” en el 2002 y su unió al grupo RedDog con quienes publico “Hard Times” (2009).

Birth Control

Birth Control es uno de los grupos más importantes y claramente mas anglosajónizados del llamado krautrock alemán, movimiento del cual ellos nunca se sintieron plenamente identificados y que en la primera mitad de los 70 irrumpió de manera espectacular en el circuito del rock internacional.
Formados originalmente en 1968 por Reinhold Sobotta (organo), Bernd Koschmidder (bajo), Rolf Gurra (saxo y vocales) y Egon Balder (batería), el grupo adopta un estilo muy en la onda de los Deep Purple germinales, el nombre de Birth Control fue la respuesta contra la declaración del Papa Pablo VI, alegando que era pecado mortal utilizar anticonceptivos.
Ya en 1969 apareció un primer single llamado “October- Freedom”, que pasaría bastante desapercibido, pero en donde ya se podía intuir la calidad del grupo.
Un año después debutan con el álbum “Birth Control”, trabajo en el cual había algunos cambios con respecto a la formación original, conformándose esta con Peter Feoller (bajo y voz), Bruno Frenzel (guitarra y voz), Bernd Noske (batería y voz) y Zeus B. Held (teclados, voz y saxo), este trabajo fue precedido por una gran polémica debido a su portada, de formato troquelado que imitaba una caja de píldoras anticonceptivas. Este primer disco careció de una buena producción y el resultado fue de una pésima calidad notándose la inmadurez del grupo, el álbum contenía una versión del tema de The Doors  “Light my fire”.
Posteriormente grabaron el segundo álbum “Operation” (1971), uno de sus trabajos mas celebrados y de mas éxito en las listas, con otra sorprendente portada en donde se mostraba a una hormiga gigante entusiasmada devorando a unos bebes que estaban siendo bendecidos por el propio Papa.
Estaba claro que el grupo ofrecía una cara provocadora y hasta cierto punto ultrajante, lo que les valió no pocos problemas entre la comunidad conservadora, puritana y católica de la época.
El estilo de Birth Control iba poco a poco confirmándose hacia el estilo de las bandas británicas como Spooky Tooth o los mencionados Deep Purple, alejándose del típico rock alemán de sus inicios, el mejor corte de este álbum fue “Stop Little Lady”, compuesto por Bruno Frenzel como casi todas las canciones del álbum.
Después de este trabajo se publico el álbum “Believe In The Pill” (1972) que no era otra cosa que un recopilatorio de sus dos primeros álbumes, más tres rarezas. Y la polémica de las portadas seguía su camino, esta vez mas provocativa aún, mostrando a un feto tirado en un cubo de la basura en plena calle.
En 1973 son fichados por el sello CBS. y debutan a nivel internacional con el fantástico álbum “Hoodoo man” (74) en donde Sobotta fue reemplazado por Wolfgang Neuser un álbum este en donde la voz desgarradora y brutal de Noske, los riffs de guitarra y los solos de órgano de iglesia resultaban apabullantes, y en donde sobresalían, el clásico “Gamma Ray”, el sorprendente “Buy!” y el soberbio “Get Down To Your Fate”.
Y como no podía ser de otra manera la portada de este álbum volvía a sembrar la polémica, mostrando a una mujer enorme y obesa como dueña del nacimiento del hombre y que le esta dando cuerda como si de un muñeco se tratara.
Posteriormente se publico “Rebirth” (1974), aquí el teclista Wolfgang Neuser fue reemplazado por Bernd "Zeus B." y Dirk Steffens fue contratado como segundo guitarra. Este trabajo es mucho mas instrumental que su antecesor y sigue utilizando la formula de Hard-Rock progresivo, pero no consigue el efecto de su antecesor álbum, después del mismo Dirk Steffens abandona la banda para formar su propio grupo.
En CBS editarán otros tres álbumes: “Re birth” (74), “Live” (74) y “Plastic people” (75).
Este último fue un trabajo soberbio de rock progresivo denso, muy elaborado y con un sonido formidable, destacando temas como “My Mind” o “Plastic People”, en el álbum aparecían otros músicos como Jochen Grumbkow (violoncelo), Christoph Noppeney (viola) y Friedemann Leinert (flauta).
En 1976 volverán al sello alemán Brain, con quienes graban “Backdoor possibilities” que sigue la línea del anterior con un sonido denso y muy elaborado, pero con toques jazzisticos y con elementos hard-rock que recordaban a su primera época.
Los siguientes trabajos pierden parte de su energía y empuje, hecho este que coincidía con el declive del rock alemán; “Increase” (77) “Titanic” (78), “Count of Dracula” (1980) y “Live 79” (1979).
A partir de aquí sus publicaciones se ciñen exclusivamente dentro del marco local alemán y algunos pocos países europeos.
“Bang” (1982), supuso una vuelta a sus orígenes de hard rock que les devolvió cierto crédito entre los seguidores.
Un año después murió su fundador Bruno Frenzel después de una larga enfermedad.
Posteriormente se lanzaron álbum de reuniones y conciertos esporádicos de los miembros de Birth Control como “Condomium Live” (1993), “Two Worlds” (1995), “Deal done at night” (1996) o “Jungle Life” (1996).
En 1998 salio a la luz el álbum “Getting There” y además de algunos trabajos en solitario de algunos de los miembros como “Come out at night” de Bernd Norske aparecido en 1999.
Estos últimos años la banda ha publicado numerosos directos de los que destacan “Live in Fulda” (2004) o “Live at Rockpalast” (2005).

Golden Earring

Golden Earring han pasado a la historia del rock por varios motivos de gran trascendencia, una de ellas, ser una de las más longevas bandas del rock con casi cincuenta años desde su fundación y otra el ser una de las pocas bandas holandesas que han vendido millones de álbumes en todo el mundo, rivalizando con las bandas anglosajonas más punteras.
Con más de una treintena de discos de oro y platino, construyeron su reputación no solo merced a sus buenos álbumes, si no a unas soberbias actuaciones en vivo, que aún hoy en día son dignas de admiración.
Formados originalmente en 1961 en la ciudad holandesa de The Hague con el nombre de Golden Earring’s, obtuvieron una impresionante serie de números uno en su país con un estilo que se acercaba al pop con influencias beat, pero también con ramalazos de rock, entre esos hits estaban canciones como “Just Earring”, “Winter harvest”, “Miracle mirror”, “On the double” o “Eight miles high”.
Fue en 1969 cuando se producen varios cambios significativos en el devenir del futuro de la banda, por un lado suprimen la «s» de su nombre y pasan a llamarse Golden Earring. Al mismo tiempo, cambian también de estilo, dejando el pop por un rock comercial pero de raíz progresiva y vanguardista.
Igualmente se reorganiza la formación del grupo pasando a componerla el guitarrista George Kooymans y el bajista y teclados Marinus Gerritsen, ambos los únicos miembros originales que junto a Barry Hay a la voz, flauta y saxo y Cesar Zuiderwijk a la batería, inician una segunda etapa que les llevará al éxito internacional, primero con el tema “Back home” en USA y a partir de 1972 en Inglaterra y Europa, después de actuar como teloneros en la gira de The Who de ese año. Entre 1969 y 1972, el grupo edita los álbumes “Golden Earring”, “Sing my song”, “Seven tears”, “Together” y “The best of Golden Earring”, que les mantienen en primera línea de los circuitos punteros del rock. En 1973 se edita en Inglaterra “Hearring Earring”, un recopilatorio con lo mejor del grupo, que obtiene un resultado apabullante. En 1974, el álbum “Moontan” y el single “Radar love”, llevan al cuarteto a su auge internacional y a la fama mundial con un éxito absoluto y casi sin precedentes. Con la entrada del teclista Robert Jan Stips y unos impactantes shows en vivo, la banda mantiene su popularidad con “Switch” (75), “To the hilt” (76), “Mad love” (77) y el doble Lp grabado en vivo “Live” (77).
En esos años la banda seria una habitual de la escena hard rock mundial, telonenando a grandes estrellas como Santana, Rush, o The Doobie Brothers.
Eelco Gelling (guitarra) entra en el grupo por Stips, aunque éste colabora en el álbum “Contraband” (77). Con los álbumes recopilatorios “Story” y “Portrait of Golden Earring”, la banda entra en crisis, sin que su siguiente LP “Grab it for a second” (79), les devuelva a su estela triunfal de antaño, aunque mantienen el status dignamente.
La década de los ochenta también les seria bastante fructífera con buenos álbumes y grandes giras en donde seguían siendo aclamados en el mundo entero, trabajos como “Prisioner of the Night” (80), “Cut” (82), “The Hole” (86) o mas recientemente “Milbrook U.S.A.” (2008) por mencionar algunos de la docena de álbumes editados estos últimos años.
A mediados de los 90 el grupo obtuvo otro gran éxito con el directo “The Naked Truth” y el posterior “Naked II”, ambos directos acústicos que pusieron en orbita nuevamente al grupo.
En el 2010 la banda publico “TBA”, su ultimo trabajo hasta la fecha.
Bandas legendarias como The Rolling Stones, The Who o The Beach Boys son unos admiradores de Golden Earring, quienes a principios de los setenta fueron tachados por algunos como una mera copia de los americanos Grand Funk Railroad, afirmación esta, que no se ajustaba a la realidad ya que los holandeses eran anteriores a los americanos y su estilo no les emparentaban en absoluto.
Desde luego, su larga y prolífica carrera merece un pleno reconocimiento y un merecido respeto que hoy en día pocos conocen o pocos recuerdan.

The Crusaders

Uno de los más formidables grupos de jazz-rock surgidos en los años 60, fueron The Crusaders, que con grabaciones propias y como músicos de sesión para otros artistas, se consagraron como un conjunto eminentemente instrumental en los años 70 de enorme prestigio.
Su amplísima discografía de 1961 a 1969, así como las recopilaciones aparecidas en los 70 procedentes de esta época, puede concretarse en los álbumes firmados como The Jazz Crusaders: “Freedom sound” (61), “Looking ahead” (62), “At the Lighthouse” (63), “Tough talk” (63), “Heat wave” (65), “Chile con soul” (66), “Live at lighthouse 66” (66), “Talk that ralk” (66), “Festival album” (67), “Uh huh!” (68), “Lighhouse 68” (68), “Powerhouse” (69), “Lighthouse 69” (69) y “Best of Crusaders”.
En 1971 inician su carrera como The Crusaders, formando el grupo Joe Sample (teclados), Wilton Felder (saxo y bajo), Wayne Henderson (trombón), Nesbert Stix Hooper (percusión) y el único blanco del grupo, Larry Carlton (guitarra). Su discografía alcanza una gran brillantez dentro de un jazz progresivo con un trasfondo rock, pero con pautas de absoluta libertad y esquemas clásicos, alejados de vanguardismos a ultranza. Estos albums son: “Crusaders 1” (71), “Second Crusade” (72), “Unsung heroes” (73), “Scratch” (75), “Southern comfort” (75) y “Chain reaction” (75). Robert «Pops» Powell se les une en “Those southern knights” (76) y Henderson se va antes de “Free as the wind” (77), Billy Rogers sustituye a Carlton en “Images” (78) y en 1979 el grupo cambia por completo, quedando convertido en trío con Felder, Sample y Hooper. El cual graban el album “Street life” (79), que siguen con “Rhapsody and blues” (80) y en 1981 el brillante “Standing tall”, con la ayuda de Joe Cocker en las voces en varios temas.
Posteriormente, Joe Sample graba en solitarios los trabajos “Rainbow seeker” (78) “Carmel” (79), “Nancy dance” (79) “Voices in the rain” (81) o “Spellbound” (1989) y “No Regrets” junto a Randy Crawford (2008), su ultimo trabajo, entre otros muchísimos mas.
Por su parte Wilton Felder ha publicado “We all have a star” (78) e “Inherit the wind” (80). Wayne Henderson debutó en solitario con “Living on a dream” (78) y siguió su propia carrera con los álbumes “Step into your life” (78) y “Emphasised” (79), y aunque han aparecido otros dos álbumes mas suyos, “Freedom sounds” y “At Big Daddy’s place”, su carrera ha estado llena de altibajos.
Stix Hooper por su parte ha editado un único album titulado “The world within” (79).
Pero ha sido Larry Carlton junto a Joe Sample quien ha tenido una carrera mas prolífica y llena de éxitos y interesantísimos trabajos, así una vez dejado The Crusaders publico “Larry Carlton” (1977) al que siguieron “Mr.335 Live in Japan” (1979), “Strikes Twice” (1979), “Seleepwalk” (1981), “Last Nite” (1986), “Alone/But Never Alone” (1986) o “Renegade Gentleman” (1991) entre otros muchos y así hasta llegar a “Take Your Pick” (2010) su ultimo álbum publicado.
Antes Carlton ya tenia los registros “With a Little Help” (1968) y “Singing/Playing” (1973), trabajos estos aún bastantes primitivos en cuanto a su estilo inconfundible.
Varios de sus discos han sido galardonados como mejores álbumes del año y han sido premiados con el Grammy como “Last Nite”, o el tema para la serie de Tv “Hill Street Blues” (1981).
Además ha colaborado en infinidad de registros de otros artistas como Steely Dan, Michael Jackson, Billy Joel, Quincy Jones, Joni Mitchell o Barbra Streisand entre otros muchos.
Ha sido igualmente elegido como mejor guitarrista de jazz del año en varias ocasiones y ha compartido escenario con otros grandes de la guitarra como Steve Lukather de Toto o Robben Ford en giras por medio mundo, además de componer la formación de Steely Dan en varias giras mundiales.
También participa asiduamente en el súper grupo Fourplay junto a Bob James, Nathan East, y Harvey Mason, desde 1997 cuando sustituyo a Lee Ritenour como guitarrista de la banda y con los cuales ha grabado varios álbumes como “4” (1998),” Yes, Please” (2000), “Journey” (2004) o “Energy” (2008).

Various Artists-GRP Live In Session (1985)

El sello discográfico GRP, fue fundado a finales de la década de los 70 por el teclista Dave Grusin, junto al músico y productor Larry Rosen, y que se centró principalmente en el jazz fusión y el smooth jazz.
Los primeros álbumes publicados bajo el sello fueron “Legends” de Dave Valentine y "Mountain Dance" de Dave Grusin y a partir de 1982 empezarían a publicar todos sus lanzamientos en formato digital en compact disc, además del formato de vinilo con grabaciones digitales, siendo el primer sello mundial en hacerlo.
Entre muchos otros artistas que grabarían para este sello estaban Dave Valentine, Sadao Watanabe, Tom Scott, David Benoit, Russ Freeman, Billy Cobham, Lee Ritenour, Kevin Eubanks, Chick Corea, Dianne Schuur, John Patitucci o Dave Samuels.
En 1985 se edita el disco "Live in Session", un directo que culmina la larga gira que algunas de las estrellas del sello habían realizado por Europa y Estados Unidos.
"Live in Session", es un documento extraordinario de gran interacción entre todos estos artistas juntos en el escenario, una perfecta espontaneidad combinada con una relación sensacional entre todos ellos.
Desde "Mountain Dance" inicial de Dave Grusin hasta el éxtasis final con el éxito "St Elswhere" hasta "Oasis" de Dave Valentin, el tour de force de guitarra de Ritenour con "The Rit Variations" y "Rio Funk" o la sensibilidad fascinante de Diane Schuur en "Reverend Lee".

Climax Blues Band

En plena fiebre del llamado “white british blues”, nace esta banda inglesa que en un principio se denominarían Climax Chicago Blues Band y que durante finales de los sesenta y principios de los setenta compitió con otras coetáneas como Savoy Brown, Fleetwood Mac, Chicken Shack y otras muchas mas.
La formación original comprendía a Peter Haycock (guitarra y voz), Dereck Holt (bajo y voz), Colin Cooper (saxo, voz y guitarra), Richard Jones (teclado) y John Cuffley (batería), quienes consiguen un contrato con la subsidiaria de Emi, Parlophone y publican su primer álbum “Climax Chicago Blues Band” (69) que resulta un trabajo lleno de calidad y en donde el blues sofisticado que practicaban, pronto les hace destacar entre la prensa y el publico británico
Al año siguiente llega “Plays on” (69), su segundo álbum en donde el grupo se acerca al vanguardismo, derivando el blues hacia la investigación y la creación de nuevas cotas sonicas.
Después de este álbum entran a formar parte del grupo Arthur Wood (teclado) y George Newsome (batería) en lugar de Cuffley y Jones. Con esta formación el grupo graba dos  sensacionales LP’s, “A lot of bottle” (70) un álbum espectacular y que descubría al gran publico una banda formidable de inteligencia creativa en concepto de nuevas sonoridades dentro del blues y posteriormente “Tightly knit” (71), otro soberbio trabajo de blues creativo y experimental y que fueron publicados por el sello especializado en rock de vanguardia Harvest.
La tercera obra cumbre de esta etapa del grupo y en donde acortaron su nombre a Climax Blues Band supuso uno de los más asombrosos álbumes de rock and blues británico de su historia, el apoteósico “Rich man” (72), formando ahora el grupo Cooper, Haycock, Holt y John Cuffley, que regresaba.
Seguirán los álbumes “FM/Live” (74), “Sense of direction” (74) y “Stamp album” (75), para el cual regresaba Jones.
Poco después se publica el recopilatorio “1969-72” (75) y, aunque lejos de su poderío inicial, el grupo se estabiliza ahora con una notable línea de albumes de excelente factura como: “Gold plated” (76), “Shine on” (78), “Real too reel” (79) y “Flying the flag” (80).
En la década de los ochenta el grupo mostró una cara mas comercial, faceta que ya habían empezado con el pegadizo tema “Couldn´t get it Right” del Álbum “Gold Plated”, que llego a los primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
Y así fueron sucediendose los álbumes con ese tratamiento comercial pero nunca exentos de gran calidad como “Lucky for Some” (1981), “Sample and Hold” (1983), “Drastic Steps” (1988), “Blues from the Attic” (1993) o “Big Blues” (2004).
La banda ha seguido estas últimas décadas girando alrededor del mundo, especialmente en festivales de blues y continuamente se reeditan sus mejores trabajos así como recopilatorios y grandes éxitos de su etapa dorada.
Por ultimo Colin Cooper fallecería en el 2008 a la edad de 69 años victima de un cáncer.

Yes-The Ladder (1999)

El décimo octavo álbum de Yes, “The Ladder”, publicado en 1999, es para muchos el mejor y mas solido trabajo que la banda lanzaría en los noventa.
Por primera vez en su historia, la banda deja de ser un quinteto para estar integrada por seis músicos, con la inclusión de Billy Sherwood, como segundo guitarrista junto a Steve Howe. Por otro lado aquí también aparece Igor Khoroshev como el nuevo teclista, sustituyendo a Rick Wakeman
“The Ladder”, es un magnífico intento por recuperar el sonido clásico de los 70 como se puede intuir en cortes como “New Language”, un claro guiño a emblemáticos temas como son las clásicas “Parallels”, “Siberian Khatru” o “Tempus Fugit”.
El brillante sonido del Hammond por parte de Khoroshev, que en parte nos recuerda al Patrick Moraz del álbum "Relayer", el ritmo frenético que tanto Howe como Squire imprimen y un Alan White que cambian su estilo hacia un sonido mas dinámico, usando más recursos y mucha mas velocidad que el resto del grupo y la magnífica voz de Jon Anderson, hacen de este álbum, un verdadero retroceso musical hacia la época gloriosa de la banda.

Quintessence

Quintessence fueron un grupo inglés de influencias religiosas y orientales, con una amalgama fusión de jazz y rock dentro de una ambigua estructura sónica, más colorista que importante, que se convirtieron en uno de los grupos más exóticos de los surgidos en los años 60.
Quintessence surgieron del centro artístico de Oxford Gardens y formaban la banda: Raja Ram, a la flauta, voz y piano; Shiva Shankar, a la voz y teclados; Shambhu Babaji; al bajo; Jake Milton, a la batería; y Maha Dev y Allan Mostert, a las guitarras.
Todos ellos se unieron a raíz de unos curiosos incidentes ocasionados en el barrio artístico de Oxfords Gardens, donde poetas, músicos, pintores e incluso la parroquia del lugar habían colaborado para su expansión.
La parroquia tenia una parte fundamental en todo lo relacionado con ello ya que la base de la música de Quintessence era la religión y en ella su problemática universal, y no es que se dirigían a un solo dios o a una sola forma divina, sino a todas las existentes y ello era lo que confería a su música ese policromo entorno que les distinguió.
Todo eso se conseguía con una compleja mezcla de rock, jazz, gospel, blues, estilos cuales les aplicaban estructuras sonoras tan dispares como las raíces de la música oriental, tibetanas, judaicas, etc.
Todos sus álbumes eran partiendo de esta base, un descomunal templo sinfónico en donde casi todo cabía. Es decir podríamos decir que este era un estilo verdaderamente progresivo.
Con producción de John Abraham, que había colaborado con Ravi Shankar y Yehudi Menuhin y que era experto en materias orientales, el sexteto debuta con “In blissful company” (69), a las pocas semanas de constituirse el grupo.
Este trabajo maravillo a los críticos del jazz, blues, músicas del mundo, del pop, etc.
A este primer álbum le siguieron “Quintessence” (70) y “Dive Deep” (70) que formaban la parte más genuina de su obra.
En 1972, empiezan a haber las primeras deserciones y así Shiva deja el grupo para formar otro de estructura similar, y Maha Dev también se va.
Con “Self” (72) y “Indweller” (73), Quintessence pierde los valores originales y desaparece, dejando tras de si una breve pero intensa historia que indudablemente no destacarían por ser un grupo de impacto, ni de listas, ni siquiera de hits, pero que lograron su propósito de crear algo distinto, con muchísima personalidad y originalidad.

Saxon-Wheels Of Steel (1980)

Formados a mediados de los setenta, Saxon es una de las abanderadas del movimiento del heavy metal británico, comúnmente también llamado New Wave Of British Heavy Metal, junto a otras formaciones coetáneas como Iron Maiden, Diamond Head, Samson, Praying Mantis, Motorhead o Def Leppard entre otras muchas más. Su núcleo principal giraba en torno a los guitarristas Graham Oliver y Paul Quinn, que junto al cantante Peter Byford, el bajista Steve Dawson y el baterista Peter Gill, obtuvieron una gran repercusión con su primer álbum publicado en 1979. Pero seria con su segunda entrega cuando lograrían entrar en el olimpo del heavy metal mundial, con una de las obras maestras del genero, "Wheels Of Steel" (1980). Con este segundo disco, Saxon mostraban el sonido que los convertiría en una referencia del movimiento heavy, con piezas tan memorables como "Freeway Mad", "Motorcycle Man", "747 (Strangers in the Night", "Wheels of Steel" o "Machine Gun".

Un sorprendente quinto puesto en las listas británicas, con una certificación de disco de oro, avalaron este grandioso y enérgico álbum del mejor heavy metal.

James Gang

Este grupo norteamericano de hard rock, originarios de la ciudad de Cleveland, Ohio, atesoran tras de si una rica pero poco valorada obra discográfica y que es primordial en la historia de la música rock de Estados Unidos. Por ella habrían de pasar excelentes músicos, algunos de ellos fundamentales en el devenir de bandas cruciales dentro del panorama rock mundial.
La formación inicial contaba con Glen Schwartz (guitarra), Tom Kriss (bajo) y el líder y fundador, el batería Jim Fox que a mediados de 1966 logran una reputada fama en el circuito de Cleveland y sus alrededores.
Pero esta alineación duraría poco ya que a principios del 69, Schwartz abandona para unirse al grupo Pacific Gas and Electric y es sustituido por el guitarrista Joe Walsh, quien pronto toma las riendas del grupo con su personalidad y su talento.
En esta época el grupo llego a telonear a Cream en la ciudad de Detroit, realizando una soberbia actuación que no hizo más que asentar la calidad e incrementar la popularidad del grupo a nivel nacional.
El primer LP, “Yer album” (69), les revela como gran banda. Tras él se va Kriss y entra Dale Peters (bajo y voz).
Con esta formación, el trío graba sus tres mejores obras: “Rides again” (70), “Thirds” (71) y el doble LP grabado en vivo “Live in concert” (72). Ya posteriormente y con el respaldo de Pete Townshend, James Gang se presentan en Europa con gran éxito teloneando a The Who.
Posteriormente la banda intervendría en la película "Zachariah", un musical western surrealista basado en la novela de Herman Hesse; “Siddartha”.
En noviembre de 1971, Joe Walsh decide abandonar la nave para seguir en solitario una carrera llena de éxitos.
Walsh junto a Joe Vitale y Kenny Passarelli formarían la banda Barnstorm y publicaron su primer álbum “Barnstorm” (1972) y un año después el excelente álbum “The Smoker You Drink, The Player You Get” (1973), que contenía el hit mundial “Rock Mountain Way” que se convertiría en uno de los clásicos del rock de todos los tiempos.
Poco después la desgracia de ceba con Walsh al perder a su hija pequeña en un atropello.
Destrozado por esta perdida Walsh decide disolver el grupo y se retira durante mas de un año, hasta que casi a finales de 1974 se anima a publicar su primer álbum en solitario “So What” (1974) al que seguirán los exitosos “You Can´t Argue with a Sick Mind” (1976), “But Seriously Folks” (1978) o “There Goes The Neighborhood”(1981).
Pero sin duda seria su entrada como guitarrista de The Eagles y su primordial contribución al apoteósico “Hotel California” (1976) y al magnifico “The Long Run” (1979), lo que le llevaría al estrellato mas absoluto a nivel mundial.
Pero siguiendo con James Gang, después del abandono de Joe Walsh la banda se amplia con varios músicos mas por un lado Domenic Troyano (guitarra y voz) y por otro Roy Kenner (voz) que junto a Fox y Peters, graban los álbumes “Straight Shooter” (72) y “Passin’ thru’” (73). En 1973, es Troyano quien abandona para unirse a The Guess Who, siendo reemplazado por el guitarrista Tommy Bolin, con el se publican los brillantes “Bang” (73) y “Miami” (74).
Pero el año siguiente Bolin acepta la llamada de Roger Glover para unirse a Deep Purple en sustitución de Ritchie Blackmore, siendo seguido de Kenner, que también deja la banda. En 1975, Fox y Peters reaparecen con Rick Shack (guitarra) y Buba Keith (guitarra y voz), con quienes graban los mediocres “Newborn” (75) y “Jesé come home” (76), que se convierten en los dos últimos trabajos oficiales del grupo y posteriormente se precipita la disolución definitiva de James Gang. Ya en 1972 se había editado el recopilatorio “The best of James Gang”, con lo mejor de la etapa estelar, en la que Joe Walsh era el hombre fundamental de una banda que ha pasado a la historia como una de las pioneras del hard rock norteamericano.

National Health-National Health (1978)

National Health fue una de las ultimas grandes bandas del movimiento del sonido Canterbury, interpretando el mismo estilo progresivo de influencias de jazz, rock y música clásica de la extinta banda Hatfield and The North. Formada por antiguos miembros de la mencionada Hatfield and The North, Caravan, Egg, Khan o Colosseum, estaba formada por Phil Miller (guitarra), Dave Stewart (teclados), Pip Pyle (batería) y Neil Murray (bajo), además de los músicos colaboradores Alan Gowen (teclados), Jimmy Hastings (flauta, clarinete), Amanda Parsons (voz) y Joni Mitchell (percusión). En 1978 publicaron su debut homónimo en donde sobresalían la epopeya "Tenemos Road", una de las piedras angulares del sonido Canterbury, las jazz rock "Brujo" y "Borogoves (Excerpt from Part Two)", en ambas todos los miembros de la banda muestran sus destrezas musicales de manera deslumbrante, para acabar este primer album con  la edificante jazz "Elephants".

Catherine Ribeiro & Alpes-Paix (1972)

Catherine Ribeiro & Alpes fueron una de las bandas mas originales del underground francés de la década de los 70. Su estilo siempre fue difícil de definir, ellos utilizaban elementos del folk, la experimentación, la psicodélica y los sonidos progresivos. Liderada por el guitarrista Patrice Moullet y la cantante Catherine Ribeiro, tenían en el organista Patrice Lemoine, el bajista Jean-Sebastian Lemoine y el percusionista Michel Santangelli, el resto de esta particular banda gala. En 1972 lanzaron su cuarto trabajo bajo el sello Philips titulado "Paix", que con sus dos largas suites, es considerado su trabajo más progresivo y su obra cumbre. Estas dos suites son “Paix”, en donde muestran el típico sonido del krautrock alemán debido a los teclados espaciales, los sonidos ácidos, hipnóticos y oscuros y el ambiente inquietante de toda la pieza.

Por otro lado "Un Jour...la Mort", muestra un sonido mas intenso, con grandes capas de teclados y pasajes sonoros de guitarra y una percusión palpitante.

Durante los siguientes años, esta banda francesa seguiría publicado regularmente trabajos hasta 1980, cuando lanzaron su última obra, para poco después desintegrarse definitivamente.

The Allman Brothers Band-Shades Of Two Worlds (1991)

Uno año después de su reunificación lanzando el álbum "Seven Turns", The Allman Brothers Band volverían a publicar un nuevo trabajo, el cual se constituyo uno de sus mejores logros, casi a la misma altura de sus grandes obras de los setenta. En esta nueva entrega titulada "Shades Of The Two Worlds", la banda originaria de Jacksonville vuelven a mostrar su imponente estilo con un álbum repleto de country, rock, jazz y blues, todo ello bajo el envoltorio del rock sureño. Grabado en los estudios Ardent Recording de Memphis, fue producido por Tom Dowd y los propios Allman, que por aquellos años estaba formada por Gregg Allman, Dickey Betts, Butch Trucks, Warren Haynes, Marc Quiñones, Allen Woody y Jai Johanny. Piezas tan magnificas como los poderosos blues rock "Get On With Your Life" o "Desert Blues", conviven con los acercamientos a los sonidos jazzisticos "Kind Of Bird" y "Bad Rain", o con los polvorientos rock sureños "End Of The Line" y "Midnight Man", sin olvidarnos de sus raíces country y folk con "Come on in My Kitchen" o sus típicas jams extendidas con la soberbia "Nobody Knows". En definitiva, con este nuevo trabajo The Allman Brothers volvieron a reivindicar su esplendoroso pasado, dejándonos para la posteridad uno de los mejores álbumes de la música de raíces norteamericana.

Nitty Gritty Dirt Band

Este es uno de los grandes grupos del country rock norteamericano más característico y en el que, junto a los miembros originales, han actuado otros grandes del género como Jackson Browne y otros coetáneos legendarios del folk y el country.
Originalmente la Nitty Gritty Dirt Band se forma en 1966 en California cuando de las cenizas de la germinal formación The Jug Band formada por el cantante Bruce Kunkel y el guitarrista Jeff Hanna se unen a Jimmie Fadden voz y armónica, Ralph Taylor Barr guitarra y Leslie Steven Thompson, bajo.
Posteriormente se les unirían John McEuen banjo, Chris Darrow guitarrista y Jim Ibbotson guitarra y teclados.
A finales de 1966 el grupo consigue un contrato con el sello Liberty quien les asegura un mínimo de ocho álbumes.
A principios de 1967 llegaría el primer álbum titulado “Nitty Gritty Dirt Band” que cosecha un discreto éxito gracias al tema “Buy me for the rain”.
Los siguientes álbumes obtienen meritorios resultados en las listas del country; “Ricochet” (1967), “Rare Junk” (1967), “Pure Dirt” (1968) y “Dead and Alive” (1969).
Pero fue su sexta grabación, “Uncle Charlie and His Dog Teddy” (1970), el que les convertiría en el grupo revelación del country and folk rock de aquel año, incluyendo tres éxitos pop, entre ellos la versión de Jerry Jeff Walker: “Mr. Bojangles”. De los muchos temas sobresalientes en “Uncle Charlie”, hubo también una versión de Earl Scruggs: “Randy Lynn Rag”. Esto puso en marcha lo que se convertiría posteriormente el álbum “Will The Circle be Unbroken”, una verdadera suma de talentos la cual incluía a grandes figuras del country como Scruggs, Doc Watson, Merel Travis, Roy Acuff and Mother Maybelle Carter...etc, este álbum triple grabado en un estudio de Nashville durante mas de seis días de 1971, se convirtió en un evento antológico y memorable y un hit multi-platino. “With the Circle...” permanece como un importante trabajo; a 30 años de su lanzamiento y es una de las 50 grabaciones honoradas y preservadas por la biblioteca del Congreso de los Estados Unidos como parte fundamental en la historia de la música norteamericana.
Un año después llegaría otra gran obra “All the good times” y participan en la película “Paint your Wagon”, hecho este que les hace aún mas populares.
Ambos trabajos fueron publicados por el sello United Artists una vez había finalizado el contrato que la banda tenia con Liberty.
Después de este ultimo trabajo Darrow y Thompson abandonan la banda, quedando esta conformada como cuarteto y así graban “Stars and Stripes forever” (1974) y “Dream” (1975).
A finales del año siguiente Hanna también decide abandonar la banda y el resto deciden continuar como “The Dirt Band” y empiezan esta nueva era con el triple álbum “Dirt, Silver and Gold” (1976), disco de versiones de clásicos del country and western.
Posteriormente llegarían “The Dirt band” (1978), “An American Dream” (1979) y “Make a little magic” (1980) que pasan bastantes desapercibidos fuera del circuito folk.
Tras algunos éxitos en la primera década de los 80’s, la banda regresó a Nashville una vez más y comenzó lo que se convertiría en una carrera bastante exitosa en la música country con tintes comerciales. Entre los exitos estaban “Dance Little Jean”, “Workin’ Man”, “Long Hard Road”, “Baby’s Got A Hold On Me” o “Fishin’ in the Dark”, que elevaron al grupo en la cima de las listas de country en las siguientes décadas y que pertenecían a álbumes como “Jealousy” (1981), “Twenty Years of Dirt” (1986), “Will the Circle be Unbroken Vol,Two” (1989) “The Rest of Dream” (1990) o “Not Fade Away” (1992).
Finalmente “Welcome to Woody Creek” (2004) y “Speed of Life” (2009) son los dos últimos registros de la banda.
Así mismo la banda ganaría en 1989 el premio Grammy al mejor álbum de country con “Will the Circle be Unbroken Volumen Two” y en 1992 haría lo mismo con el álbum “Acoustic”.